Немецкая архитектура xvi столетия. Стили архитектуры

21.04.2019

Архитектура эпохи Возрождения

Возрождение (Ренессанс) – целая эпоха в европейском культурном и художественном процессе; в Италии – на родине Возрождения, это период с конца ХШ по конец ХУ1 вв. В Западной Европе («за Альпами») – ХУ1 в. возрождение - переходная по характеру эпоха от Средневековья к Новому времени (современности).

Возрождение (Ренессанс – франц.) – означает возобновление интереса к античному наследию в искусстве и художественной культуры Европы, возрождение античной (древнегреческой и древнеримской) классики

Родиной Возрождения является Италия.

Хронология:

а/В Италии:

· Проторенессанс (Треченто) – 1260-е – 1320-е

· Раннее Возрождение (Кватроченто) – ХУ век (с 1420-х по 1500 гг.)

· Высокое (папский Рим) – 1500-1520/1527

· Позднее(Чинквеченто) или маньеризм – с 1520/1527 – конец ХУ1 в.

б/ на «Севере»:

· ars nova (Новое искусство Севера) – ХУ в.

· собственно Возрождение (интернациональный характер художественной культуры в Европе, обусловленный взаимным влиянием мастеров из Италии и заальпийской Европы (Франции, Германии, Нидерландов) – ХУ1 в.

Возрождение – это европейский историко-художественный феномен, зародившийся в свободных городах-коммунах:

Два самостоятельных центра развития искусства (Италия и «Север» - Нидерланды, герцогство Бургундское);

В Италии: возрождение античных художественных традиций (ордер, статуя);

На Севере: новая религиозность.

Развитие наряду с религиозной также и светской культуры;

Духовная основа культуры в Италии – гуманизм (образованность, благородство духа, светская культура), идея божественной природы человека-творца; в заальпийской Европе – новое благочестие (особый религиозный дух обновления)

Грандиозный размах творений (особенно в папском Риме);

Архитектура Возрождения в Италии – типы зданий:

1. Соборные комплексы: базилика, башня (кампанилле), крещальня (баптистерий) (Орвьето, Пиза, Сьена, Флоренция, Венеция, Рим)

2. Появление светского (общественного и частного) здания: коммунальный дворец (Флоренция, Сьена), библиотека (Св. Марка в Венеции), коллегии, приют для подкидышей (воспитательный дом во Флоренции), городской дворец (палаццо), загородная вилла;

3. Формирование ансамблевых градостроительных структур (площадь, улица)

4. Проекты идеального храма (собор Св. Петра), идеального города

5. Фортификационные сооружения (крепости)

6. Сады (итальянский террасный парк)

Скульптура:

1. Освобождение от власти архитектуры (отделение от стены собора), наличие собственного пространства (статуя в нише, в интерьере, во дворике);

2. Появление свободностоящей круглой статуи и скульптурной группы;

3. Монумент общественного значения (памятник).

Живопись (монументальная и станковая):

1. Монументальные фресковые циклы росписей церквей (Мазаччо, Пьеро делла Франческо, Микельанджело, Корреджо)

2. Появление станковой картины в раме (религиозные и светские сюжеты);

3. Усовершенствование техники масляной живописи и ее распространение (Ян Ван Эйк на Севере);

4. Появление первых жанров в светской живописи (портрет, мифологический жанр, пейзаж);

5. Открытие прямой (линейной перспективы) перспективы;

6. Формирование местных школ живописи (Флоренция, Умбрия, Венеция, Мантуя, Феррара и др.)

Появление нового типа художника (индивидуума, артиста, интеллектуала);

Власть средневекового изобразительного канона сменяется стилевой парадигмой развития искусства (стиль Возрождения);

Универсализм художественного творчества (синтез науки и искусства для открытия законов природы и познания мира – «открытие мира и человека»);

Начало нового образовательного процесса (художественные Академии);

Начало эпохи репродукционного искусства: гравюр (печатная графика).

Ареал: Италия – Север (заальпийские земли), территория великого герцогства Бургундского, франция, Германия, Нидерланды, а также Чехия, Польша и др.

Центры – королевские и княжеские дворы (Неаполь, Париж, Милан, Мантуя, Дижон, Брюссель), морские республики (Венеция, Пиза), торговые города (в Италии – свободные города-коммуны): Флоренция, Сьена, Лукка, Орвьето, Сполето, Брюгге, Гент и др.

Хронология (различается для Италии и Севера):

1. Проторенессанс – сер. ХШ (с 1260)– конец Х1У вв.

· Дученто (ducento - “200)- 1260-1300

· Треченто (trecento - “300) – 1348 - 1400

2. Раннее возрождение (quattrocento) – 1400/1426 – 1500

3. Высокое Возрождение:

· папский Рим (Ватикан)- 1500-1520/1527

· Венеция – 1520-1540-е гг.

4. Позднее Возрождение (маньеризм) – 1520/1527 – 1600 (в Венеции – с 1540-х гг.)

· Ранний маньеризм – 1520-е – 1540-е гг.

· Высокий маньеризм - 1540-е – 1560-е гг.

· Поздний маньеризм – 1560-е – 1580-е гг.

Северное Возрождение:

1. ХУ век – ars nova («новое искусство Севера») –термин из истории нидерландской музыки ввел Э. Панофски применительно к начальной поре северного Возрождения

2. ХУ1 век – интернациональное движение Возрождения в Европе, обусловленное деятельностью и влиянием итальянских художников за пределами Италии.

Идейно-мировоззренческая основа Возрождения в Италии и на Севере различна:

В Италии – обращение к собственному классическому наследию (античному, языческому в своей основе) древнего Рима;

На Севере – отражение религиозно-нравственных исканий и движения за духовное обновление - «devozio moderno» (новое благочестие).

Т.о. итальянское возрождение «питается» собственными классическими корнями и античной культурой, северное – наследием средневековой культуры (готики), религиозной в своей основе.

Девиз итальянского Ренессанса – возрождение античности, общая программа – «открытие мира и человека»

Основа идейная – гуманизм и гуманистически образованная личность, воспитанная на идеях религиозного обновления, античных литературных источниках, идеях антропоцентризма и философии неоплатонизма.

В центре ренессансной «картины мира» - новый (идеальный человек, герой, просвещенный правитель, гуманист) человек, наделенный едва ли не божественной силой, волей и жаждой преобразовательной деятельности.

Новое представление о художника как артисте, демиурге, интеллектуале, творящем из ничего и тем самым почти богоподобному.

Огромное значение и власть знаний о мире, природе, красоте (исследовательский дух, дерзкий пытливый ум, изучение законов природы и стремление применить их к устройству общества и человеческой жизни). Представление о единых законах устроения мира. Основа представлений о мире – гармонический миропорядок, божественный в своей красоте, идеальный.

Синкретизм и универсализм знаний – слитность науки, искусства, веры, образно-символическое восприятие мира, толкований законов природы.

Формирование идеальной картины мира на основе идей антропоцентризма, религиозного обновления и исследования законов природы.

Герои – как христианские святые (Св. Себастьян), персонажи библейской (Давид, Юдифь) и евангельской истории, так и герои античных мифов.

Формирование на основе гуманизма индивидуалистического сознания (буржуазного, аристократического).

Рождение светского образования:

· теоретические интеллектуальные штудии,

· изучение античных источников,

· коллекционирование (книжных собраний, античных памятников искусства, нумизматики),

· наполнение жизни произведениями искусства, поэзией, философией и окружением в лице гуманистически образованных людей.

Огромный толчок в развитии пластических искусств (архитектуры, скульптуры, живописи) и художественной культуры. Данные в эту эпоху мощные импульсы будут развиваться в искусстве на протяжении нескольких веков (ХУП-Х1Х вв.), которые и составят классический период в художественной культуре Европы Нового времени.

Главные художественные завоевания:

· Формирование единой, оптически и пластически убедительной и целостной художественной модели мира через учение о перспективе (линейной, свето-воздушной) и объемно-пластическую моделировку пространсвенных тел;

· Создание наглядной зрительной модели идеального мира (утопической по сути), как бы увиденного непосредственно живым человеческим глазом – «картина как вид из окна», иллюзионистической «картины мира»;

· Появление светской (буржуазной, придворной) культуры и гуманистического мировоззрения;

· Идеальные представления о человеке (богоравный, святой, мученик, герой);

· Универсализм творчества (исследовательский дух, научное и художественно-образное мышлений) – титаны Возрождения (Леонардо, Микельанджело, Рафаэль) – архитекторы, живописцы, скульпторы, поэты, исследователи, археологи;

· Разнообразие локальных «оттенков» Возрождения – появление местных художественных школ (Венеции, Умбрии, Флоренции, Сьены, Феррары, Неаполя и др.);

· Появление архитектурных ансамблей оформления городской площади;

· Появление проектов «идеальных городов»;

· Автономизация (отделение) скульптуры от архитектуры, появление круглой статуи;

· Появление монументальной скульптуры в городском пространстве (конный памятник);

· Возрождение традиций загородного жилища – виллы и садово-паркового ансамбля;

· Возрождение и расцвет портрета, живописного и скульптурного;

· Появление новой формы в живописи – станковой картины в раме;

· Рождение светских жанров в живописи (портрет, пейзаж, мифологическая композиция – флорентийская и венецианская школы),

АРХИТЕКТУРА

Изучения античного теоретического наследия (М. Витрувий «Десять книг об архитектуре») и сохранившихся античных памятников (фиксация, обмеры, археология в Риме).

Появление теоретических изысканий (трактатов, книг) наряду с архитектурной практикой и в связи с разработкой учения о перспективе (Ф. Брунеллески, Л.-Б. Альберти).

Утопичность архитектурного мышления (поиски «идеального» храма, идеального города и т.д.).

Городская и загородная архитектура.

Появление светских гражданских (общественных) и частных сооружений наряду с религиозными постройками.

Ансамблевость мышления (возрождение традиции оформления площади).

Проторенессанс:

1. Соборные комплексы (собор, баптистерий, колокольня) в Пизе, Венеции, Флоренции, Сьене, Орвьето, Сполето.

Тип римской базилики с трансептом в восточной части и куполом на средокрестье, цветная (узорная) мраморная облицовка (тосканский «инкрустационный» стиль), использование геометрически четких членений, гармоничных пропорций, полуциркульных арок, аркад на колоннах, элементов ордерных, наложенных на фасады в качестве декорации.

8-гранный или круглый баптистерий, прямоугольной (квадратной в сечении) формы колокольни.

2. Гражданские ансамбли (Палаццо дела Синьория (Веккьо) во Флоренции, Палаццо Пубблико в Сьене и др.) с площадями.

Тип крепостной архитектуры с колокольней и укреплениями. Система двух городских центров – соборного (религиозного) и гражданского (с дворцом заседаний республиканского правительства).

Во Флоренции две площади (Соборная и Синьории) образуют два центра города: религиозный и гражданский. В Венеции религиозный и гражданский городские центры (Собор св. Марка и Дворец Дожей) образуют единый центр на площади Сан Марко.

3. Строительство и убранство крупных церковных ансамблей в паломнических центрах (двухярусная базилика Сан Франческо в Ассизи) – в традициях поздней готики и местных классицизирующих форм архитектуры.

Раннее возрождение – новые задачи архитектуры на основе синтеза классической традиции и наследия готики:

· Возрождения купольной архитектуры (собор Санта Мария дель Фьоре во Флоренции, чей купол возвел архитектор Филиппо Брунеллески в ХУ веке);

· Возрождение классической ордерной системы (колонны коринфского ордера и антаблемент впервые возродил Ф. Брунеллески при постройке Воспитательного дома (приюта для подкидышей) во Флоренции в 1426 году);

· Использование формы триумфальной арки для оформления церковного фасада (по проекту Л.-Б. Альберти церковь Сант Андреа в Мантуе).

· Своеобразие архитектуры раннего Возрождения состоит в соединении традиций готики и античной классики

1. Гражданские сооружения – фасад Воспитательного дома (по проекту Ф. Брунеллески) и ансамбль площади Св. Аннунциаты оформлены протяженными колонными портиками симметрично расположенными на фасадах зданий;

2. Сооружение купола флорентийского собора Санта Мария дель Фьоре как возрождение античной традиции купольных форм

3. Палаццо (Строцци, Руччеллаи, Медичи-Риккарди) – строительство городских дворцов как частных резиденций именитых людей города (буржуазии) – Брунеллески, Микелоццо; палаццо – здание 3-4 этажное; имеет форму замкнутого каре с внутренним двором, обнесенным колоннадой.

4. Оформление домовых церквей, сакристий и молелен (Сан Лоренцо – капелла Пацци Брунеллески, Санто Спирито).

Использование накладных ордерных форм, влияние как античности, так и готики в трактовке пропорций колонн (более тонкие, чем ширина интерколумниев), в использовании крестовых сводов.

Синтез архитектуры со скульптурой (накладные рельефные полихромные терракотовые медальоны с изображением Мадонны, евангелистов, пути, орнаментальных композиций работы мастерской Луки дела Роббиа).

Высокое и позднее Возрождение:

1. Гробница Медичи во Флоренции работы Микельанджело-архитектора в ХУ1 веке является воплощением синтеза архитектуры и скульптуры; он выполнил архитектурный проект, внутреннюю настенную ордерную декорацию и статуи для оформления пространства.

2. Постройка собора Св. Петра в Ватикане с конца ХУ по середину ХУП вв. как воплощение исканий центрической купольной архитектуры (влияние традиций крестово-купольного зодчества Византии); автор модели купола собора – Микельанджело. В разработке проекта и строительстве участвовали архитекторы Донато Браманте, Рафаэль санти, Антонио да Сангалло Младший, Микельанджело Буонаротти, Карло Мадерна

3. Частные загородные виллы с садами (вилла Медичи в Поджо-а-Кайяно под Флоренцией, вилла банкира Киджи (Фарнезина) в Риме, палаццо Фарнезе, вилла Ротонда ХУ1 века работы Андреа Палладио, архитектора из Виченцы);

4. Проекты «идеальных» городов (Пальма Нуова, Ливорно-порт и др.);

5. Постройка крупных бюрократически-административных зданий (Палаццо Канчеллерия в Риме (папская канцелярия), Уффицци во Флоренции).

6. Дворцовое строительство в резиденциях правителей (Палаццо Питти во Флоренции, Палаццо дель Те в Мантуе).

Выражение идей маньеризма в архитектуре:

Игра пропорциями, разрушение классической гармонии в архитектуре, громадные размеры зданий, идея величия и грандиозности, выраженная архитектурными средствами. Преувеличенные масштабы, крупные и массивные детали, тяжелая пластика, преувеличенная мощь стен, компромиссные формы («муфтированные» колонны), примыкают крупные садово-парковые комплексы (террасные сады).

Германия к началу XVI в. была раздроблена на множество карликовых государств. Это было время столкновения интересов различных классов, религиозных бурь. Расцвет культуры в Германии не был таким органичным, как в Италии. Собственного античного наследства не было, античность стала известна уже в переработке итальянцами. В отличие от становящегося светским искусства Италии, в Германии религиозность не умаляется, гуманисты-теологи выступают за обновление католической церкви.

Цикл «Времена года» включал шесть картин, каждая из которых посвящалась двум месяцам. Сохранились «Жатва», «Сенокос», «Сумрачный день», «Охотники на снегу» и «Возвращение стада»
Германия, находясь в центре Европы, подвергалась внешним воздействиям. Развиваясь в общем русле европейского Возрождения, немецкое искусство во многом продвигалось собственным путем. В искусстве Германии XV-XVI вв. проявлялись реминисценции готики. Важное значение для развития немецкого искусства имели местные художественные традиции. Писатели-мистики XIII-XIV вв. дали богатый материал художникам последующих двух столетий.
Искусство немецкого Возрождения сформировалось в один из самых драматических периодов в истории Германии. В 1453 году пала Византия. Распространялись еретические учения. Конец света многие ожидали в 1500 г.

Альбрехт Дюрер (1471-1528). Возрождение в Германии называют эпохой Дюрера. Дюрер - первый немецкий художник, чья популярность была общеевропейской уже при жизни.
Альбрехт Дюрер, как и многие творцы Возрождения, был универсальной личностью. Его талант в равной степени развивался в гравюре, живописи, теории искусства. Его творческое кредо выражено в трактате «Четыре книги о пропорциях», в котором он писал, обращаясь к художнику: «не уклоняйся от природы в надежде, что ты мог бы найти лучшее и сам, ибо ты обманешься, ибо, поистине, искусство заключено в природе: кто умеет обнаружить его, тот владеет им».

Дюрер родился в Нюрнберге в семы ювелира в 1471 г. Он был третьим ребенком в многодетной семье. Первые навыки рисования Альбрехт получил в мастерской отца, затем три года учился у Михаэля Вольгемута в крупнейшей мастерской города. 1 декабря 1489 г. Дюрер закончил обучение и согласно цеховым правилам отправился путешествовать по городам Германии. Странствия продлились 4 года. В 1493 г. Дюрер исполнил свой первый автопортрет, представ в образе мечтательного юноши с цветком в руке. Весной 1494 г. отец вызвал Дюрера в Нюрнберг, где тот женился на дочери влиятельного нюрнбергского бюргера, механика и музыканта Ганса Фрея, 15-летней Агнесс.
Вскоре после свадьбы художник отправился в Италию. Во время пребывания в Италии Дюрер уделял много внимания изображению нагого тела. Возвращаясь из Венеции в Нюрнберг, Дюрер запечатлел альпийские горы и лежавшие на его пути города в многочисленных акварелях («Вид Инсбрука» 1495 г., «Вид Триента»).

Ксилография (от греч. Xylon - дерево и grapho - пишу) - гравюра на дереве, когда печатная форма оттискивается способом высокой печати - с плоской поверхности деревянной доски, покрытой краской.
1495-1500 гг. - начало самостоятельной деятельности, когда, вернувшись из Италии, художник одновременно стал пробовать себя в живописи, гравюре на дереве и гравюре на меди. Дюрер создавал гравюры на мифологические, бытовые и литературные сюжеты. Он работает над алтарными образами, придавая им реалистическую достоверность. Портреты Дюрера положили начало расцвету этого жанра в немецкой живописи. К концу 90-х гг. его имя становится известным не только в Германии, но и в Европе, главным образом благодаря популярности гравюр. Главными для Дюрера в это время были гравюры на дереве. Он обратился к распространенной однолистной гравюре на дереве, со временем перешел к созданию серий гравюр, соединенных в виде сброшюрованных книжек с сопроводительным текстом на обороте листов. Во второй половине 90-х гг. Дюрер переходит к новой технике: он вводит штриховку по форме изгибающимися линиями, применяет перекрещивающиеся штрихи, дающие глубокие тени. Среди лучших ксилографий этого периода - «Св. Екатерина» 1498 г., серия гравюр «Апокалипсис». Содержавшиеся в «Апокалипсисе» описания бедствий и гибели человечества производили в то время сильное впечатление. Иллюстрации Дюрера отражают реформационные настроения. Вавилон - это папский Рим, а персонажи одеты в современные немецкие и венецианские костюмы. Серия состоит из 15 гравюр, к которым впоследствии Дюрер присоединил титульный лист. Более ранние листы - «Открытие седьмой печати», «Поклонение отцу» отличаются обилием фигур, в более поздних - «Семь светильников» - фигуры укрупняются, формы трактуются более обобщенно. В заключительном листе «Небесный Иерусалим» показано, как ангел запирает побежденного Сатану в преисподней. Другой ангел показывает Иоанну Небесный Иерусалим, похожий на средневековый город с массивными воротами и многочисленными башнями.

Вторая серия гравюр на дереве носит название «Большие страсти». Она была завершена лишь в 1510- 1511 гг. Первые 7 листов повествуют о самых трагических эпизодах жизни Христа («Моление о чаше», «Бичевание», «Се человек», «Несение креста», «Оплакивание» и «Положение во гроб»). Одним из самых популярных листов серии стало «Несение креста», в котором Дюрер представил Христа упавшим под тяжестью креста.
Тематика гравюр на меди разнообразна. Это и мифологические, и литературные, и бытовые сюжеты. Одна из наиболее известных работ - «Блудный сын». Среди жанровых изображений - «Три крестьянина».

Гравюра «Меланхолия» 1514 г. является одной из самых загадочных работ Дюрера. Она изображает одиноко сидящую женщину в лавровом венке, олицетворяющую творческий гений. На боку у нее связка ключей и кошелек, на коленях - закрытая книга, в правой руке циркуль - символ геометрии и строительного искусства. На стене за спиной женщины висят весы, песочные часы, колокол и магический квадрат. Главный герой Дюрера - человек, которого художник помещает в центре мироздания. Дюрер создает обобщающий тип человека эпохи Возрождения в «Автопортрете».
Офорт (фр. еаи fort - букв, крепкая водка, т.е. азотная кислота) - вид гравюры на металле, где углубленные элементы печатной формы создаются травлением металла кислотами. Процарапанные углубления заполняют краской и покрывают доску увлажненной бумагой, получая оттиск на специальном станке.

1500 г., портрете Неизвестного 1504 г., портрете Пиркгеймера 1524 г. В автопортрете 1500 г. Дюрер изобразил себя в образе Христа. Дюрер помещал свои автопортреты во многих картинах, он подписывал полным именем практически все свои капитальные работы, ставил монограмму на гравюрах и даже на рисунках. В портретах влияние нидерландской школы сказывается в тщательности отделки деталей, для портретов характерна необычайная экспрессивность.
Дюрер предвосхитил возникновение пейзажа настроения, он считал, что в природе все достойно запечатления - кусочек дерна, кролик.
В картине «Четыре апостола» Дюрер создал монументальные фигуры людей, полных чувства собственного достоинства, уверенных в своей силе.
В своих теоретических работах Дюрер разделил ремесло, в основе которого навык, и искусство, базирующееся на теории. В 1525 г. Дюрер выпускает «Руководство к измерению циркулем и линейкой», годом позже - «Наставления к укреплению городов, замков и крепостей», уже после смерти Дюрера, последовавшей в 1528 г., выходит его труд «Четыре книги о пропорциях человека».

Лукас Кранах Старший (1472- 1553) родился в семье художника в Верхней Франконии, учился у отца, затем обосновался в Тюрингии, став придворным живописцем саксонского курфюрста. Кранах был знаком
с Лютером, иллюстрировал его сочинения. В ранних работах Кранаха сочетаются драматизм и лиричность. В пейзажах все любовно и тщательно выписано. В монументальных алтарных композициях («Алтарь св. Екатерины», «Княжеский алтарь») художник использует и жанровые мотивы. Его «Мария с младенцем», «Венера» близки итальянским образцам, с* которыми он был хорошо знаком. В портретах своих современников Кранах стремился к детальной передаче всех деталей внешнего облика.

В последний период творчества у мастера преобладают мифологические и сказочные сюжеты, проявляются черты маньеризма.
Альбрехт Альтдорфер (ок. 1480-1538), глава «Дунайской школы». Работал в Южной Германии и Австрии. Тематика его картин библейская и мифологическая.
Рисунки Альтдорфера являются полноценными произведениями искусства. В 1510 г. написан «Лесной пейзаж с битвой св. Георгия», в котором стремление к тональной живописи наиболее полно выражено. Начало зрелости мастера отмечено созданием алтаря монастыря Санкт-Флориан близ австрийского города Линца в 1516-1518 гг. Высота алтаря 2 м 70 см, на нем размещено 16 картин. При закрытых створках видны 4 картины со сценами из легенды о св. Себастьяне. Когда открывалась 1-я пара створок, зритель видел восемь картин с изображениями страстей Христа.

Кранах и Лютер были знакомы, в 1522 г. Кранах на свои деньги издал сочинение Лютера «Сентябрьское Евангелие», снабдив его гравюрами.На внешней стороне створок были написаны сцены «Положение во гроб» и «Воскресение». Верхний ряд состоял из ночных сцен и «Бичевания Христа». Нижний включал сцены при ярком дневном освещении. Во всех композициях линия горизонта проходила на одном уровне. Все сцены пронизаны кипением страстей, то скрытых, то вырывающихся наружу. Драматическая обостренность особенно проявляется в почти босховской гротескности. Во всех сценах Христос - это жертва, предназначенная Богом для заклания. Колорит является наиболее замечательной чертой живописи алтаря. В «Молении о чаше» красные отсветы написаны по фону из чистого золота. Самое удивительное произведение Альтдорфера «Битва Александра с Дарием» 1529 г.; в ней действие разворачивается на фоне показанного сверху грандиозного пейзажа.

В творчестве художников «Дунайской школы», но не только у них, происходит единение человека с природой. Опора на античность носила в немецком Возрождении двоякий характер. Художники охотно брали сюжеты из античной истории и мифологии. Но древнегреческие и римские сюжеты решены далеко не в античном духе.
Грюневальд, так ошибочно с XVII в. стали называть крупнейшего немецкого живописца, архитектора Маттиаса Нитхардта (ок. 1470- 1528). Нитхардт работал во Франкфурте-на-Майне, Майнце, был придворным живописцем майнцских
архиепископов и курфюрстов. В творчестве художника наиболее полно выразился национальный дух, его мироощущение близко народному, религиозные образы трактованы в духе мистических ересей. Творческой манере Грюневальда присущи драматизм и экспрессия, особое соотношение цвета и света. Самое известное произведение Грюневальда - «ИзенгейМский алтарь» представлял собой монуменальную девятичастную композицию, дополнением которой служила раскрашенная деревянная скульптура. В центре композиции - исполненная глубокого трагизма, передачи мук и боли сцена распятия Христа.

Серебряный грифель дает бесцветные, нестирающиеся линии
на грунтованной или тонированной бумаге. Рисунок серебряным грифелем не допускает помарок.
Люкарна (фр. lucarne) - оконный проем различной формы в скате крыши или куполе.
Отель (фр. hotel) - во французской архитектуре - городской особняк, обычно размещен на относительно стесненном участке, отодвинут вглубь территории и отгорожен от улицы и соседних участков сомкнутыми строениями служебных флигелей и высокими каменными оградами, образующими замкнутый внутренний двор с парадным въездом с улицы. Сад расположен за главным корпусом.

Ганс Гольбейн Младший (ок. 1497-1543), моложе Дюрера на четверть века, как художник формировался в эпоху зрелости Возрождения, став его самой яркой фигурой. Гольбейн из всех немецких художников был ближе всего к итальянскому Возрождению. Жизнь художника известна лишь в самых общих чертах. В доме отца Ганса Гольбейна Старшего, известного живописца, он постигает азы живописи. Странствует в качестве подмастерья, в зрелом возрасте работает во Франции, Нидерландах, с 1532 г. он остается жить в Англии, где ему покровительствуют Томас Мор и Генрих VIII. Самыми сильными сторонами Дарования Гольбейна были рисунок и портрет. Ранние портреты Гольбейна созданы в технике серебряного карандаша, после 1522 г. мастер чаще прибегает к более мягким материалам - черному и цветным меловым карандашам. Свои поздние портреты художник рисует на розовой бумаге, которая дает теплоту человеческому лицу.

1 - Немецкий ренессанс

С начала века и до окончания Тридцатилетней войны в архитектуре германских городов господствует немецкий ренессансный стиль, с часто встречающимися готическими элементами и сильным итальянским влиянием. Наиболее выдающимися немецкими зодчими этой эпохи считаются Пауль Франке, Генрих Шикгардт и Элиас Голль

Среди ужасов Тридцатилетней войны пала экономическая, духовная и художественная жизнь Германской империи. Изменение торговых путей, обходивших теперь, после великих открытий по ту сторону океана, свои прежние узловые пункты, богатые искусством верхненемецкие города, и направленных к приморским городам северо-западной Европы, содействовало экономическому и художественному оскудению немецких государств. В середине XVII столетия Германия во всех областях высшей культуры уподоблялась пустыне, в песках которой пробивались лишь единичные, издалека питаемые ключи. Немногие искусные художники, которых Германия произвела в это время, превратились в иностранцев в иностранных землях, куда привлекал их заработок. Но еще до окончания Тридцатилетней войны духовными и светскими князьями, лишь отчасти принимавшими к сердцу интересы искусства, были вызваны в Германию толпы иностранцев; на католическом юге явились главным образом итальянцы, на протестантском севере голландцы, а в конце концов и там, и здесь преимущественно французы. При помощи этих иностранных мастеров свои художники снова поднялись до творческой силы и самостоятельных результатов лишь на переходе к XVIII столетию. Если немецкое искусство первых десятилетий XVII столетия принадлежит еще немецкому ренессансу, хватаясь за его побеги, то историю немецкого искусства конца XVII столетия нельзя отделить от истории его в XVIII, так как оба составляют одно историческое целое. Проследить художественные успехи нашего отечества на протяжении всего XVII столетия не так отрадно, как поучительно, хотя все же не будет недостатка ни в утешительных старых воспоминаниях, ни в надежде на будущее.

Во всех областях церковного и светского зодчества в начале XVII столетия возникли лишь немногие постройки, представлявшие блестящие успехи "немецкого ренессанса". В них непрестанно смешиваются между собою еще готические переживания с отдельными мотивами итальянского ренессанса, даже итальянского барокко, самостоятельно переработанных в северном вкусе. Северные завитки и оковка все еще занимают существенное место в украшении здания, если их не перевешивает итальянское чувство форм. Во втором десятилетии эти формы украшений, исходя из форм волют в виде ушной раковины, применяемых в разных положениях, начинают превращаться в мясистые, как бы мускулистые, несколько бесформенные образования, получившие названия "хрящей". Всего нагляднее являются они в книге образцов Рутгера Кассмана (1659). К эстетическому достоинству этих "хрящей", завладевших обрамлениями и узкими полями стен и превративших наклонные формы в отростки в стиле гротеска, потомство отнеслось, быть может, чересчур отрицательно. Все же они господствовали как немецкая форма украшений в течение приблизительно одного поколения, чтобы снова исчезнуть после Тридцатилетней войны.

Рис. 181 - Хрящеватый орнамент из "Книги образцов" Рутгера Кассмана

Произведения трех искусных немецких зодчих, стоявших около 1600 г. на высоте своей творческой силы, всего лучше вводят нас в немецкий поздний ренессанс. Старейший из них, Пауль Франке (около 1538-1615 гг.), даровитый архитектор герцога Генриха Юлия Брауншвейг-Вольфенбюттельского, принадлежит еще, по существу, к XVI столетию; еще в этом столетии возникло его здание университета (Юлеум) в Гельмстедте (1592-1597), - высокая, украшенная в обоих главных этажах только на порталах и окнах постройка, трехэтажный кровельный фронтон которой тем богаче изукрашен пилястрами, нишами и статуями на узкой и длинных сторонах. Его вторая главная постройка - церковь Марии в Вольфенбюттеле (с 1608 г.), выстроена в XVII столетии и является еще, по существу, трехнефной готической зальной церковью, отдельные формы которой заимствованы из ренессанса и барокко. Как своеобразны капители восьмиугольных столбов! Как свободна и роскошна ажурная работа окон! Как напряжены "хрящи" обрамлений продольных сторон фронтона, законченного, правда, после смерти мастера.

Второй знаменитый зодчий этой эпохи, Генрих Шикгардт (1558-1634), архитектор герцога Фридриха Вюртембергского, с которым он посетил в 1599-1600 гг. Италию, в своих дневниках и проектах, хранящихся в штутгартской библиотеке, является более жизненным, чем в сохранившихся постройках; но мы знаем, что он, ученик Георга Бера, построил в швабской земле множество полезных и художественных зданий, церквей, замков и простых домов. По возвращении из Италии он развился до художественной самостоятельности. К сожалению, его главное произведение - "Новая постройка" ("Neue Bau"; 1600-1609) штутгартского замка - сохранилось только в изображениях. Высокий подвальный этаж этого здания нес еще три этажа под крутой кровлей. Пилястрами были украшены только четыре угловые башни и средний ризалит (выступ) с высоким фронтоном. Но все окна и двери увенчаны баручными с волютами плоскими фронтонами. В общем, оно производит почти такое же впечатление, как современный городской дом с квартирами.

Другой главной работой Шикгардта была закладка на высоте Шварцвальда "Города Дружбы" ("Freudenstadt"), предназначенного для приюта протестантских беглецов из Австрии. Дома большой рыночной площади (1602), обращенные фронтоном на улицу, опираются на дорические колоннады. Четыре под прямым углом срезанных угловых зданий - ратуша, гостиный двор, больница и церковь - покоятся на аркадах с ионическими колоннами. Против узкой стороны обоих флигелей этой своеобразной церкви помещается колокольня с повышенным куполом и суженным фонарем. На заметных снаружи аркадах покоятся внутри эмпоры; сетчатый свод и ажурные украшения балюстрад производят еще впечатление готики.

Только третий из этих архитекторов, Элиас Голль из Аугсбурга (1573-1646), совершенно отказался от готического языка форм. О его славе в потомстве позаботилась уже его автобиография, изданная Христианом Мейером. Его искусство критически осветил Юлиус Баум. Голль вернулся из Италии в Аугсбург в 1601 г., годом позднее Шикгардта, и строил здесь в строгом стиле полубарочного итальянского позднего ренессанса, не отказываясь от своего основного германского настроения. Искусством расчленения и оживления общих масс он превосходил всех своих немецких современников. Постройки Голля придали Аугсбургу новый отпечаток, сохраняемый им до сих пор. Его "Бекенгауз" (1602) несет, как угловая постройка, над классическими фасадами с пилястрами, и на узкой, и на длинной сторонах, германские высокие фронтоны. Великолепный цейхгауз (1602-1607) поднимается до плоской арки своего разорванного венчающего фронтона пятью обильно расчлененными этажами. Сильное впечатление производит дорический, колонный, с отделкой в рустику, портал. Фантастическими являются разорванные, на барочный лад, фронтонные обрамления, связывающие в первом верхнем этаже круглые окна с помещенными под ними квадратными. Массивным и солидным выглядит далее расчлененный лишь вертикально дом мясницкого цеха (Fleischhaus; 1609), сильное, свойственное стилю Голля здание, отвергающее всякое заимствование у чужих образцов. Вытянутый в длину гостиный двор на винном рынке (1611) отказывается даже от всяких приставных фронтонов и, расчлененный только окнами наподобие слуховых, сосредоточен, целостен и закончен в себе самом. Но свою полную силу Элиас Голль развернул в ратуше (1614-1620). Осуществленный проект имеет то преимущество перед более ранними, изобиловавшими верхнеитальянскими колоннадами, что является настоящим произведением онемеченного позднего ренессанса. При ширине в четырнадцать окон он имеет в среднем ризалите, увенчанном полубаручным треугольным фронтоном, семь рядов окон один над другим. Пилястры украшают только обе восьмиугольные башни по обеим сторонам этой фронтонной надстройки. Не считая последней, массивное здание расчленяется в мощных пропорциях на три части как в вертикальном, так и в горизонтальном направлениях.

Стиль Ренессанс зародился в Италии и оказал громадное воздействие на развитие европейской архитектуры с начала XV до начала XVII в.в. Это отразилось не только в возрождении античной ордерной ситемы и отказе от готических форм.

В этот период было создано много нового в области гражданского зодчества. Многоэтажные городские здания - ратуши, дома купеческих гильдий, университеты - стали более нарядными, с изысканным декором и благородными пропорциями. Появились высокие многоступенчатые фронтоны с завитками, украшенные скульптурами, гербами.

Памятники античной архитектуры были повсюду в Италии, они напоминали о великом прошлом, их формы вдохновляли архитекторов. Стиль Ренессанс, в известном смысле, продолжение линии развития классической архитектуры после тысячелетней паузы.

Но архитектура Ренессанса выразилась не просто во заимствовании архитектурных форм античности. Такое заимствование происходило, однако применялись эти формы по-новому, в иной трактовке и иных композициях. Одновременно создавались и новые детали, возникали объемно-планировочные приемы. Но это не было не возрождением античной архитектуры. Это был процесс создания нового стиля Ренессанс.

В Италии архитектурные памятники раннего Возрождения находятся в основном во Флоренции. Самый значительный среди них - элегантный и вместе с тем простой в техническом решении купол собора Санта-Мария-дель-Фьоре и палаццо Питти, созданные Филиппо Брунеллески, которые определили вектор развития архитектуры Ренессанса.

Брунеллески понимал суть классики и ее принципиальное отличие от готики. Дело не только в том, что готические формы заменялись античными. Дело не только в конкретных формах нового стиля, но и в его духе. Готика выражала напряженность, преодоление, борьбу. Античная классика в трактовке Ренессанса - выражала ясность, четкость, определенность, успокоенность. В готике внутреннее пространство здания динамично, в Ренессансе оно четко ограничено, статично.

Собор Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции

Рассмотрим еще один прекрасный образец архитектуры раннего Возврождения - церковь Санта-Мария-Новеллла во Флоренции. Здесь явно прослеживаются элементы готики - стрельчатые окна, аркада и др. Но фронтон здания - это Ренессанс с характерными завитками. Готические ажурные розетки выполнены не из камня, что характерно для готики, а нарисованы, в целом вся роспись фасада выполнена под сильным влиянием готики. Церковь строили в переходный между стилями период с 1246 г по 1360. Но какое восхитительное получилось сооружение!

Церковь Санта-Мария-Новеллла во Флоренции

Наиболее выдающимся архитектором стиля Ренессанс был Донато Браманте (1444-1514). Построенная им часовня Темпьетто - одно из лучших произведений архитектуры этого периода. Секрет притягательности этого небольшого сооружения в цельности его композиции, изысканности пропорций, высокой культуре прорисовки деталей и гармоничности всего строения.

Донато Браманте. Темпьетто

Маленький храм или Темпьетто - это небольшая часовня, возведённая Браманте по заказу испанских монархов Фердинанда и Изабеллы на римском холме Яникул в 1502 г. Это была первая работа миланского архитектора в Риме, и она произвела настоящую сенсацию.

Стиль Ренессанс повлиял на всю европейскую архитектуру того периода. Знаменитых итальянских архитекторов приглашали в разные страны и они создавали свои шедевры с учетом местного колорита и традиций. Одна из самых больших и красивых площадей Европы в стиле Ренессенс находится в небольшом чешском городке Тельч

В каждом государстве стиль Ренессанс имел свои особенности. В Германии архитектура северных областей находилась под влиянием нидерландского зодчества, на юге ощущалось могучее влияние, исходившее из Италии. Период расцвета стиля относится ко второй половине 16 века. Виднейшим памятником немецкого Ренессанса является Гейдельбергский замок .

В Германии стиль Ренессанс начал развиваться позже, чем в Европейских странах, а в начале 16-го века стал популярным не только в светской архитектуре. Прекрасным образцом религиозной архитектуры является иезуитская придворная церковь Святого Михаила в Мюнхене.

Церковь Св.Михаила в Мюнхене

Архитектура Аугсбурга развивалась под сильным влиянием итальянского зодчества. Здесь сохранилось много прекрасных образцов зданий в стиле Ренессанс. Старая Ратуша - одно из самых красивых светских строений эпохи Ренессанса. Архитектор Элиас Холь. Построена в 1615 – 1620 г.г. Ратуша знаменита своим Золотым залом с настенной росписью и высокохудожественным кассетными потолком. На фасаде - двуглавый черный орел - символ Вольного Имперского города , а на фронтоне - шишка пинии (итальянской сосны) - напоминающая о Древнем Риме и истории города Аугсбург, которому исполнилось 2000 лет. Шишка пинии - официальный геральдический символ стоявшего здесь римского легиона, а 15-м веке шишка изображается на гербе города.

Аугсбург ул.Максимилианштрассе, дома в стиле Ренессенс

В немецких городах часто перестраивали старые здания, создавая ренессансные фасады для комлекса строений, чаще всего это делали на центральной городской площади. Прекрасный образец - Старая Ратуша в Баварском городе Ротенбург-на-Таубере. Фасад здания богато декорирован скульптурами, гербами.

Подробности Категория: Изобразительное искусство и архитектура эпохи Возрождения (Ренессанс) Опубликовано 06.01.2017 18:13 Просмотров: 2780

Самым ярким представителем искусства немецкого Возрождения был Альбрехт Дюрер (1471-1528) – выдающийся живописец, гравер, ученый.

Эпоха Возрождения в Германии по времени была очень короткой – примерно с середины XV в. до 1520-х гг.

Развитие искусства Возрождение в Германии проходило под влиянием идей Реформации (религиозное и общественно-политическое движение в Западной и Центральной Европе XVI-начала XVII вв., направленное на реформирование католического христианства в соответствии с Библией). На этот исторический период приходится также Крестьянская война (1524-1526). Всё это: жестокое подавление крестьянских беспорядков, религиозный раскол и отход нескольких земель от католицизма – оборвало развитие Возрождения в Германии.
Главные мастера немецкого Возрождения:

Мастер E. S. (ок. 1420-после 1468)
Матиас Грюневальд (ок. 1470-1528)
Альбрехт Дюрер (1471-1528)
Лукас Кранах Старший (1472-1553)
Ганс фон Кульмбах (бл.1480-1522)
Ганс Бальдунг (ок. 1484-1545)
Ганс Гольбейн (Младший) (1497-1543)
Урс Граф (ок. 1490-ок. 1529)
Альбрехт Альтдорфер (бл.1480-1538)
Фейт Штос (1447-1533)
Бернт Нотке (ок. 1435-1509)
Ганс Бургкмайр (1473-1531)
Вильм Дедек
Даниэль Гопфер (ок. 1470-1536), гравёр

Обратимся к творчеству наиболее выдающихся мастеров.

Маттиас Грюневальд (1470/1475-1528)

Сохранилось мало его работ, всего около 10. Творчество Грюневальда (настоящее имя Маттиас Готхарт Нидхардт ) было заново открыто в начале XX в. немецкими экспрессионистами , которые считали его своим прямым предшественником. Его творчество также оказало влияние и на сюрреалистов . Маттиаса Грюневальда считают последним великим художником северной готики .
Грюневальда считают человеком широкой эрудиции и многосторонней одарённости, типичным представителем интеллигенции эпохи Возрождения. Его волновали проблемы религии, философии и общественного устройства, а также наука. Его искусство пронизано гуманизмом, состраданием к человеческим мукам, которые он видел кругом. На его глазах произошла Реформация – первая революция в Европе, потрясшая сознание людей; он стал свидетелем кровавых расправ с восставшим народом. Наделённый восприимчивой душой, Грюневальд, как и Босх, изобразил в своём искусстве подлинную трагедию жизни благородной и честной души человека, которого подвергали преследованиям и оскорблениям в жестоком мире, потерявшем человеческое лицо.
Главное произведение Грюневальда и шедевр немецкой живописи – «Изенгеймский алтарь» (1512-1516)

Экспозиция музея

Музей Унтерлинден (Кольмар, Франция). Первая развёртка алтаря

До 1793 г. алтарь находился в церкви Изенгейма. Во времена Французской революции картины и скульптуры были перевезены на хранение в районный город Кольмар. Резные деревянные детали остались в Изенгейме и с 1860 г. утрачены. Три развёртки алтаря демонстрируются в настоящее время в Кольмаре по отдельности.
На первой (внешней) развёртке изображена сцена распятия Христа. Распятие часто встречается на готических алтарных образах. Но никогда до Маттиаса Грюневальда оно не изображалось так мучительно. На Голгофе Грюневальд изобразил рядом с Иисусом его мать Марию, апостола Иоанна, Марию Магдалину и Иоанна Крестителя. Вся сцена с истерзанной фигурой Христа, с потрясённой, падающей в обморок Богоматерью и другими персонажами вызывает состояние глубокого потрясения.
В течение богослужебного года створки алтаря открывались по определённым датам, раскрывая картины, соответствующие религиозному событию. У Изенгеймского алтаря три варианта развёртки.

Вторая развёртка Изенгеймского алтаря изображает Благовещение, Рождество Христово («Ангельский концерт») и Вознесение.

Третья развёртка Изенгеймского алтаря с деревянными скульптурами святых Антония, Августина и Иеронима, которые, как предполагают, выполнил резчик по дереву Николас Хагенауэр.

М. Грюневальд «Поругание Христа» (1503). Старая пинакотека (Мюнхен)

Художник изобразил редко встречавшийся до этого иконографический сюжет Евангелия. Стражники привели Христа в дом первосвященника Каиафы и глумились над ним. Они надели на его глаза повязку и, ударяя по лицу, требовали узнать, кто бил. Грюневальд изображает Христа в образе человека исключительной кротости и терпения. Ужас циничного надругательства и бесчеловечности передан Грюневальдом резко через колорит – холодные тона и их диссонансы.
На картине изображена и фигура Иосифа из Аримафеи, который позже снимет с Креста безжизненное тело Христа. А сейчас Иосиф пытается уговорить стражника сжалиться над Христом. Как будто слышны и резкие звуки флейты, удары барабана, которые издаёт человек, стоящий в глубине слева.

Лу́кас Кра́нах Ста́рший (1472-1553)

Л. Кранах. Автопортрет (1550). Галерея Уффици (Флоренция)

Немецкий живописец и график эпохи Ренессанса, мастер портрета, жанровых и библейских композиций. В своём творчестве сочетал традиции готики и принципы Возрождения.
По своим убеждениям был сторонником идей Реформации, другом Лютера.

Лукас Кранах Старший «Портрет Мартина Лютера»

Художники Ганс Кранах и Лукас Кранах Младший – его сыновья.
Изобразительному искусству Кранах первоначально учился у своего отца. С ранней юности он странствовал в поисках призвания по Германии, Палестине, Австрии, Нидерландам.
Позже он создал художественную мастерскую, в которой работали помощники, издавал книги, а затем продавал их.
Ранние произведения художника отличаются новаторством. В них он изобразил противоречивость своей эпохи. Став придворным художником, достиг большого мастерства в жанре портрета, запечатлел многих своих известных современников. Портреты кисти Кранаха выполнены с симпатией к моделям, но без их идеализации и без особого стремления проникнуть в их внутренний мир.

Лукас Кранах Старший «Меланхолия» (1532). Доска, масло. 51х97 см. Государственный музей искусств (Копенгаген)

На картине изображены три обнажённых младенца, которые с помощью палочек пытаются прокатить большой шар через обруч. Крылатая женщина строгает прут, возможно, собираясь сделать ещё один обруч. Это и есть меланхолия. Она задумчиво смотрит мимо играющих детей. По представлениям эпохи Возрождения, весь мир основан на аналогиях. Меланхолия в то время ассоциировалась с Сатурном, собакой, плотничным делом. Скачка ведьм в чёрном облаке отсылает к этим аналогиям.

Лукас Кранах Старший ««Мадонна с младенцем (Мадонна в винограднике)» (около 1520). Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина (Москва)

Ганс Гольбейн Младший (1497-1543)

Один из величайших немецких художников. Самый знаменитый представитель этой фамилии. Живописи учился у своего отца – Ганса Гольбейна Старшего.

Ганс Гольбейн Младший. Автопортрет (1542). Галерея Уффици (Флоренция)

С братом Амброзиусом Гольбейном два года работал в Базеле (Швейцария) в мастерской Х. Хербстера, где познакомился со многими гуманистами и учёными этого периода, в том числе с Эразмом Роттердамским, иллюстрировал его работу «Похвала глупости».

Ганс Гольбейн Младший «Портрет Эразма Роттердамского»

Гольбейн иллюстрировал и другие книги, участвовал в создании немецкого перевода Библии Мартина Лютера. Как и его отец, создавал витражи и писал портреты.
Важнейшими произведениями базельского периода Гольбейна являются портрет юриста Бонифация Амербаха; десять картин страстей Господних; фрески в новой ратуше, органные дверцы в местном соборе, створки алтарного складня для фрейбургского собора, изображения Рождества Христова и Поклонения волхвов; Мадонна со святыми для города Золотурна; знаменитая «Мадонна семейства Мейер», портреты Эразма Роттердамского, Доротеи Оффенбург, а также рисунки к Ветхому Завету (91 лист) и «Пляска Смерти» (58 листов), гравированные на дереве Лютцельбургером.

Ганс Гольбейн Младший «Дармштадтская мадонна» («Мадонна семейства Мейер») (1526)

Картина написана Гольбейном под влиянием итальянской религиозной живописи эпохи Возрождения и портретного искусства старых голландских мастеров. В центре картины изображена Дева Мария с младенцем Иисусом в окружении Майера, его первой почившей и второй жён и дочери. Кем являются ещё два изображённых слева персонажа, достоверно неизвестно. «Дармштадтская мадонна» является демонстрацией приверженности бургомистра Майера католическому вероисповеданию. Необычное обрамление картины объясняется её предназначением для личной капеллы семьи Мейеров во дворце в Гундельдингене.
В 1526-1528 гг. художник пребывал в Англии, где познакомился с Томасом Мором. В первый свой приезд в Англию, а также и во второй (1532-1543) он писал преимущественно портреты и даже был придворным живописцем короля Генриха VIII.

Ганс Гольбейн Младший «Портрет Генриха VIII»

Живописные произведения Гольбейна отличаются выразительностью рисунка, пластикой, продуманной моделировкой, прозрачностью светотени, яркостью и шириной кисти. Его рисунки полны наблюдательности, иногда не лишены едкого сарказма, поражают красотой формы и отделки. Он перенёс в Германию расцвет итальянского Возрождения, но не утратил и своего национального характера.

Ганс Гольбейн Младший «Портрет Кристины Датской» (1538). Лондонская национальная галерея

Художники «Дунайской школы живописи»

«Дунайская щкола живописи» – направление немецкого изобразительного искусства I половины XVI в. (1500-1530 гг.)
В работах художников «Дунайской школы» появился новый жанр – пейзаж .
В вопросе о происхождении школы нет единства: по мнению большинства авторов, её создателями были молодой Лукас Кранах Старший, Йорг Брей Старший, а также уроженец региона реки Дунай Рулант Фрюауф Младший.
Другие считают, что школа возникла на местной почве, а приезжие Кранах и Брей, путешествуя вдоль Дуная, оказались под её влиянием.

Вольф Грубер «Ландшафт Дуная около Кремса» (1529). Кабинет гравюр (Берлин)

Живопись «Дунайской школы» отличалась художественной фантазией, яркой эмоциональностью, сказочным восприятием природы, интересом к лесному и речному пейзажам, к пространству и свету, динамичной манерой письма, выразительностью рисунка и интенсивностью цвета.