L'impressionnisme musical s'est développé sur la base du mouvement pictural de l'impressionnisme. Traditionnellement, Claude Debussy et Maurice Ravel sont considérés comme des représentants de l'impressionnisme en musique.
Dans la musique des compositeurs impressionnistes, l'essentiel était la transmission d'ambiances qui acquéraient le sens de symboles, la fixation de subtils états psychologiques causé par la contemplation monde extérieur. L’impressionnisme musical était aussi proche de l’art des poètes symbolistes avec son culte de « l’inexprimable ».
Le prédécesseur de l’impressionnisme musical était le romantisme tardif du XIXe siècle. De nombreuses découvertes musicales des compositeurs romantiques se reflètent dans la musique des impressionnistes.
Les compositeurs romantiques s'intéressent de plus en plus à la poétisation de l'Antiquité et des pays lointains, au timbre et à la beauté harmonique, à la résurrection des systèmes modaux archaïques, au genre miniature, aux découvertes coloristiques d'E. Grieg, N. A. Rimsky-Korsakov, à la liberté de voix et à l'improvisation spontanée. du député Moussorgski.
L'un des critiques a écrit : « En écoutant des compositeurs impressionnistes, vous tournez le plus souvent dans un cercle de sons brumeux, irisés, tendres et fragiles au point que la musique se dématérialise soudain... seulement dans votre âme, laissant longtemps des échos et reflets de délicieuses visions éthérées. » .
I. V. Nestyev dans son article « Impressionnisme » écrit : « L'impressionnisme musical a contribué au développement de nombreux genres musicaux qui ont remplacé le romantisme. Dans la musique symphonique, ce sont des esquisses symphoniques, dans la musique pour piano, des miniatures de programmes compressées, dans musique vocale- miniature vocale. Dans l’opéra, cela a conduit à la création de drames musicaux au contenu semi-légendaire, avec une charmante délicatesse d’atmosphère sonore, une déclamation vocale sobre et naturelle.
Les découvertes musicales et l'improvisation dans la musique des compositeurs impressionnistes ont ouvert la voie à de nouveaux moyens d'expression musicale. La nature inhabituelle de l'harmonie, l'utilisation de parallélismes et la combinaison de complexes d'accords complexes ont affaibli la clarté de la connexion fonctionnelle. Tout cela a permis aux impressionnistes de saturer leurs œuvres couleurs inhabituelles et consonances.
La première mention de l’impressionnisme en relation avec la musique de Debussy remonte au printemps 1887, et le terme est plutôt utilisé dans un contexte négatif. Il s'agissait de la suite « Printemps » en deux parties pour chœur de femmes et orchestre. Malheureusement, la partition de cette œuvre n'a pas survécu à ce jour sous sa forme originale, mais on sait que son interprétation a enthousiasmé la communauté culturelle.
Le critique, dans son Rapport du Secrétaire Permanent de l'Académie des Beaux-Arts, écrit à propos de Debussy : « On peut affirmer qu'il a le sens de la couleur musicale, cependant l'excès de ce sentiment lui fait facilement oublier l'importance de la justesse de la couleur. conception et forme. Il devrait absolument éviter ce vague impressionnisme, l'un des plus dangereux ennemis de la vérité dans les œuvres d'art.
La comparaison de la musique du compositeur avec le mouvement pictural a conduit les critiques à analyser les innovations musicales de son œuvre. Un autre critique, Camille Mauclair, dans son article « Peinture musicale et fusion des arts » paru dans la Revue Bleue en 1902, qualifie la musique de Debussy d'« impressionnisme des taches sonores ».
Le terme « impressionnisme » a été utilisé par les critiques musicaux de la fin du XIXe siècle. dans un sens condamnant ou ironique, est devenue plus tard une définition généralement acceptée et a commencé à couvrir un large éventail de phénomènes musicaux au tournant des XIXe et XXe siècles. en France et dans d'autres pays européens.
Regardons de plus près les découvertes musicales innovantes des compositeurs impressionnistes Claude Debussy et Maurice Ravel.
Claude-Achille Debussy (1862-1918)
Grigori Mikhaïlovitch Schneerson, dans son livre « La musique française du XXe siècle », appelle Debussy « au cœur artiste français" Il écrit qu'aucune influence étrangère ne pourrait changer l'image créative nationale de Debussy - ce compositeur a amené la musique française à l'une des principales places de la culture musicale mondiale.
Depuis 1872, alors qu'il étudiait au Conservatoire de Paris, Debussy se distinguait parmi sa classe comme un artiste mature. Le cours de piano lui a appris célèbre pianiste et professeur Antoine Marmontel, il étudie le solfège avec Albert Lavignac. Ce qui déplaît le plus au jeune compositeur, ce sont ses cours d'harmonie et d'accompagnement avec Emile Durand. Le professeur a élevé le jeune homme selon les règles classiques de l’harmonie et n’a pas pu contrôler les impulsions artistiques de son élève. Un autre professeur, O. Basil, a encouragé la liberté d'improvisation chez le futur compositeur. La composition de Debussy est enseignée par Ernest Guiraud à partir de 1880, et c'est alors que commencent à paraître les premières œuvres du compositeur.
Un peu plus tôt, lors d'un voyage en Suisse et en Italie, Debussy a rencontré la riche philanthrope russe Nadezhda Filaretovna von Meck, qui lui a fait découvrir l'œuvre de Piotr Ilitch Tchaïkovski.
Dans ses lettres à Pierre Ilitch, Mme von Meck écrivait ainsi à propos de Debussy : « C'est un Parisien de la tête aux pieds, un gamin typique (gamin des rues), très spirituel, un excellent imitateur, très drôle et tout à fait caractéristique de Gounod Ambroise. Thomas et les autres, toujours en esprit, toujours satisfaits de tout et font rire tout le public de manière inimaginable ; "un joli personnage."
A noter qu'en 1883 Debussy reçut le deuxième Prix de Rome pour la cantate Gladiateur. Un an plus tard, l'Académie française décerne au compositeur le Grand Prix de Rome pour la cantate « L'Enfant prodigue ».
Dès 1885, Debussy se lance dans la recherche de son langage musical originel. Il s'oppose alors aux traditions classiques de l'harmonie. A cette époque, l'art de la France, avec toute la diversité des mouvements artistiques, connaît la stagnation de l'académisme et du conservatisme respectable. Cela a été salué par les institutions officielles - l'Académie des Beaux-Arts, les expositions et salons annuels et le conservatoire.
La jeune génération d’artistes, d’écrivains et de musiciens de la fin du XIXe siècle a remis en question les normes artistiques généralement acceptées et a ouvert de nouveaux horizons esthétiques dans son travail. Dans ce domaine, un mouvement de symbolisme est apparu dans la littérature française et d'impressionnisme dans la peinture.
Le style de Debussy se développe progressivement de 1884 à 1889. Le compositeur a créé un tout nouveau langage pianistique. Ses contemporains ont noté que le pianiste Debussy était très attentif aux nuances de ses œuvres et attachait une importance particulière aux pédales, ce qui créait une couleur et une efficacité particulières à ses œuvres. Voici quelques déclarations de musicologues : « Debussy a fait pour la littérature pour piano du XXe siècle ce que Chopin a fait pour le XIXe siècle. Il a découvert un nouveau son pour le piano, révolutionné la technique pianistique, élargissant les capacités techniques de l'instrument.
Lors de la composition de ses œuvres, le compositeur pouvait improviser sur l’instrument pendant très longtemps, et la recherche de son compositeur peut être qualifiée d’« improvisation contrôlée ». Ce terme a été introduit dans l'usage musical par J. Barraquet.
Le professeur R. Gaudet a noté : « Debussy n'a commencé à enregistrer de la musique, du moins le plus souvent qu'après une longue période d'incubation. Ensuite, il écrivait comme sous une dictée et presque sans fautes.
En 1889, Debussy succombe aux nouvelles tendances artistiques, dirigées contre l’académisme, et change de cercle social. Or le compositeur s'intéresse à l'idéologie du symbolisme en littérature et de l'impressionnisme en peinture. Il rencontre les poètes S. Mallarmé, P. Verlaine, P. Rainier, et les artistes : C. Monet, O. Renoir, P. Cézanne, E. Manet. On peut dire que Debussy a su généraliser et exprimer toutes les idées du symbolisme et de l'impressionnisme en musique.
Parallèlement, le compositeur visite l'Exposition universelle de Paris, où il entend la musique russe de A. P. Borodine, N. A. Rimsky-Korsakov, M. A. Balakirev et M. P. Moussorgski.
Un autre événement marquant dans la vie du compositeur fut sa connaissance de la culture orientale. Debussy fut l'un des premiers à aborder le thème de l'Orient dans son œuvre. Fortement impressionné par elle, Debussy écrit la série « Estampes ». La pièce « Pagodes » incluse dans le cycle est un reflet frappant de la culture orientale.
Tout au long de sa vie, les sources d'inspiration du compositeur furent événements culturels non seulement en France, mais dans le monde entier. Il convient de noter que le rayonnement mutuel des cultures musicales française et russe s'est largement réalisé à travers les « Saisons russes » organisées par Sergueï Diaghilev.
Les résultats des recherches musicales de Debussy ont donné une forte impulsion au développement de nouveaux styles musicaux. La principale différence fondamentale entre le langage musical de Debussy était la liberté d'expression et l'indépendance par rapport aux formes classiques. œuvres musicales.
L'œuvre pour piano de Debussy montre des influences du romantisme ainsi que du clavecinisme français. Presque toutes les œuvres de Debussy sont soumises au principe de « l'improvisation contrôlée ».
En enregistrant ses œuvres pour piano, il est le premier des compositeurs à utiliser la troisième ligne dans une distinction commune, au lieu des deux traditionnelles. C'est une façon de transmettre la conformité image visuelle auditif La troisième réplique a été utilisée pour la première fois dans la pièce « Soirée à Grenade » et dans la pièce « From the Sketchbook ».
L'innovation de l'œuvre pianistique de Claude Debussy est déterminée par l'expansion des capacités du piano de l'instrument et la nouvelle topographie du texte musical.
Maurice Joseph Ravel (1875 -1937)
Ravel était un compositeur dont l'œuvre combinait deux cultures : l'Espagne et la France. Son père était français et sa mère espagnole. Tous vie consciente Ravel vivait à Paris.
En 1889, Ravel entre au Conservatoire de Paris. Ses professeurs étaient : dans la classe de piano - Pessard, dans la classe de contrepoint - Zhedal, dans la classe de composition l'éminent professeur de France Gabriel Fauré. Au cours de ses années d'études, le jeune compositeur se démarque de ses camarades par l'originalité de sa pensée compositionnelle. Fasciné par le modernisme et par l'œuvre de poètes symbolistes comme S. Mallarmé, Velier de Lisle Adan… Les premiers pas dans le domaine de la composition ne furent pas faciles pour Ravel.
Ses débuts ont lieu en 1898 avec la pièce « Habanera » pour deux pianos. Ravel a ensuite inclus "Habanera" comme l'un des mouvements de sa "Rhapsodie espagnole". Mais les critiques furent accueillies avec méchanceté par le nouveau compositeur. Les échecs au concours de l'Académie des Arts de 1901 à 1905 n'apportent pas la reconnaissance du talent de compositeur de Ravel par la communauté culturelle.
Après avoir obtenu son diplôme du conservatoire, Ravel rejoint un groupe de jeunes écrivains, musiciens et artistes talentueux, où il trouve des camarades et amis fidèles. L'idée principale de ce groupe était la lutte contre la routine, pour la création d'un nouvel art. Ce groupe au nom ironique d'"apaches" comprenait l'excellent pianiste Ricardo Viñes, les critiques musicaux Emil Vieiermoz et Mikhail Calvocoressi, le poète Léon Paul Fargue et Tristan Klingsor et d'autres. Les jeunes n'ont pas manqué plus d'un concert de musique, ont exprimé leur admiration pour la musique de Debussy et se sont engagés dans des batailles avec les conservateurs musicaux.
La musique russe a été accueillie avec enthousiasme et enthousiasme par les Apaches. Tristan Klingsor écrit : « Nous étions tous fascinés par les Russes. Borodine, Moussorgski, Rimski nous ont enchantés... »
Les premières œuvres de Ravel « Pavane pour la mort de l'infante », la pièce « Le jeu de l'eau » et le cycle vocal « Schéhérazade » ont été reconnues par ses contemporains. La pièce «Le jeu de l'eau» a été prise comme exemple d'œuvres de l'impressionnisme musical. La critique française était encline à considérer Ravel comme un continuateur des idées de Debussy. Aux prises avec la comparaison constante de sa musique avec celle de Debussy, Ravel dut défendre les découvertes de son auteur.
De 1905 à 1915, Ravel écrit la Sonatine et le cycle de pièces pour piano « Réflexions », la suite vocale « Histoires naturelles », « Rhapsodie espagnole » pour orchestre, l'opéra « L'Heure espagnole », le ballet « Daphnis et Chloé ». , etc. En 1908, la « Rhapsodie espagnole » fut chaleureusement accueillie par le public et la presse. Après cette première à Paris, Ravel fut reconnu dans de larges cercles musicaux.
Ravel a collaboré activement avec Russian Seasons. A la demande de Sergueï Diaghilev, le compositeur écrit le ballet Daphnis et Chloé. Contrairement aux attentes, le 8 juin 1912, la première du ballet eut lieu avec un grand triomphe et fut accompagnée d'une célébration du compositeur. La presse française, admirative du ballet, a écrit sur l'impossibilité de jouer cette musique hors scène. L'un des critiques a écrit : « Sans danse, sans acteurs, sans lumière, sans décor, Daphnis semblera insupportablement long… ».
Heureusement, l’opinion de nombreux critiques s’est avérée fausse. Certaines pièces de ce ballet sont encore interprétées séparément par des orchestres symphoniques et font partie de leur répertoire permanent.
En 1913, Ravel suit les tendances stylistiques de la musique d’Europe occidentale. Sa musique montre une simplification de la texture musicale, cela concerne surtout le domaine de la musique de chambre. Tout au long de sa vie, Ravel ne s'est pas écarté des formes musicales classiques ; ses œuvres se caractérisent par des mélodies prolongées, le respect de la clarté du rythme et de la mesure.
Le langage musical de Ravel révèle au monde une sorte de « néoclassicisme ». Pendant les années de guerre, Ravel abandonne les idées de l'impressionnisme ; son œuvre aborde des problèmes sociaux et des thèmes quotidiens et sa musique est remplie de réflexions philosophiques.
L'œuvre la plus célèbre de Ravel est le Boléro. Initialement, le compositeur avait conçu le spectacle, mais sa première fut un échec. Le public n’a pas accepté la nouvelle œuvre du compositeur, mais chanson du thème"Bolero" a été facilement repris.
Ravel a été l'un des premiers compositeurs à accepter l'offre d'écrire la musique d'un film - Don Quichotte. Le compositeur a écrit trois chansons pour la basse russe Fiodor Chaliapine ; ces chansons forment un petit cycle qu'il a intitulé « Don Quichotte à Dulcinée ».
A. A. Alshvang note que l’œuvre de Ravel a contribué à définir les principales tendances de la culture musicale d’Europe occidentale. La principale caractéristique du travail de Ravel fut la découverte de diverses harmoniques solutions musicales, l'utilisation de consonances plus complexes, l'utilisation fréquente d'accords retardés, le compositeur a ainsi mis à jour le système harmonique traditionnellement établi.
L'art de Ravel, empreint d'humanisme, est imprégné de la saveur nationale française. Sergueï Sergueïevitch Prokofiev a correctement identifié la place de Ravel dans l’histoire de la musique du monde. Il écrit : « À une époque, après la guerre, un groupe de jeunes musiciens apparut en France : Honegger, Milhaud, Poulenc et d'autres, qui, dans le feu de l'enthousiasme de la jeunesse, affirmèrent que la musique de Ravel avait survécu à son époque - de nouvelles personnes arrivèrent , un nouveau langage musical est apparu. Mais au fil des années, ledit groupe a pris la place qui lui revient dans la musique française, et Ravel reste toujours l'un des plus grands compositeurs français et l'un des musiciens les plus marquants de notre époque."
...............................L'impressionnisme reste encore un phénomène peu étudié dans l'histoire. vie artistique Russie. Entre-temps, il s’agissait de l’un des mouvements les plus singuliers de l’art russe de la fin du XIXe et du début du XXe siècle et était étroitement lié à un certain nombre de processus culturels et historiques de cette époque. Dans la plupart des œuvres musicologiques nationales, bien que l'impressionnisme ne soit pas considéré comme un mouvement ayant eu une influence significative sur le développement de la musique russe, on note néanmoins l'incarnation des « couleurs impressionnistes » dans les œuvres individuelles des compositeurs russes de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. . On peut les voir dans les œuvres tardives de N. Rimsky-Korsakov et A. Lyadov, dans les œuvres de I. Stravinsky, Nikolai Cherepnin, S. Vasilenko, dans certaines œuvres de S. Prokofiev, S. Rachmaninov, A. Scriabin, N. Myaskovsky. et d'autres.
La culture de la Russie au tournant des XIXe et XXe siècles est inscrite dans l'histoire comme l'une de ses pages les plus controversées et, en même temps, les plus belles. Mouvementé, diversifié tendances artistiques prédéterminé le caractère ambigu de nombreux phénomènes artistiques de cette période. Malgré les profondes crises socio-économiques et politiques (révolution de 1905, guerre russo-japonaise et Première Guerre mondiale), l'art connaît un nouvel apogée. Parmi les différentes tendances artistiques figurait l'impressionnisme. Un puissant stimulant pour son apparition en Russie fut le développement des liens culturels russo-français : en 1891, une alliance militaro-politique russo-française fut conclue, qui fut suivie par la vulgarisation de l'art russe en France (concerts de musique russe, entreprises de S. P. Diaghilev, etc.) et français - en Russie (expositions d'artistes impressionnistes français, entreprises de S. A. Koussevitzky et A. I. Ziloti, où ont été réalisées des œuvres de C. Debussy, M. Ravel, etc.). La formation de l'impressionnisme en Russie est associée à des processus visant à mettre à jour les traditions. Si en France ils s'exprimaient dans l'opposition des artistes progressistes à l'art du Salon, alors en Russie - dans la volonté de réviser les idées des Vagabonds en raison de l'apparition d'un nombre important de leurs épigones (Lyadov, S.K. Makovsky, D.S. Merezhkovsky et d'autres ont écrit à ce sujet) . Les progrès scientifiques et technologiques ont également contribué à la découverte de nouvelles possibilités dans l'art (l'invention de la photographie par L. Daguerre, la découverte de la théorie du mélange des peintures et de la perception de la couleur par l'œil humain par M. Chevreul, les recherches d'O Rud et G. von Helmholtz dans le domaine de l'optique, etc.). Dans le même temps, le progrès scientifique et technologique présentait également un revers, exprimé dans la crise des idéaux positivistes : les découvertes qui ont émergé se sont accompagnées d'une révision des idées établies sur le monde qui nous entoure. La conscience publique n’a pas eu le temps de comprendre une percée aussi puissante : le rôle même de la science a été remis en question. L'environnement artistique de ces années-là (pas seulement en Russie) était dominé par la déception quant à la capacité de l'homme à influencer la nature. Il y a eu des « appels » à l’existence harmonieuse de l’homme dans la nature. Ces idées se sont avérées proches de l'impressionnisme.
Depuis les années 1870, les artistes (I. N. Kramskoy, I. E. Repin, etc.) discutent des moyens de mettre en œuvre l'impressionnisme français par l'école russe. Les traditions de l'impressionnisme russe en beaux-Arts ont été fondées à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou (principalement grâce à l'enseignement de K. A. Korovin, I. I. Levitan, V. D. Polenov, V. A. Serov et d'autres). Enseignants, diplômés et étudiants de ce établissement d'enseignement a constitué la base de « l'Union des artistes russes » (1903-1923) - une association de peintres paysagistes dont le travail a ouvert la « scène de l'impressionnisme domestique ». Des sources documentaires primaires, dont des mémoires, des lettres d'artistes et de compositeurs de l'époque, permettent d'identifier la « version russe de l'impressionnisme » en tant que concept esthétique. Dans le « miroir des lettres » des artistes russes, ceux processus historiques et culturels, qui est devenu la base de l'esthétique émergente de l'impressionnisme. Désignons-les : c'est la volonté de « se fermer » dans la créativité au monde environnant, en remplaçant la réalité réelle par le monde idéalisé ou irréel de l'œuvre ; le désir de renouveler les traditions, de « redonner vie » aux aspects décadents de la vie artistique ; l'influence de la réflexion sur la signification ; progrès scientifique et technologique pour l'art. Il est également évident que la raison la plus importante du renforcement de l'impressionnisme en Russie était l'échange culturel mutuel avec la France, qui a connu son apogée au tournant des XIXe et XXe siècles.
Étaient controversés points de vue des compositeurs russes sur l'impressionnisme- d'une attitude enthousiaste à méfiante, et parfois vivement critique à son égard. Les représentants de l'ancienne génération, reconnaissant l'importance des moyens d'expression cultivés dans l'impressionnisme, ont souligné les « pauvres pensées » de son esthétique ( S. Tanev). Une perception négative des tendances modernes, y compris l'impressionnisme, était inhérente C. A. Cui(une parodie de « L'Après-midi d'un faune » de Debussy intitulée « Rêverie d'un faune, après la lecture de son journal », une plaisanterie musicale « Hymne au futurisme », dédiée aux « innombrables super-génies modernes », ainsi que « Brèves instructions sur la façon, sans être musicien, de devenir un brillant compositeur moderne"). Contrairement à l'ancienne génération, les jeunes auteurs ( Tcherepnine, Stravinsky, Vasilenko, Prokofiev et d'autres) ont trouvé que la manifestation de tendances impressionnistes était une étape naturelle dans le développement de l'art musical. Ainsi, Vasilenko considérait ses poèmes symphoniques « Jardin de la mort » et « Le vol des sorcières », les suites « Dans les rayons du soleil » et « Les plaintes nocturnes » comme étant impressionnistes. Le seul compositeur qui non seulement n'a pas caché son intérêt pour l'impressionnisme, mais qui s'est également reconnu comme impressionniste, s'est avéré être V. I. Rebikov. Fin novembre 1901, dans une lettre à V. Ya. Bryusov, il écrivait : « Pour une raison quelconque, on me traite de « décadent ». Je suis impressionniste. L'ancienne génération cherchait à préserver l'inviolabilité des canons établis (« la finalité sociale de l'art »), tandis que la jeune génération remettait en question l'idée même de l'influence de l'art sur processus sociaux comme " loi morale"("l'art pour l'art"). Comme de nombreux représentants de l’intelligentsia artistique russe, les compositeurs ont principalement accepté les découvertes linguistiques (techniques). Comprenant le développement global de l'art russe au XIXe siècle et au début du XXe siècle, les personnalités culturelles russes y ont vu un processus unique et indivisible dans lequel les innovations du XXe siècle étaient une continuation de celles du XIXe siècle.
En tant que mouvement, l'impressionnisme en Russie a pris forme à Saint-Pétersbourg. Il est solidaire de tradition "exotique-romantique", clairement exprimé dans École de composition de Saint-Pétersbourg et axé sur l'esthétisme, la sophistication et la couleur. Par conséquent, les origines du principe impressionniste « transparaissent » bien avant son apparition et sont déjà visibles dans des œuvres telles que « La Nuit à Madrid » de M. Glinka, « En Asie centrale » de A. Borodine, « Tableaux d'une exposition » et "Nuit sur le mont chauve" de M. Moussorgski, " Capriccio espagnol" et " Shéhérazade " de N. Rimsky-Korsakov et bien d'autres. Ils contiennent des propriétés proches des méthodes d'absolutisation du moment et de la couleur. Ce n'est pas un hasard si le pittoresque, l'instrumentation luxuriante et luxueuse et le langage harmonique inhabituellement « savoureux » sont les propriétés de la musique russe qui ont conquis le cœur des impressionnistes français. Dans cette ligne, on voit un « lien de style » avec l’impressionnisme, qui anticipait particularités de la version russe de l'impressionnisme: esthétiquement raffiné; jusqu'à la « douceur » épicée et même écoeurante et en même temps presque épiquement contemplative. On peut dire que l'impressionnisme dans de telles conditions a reçu les conditions préalables à son interprétation non pas comme quelque chose d'insaisissable et de mystérieux (comme dans la version française), mais comme une « créature » très proche et chère, comme si les compositeurs, grâce à l'impressionnisme, parvenaient à « attrapez le Firebird » et transférez toute sa beauté dans votre musique.
L'ouvrage « Esthétique de l'art musical » de N. Rimsky-Korsakov mérite une attention particulière. Les idées et les positions qui y sont présentées ne reflètent pas seulement la vision de l’auteur du compositeur sur la nature de l’art. Ils pourraient se transformer en programme impressionniste en Russie. La pensée du compositeur est directement en contact avec la vision artistique de type impressionniste. Les « points » particuliers qui se croisent sont idées clés ses œuvres : le sens de la beauté est décisif aussi bien dans la vie que dans l'art ; Le monde de la beauté n'est perçu que subjectivement, à travers l'imagination et la contemplation ; L’Homme et le Monde ne font qu’un, c’est-à-dire l’Homme, ses pensées sont indissociables de « la nature et de la vie ». Le compositeur analyse les caractéristiques du langage musical établi dans la musique russe depuis l'époque de Glinka. Dans le même temps, les moyens d'expression musicale qu'il appelle s'avèrent proches de l'impressionnisme (y compris en lien avec l'expansion des propriétés coloristiques et phoniques qui peuvent créer l'effet d'une peinture sonore visuelle et colorée).
Rimski-Korsakov Même si le compositeur entretient un lien profond avec la tradition, il joue un rôle de premier plan dans la formation des méthodes impressionnistes visant à absolutiser le moment et la couleur dans la musique russe. Leur cristallisation peut être vue dans l'exemple de scènes individuelles des opéras « La Fille des Neiges », « Sadko », « Kashchei l'Immortel », « Le Conte de la ville invisible de Kitezh et la Jeune Fille Fevronia ». Ainsi, si les scènes de la fonte de la Snow Maiden et de la transformation de la Sea Princess en rivière ont été décidées par le compositeur dans la tradition « exotique-romantique » - elles sont précédées par l'histoire des héroïnes sur ce qui se passe et sont accompagné d'un dispositif de représentation sonore (la harpe déborde sur les sons d'une triade diminuée), puis la transformation de Kashcheevna en saule pleureur peut être qualifié d’impressionniste. Dans cette scène, il y a une diminution du rôle du mot : l'héroïne ne fait que faire allusion à sa transformation. Cependant, en même temps, le rôle des moyens orchestraux aux propriétés coloristiques est renforcé (le mouvement descendant et tremblant des cordes le long des sons de la « gamme Rimsky-Korsakov », souligné par les coups de triton de la basse, contre lesquels le mouvement ascendant sons de l'accord de septième diminuée de la harpe avec le « scintillement » anglais aux reflets froids - « larmes ») du cor, puis avec le hautbois). Les caractéristiques de l'impressionnisme chez Rimski-Korsakov ont des fondements profonds, obtenus grâce à l'utilisation de thématiques musicales concentrées créées dans « l'esprit populaire ». En particulier, dans la scène de la Tempête de neige (« Kashchei l'Immortel »), la « thématique folklorique » a un caractère chantant. Le compositeur utilise largement les techniques d'imitation. Dans la scène, on peut entendre des signes de genres tels que des chants de danse rituels magiques et incantatoires, en partie trepak. Dans le même temps, la solution modale-harmonique de la scène est associée au recours aux tours de triton, ainsi qu'au « mode Rimsky-Korsakov » symétrique, qui contribue à la création de la sonorité impressionniste d'un paysage fantastique d'hiver. Le signe avant-coureur de "Kashchei" dans l'œuvre du compositeur est le troisième acte de "Mlada" - "Nuit sur le mont Triglav" - une scène fantastique dans le royaume de Tchernobog (d'ailleurs, certains signes avant-coureurs du "Coq d'or" sont également visibles là). Rimski-Korsakov élargit souvent sa palette de couleurs en introduisant des sons orientaux. Les méthodes d'absoluisation du moment et de la coloristique se manifestent, par exemple, lors de l'exposition caractéristiques musicales héros « orientaux » - la reine Shemakhan et l'Astrologue dans l'introduction de l'opéra « Le Coq d'or », dans la scène IV « L'apparition de la reine Cléopâtre » de l'acte III de l'opéra-ballet « Mlada ». Dans le dernier exemple, le premier thème de l’héroïne est particulièrement révélateur. Il s'agit d'un air instrumental d'improvisation qui résonne d'une petite clarinette, d'une flûte piccolo et parfois d'un glissando de lanternes sur fond de « balancement » mesuré des cordes. Le compositeur utilise une variété de couleurs mode-harmoniques (variations majeures-mineures, passages basés sur les sons du mode lydien, chromatismes exquis, harmonies diminuées). Cela crée une atmosphère languissante, fantomatique, fantastique et impressionniste.
N. Rimsky-Korsakov, alors qu'il enseignait à Saint-Pétersbourg, ne pouvait s'empêcher d'influencer ses collègues et ses étudiants. Cependant, dans les œuvres de ce dernier, l’impressionnisme est « réfracté » à travers le prisme des styles de l’auteur et fournit des exemples de ses solutions individuelles.
Image de conte de fées "Lac magique" (1909) A. K. Lyadov est devenu l'incarnation la plus frappante des spécificités de l'impressionnisme musical russe, créé conformément à la vision du monde centrée sur la nature. En particulier, les déclarations de Lyadov sur l'histoire de la création du « Lac magique » et la musique elle-même témoignent du désir du compositeur non seulement de représenter le paysage, mais également d'en transmettre des impressions. Tous les éléments musicaux et thématiques de « Magic Lake » naissent d’un fond vibrant. Les grains d'intonation les plus importants sont les cinquième, troisième et deuxième, indiqués dans l'introduction. D'eux naissent des micro-motifs (« nature », « étoiles », « éclaboussures d'eau », etc.) et des motifs (« nature morte », « aube », etc.). Leurs variations et combinaisons forment un semblant de relief élargi, disparaissant dans la sonorité du fond. L'unité intonative de la miniature avec la modification constante des éléments thématiques contribue à la création dans le jeu d'une image d'un paysage statique en constante transformation. Les éléments thématiques du Magic Lake ont leur propre peinture. Cependant, parfois, conformément à l’intention créatrice du compositeur, ils acquièrent diverses nuances(par exemple, en raison d'un changement de variante ou d'une transformation du timbre). Ainsi, le micro-motif des « étoiles » traverse le célesta et la flûte, puis le célesta et la harpe ; Le thème « sur les branches » résonne au hautbois, puis est transféré à la flûte. Associées à un groupe de bois, les cordes contribuent à la création de divers tableaux colorés dans le cadre de miniatures : la transformation d'un lac magique, sa vie mystérieuse. Le célesta et la harpe rehaussent l’imagerie féerique. Le compositeur attache également une grande importance à la pédale, qui donne paysage musical profondeur particulière. Dans « Magic Lake », trois étapes de transformation du paysage sont mises en évidence : de tard le soir jusqu'à la nuit et avant l'aube. Chaque couleur ultérieure apparaît sous l'influence d'une nouvelle impression observée par le compositeur. L’œuvre de Lyadov est similaire à « La Mer » de Debussy, où le paysage est également représenté dans différents états. Pourtant, le compositeur français incarne paysage marin impressions d'une personne observant la nature de l'extérieur. La nature, à son tour, éveille dans son âme des ambiances proches de ce paysage. Ici l'unité ne se forme qu'entre l'Homme et sa vision du Monde. La nature du « Lac Magique » est perçue comme un organisme vivant doté de sa propre âme, que Lyadov cherche à révéler aux auditeurs en « dissolvant » l'Homme (à la fois lui-même et chaque auditeur) dans le Monde contemplé. C’est là que s’enracine la différence importante entre une vision du monde centrée sur la nature et une vision centrée sur l’humain. Absolutisant les moments de toutes les transformations, le compositeur incarne de manière épique le thème impressionniste de la nature, racontant les secrets de sa vie. Une image de conte de fées est comparée à un croquis décor de théâtre: « capté » et transféré sur la « toile » musicale la beauté du paysage d'un lac mystérieux perdu dans la nature, contre lequel l'action peut commencer. Le compositeur transmet à l'auditeur une esquisse de ses propres fantasmes, l'obligeant à fantasmer, réalisant ainsi le thème du rêve. En même temps, Lyadov est enfantinement surpris par ce Monde, ne se lasse jamais de s'en réjouir et de l'admirer. Il est comparé à un cinéaste essayant de capturer chaque image de la transformation du paysage, ou à un sorcier voulant donner vie à ce paysage et s’y « dissoudre ».
Fantaisie "Feux d'artifice" (1908) SI. Stravinski- l'un des jalons remarquables de l'impressionnisme russe. La nature associative de cette pièce est si grande que l'auditeur ne ressent pas seulement un sentiment d'état extatique. Il devient pour ainsi dire complice de toute « l'action », construisant dans son esprit toute une série d'« images » associées à divers types feux d'artifice. Toutes sortes de feux d'artifice - platines, fontaines, cascades, fusées, boules, effets d'explosions, applaudissements sont « entendus » dans une grande variété de techniques d'interprétation, de couleurs de timbre et de méthodes de production sonore. Parmi eux figurent les appels colorés, le pizzicato, le jete, les techniques de divisi pour les cordes, les sons fermés pour les cors et le jeu des cymbales avec des bâtons de timbales. L'utilisation de timbres scintillants est d'une grande importance : cloches, triangle, harpe, cymbales, célesta dans un registre aigu (une telle imagerie sonore est proche des couleurs du poème symphonique « Les Fontaines de Rome » d'O. Respighi). L'associativité éclatante de la Fantasia de Stravinsky est obtenue par des moyens dynamiques, temporels et harmoniques. Fascinant par les harmonies réduites (le principal élément constructif de « Fireworks »), les « plis » fantaisistes des thèmes dans une tonalité élargie et la « torsion » des passages chromatiques, le compositeur crée une performance coloristique étonnante. Son instabilité rend floues les trois sections de la pièce. Même des changements de tempo et de texture contrastés ne sont pas capables de les distinguer dans la perception de l’auditeur. Les « frottis » colorés de « Fireworks », la fluidité, la fantaisie et l'imprévisibilité des images d'association émergentes créent une image impressionniste d'une célébration de feux d'artifice. Dans le même temps, Stravinsky, contrairement à Lyadov, ne cherche pas à se « dissoudre » dans des cascades de feu colorées. Elle se caractérise plutôt par l'unité entre le Monde et la vision du Monde. Le compositeur se concentre sur l'Homme en liesse - lui-même, soit le héros de la foule, présent silencieusement dans sa pièce, soit l'auditeur, admirant, admirant et appréciant la performance. Impressionnisme de I. Stravinsky, en dans une plus grande mesure La pensée occidentale est caractéristique. Son opéra « Le Rossignol » et le ballet « L'Oiseau de feu » en sont une confirmation claire. Dans les images colorées du ballet « L'Oiseau de feu », les lignes opposées de personnages (folklore) et de créatures de contes de fées (impressionnistes) ne se combinent pas. Et bien que le deuxième vers ait été décidé par le compositeur dans l'esprit des traditions de Rimski-Korsakov et que le premier ne soit pas dénué de couleur, ils ne se confondent pas et la personne ne se « dissout » pas dans les paysages enchantés. du royaume de Kashcheev. C'est peut-être la raison de l'ouverture d'Igor Fedorovich aux tendances les plus diverses de l'époque : tout au long de sa vie, dans son œuvre, il apparaît comme un homme russe, qui partage avec nous ses impressions, y compris les impressions de la dernière composition. techniques.
Dans de nombreux ouvrages Nikolaï Tcherepnine Période russe, on peut retracer une combinaison harmonieuse de la tradition « exotique-romantique » avec l'influence des impressionnistes français (esquisse pour orchestre pour le conte de fées sur l'oiseau de feu « Le Royaume enchanté », « Contes de fées », six illustrations musicales pour le conte de fées « Sur le pêcheur et le poisson » d'A. Pouchkine, le ballet « Narcisse et Écho », pièces de théâtre à partir de « 14 croquis pour l'« ABC en images » russe d'Alexandre Benois"). L'esquisse pour orchestre du conte de fées sur l'Oiseau de feu « Le Royaume enchanté » (1910) est à bien des égards similaire à « Le Lac magique ». Comme Lyadov, Cherepnin concentre son attention sur les moments des paysages du soir et de la nuit, sur leur transformation et leur état d'enchantement, que personne ni rien ne peut interrompre. En les absolutisant, le compositeur est assimilé soit à un artiste décorateur, soit à un cinéaste qui zoome ou dézoome sur l'image d'ensemble, et dans d'autres cas à un éclairagiste qui montre le paysage sous différents reflets. La « germination » de tous les éléments thématiques à partir d'un seul « grain », immergé dans un timbre lumineux et des couleurs harmonieuses, crée l'effet d'un mouvement statique. Le mélange et la mise en valeur variables du fond avec le relief démontrent les impressions étonnantes d'une contemplation impressionniste et enfantinement naïve d'un conte de fées. L'atmosphère de contemplation (somnolence) est obtenue par le compositeur grâce à la méthode de la couleur. Une image musicale statique est « peinte » par de longues admirations pour une couleur (le plus souvent, ces couleurs sont associées à l'utilisation d'un mode à tons entiers et d'une triade augmentée). Le timbre permet, comme aucun autre, de contribuer à valoriser le côté phonique d'une composition. De nombreuses techniques de sonorisation des cordes (avec sourdines, divisi, solo, col legno, etc.), des instruments à vent et des instruments aussi colorés que les cloches, le célesta, le xylophone, la harpe, le piano, donnent une « sensation » sonore impressionniste proche des sonores. On leur confère une fonction importante : montrer les hautes lumières, les ombres et les lumières, les jeux de couleurs, etc. Dans l’incarnation par Cherepnin des méthodes impressionnistes visant à réaliser les thèmes du fabuleux, de la nature et des rêves, on peut retracer non seulement une vision du monde centrée sur la nature, mais aussi une vision centrée sur l’homme. En particulier, l’associativité en miniature, soumise à la « dissolution » de l’Homme dans le Monde (comme chez Lyadov), n’est pas toujours maintenue. Un exemple est le thème des « airs de l’Oiseau de feu », où l’on peut parler de la domination du Soi subjectif sur le Monde (comme chez Debussy). La partition du ballet « Narcisse et Écho », écrit pour les « Saisons russes » de Diaghilev, appartient aux plus hautes réalisations de Tcherepnine en tant que symphoniste et à un nouveau type de partition de ballet dont le style musical était déterminé par le principe pictural. Il n'y a plus de chiffres arrondis ici ballet classique. La plasticité impressionniste, l'impression visuelle, le pittoresque et la statique particulière des panneaux décoratifs sont apparus. Dans "Contes de fées", poursuivant la tradition des "Chansons pour enfants" de Lyadov, Cherepnin y introduit quelque chose de nouveau, combinant librement des éléments du folklore et des techniques musicales et visuelles contemporaines : harmonie fantaisiste, rythmes capricieux, mélodies sommaires, etc. Les associations avec les œuvres de Debussy sont utilisées avec humour et subtilité. DANS illustrations musicales pour « L'ABC », Benoit Cherepnin a créé une galerie de peintures et d'images qui divertissent l'imagination des enfants, parmi lesquelles les plus marquantes sont des images de la nature (« Forêt »), de pays lointains (« Egypte ») et de contes de fées (« Arap », « Baba-Yaga »). Dans la pièce "Arap", le personnage des spectacles de foire russes est recréé de manière vivante - les Arabes dansant au son d'un faux orgue de Barbarie, dans l'apparence duquel des éléments individuels du style de "Petrouchka" de Stravinsky sont perceptibles. La pièce « Baba Yaga » est également spectaculaire. Le caractère fantastique des images - le vol de Baba Yaga sur un balai et son sifflet fringant - est souligné par la technique d'une présentation à trois lignes, comme une présentation « orchestrale ».
Les tendances impressionnistes qui se manifestent dans son travail sont intéressantes. Sergueï Prokofiev. Alors "Automne" ressuscite déjà bien images célèbres, qui est apparu plus tôt dans « Kashchei l'Immortel » de Rimski-Korsakov, mais l'impressionnisme sombre de la pièce (venant de « L'Île des morts » de Rachmaninov), malgré tous ses traits attrayants, n'est, par essence, pas très caractéristique de Prokofiev. Dans la musique de « Le vilain petit canard » et « Cinq poèmes sur les vers d’Anna Akhmatova », certains des « Flottements » il y a quelque chose d’aquarelle, venant d’une couleur douce et impressionniste, dans laquelle se manifeste le désir croissant de lyrisme du compositeur. Dans la partition de la «Suite scythe», Prokofiev a mis toute la maîtrise de l'écriture orchestrale accumulée à cette époque, formée sur la base des traditions classiques russes, mais enrichie dans une certaine mesure par les influences de l'impressionnisme (perçu principalement à travers Stravinsky) , notamment « discordance , en superposant un motif sur le fond sans les aligner spécialement les uns avec les autres » (V. Karatygin).
Contrairement aux œuvres des compositeurs de l'école de Saint-Pétersbourg, dans les œuvres des auteurs moscovites, les méthodes impressionnistes sont présentes aux côtés d'autres méthodes non impressionnistes et sont soumises aux concepts esthétiques des styles de chaque auteur (et dans une bien plus grande mesure que dans les travaux de leurs collègues de Saint-Pétersbourg). Cependant, dans une certaine mesure, ils peuvent également être considérés comme relevant du domaine de l’impressionnisme. Parmi ces exemples figurent quelques pages de créativité S.Rachmaninov(« Bright Holiday » de la Première Suite pour 2 pianos, poème vocal-symphonique « Bells », nombreuses romances (Lilas, Island, etc.), Etudes-images), A. Scriabine(Préludes op. 11, « Poème-Nocturne » op. 61, 4e, 5e et 10e sonates, Prométhée), A. Stanchinski(quelques numéros de Twelve Sketches, Nocturne), quelques compositions M. Gnesina, G. Catuara.
Dans les essais Rachmaninov les traits impressionnistes n'apparaissent qu'au niveau des moyens d'expressivité musicale, en particulier lors de l'exécution du thème des carillons de cloches, dont la répétition ostinato sur fond de deux accords de septième (petit majeur et petit diminué) reproduit une coloration impressionniste, proche de le carillon de cloches de différentes tailles. Cependant, derrière l'imitation externe des cloches se cachent des processus psychologiques complexes d'un Homme pensant, visant à trouver un sens et une essence, un Homme s'efforçant de trouver des réponses aux questions difficiles de l'Existence. Ceci est considéré comme la tradition du député Moussorgski, qui a réussi à incarner, à travers le carillon des cloches de la scène du couronnement de « Boris Godounov », les doutes et les expériences du roi montant sur le trône. L’attention de Rachmaninov se concentre sur un homme qui, sous l’influence du tintement audible d’une cloche, trouve en lui les émotions correspondantes, ce qui s’accorde avec l’impressionnisme dans la tradition d’une vision du monde centrée sur la nature. Cependant, de telles émotions sont dotées par le compositeur de significations supplémentaires, grâce auxquelles une unité inversée entre le Monde et la vision du Monde ne se forme pas. Une personne, s'efforçant de « se dissoudre » dans le Monde, ne fusionne pas avec lui, mais reste un vagabond éternellement en quête, se consacrant au service d'un objectif élevé. En conséquence, pour Rachmaninov, la méthode impressionniste de la coloristique s'avère être un moyen de transmettre le concept-idée symboliste. Cette interprétation de l'impressionnisme (uniquement au niveau des moyens d'expression musicale) dans les œuvres compositeurs de l'école de Moscou est dominante. Cela est dû en grande partie aux traditions de P. I. Tchaïkovski et S. I. Taneyev, dans les concepts des œuvres desquels prédominent l'intellectualité et une tendance à la compréhension philosophique et à l'expérience profonde des bouleversements émotionnels. Une chose similaire s'observe dans les œuvres de leurs adeptes : les musiciens sont attirés par des images subjectives remplies de psychologisme interne. Il n'est pas surprenant que la mise en œuvre de la tradition « exotique-romantique » dans les œuvres des Moscovites n'apparaisse que sporadiquement et soit subordonnée à d'autres tâches esthétiques.
Cependant, certains auteurs, par exemple I. Golubenko dans l'article « Lévitan et Rachmaninov : « paysage d'ambiance » lyrique et impressionnisme russe », arrivent à la conclusion que le contenu de l'œuvre des deux maîtres est doté d'un « son » impressionniste. » Par ailleurs, le « son » de l'impressionnisme russe, dont la spécificité est déterminée, selon elle, par le lyrisme de leur "paysages d'humeurs", qui deviennent non seulement un moment fixe de la première impression, mais agissent également comme « un moyen de comprendre le monde environnant et la place de l'homme dans celui-ci, un moyen de « dialogue » avec la nature et cette « demeure tranquille » dans laquelle l'âme trouve calme et détente »
En particulier, un tel appel aux moyens impressionnistes est typique A. N. Scriabine. Peu à peu convaincu de sa plus haute mission de créateur des Mystères, le compositeur a eu recours à ceux-ci uniquement pour souligner les propriétés magiques de l'art. La peinture sonore impressionniste, subordonnée à un élan extatique, est «traduite» par lui dans la perspective de dimensions mystiques, extraterrestres, universelles. L'utilisation de couleurs impressionnistes dans le cadre d'autres « attitudes » esthétiques est également caractéristique des œuvres de G. L. Catoire (par exemple, le roman « Twilight »), certains « Contes de fées » de N. K. Medtner, pièces individuelles de « Douze croquis » de A. V. Stanchinsky et d'autres.
Dans le même temps, dans certaines œuvres de représentants de l'école de compositeurs de Moscou, on observe également l'influence de l'impressionnisme des Saint-Pétersbourg. Ainsi, il s’avère proche de la tradition « exotique-romantique » V.S. Kalinnikov(introduction au deuxième mouvement de la Première Symphonie). La créativité est une sorte d'exception. Sergueï Vasilenko, qui a également absorbé les traditions et les principes de travail des compositeurs de Saint-Pétersbourg. L'incarnation non seulement des techniques techniques de l'impressionnisme, mais aussi de son esthétique, peut être retracée dans ses poèmes symphoniques « Jardin de la mort », « Le Vol des sorcières », « Suite chinoise ». Sa pièce « L'Écho des Lacs d'Or » de la partie VI de la « Suite chinoise » est particulièrement révélatrice. Malgré sa proximité avec « Bright Holiday », l’interprétation des cloches n’a pas ici de « contexte » symboliste : le concept de la pièce semble similaire à l’impressionnisme des auteurs de Saint-Pétersbourg (sa vision du monde centrée sur la nature). En absoluant les moments d'imitation des sons des cloches et des pierres sacrées, Vasilenko s'efforce de transmettre à l'auditeur le souffle même de la nature : vent léger, soleil, eau claire, écho de sonneries mélodiques. Ce paysage est perçu comme une esquisse d'un décor théâtral, que le compositeur « voit » avec son regard impartial et démontre l'harmonie culture chinoise, reliant le tout à votre état de contemplation et de rêverie. Des moyens coloristiques sont également destinés à cela (utilisation de timbres sonores et doux ; répétition ostinato de la figuration selon les sons individuels de la gamme pentatonique à la harpe et au piano). Une étude d'œuvres individuelles de compositeurs de l'école de Moscou montre qu'elles présentent également des caractéristiques de l'impressionnisme. Les méthodes d'absolutisation du moment et de la couleur qui y sont affichées apportent une sensation d'espace, un état de contemplation et de rêve. Cependant, ces méthodes ne sont pas toujours pleinement utilisées par les compositeurs de l'école de Moscou, puisqu'ils se fixent souvent les tâches d'une esthétique totalement non impressionniste.
Les processus de transition de l'histoire russe (non seulement le tournant des XIXe et XXe siècles, mais aussi tout le XXe siècle) ont prédéterminé l'impressionnisme à la fois par la nature mixte et rapide du développement en peu de temps (seulement environ dix à quinze ans) et par son un destin ultérieur qui souffre depuis longtemps (de l'exaltation admirative au déni méprisant). Il est difficile d'imaginer comment le sort du mouvement impressionniste aurait évolué si des événements révolutionnaires fatals ne s'étaient pas produits en Russie ; si I. Stravinsky (1914), S. Rachmaninov (1917), N. Cherepnin (1921) n'avaient pas quitté leur patrie ; si N. Rimsky-Korsakov et A. Lyadov, ainsi que G. Catuar, V. Rebikov, A. Scriabine, A. Stanchinsky, avaient vécu plus longtemps. Et pourtant, les amis, étudiants, adeptes et adeptes de ces compositeurs sont restés en Russie. Il n’est donc pas surprenant que les méthodes impressionnistes puissent être retrouvées dans les œuvres de maîtres nationaux et dans d’autres conditions esthétiques. L'impressionnisme continue de se manifester plus tard dans l'œuvre de plusieurs compositeurs : A. Alexandrov, S. Vasilenko, V. Deshevov, A. Dzegelyonok, L. Knipper, A. Crane, N. Rakov, A. Khachaturyan, S. Feinberg , A. Shenshin, B. Shekhter. Les représentants de la « première vague » de l'avant-garde à leurs débuts n'ont pas ignoré la passion pour l'impressionnisme ( A. Mosolov, N. Roslavets et etc.). Dans leur œuvre, le principe impressionniste est présent dans d'autres conditions esthétiques : dans le cadre de la recherche de nouveaux moyens d'expression. L'influence de l'impressionnisme se retrouve également dans les œuvres de la maturité S.Prokofiev a (Scènes de l'opéra « L'amour des trois oranges », quelques techniques harmoniques et orchestrales de « Fiery Angel », Cinq mélodies pour violon et piano, même dans une œuvre aussi tardive que la 8e Sonate pour piano). Dans les premières symphonies N. Myaskovsky(8e, 12e, etc.) les techniques harmoniques caractéristiques de Debussy sont perceptibles, jusqu'aux citations explicites, comme le thème des « Nuages » au début de la 12e symphonie. Gueorgui Sviridov dans les œuvres des années 50-60 ("Poème à la mémoire de Sergei Yesenin", "Kursk Songs", etc.), poursuivant la recherche de Moussorgski, Borodine (en partie aussi Debussy et Stravinsky) dans le domaine de l'harmonie naturelle-modale, libre de la fonctionnalité traditionnelle de l'échelle majeure-mineur européenne, utilisé une variété de quatrième et deuxième consonances, des complexes bi- et poly-fonctionnels qui ont une signification purement coloristique. Dans ces œuvres de Sviridov, la statique colorée et la sophistication du timbre, le principe impressionniste, se sont organiquement fusionnés avec le folk.
L'utilisation spécifique des méthodes impressionnistes peut être observée dans le travail des compositeurs de la seconde moitié du XXe siècle - R. Shchedrin, A. Eshpaya, R. Ledeneva, N. Sidelnikova, E. Denisova. La prédominance de la méthode d’absolutisation du moment dans le concert pour orchestre «Rings» de R. Shchedrin est évidente. L'influence et l'attachement d'Andrei Eshpai à l'école française de composition ont en partie déterminé des caractéristiques de son style telles que la couleur, la présentation pittoresque et la sophistication du langage harmonique. L'influence impressionniste se fait également sentir dans les « Contes de fées russes » de N. Sidelnikov. On voit ici la prédominance de la méthode coloristique. Pour le compositeur, le désir d’une représentation sonore colorée d’« histoires » caractéristiques est plus proche. Une combinaison harmonieuse des deux méthodes impressionnistes se retrouve dans l'œuvre de R. Ledenev. C’est peut-être pour cela que les chercheurs qualifient le style de son auteur de « néo-impressionniste ». En général, l'incarnation de la méthode d'absolutisation du moment peut être trouvée dans des techniques de composition telles que la musique spatiale et le minimalisme. La nature méditative de cette méthode contribue également à sa pénétration dans les techniques dodécaphoniques et aléatoires. La méthode coloristique a été l’une des méthodes fondamentales pour le développement de la sonoristique. En conséquence, la « vie » de l’impressionnisme s’étend à aujourd'hui, qui conserve son attrait pour des recherches ultérieures.
Comme appareil terminologique, caractérisant les propriétés de l'esthétique de ce style, on peut reprendre les formulations figuratives, mais justes et volumineuses autrefois « lancées » par L. Leroy : « impression », « incomplétude », « liberté » et « douceur ». L'impressionnisme a deux méthodes : « l'absolutisation du moment » et le « colorisme ». Le premier est associé au niveau sémantique des œuvres musicales (thème et imagerie), à leurs formes et genres et vise la mise en œuvre de propriétés esthétiques telles que le désir de transmettre des impressions et le principe d'incomplétude. La seconde avec les moyens d'expressivité musicale (thématique, texture, harmonie, etc.) et révèle les propriétés de « liberté » et de « douceur » d'incarnation. L'étude de l'impressionnisme musical dans les œuvres des compositeurs russes, prenant en compte les positions idéologiques et esthétiques, permet d'en déterminer certaines caractéristiques. Dans les opus créés dans les vingt premières années du siècle dernier, des méthodes impressionnistes d'absolutisation du moment et de colorisme, apparentées aux propriétés paneuropéennes des œuvres impressionnistes, sont mises en œuvre. Une atmosphère de coloration colorée des impressions du monde environnant est également créée dans l'esprit de l'auditeur, le temps s'arrête, de subtiles vibrations de l'air et de l'eau apparaissent, et chaque couleur suivante est inspirée par une nouvelle « impression » pour le compositeur.
Reconstruction" de l'impressionnisme comme type de vision artistique et sa comparaison avec la mentalité russe met en lumière les aspects idéologiques de ce mouvement en Russie.
Esthétique impressionniste repose sur une tendance visant à exprimer la position idéale de l'homme dans le monde. Conformément à cela, il se développe processus créatif: lorsqu'il travaille sur une œuvre, le compositeur privilégie l'incarnation d'impressions optimistes du monde qui l'entoure. Dans les concepts d'œuvres impressionnistes, ces impressions sont déterminées par un certain nombre de principes esthétiques : l'unité du Monde et la vision du Monde ; Le sentiment de joie de l'homme par rapport au Monde ; spontanéité (enfance) de perception du Monde ; la beauté du monde. L'interprétation de ces dispositions dans différentes écoles nationales est différente. Ainsi, pour la tradition européenne occidentale, en particulier française, elle est prédéterminée par la domination prononcée du Soi subjectif sur le Monde, une vision du monde centrée sur l'humain. Dans la tradition russe, l'interaction entre l'Homme et le Monde s'accompagne le plus souvent de la « dissolution » du Soi subjectif dans le Monde et est définie comme vision du monde centrée sur la nature. Cela s'avère être en accord avec des propriétés caractéristiques de la mentalité de l'homme russe, comme un sens particulier des espaces ouverts de la terre russe, la capacité de percevoir et de spiritualiser le monde qui nous entoure d'une manière presque païenne, mais au à la fois idéalisée et poétique. Dans le même temps, des processus « d’échange culturel » entre la Russie et la France ont eu lieu. Cela nous a permis de conclure que la culture russe, indépendamment de l'influence française, pouvait développer indépendamment un concept esthétique proche de l'impressionnisme.
En analysant les œuvres impressionnistes des compositeurs russes et français, on peut les identifier fonctionnalités similaires. C’est le manque d’intrigue narrative cohérente et de contraste prononcé ; préférence pour le pittoresque (souvent avec des traits sommaires) dans les interprétations de genre ; la volonté « d'obscurcir » les limites de la forme, de sa dotation. Au niveau de la méthode coloristique, c'est l'usage, à côté d'un thématicisme concentré et dispersé ; égalisation du relief et du fond; s'intéressant aux harmonies colorées (augmentées, diminuées), aux modes qui ont une coloration particulière (ton entier, symétrique, pentatonique), aux timbres qui introduisent une atmosphère fabuleuse (cloches, célesta, harpe, etc.) et favorisent l'associativité, et parfois l'imagerie sonore .
En même temps, ils soulignent caractéristiques nationales de l'impressionnisme. En particulier, dans l’école de composition russe, ils se forment dans le cadre de sa tradition « exotique-romantique » et sont saturés d’une saveur particulière : environnement d'intonation de la chanson folklorique russe, caractéristiques de l'épopée et de l'orientalisme. Dans la mise en œuvre de la méthode d'absolutisation du moment, on peut retracer prédominance les sujets suivants: fabuleux ou mythologique, rêve, vacances, nature. Les traditions d'incarnation du fabuleux ont été établies par M.I. Glinka ("Ruslan et Lyudmila" - la scène de l'enlèvement de Lyudmila) et ont trouvé leur suite logique dans "Magic Lake" de Lyadov, "Enchanted Kingdom" de Cherepnin, "Firebird" de Stravinsky et d'autres. Dans l'interprétation du thème mythologique, des thèmes de rêve et de nature, on y voit aussi la proximité avec conte de fées, qui se manifeste par l’implication d’éléments de transformation figurative tels que l’apparition, la transformation et la disparition (le moment où Narcisse se transforme en fleur dans « Narcisse et écho » de Tcherepnine). De plus, les œuvres pour enfants et sur les enfants (Enfants de M. P. Moussorgski, dont les traditions ont été poursuivies par Tcherepnine dans le cycle vocal Contes de fées), ainsi que la plupart des romances d'amour de compositeurs russes, sont associées au thème des rêves.
A l'aide de l'exemple de l'interprétation du thème de la nature, on peut voir la différence dans les approches des traditions impressionnistes et non impressionnistes. Si dans l'esthétique du XIXe siècle la nature jouait le rôle de décor aux bouleversements émotionnels de l'Homme (la scène du blizzard dans le final de l'acte IV de l'opéra « Ivan Susanin » de Glinka), ou apparaissait comme un contraste avec les expériences humaines ( le nocturne « Clair de lune » dans l'acte de l'opéra « Pan Voivode » de Rimski-Korsakov), puis l'esthétique impressionniste avec sa vision centrée sur la nature supposait que le compositeur, transmettant les impressions du beau monde environnant, semblait « se dissoudre » dans lui, l'animant et trouvant en lui une vie intérieure, souvent fabuleuse (« Narcisse et Écho » de Tcherepnine, « Le Lac Magique Lyadova, « L'Écho des Lacs d'Or » de la partie VI de la « Suite Chinoise » de Vasilenko, etc. ).
Alors, résumons résultats. L'impressionnisme en Russie au tournant des XIXe et XXe siècles n'était pas seulement le résultat de l'influence culture française, mais avait aussi sa propre voie de développement. Sa base génétique remonte à la tradition « exotique-romantique » de la Russie. musique du XIX siècles, ce qui prédétermine les spécificités nationales. En conséquence, l'impressionnisme en Russie s'est développé en un mouvement artistique holistique, dont les signes étaient :
la présence en Russie des vingt premières années du XXe siècle d'un groupe relativement uni de compositeurs dont les vues esthétiques étaient proches de l'impressionnisme, parmi lesquels Stravinsky, Cherepnin, Vasilenko, Lyadov, Prokofiev, etc. ;
la manifestation dans l'œuvre musicale de ces compositeurs non seulement de techniques techniques, mais aussi d'une esthétique proche de l'impressionnisme musical français ;
la formation de l'impressionnisme, son émergence dans la musique russe est directement liée à l'œuvre de Rimski-Korsakov (littéraire, musical), qui présente les traits de l'impressionnisme ;
Malgré l'absence d'un manifeste annoncé qui pourrait servir de facteur de cimentation pour unir les musiciens dans un mouvement, il est évident qu'un analogue d'une telle association s'est formé grâce aux activités pédagogiques et sociales de Rimski-Korsakov.
- les origines de l'impressionnisme en Russie se trouvent dans la tradition « exotique-romantique » ;
- le chemin de développement de l'impressionnisme dans la musique russe avait deux tendances : la première était déterminée par une vision du monde spécifiquement russe, dite centrée sur la nature, et était associée à la tradition « exotique-romantique », développée principalement dans le Saint-Pétersbourg. École de compositeurs de Saint-Pétersbourg ; la seconde était proche de la vision du monde impressionniste occidentale et désignée dans la thèse comme centrée sur l'humain - accumulée les traditions des compositeurs de l'école de Moscou ;
- les traits stylistiques de l'impressionnisme musical visent à transmettre la première impression et sont associés à la mise en œuvre de méthodes impressionnistes d'absolutisation du moment (au niveau des thèmes, des idées et des images, du genre et de la forme) et coloristiques (en utilisant des moyens de musique expressivité);
- les caractéristiques stylistiques mentionnées ci-dessus de l'impressionnisme musical en Russie sont spécifiques, car elles mettent en valeur la saveur du folklore de la chanson russe et de l'orientalisme, des caractéristiques d'épopée et des propriétés rappelant l'esquisse théâtrale.
- l'âme caractéristique de la personne russe, l'attitude contemplative envers la nature, le sens particulier de l'espace - l'immensité de la terre russe, ainsi que la capacité de percevoir et de spiritualiser le monde qui nous entoure d'une manière presque païenne, mais en même temps temps idéalisé, de manière poétique, sont proches de la vision artistique impressionniste. La mise en œuvre des principes esthétiques de l'impressionnisme dans les œuvres des compositeurs russes s'effectue à l'aide de certains thèmes : fabuleux ou mythologie, rêves, vacances, nature.
Étudier l'impressionnisme en Russie n’a jamais été systémique. Bien qu'au début du siècle, dans de brèves observations sur l'impressionnisme dans le cadre de notes critiques sur les concerts ( V. G. Karatygin, V. I. Sokalsky, Yu. D. Engel), de nouvelles éditions musicales ( B. V. Asafiev, V. V. Derjanovsky), des articles consacrés au travail de compositeurs individuels (B.V. Asafiev, V.G. Karatygin) ont exprimé l'idée que les germes de la quête impressionniste des compositeurs russes sont enracinés dans le travail des représentants de la nouvelle école russe ; l'impressionnisme était principalement considéré comme des signes de décadence, dans les années 1930 et 1980 - formalisme, dans les années d'après-guerre - cosmopolitisme. Pour des raisons objectives ère soviétique Depuis une cinquantaine d'années, les chercheurs sont extrêmement prudents lorsqu'ils abordent des sujets qui sont d'une manière ou d'une autre liés à la manifestation de l'impressionnisme. Jusqu'en 1956 (XXe Congrès du PCUS), les travaux de recherche étaient dominés par une perception négative de l'impressionnisme dans tous les types d'art (S. P. Varshavsky, D. B. Kabalevsky, P. I. Lebedev, J. Reinhardt, etc.). Son évaluation positive ( B. V. Asafiev, Yu. V. Keldysh, Kremlev etc.) est condamnée, et joue parfois un rôle fatal dans le sort des chercheurs (licenciement D. V. Jitomirski du Conservatoire de Moscou ;). Un tournant dans l’histoire de la pensée russe sur l’impressionnisme a été le débat de mars 1957, au cours duquel « les évaluations unilatérales et radicalement négatives de l’impressionnisme qui ont eu lieu dans l’histoire de l’art soviétique » ont été révisées. Pour préfacer cette discussion, I. Nestiev a publié un résumé de son remarques d'ouverture, dans lequel il a identifié les questions clés nécessitant une révision. L'une des dispositions importantes de l'article est la compréhension de l'impressionnisme en tant que mouvement de la musique russe. C’est ainsi qu’à partir de la fin des années 1950 débute l’étude de l’œuvre des compositeurs impressionnistes français. Mais les caractéristiques de l'impressionnisme dans la musique russe restent au-delà de l'attention des chercheurs. Apparemment, le souvenir des circonstances difficiles des activités des scientifiques sous pression idéologique était la raison de leur prudence : ils ne mentionnent que les traits impressionnistes des œuvres « russes » de I. F. Stravinsky. V. V. Smirnov et B. M. Yarustovsky, S.S. Prokofieva - I. V. Nestiev; la manifestation de l'impressionnisme dans "Magic Lake" d'A. K. Lyadov est indiquée N.V. Zaporozhets et M.K. Mikhaïlov; la prévoyance de l'impressionnisme dans les œuvres de M. I. Glinka note O.E. Levasheva, député Moussorgski - V. P. Bobrovsky, M. D. Sabinina etc. Un événement marquant pour l’étude de l’impressionnisme en Russie a été la soutenance de la thèse de V.A. Filippov (1974), dont le sujet était l’impressionnisme russe en peinture. L'historien de l'art a retracé l'histoire du développement de l'impressionnisme en Russie, y compris le travail des artistes de la première moitié du XIXe siècle et de la période soviétique. La période post-soviétique a été marquée par l'émergence d'un certain nombre d'études menées par des culturologues nationaux (O. Yu. Astakhov, M. G. Dyakova), des historiens de l'art (N. S. Dzhumaniyazova, O. I. Selivestrova), des philologues (V. E. Fedotova), des philosophes (Yu. A . Griber), musicologues ( T.N. Gauche), dans lequel les lacunes dans l'étude des spécificités de l'impressionnisme sont progressivement comblées.
Des matériaux de la thèse d'Aliya Saduova ont été utilisés. 2002
http://files.mail.ru/FC51L1
Article sans abréviations en pdf
Compositeurs impressionnistes
Enseignant Lycée MHC MKOU N°7
Kimovsk
Zemiseva A. Yu.
Cible:
considérez attentivement l'essence de la vision impressionniste du monde des compositeurs de ce mouvement.
Tâches:
- pédagogique : faire découvrir aux étudiants les compositeurs impressionnistes ;
- pédagogique : favoriser la réactivité émotionnelle et une culture de perception des œuvres impressionnistes ;
Développemental : améliorer les compétences d’écoute musicale, développer les capacités de pensée associative.
Impressionnisme : la recherche de la beauté insaisissable
C'est juste une question de musique.
Alors ne mesurez pas le chemin.
La quasi-stérilité est préférée
Tout ce qui est trop de chair et de corps...
Une simple demi-teinte est plus mignonne.
Pas un ton plein, mais seulement un demi-ton...
P. Verlaine (traduction de B.L. Pasternak)
Claude Debussy
Claude Debussy (1862-1918) - compositeur français, critique musical.
Il est diplômé du Conservatoire de Paris dans la classe de composition avec E. Guiraud en 1884, recevant le Prix de Rome.
Claude Debussy
Debussy est le créateur de l'impressionnisme - un mouvement basé sur le reflet de l'ambiance à l'aide de nuances, de « couleurs » sonores. Son harmonie est dépourvue de l'ordre classique habituel, les accords apparaissent comme des « spots » sonores caractéristiques. Certains éléments du programme montrent l’influence de Wagner, facile à remarquer dans certaines parties de piano.
Debussy - impressionniste
Discussions sur des questions artistiques, relations avec des artistes qui prônent depuis deux décennies une nouvelle direction de l'art - l'impressionnisme - tout cela a grandement influencé la formation de l'œuvre de Debussy.
Œuvres du compositeur
Pour le reste de sa vie, Debussy resta à Paris, composant et se produisant occasionnellement en tant que pianiste. Les œuvres de Debussy ont souvent suscité l'indignation des conservateurs, et la première de l'opéra Pelléas et Mélisande (un drame lyrique basé sur M. Maeterlinck) s'est soldée par un scandale.
Œuvres du compositeur
La Suite Bergamasco a été créée en 1890. Il présente des traits du néoclassicisme ; ils démontrent les recherches ultérieures de Debussy dans le domaine des couleurs de timbre. La suite dispose de 5 chambres. Le plus populaire d'entre eux est « Moonlight ».
Œuvres du compositeur
En 1910-1913, Debussy écrit un cycle de 24 préludes, appelé « l'encyclopédie » de l'impressionnisme. Chacune des pièces est une image colorée, comme si elle rivalisait avec la peinture.
"La fille aux cheveux de lin"
L'une des pièces de ce cycle, représentant aux auditeurs une jeune fille aux cheveux de lin.
Devant nous se trouve un « dessin » musical délicat à l’aquarelle.
"Cathédrale engloutie"
La pièce est née sous l'impression d'une légende bretonne sur une ville engloutie par la mer, mais s'élevant à l'aube du gouffre au son des cloches. Le compositeur a été attiré par l'opportunité de « peindre » l'aube, dans le silence de laquelle résonne une sonnerie venant des profondeurs de la mer, d'où émerge la majeure partie de la ville.
Maurice Ravel
Joseph Maurice Ravel (1875-1937) - compositeur français. Ses découvertes créatives dans le domaine du langage musical (harmonie, rythme, orchestration) ont contribué au développement de nouvelles tendances stylistiques dans la musique du XXe siècle.
Maurice Ravel
Diplômé du Conservatoire de Paris en composition et piano en 1905, il se consacre à la composition musicale. Durant la Première Guerre mondiale, il s'engage au front. Après la guerre, Ravel effectue de nombreuses tournées pour interpréter ses œuvres. En 1928, il se produit aux États-Unis. En 1929, il reçut un doctorat honorifique de l'Université d'Oxford.
Ravel - impressionniste
Comme Debussy, Ravel est un éminent représentant de l'impressionnisme, mais il se distingue de Debussy par son désir conscient d'un style classique. Les traits caractéristiques de son œuvre sont un appel fréquent au folklore, principalement espagnol, l'exhaustivité et l'élégance des formes, ainsi qu'une affinité pour les rythmes de danse.
Œuvres du compositeur
Ravel est l'auteur de nombreux travaux de chambre, ballets ("Mother Goose", "Daphnis et Chloé"), œuvres de danse ("Gypsy", "Bolero", "Valse", "Spanish Rhapsody"). Il a orchestré les Tableaux d'une exposition de Moussorgski.
"Boléro"
"Bolero" a acquis une énorme popularité en tant qu'œuvre indépendante, saturée d'éléments de danse. Il s’agit d’un exemple rare d’œuvre symphonique majeure construite sur un seul thème espagnol, composé par Ravel lui-même.
"Boléro"
L'ouvrage a été écrit en 1928, commandé par célèbre ballerine Ida Rubinstein. Elle a dansé en costume de gitane sur une table, ravissant le public par l'extravagance du numéro.
"Boléro"
La durée du son est d'environ 15 minutes, mais lorsqu'il est exécuté à un tempo constant, sans accélération, comme l'exige le compositeur, il peut atteindre 18 minutes.
"Boléro"
"Bolero" a un effet hypnotique avec sa figure rythmique inchangée répétée à plusieurs reprises, sur fond de laquelle deux thèmes sont également répétés à plusieurs reprises, démontrant une croissance extraordinaire. stress émotionnel et introduire de plus en plus de nouveaux instruments dans le son.
L'impressionnisme fut le dernier mouvement artistique majeur en France XIXème siècle. Les compositeurs de ce mouvement étaient unis par le désir de transmettre des émotions, des impressions, chaque instant de la vie, chaque changement le plus insignifiant du monde qui les entoure. Les impressionnistes en musique ont renoncé à l’art classique et ont pu « ouvrir les yeux » des auditeurs sur l’importance et la belle unicité de chaque instant.
Merci pour votre attention !
Source du modèle :
Koulakova Natalia Ivanovna
enseignant d'école primaire
Établissement d'enseignement public « École secondaire n° 26, Grodno », Biélorussie
- Debussy- http://classica.at.ua/index/klod_debjussi/0-39
- Effilochage http://classica.at.ua/index/moris_ravel/0-10
- Ida Rubinstein http://yandex.ru/images/search?viewport=wide&text=%D0%B8%D0%B4%D0%B0%20%D1%80%D1%83%D0%B1%D0%B8%D0%BD %D1%88%D1%82%D0%B5%D0%B9%D0%BD&img_url
- Ravel "Boléro"
5. Ravel "Boléro" http://yandex.ru/images/search?viewport=wide&text=%D0%B1%D0%BE%D0%BB%D0%B5%D1%80%D0%BE%20%D1%80%D0%B0 %D0%B2%D0%B5%D0%BB%D1%8C&img_url
6. Ravel « Boléro » http://yandex.ru/images/search?viewport=wide&text=%D0%B1%D0%BE%D0%BB%D0%B5%D1%80%D0%BE%20%D1%80%D0%B0 %D0%B2%D0%B5%D0%BB%D1%8C&img_url
7. «La fille aux cheveux de lin» http://yandex.ru/images/search?viewport=wide&text=%D0%B4%D0%B5%D0%B2%D1%83%D1%88%D0%BA%D0%B0%20%D1%81 %20%D0%B2%D0%BE%D0%BB%D0%BE%D1%81%D0%B0%D0%BC%D0%B8%20%D1%86%D0%B2%D0%B5%D1 %82%D0%B0%20%D0%BB%D1%8C%D0%BD%D0%B0&img_url
8. «La fille aux cheveux de lin» http://yandex.ru/images/search?img_url
9. "Cathédrale engloutie"
- "Pelléas et Mélisande"
- Monet K. http://yandex.ru/images/search?viewport
- Debussy http://yandex.ru/images/search?text
- Debussy http://yandex.ru/images/search?img_url=http%3A%2F%2Fria.ru
Introduction 1 Origine2 Caractéristiques de style3 représentantsBibliographie
Introduction
Impressionnisme musical (fr. impressionnisme, du fr. impression- impression) est un mouvement musical proche de l'impressionnisme en peinture et parallèle au symbolisme en littérature, qui s'est développé en France dans le dernier quart du XIXe siècle - début du XXe siècle, principalement dans les œuvres d'Erik Satie, Claude Debussy et Maurice Ravel.
Le point de départ de « l’impressionnisme » en musique peut être considéré comme 1886-1887, lorsque les premières œuvres impressionnistes d’Erik Satie furent publiées à Paris. ("Sylvia", "Anges" et "Trois Sarabandes")- et ainsi, cinq ans plus tard, les premières œuvres de Claude Debussy dans le nouveau style trouvent une résonance dans le milieu professionnel (notamment L'Après-midi d'un faune).
1. Origine
L'impressionnisme musical a d'abord pour prédécesseur l'impressionnisme de la peinture française. Ils ont non seulement des racines communes, mais aussi des relations de cause à effet. Et le principal impressionniste de la musique, Claude Debussy, et surtout Erik Satie, son ami et prédécesseur sur cette voie, et Maurice Ravel, qui a pris le relais du leadership de Debussy, a cherché et trouvé non seulement des analogies, mais aussi des moyens d'expression dans les œuvres de Claude Monet, Paul Cézanne, Puvis de Chavannes et Henri de Toulouse-Lautrec.
Le terme « impressionnisme » lui-même en ce qui concerne la musique est de nature catégoriquement conditionnelle et spéculative (en particulier, Claude Debussy lui-même s'y est opposé à plusieurs reprises, sans toutefois offrir quoi que ce soit de précis en retour). Il est clair que les moyens de peinture, associés à la vision, et les moyens de l'art musical, basés principalement sur l'audition, ne peuvent être connectés les uns aux autres qu'à l'aide de parallèles associatifs spéciaux et subtils qui n'existent que dans l'esprit. En termes simples, l'image floue de Paris « sous la pluie d'automne » et les mêmes sons, « étouffés par le bruit des gouttes qui tombent » ont déjà en eux-mêmes la propriété d'une image artistique, mais pas un véritable mécanisme. Les analogies directes entre les moyens de la peinture et la musique ne sont possibles que grâce à la personnalité du compositeur qui a été personnellement influencé par des artistes ou par leurs peintures. Si un artiste ou un compositeur nie ou ne reconnaît pas de tels liens, en parler devient pour le moins difficile. Cependant, devant nous, en tant qu'artefact important, se trouvent des confessions et, (Ce qui compte le plus) les œuvres elles-mêmes des personnages principaux de l'impressionnisme musical. C'est Erik Satie qui a exprimé cette idée plus clairement que d'autres, soulignant sans cesse dans son travail combien il doit aux artistes. Il a attiré Debussy par l'originalité de sa pensée, son caractère indépendant, brutal et son esprit caustique, qui n'a absolument épargné aucune autorité.
Mais si Satie tire son impressionnisme transparent et avare de la peinture symbolique de Puvis de Chavannes, alors Debussy (à travers le même Satie) subit l'influence créatrice d'impressionnistes plus radicaux, Claude Monet et Camille Pissarro.
Il suffit d'énumérer les noms des œuvres les plus marquantes de Debussy ou de Ravel pour avoir une idée complète de l'impact sur leur œuvre tant des images visuelles que des paysages des artistes impressionnistes. Ainsi, au cours des dix premières années, Debussy écrit « Nuages », « Estampes » (dont le plus figuratif, une esquisse sonore à l'aquarelle - « Jardins sous la pluie »), « Images » (dont le premier, l'un des chefs-d'œuvre de l'impressionnisme au piano, « Reflets sur l'eau » ", évoque des associations directes avec le célèbre tableau de Claude Monet "Impression : lever du soleil")… Selon la célèbre expression de Mallarmé, les compositeurs impressionnistes étudiaient "entendre la lumière", traduisent par des sons le mouvement de l'eau, la vibration des feuilles, le souffle du vent et la réfraction de la lumière du soleil dans l'air du soir. La suite symphonique « La mer de l’aube à midi » résume convenablement les esquisses paysagères de Debussy.
Malgré son opposition personnelle souvent médiatisée au terme « impressionnisme », Claude Debussy s'est exprimé à plusieurs reprises comme un véritable artiste impressionniste. Ainsi, parlant de la première de ses célèbres œuvres orchestrales, « Nocturnes », Debussy a admis que l'idée de la première d'entre elles (« Nuages ») lui est venue à l'esprit un de ces jours nuageux, alors qu'il regardait la Seine depuis le Pont de la Concorde... Eh bien, à propos du cortège de la deuxième partie (« Célébrations »), cette idée est née chez Debussy : « ... en contemplant le détachement équestre de soldats de la Garde Républicaine passant au loin, dont les casques scintillaient sous les rayons du soleil couchant... dans des nuages de poussière dorée. De même, les œuvres de Maurice Ravel peuvent constituer une sorte de preuve matérielle des liens directs entre la peinture et la musique qui existaient au sein du mouvement impressionniste. Le célèbre son-visuel "Play of Water", le cycle de pièces "Reflections", le recueil de piano "Rustles of the Night" - cette liste est loin d'être complète et elle peut être continuée. Sati, comme toujours, se démarque quelque peu ; l’une des œuvres que l’on peut citer à cet égard est peut-être « Le Prélude héroïque aux portes du ciel ».
Le monde environnant dans la musique de l'impressionnisme se révèle à la loupe de subtiles réflexions psychologiques, de subtiles sensations nées de la contemplation de changements mineurs se produisant autour. Ces caractéristiques rendent l'impressionnisme similaire à un autre mouvement artistique qui existait en parallèle : le symbolisme littéraire. Erik Satie fut le premier à se tourner vers les œuvres de Josephin Peladan. Un peu plus tard, l'œuvre de Verlaine, Mallarmé, Louis et surtout Maeterlinck trouve une application directe dans la musique de Debussy, Ravel et de certains de leurs successeurs.
Malgré toute la nouveauté évidente du langage musical, l'impressionnisme recrée souvent certaines techniques d'expression caractéristiques de l'art des temps antérieurs, notamment la musique des clavecinistes français du XVIIIe siècle, l'époque rococo. Il suffirait de rappeler les célèbres pièces visuelles de Couperin et de Rameau comme « Les Petits Moulins » ou « La Poule ».
Dans les années 1880, avant de rencontrer Erik Satie et son œuvre, Debussy était fasciné par l'œuvre de Richard Wagner et était complètement dans le sillage de son esthétique musicale. Après sa rencontre avec Satie et dès la création de ses premiers opus impressionnistes, Debussy passa avec une acuité surprenante à la position de l'anti-wagnérisme militant. Cette transition fut si soudaine et si brutale que l'un des amis proches (et biographe) de Debussy, le célèbre musicologue Emile Vuillermeau, a directement exprimé votre perplexité :
« L'anti-wagnérisme de Debussy est dépourvu de grandeur et de noblesse. Il est impossible de comprendre comment un jeune musicien, dont toute la jeunesse a été enivrée par l'ivresse de « Tristan » et qui, dans l'évolution de son langage, dans la découverte d'une mélodie sans fin, doit sans doute tant à cette partition novatrice, avec mépris ridiculise le génie qui lui a tant donné !
Dans le même temps, Vuillermeau, lié intérieurement par une relation d'hostilité et d'inimitié personnelle avec Erik Satie, ne l'a pas spécifiquement mentionné et l'a présenté comme un chaînon manquant dans la création d'un tableau complet. En effet, l'art français de la fin du XIXe siècle, écrasé par les drames musicaux wagnériens, s'est affirmé à travers l'impressionnisme. Pendant longtemps, c’est précisément cette circonstance (et le nationalisme croissant entre les trois guerres avec l’Allemagne) qui nous a empêché de parler de l’influence directe du style et de l’esthétique de Richard Wagner sur l’impressionnisme. Le premier à soulever cette question fut peut-être le célèbre compositeur français issu du cercle de César Franck, Vincent d’Indy, contemporain et ami de Debussy. Dans son célèbre ouvrage « Richard Wagner et son influence sur l'art musical en France », dix ans après la mort de Debussy, il exprime son opinion sous une forme catégorique :
« L'art de Debussy est sans doute issu de l'art de l'auteur de Tristan ; elle repose sur les mêmes principes, s'appuie sur les mêmes éléments et méthodes de construction de l'ensemble. La seule différence est que Debussy interprète les principes dramatiques de Wagner..., pour ainsi dire, à la française».
Dans le domaine du pittoresque coloré et oriental, de la fantaisie et de l'exotisme (intérêt pour l'Espagne et les pays de l'Est), les impressionnistes n'étaient pas non plus des pionniers. Ils perpétuent ici les traditions les plus vibrantes du romantisme français, en la personne de Georges Bizet, d'Emmanuel Chabrier et des partitions colorées de Léo Delibes, à la fois (comme les vrais impressionnistes) abandonner les intrigues dramatiques aiguës et les thèmes sociaux.
Le travail des représentants les plus éminents de la « Grande Poignée » a également eu une forte influence sur le travail de Debussy et Ravel : Moussorgski (en termes de langage musical et de moyens d'expression), ainsi que Borodine et Rimski-Korsakov (tous deux en termes de de délices harmoniques et orchestraux). Cela était particulièrement vrai pour les œuvres exotiques et orientales. Les « Danses polovtsiennes » de Borodine et « Schéhérazade » de Rimski-Korsakov sont devenues les principaux « agents d'influence » des jeunes Claude Debussy et Maurice Ravel. Tous deux furent également émerveillés par la singularité des mélodies, l'audace du langage harmonique et la splendeur orientale de l'écriture orchestrale. Pour l’oreille occidentale, élevée pendant des siècles dans la stérile harmonisation allemande, c’est l’orientalisme de Borodine et de Rimski-Korsakov qui est devenu la partie la plus intéressante et la plus impressionnante de leur héritage. Et le « Boris Godounov » de Moussorgski de longues années est devenu le deuxième opéra de table de Debussy après Tristan. C’est précisément de cette propriété du style des deux « grands impressionnistes » qu’Erik Satie, qui a échappé à l’influence du « grand Modeste », comme toujours, a justement parlé : «...ils jouent en français, mais avec une pédale russe.»
2. Caractéristiques stylistiques
Les impressionnistes ont créé des œuvres d'art à la fois raffinées et claires dans leurs moyens d'expression, émotionnellement retenues, sans conflit et de style strict (pur). Dans le même temps, l’interprétation des genres musicaux a également beaucoup changé. Dans le domaine de la musique symphonique et pour piano, ont été créés principalement des miniatures à programme et des cycles de suites (un retour au rococo), dans lesquels prédominaient des éléments colorés de genre ou de paysage.
La coloration harmonique et timbrée des thèmes est devenue nettement plus riche. L'harmonie impressionniste se caractérise par une forte augmentation de la composante coloristique et autosuffisante du son. Ce développement s'est fait sous l'influence de nombreuses influences extérieures, parmi lesquelles : le folklore musical français et les nouveaux systèmes de construction musicale pour l'Europe occidentale à la fin du XIXe siècle, comme la musique russe, le chant grégorien, la polyphonie d'église du début de la Renaissance, la musique de l'Orient (précisément sous l'influence des impressions de l'Exposition universelle suivante de 1889 furent écrites les fameuses « Gnossiennes » de Satie), les spirituels noirs des États-Unis, etc. Cela se manifesta notamment dans l'utilisation de matières naturelles et modes artificiels, éléments d'harmonie modale, « mauvais » accords parallèles, etc.
L'instrumentation impressionniste se caractérise par une réduction de la taille de l'orchestre classique, la transparence et le contraste des timbres, la séparation des groupes d'instruments, une élaboration fine et détaillée de la texture et l'utilisation active des timbres purs des instruments solistes et des groupes homogènes entiers. la musique, la combinaison de timbres préférée de Satie et Debussy, presque symbolique de l'impressionnisme, est une harpe et une flûte.
3. Représentants
Le principal environnement d'émergence et d'existence de l'impressionnisme musical est toujours resté la France, où le rival constant de Claude Debussy était Maurice Ravel, qui après 1910 restait pratiquement le seul chef et leader des impressionnistes. Erik Satie, qui fut le pionnier de ce style, ne pouvait, en raison de sa nature, se lancer dans une pratique active du concert et, à partir de 1902, se déclara ouvertement non seulement contre l'impressionnisme, mais fonda également un certain nombre de nouveaux styles, non seulement seulement opposé, mais aussi hostile à lui. Il est intéressant de noter que dans cet état de choses, pendant encore dix à quinze ans, Satie est resté un ami proche, un ami et un adversaire à la fois de Debussy et de Ravel, occupant « officiellement » le poste de « Précurseur » ou fondateur de cette société. style musical. De même, Maurice Ravel, malgré des relations personnelles très complexes et parfois même ouvertement conflictuelles avec Erik Satie, ne se lasse pas d'insister sur le fait que sa rencontre était pour lui d'une importance décisive et souligne à plusieurs reprises combien il doit à Erik Satie dans son œuvre. Littéralement à chaque occasion, Ravel répétait cela à Satie lui-même « en face », ce qui surprenait grandement cet homme universellement reconnu. « le maladroit et brillant héraut des temps nouveaux ».
En 1913, Maurice Ravel « découvre » solennellement l’œuvre du compositeur français pratiquement inconnu Ernest Fanelli (1860-1917), élève de Delibes et accessoirement camarade de classe de Claude Debussy au conservatoire. Se trouvant dans une situation financière désastreuse, Fanelli fut contraint d'arrêter ses études au conservatoire plus tôt que prévu et travailla pendant vingt ans comme modeste accompagnateur et copiste de musique. Les « Impressions pastorales » inhabituellement colorées pour orchestre et les « Humoresques » exquises qu'il a créées en 1890 étaient cinq à sept ans en avance sur les expériences similaires de Debussy, cependant, avant la découverte de Ravel, elles n'étaient pas jouées et étaient pratiquement inconnues du grand public.
Les adeptes de l'impressionnisme musical de Debussy étaient des compositeurs français du début du XXe siècle - Florent Schmitt, Jean-Jules Roger-Ducas, André Caplet et bien d'autres. Le premier à ressentir le charme du nouveau style fut Ernest Chausson, ami de Debussy et qui, en 1893, fit la connaissance main dans la main des premières esquisses de « L'Après-midi d'un faune », interprétées par l'auteur sur le piano. Les dernières œuvres de Chausson portent clairement les traces de l'influence de l'impressionnisme naissant - et on ne peut que deviner à quoi auraient ressemblé les œuvres ultérieures de cet auteur s'il avait vécu au moins un peu plus longtemps. À la suite de Chausson, d'autres wagnéristes, membres du cercle de César Frank, furent influencés par les premières expériences impressionnistes. Ainsi, Gabriel Piernet, Guy Ropartz et même le wagnériste le plus orthodoxe Vincent d'Indy (le premier interprète de nombreuses œuvres orchestrales de Debussy) ont rendu pleinement hommage aux beautés de l'impressionnisme dans leur œuvre. Ainsi, Debussy (comme rétrospectivement) l'emportait toujours sur son ancienne idole - Wagner, dont il a lui-même surmonté avec tant de difficulté la puissante influence... Un maître aussi vénérable que Paul Dukas a connu la forte influence des premiers exemples de l'impressionnisme, et dans le période précédant la Première Guerre mondiale - Albert Roussel, déjà dans sa Deuxième Symphonie (1918), s'est éloigné des tendances impressionnistes dans son œuvre, au grand désappointement de ses fans.
Au tournant des XIXe et XXe siècles, certains éléments du style impressionniste ont été développés dans d'autres écoles de composition en Europe, étroitement liés aux traditions nationales. Parmi ces exemples, on peut citer les plus frappants : en Espagne - Manuel de Falla, en Italie - Ottorino Respighi, au Brésil - Heitor Villa-Lobos, en Hongrie - le premier Bela Bartok, en Angleterre - Frederick Delius, Cyril Scott, Ralph Vaughan - Williams, Arnold Bax et Gustav Holst, en Pologne - Karol Szymanowski, en Russie - le premier Igor Stravinsky - (de la période Firebird), le regretté Lyadov, Mikalojus Konstantinas Ciurlionis et Nikolai Tcherepnin.
En général, il faut reconnaître que la vie de ce style musical a été assez courte, même selon les normes du XXe siècle éphémère. Les premières traces d'un écart par rapport à l'esthétique de l'impressionnisme musical et du désir d'élargir les limites de ses formes inhérentes de pensée musicale se trouvent dans l'œuvre de Claude Debussy lui-même après 1910. Quant au pionnier du nouveau style, Erik Satie, avant tout le monde, après la création de Pelléas en 1902, il quitta définitivement les rangs croissants des partisans de l'impressionnisme, et dix ans plus tard il organisa la critique, l'opposition et l'opposition directe à cette tendance. . Au début des années 30 du 20e siècle, l'impressionnisme était déjà démodé et transformé en style historique et a complètement quitté l'arène de l'art contemporain, se dissolvant (en tant qu'éléments colorés individuels) dans le travail de maîtres de directions stylistiques complètement différentes (par exemple, des éléments individuels de l'impressionnisme peuvent être identifiés dans les œuvres d'Olivier Messiaen, Takemitsu Toru, Tristan Murai, etc.
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Compilé par M. Gérard et R. Chalus Ravel dans le miroir de ses lettres. - L. : Musique, 1988. - P. 220-221.
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L’art romantique a élevé l’idéal de l’individu, doté d’une âme vivante, souffrant dans un monde de discorde et de mal social. Dans la seconde moitié du XIXe siècle. « L’humanité excessive » et la « sensibilité hypertrophiée » (comme on l’a critiqué pour l’art romantique) commencent à perdre du terrain. L'image d'un artiste romantique perd peu à peu de son attrait. Les sentiments anti-romantiques sont le signe avant-coureur d'une nouvelle étape du développement culture artistique. Les Européens, ayant perdu confiance à la fois dans le culte de la raison humaine et dans le culte du sentiment humain, sont de plus en plus enclins à adopter des positions de vie individualistes.
L'art de l'impressionnisme est devenu le précurseur de nouvelles tendances culturelles.
Musique. La confrontation constante entre l'ancien et le nouveau est caractéristique non seulement de la peinture française, mais aussi de la musique, où l'impressionnisme s'est imposé avec un certain retard. Son premier et plus marquant représentant fut Claude Debussy (1862-1918). La musique de Debussy est étroitement liée aux traditions nationales et culturelles de la France. Cependant, le caractère hautement novateur de ses écrits est également évident. Le compositeur faisait partie de ceux qui ont introduit avec audace la modernité musique européenne intonations de modes médiévaux, rythmes de jazz afro-américain.
L’apogée de la créativité du compositeur coïncide avec le début du XXe siècle. Sa musique est remplie d'un sentiment jubilatoire de plénitude de la vie et d'effets colorés et brillants. Parmi les œuvres symphoniques de cette époque, on distingue la suite en trois parties « La Mer », mais les réalisations créatives du compositeur dans le domaine de la musique pour piano sont particulièrement remarquables.
Le cycle de 24 préludes écrits par Debussy en 1910-1913 peut être qualifié d’« encyclopédie » de l’art pianistique impressionniste. Chacune des pièces est une image colorée, comme si elle rivalisait avec la peinture. Cependant, pour être précis image musicale Debussy ne s'est pas efforcé. Pour lui, la couleur et la couleur n'étaient toujours qu'un moyen de transmettre des humeurs et des sentiments personnels nés sous l'impression d'une image particulière. Les associations musicales suggérées par la nature sont étonnamment diverses et inattendues (« Vent dans la plaine », « Voiles »). La « peinture » musicale de paysages côtoie de délicats « dessins » à l'aquarelle (« Fille aux cheveux de lin »). La mélancolie crépusculaire, rappelant la poésie du symbolisme, émane de « Brumes », « Pas dans la neige », « Feuilles mortes ». Parmi les préludes écrits sur la base de source littéraire, la « Cathédrale engloutie » se démarque. La pièce est née sous l'impression d'une légende bretonne sur une ville engloutie par la mer, mais s'élevant à l'aube du gouffre au son des cloches. Dans cette ancienne légende, le compositeur n'était pas attiré par le mysticisme ou le romantisme de l'Antiquité, mais par la possibilité de « peindre » avec des sons. une image pittoresque de l'aube qui approche, dans le silence de laquelle se répand soudain cloche qui sonne, venu des profondeurs de la mer, d’où surgit soudain l’essentiel de la ville.
Continuateur des traditions debussy, le plus grand compositeur impressionniste fut Maurice Ravel (1875-1937). L'une des meilleures compositions de cette époque est la pièce pour piano « Le jeu de l'eau » (1901). Dans la musique, vous pouvez entendre les teintes murmurantes et les éclaboussures des ruisseaux dans lesquels se reflète la lumière de l'arc-en-ciel. Les images et associations inspirées par les sons sont confirmées par l’épigraphe que Ravel préface à la pièce : « Le dieu du fleuve se moque de l’eau qui le chatouille ».
« Boléro » a été écrit en 1928 sur ordre de la célèbre ballerine Ida Rubinstein. Cependant, la vie de la composition en tant que numéro chorégraphique fut de très courte durée. Ida Rubinstein a dansé « Boléro » en costume de gitane sur une table, faisant le bonheur du public parisien blasé par l'extravagance du numéro. Il était évident qu’une telle interprétation ne correspondait pas à l’échelle d’une musique brillante. Plus tard, « Bolero » a acquis une énorme popularité, principalement en tant qu'œuvre symphonique indépendante, saturée d'éléments de danse, brillante, passionnée et dynamique en espagnol. « Boléro » est un exemple rare d'un grand concept musical, incarné sur la base d'un (!) thème « espagnol », composé par Ravel lui-même. Grâce à une visualisation orchestrale exceptionnelle, le compositeur a réussi à atteindre une tension colossale dans le développement de cette image, dirigée vers un climax jubilatoire.
Claude Debussy
Claude Debussy (Français Achille-Claude Debussy) (22 août 1862, Saint-Germain-en-Laye près de Paris - 25 mars 1918, Paris) - compositeur français.
Il compose dans un style souvent appelé impressionnisme, terme qu’il n’a jamais aimé. Debussy était non seulement l'un des compositeurs français les plus importants, mais aussi l'une des figures les plus marquantes de la musique au tournant des XIXe et XXe siècles ; sa musique représente une forme de transition entre la musique romantique tardive et le modernisme dans la musique du XXe siècle. Décédé d'un cancer du côlon.
Debussy - compositeur, pianiste, chef d'orchestre, critique musical français. Il est diplômé du Conservatoire de Paris (1884) et reçoit le Prix de Rome. Elève de A. Marmontel (piano), E. Guiraud (composition). En tant que pianiste domestique du philanthrope russe N. F. von Meck, il l'accompagna dans ses voyages à travers l'Europe et visita la Russie en 1881 et 1882. Il se produit comme chef d'orchestre (en 1913 à Moscou et à Saint-Pétersbourg) et comme pianiste, interprétant principalement ses propres œuvres, ainsi que comme critique musical (depuis 1901).
Debussy est le fondateur de l'impressionnisme musical. Dans son œuvre, il s'appuie sur les traditions musicales françaises : la musique des clavecinistes français (F. Couperin, J. F. Rameau), l'opéra lyrique et la romance (C. Gounod, J. Massenet). L'influence de la musique russe (M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov), ainsi que de la poésie symboliste française et de la peinture impressionniste, a été significative. D. incarnait des impressions éphémères et des nuances subtiles dans la musique émotions humaines et les phénomènes naturels. Les contemporains considéraient le « Prélude à » orchestral comme une sorte de manifeste de l'impressionnisme musical. Repos de l'après-midi faune" (basé sur l'églogue de S. Mallarmé, 1894), dans lequel se manifestaient l'instabilité des humeurs, la sophistication, la sophistication, la mélodie fantaisiste et l'harmonie colorée caractéristiques de la musique de D.. L'une des créations les plus significatives de D. . est l'opéra « Pelléas et Mélisande » (d'après le drame de M. Maeterlinck (1902), dans lequel une fusion complète de la musique et de l'action est réalisée. D. recrée l'essence d'un texte poétique peu clair et symboliquement brumeux. Cette œuvre, avec une coloration impressionniste générale et une sous-estimation symboliste, se caractérise par un psychologisme subtil et une émotivité vive dans l'expression des sentiments des personnages. Des échos de cette œuvre se retrouvent dans les opéras de G. Puccini, B. Bartok, F. Poulenc, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev. L'éclat et en même temps la transparence de la palette orchestrale sont marqués par 3 esquisses symphoniques "La Mer" (1905) - la plus grande œuvre symphonique de D. Le compositeur a enrichi les moyens d'expression musicale, orchestrale et palette de piano.Il a créé une composition mélodique impressionniste, caractérisée par la flexibilité des nuances et en même temps le flou.
Dans certaines œuvres - "Suite Bergamas" pour piano (1890), musique du mystère "Le Martyre de Saint-Sébastien" de G. D. Annunzio (1911), le ballet "Jeux" (1912), etc. - apparaissent plus tard des caractéristiques inhérentes au néoclassicisme, ils démontrent les recherches ultérieures de Debussy dans le domaine des couleurs de timbre, des comparaisons coloristiques. D. crée un nouveau style pianistique (études, préludes). Ses 24 préludes pour piano (1er cahier - 1910, 2e - 1913), dotés de titres poétiques (« Danseuses delphiques », « Les sons et les arômes flottent dans l'air du soir », « Fille aux cheveux de lin », etc.), créent des images de paysages doux, parfois irréels, imitent le plastique mouvements de danse, évoquent des visions poétiques et des peintures de genre. L’œuvre de Debussy, l’un des plus grands maîtres du XXe siècle, a eu une influence considérable sur les compositeurs de nombreux pays.
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Date de création de la page : 20/08/2016
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