Эпоха Возрождения (кратко). Краткая характеристика эпохи Возрождения

История эпохи Возрождения начинается в Еще этот период называют Ренессансом. Возрождение сменило в культуру и стало предшественником культуры Нового времени. А закончился Ренессанс в XVI-XVII столетиях, так как в каждом государстве он имеет свою дату начала и финала.

Немного общих сведений

Представителями эпохи Ренессанса являются Франческо Петрарка и Джованни Боккаччо. Они стали первыми поэтами, которые возвышенные образы и мысли начали излагать откровенным простонародным языком. Это новаторство было воспринято на ура и имело распространение в других странах.

Ренессанс и искусство

Особенности эпохи Возрождения - это то, что тело человека стало основным началом воодушевления и предметом исследования для художников этого времени. Так, делался акцент на похожести скульптуры и живописи с действительностью. К основным чертам искусства периода Возрождения относится сияние, утонченное владение кистью, игра тени и света, тщательность в процессе работы и непростые композиции. Для художников Ренессанса главными являлись образы из Библии и мифов.

В сходство реального человека с его изображением на том или ином полотне было настолько близко, что вымышленный персонаж казался живым. Об искусстве ХХ столетия этого сказать никак нельзя.

Эпоха Возрождения (кратко основные тенденции ее изложены выше) воспринимала тело человека как бесконечное начало. Ученые и художники регулярно улучшали свои умения и знания, изучая тела индивидуумов. Тогда преобладало мнение, что человек сотворен по подобию и образу Бога. Это утверждение отображало физическое совершенство. Главными и важными объектами искусства Ренессанса были боги.

Природа и красота человеческого тела

Искусство эпохи Возрождения большое внимание уделяло природе. Характерным элементом пейзажей была разнообразная и пышная растительность. Небеса сине-голубого оттенка, которые пронизывали солнечные лучи, что проникали сквозь облака белого цвета, являлись великолепным фоном для парящих существ. Искусство эпохи Возрождения преклонялось перед красотой человеческого тела. Эта особенность проявлялась в утонченных элементах мускулов и тела. Непростые позы, мимика и жесты, слаженная и четкая цветовая палитра свойственны творчеству скульпторов и ваятелей периода Ренессанса. К таковым относятся Тициан, Леонардо да Винчи, Рембрандт и другие.

* Данная работа не является научным трудом, не является выпускной квалификационной работой и представляет собой результат обработки, структурирования и форматирования собранной информации, предназначенной для использования в качестве источника материала при самостоятельной подготовки учебных работ.

БОСХ ИЕРОНИМ — нидерландский художник. 1460-1516 гг.

БРЕЙГЕЛЬ ПИТЕР — нидерландский художник. 1525—1569 гг.

ВАН ДЕЙК — фламандский художник. 1599-1641 гг.

ВЕЛАСКЕС РОДРИГЕС ДЕ СИЛЬВА ДИЕГО — испанский художник. 1599-1660гг.

ДЮРЕР АЛЬБРЕХТ — немецкий художник. 1471-1528 гг.

ПУССЕН НИКОЛА — французский художник. 1594—1665 гг.

РЕМБРАНДТ ХАРМЕНС ВАН РЕЙН — нидерландский художник. 1606— 1669гг.

РУБЕНС ПИТЕР ПАУЛЬ - фламандский художник. 1577-1640 гг.

ЭЛЬ ГРЕКО — испанский художник. 1541-1614 гг.

Когда говорят о живописи эпохи Возрождения, то все сразу представляют себе Италию и великих итальянских мастеров — Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля. Но гениальные художники появились не только в Италии. Почти во всех европейских странах того времени жили и творили знаменитые живописцы.

Очень интересных художников подарила миру маленькая страна — Нидерланды. Их творчество искусствоведы называют «Северным Возрождением». Особое место среди живописцев Северного Возрождения занимает Иероним Босх.

Его настоящая фамилия ван Акен. Родился и работал он в маленьком городке Бос. О жизни Иеронима из Боса — Босха почти ничего не известно. Нидерланды тогда принадлежали Испании, и большую часть жизни Босх провел в столице Испанского королевства — Мадриде.

Иероним Босх. Воз сена похожий фантастический мир. Они населены чудовищами и уродливыми существами, созданными из частей тел животных, насекомых и людей. Человеческие лица обнажают зависть, озлобление, тупость, са-модовольство и алчность. Картина «Воз сена» написана на тему пословицы «Жизнь — это воз сена, и каждый старается урвать себе клок побольше». Картина « Корабль дураков » — символ человеческой глупости.

Но творчество Босха не попытка унизить человека, залить грязью творение Бога и природы. Глядя на картины этого художника, человек видит свои пороки. Гений Босха настолько своеобразен, настолько впечатляет, что под его воздействием человек задумывается о себе и о своих пороках куда чаще, чем после скучных нравоучительных проповедей.

Другой знаменитый нидерландский художник — Брейгель Старший или Мужицкий. Его имя — Питер, а фамилия — название деревни, в которой он родился.

Очень сильное воздействие на творчество Брейгеля оказал Босх. Ранние картины Брейгеля созданы под его влиянием. Об этом говорят и их названия: «Борьба сундуков и копилок», «Бой поста с масленицей», «Пир тощих» и «Пир жирных», «Триумф смерти», «Страна лентяев».

Картина «Фламандские пословицы» - своеобразная иллюстрация народных поговорок. На ней изображены несколько десятков персонажей, которые как будто решили опровергнуть то, что утверждают пословицы. Кто-то пытается прошибить стену лбом, кто-то бросает свиньям под ноги цветы, кто-то закапывает колодец.

Брейгель не просто последователь Босха. Он сохранил в своих ранних картинах дух любимого художника, посмотрел на мир с его точки зрения, но своими глазами и воссоздал этот мир своей кистью.

Произведения Брейгеля пользовались огромной популярностью. Их покупал даже испанский король, хотя художник не писал портретов знати. Его картины были наполнены простонародьем и никак не подходили для украшения роскошных залов дворцов.

Во второй период своего творчества Брейгель отошел от сати-рического изображения жизни. Он написал цикл из двенадцати картин «Времена года», такие картины, как «Крестьянский танец», «Деревенская свадьба».

Под кистью великого мастера сцены и эпизоды обычной жизни возвысились до философских обобщений. Особенно поражают его картины-притчи. Вот «Падение Икара». Пахарь спокойно пашет землю. Пастух пасет овец, рыбак ловит рыбу, по морю плывут корабли. Каждый занят своим делом. И в уголке картины — нога упавшего в море Икара. На нее сразу и не обратишь внимание. Икар хотел вознестись к солнцу, его падение — трагедия, катастрофа, символ поражения дерзновенного героя. А никто и не заметил ни его полет, ни его падение.

Или картина «Художник и знаток». У мольберта живописец отдавший работе все свои силы. А за спиной смеющийся покупатель с кошельком в руке. Самая знаменитая картина-притча Брейгеля — «Слепые».

Она напоминает слова из Библии: «Если слепой поведет слепого, то оба упадут в яму». Шестеро слепых, держась друг за друга, идут неведомо куда. Их слепой поводырь уже упал с обрыва, второй тоже вот-вот упадет, остальные, не видя, что им грозит, движутся следом. Глядя на эту картину, человек задумывается и о себе самом, не знающем завтрашнего дня, и о всем человечестве, которое спустя тысячелетия так и не может ответить на вопрос греческих философов: «Кто мы, откуда мы и куда идем? »

У Брейгеля было много прозвищ. По возрасту его называли Брейгелем Старшим - в отличие от его сыновей, ставших тоже известными художниками. По деревенскому происхождению - Брейгелем Мужицким. В некоторых хрониках именовали Брейгелем Смешным — по содержанию его ранних картин. С полным правом его можно назвать и Брейгелем Философом. А точнее всех о нем сказал один из искусствоведов, назвав его Брейгелем I Великим.

Творчество Питера Рубенса тоже относится к Северному Возрождению. Рубенс родился в семье старшины города Антверпена. Отец Рубенса был протестантом, и ему пришлось бежать от преследований католиков в Германию, в Кельн. В Кельне он оказался под защитой сторонника протестантизма принца Вильгельма Оранского. Жена принца покровительствовала беглецу, и принц из ревности сначала посадил его в тюрьму, а потом сослал в немецкий городок Насау, где и родился Питер Пауль Рубенс. После смерти отца Рубенс вместе с матерью вернулся во Фландрию - так тогда называли часть современной Бельгии - в Антверпен.

Будущий художник окончил иезуитскую школу, и мать опре-делила его пажом к графине Лалэнг. Служба при знатной даме дала ему возможность усвоить светские обычаи и научиться вести себя в высшем обществе. После нескольких лет занятий живописью Рубенс посетил Ита-лию. Он не стремился к творчеству, а просто копировал картины знаменитых итальянских мастеров.

Возвратившись на родину, он стал придворным живописцем правителей Южных Нидерландов инфанты Изабеллы и эрцгерцога Альберта. Великая итальянская живопись разбудила в нем художника. Он начал писать картины, соединив выработанное долгими упражнениями мастерство с жизнерадостным духом своей любимой родины.

Картины Рубенса - гимн радости жизни. Не случайно он очень много писал на мифологические сюжеты. Это «Суд Париса», «Диана на охоте», «Вакх». Но даже картины, созданные им на библейские темы, наполнены ангелами и святыми, которые больше похожи на языческих богов - Венеру и Аполлона. Искусствоведы ставили Рубенса на один уровень с гениями итальянского Возрождения Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем. Они писали, что у Леонардо он взял ясность композиции, у Микеланджело - мощь и темперамент, у Рафаэля - нежность красок.

Рубенс очень много работал. Для украшения Люксембургского дворца в Париже он создал серию картин Жизнь Марии Медичи с изображениями французской королевы Марии Медичи, короля Генриха IV и короля Людовика XIII. Портретами его работы украшены дворцы испанского и английского королей.

В пятьдесят три года Рубенс овдовел — умерла его жена. Спустя несколько лет немолодой уже художник страстно влюбился в шестнадцатилетнюю красавицу Елену Фоурмен и женился на ней.

Рубенс и его молодая жена прожили счастливый супружеский век. Художник боготворил свою возлюбленную. Одних только ее портретов он создал больше двадцати. А такие ее изображения, как «Портрет Елены Фоурмен с детьми» и «Шубка», считаются вершинами мировой живописи.

За свою жизнь Рубенс написал огромное количество картин — около трех тысяч. И каждая из них вошла в золотой фон; мировой живописи. Написать столько картин одному Рубенсу было бы не под силу. В его мастерской трудилось много способных учеников. Рубенс делал эскиз будущей картины, ученики писали ее, а Рубенс потом завершал работу.

Только один из этих учеников вырос в самостоятельного живописца.

Его звали Ван Дейк. Он достиг вершин мастерства и стал известнейшим портретистом аристократы и короли разных стран заказывали ему портреты, но самым знаменитым стал его автопортрет.

Ван Дейк был очень красив. Романтические любовные при-ключения принесли ему не меньшую славу, чем талант художника.

Имя Рембрандта стоит в одном ряду с гениями Северного Возрождения.

Он был сыном простого мельника из небольшого голландского городка Лейдена. Три его брата получили профессии обычных ремесленников. Когда Рембрандт вырос, дела его отца пошли так хорошо, что он решил дать своему четвертому сыну образование. Рембрандт поступил в латинскую школу, ученики которой продолжали обучение в университете. Юноша не блистал успехами в науках. Его влекла живопись, отцу пришлось уступить и отдать его в мастерскую художника.

Овладев навыками и приемами живописца, Рембрандт перебрался в самый крупный и богатый город Голландии - Амстердам. Первый же удачно выполненный заказ - групповой портрет доктора Тульпа и его коллег - принес молодому художнику известность и деньги.

Рембрандт женился на дочери богатого юриста - Саскии и семь лет прожил счастливо и беззаботно. Он писал картины на библейские темы - «Ослепление Самсона», «Поклонение волхвов», «Христос с учениками», «Святое семейство» и на темы древнегреческих мифов - «Даная», «Ганимед». Рембрандт очень любил свою жену и постоянно писал ее.

Неожиданная смерть Саскии очень сильно подействовала на художника. Постепенно он обеднел. Ему пришлось распродать коллекцию картин и редкостей. Его объявили несостоятельным должником, и до конца своих дней Рембрандт жил в тяжелой нужде.

Причиной бедности было и то, что Рембрандт не хотел угождать заказчикам. Все началось с картины «Ночной дозор». Ее заказали офицеры городской стражи. Каждый из них хотел увидеть себя на переднем плане в самой лучшей позе. Рембрандт написал не официальный, парадный, групповой портрет, а сюжетную картину. Отряд городской стражи выступает в поход. Все в движении. Кто-то из офицеров оказался на переднем плане, кто-то на втором, кто-то виден в полный рост, а кто-то затерялся среди других фигур. Маленькая девочка с курицей, непонятно как попавшая на картину, привлекает больше внимания, чем кто-либо из офицеров, лицо которого к тому же почти закрыто рукой другого стражника.

Заказчики потребовали переделать картину. Рембрандт отказался. Ведь он добился того, чего хотел как художник — передал настроение, чувства, создал интересные и живые характеры. Офицеры отказались платить деньги.

После этого случая Рембрандту все реже и реже делали заказы. А он как будто и не замечал этого. Художник приводил в свою мастерскую городских нищих, старцев и старух и увлеченно писал их портреты. Его уже не интересовала плата за работу — он был поглощен желанием написать портрет так, чтобы лицо человека отражало его душу. Художник становился в своих картинах философом, он терял заказчиков, деньги и обретал бессмертную славу. Пройдет сто, двести лет, портрет нищей старухи его кисти оценят выше, чем иной портрет короля.

Одна из последних работ Рембрандта - картина «Возвращение блудного сына» на тему библейской притчи. В притче рассказывается, как сын покинул отца и братьев. Вдали от родного дома он предался разгулу и промотал свою долю наследства. Чтобы прокормиться, ему пришлось наняться свинопасом и питаться из свиного корыта. Рас-каявшись, он вернулся к отцу, и отец простил его и принял в ро-дительский дом. В этой картине воплотилось все, что Рембрандт достиг за долгие годы поисков и трудов. В ней видят символ жизненного пути каждого человека и биографию самого художника.

Знаменитым мастером эпохи Возрождения является Альбрехт Дюрер. Он родился в Германии, в городе Нюрнберге, в семье ювелира. Отец обучил его своему мастерству. Став гравером, Альбрехт увлекся рисованием. После четырех лет путешествий и знакомства с работами лучших художников Альбрехт Дюрер вернулся в родной город, женил-ся на дочери богатого механика и открыл свою мастерскую.

Славу ему принесли гравюры. Германский император приказал городским властям платить художнику по 100 гульденов в год, чтобы он мог работать и путешествовать. Побывав в Италии, Дюрер встретился с Рафаэлем и подарил ему свой автопортрет. Рафаэль был восхищен его мастерством.

Самая известная гравюра Дюрера - «Четыре всадника» из серии Апокалипсис. Апокалипсис - в переводе с греческого «откровение» - это одна из книг Нового Завета, в которой рассказывается о конце света. На гравюре изображены Мор, Война, Голод и Смерть, которым суждено истребить большую часть человечества.

Гравюры Дюрера исполнены с математической точностью. Ху-дожник был автором нескольких трактатов: «О живописи», «О прекрасном», «О пропорциях» и книг по фортификации — науке о постройке крепостных сооружений.

Работы Дюрера-гравера считаются вершиной гравировального искусства. Но Дюрер прославился и как живописец. Его кисти принадлежат несколько знаменитых автопортретов и замечательных по насыщенности цвета картин. После их успеха Дюрер гордо написал своему другу: «Я заставил умолкнуть всех живописцев, говоривших, что в гравюре я хорош, но в живописи не умею обращаться с красками. Теперь все говорят, что они не видели более красивых красок ».

Гравюры и живописные работы Дюрера поражают идеальной точностью. Он вошел в историю живописи как творец, выверивший радугу красок и четкость линий циркулем и математической формулой.

Испания эпохи Возрождения дала миру имена великих живо-писцев Эль Греко и Веласкеса.

Эль Греко родился на греческом острове Крите. Его настоящее имя - Доменико Теотокопули. Живописи он учился у греческих иконописцев. Потом некоторое время работал в мастерской Тициана, в Венеции и жил в Риме. После этого Эль Греко уехал в Испанию, где и написал все свои знаменитые картины.

Уже в Риме Эль Греко стал известным художником, ему пророчили большое будущее. Согласно преданию, уехать из Рима ему пришлось из-за своей непомерной гордости и заносчивости. Однажды в разговоре о том, что фрески Сикстинской капеллы, написанные Микеланджело, по своему духу не столько христианские, сколько языческие, Эль Греко сказал в кругу художников, что если соскоблить эти фрески, то он создал бы другие, не уступающие им по живописи и намного выше их по духовному содержанию. Такое заявление сначала ошеломило всех присутствующих, а потом вызвало смех и презрение. Все художники и знатоки перестали

общаться с дерзким молодым человеком, и он покинул Рим в надежде стать придворным живописцем испанского короля.

В Мадриде его ожидало разочарование - королю не понравились работы приезжего живописца. Эль Греко обосновался в старой, только что покинутой королем столице Испании -Толедо.

Здесь он получил заказ написать картину, изображающую Иисуса Христа перед распятием, для алтаря главного храма Толедо — собора «Эсполио». Картина имела невероятный успех. Автору было заказано семнадцать копий с нее.

Посмотреть шедевр приезжали художники со всех концов Испании. Необычная живопись Эль Греко поразила их. Вытянутые фигуры, словно отраженные в воде; увеличенные, иконописные, глаза; фиолетовые, лиловые, жемчужно-серые краски в сочетании с красными; призрачное, словно предгрозовое, мерцающее освещение завораживали зрителей.

В Толедо Эль Греко прожил до конца своих дней. Он писал кар-тины на библейские темы, оставил после себя много портретов. Все его работы выполнены в одном и том же необычайном стиле. Быть может, он и не превзошел Микеланджело, но тем не менее создал свою, неповторимую, живопись, мощную, страстную и загадочную.

При жизни Эль Греко чтили как самого великого испанского художника. После смерти забыли и вспомнили спустя четыреста лет, когда живописцы двадцатого века открыли его заново и положили его приемы в основу новых течений в искусстве.

Другой испанский гений — Веласкес ко времени смерти Эль Греко только начал делать первые шаги в искусстве. Его учитель был поклонником итальянской живописи, и в особенности Рафаэля.

Веласкес достиг самых высоких вершин мастерства. Рассказывают, что французский поэт Теофиль Готье, впервые увидев одну из картин Веласкеса, спросил: «Где же картина?» — поэт или в самом деле принял изображение за реальность, или этими словами хотел воздать похвалу таланту Веласкеса. А Папа Римский при виде своего портрета воскликнул: «Чересчур правдиво!» Веласкес был не просто хорошим художником, его кисть раскрывала внутреннюю сущность человека, даже если тот и хотел скрыть ее.

Почти сорок лет Веласкес состоял в должности придворного живописца испанского короля и получил звание гофмаршала. Он писал портреты придворных и членов королевской семьи. Среди его полотен — целая серия портретов карликов и шутов.

Во время путешествия по Италии Веласкес принял участие в конкурсе живописцев, проходившем в Риме. По решению самих художников Веласкеса признали победителем. Так испанский мастер получил признание на родине живописи. Знаменитые картины Веласкеса — «Менины» (фрейлины), историческое полотно «Сдача Бреды», «Ве-нера перед зеркалом», «Пряхи».

После смерти художника на его надгробии высекли: «Живописцу истины».

Живопись средневековья и эпохи Возрождения во Франции не имела такого развития, как в Италии, Нидерландах, Германии и Испании. Но зато Франция дала миру живописца, чье творчество знаменовало появление нового направления искусства — классицизма.

Этот живописец Никола Пуссен. Он родился в семье солдата, который после долгих войн протестантов и католиков стал кре-стьянином. Пуссен с детства увлекался рисованием и живописью. Денег на образование у него не было, и он бежал из дома со странствующим живописцем, а через некоторое время оказался в Париже. Юноше часто приходилось голодать.

Но на его пути попадались хорошие люди. Он подружился с хранителем королевских художественных коллекций и библиотеки и получил возможность копировать картины итальянских мастеров. Пуссен мечтал работать в Италии.

Голодный, без денег и больной, он возвращался в свою деревню, работал не покладая рук, дважды пытался добраться до Рима и только на третий раз добился своего - попал в столицу живописи. Здесь ему повезло - его познакомили с кардиналом Барберини, покровителем ху-дожников и поэтов. Заказы кардинала помогли Пуссену стать на ноги.

Прошло время, и работы французского мастера завоевали известность. Ему предложили стать князем Академии искусств. Король Франции Людовик XIII, по совету кардинала Ришелье, пригласил Пуссена в Париж и даровал ему звание первого живописца короля. Ему поручили росписи королевского дворца - Лувра, ставшего позже музеем, хранилищем художественных ценностей Франции. Король окружил прославленного живописца почетом и даже подарил ему небольшой дворец. Сын небогатых крестьян, тайком бежавший из дома и голодавший в Париже, достиг всего, о чем только мог мечтать. Но придворная жизнь, интриги соперников мешали ему работать.

Пуссен отпросился у короля съездить в Рим. Во время его от-сутствия умер Ришелье, а потом и сам Людовик XIII. При дворе забыли о Пуссене, и он до конца жизни прожил в Риме. Скромный достаток и плодотворный труд живописца он поставил выше богатства и почестей. Пуссен писал в основном пейзажи и картины на библейские и мифо-логические сюжеты. Особенно известны пейзажи «Времена года» и картины «Царство Флоры», «Аркадские пастухи».

Полотна Пуссена уравновешены и величественны. Герои благородны, краски гармоничны. Стиль, который создал Пуссен, назвали классицизмом, от слова «классический». Классическими, от латинского слова «класс» - «разряд», называли произведения первого разряда, то есть самые лучшие.

Поздние последователи Пуссена, создававшие произведения по законам классицизма, оказались лишь добросовестными ре-месленниками, не сумевшими вдохнуть в своих героев жизнь. С тех пор под «классицизмом» часто подразумевают холодное следование правильным, но скучным образцам, а полотна Пуссена, родоначальника классицизма, до сих пор не померкли и по праву входят в сокровищницу мировой живописи.

Завершение реконкисты и объединение Кастилии и Арагона дали мощный толчок развитию испанской культуры. В XVI-XVII столетиях она пережила период расцвета, известный под названием «золотого века». Хотя благоприятный период в развитии городов и части крестьянства Испании был очень кратким, наследие героических времён продолжало жить в сознании испанского народа. В этом заключался важный источник высоких достижений классической испанской культуры. Однако Возрождение в Испании носило более противоречивый характер, чем в других европейских странах. В Испании не произошло такого резкого разрыва с феодально-католической идеологией средних веков, какой совершился, например, в итальянских городах в эпоху подъёма их экономической жизни и культуры. Вот почему даже такие передовые люди Испании, как Сервантес и Лопе де Вега, не порывают до конца с католической традицией. Народная поэзия XV век был для Испании веком расцвета народного творчества. Именно к этому времени относится появление множества романсов. Испанский романс - краткое лирическое или лирико-эпическое стихотворение. В романсах воспевались подвиги героев, драматические эпизоды борьбы с маврами. Лирические романсы изображали в поэтическом свете любовь и страдания влюблённых. В романсах отразились патриотизм, свободолюбие и поэтический взгляд на мир, свойственный кастильскому крестьянину. Гуманистическая поэзия В Испании, как и в других странах, литература эпохи Возрождения сложилась на основе синтеза национального народного творчества и передовых форм гуманистической литературы.Испанский роман С начала XVI в. в Испании получили широкое распространение рыцарские романы. Необузданная фантастика этих поздних созданий феодальной литературы отвечала некоторым сторонам психологии людей Возрождения, которые пускались в рискованные плавания и скитались по отдалённым странам. Во второй половине XVI в. пасторальный мотив, введённый в испанскую литературу Гарсиласо де ла Вега, также получил развитие в форме романа. Здесь необходимо упомянуть «Диану» Хорхе де Монтемайора (написана около 1559 г.) и «Галатею» Сервантеса (1585 г.). В этих романах по-своему преломляется тема «золотого века», мечта о счастливой жизни на лоне природы. Однако наиболее интересным и оригинальным типом испанского романа был так называемый плутовской романа. В этих романах отразилось проникновение в испанскую жизнь денежных отношений, разложение патриархальных связей, разорение и обнищание народных масс. Начало этому направлению испанской литературы было положено трагикомедией «Селестина» (около 1492 г.) написана Фернандо де Рохасом. Через 60 лет после ее появления вышел первый законченный образец плутовского романа, оказавший большое влияние на развитие европейской литературы, знаменитый «Ласарильо с Тормеса». Это история мальчика, слуги многих господ. Защищая своё право на существование, Ласаро вынужден прибегать к хитроумным уловкам и постепенно превращается в законченного плута. Отношение автора романа к своему герою двойственно. Он видит в плутовстве проявление ловкости, смётки и изобретательности, недоступных людям средневековья. Но в Ласаро ярко проявились и отрицательные качества нового человеческого типа. Сила книги в откровенном изображении общественных отношений Испании, где под сутаной и дворянским плащом таились самые низменные страсти, вызванные к жизни лихорадкой наживы.

Мигель де Сервантес Плутовской роман представляет ту линию в развитии испанской литературы, которая с особой силой подготовила торжество реализма Сервантеса.Он ставил перед собой скромную задачу - уничтожить влияние фантастических и далёких от жизни рыцарских романов Дон-Кихот мечтает возродить рыцарские времена в эпоху, когда они уже давно ушли в прошлое. Он один не понимает того, что рыцарство отжило свой век и, как последний рыцарь, представляет собой комическую фигуру. В феодальную эпоху всё строилось на основе кулачного права. И вот Дон-Кихот хочет, опираясь на силу своей руки, изменить существующие порядки, защитить вдов и сирот, наказать обидчиков. На самом деле он творит беспорядки, причиняет людям зло и страдания. Но вместе с тем мотивы поступков Дон-Кихота человечны и благородны. Этот рыцарь - истинный гуманист. Его прогрессивные идеалы родились в борьбе против сословного неравенства, против отживших феодальных форм жизни. Но и то общество, которое шло ему на смену, не могло осуществить эти идеалы. Чёрствый богатый крестьянин, прижимистые трактирщики и купцы издеваются над Дон-Кихотом, над его намерением защищать бедных и слабых, над его великодушием и гуманностью.Двойственность образа Дон-Кихота состоит в том, что его прогрессивные гуманистические идеалы выступают в отжившей свой век рыцарской форме.Рядом с Дон-Кихотом действует в романе крестьянин - оруженосец Санчо Панса. На него наложила свой отпечаток ограниченность деревенских условий существования: Санчо Панса наивен,единственный человек, поверивший в рыцарские бредни Дон-Кихота. Но Санчо не лишён хороших качеств. Он не только обнаруживает свою сообразительность, но и оказывается носителем народной мудрости, которую излагает в бесчисленных пословицах и поговорках. Под влиянием рыцаря-гуманиста Дон-Кихота Санчо нравственно развивается. Его замечательные качества раскрываются в знаменитом эпизоде губернаторства, когда Санчо обнаруживает свою житейскую мудрость, бескорыстие и нравственную чистоту.Два главных действующих лица романа с их фантастическими и наивными понятиями показаны на фоне реальной будничной Испании, страны чванливой знати, трактирщиков и купцов, зажиточных крестьян и погонщиков мулов. В искусстве изображения этой обыденности Сервантес не имеет себе равных. Лопе де Вега Основоположником испанской национальной драмы был великий драматург Лопе Феликс де Вега Карпио (1562-1635).Лопо де Вега в точение всей своей жизни оставался религиозным человеком. В этой двойственности Лопе де Вега сказались характерные черты испапского Возрождения. Лопе де Вега был художником редкой творческой плодовитости, он написал 1800 комедий и 400 одноактных аллегорических культовых пьес. Он писал также героические и шуточные поэмы, сонеты, романсы, новеллы и т. д.Он пользовался различными источниками - испанскими народными романсами и хрониками, итальянскими говеллами и книгами античных историков. В своих произведениях Лопе де Вега рисует укрепление королевской власти, борьбу испанских королей против мятежных феодалов и мавританских полчищ. Он изображает прогрессивное значение объединения Испании. В так комедиях плаща и шпаги изображается борьба молодых испанских дворян - людей нового склада - за свободу чувства, за счастье, против деспотической власти отцов и опекунов. Лопе де Вега строит комедию на интриге, на совпадениях и случайностях. В этих комедиях, прославляющих любовь и свободную волю человека, больше всего проявилась связь Лопе де Вега с гуманистическим литературным движением Ренессанса. Но у Лопе де Вега ювый человек Возрождения не обладает той внутренней свободой как у Шекспира. Герои Лопе де Вега верны дворянскому идеалу чести. В их облике есть жестокие, мало привлекательные черты, связанные с тем, что они разделяют предрассудки своего сословия.

В начале 16 века в связи с превращением Испании в мировую державу значительно расширились ее международные культурные связи. Итальянские походы императора Карла V способствовали ознакомлению испанцев с произведениями художников Италии. С этого времени в Испании возникает большой интерес к искусству итальянского Возрождения. Многие живописцы едут теперь учиться в Италию и стремятся овладеть передовыми достижениями ее искусства - перспективой, светотенью, умением передавать строение человеческого тела. Испанские художники многому научились в Италии, однако само существо итальянского Возрождения осталось им чуждым: в Испании не было почвы для развития жизне-утверждающегог мировоззрения и трезвого рационализма, составляющих основу итальянской художественной культуры. Гораздо ближе по духу к некоторым течениям испанской живописи оказалось искусство маньеризма, которое находит в Испании много последователей. Даже художники, подражающие произведениям мастеров Высокого Возрождения, обычно интерпретируют их в духе маньеризма, как можно видеть на примере валенсийского живописца Хуана де Хуанеса (ок. 1523-1579), вдохновившегося «Тайной вечерей» Леонардо да Винчи. В произведениях испанцев страстность и преувеличенная экспрессия всегда превалируют над стремлением к равновесию и гармонии.
Живопись при дворе Филиппа II. С середины 16 века, во времена правления Филиппа II, маньеристическое направление в искусстве Испании оттесняется официальным придворным искусством, в котором, при покровительстве самого короля, насаждается подражание образцам Высокого Возрождения, преимущественно римской школы. В архитектуре, как мы видели, в это время возникает художественное направление, возглавленное Эррерой. В живописи создаются надуманные и холодные произведения, по существу не менее далекие от итальянского Возрождения, чем работы художников предшествующей поры. Королевский двор становится теперь главным заказчиком произведений искусства и диктует художникам свои требования. В этот период наиболее интересной областью испанской живописи является портрет - единственный светский жанр, получивший развитие в Испании. Среди портретистов, работавших при дворе Филиппа II, выделяются два прекрасных художника, заложивших основы испанского придворного портрета. Это Санчес Коэльо (ок. 1532-1588) и Хуан Пантоха де ла Крус (1551-1609). В портретах этих художников наряду с подчеркнутой сословной характеристикой изображаемых ими аристократов - чопорностью, надменностью, сдержанностью жестов, богатством костюма - всегда с поразительной правдивостью передаются черты лица и раскрывается внутренний мир портретируемого (см., например, портрет «Дона Диего де Вальмайор» работы Хуана Пантохи дела Крус в собрании Государственного Эрмитажа).
Луис де Моралес. Живопись Испании второй половины 16 века не исчерпывается официальным придворным искусством. К иному направлению принадлежал один из значительнейших художников этого времени Луис де Моралес (1518-1582), произведения которого не были одобрены при дворе. В творчестве Моралеса чувствуется влияние современных мистически-религиозных учений, распространенных в Испании, но не поощрявшихся официальной церковью. Его произведения проникнуты религиозным чувством и несут на себе отпечаток аскетического идеала средневековья. Произведения Моралеса очень эмоциональны, в них обычно подчеркиваются моменты страдания, скорби. Живопись его отличается тонкостью и тщательностью исполнения и близка по технике к нидерландской, хотя в более зрелых произведениях мастера чувствуется и стремление приобщиться к достижениям искусства Италии. Хорошее представление об искусстве Моралеса дают две картины в собрании Государственного Эрмитажа - «Скорбящая богоматерь» и «Мадонна с младенцем». Холодный колорит, гладкая, как бы эмалевая поверхность живописи являются характерными чертами этого мастера.
Эль Греко. Не пользовался успехом при дворе и работавший в Испании один из крупнейших европейских художников второй половины 16 века Эль Греко (ок. 1541-1614), творчество которого стоит особняком в испанском искусстве. Грек по национальности, Доменико Теотокопули, прозванный Эль Греко, родился на острове Крите, в это время входившем в состав владений Венеции. Первоначально он обучался у себя на родине, где еще живы были традиции византийского иконописного мастерства. Хранящийся в Модене в музее д"Эсте триптих Эль Греко, принадлежащий к числу его первых работ, исполненных по приезде в Италию, свидетельствует о влиянии на него в этот период византийской традиции. В Италию Эль Греко приехал в 1565 году. Сначала он провел несколько лет в Венеции, где обучался у Тициана и сблизился с Тинторетто, влияние которого заметно сказалось в его ранних произведениях. Здесь, в кругу Тициана и Тинторетто, Греко усваивает свободную и широкую манеру живописи, присущую венецианским мастерам, здесь развивается его блестящее дарование колориста. С Тинторетто Эль Греко сближает динамичность, беспокойный нервный ритм движения фигур, любовь к неожиданным ракурсам, удлиненным пропорциям фигур, извилистым линиям. Как и Тинторетто, Эль Греко примыкает к маньеризму. Около 1570 года художник покинул Венецию и обосновался в Риме. Здесь он обратил на себя внимание своими работами и выполнил ряд портретов и заказных картин.
Окончательное формирование искусства Эль Греко и подлинный расцвет его дарования приходятся на более поздний период, когда он переезжает в Испанию. Он прибыл туда около 1576 года и первое время, по-видимому, остановился в Мадриде - новой столице, куда Филипп II перенес резиденцию своего двора. Известно, что Филипп II охотно пользовался услугами итальянских художников и даже выписывал к себе мастеров из Италии, и, вероятно, Эль Греко рассчитывал на заказы при дворе. По-видимому, через посредство придворного архитектора Хуана де Эррера Эль Греко получил в 1577 году заказ на несколько картин для одной из церквей в Толедо («Троица», Мадрид, Прадо; «Успение Богоматери», Чикаго, музей и др.). В том же году он получил заказ на картину «Раздирание одежд Христа» для собора в Толедо.
В этой картине Эль Греко представил Христа в окружении теснящейся толпы возбужденных, энергично жестикулирующих людей. Фигуры их заполняют всю поверхность картины. Здесь и рыцарь в доспехах, и стражники, копья которых в беспорядке перекрещиваются над головами толпящихся людей, и убеленные сединами старцы, и юноши. На переднем плане справа изображенный в смелом ракурсе палач наклоняется над крестом, слева юноша останавливает приблизившихся к кресту женщин. По экспрессии это произведение превосходит работы итальянского периода и предвосхищает зрелое творчество художника. В нем уже появляются та поразительная одухотворенность лиц, выразительность мимики и движений, которые составляют особенность искусства Эль Греко. Извивающиеся линии, падающий неровными пятнами свет, вырывающиеся из сумрака холодные - зеленые, синие, желтые цвета создают ощущение напряженного беспокойства.
Заботясь более всего о передаче общего настроения, Эль Греко нарушил традиционные каноны изображения сюжета, что вызвало недовольство заказчиков, между прочим упрекавших художника также в чрезмерной вульгарности некоторых типов. Лишь после судебного процесса и благоприятного заключения экспертов Эль Греко получил причитавшиеся ему деньги.
Быть может, этот процесс привлек к художнику внимание Филиппа II. В 1579году он заказал ему картину для Эскориала. Картина эта под названием «Апофеоз Филиппа II» представляет коленопреклоненного короля среди деятелей церкви и праведников, устремляющих взоры к небу, где в ослепительном сиянии в окружении сонма ангелов сверкает монограмма иезуитского ордена. В 1580-1584 годах Эль Греко написал для испанского короля вторую картину - «Мучение святого Маврикия», которая навлекла на себя неудовольствие Филиппа II, вызванное, по-видимому, тем, что в этом произведении особенно ясно определилось различие между глубоко эмоциональным, не подчиняющимся рассудочной логике искусством Эль Греко и официальным придворным искусством.
После этой неудачи художник покинул Мадрид и навсегда обосновался в Толедо.
Толедо, старинный испанский город, в недавнем прошлом - резиденция королей, был прибежищем оппозиционной родовитой аристократии, утратившей свое былое значение во времена абсолютистского строя. В этом кругу еще живы были идеалы средневекового рыцарства, здесь пользовались успехом фантастические рыцарские романы, повествующие о совершающих невероятные подвиги безупречных и доблестных героях, здесь читали сочинения мистиков, учения которых не поддерживались официальной церковью. В Толедо было много писателей и поэтов, с которыми Эль Греко, человек широко образованный и разносторонний, вскоре тесно сблизился. В этой среде феодальной аристократии и рафинированной интеллигенции окончательно формируются мировоззрение Эль Греко и его искусство, здесь находит благоприятную почву его тяга к мистическому и иррациональному. В созданных в Толедо произведениях художника появляется оттенок мистической экзальтации, а также постепенно все более усиливается склонность к деформации фигур и дематериализации форм. Фигуры в его картинах непомерно вытягиваются, краски приобретают особенную изысканность сочетаний и начинают как бы светиться холодным зеленоватым фосфоресцирующим светом, поглощающим очертания предметов. Культивируемые Эль Греко формы отживающего уже в это время аристократически утонченного искусства маньеризма возрождаются к новой жизни в своеобразной атмосфере культуры Толедо.
Творчество Эль Греко сложно и противоречиво. Нередко в его картинах удивительным образом сочетаются фантастика и реальность, как, например, в одной из самых прославленных работ художника «Погребение графа Оргаса» (1586, Толедо, церковь Сан Томе). Сюжет ее заимствован из старинной легенды, согласно которой спустившиеся с неба святые почтили своим присутствием похороны скончавшегося в 1312 году толедского идальго, славившегося своим благочестием. Сцена эта представлена как мистическое видение. Вверху, в разверзшихся небесах, в потоках мерцающего света, виднеются Христос, Мария и Иоанн Креститель, окруженные сонмом святых и ангелов; внизу, на земле, среди столпившихся вокруг умершего толедских дворян, святые Стефан и Августин в сверкающих парчовых одеяниях бережно опускают в саркофаг облаченное в доспехи тело Оргаса. И при всей фантастичности сюжета - какой поразительный реализм, какая одухотворенность и тонкость передачи душевных движений в изображениях толедских идальго. Несомненно, все это портреты; вероятно, здесь Эль Греко изобразил круг близких ему людей.
Мастерство портрета - одна из сильнейших сторон дарования художника. Здесь он многим обязан искусству Испании. Он усвоил присущие испанскому портрету сдержанность и простоту, внимание к индивидуальным особенностям модели. Но Эль Греко далеко превосходит своих современников глубиной психологической характеристики. Достаточно вспомнить замечательный портрет инквизитора Ниньо де Гевара (1596, Нью-Йорк, музей Метрополитен), чтобы оценить дарование Эль Греко-портретиста. Портрет внешне прост, но полон огромного внутреннего напряжения. Мерцание зловещих малиново-красных тонов одежд инквизитора, холодный блеск его горящих глаз, жесткие очертания рта, нервно вцепившаяся в подлокотник кресла рука вызывают у зрителя представление о подавленных кипучих страстях, фанатизме и беспощадной жестокости. От этого портрета тянутся нити к «Иннокентию X» Веласкеса.
Совершенно иной образ, полный обаяния и женственности, создает Эль Греко в прекрасном женском портрете, известном под названием «Дама в боа» (Глазго).
Эль Греко писал главным образом религиозные сюжеты, однако это не обычные церковные картины. Очень часто он отступал от канонической интерпретации сюжетов, из-за чего не раз возникали недоразумения с заказчиками. Эль Греко живет в мире своей фантазии, которая в последние годы его жизни становится все более болезненной. В поздних картинах художника перед нами предстает странный и призрачный мир. Непомерно вытянутые фигуры с маленькими головами, причудливо изгибающиеся тела, ломающиеся в изгибах драпировки - все тонет и растворяется в потоках мерцающего холодного света. Среди наиболее значительных произведений художника должны быть упомянуты три варианта «Распятия» (1580-1585, Париж, Лувр; 1595-1600, Филадельфия; 1602-1610, Цинциннати), «Вознесение богоматери» (ок. 1608-1613, Толедо), «Лаокоон» (1606-1610, Белград, музей), а также прекрасный пейзаж «Вид Толедо в грозу» (1603, Нью-Йорк, музей Метрополитен).
Эль Греко - последний крупный представитель европейского маньеризма. В его время это направление уже повсюду сошло со сцены, уступая место новым художественным течениям - формирующемуся реалистическому направлению и искусству барокко, В конце 16 века ростки реализма пробиваются и в испанском искусстве, главным образом в творчестве мастеров крупных торговых центров, не связанных с двором, - Валенсии и Севильи. Именно эти города стали колыбелью блестящей испанской живописи 17 века. Глубоко субъективное, тяготеющее к отживающим формам маньеризма, искусство Эль Греко осталось в стороне от главного направления развития испанской школы.

Общая характеристика испанского Возрождения.

Литература Возрождения в Испании отличается большим своеобразием, находящим объяснение в особенностях исторического развития Испании. Уже во второй половине XV в. здесь наблюдается подъем буржуазии, рост промышленности и внешней торговли, зарождение капиталистических отношений и расшатывание феодальных учреждений и феодального мировоззрения. Последнее особенно подрывалось гуманистическими идеями, проникавшими их наиболее передовой страны того времени – Италии. Однако в Испании процесс этот протекал очень своеобразно, по сравнению с другими странами, вследствие двух обстоятельств, составлявших специфику истории Испании той эпохи.

Первое из них связано еще с условиями, в которых протекала реконкиста. То, что отдельные области Испании отвоевывались порознь, разновременно и в неодинаковых условиях, привело к тому, что в каждой их них выработались особые законы, нравы и местные обычаи. Крестьянство и основанные на отвоеванных землях города в разных местах получили различные права и вольности. Разнородные местные права и вольности, за которые различные области и города цепко держались, являлись причиной постоянных конфликтов между ними и королевской властью. Нередко случалось даже, что города объединялись против нее с феодалами. Поэтому к концу раннего средневековья в Испании не установилось такого тесного союза между королевской властью и городами против крупных феодалов.

Другая особенность исторического развития Испании в XVI в. заключается в следующем. Результатом необычайного притока золота их Америки явилось резкое вздорожание всех продуктов – «революция цен», которая затронула все европейские страны, но с особенной силой проявилась в Испании. Так как стало выгоднее покупать заграничные продукты, испанская промышленность второй половины XVI в. сильно сократилась. В упадок пришло также и сельское хозяйство – отчасти по той же самой причине, отчасти вследствие массового разорения крестьян и обеднения огромного числа мелких дворян-земледельцев, не выдержавших конкуренции с крупными помещиками, которые пользовались разными привилегиями.

Всеми особенностями истории Испании определяется общий характер ее литературы в XVI – XVII вв. Литература испанского Возрождения отчетливо делится на два периода: 1). Раннее Возрождение (1475 – 1550) и 2). Зрелое Возрождение (1550 – первые десятилетия XVII в.).

В начале этого периода в Испании, как и в большинстве других стран, наблюдается зарождение того нового, критического и реалистического подхода к действительности, который характерен для ренессансного мировоззрения. Испания насчитывает ряд выдающихся ученых и мыслителей, опрокидывавших старые предрассудки и пролагавших пути современному научному знанию.

Возникают типографии, усиленно переводятся римские и греческие писатели. Центром гуманистического движения становится основанный в 1508 г. университет в Алькала де Энарес. Тем не менее гуманистические идеи не получили в Испании своего полного философского развития. Встречая самое враждебное отношение к себе при дворе и среди аристократии, не находя поддержки со стороны буржуазии, они были приглушены католической реакцией.

Гуманистические идеи в испанской ренессансной литературе находят выражение почти исключительно в поэтических образах, а не в теоретических сочинениях. По той же причине влияние античных и итальянских образцов было в целом гораздо менее значительно в Испании, чем, например, во Франции или в Англии. Точно также испанской литературе Возрождения в меньшей степени присущ культ формы. Ей свойственны мужественность, строгость, трезвость, большая конкретность образов и выражений, восходящие к средневековой испанской традиции. Во всех этих отношениях испанская литература Возрождения имеет своеобразный, специфически национальный характер.

Религиозные влияния эпохи ярко отразились в этой литературе. Идеология и практика католицизма наложили сильный отпечаток как на народную жизнь, так и на жизнь привилегированных классов.

Нигде в литературе XVI – XVII в. религиозная тематика не занимает такого видного места, как в Испании. Мы находим здесь чрезвычайно разную «мистическую» литературу – религиозные поэмы и лирику (Луис де Леон , Сан Хуан де ла Круус ), описания «чудесных обращений», экстазов и видений (Тереса де Хесус ), богословские трактаты и проповеди (Луисде Гранада ). Величайшие драматурги (Лопе де Вега, Кальдерон ) наряду со светскими пьесами пишут пьесы религиозные, драматизированные легенды и жития святых, или «священные действа», имевшие темой прославление таинства «причастия». Но даже в пьесах светского содержания нередко появляется религиозно-философская тематика («Севильский озорник» Тирсо де Молины , «Стойкий принц» Кальдерона ).

При всем том болезненном характере, который носило развитие Испании, народ проявил максимум национальной энергии. Он обнаружил огромную пытливость ума, решительность и смелость в преодолении препятствий. Широкие перспективы, раскрывавшиеся перед людьми того времени, размах политических и военных предприятий, обилие новых впечатлений и возможностей разнообразной кипучей деятельности – все это нашло свое отражение в испанской литературе XVI – XVII вв., которой свойственны большая динамика, страстность и богатая фантазия.

Благодаря этим качествам испанская литература «золотого века» (так называют период примерно со второй трети XVI в. до середины XVII в.) занимает одно из первых мест среди национальных литератур Возрождения. Блестяще проявив себя во всех жанрах, испанская литература дала особенно высокие образцы в романе и драме, т.е. в тех литературных формах, в которых полнее всего могли найти выражение черты, типичные для тогдашней Испании, - пылкость чувств, энергия и движение.

Создание национальной испанской драмы.

В Испании и Португалии, так же как и в других странах, существовал средневековый театр – отчасти религиозный (мистерии и миракли), отчасти вполне светский, комический (фарсы). Средневековый религиозный театр в Испании вследствие огромной роли, которую католическая церковь играла в жизни страны, отличался чрезвычайной устойчивостью, - он не только не исчез в эпоху Возрождения как это случалось в Италии и во Франции, но продолжал интенсивно развиваться в течение всего XVI и даже XVIIв.; причем пьесы такого рода писали крупнейшие драматурги эпохи. Столь же популярными оставались на протяжении этих веков жанры народного комического театра, также культивировавшиеся большими мастерами.

Однако наряду с этими старыми драматическими жанрами к середине XVI в. в Испании вырабатывается новая, ренессансная система драматургии, влияющая и на трактовку писателями Возрождения упомянутых старых жанров. Эта новая драматургическая система произошла их столкновения двух начал в театре средневековой народной или полународной традиции и учено-гуманистических веяний, шедших из Италии или же прямо из античности, но большей частью также через итальянское посредство. Первое время два типа драматургии, выражающие эти две тенденции, развиваются параллельно, обособленно один от другого или вступая друг с другом в борьбу, но уже очень скоро между ними начинается взаимодействие, и в конце концов они сливаются в единую драматическую систему. В этой системе национальной драмы Возрождения, вершиной которой следует признать творчество Лопе де Веги, основным все же является народное начало, хотя итальянские и античные влияния, оригинально освоенные, сыграли в ее формировании значительную роль. Последнему способствовало появление в XVI в. переводов на испанский язык Плавта и Теренция.