Развитию декоративно-прикладного искусства способствовали совершенствование техники ремесленного и мануфактурного производства, зарождение художественной промышленности (изготовление шпалер, художественного стекла, фаянса, гранение камня, производство шелка и сукна), мануфактурное производство модных вещей, предметов роскоши, открытие и разработка месторождений меди, олова, серебра, цветного камня, высококачественных глин.
Значительна роль Академии наук в «процветании вольных художеств и мануфактур», отражающих новые естественнонаучные и технические интересы в декоративно-прикладном искусстве. В первой половине XVIII века появляются новые формы обучения и подготовки мастеров на художественных мануфактурах; возникают цеховые организации ремесленников в России, что не отменяет широкого распространения иностранных мастеров в разных областях декоративно-прикладного искусства.
В декоративно-прикладном искусстве (предметах интерьера, мебели, декора) активно диктует стиль мода. В результате появляются новые типы предметов, обновляются эстетические представления в декоративно-прикладном искусстве. В декоративно-прикладном искусстве середины XVIII века намечается тенденция синтеза искусств, где архитектура, скульптура, живопись, прикладные ремесла оказываются слиты воедино в декоративном ансамбле.
В результате искусство оформления интерьера становится особым видом художественной деятельности в творчестве архитекторов XVIII века. Этот вид художественной деятельности обуславливает появление новых типов помещений (кабинеты, парадные, спальни, гостиные, «картинные залы») и их предметное наполнение (Летний дворец, дворец А.Д.Меншикова, Большой Петергофский дворец, Монплезир).
Все это способствует развитию мебельного дела, появляются новые типы и формы мебели, материалы и способы ее украшения. Здесь очень сильно влияние английской и голландской мебели. Под влиянием Европы в России складывается даже стиль барокко и рококо в мебели.
Мебель классицизма имеет характерные характер и формы. В значительной степени в формах и отделке мебели прослеживаются античные мотивы. В середине XVIII века в разработке новых видов мебели участвуют архитекторы, появляется мебельное искусство в России и авторская мебель (Бренна, Львов, Камерон, Воронихин). Во второй половине XVIII века появляются первые мебельные мастерские (мастерская Г.Гамбса и И.Отта). Для этого периода в мебельном искусстве характерен стиль «жакоб». Ко второй половине XVIII века меняются материалы в мебельном искусстве: здесь появляются красное дерево, золоченое дерево, тополь, карельская береза; все чаще в изготовлении мебели используются ткань и вышивка.
Особое место в декоративно-прикладном искусстве занимают керамика и фаянс. Это происходит вначале ввиду расширения импорта фаянсовых изделий из Англии и Голландии. Однако вскоре появляется первая частная мануфактура А. Гребенщикова в Москве, изготавливающая русский тонкий фаянс. Позднее формируется стиль парадной дворцовой посуды с матовой гравировкой и распространяется мода на хрусталь как предмет интерьера. Это влечет за собою открытие первой частной стекольной и хрустальной фабрики Мальцова в Можайском уезде.
В XVIII веке значительно в связи с ростом популярности декоративно-прикладного искусства, декора помещений, увеличивается потребление стекла, которое идет на создание разнообразных зеркал и осветительных приборов.
Скульптура и живопись второй половины 18 в.
Большую роль в развитии живописи XVIII века сыграло творчество Владимир Лукич Боровиковский. Несмотря на то, что художник официально не числился учеником Академии, он, без сомнения, пользовался советами ее преподавателей и прежде всего Левицкого. Природное дарование и железное упорство молодого художника привели вскоре к тому, что Боровиковский выдвинулся в число первых мастеров конца XVIII века. Он создал серию превосходных портретов своих современников, в том числе Г.Державина, В.Арсеньевой, М.Лопухиной, О.Филипповой и многих других. Постоянный интерес к душевным переживаниям человека, подчеркнутая лиричность и созерцательность, овеянные дымкой сентиментальности, столь характерной для эпохи, свойственны большинству произведений Боровиковского. Художник никогда не шел по пути внешней, поверхностной характеристики образа, постоянно стремясь к передаче тончайших душевных движений портретируемых лиц.
В его творчестве преобладает камерный портрет. Боровиковский стремится к утверждению самоценности и нравственной чистоты человека (портрет «Лизыньки и Дашиньки», портрет Е.Н.Арсеньевой и др.). На рубеже XVIII-XIX веков Боровиковского привлекают сильные, энергичные личности, он акцентирует внимание на гражданственности, благородстве, достоинстве портретируемых. Облик его моделей делается сдержаннее, пейзажный фон сменяется изображением интерьера (портреты А.А.Долгорукова, М.И.Долгорукой и др.).
Боровиковский также является признанным мастером портретной миниатюры. В коллекции Русского музея хранятся работы, принадлежащие его кисти, - портреты А.А.Менеласа, В.В.Капниста, Н.И.Львовой и другие. В качестве основы для своих миниатюр художник часто использовал жесть.
Подлинной своей вершины русская портретная живопись XVIII столетия достигает в творчестве Д.Г.Левицкого . Уже в одном из ранних своих произведений - портрете архитектора А.Кокоринова - Левицкий проявил выдающиеся способности живописца. Высокими художественными достоинствами отличаются портрет великого французского философа-материалиста Д.Дидро, написанный Левицким в Петербурге в 1773 году, и созданная художником серия портретов воспитанниц Смольного института. Искренностью и теплотой отмечены образы этих девушек, мастерски передано своеобразие каждой из них.
Портреты последующих лет - Львовой, отца художника, Бакуниных, Анны Давиа и многие другие шедевры Левицкого - яркое свидетельство его блистательного таланта.
Левицкий создал обширную галерею портретов своих современников, запечатлев широко и полно, как никто другой, живые образы людей эпохи. Искусство Левицкого завершает историю развития русской портрет живописи в XVIII веке. Следует, однако, отметить и некоторую исторически обусловленную ограниченность его творчества: как и другие замечательные художники его времени, Левицкий не мог отразить социальные противоречия действительности. Изображенные художником люди в соответствии с господствовавшими эстетическими представлениями всегда несколько позируют, они как бы стараются показать себя зрителю в «наиприятнейшем» свете. Однако в ряде своих работ художник достигает поразительной простоты и жизненности.
Наследие Левицкого огромно и до сих пор вызывает у зрителей чувство непосредственного эстетического наслаждения. Профессиональное совершенство его произведений и их реалистическая направленность ставят художника на одно из самых почетных мест во всей истории русского искусства.
Среди наиболее известных произведений Д.Г.Левицкого следующие: «Портрет Е.А.Воронцовой», «Портрет архитектора А.Ф.Кокоринова», «Портрет Н.А.Львова», «Портрет М.А.Дьяковой», «Портрет Урсулы Мнишек», «Портрет дочери Агаши в русском костюме» и пр.
В области портретной живописи русские художники второй половины XVIII века также сказали свое новое слово. Острота психологической характеристики, которой отмечены многие портреты этого времени, бросается в глаза - кисть лучших русских мастеров все более тяготеет к правдивой передаче образа человека. Знаменательно, что в эту пору создаются уже портреты не одной только знати и «сильных мира сего», но и ряда прогрессивных общественных деятелей. В этих портретах начисто отсутствуют элементы парадности и внешнего лоска; свое внимание художники обращают на передачу внутреннего содержания человека, на раскрытие силы его ума, благородства его помыслов и стремлений.
Развитие русского портрета нашло свое выражение в творчестве Ф.Рокотова.
Фёдор Степанович Рокотов - один из лучших русских портретистов. Получив художественное образование под руководством Л.-Ж. Ле-Лоррена и графа ПьетроРотари, работал в манере этого последнего, но больше него вникал в натуру и был старателен в исполнении. В 1762 г. принят адъюнктом в новоучрежденнуюспб. академию художеств за представленную ей картину «Венера» и за портрет императора Петра III.
Тонкое живописное мастерство отличает портреты этого художника. Интимную одухотворенность образа, в особенности в женских портретах, Рокотов доводит до большой выразительности и силы. Высоко техническое совершенство работ художника - по характеру рисунка и живописному мастерству с ним можно сравнить разве одного Левицкого. Портреты, созданные Рокотовым, отличаются изысканностью рисунка и изяществом колорита.
К наиболее известным работам Рокотова относятся: «Портрет неизвестной в розовом платье», «Портрет А.И.Воронцова», «Портрет Г.Г.Орлова в латах», «Коронационный портрет Екатерины II», «Портрет А.П.Струйской», «Портрет поэта В.И.Майкова», «Портрет Суровцевой» и пр.
Во второй половине XVIII в. в русской живописи начал развиваться бытовой жанр . Однако жанровая живопись рассматривалась руководством Академии художеств и привилегированными слоями общества, как нечто низменное, недостойное кисти художника. Несмотря на это, после крестьянской войны под предводительством Е. Пугачева, как в литературе, театре и музыке, так и в живописи 1770-1780 –х г.г. начал проявляться интерес к крестьянству, его быту, образу жизни. Часто это были сентиментальные изображения идиллических пастухов и пастушек, не имеющих ничего общего с реальной крестьянской жизнью. Однако были и исключения.
Одним из первых в русской живописи крестьянскую тему развивал крепостной князя Г. А. Потемкина Михаил Шибанов . Им были написаны картины «Крестьянский обед», «Празднество свадебного сговора» и др. В картинах Шибанова нет обличения крепостнических порядков, однако в названных полотнах нет и идеализации крестьянской жизни. Художника отличает знание и понимание быта и характера русского крестьянина.
Крестьянская тема нашла отражение в творчестве художника И. М. Танкова (1739 – 1799), автора картины «Праздник в деревне» и И. А. Ерменева (1746 - после 1792), написавшего акварели «Крестьянский обед», «Нищие певцы» и др.). Впервые в истории отечественного искусства художник передал мрачные стороны народной жизни, убожество нищеты.
Во второй половине XVIII в. начинается настоящий расцвет русской скульптуры. Она развивалась медленно, но русская просветительская мысль и русский классицизм явились величайшими стимулами для развития искусства больших гражданственных идей, масштабных проблем, что и обусловило интерес к ваянию в этот период. Шубин, Гордеев, Козловский, Щедрин, Прокофьев, Мартос - каждый сам по себе был ярчайшей индивидуальностью, оставил свой след в искусстве . Но всех их объединяли общие творческие принципы, которые они усвоили еще у профессора Никола Жилле, с 1758 по 1777 г. возглавлявшего в Академии класс скульптуры, общие идеи гражданственности и патриотизма, высокие идеалы античности.
Поиск обобщенно-прекрасного не исключает всей глубины постижения человеческого характера, стремления передать его многогранность. Это стремление ощутимо в монументально-декоративной пластике и станковой скульптуре второй половины века, но особенно - в жанре портрета.
Его наивысшие достижения связаны, прежде всего, с творчеством Федота Ивановича Шубина (1740-1805), земляка Ломоносова, прибывшего в Петербург уже художником, постигшим тонкости костерезного дела. Первое произведение Шубина на родине - бюст А.М. Голицына свидетельствует уже о полной зрелости мастера. Вся многогранность характеристики модели раскрывается при круговом ее осмотре, хотя несомненно есть и главная точка обозрения скульптуры.
Шубин работал не только как портретист, но и как декоратор. Он исполнил 58 овальных мраморных исторических портретов для Чесменского дворца (находятся в Оружейной палате), скульптуры для Мраморного дворца и для Петергофа, статую Екатерины II - законодательницы (1789-1790). Несомненно, что Шубин - крупнейшее явление в русской художественной культуре XVIII столетия. Вместе с отечественными мастерами в России работал французский скульптор Этьенн-Морис Фальконе, который в памятнике Петру I на Сенатской площади в Петербурге выразил свое понимание личности Петра, ее исторической роли в судьбах России.
Федор Федорович Щедрин (1751-1825). Он прошел те же этапы обучения в Академии и пенсионерства в Италии и Франции, что и Шубин. Исполненный им в 1776 г. «Марсий» полон бурного движения и трагического мироощущения. Подобно всем скульпторам эпохи классицизма, Щедрин увлечен античными образами («Спящий Эндимион»; «Венера»), проявляя при этом особо поэтическое проникновение в их мир.
Важное место в культуре XVIII в. занимало декоративно-прикладное искусство. Оформление интерьеров в стиле рококо делало пространство легким, стены казались тонкими, скрывались декоративными панно и зеркалами, отражающимися друг в друге, важную роль играли ширмы. Мебель становится изящной, кажется хрупкой, приобретает причудливые очертания. В цветовой гамме обоев и мебели преобладают пастельные тона.
Помещение должно было производить впечатление будуара, (комнаты, предназначенной для общения только с близкими людьми).
Интерьеры рококо часто дополнялись либо подлинными китайскими изделиями: ширмами, фарфором, лаковой живописью, либо декоративными композициями, стилизованными под китайскую живопись.
С середины XVIII в. с развитием неоклассицизма оформление интерьеров стало простым и достаточно строгим. Если образцом рококо были французские интерьеры, то образцом неоклассицизма - английские. Особенно прославились интерьеры английского архитектора Роберта Адама (1728-1792). Создавая усадебные дома, художник украшал их колоннами, пилястрами, скульптурами. Этот стиль получил название «стиля Адама». Он отличается изяществом, декоративностью, органично включающей в себя порою подлинные предметы античности.
В одежде и прическах XVIII в. также обнаруживается смена стилей. В эпоху Людовика XV произведением искусства стала внешность человека: туалеты знати были вычурными и изысканными, прически фантастическими (в моду вошли парики), черные мушки на напудренном лице становились особым языком в любовном диалоге. «Женщина, наряженная и причесанная, как игрушка, и обутая в узенькие башмачки на каблуках, должна была ступать очень осторожно, чтобы сохранить равновесие и не рассыпаться,- это вырабатывало привычку к плывущей походке и плавным движениям менуэта. Драгоценной куклой, райской птицей, изысканным цветком хотели видеть женщину. Таким существам подобало фантастическое и капризно-воздушное окружение рокайльных интерьеров» (2, 45).
Костюм, особенно женский, становится произведением искусства. Такой костюм был неудобным и непрактичным, но необыкновенно привлекательным.
Мужской костюм был так же наряден, как и женский, причем выбирались нежные оттенки пастельных тонов.
Любовь ко всему изящному способствовала расцвету ювелирного искусства и фарфора.
Расцвет европейского фарфорового искусства также приходится на середину XVIII в. и связан со стилем рококо. Наиболее известным становится французский фарфор из города Севра и немецкий фарфор из Мейсена (Саксония). В своих композициях мейсенские мастера изображали «галантные празднества» - утонченные развлечения аристократов.
Рококо не было стилем подобно готике и барокко, оно не стало большим и целостным художественным направлением. Распространение вкусов эпохи Регентов было подготовлено самой судьбой французского дворянства, преуспевавшего в XVIII в. лишь в одном - в устройстве обеспеченной и счастливой жизни. Это была праздная жизнь, окруженная изящной роскошью. Искусство было украшением праздной жизни французской знати.
Особую роль играют декоративные искусства (в степень искусства возводится даже гастрономия).
Главная задача искусства - нравиться, само искусство отождествляется с роскошью, игривостью и насмешливостью.
Зеркала становятся любимым украшением стен, они ставятся друг против друга, давая бесконечное количество отражений.
Потребность в предметах роскоши создала во Франции целые отрасли художественного производства благодаря труду мебельщиков, ткачей, лепщиков, ювелиров и вышивальщиц.
Излюбленные декоративные мотивы рококо - раковина, стебли и цветы.
В области декора неоклассицизм обратился к интерьеру залов, обставлявшихся на античный манер. Подвиги наполеоновской армии принесли новые декоративные мотивы: шпаги, знамена. В наполеоновскую эпоху изменения происходят в одеждах и прическах. Распространяется мода на все античное: от силуэта и кроя платьев, напоминающих хитоны и туники, до свободно спадающих распущенных локонов. Исчезли не только кринолины и фижмы, но и бриллианты, в моду вошли резные камни, вделанные в оправу (геммы).
В отличие от других видов искусств в музыке XVIII в. барокко как стилевое направление все еще было широко представлено. Величайшими мастерами эпохи барокко в музыке стали Бах и Гендель.
Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) был величайшим музыкантом XVIII в., а сила воздействия его музыки все возрастает. Его композиторское творчество было удивительно разносторонним при внешне скоромной жизни (он был кантором - руководителем и дирижером церковного хора). С детства Бах был глубоко религиозен, причем придерживался протестантского вероисповедания. Именно Реформация в Германии выдвинула жар протестантского хорала (хорового песнопения). Сделав церковный обряд более простым и строгим, протестантизм повысил значение в нем музыки. Церковь стала центром музыкального искусства, а церковный органист его представителем. Органное искусство было чрезвычайно распространено в Германии и потому неудивительно, что орган сопутствовал всей жизни Баха. Его органное наследие включает несколько жанров, среди которых выделяются хоральные прелюдии и двухчастные полифонические циклы л фугой. В музыке Баха выражены и религиозное смирение, и пафас, и лирика, и порыв. Его сочинениям присущи наряду с естественностью и простотой возвышенность и значительность. Среди музыкальных творений Баха огромное число истинных шедевров, получивших мировое признание.
Рядом с Бахом возвышается еще одна крупнейшая фигура музыкального барокко - Георг Фридрих Гендель (1685-1759). Его жизнь протекала в больших европейских городах, он получил отличное музыкальное образование. Первая же поставленная в Лондоне опера «Ринальдо» принесла Генделю известность. Гендель писал музыку во множестве жанров, но вершину в его наследии образуют оратории (большие вокально-симфонические произведения с развитым сюжетом). Литературным источником самых известных ораторий композитора была первая часть Библии - Ветхий завет. Жил Гендель в Англии и события ее политической истории, как и эпический размах библейских сюжетов, не могли не вызвать его интереса.
Для композитора была характерна в первую очередь гражданская тематика. Избирая библейские сюжеты, Гендель восхищается могуществом человеческих страстей. Именно страстность, динамичность, изображение противоборства были характерны для барокко.
Если первая половина XVIII в. в музыке определялась барокко как музыкальным стилем, то вторая его половина стала временем расцвета творчества композиторов венской классической школы:
Глюка, Гайдна, Моцарта и Бетховена. Высшие достижения классицизма были связаны с Веной, столицей огромной Австрийской империи, городом насквозь пропитанным музыкой.
Венская классическая школа отвечала настроениям и идеям эпохи Просвещения. Музыкальное искусство отразило духовные искания и противоречивые художественные процессы своего времени. Например, Лессинг оказал влияние на творчество Моцарта.
Принципы классицизма нашли свое претворение в музыке эпохи Просвещения.
Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787) вошел в историю музыки как реформатор оперного искусства, положивший начало новому оперному стилю. Оперы, которые писал Глюк, были необычны и по содержанию, и по манере выражения чувств героев. Деятельность Глюка протекала в Вене и Париже и также была связана с полемикой в философии и эстетике, в которую были вовлечены просветители. Они подвергали критике придворную оперу и считали, что античный театр идеально сочетает музыку, пластику и декламацию.
Глюк попытался драматизировать оперу, придавать ей правдивость и естественность. Все лучшие оперы Глюка, начиная с «Орфея», написаны именно на античные сюжеты, в них композитор нашел могучие характеры и сильные страсти. При жизни Глюка его оперы вызывали яростные споры, но время показало жизнеспособность принципов, не случайно их реализовали и другие выдающиеся композиторы.
Йозеф Гайдн (1732-1809) почти три десятка лет оставался капельмейстером (руководителем хоровой и оркестровой капеллы), а сочинению музыки отдавал лишь свободное время. Если Глюк реформировал оперу, то Гайдн создал совершенные симфонии. Его творческий путь пролегал через разные художественные эпохи, но творчество композитора было связано именно с веком Просвещения. Просветители верили в прогресс общества и человека, и музыка Гайдна выражает оптимизм и стремление к счастью. Творения Гайдна достаточно рационалистичны: им свойственна продуманность и стройность, что также созвучно с рационалистическими принципами просветителей.
В своих ораториях Гайдн обращается к теме природы, культ которой был свойствен такому просветителю как Руссо. Именно Гайдн стал ярчайшим композитором эпохи Просвещения.
Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791) начал сочинять еще в раннем детстве, он много путешествовал, рано приобрел известность. Подобно Глюку Моцарт стал великим реформатором оперы, не только симфонизируя, но и актуализируя ее. Выбрав такую пьесу как «Безумный день или Женитьба Фигаро», Моцарт показал свою приверженность к просветительским идеям. В «Волшебной флейте» композитор представляет своеобразную утопию, близкую вере просветителей в моральный прогресс человечества. Музыка Моцарта удивительным образом сочетает естественность и гармоничность, искренность и совершенство, безупречную ясность и трепетное волнение. Высшим достижением музыки Моцарта стал знаменитый «Реквием» - последнее его сочинение.
Немецкий композитор Людвиг ван Бетховен (1770-1827) провел большую часть жизни в Вене. Его сочинения также несут на себе отпечаток эпохи Просвещения. Композитор проявил себя именно в жанрах сонаты и симфонии, окончательно сложившихся именно в эту эпоху. Его произведения обнаруживают продуманность всего замысла и отдельных деталей, ясность форм.
В самых известных его творениях получает воплощение героическая тема, тема борьбы, что связано как с личностью самого композитора, так и с особенностями его биографии: события Великой французской революции он пережил девятнадцатилетним юношей. Хотя идеи эпохи Просвещения были свойственны музыке Бетховена, он представляет уже новую эпоху, предвосхищая романтизм. Музыкальный стиль композитора отличается от искусства других венских классиков размахом, драматизмом, эмоциональной силой. Таковы «Патетическая соната», Третья симфония («Героическая»), Пятая и Девятая симфонии, в особенности же «Ода к радости», завершающая последнюю. Все наследие в целом Бетховена оказало колоссальное воздействие на развитие музыки, особенно на формирование романтизма.
История России конца XVII - первой четверти XVIII века неотделима от имени одного из крупнейших политических деятелей России - Петра I. Значительные новшества вторгаются в это время не только в область культуры и искусства, но и в промышленность - металлургию, кораблестроение и т. д. В начале XVIII века появляются первые механизмы и станки для обработки металла. Многое в этой области сделано русскими механиками Нартовым, Сурниным, Собакиным и др.
Одновременно закладываются основы государственной системы общего и специального образования. В1725 году учреждается Академия наук, при которой открывается отделение художественных ремесел.
А. Нартов. Токарный станок. Петровская эпоха. XVIII в.
В XVIII веке формируются новые принципы архитектуры и градостроительства Этот период отмечен усилением в формообразовании изделий характерных черт западноевропейского барокко (Голландия, Англия).
В результате начинаний Петра I из дворцового царского и аристократического быта быстро исчезают изделия традиционно русских форм, еще сохраняясь в жилищах массы сельского и городского населения, а также в церковном обиходе. Именно в первой четверти XVIII века намечается то существенное различие в стилевом развитии, которое осталось надолго характерным для профессионального творчества и народных художественных промыслов. В последних непосредственно и органично разрабатываются вековые традиции русского, украинского, эстонского и т. д. прикладного искусства.
Нормы дворянского быта требуют демонстрации богатства, утонченности и блеска в жизни владетельной особы. Формы старого быта, в том числе петровского (еще деловитого, строгого), к середине XVIII века окончательно вытесняются. Господствующие позиции в русском искусстве занимает так называемый стиль рококо, логически завершавший тенденции позднего барокко. Парадные интерьеры этого времени, например некоторые помещения Петергофского и Царскосельского дворцов, почти сплошь декорируются вычурной резьбой.
Общие особенности рокайльной орнаментации (изогнутость линий, обильная и асимметричная компоновка стилизованных или близких к натуре цветов, листьев, раковин, глазков и т. п.) полностью воспроизводятся в русской архитектуре и мебели того времени, керамике, одежде, каретах, парадном оружии и т. д. Но развитие русского прикладного искусства все же пошло по вполне самостоятельному пути. Несмотря на безусловное сходство форм собственных изделий с западноевропейскими нетрудно заметить различия между ними. Так, но сравнению с французскими, изделия русской мебели обладают гораздо более свободными формами и мягче по очертаниям, прорисовке. Мастера еще удерживали навыки народной резьбы, более крупной и обобщенной, чем на Западе. Не менее характерна полихромность русских изделий и сочетание позолоты с покраской, редко встречающееся во Франции, а в России принятое повсеместно.
С 60-х годов XVIII века в русской архитектуре начинается переход к классицизму с его лаконичными и строгими формами, обращенными к античности и отмеченными большой сдержанностью и изяществом. Этот же процесс происходит и в прикладном искусстве.
В планировке, оборудовании и декоре городских особняков и дворцов (архитекторы Кокоринов, Баженов, Кваренги, Старов и др.) появляется четкая симметричность, пропорциональная ясность. Стены помещений (между окон или напротив их) скрываются зеркалами и панелями из шелкового штофа, декоративных хлопчатобумажных тканей, сукна.
.
Диван - стиль рококо. Россия (фрагмент). Середина XVIII в.
Кресло стиля классицизм. Россия. Вторая половина XVIII в.
Полы набираются из дерева различных пород, а иногда обтягиваются холстом или сукном; потолки расписываются (например, техника гризайль, имитирующая рельефную лепку). Вместо наборного паркета применяются еловые дощатые «под воском» полы. Стены и потолки часто обиваются тканью или выклеиваются обоями. Если в парадных помещениях устраиваются внушительных размеров мраморные камины, то в интимных покоях возводятся более традиционные печи на тумбах или ножках, облицованные изразцами. Столь же заметно различие светильников: в залах - это ювелирно выполненные и дорогостоящие люстры, канделябры, бра, в покоях - значительно более скромные подсвечники и лампы. Еще больше контраста в формах парадной и бытовой мебели. Все это говорит не столько о стремлении владельцев дворцов и особняков к экономии, сколько об учете ими предметной среды как важного фактора психологически уместной атмосферы.
Большинство мебельных и ряд других изделий в конце XVIII-первой половине XIX века не были постоянно нужными; при отсутствии необходимости они либо убирались, либо переносились в неактивно используемые части помещений. Мебель для сидения обязательно зачехлялась. В этой же связи большое развитие получила трансформируемая мебель с рабочей плоскостью - чайные и карточные столики, складной обеденный стол, стол для рукоделия, система разновысоких, помещающихся друг под другом столов и др. Все это значительно повышало комфортабельность быта, тонкую дифференциацию его функционального обеспечения и разнообразие облика помещений в различных житейских ситуациях. Одновременно особо выделялся ряд бытовых процессов, проходивших в теплое время года вне здания - на террасе и в парке. В результате получают распространение новые виды изделий - садово-парковая мебель, зонтичные тенты, парковые светильники и др. В XVIII веке при отдельных усадьбах организуются крепостные мастерские, выпускающие довольно крупные партии мебели, фарфора, паласов и других изделий.
В конце XVIII века в оборудовании крупных дворцов уже ощутимо сказывается отделение собственно проектирования изделий (мебели, светильников, часов, шпалер и др. утвари и предметов убранства) как особой области творческой деятельности от их ремесленного изготовления. В роли проектировщиков выступают в основном архитекторы и профессиональные художники. В производстве изделий на массовый рынок используются машины и механические способы обработки материалов, превращая инженера в ведущую фигуру производства. Это ведет к искажению и потере исконно присущих изделиям народного потребления высоких эстетических качеств, к отрыву промышленности от искусства. Эта тенденция явилась закономерной в условиях капиталистического развития общества и одной из главных для всего XIX века.
В ходе интенсивного развития капиталистических отношений в России XIX века увеличиваются мощности промышленного производства. К середине XIX века уже остро ощущается необходимость в художественно профессиональных кадрах разработчиков изделий и мастеров. Для их подготовки открываются специализированные учебные заведения в Москве (графа Строганова) и Петербурге (барона Штиглица). Само их наименование - «училища технического рисования» - говорит о появлении художника нового типа. С 1860 года получает развитие специальное ремесленное образование мастеров-исполнителей. Выпускается много книг по вопросам технологии обработки различных материалов: древесины, бронзы, железа, золота и др. Выходят торговые каталоги, заменившие ранее издававшийся журнал «Экономический магазин». С середины XIX века формируются науки, связанные с вопросами гигиены труда и пользования предметами быта. Однако на протяжении всего XIX столетия вся массовая фабричная продукция в художественном отношении остается полностью подчиненной безраздельно господствующему представлению о красоте как декоративно-орнаментальной оформленности изделий. Следствием этого было привнесение в форму большей части изделий стилевых элементов классицизма: сложных профильных завершений, каннелированных колонок, розеток, гирлянд, орнаментики по античным мотивам и др. В ряде случаев эти элементы вводились в формы даже промышленного оборудования - станков.
В стилевом развитии прикладного искусства и бытовых изделий в XIX веке хронологически условно выделяются три основных периода: продолжения тенденций классицизма в русле так называемого ампира (первая четверть века); поздний классицизм (примерно 1830-1860 годы) и эклектизм (после 1860-х годов).
Первая четверть XIX века ознаменовалась общим подъемом идейности и строительного размаха в русской архитектуре, что вызвало значительное оживление и в прикладном искусстве.
Кресло стиля ампир. Первая четверть Х1Х века.
Победа в войне 1812 года в определенной мере ускоряет и завершает процесс формирования русской национальной культуры, приобретающей общеевропейское значение. Деятельность наиболее известных зодчих - Воронихина, Кваренги, Казакова, тесно связанная с классицизмом предшествующей поры, приходится только на первое десятилетие века. На смену им выдвигается плеяда таких замечательных мастеров, как Росси, Стасов, Григорьев, Бове, принесших в русское искусство новые идеи, иной стилевой дух.
Строгость и монументальность являются характерными особенностями архитектуры и форм различных предметов быта стиля ампир. В последних заметно изменяются декоративные мотивы, точнее, расширяется их типология за счет использования декоративной символики Древнего Египта и Рима - грифонов, сфинксов, фасций, военных атрибутов («трофеев»), перевитых гирляндой венков, и др. По сравнению с образчиками раннего классицизма вообще возрастает количество декора, его «зрительный вес» в композиционном решении изделий. Монументализация, порой, как бы огрубление форм, происходит из-за большей обобщенности и геометризованности классических орнаментальных мотивов - оканта, венков, лиры, доспехов и др., которые все более удаляются от своих реальных прообразов. Почти полностью исчезает живописная (сценки, пейзажи, букеты) роспись предметов. Орнамент стремится к пятну, контурности, аппликативности. Изделия в своем большинстве, особенно мебель, становятся крупными, массивными, но разнообразными по общей конфигурации, силуэту. Тяжеловесность ампира в предметах мебели почти пропадает уже в 1830-х годах.
С середины XIX начинаются новые искания в области архитектуры, прикладного и промышленного творчества.
Зарождается общеевропейское художественное направление, получившее название «бидермейер», по имени буржуа одного из персонажей немецкого писателя Л. Эйхродта (произведение вышло в 1870-х годах) с его идеалом уюта, интима.
Утюг фабричного производства. Россия. Вторая половина X1X в.
Во второй половине XIX века происходит дальнейшее вытеснение ручного труда из производства утилитарно-бытовых изделий. Веками складывавшиеся способы и приемы их художественного решения, принципы формообразования вступают в противоречие с новыми экономическими тенденциями массовости и рентабельности производства вещей на рынок. Реакция на изменяющуюся ситуацию двойственна. Одни мастера - их большинство, идут на компромиссы. Считая нерушимым традиционный взгляд на все бытовые вещи как предмет декоративно-прикладного искусства, они начинают приноравливать орнаментальные мотивы классицизма к возможностям машины и серийных технологий. Появляются «эффективные» виды декора и отделки изделий. Еще в 1830-х годах в Англии Генри Куль выдвигает внешне реформаторский лозунг украшать фабричные изделия элементами «из мира форм изящных искусств». Многие промышленники охотно подхватывают лозунг, стремясь максимально использовать в своих интересах привязанность потребительской массы к внешне украшенным, орнаментально обогащенным формам предметов домашней обстановки.
Другие теоретики и практики прикладного искусства (Д. Рескин, У. Моррис), напротив, предлагают организовать бойкот промышленности. Их кредо - чистота традиций средневекового ремесла.
В странах Западной Европы и в России впервые привлекают к себе внимание теоретиков и профессиональных художников кустарные артели и мастера, в творчестве которых еще сохранялись глубокие народные традиции. В России нижегородские ярмарки 1870-1890-х годов демонстрируют жизнеспособность этих традиций в новых условиях. Многие профессиональные художники - В. Васнецов, М. Врубель, Е. Поленова, К. Коровин, Н. Рерих и др. - с энтузиазмом обращаются к народным истокам декоративного искусства. В различных областях и губерниях России, в таких городах, как Псков, Воронеж, Тамбов, Москва, Каменец-Подольск и др., возникают ремесленные предприятия, в основу деятельности которых положен ручной труд. Особенно большое значение для возрождения творческих угасавших промыслов имела работа мастерских в Абрамцове под Москвой, в Талашкине под Смоленском, предприятие П. Ваулина под Петербургом, керамическая артель «Мурава» в Москве.
Самовар. XIX в.
Россия. Вторая половина
Промышленный насос. XIX в.
Однако изделия всех этих мастерских составляли столь незначительную часть в общем потреблении, что не могли сколь-либо заметно влиять на массовую продукцию, хотя и доказали правомерность существования наряду с массовым машинным производством вещей декоративного творчества, хранящего народные традиции. В дальнейшем это подтвердилось при вторжении машинной техники в такие области декоративно-прикладного искусства, как ювелирное дело (бижутерия), ковроткачество, пошив одежды, что и привело к резкому падению их художественного качества.
В формах основной массы выпускаемых изделий второй половины XIX века ничто новое практически еще не получает развития. Однако новизна самой общей ситуации уже в это время способствует сложению внутренних предпосылок для новаторских исканий-осознанию стилевых поисков как важной творческой потребности, как проявления художественной индивидуальности мастера. Если до сих пор стилевые направления (готики, эпохи Ренессанса, барокко, классицизма и др.) рождались и получали распространение, как правило, в результате общих, почти «глобальных», стихийно кристаллизовавшихся тенденций эстетического освоения мира, то с середины XIX века стилевая оригинальность расценивается как прямое творческое достижение отдельного художника, архитектора. В связи с этим резко активизируется интерес к наследию искусства всех времен и народов. Это богатейшее наследие становится источником подражаний, прямых заимствований или подвергается причудливой творческой переработке.
Стол с креслом стиля модерн. Конец XIX в.
В результате основная масса изделий являет собой необычайно пеструю картину, в которой мелькают то явственные, то едва уловимые реминисценции античности, романской эпохи, готики, итальянского или французского Возрождения, искусства Византии и Древней Руси, барокко и т. д., зачастую эклектически смешиваясь в оформлении одного изделия, интерьера, здания. Поэтому данный период в истории архитектуры и прикладного искусства получил наименование эклектического. В народный быт все же начинают внедряться изделия (лампы, металлические ведра, корыта, посуда, табуреты и др.) сравнительно дешевые, но выполненные без какой-либо художественной цели, часто в уродливых формах и плохого качества.
Поиски нового стиля ведутся с учетом реальной необходимости в условиях машинного производства, принципиально нового подхода к формообразованию изделий, с одной стороны, и сохранения декоративистских традиций прошлого - с другой. Буржуазия, занявшая к концу XIX века прочные позиции в экономике России, стремилась к собственной художественной идеологии в архитектуре и дизайне - культу рационального, относительной свободе от архаизмов дворянской культуры, поощряя в искусстве все то, что могло поспорить со стилями прошлого. Таким в конце XIX века явился стиль модерн - «новое искусство» в Бельгии, Великобритании и США, «югендстиль» в Германии, «стиль Сецессионс» в Австрии, «свободный стиль» в Италии. Название его - «модерн» (от фр. moderne) означало «новый, современный»- от лат. modo - «только что, недавно». В своем чистом виде, угасая и смешиваясь с другими стилевыми течениями, он продержался сравнительно недолго, примерно до 1920 года, т. е. около 20-25 лет, как почти все стилевые направления XVII-XX веков.
Модерн разнообразен в разных странах и в творчестве отдельных мастеров, что осложняет понимание решавшихся им задач. Однако характерным стало практически полное искоренение всех ранее применявшихся декоративно-орнаментальных мотивов и приемов, коренное их обновление. Традиционные карнизы, розетки, капители, каннелюры, пояски «набегающей волны» и т. д. заменяются стилизованными растениями местного произрастания (лилии, ирис, гвоздика и т. п.), женскими головками с длинными вьющимися волосами и др. Часто декорировка вообще отсутствует, а художественный эффект достигается за счет выразительности силуэта, членений формы, линий, как правило тонко прорисованных, как бы свободно текущих, пульсирующих. В формах изделий модерна почти всегда ощутима некоторая причудливая воля художника, напряжение туго натянутой струны, утрированность пропорций. В крайних проявлениях все это резко обострено, возведено в принцип. Порой проступает пренебрежение конструктивной логикой формы, почти бутафорское увлечение зрелищной стороной задачи, особенно в решении интерьеров, зачастую эффектно театрализуемых.
При всех слабых сторонах - вычурности, порой крикливости форм, возник новый подход к решению здания, интерьера, обстановки с логичностью функционального, конструктивного и технологического решения.
Подсвечник стиля модерн. Начало ХХ в.
Набор посуды. Конец Х1Х в.
Туалетный стол периода модерна. Начало XX в.
Модерн в подавляющей части своих образчиков не отказался от декорирования изделий, а только заменил старые декоративные мотивы и приемы новыми. Уже в начале XX века, в пору триумфов нового стиля, снова, сначала робко, затем широко возвращается мода на старые стили, что имело известную связь с начавшейся подготовкой к празднованию столетнего юбилея Отечественной войны 1812 года. Выставка «Современное искусство», устроенная в Петербурге в 1903 году, ясно показала рождение «классицизирующего модерна».
Итоги модерна сложны. Это очищение прикладного искусства и от эклектики, и от «антимашинизма» поборников ручных ремесел, и от неудавшихся попыток реставрации стилей прошлого. Это и первые симптомы выхода архитектуры и прикладного искусства на путь функционализма и конструктивизма, на путь современного дизайна. Вместе с тем, скоро обнаружив тенденцию национализации стиля, модерн вызвал новую волну чисто декоративистских исканий. К прикладному искусству и оформлению интерьеров обращаются многие живописцы (С. Малютин, В. Васнецов, А. Бенуа, С. Головин и др.), тяготея к красочности русской сказки, к «пряничности» и т. п. В перспективе последующего исторического процесса, решения актуальных проблем массового индустриального производства подобные опыты не могли иметь серьезного идейно-художественного значения, хотя и давали толчок развитию другой ветви прикладного искусства - художественным промыслам и в особенности театрально-декорационному искусству.
Модерн как бы расчистил и подготовил путь для утверждения в искусстве создания бытовых вещей новых эстетических и творческих принципов, ускорил появление новой художнической профессии - художественного проектирования (дизайна).
Оформление функционализма и конструктивизма в особые направления в архитектуре и художественном проектировании западных стран произошло в конце 1910-х годов в связи со стабилизацией жизни и успехами экономики после первой мировой войны. Но принципиальные основы новой современной архитектуры определялись в предвоенный период в творчестве таких архитекторов, как Т. Гарнье и О. Перре (Франция), X. Берлага (Голландия), А. Лоос (Австрия), П. Беренс (Германия), Ф. Райт (США), И. Шехтель, И. Рерберг (Россия) и др. Каждый из них по-своему преодолевал воздействие модерна и боролся.
В 1918 г. при отделе ИЗО Наркомпроса образуются спецотделы по вопросам архитектуры и художественной промышленности. Серьезное внимание уделяется вопросам подготовки специалистов. В 1920 г. В.И.Ленин подписал декрет о создании Высших государственных художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС). Выпускниками создавались новые образцы тканей, мебели, посуды и др.
Обучение в мастерских (в 1927 году преобразованы во ВХУТЕИН Всесоюзный художественно-технический институт), велось по факультетам: архитектурному, керамическому, текстильному и др. На факультете обработки дерева и металла под руководством А. Родченко, Д. Лисицкого, В. Татлина и других мастеров шли поиски новых форм и конструкций разнообразных предметов. Вся деятельность ВХУТЕМАСа была нацелена на формирование у учащихся навыков комплексного подхода к проектированию предметной среды быта и производства.
В 1920-е годы сложилось течение «производственного искусства», развивавшее принципы функционализма и конструктивизма, стремившееся утвердить в сознании художников эстетический идеал рационально организованного материального производства. Любые прежние формы искусства объявлялись «производственниками» буржуазными, неприемлемыми для пролетариата. Отсюда отрицание ими не только «практически бесполезного» изобразительного искусства, но и всего чисто декоративного творчества, например ювелирного.В 20-е годы в нашей стране еще не созрели и технико-экономические условия для реализации их идей.
ВХУТЕМАС и «производственники» 1920-х годов идейно-эстетически были тесно связаны с «Баухаузом» и в ряде важных моментов представляли с ним, по существу, единое течение в художественном проектировании того времени. В рамках этого нового движения формировалась эстетика современного дизайна, преодолевавшая противоречия в прикладном искусстве предшествующего периода. Практическая художественная деятельность основоположников дизайна была развитием также арсенала художественно-выразительных средств искусства создания вещей. В их произведениях (мебели, светильниках, посуде, тканях и т. д.) самое пристальное внимание обращалось на такие свойства материалов и формы, как фактура, цвет, пластическая выразительность, ритмический строй, силуэт и др., которые приобрели решающее значение в композиции изделий, не входя в противоречие с требованиями конструктивной логики и технологичности формы. Другое направление, успешно развивавшееся в нашей стране в 20-е годы, инженерное проектирование. В 1925 году в Москве по проекту выдающегося инженера В. Шухова возводится знаменитая радиобашня, ажурный силуэт которой надолго стал символом советского радио. Годом раньше Я. Гаккель создает на основе последних достижений техники первый советский тепловоз, форма которого даже сегодня выглядит достаточно современной. В 20-е годы осознается потребность в научных исследованиях закономерностей деятельности человека в искусственно создаваемом им самим предметном окружении. Организуется Центральный институт труда, в его стенах ведутся исследования по вопросам научной организации труда, культуры производства. Внимание ученых и конструкторов привлекают вопросы биомеханики, органолептики и др. Среди примечательных работ тех лет - проект рабочего места водителя трамвая (Н.Бернштейн).
Я. Гаккель. Тепловоз. Начало 1930-х гг
Обновленная экспозиция
«Декоративно-прикладное искусство России XVIII - первой трети XIX века»
В рамках празднования 35-летия во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства открылась обновленная постоянная экспозиция «Декоративно-прикладное искусство России XVIII - первой трети XIX века».
«Петр Великий бросил вызов России, а она ответила ему Пушкиным», - крылатая фраза А.Н. Герцена точнее всего определяет смысл и границы эпохи, которой посвящена экспозиция этих залов. Представленные здесь предметы - живые вехи, обозначившие становление и расцвет отечественной культуры в лоне европейской культурной традиции Нового времени. В них запечатлены перемены жизненного уклада и художественных ориентиров, трансформация старых и появление новых предметных форм, техник и даже видов декоративно-прикладного искусства.
В основу дизайна новой экспозиции заложен принцип демонстрации экспонатов как уникальных художественных объектов, которые объединены в тематические, стилистические и типологические блоки. Такое решение позволяет оценить значение каждого предмета с точки зрения времени, стиля, развития отдельного вида декоративно-прикладного искусства, и акцентирует внимание на его художественной самоценности.
Сценарий осмотра строится исходя из пространственного решения экспозиции, не только содержательно (по типологии, тематике, стилистике и хронологии), но и визуально - от Петровского времени до бидермайера.
Центральные темы новой экспозиции: «Эпоха перемен: рубеж XVII -XVIII веков», к которой примыкают так называемые «примитивы XVIII века», перелагавшие реалии нового времени в формах традиционного искусства; «Классика русского XVIII века», представляющая эпоху от Петра до Павла в высоких образцах придворного искусства, а также «Русский ампир» и «В комнатах», демонстрирующие две грани русской культуры первой трети XIX века - блестящий имперский стиль и становление культуры частной жизни, соотносимой с феноменом немецкого бидермайера. В тоже время экспозиция позволяет рассмотреть произведения и в привычном ряду - по видам искусства, выделяя мебель, художественный металл, стекло, фарфор, керамику, камнерезное искусство, кость и бисер.
Особого внимания заслуживают такие уникальные церковные предметы, как Крест-мощевик и Панагия, которые датируются XVII веком. Они выполнены в дорогостоящей на тот момент технике - эмаль по скани. В числе наиболее ранних экспонатов - сундуки с металлической оковкой и декоративной отделкой, чернильницы, уральская латунная посуда XVII - начала XVIII века. Ярким образцом парадной представительской металлической посуды для сервировки стола являются латунные кружки завода Демидовых на Урале.
Предметы сервировки стола и подносные вещи выполнялись тогда в разных техниках. Например, два стеклянных, темно-синих кубка с вензелями «EML» и «WGS», производства Императорского стеклянного завода, являются редким примером расписных изделий конца XVIII - начала XIX века. Латинские вензели на кубках принадлежат шведскому посланнику в России в 1793 году Вернеру Готтлобу фон Швениру - «WGS» - и его матери Эббе Марии Лагербринг - «EML». Кубки хранились два с лишним столетия в замке Скархульт, Сконе (Швеция), являясь фамильным достоянием.
В экспозиции можно ознакомиться с уникальными образцами русской дворцовой мебели XVIII-XIX веков, среди которых особый интерес представляют шахматный и ломберный столики в технике маркетри. Среди экспонатов мебели, характерной для первой половины XIX века, обращают внимание две редких по качеству горки в стиле «жакоб». Тому же времени принадлежат и два кресла, выполненные по проекту Осипа Ивановича Бове. Интерес представляют и каминные часы «Минин и Пожарский» изготовленные парижским бронзовщиком Пьером-Филиппом Томиром и, воспроизводящие в интерьерном формате, знаменитый памятник Ивана Мартоса, стоящий на Красной площади.
Особое место в экспозиции занимает шпалера «Спасение рыбаков», которая выполнена во Фландрии в неизвестной мастерской во второй половине XVII - начала XVIII веков. Она поступила в ВМДПНИ в 1999 году с коллекцией Музея народного искусства им. С.Т. Морозова. Сюжет шпалеры заимствован из библии: в центре композиции изображается одно из чудес - «Хождение по водам». Шпалера отреставрирована в несколько этапов - она была частично восстановлена специалистами Музея народного искусства им. С.Т. Морозова, и, уже в 2014 полную реставрацию завершили специалисты-реставраторы Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства. Таким образом, шпалера обрела новую жизнь и впервые будет представлена на экспозиции.
В соответствующих тематических разделах представлены осветительные приборы из стекла и хрусталя, интерьерные изделия из фарфора и бронзы конца XVIII-XIX веков. Каждый экспонат является эталонным образцом того или иного стиля, запечатлевает дух своего времени и представляет возможности художественного и технического мастерства.
Подобное пространственное решение экспозиции позволяет музею наиболее эффективно и интересно организовать экскурсии и специальные программы. К наиболее интересным и значимым экспонатам будут представлены расширенные аннотации, а также сопровождение QR-кодами, благодаря которым, посетители смогут получить более подробную информацию. Экспозиция оснащается современной системой светового оборудования. Благодаря высокой интерактивности, новая экспозиция обещает быть более живой и интересной, а так же способствовать творческому диалогу с посетителями, особенно с детской и юношеской аудиторией.
Отражение переломного характера петровской эпохи в декоративно-прикладном искусстве. Западноевропейские художественные влияния (Голландия, Англия, Франция, Италия). Процессы сложения сословного строя и упрочения светской культуры и их влияние на развитие декоративно-прикладного искусства. Многослойность декоративно-прикладного искусства, неравномерность развития его отдельных сфер. Сохранение и развитие традиционных направлений (провинциальная и народная культура, церковное искусство).
Совершенствование техники ремесленного и мануфактурного производства. Зарождение художественной промышленности (изготовление шпалер, художественного стекла, фаянса, гранение камня, производство шелка и сукна). Мануфактурное производство модных вещей, предметов роскоши. Открытие и разработка месторождений меди, олова, серебра, цветного камня, высококачественных глин.
Роль Академии наук в "процветании вольных художеств и мануфактур", отражение новых естественнонаучных и технических интересов в декоративно-прикладном искусстве. Новые формы обучения и подготовки мастеров на художественных мануфактурах. Закрытие мастерских Оружейной палаты. Пенсионерство и его роль в развитии отдельных видов декоративно-прикладного искусства. Возникновение цеховых организаций ремесленников в России. Работа иностранных мастеров в разных областях декоративно-прикладного искусства.
Художественный стиль в декоративно-прикладном искусстве. Мода, ее воздействие на смену вкусов, изменение предметной среды. Появление новых типов предметов, обновление эстетических представлений в декоративно-прикладном искусстве. Тенденции синтеза искусств. Роль архитектуры, монументального искусства, графики и иллюстрированных изданий в развитии декоративно-прикладного искусства. Декоративные тенденции барочной культуры в оформлении празднеств, комплексах триумфальных ворот, садово-парковом искусстве.
Искусство оформления интерьера как особый вид художественной деятельности в творчестве архитекторов первой четверти XVIII века. Первые интерьерные работы и основные стилевые тенденции (барокко, рококо, классицизм). Новые типы помещений (кабинеты, парадные спальни, гостиные, «токарни», «картинные залы») и их предметное наполнение (Летний дворец, дворец А.Д.Меншикова, Большой Петергофский дворец, Монплезир). Работы французских мастеров. «Шинуазери» в интерьерах петровской эпохи.
Ансамблевое решение предметной среды. Возникновение проектной деятельности в области материальной культуры и декоративно-прикладного искусства.
Развитие мебельного дела. Новые типы и формы мебели, материалы и способы украшения. Влияние английской и голландской мебели. Барокко и рококо в мебели.
Резьба по дереву, ее роль в интерьере. Резные рельефы. Иконостас Петропавловского собора. Корабельная резьба и каретное дело.
Серебряное дело. Сохранение традиций XVII в. Создание цехов золотых и серебряных дел мастеров. Ювелирное искусство. Портретная миниатюра на эмали. Орденские знаки и «жалованные» персоны. Первые мастера живописной миниатюры – Григорий Мусикийский и Андрей Овсов.
Керамика и фаянс петровской эпохи. Голландские изразцы в интерьере. Расширение импорта фаянсовых изделий из Англии и Голландии. Первая частная мануфактура А. Гребенщикова в Москве, появление отечественного тонкого фаянса.
Увеличение потребления стекла, основание стекольных заводов в Ямбурге и Жабино под Петербургом. Зеркала и осветительные приборы. Формирование стиля парадной дворцовой посуды с матовой гравировкой. Первая частная стекольная и хрустальная фабрика Мальцова в Можайском уезде.
Резьба по камню и гранение драгоценного камня. Основание первых гранильных фабрики в Петергофе и в Екатеринбурге. Резьба по кости. Основные техники резьбы, стилистические приемы. Традиции Холмогор. Появление токарных станков, изменение форм изделий. Петровская токарня и А. Нартов. Влияние гравюры и иллюстрированной книги на резьбу по кости. Основание Тульского оружейного завода, развитие искусства художественной обработки стали в декоративных изделиях.
Типология костюма. Смена средневекового платья на костюм европейского образца. Установление Петром правил ношения и типов дворянского платья. Введение уставной одежды и униформы для армии и флота, для чиновников. Появление новых мануфактур в связи с изменениями в костюме. Замена восточных тканей на западноевропейские. Образцы мужского костюма из гардероба Петра I.
Основание Петербургской шпалерной мануфактуры. Обучение русских мастеров.
Декоративно-прикладное искусство эпохи Анны Иоанновны. Художественное серебро. Основание казенного стекольного завода на Фонтанке в Петербурге. Деятельность шпалерной мануфактуры. Стиль шпалер и применение в интерьере. Л.Каравак и его проекты в области декоративного искусства.
Оживление в художественной культуре в царствование Елизаветы Петровны. Преобладание французских влияний. Барокко и рококо в русском искусстве. Рококо в интерьере, костюме, ювелирном искусстве, садово-парковом искусстве. Синтез архитектуры и декоративно-прикладного искусства в интерьерах барокко и рококо. Работы В.В.Растрелли и А.Ринальди в области интерьера. Декоративные материалы и приемы отделки интерьеров. Типы мебели барокко и рококо. Ткани в интерьере. Осветительные приборы. Ансамбль в различных видах декоративно-прикладного искусства середины и второй половины века.
Серебряное дело. Утверждение стилистики барокко. Монументально-декоративные произведения. Большие парадные сервизы. Изменение форм предметов, новые типы посуды для новых продуктов. Ювелирное искусство. Деятельность придворных мастеров. Стиль рококо в ювелирном искусстве. Типы женских украшений. Цветной камень в ювелирном искусстве.
Костюм, его образ, тип кроя, материалы, аксессуары, характер отделки. Влияние французской моды. Барокко и рококо в женском и мужском костюме.
Изобретение отечественного фарфора. Основание фарфоровой мануфактуры в Петербурге. Деятельность Д.И.Виноградова и «виноградовский» период развития русского фарфора. Первые дворцовые сервизы, вазы, мелкая пластика. Создание казенного фаянсового завода в Петербурге.
Гравированное стекло елизаветинской эпохи. Деятельность Петербургского казенного стекольного завода и завода на р. Назье. Барокко и рококо в художественном стекле. Стекло в убранстве дворцовых интерьеров В.В.Растрелли. Частные заводы Немчиновых и Мальцовых. Опыты М.В.Ломоносова в области цветного стекла, начало его производства на Усть-Рудицкой фабрике.
Резьба по кости. Стилистика рококо, творчество резчика Осипа Дудина.
Декоративно-прикладное искусство второй половины XVIII в.
Классицизм в декоративно-прикладном искусстве 1760–1790 гг. Соединение стилистики рококо с античными мотивами. Роль архитекторов в декоративно-прикладном искусстве эпохи классицизма. Обучение мастеров декоративно-прикладного искусства в Академии художеств.
Интерьер раннего классицизма. Материалы и формы, колорит, скульптурное убранство, удешевление декоративной отделки. Интерьерные работы Ч. Камерона. Круг декоративных приемов, новые материалы, образ помещений и ансамбль. Интерьеры В. Бренны.
Мебель классицизма, характер, формы, влияния. Античные прототипы. Новые виды мебели. Участие архитекторов в развитии мебельного искусства в России (Бренна, Львов, Камерон, Воронихин). Мебель Д. Рентгена в России. Мастерская Г. Гамбса и И.Отта. Стиль «жакоб» в русской мебели. Смена материалов в мебельном искусстве (красное дерево, золоченое дерево, тополь, карельская береза). Ткань и вышивка в мебели.
Мастерская Споля в Москве. Резной декор в интерьерах М. Казакова. Резная мебель Останкинского дворца. Расцвет техники набора в русской мебели второй половины века, способы исполнения и материалы. Мебельное производство на Охте в Петербурге. Папье-маше как материал мебели и декоративного искусства.
Русская и французская художественная бронза. Основные виды изделий и декоративные техники. Бронза и стекло в осветительных приборах. Бронза в отделке каменных и фарфоровых ваз и мебели. Деятельность Литейного дома. Иностранные мастера-бронзовщики в Петербурге (П.Ажи, И.Цех и др.).
Костюм. Изменение типов и силуэта одежды в 1770-1780-е годы. Введение форменного дворянского платья. Парадное придворное платье, использование стилизованных национальных форм. «Греческий стиль» 1790-х годов в костюме и прическах. Коренное изменение конструкции костюма. Мода на платки, шарфы, накидки, мантильи, шали.
Ювелирное искусство. Деятельность И.Позье, Дюбюлона, Ж.Адора, И.Г. Шарфа, И.В.Буха, братьев Дюваль. Большая императорская корона. Придворная алмазная мастерская. Художественное серебро. Влияние французского серебра стиля Людовика XVI. Искусство черни по серебру. Возрастание роли северных ювелирных центров – Вологды, Великого Устюга. Фабрика черневых и финифтяных изделий братьев Поповых в Великом Устюге. Эмаль с серебряными накладками.
Фарфор, техники изготовления и декорирования. Императорский фарфоровый завод. Ранний классицизм в формах и декоре изделий. Влияние европейского фарфора и фаянса. Деятельность Ж.-Д. Рашетта. Контакты ИФЗ с Академией художеств. Декоративные вазы и дворцовые сервизы в интерьере эпохи классицизма. Большие парадные сервизы, их состав, характер оформления. Поиски целесообразных форм предметов и приемов декорирования изделий. Фарфоровая пластика (серии фигур "Народы России", "Торговцы и разносчики"). Жанровый рисунок и гравюра в фарфоровой скульптуре и росписи по фарфору. Изделия из бисквита. «Павловский» фарфор конца 1790-х годов.
Фабрика Ф.Гарднера в Вербилках. Орденские сервизы.
Художественное стекло. Завод Г.Потемкина в Озерках. Цветное стекло и хрусталь. Стекло в интерьерах Ч. Камерона. Императорский стеклянный завод в 1790-е годы. Связь изделий императорских фарфорового и стеклянного заводов. Завод Бахметева в Пензенской губернии. Расцвет живописи по стеклу в 1780-90-х годах. Готические мотивы в художественном стекле.
Деятельность шпалерной мануфактуры. Связь шпалер с общим направлением в русской живописи (историческая тема, аллегория, портрет в шпалере). Переход от рококо к классицизму. Шпалеры в оформлении интерьера.
Резьба по камню. Роль Ч.Камерона в развитии культуры цветного камня и его применения в интерьере. Новые приемы использования камня, «русская мозаика». Деятельность Петергофской гранильной фабрики. Открытие новых месторождений цветного камня на Урале и на Алтае. Екатеринбургская фабрика и Колыванский завод. Изобретение машин для обработки камня. Вазы по рисункам А. Воронихина и Д. Кваренги.
Расцвет тульской стали (мебель и декоративные изделия). Дворянские и купеческие фабрики. Фабрика лаковой миниатюры П.И. Коробова. Возникновение промыслов при художественных мануфактурах. Развитие художественных промыслов во второй половине XVIII века: хохломская роспись, кружевоплетение, узорное ткачество, ковроткачество, художественный металл и др.
В интернете появилась база данных о наградах ветеранов вов
Продленка в начальной школе: нормативно-правовая база, программа Как оплачивается группа продленного дня в школе
Как составить образец соглашения об определении долей в квартире, находящейся в общей собственности?
Родился второй ребенок: когда можно получить материнский капитал?
Изменится сумма материнского капитала в году