Живопись эпохи Возрождения

Началом ренессансной живописи считают эпоху Дученто, т.е. XIII века. Проторенессанс ещё тесно связан со средневековыми романскими, готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII - начала XIV вв. ещё далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, ещё использую условные образы византийской изобразительной системы - скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведён, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделённом свойствами реальности - объёмом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приёмов передачи на плоскости объёма и трёхмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря ей, фигуры и здания приобретают плотность и объём.

По-видимому, первым, кто применил античную перспективу, был флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожалению, самая его значительная работа - серия росписей на темы Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчётливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращается от итальянской живописи

XIII века, усвоившей византийские традиции, к их непосредственным истокам. Он почувствовал в них то, что осталось недоступным его современникам, - гармоническое начало возвышенную эллинскую красоту образов.

Жесткость и схематизм уступают место музыкальной плавности линий. Фигура Мадонны уже не кажется бесплотной. В средневековой живописи ангелы трактовались как знаки, как атрибуты Богоматери, они изображались как маленькие символические фигурки. У Чимабуэ они приобретаю совершенно новый смысл, включаются в сцену, это прекрасные юные существа, предвосхищающие тех грациозных ангелочков, которые появятся у мастеров XV века.

Творчество Чимабуэ было исходным пунктом тех новых процессов, которые определили дальнейшее развитие живописи. Но историю искусства невозможно объяснить только эволюционным путем. Иногда в нём обнаруживаются резкие скачки. Великие художники предстают смелыми новаторами, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи ХIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337) . Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей.

Флорентиец по рождению, он работал во многих городах Италии. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто - цикл росписей в капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа. Этот уникальный живописный ансамбль - одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных отдельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл. 38 сцен из жизни Христа и Марии («Встреча Марии и Елизаветы», «Поцелуй Иуды», «Оплакивание» и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения. Джотто придает формам почти скульптурную ощутимость, тяжесть, плотность. Он моделирует рельеф, постепенно высветляя основной красочный фон. Этот принцип светотеневой моделировки, позволявший работать чистыми, яркими красками без темных теней, стал господствующим в итальянской живописи вплоть до ХVI века.

Реформа, произведенная в живописи Джотто, произвела глубокое впечатление на всех его современников.

Влияние Джотто приобрело свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто. Этап Раннего Возрождения называют триумфальным периодом в истории искусства. Щедрость, размах художественного творчества в Италии ХV века создает впечатление небывалой творческой активности скульпторов и живописцев.

Слава основоположника живописи Кватроченто принадлежит флорентийскому художнику Мазаччо, умершему совсем молодым (1401-1428). На его фресках фигуры, написанные по законам анатомии, связаны между собой и с пейзажем. Его холмы и деревья уходят в даль, образуя естественную воздушную среду. Жизнь людей и природы связывается в еденное целое, в единое драматическое действие. Это новое слово в мировом искусстве живописи.

Флорентийская школа долгое время оставалась ведущей в искусстве Италии. В нем существовало и боле консервативное течение. Художники этого направления были монахами, поэтому в истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был брат Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (1387-1455).

Характерная черта живописи позднего Кватроченто - многообразие школ и направлений. В это время складываются Флорентийская, умбийская (Пьеро дела Франческа, Пинтуриккьо, Перуджино) североитальянская (Мантеньи), венецианская (Джованни Беллини) школы.

Один из самых выдающихся художников Кватроченто - Сандро Боттичелли (1445-1510) - выразитель эстетических идеалов двора знаменитого тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников.

В искусстве Боттичелли происходит своеобразный синтез средневекового мистицизма с античной традицией, идеалов готики и Возрождения. В его мифологических образах происходит возрождение символизма. Он изображает прекрасных античных богинь не в чувственных обликах земной красоты, а в романтических, одухотворённых, возвышенных образах. Прославившая его картина - «Рождение Венеры». Здесь мы видим своеобразный женский образ Боттичелли, который не спутаешь с работами других художников. Боттичелли удивительно сочетал языческую чувственность и повышенную одухотворённость, скульптурную женственность и нежную хрупкость, изысканность линейную точность и эмоциональность, изменчивость. Он один из самых поэтических художников в истории искусств. Он предпочитает символические, аллегорические темы, любит мечтать, выражаться намёком.

Ранний Ренессанс длился около столетия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром художественной жизни в это время становится Рим.

Если искусство Кватроченто - это анализ, поиски, находки, свежесть юношеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса - это итог, синтез, мудрая зрелость. Поиски художественного идеала в период Кватроченто привели искусство к обобщению, к раскрытию общих закономерностей. Главное отличие искусства Высокого Ренессанса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у великих мастеров Чинквеченто в грандиозном обобщении.

Образ прекрасного, сильного духом человека составляет главное содержание искусства того времени. В отличии от искусства ХV века ему свойственно стремление постигнуть и воплотить общую закономерность явлений жизни.

Это была эра титанов Возрождения, подарившая мировой культуре творчество Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. В истории мировой культуры эти три гения, несмотря на всю их несхожесть, творческую индивидуальность олицетворяют главную ценность итальянского Возрождения - гармонию красоты, мощи и интеллекта. Их жизнь - свидетельство того изменения отношения общества к творческой личности художника, которая характерна для эпохи Возрождения. Мастера искусств стали заметными и ценными фигурами в обществе, они справедливо считались образованнейшими людьми своего времени.

Эта характеристика, может быть, больше, чем к другим деятелям Возрождения, подходит к Леонардо да Винчи (1452 - 1519). Он объединил в себе художественный и научный гений. Леонардо был ученым, изучающим природу не ради искусства, а ради науки. Поэтому до нас дошло так мало законченных произведений Леонардо. Он начинал картины и бросал их, как только проблема казалась ему ясно сформулированной. Многие его наблюдения предвосхищают развитие европейской науки и живописи на целые столетия. Современные научные открытия подогревают интерес к его научно-фантастическим инженерным рисункам.

Его «Мадонна в гроте» - первая монументальная алтарная композиция Высокого Ренессанса. Это большая картина распространенного в ренессансной живописи формата, который напоминает окно, закругленное наверху.

Новым этапом в искусстве была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария деле Грацие на сюжет «Тайной вечери», который писали многие художники Кватроченто. «Тайная вечеря» - краеугольный камень классического искусства, в ней осуществлена программа Высокого Возрождения. Леонардо работал над этим произведением 16 лет. Громадная фреска, где фигуры написаны в полтора раза больше натуральной величины, стала примером мудрого понимания законов монументальной живописи, связанной с реальным пространством интерьера. В ней воплотились научные изыскания художника в области физики, оптики, математики, анатомии, необходимые для решения проблем пропорций и перспективы на огромном живописном пространстве. Главное же, гениальное произведение Леонардо обладает огромном психологической силой. Никто из художников, изображающих тайную вечерю до Леонардо, не ставил такой сложной задачи - через реакцию разных людей, индивидуальностей, темпераментов, эмоциональных откликов показать единый смысл этого великого момента. 12 апостолов, 12 разных характеров по-разному проявляют себя в момент душевного потрясения. Через их эмоциональные реакции, выраженные в движении, раскрываются извечные вопросы человека: о любви и ненависти, преданности и предательстве, благородстве и подлости.

Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо «Джоконда». Этот портрет жены купца дель Джокондо приковывал внимание на протяжении столетий, о нем написаны сотни страниц комментариев, его похищали, подделывали, копировали, ему приписывали колдовскую силу. Неуловимое выражение лица Джоконды не поддается точному описанию и воспроизведению. Этот портрет стал шедевром ренессансного искусства.

Впервые в истории мирового искусства портретный жанр встал на один уровень с композициями на религиозную тему.

Идеи монументального искусства Возрождения нашли яркое выражение в творчестве Рафаэля Санти (1483-1520). Леонардо создал классический стиль, Рафаэль утвердил и популяризовал его. Искусство Рафаэля часто определяют как «золотую середину».

Творчество Рафаэля отличают качества классики - ясность, благородная простота, гармония. Всей своей сутью оно связано с духовной культурой Ренессанса. Он был на 30 лет моложе Леонардо, а умер почти одновременно с ним, успев совершить так много в истории искусств, что трудно представить, что все это мог исполнить один человек. Разносторонний художник, архитектор, монументалист, мастер портрета и многофигурной композиции, талантливый декоратор, он был центральной фигурой художественной жизни Рима. Вершиной его мастерства стала «Сикстинская мадонна», написанная в 1516 г. Для бенедиктинского монастыря в Пьяченце (сейчас картина находится в Дрездене). Для многих она является мерилом самого прекрасного, что способно создать искусство.

Эта алтарная композиция в течение веков воспринимается как формула красоты и гармонии. Трагическим чувством веет от поразительно одухотворенных лиц Мадонны и младенца-Бога, которого она отдает во искупление человеческих грехов. Взгляд Мадонны направлен как бы сквозь зрителя, он полон скорбного предвидения. В этом образе воплощен синтез античного идеала красоты с духовностью христианского идеала.

Историческая заслуга искусства Рафаэля в том, что он связал в одно целое два мира - мир христианский и мир языческий. С этого времени новый художественный идеал надолго утвердился в религиозном искусстве Западной Европы.

Скульптура эпохи Возрождения

Светлый гений Рафаэля был далек от психологической углубленности во внутренний мир человека, как у Леонардо, но еще более но чужд трагическому мироощущению Микеланджело. Микеланджело Буонарроти (1475-1564) прожил долгую, трудную и героическую жизнь. Его гений проявился в архитектуре, живописи, поэзии, но ярче всего в скульптуре. Он воспринимал мир пластически, во всех областях искусства он прежде всего скульптор. Тело человека кажется ему самым достойным предметом изображения. Но это человек особой, могучей, героической породы. Искусство Микеланджело посвящено прославлению человека-борца, его героической деятельности и страданиям. Его искусству свойственны гигантомания, титаническое начало. Это искусство площадей, общественных сооружений, а не дворцовых залов, искусство для народа, а не для придворных аристократов.

ХV век - время расцвета в Италии монументальной скульптуры. Она выходит из интерьеров на фасады церквей и гражданских зданий, на площади города, становится частью городского ансамбля.

Одна из ранних и самых знаменитых работ Микеланджело - пятиметровая статуя Давида на площади во Флоренции, символизирующая победу юного Давида над великаном Голиафом. Открытие памятника превратилось в народное торжество, потому что флорентийцы видели в Давиде близкого им героя, гражданина и защитника республики.

Скульпторы Возрождения обращались не только к традиционным христианским образам, но и к живым людям, современникам. С этим стремлением увековечить образ реального современника связано развитие жанра скульптурного портрета, надгробного монумента, портретной медали, конной статуи. Эти скульптуры украшали площади городов, изменяя их облик.

Скульптура Ренессанса возвращается к античным традициям пластики. Памятники античной скульптуры становятся объектом изучения, образцом пластического языка. Скульптура раньше живописи отходит от средневековых канонов и встает на новый путь развития. Может быть, это объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых храмах. При сооружении больших соборов создавались мастерские, которые обучали скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку. Мастерские скульпторов были ведущими центрами художественной жизни, играли большую роль в изучении античности и анатомии человеческого тела. Достижения скульптуры Раннего Возрождения оказывали большое влияние на живописцев, которые воспринимали живого человека сквозь призму пластики. Скульпторы Ренессанса добиваются полного значения человеческого тела, они освобождают его из-под массы одежды, в которую прятала фигуры средневековая готика. Путь, который проделала Эллада в три века, в эпоху Возрождения совершен тремя поколениями мастеров.

Несомненным достижением эпохи Возрождения стала геометрически правильная конструкция картины. Художник выстраивал изображение с помощью разработанных им приемов. Главное для живописцев того времени было соблюсти пропорции объектов. Даже природа подпадала под математические приемы высчитывания пропорциональности изображения с другими объектами на картине.

Другими словами, художники в эпоху Ренессанса стремились передать точное изображение, например, человека на фоне природы. Если сравнивать с современными приемами воссоздания на каком-то полотне виденного образа, то, скорее всего, фотография с последующей корректировкой поможет понять, к чему стремились художники Ренессанса.

Живописцы эпохи Возрождения считали, что они имели право исправлять недоработки природы, т.е., если человек имел некрасивые черты лица, художники исправляли их таким образом, что лицо становилось милым и привлекательным.

Леонардо да Винчи

Эпоха Возрождения стала таковой благодаря многим творческим личностям, которые жили в ту пору. Известный на весь мир Леонардо да Винчи (1452 – 1519) создал огромное количество шедевров, стоимость которых исчисляются в миллионы долларов, а ценители его искусства готовы созерцать его картины на протяжении долгого времени.

Начинал свое обучение Леонардо во Флоренции. Первое его полотно, написанное около 1478 года, - «Мадонна Бенуа». Далее были такие творения как «Мадонна в гроте», «Мона Лиза», упомянутая выше «Тайная вечеря» и еще масса других шедевров, написанные рукой титана эпохи Ренессанса.

Строгость геометрических пропорций и точное воспроизведение анатомического строения человека – вот чем характерна живопись Леонарда да Винчи. По его убеждениям искусство изображать на холсте те или иные образы является наукой, а не просто каким-то увлечением.

Рафаэль Санти

Рафаэль Санти (1483 - 1520) известный в мире искусства как Рафаэль создавал свои произведения в Италии. Его картины проникнуты лиризмом и изяществом. Рафаэль – это представитель эпохи Ренессанса, который изображал человека и его бытие на земле, любил расписывать стены соборов Ватикана.

Картины предавали единство фигур, пропорциональные соответствия пространства и образов, благозвучие колорита. Чистота Богородицы явилась основой для многих картин Рафаэля. Его самое первое изображение Богоматери – это Сикстинская мадонна, которая была написана известным художником еще в 1513 году. Портреты, которые были созданы Рафаэлем, отражали идеальный человеческий образ.

Сандро Боттичелли

Сандро Боттичелли (1445 - 1510) также является художником эпохи Ренессанса. Одной из первой его работ была картина «Поклонение волхвов». Тонкая поэтичность и мечтательность были его первоначальными манерами в области передачи художественных образов.

В начале 80-х годов XV века великий художник расписывал стены Ватиканской капеллы. Фрески, сделанные его рукой, поражают до сих пор.

Со временем его картинам стали присущи спокойствие строений античности, живость изображенных персонажей, гармоничность образов. Кроме того, известно увлечение Боттичелли рисунками к известным литературным произведениям, которые также добавили только славы к его творчеству.

Микеланджело Буонаротти

Микеланджело Буонаротти (1475 – 1564) – итальянский художник, который также творил в эпоху Возрождения. Чем только не занимался это известный многим из нас человек. И скульптурой, и живописью, и архитектурой, а также еще и поэзией. Микеланджело, как и Рафаэль и Боттичелли, занимался росписью стен храмов Ватикана. Ведь только самые талантливые живописцы тех времен привлекались к такой ответственной работе, как нанесение изображений на стены католических соборов. Более 600 квадратных метров Сикстинской капеллы ему пришлось покрыть фресками с изображениями различных библейских сюжетов. Самое известное произведение в подобном стиле известно нам как «Страшный суд». Смысл библейского сюжета выражен полно и ясно. Такая точность в передаче образов характерна для всего творчества Микеланджело.

Эпоха возрождения зародилась в Италии. Свое название она приобрела благодаря резкому интеллектуальному и художественному расцвету, который начался в 14 веке и очень сильно повлиял на европейское общество и культуру. Ренессанс выражался не только в картинах, но и в архитектуре, скульптуре и литературе. Самые выдающиеся представители эпохи возрождения – это Леонардо да Винчи, Боттичелли, Тициан, Микеланджело и Рафаэль.

В эти времена главной целью живописцев было реалистичное изображение человеческого тела, поэтому в основном они рисовали людей, изображали разные религиозные сюжеты. Так же был изобретен принцип перспективы, что открыло перед художниками новые возможности.

Центром Ренессанса стала Флоренция, второе же место заняла Венеция, а позже, ближе к 16 веку – Рим.

Леонардо известен нам, как талантливый живописец, скульптор, учёный, инженер и архитектор эпохи Возрождения. Большую часть своей жизни Леонардо проработал во Флоренции, где создал немало шедевров, известных во всем мире. Среди них: «Мона Лиза» (иначе – «Джоконда»), «Дама с горностаем», «Мадонна Бенуа», «Иоанн Креститель» и «Св. Анна с Марией и младенцем Христом».

Этот художник узнаваем благодаря уникальному стилю, который вырабатывал годами. Он так же разрисовывал стены Сикстинской капеллы по личной просьбе папы Сикста IV. Известные картины Боттичелли писал на мифологическую тематику. К таким картинам относится «Весна», «Паллада и Кентавр», «Рождение Венеры».

Тициан был главой флорентийской школы художников. После смерти своего учителя Беллини, Тициан стал официальным, общепризнанным художником Венецианской республики. Этот живописец известен своими портретами на религиозные темы: «Вознесение Марии», «Даная», «Любовь земная и Любовь небесная».

Итальянский поэт, скульптор, архитектор и художник изобразил немало шедевров, из которых – знаменитая статуя «Давида» из мрамора. Эта статуя стала главной достопримечательностью во Флоренции. Микеланджело расписал свод Сикстинской капеллы в Ватикане, что являлось крупным заказом папы Юлия II. В период своего творчества он больше внимания уделял архитектуре, но подарил нам «Распятие Св. Петра», «Положение во гроб», «Сотворение Адама», «Предсказательницу».

Его творчество формировалось под большим влиянием Леонардо да Винчи и Микеланджело, благодаря которым он обрел бесценный опыт и мастерство. Расписывал парадные залы в Ватикане, представляя человеческую деятельность и изображая разнообразные сцены из Библии. Среди известных картин Рафаэля – «Сикстинская Мадонна», «Три Грации», «Святой Михаил и дьявол».

Иван Сергеевич Церегородцев

Renaissance - в переводе с французского означает "Возрождение". Именно так назвали целую эпоху, символизирующую интеллектуальный и художественный расцвет европейской культуры. Возрождение зародилось в Италии в начале XIV века, возвещая угасание эпохи культурного упадка и Средневековья), в основе которой лежали варварство и невежество, и, развиваясь, достигло своего пика в XVI веке.

Впервые об эпохе Возрождения написал историограф итальянского происхождения, живописец и автор трудов о жизни знаменитых художников, ваятелей и зодчих в начале XVI века.

Изначально термин "Возрождение" означал определённый период (начала XIV века) образования новой волны искусства. Но спустя время это понятие приобрело более широкую трактовку и стало обозначать целую эпоху развития и формирования культуры, противоположной феодализму.

Период Ренессанса тесно связан с возникновением новых стилей и техник живописи в Италии. Появляется интерес к античным образам. Светскость и антропоцентризм являются неотъемлемыми чертами, наполняющими скульптуры того времени и живопись. Эпоха Возрождения вытесняет аскетизм, характеризующий средневековую эпоху. Приходит интерес ко всему мирскому, безграничной красоте природы и, конечно же, человеку. Художники эпохи Возрождения подходят к видению тела человека с научной точки зрения, стараются проработать всё до мельчайших деталей. Картины становятся реалистичными. Живопись насыщена неповторимым стилем. Она установила основные каноны вкуса в искусстве. Широко распространяется новая концепция мировоззрения под названием "гуманизм", согласно которой человек считается высшей ценностью.

периода Ренессанса

Дух расцвета имеет широкое выражение в картинах того времени и наполняет особой чувственностью живопись. Эпоха Возрождения связывает культуру с наукой. Художники стали рассматривать искусство как отрасль знаний, изучая досконально физиологию человека и окружающий мир. Это делалось для того, чтобы более реалистично отобразить истинность Божьего создания и происходящие события на своих полотнах. Большое внимание уделялось изображению религиозных сюжетов, которые приобретали земное содержание благодаря мастерству гениев, таких как Леонардо да Винчи.

Выделяют пять этапов развития итальянского искусства Ренессанса.

Интернациональная (придворная) готика

Зародившаяся в начале XIII века придворная готика (ducento) характеризуется избыточной красочностью, помпезностью и вычурностью. Основным видом картин является миниатюра с изображением алтарных сюжетов. Художники используют темперные краски, создавая свою живопись. Эпоха Возрождения богата знаменитыми представителями данного периода, например, такими как итальянские живописцы Витторе Карпаччо и Сандро Боттичелли.

Период Предвозрождения (Проторенессанс)

Следующий этап, который, как считается, предвосхитил эпоху Ренессанса, называется Проторенессанс (trecento) и приходится на конец XIII - начало XIV века. В связи со стремительным развитием гуманистического мировоззрения живопись данного исторического периода раскрывает внутренний мир человека, его душу, имеет глубокий психологический смысл, но в то же время обладает простой и ясной структурой. Религиозные сюжеты отходят на второй план, а светские становятся лидирующими, и в качестве главного героя выступает человек с его чувствами, мимикой и жестами. Появляются первые портреты итальянского Ренессанса, занимающие место икон. Известные художники этого периода - Джотто, Пьетро Лоренцетти.

Раннее Возрождение

В начале начинается этап раннего Возрождения (quattrocento), символизирующий расцвет живописи с отсутствием религиозных сюжетов. Лики на иконах приобретают человеческий вид, а пейзаж, как жанр в живописи, занимает отдельную нишу. Основателем художественной культуры раннего Ренессанса выступает Мозаччо, в основе концепции которого лежит интеллектуальность. Его картины обладают высоким реализмом. Великие мастера исследовали линейную и воздушную перспективу, анатомию и использовали знания в своих творениях, на которых можно увидеть правильное трехмерное пространство. Представителями раннего Возрождения являются Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Поллайоло, Вероккьо.

Высокое Возрождение, или "Золотой век"

С конца XV века начался этап высокого Возрождения (cinquecento) и продлился относительно недолго, до начала XVI века. Его центром стали Венеция и Рим. Деятели искусства расширяют свой идейный кругозор и интересуются космосом. Человек предстаёт в образе героя, совершенного как духовно, так и физически. Деятелями этой эпохи считаются Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан Вечеллио, Микеланджело Буонарротти и другие. Великий художник Леонардо да Винчи был "универсальным человеком" и находился в постоянном поиске истины. Занимаясь скульптурой, драматургией, различными научными опытами, он умудрялся находить время для живописи. Творение "Мадонна в скалах" наглядно отображает созданный живописцем стиль светотени, где соединение света и тени создаёт эффект объёмности, а знаменитая "Джоконда" выполнена с использованием техники "смуффато", создающая иллюзию дымки.

Позднее Возрождение

В период позднего Возрождения, который приходится на начало XVI века, произошёл захват и разграбление города Рима германскими войсками. Это событие положило начало эпохе угасания. Римский культурный центр перестал быть покровителем у самых знаменитых деятелей, и они были вынуждены разъехаться в другие города Европы. В результате нарастания несоответствий взглядов между христианской верой и гуманизмом в конце XV века маньеризм становится преобладающим стилем, характеризующим живопись. Эпоха Возрождения постепенно подходит к концу, поскольку основой данного стиля считается красивая манера, которая затмевает представления о гармонии мира, правде и всесильности разума. Творчество становится сложным и приобретает черты противоборства различных направлений. Гениальные работы принадлежат таким известным художникам, как Паоло Веронезе, Тиноретто, Якопо Понтормо (Карруччи).

Италия стала культурным центром живописи и одарила мир гениальными художниками этого периода, картины которых и по сей день вызывают эмоциональный восторг.

Помимо Италии, развитие искусства и живописи имело важное место и в других странах Европы. Это течение получило название Особенно стоит отметить живопись Франции эпохи Возрождения, которая выросла на собственной почве. Окончание Столетней войны вызвало рост всеобщего самосознания и развитие гуманизма. Во присутствует реализм, связь с научными знаниями, тяготение к образам античности. Все перечисленные черты сближают его с итальянским, но присутствие трагичной нотки в полотнах является значимым отличием. Известные художники эпохи Возрождения во Франции - Ангерран Шаронтон, Никола Фромана, Жан Фуке, Жан Клуэ Старший.

August 7th, 2014

Студенты художественных вузов и люди, интересующиеся историей искусств, знают, что на рубеже 14-15 веков в живописи произошел резкий перелом - Ренессанс. Около 1420-х годов все внезапно стали значительно лучше рисовать. Почему изображения вдруг стали такими реалистичными и детальными, а в картинах появился свет и объем? Об этом долгое время никто не задумывался. Пока Дэвид Хокни не взял в руки лупу.

Давайте же мы узнаем, что он обнаружил …

Однажды он разглядывал рисунки Жана Огюста Доминика Энгра (Jean Auguste Dominique Ingres) - лидера французской академической школы 19 века. Хокни стало интересно посмотреть его небольшие рисунки в большем масштабе, и он их увеличил на ксероксе. Вот так он наткнулся на тайную сторону в истории живописи начиная с Ренессанса.

Сделав ксерокопии маленьких (примерно 30 сантиметров) рисунков Энгра, Хокни был поражен тем, насколько они реалистичны. И еще ему показалось, будто линии Энгра ему что-то
напоминают. Оказалось, что напоминают они ему работы Уорхола. А Уорхол делал так - проецировал фото на холст и обрисовывал его.

Слева: деталь рисунка Энгра. Справа: рисунок Мао Цзедуна Уорхола

Интересные дела, говорит Хокни. Судя по всему Энгр использовал Camera Lucida - устройство, которое представляет собой конструкцию с призмой, которая крепится, например, на стойке к планшету. Таким образом художник, глядя на свой рисунок одним глазом, видит реальное изображение, а другим - собственно рисунок и свою руку. Получается оптическая иллюзия, позволяющая точно переносить пропорции реальные на бумагу. А это как раз и есть «залог» реалистичности изображения.

Рисование портрета при помощи камеры-люциды, 1807 г.

Затем Хокни не на шутку заинтересовался этим «оптическим» видом рисунков и картин. В своей студии он вместе со своей командой развесил по стенам сотни репродукций картин, созданных на протяжении веков. Работы, которые выглядели «реально», и те, которые не выглядели. Расположив по времени создания, и регионам - север наверху, юг внизу, Хокни с командой увидел резкий перелом в живописи на рубеже 14-15 веков. Это в общем всем, кто хоть немного знает об истории искусства, известно - Ренессанс.

Может они пользовались той самой камерой-люцидой? Она была запатентована в 1807 году Вильямом Хайдом Волластоном. Хотя, на самом деле такое устройство описывается Йоханесом Кеплером еще в 1611 году в его труде Dioptrice. Тогда, может быть, они пользовались другим оптическим устройством - камерой-обскурой? Она ведь известна еще со времен Аристотеля и представляет собой темную комнату, в которую сквозь небольшое отверстие попадает свет и таким образом в темной комнате получается проекция того, что перед отверстием, но в перевернутом виде. Всё бы ничего, но то изображение, которое получается при проекции камерой-обскурой без линзы, мягко говоря, не качественное, оно не четкое, для него требуется очень много яркого света, не говоря уже о размерах проекции. Но качественные линзы было практически невозможно изготовить вплоть до 16-го века, поскольку не существовало в то время способов получить столь качественное стекло. Дела, подумал Хокни, к тому моменту уже бившийся над проблемой вместе с физиком Чарльзом Фалко.

Однако есть картина Ян Ван Эйка, мастера из Брюгге, фламандского живописца эпохи раннего возрождения, - в которой спрятана подсказка. Картина называется «Портрет Четы Арнольфини».

Ян Ван Эйк «Портрет Четы Арнольфини» 1434 г.

Картина просто блещет огромным количеством деталей, что довольно интересно, ведь она написана только в 1434 году. И подсказкой о том, каким образом автору удалось сделать такой большой шаг вперед в реалистичности изображения, служит зеркало. А также подсвечник - невероятно сложный и реалистичный.

Хокни распирало любопытство. Он раздобыл копию такой люстры и попытался нарисовать её. Художник столкнулся с тем, что такую сложную штуку сложно нарисовать в перспективе. Еще одним важным моментом была материальность изображения этого металлического предмета. При изображении стального предмета очень важно расположить блики как можно более реально, так как это придает огромную реалистичность. Но проблема с этими бликами в том, что они двигаются, когда двигается взгляд зрителя или художника, то есть запечатлеть их вообще непросто. И реалистичное изображение металла и бликов - это тоже отличительная черта картин Ренессанса, до этого художники даже и не пытались этого делать.

Воссоздав точную трехмерную модель люстры, команда Хокни убедилась в том, что люстра на картине «Портрет Четы Арнольфини» нарисована точно в перспективе с одной точкой схода. Но проблема была в том, что таких точных оптических инструментов, как камера-обскура с линзой, не существовало еще примерно век после создания картины.

Фрагмент картины Яна Ван Эйка «Портрет Четы Арнольфини» 1434 г.

На увеличенном фрагменте видно, что зеркало на картине «Портрет Четы Арнольфини» выпуклое. А значит были и зеркала наоборот - вогнутые. Даже более того, в те времена такие зеркала делались таким образом - бралась стеклянная сфера, и ее дно покрывалось серебром, затем все, кроме дна, отсекалось. Задняя сторона же зеркала не затемнялась. Значит вогнутым зеркалом Яна Ван Эйка могло быть то самое зеркало, которое изображено на картине, просто с обратной стороны. И любой физик знает, что такое зеркало при отражении проецирует картинку отражаемого. Вот тут с расчетами и исследованиями и помог Дэвиду Хокни его знакомый физик Чарльз Фалко.

Вогнутое зеркало проецирует на холст изображение башни за окном.

Размер четкой, сфокусированной части проекции примерно 30 квадратных сантиметров - а это как раз размер голов на множестве портретов эпохи Возрождения.

Хокни обрисовывает проекцию человека на холсте

Это размер к примеру портрета «Дожа Леонардо Лоредана» авторства Джовании Беллини (1501), портрета мужчины авторства Робера Кампена (1430), собственно портрета Яна Ван Эйка «мужчина в красном тюрбане» и еще множества ранних голландских портретов.

Портреты эпохи Возрождения

Живопись была высокооплачиваемой работой, и естественно, все секреты бизнеса хранились в строжайшей тайне. Художнику было выгодно, чтобы все непосвященные люди считали, что секреты в руках мастера и их не украсть. Бизнес был закрытым для посторонних - художники состояли в гильдии, в ней же состояли самые разные мастера - от тех кто делал седла до тех кто делал зеркала. И в Гильдии Святого Луки (Guild of Saint Luke), основанной в Антверпене и впервые упоминаемой в 1382 году (затем подобные гильдии открылись во многих северных городах, и одной из крупнейших была гильдия в Брюгге - городе где жил Ван Эйк) тоже были мастера, изготавливающие зеркала.

Так Хокни воссоздал то, каким образом можно нарисовать сложную люстру с картины Ван Эйка. Совсем неудивительно, что размер спроецированной Хокни люстры точно совпадает с размерами люстры на картине «Портрет Четы Арнольфини». Ну и конечно блики на металле - на проекции они стоят на месте и не меняются, когда художник меняет положение.

Но проблема все еще не решена полностью, ведь до появления качественной оптики, которая нужна для использования камеры-обскуры, оставалось 100 лет, а размер проекции, получаемой с помощью зеркала, очень мал. Каким образом писать картины больше размера 30 квадратных сантиметров? Они создавались как коллаж - из множества точек зрения, получалось такое как бы шарообразное зрение с множеством точек схода. Хокни понял это, поскольку сам занимался такими картинками - он делал множество фото-коллажей, в которых достигается точно такой же эффект.

Спустя почти век, в 1500-х наконец стало возможным получить и хорошо обработать стекло - появились большие линзы. А их можно было наконец вставить в камеру-обскуру, принцип действия которой был известен еще с древних времен. Камера-обскура с линзой была невероятной революцией в визуальном искусстве, поскольку теперь проекция могла быть любого размера. И еще один момент, теперь изображение было не «широкоугольным», а примерно нормального аспекта - то есть примерно таким, какое оно сегодня при фотографии с линзой с фокусным расстоянием 35-50мм.

Однако проблема в использовании камеры-обскуры с линзой заключается в том, что прямая проекция из линзы зеркальна. Это привело к большому количеству левшей в живописи на ранних этапах использования оптики. Как на этой картине из 1600-х из музея Франса Халса, где танцует пара левшей, им грозит пальцем леворукий старик,а под платье женщины заглядывает леворукая обезьянка.

На этой картине все левши

Проблема решается установкой зеркала, в которое направлена линза, таким образом получается правильная проекция. Но судя по всему, хорошее ровное и большое зеркало стоило немалых денег, так что было не у всех.

Еще одной проблемой была фокусировка. Дело в том, что некоторые части картинки при одном положении холста под лучами проекции были не в фокусе, не четкими. На работах Яна Вермеера, где совершенно очевидно видно использование оптики, его работы вообще выглядят как фотографии, можно также заметить места не в «фокусе». Виден даже рисунок, который дает линза - пресловутое «боке». Как например здесь, на картине «Молочница» (1658) корзинка, хлеб в ней и синяя вазочка не в фокусе. А ведь человеческий глаз не может видеть «не в фокусе».

Некоторые детали картины не в фокусе

И в свете всего этого совсем неудивительно, что хорошим другом Яна Вермеера был Антоний Филлипс ван Левенгук, ученый и микробиолог, а также уникальный мастер, создававший собственные микроскопы и линзы. Ученый стал посмертным распорядителем художника. А это позволяет предположить, что Вермеер изобразил именно своего друга на двух полотнах - «Географ» и «Астроном» .

Для того, чтобы увидеть какую либо часть в фокусе, нужно изменить положение холста под лучами проекции. Но в таком случае появлялись ошибки в пропорциях. Как это видно здесь: огромное плечо «Антеи» Пармиджанино (около 1537), маленькой голове «леди Дженовезе» Антониса Ван Дейка (1626) , огромным ногам крестьянина на картине Жоржа де Ла Тура.

Ошибки в пропорциях

Безусловно, все художники использовали линзы по-разному. Кто-то для набросков, кто-то составлял из разных частей - ведь теперь можно было сделать портрет, а все остальное дописать с другой моделью или же вообще с манекеном.

Почти не осталось рисунков и у Веласкеса. Однако остался его шедевр - портрет папы Иннокентия 10-го (1650 г.). На мантии папы - очевидно шелковой, - прекрасная игра света. Бликов. И чтобы написать все это с одной точки зрения, нужно было очень постараться. А ведь если сделать проекцию, то вся эта красота никуда не убежит - блики больше не двигаются, можно писать именно теми широкими и быстрыми мазками как у Веласкеса.

Хокни воспроизводит картину Веласкеса

Впоследствии камеру-обскуру смогли позволить себе многие художники, и это перестало быть большим секретом. Каналетто активно использовал камеру для создания своих видов Венеции и не скрывал этого. Эти картины, благодаря своей точности, позволяют говорить о Каналетто как о документалисте. Благодаря Каналетто можно увидеть не просто красивую картинку, но и саму историю. Можно увидеть, каким был первый Вестминстерский мост в Лондоне в 1746 году.

Каналетто «Вестминстерский мост» 1746 г.

Британский художник Сэр Джошуа Рейнольдс владел камерой-обскурой и, очевидно, никому об этом не говорил, ведь его камера складывается и выглядит как книга. Сегодня она находится в Лондонском научном музее.

Камера-обскура, замаскированная под книгу

Наконец в начале 19 века Вильям Генри Фокс Тэлбот, воспользовавшись камерой-люцидой - той самой, в которую надо глядеть одним глазом, а рисовать руками, выругался, решив что с таким неудобством надо покончить раз и навсегда, и стал одним из изобретателей химической фотографии, а позднее популяризатором, сделавшим ее массовой.

С изобретением фотографии монополия живописи на реалистичность картинки пропала, теперь фото стало монополистом. И вот тут наконец живопись освободилась от линзы, продолжив тот путь, с которого свернула в 1400-х, и Ван Гог стал предтечей всего искусства 20 века.

Слева: Византийская мозаика 12 века. Справа: Винсент Ван Гог «Портрет господина Трабука» 1889 г.

Изобретение фотографии - это самое лучшее, что случилось с живописью за всю ее историю. Больше не нужно было создавать исключительно реальные изображения, художник стал свободен. Конечно, публике понадобился целый век, чтобы догнать художников в понимании визуальной музыки и перестать считать людей вроде Ван Гога «сумасшедшими». При этом художники стали активно пользоваться фотографиями в качестве «справочного материала». Потом уже появились такие люди как Василий Кандинский, русский авангард, Марк Ротко, Джексон Поллок. Вслед за живописью освободилась и архитектура, скульптура и музыка. Правда русская академическая школа живописи застряла во времени, и сегодня до сих пор в академиях и училищах считается позором использование фотографии в помощь, а высшим подвигом считается чисто техническое умение рисовать как можно более реалистично голыми руками.

Благодаря статье журналиста Лоуренса Вешлера, присутствовавшего при исследованиях Дэвида Хокни и Фалко, выясняется еще один интересный факт: портрет четы Арнольфини кисти Ван Эйка - это портрет итальянского купца в Брюгге. Мистер Арнольфини - Флорентиец и более того, он представитель банка Медичи (практически хозяева Флоренции времен Ренессанса, считаются покровителями искусства того времени в Италии). А это говорит о чем? О том, что он запросто мог увезти секрет гильдии Святого Луки - зеркало - с собой, во Флоренцию, в которой, как считается в традиционной истории, и начался Ренессанс, а художников из Брюгге (и соответственно и других мастеров) считают «примитивистами».

Вокруг теории Хокни-Фалко множество споров. Но зерно истины в ней, безусловно, есть. Что касается искусствоведов, критиков и историков - даже представить трудно, сколько научных трудов по истории и искусству на самом деле оказались полной ерундой, это же меняет всю историю искусства, все их теории и тексты.

Факты использования оптики нисколько не умаляют талантов художников - ведь техника это средство передачи того, что хочет художник. И наоборот, то что в этих картинах есть самая настоящая реальность, только добавляет им веса - ведь именно так выглядели люди того времени, вещи, помещения, города. Это самые настоящие документы.