Les artistes français sont les plus grands noms culture mondiale. Ce sont d’ailleurs les maîtres français qui ont battu tous les records de prix des œuvres d’art lors des meilleures ventes aux enchères. C’est dommage que leurs auteurs n’aient reçu qu’une renommée posthume, mais telles sont les vicissitudes du sort de nombreux créateurs de beauté.

Artistes de France : le phénomène de l'impressionnisme français

Ainsi, les plus chers vendus, et donc les plus célèbres et reconnus dans le monde, furent les artistes français du XXe siècle. Même les personnes totalement inexpérimentées en beaux-arts connaissent leurs noms. Ce sont tout d’abord des artistes impressionnistes. La France leur fut hostile de leur vivant, mais après leur mort, ils devinrent une véritable fierté nationale.

Les plus grands artistes de France ayant reçu reconnaissance mondiale, la renommée et la renommée dans de larges cercles, - Ce Pierre Renoir, Édouard Manet, ‎Edgar Degas, Paul Cézanne, Claude Monet Et Paul Gauguin. Tous sont des représentants du mouvement le plus célèbre et le plus vendu de la peinture du XXe siècle : l’impressionnisme. Il va sans dire que ce mouvement est né en France et qu'il révèle pleinement sa place et son importance dans l'histoire de l'art mondial. Combinaison étonnante technologie originale et une grande expressivité émotionnelle ont fasciné et continuent de fasciner les connaisseurs de la beauté du monde entier dans l'impressionnisme.

Artistes de France : la formation de la peinture française

Mais les artistes français ne se limitent pas à l’impressionnisme. Comme ailleurs en Europe, la peinture ici s'épanouit à la Renaissance. Certes, la France ne peut pas se vanter de compter des géants comme Léonard de Vinci ou Raphaël, mais elle a quand même apporté sa contribution à la cause commune. Mais les influences italiennes étaient trop fortes pour la formation d'une école nationale originale.

Le premier grand artiste français à s'être complètement affranchi des influences extérieures fut Jacques Louis David, considéré à juste titre comme le fondateur de la tradition picturale nationale. Le tableau le plus célèbre de l’artiste est le célèbre portrait équestre de l’empereur Napoléon intitulé « Napoléon au col Saint-Bernard » (1801).

Les artistes français du XIXe siècle travaillant dans un sens réaliste sont bien sûr moins célèbres que les impressionnistes, mais ils ont néanmoins apporté une contribution significative au développement de la peinture mondiale. Mais le XXe siècle est devenu un triomphe de l'art français et Paris est devenue le centre des muses. Le célèbre quartier de Montmartre, la capitale française, qui a abrité des dizaines d'artistes pauvres qui sont ensuite devenus une partie du fonds d'or du patrimoine de l'humanité, dont les noms Renoir, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, et Picasso Et Modigliani, est devenue un centre des beaux-arts et attire toujours des foules de touristes. Artistes célèbres Les Français modernes vivent aussi traditionnellement à Montmartre.

L'artiste français Laurent Botella est né à Nantes en 1974. Ses études de peinture débutent en 1989 à l'atelier Maithe Rovino à Osson, suivies d'une année aux Beaux Arts de Toulouse. La formation était axée sur peinture à l'huile et pastels. Cependant, les peintures au fusain et au crayon ont toujours été la base de son travail avant et après ses études.

Paysages. Alain Lutz

Alain Lutz est un paysagiste français contemporain, né en mai 1953 à Mulhouse, France. Remarquant son talent artistique incontestable, ses parents, à l'âge de treize ans, lui offrent son premier Peinture à l'huile. Il étudie un temps à l'école de design Boulle à Paris, mais finit par étudier pour devenir designer industriel et, après avoir obtenu son diplôme, trouve un emploi de technicien supérieur.

Autoportrait. Laurent Dauptain

Laurent Dauptain, artiste français de talent, a étudié dans une école d'art à Paris, a obtenu son diplôme en 1981, puis a poursuivi ses études à l'école art décoratif Là, à Paris, il obtient en 1983 une licence et en 1984 une maîtrise en peinture. Après plusieurs années de travail avec des autoportraits, j'ai décidé de m'essayer à d'autres genres, mais je suis quand même revenu aux portraits de temps en temps.

Style naïf. Michel Delacroix

Michel Delacroix est né en 1933 sur la rive gauche de la Seine, dans le 14e arrondissement de Paris. Il a commencé à dessiner jeune âge D'aussi loin qu'il se souvienne, il n'avait pas encore sept ans ; son amour pour le dessin a commencé pendant l'occupation allemande de Paris. Paris est resté Paris, même pendant l'Occupation, et il apparaît encore aujourd'hui dans les tableaux de Delacroix. Presque toutes ses peintures représentent des piétons, des voitures rares et lampadaires, la ville sur eux, comme à cette époque, semble calme et calme, comme isolée de l'agitation et du bruit.

Une façon de se retrouver. Pascale Taurua

Pascale Taurua est née en 1960 à Nouméa en Nouvelle-Calédonie. Diplômé académie des beaux-artsà Papeete, Tahiti. Elle a peint son premier tableau en 1996 et a depuis commencé à peindre à plein temps, mettant en valeur son propre style figuratif. Elle a exposé ses œuvres dans presque tous les pays de la région du Pacifique, où ses peintures sont extrêmement demandées et font partie de nombreuses collections d'art privées.

Ministres monstres. Anthony Squizzato

L'artiste et illustrateur français contemporain Anthony Squizzato nous invite à la détente et au voyage vers une rencontre officielle avec les personnages du monde qu'il a créé, où le spectateur pourra rencontrer personnellement les héros de ses œuvres - les personnages hauts en couleur de l'un des le plus grand (en termes de taille et de nombre de participants) ) de l'histoire du cabinet des ministres.

Femme avec un chat. 1875

Peintre, graphiste et sculpteur français, l'un des principaux représentants de l'impressionnisme. Renoir est avant tout connu comme un maître du portrait profane, non dénué de sentimentalité ; il fut le premier des impressionnistes à connaître le succès auprès des riches Parisiens. Au milieu des années 1880. il rompt effectivement avec l'impressionnisme, revenant à la linéarité du classicisme, à l'engrisme.

Autoportrait. 1876

Auguste Renoir est né le 25 février 1841 à Limoges, ville située dans le centre-sud de la France. Renoir était le sixième enfant d'un pauvre tailleur nommé Léonard et de sa femme Marguerite.

Portrait de la mère de Renoir. 1860

En 1844, les Renoir s'installent à Paris, et c'est ici qu'Auguste entre dans le chœur de l'église de grande cathédrale Saint-Eustache. Il avait une telle voix que le chef de chœur, Charles Gounod, tenta de convaincre les parents du garçon de l’envoyer étudier la musique. Cependant, en plus de cela, Auguste montra un don d'artiste et, à l'âge de 13 ans, il commença à aider la famille en trouvant un emploi chez un maître, auprès duquel il apprit à peindre des assiettes en porcelaine et d'autres plats. Le soir, Auguste fréquente une école de peinture.

Danse à Bougival. 1883

En 1865, chez son ami l'artiste Jules Le Cœur, il rencontre une jeune fille de 16 ans, Lisa Treo, qui deviendra bientôt l'amante de Renoir et son modèle préféré. En 1870, leur fille Jeanne Marguerite naît, même si Renoir refuse de reconnaître officiellement sa paternité. Leur relation se poursuivit jusqu'en 1872, lorsque Lisa quitta Renoir et épousa quelqu'un d'autre.

Autoportrait. 1875

La carrière créative de Renoir fut interrompue en 1870-1871, lorsqu'il fut enrôlé dans l'armée pendant la guerre franco-prussienne, qui se solda par une défaite écrasante pour la France.

Danser dans zones rurales. 1883

Le portrait d'Aline Charigot, l'épouse de Renoir, a probablement été peint alors que la famille se trouvait à la campagne dans l'est de la France. 1885

En 1890, Renoir épouse Alina Charigot, qu'il a rencontrée dix ans plus tôt, alors qu'elle était couturière de 21 ans.

Maternité. 1886

Ils avaient déjà un fils, Pierre, né en 1885, et après leur mariage, ils eurent deux autres fils - Jean, né en 1894, et Claude (dit "Coco"), né en 1901 et qui devint l'un des modèles les plus appréciés. père.

Jean Renoir peint. 1901

Au moment où sa famille se forme enfin, Renoir connaît le succès et la renommée, est reconnu comme l'un des principaux artistes de France et parvient à recevoir de l'État le titre de chevalier de la Légion d'honneur.

La famille de l'artiste. 1896

Le bonheur personnel et la réussite professionnelle de Renoir ont été éclipsés par la maladie. En 1897, Renoir se casse le bras droit après une chute de vélo. En conséquence, il a développé des rhumatismes dont il a souffert pour le reste de sa vie. Les rhumatismes rendaient difficile la vie de Renoir à Paris et, en 1903, la famille Renoir s'installa dans un domaine appelé « Colette » dans la petite ville de Cagnes-sur-Mer.

Autoportrait. 1899

Après une crise de paralysie survenue en 1912, malgré deux opérations chirurgicales, Renoir était enchaîné à fauteuil roulant Cependant, il continuait à écrire avec un pinceau que l'infirmière lui plaçait entre les doigts.

Auguste Renoir. Autoportrait.1910

DANS dernières années De son vivant, Renoir a acquis une renommée et une reconnaissance universelle. En 1917, lorsque ses Parapluies furent exposés à la National Gallery de Londres, des centaines d’artistes et d’amateurs d’art britanniques lui envoyèrent leurs félicitations en disant : « À partir du moment où votre tableau a été accroché aux côtés des œuvres des maîtres anciens, nous avons éprouvé la joie que notre contemporain a pris la place qui lui revient dans Peinture européenne».

Parapluies. 1883

Le tableau de Renoir est également exposé au Louvre et, en août 1919, l'artiste dernière fois visité Paris pour la voir.

Autoportrait. 1910

Le 3 décembre 1919, Pierre Auguste Renoir décède à Cagnes-sur-Mer des suites d'une pneumonie à l'âge de 78 ans. Il a été enterré dans l'Essois.

Bouquet de printemps. 1866

Création

Sélection de genres 1862-1873

Début 1862, Renoir réussit les examens de l'École des Beaux-Arts de l'Académie des Beaux-Arts et s'inscrit dans l'atelier de Gleyre. Il y rencontre Fantin-Latour, Sisley, Basile et Claude Monet. Bientôt, ils se lièrent d'amitié avec Cézanne et Pizarro, et c'est ainsi que le noyau s'est formé. futur groupe impressionnistes.

Camille Monet. 1873

DANS premières années Renoir a été influencé par les œuvres des Barbizon, Corot, Prudhon, Delacroix et Courbet.

Été 1868

En 1864, Gleyre ferme son atelier et ses études prennent fin. Renoir commence à peindre ses premières toiles puis présente pour la première fois au Salon le tableau « Esmeralda dansant parmi les clochards ». Elle fut acceptée, mais lorsque la toile lui fut restituée, l'auteur la détruisit.

Portrait des Sisley. 1868

Pataugeoire. 1869

Ayant choisi des genres pour ses œuvres au cours de ces années, il ne les changea qu'à la fin de sa vie. Il s'agit d'un paysage - "Jules le Coeur dans la forêt de Fontainebleau" (1866), scènes de tous les jours- « Splash Pool » (1869), « Pont Neuf » (1872), nature morte - « Bouquet de printemps » (1866), « Nature morte au bouquet et à l'éventail » (1871), portrait - « Lisa au parapluie » (1867), « Odalisque » " (1870), nu - " Diane chasseresse " (1867).

Odalisque. 1870

Nature morte au bouquet et à l'éventail. 1871

En 1872, Renoir et ses amis créent la Société Coopérative Anonyme.

Mademoiselle Sicot. 1865

Madame Clémentine Valensi Stora. 1870

Camille Monet. 1872

Madame Édouard Bernier. 1871

Femme avec un perroquet. 1871

Rafa Mater.1871

Parapluie inutile. 1872

Direction le Bois de Boulogne. 1873

La lutte pour la reconnaissance 1874-1882

La première exposition du partenariat s'est ouverte le 15 avril 1874. Renoir présente des pastels et six tableaux, dont « Danseuse » et « Loge » (tous deux datant de 1874). L'exposition s'est soldée par un échec et les membres du partenariat ont reçu un surnom insultant : « Impressionnistes ».

Loge. 1874

Le tableau représente une femme (au premier plan) et un homme (au fond) assis dans une boîte. Opéra. Le frère de Renoir, le journaliste Edmond Renoir et le mannequin montmartrois Nini Lopez ont posé pour ce tableau.

Femme souriante. Portrait de Madame Pecchi. 1875

Poissonnière. 1875

Madame Victor Choquet. 1875

Malgré la pauvreté, c'est durant ces années que l'artiste réalise ses principaux chefs-d'œuvre : « Les Grands Boulevards » (1875), « Promenade » (1875), « Bal au Moulin de la Galette » (1876), « Nu » (1876) , « Nu » V lumière du soleil» (1876), « Swing » (1876), « Premier départ » (1876/1877), « Chemin dans les hautes herbes » (1877).

Bal au Moulin de la Galette. 1876

Balançoire. 1876

Portrait de Madame Alphonse Daudet. 1876

Nu. 1876

Jeune femme tressant ses cheveux. 1876

Renoir cesse progressivement de participer aux expositions impressionnistes. En 1879, il présente au Salon les figures complètes « Portrait de l'actrice Jeanne Samary » (1878) et « Portrait de Madame Charpentier avec enfants » (1878) et réalise reconnaissance universelle, et après cette indépendance financière. Il continue à peindre de nouvelles toiles - notamment le désormais célèbre Boulevard de Clichy (1880), Le Déjeuner des rameurs (1881) et Sur la terrasse (1881).

Jeune fille lisant un livre. 1876

Portrait de Madame Charpentier. 1877

Portrait de l'actrice Zhanna Samari. 1877

Portrait de l'actrice Zhanna Samari. 1878

Tasse de chocolat. 1878

En toute confiance.1878

Portrait d'Alfonsine Pechi. 1879

Déjeuner des rameurs au bord de la rivière. 1879

Une jeune femme cousant. 1879

Portrait de Thérèse Bérard. 1879

Près du lac. 1880

Petit-déjeuner des rameurs. 1881

Le tableau a été peint dans le restaurant Fournaise, situé sur une île de la Seine, à Chatou, un peu à l'ouest de Paris. Renoir aimait cet endroit - non seulement "Le Déjeuner des Rameurs" a été peint ici, mais aussi quelques autres tableaux. En fait, le tableau est un portrait de groupe d’une réunion d’amis. Une ambiance joyeuse et détendue règne, il n'y a pas de faste, tout le monde est dans des poses naturelles et décontractées. Derrière les grilles, on aperçoit une verdure dense, derrière laquelle on aperçoit la Seine.Dans le tableau, Renoir a représenté plusieurs de ses amis et connaissances.

Deux sœurs (Sur la terrasse). 1881

Albert Caen, compositeur d'opéra français.1881

Fille avec un éventail. 1881

Des filles en noir. 1881

Portrait d'Alfred Bérard avec son chien. 1881

Marie-Thérèse Durand-Ruel couture. 1882

"Période Ingres" 1883-1890

Renoir visite l'Algérie, puis l'Italie, où il se familiarise avec les œuvres des classiques de la Renaissance, après quoi son goût artistique change. Renoir a peint une série de tableaux « Danse à la campagne » (1882/1883), « Danse dans la ville » (1883), « Danse à Bougival » (1883), ainsi que des tableaux tels que « Dans le jardin » (1885). ) et « Parapluies » (1881/1886), où le passé impressionniste est encore visible, mais où se révèle la nouvelle approche de la peinture de Renoir.

Fille avec un chapeau de paille. 1884

S’ouvre ce qu’on appelle la « période Ingres ». La plupart œuvre célèbre de cette période - « Grands Baigneurs » (1884/1887). Pour la première fois, l’auteur a utilisé des croquis et des esquisses pour construire la composition. Les lignes du dessin sont devenues claires et définies. Les couleurs ont perdu leur luminosité et leur saturation d'antan, le tableau dans son ensemble a commencé à paraître plus sobre et plus froid.

De gros baigneurs. 1884-1887.

Au premier plan se trouvent trois femmes nues : deux sont sur le rivage et la troisième se tient dans l'eau, apparemment sur le point de les éclabousser. Les figures des femmes sont dessinées de manière très claire et réaliste, ce qui était style caractéristique pour cette période de l’œuvre de Renoir, appelée période « sèche » ou « Ingres » (du nom de l’artiste Dominique Ingres).

Ceux qui ont posé pour le tableau de Renoir étaient (de gauche à droite) Alina Sharigo, future femme Renoir (en 1885 naît leur premier fils, Pierre, et le mariage est officiellement conclu en 1890) et Suzanne Valadon (de son vrai nom Marie-Clémentine Valadon), qui deviendra plus tard une artiste célèbre.

Renoir a travaillé sur ce tableau pendant environ trois ans, et en cours de travail j'ai dessiné un grand nombre de croquis et croquis, dont au moins deux versions multi-figures grandeur nature. Après « Les Grands Baigneurs », il n'y a pas eu un seul tableau auquel il ait consacré autant de temps et d'efforts.

Directement au bord de la mer. 1883

Dansez en ville. 1883

Des jeunes filles jouant au badminton. 1885

Portrait de Suzanne Valadon. 1885

Une jeune fille qui lit. 1886

Coiffure. 1888

Jeune fille aux marguerites. 1889

Madame de Vernon. 1889

Fille au chapeau rose et noir. 1890

"Période Nacre" 1891-1902

En 1892, Durand-Ruel ouvre une grande exposition de peintures de Renoir, qui se tient du grand succès. La reconnaissance est également venue des autorités gouvernementales : le tableau « Les filles au piano » (1892) a été acheté pour le Musée du Luxembourg.

Les filles au piano. 1892
Le tableau représente deux jeunes filles : l'une est assise au piano et l'autre se tient à côté d'elle. Les deux filles regardent les notes avec attention et enthousiasme, sélectionnant apparemment une sorte de mélodie. Une image aussi calme et idyllique était un symbole de la culture bourgeoise française de cette époque.

Femme au chapeau. 1891

Les filles lisent. 1891

Christina Lerolle brode. 1895

Jouer de la guitare. 1897

Renoir se rend en Espagne, où il découvre les œuvres de Velazquez et de Goya.
Au début des années 90, de nouveaux changements s'opèrent dans l'art de Renoir. Une irisation de couleur apparaît à la manière picturale, c’est pourquoi cette période est parfois appelée « nacre ».
A cette époque, Renoir peint des tableaux tels que « Pommes et fleurs » (1895/1896), « Printemps » (1897), « Fils Jean » (1900), « Portrait de Madame Gaston Bernheim » (1901). Il voyage aux Pays-Bas, où il s'intéresse aux peintures de Vermeer et de Rembrandt.

Madame Paule Gallimard est née Lucie Duce. 1892

Filles regardant un album. 1892

Fille se peignant les cheveux. 1894

Femme au blush rouge. 1896

Trois baigneurs avec un crabe. 1897

Portrait de Christina Lerolle.1897

Jeune femme espagnole jouant de la guitare. 1898

Yvonne et Christine au piano. 1898

"Période rouge" 1903-1919

La période « perle » a cédé la place à la période « rouge », ainsi nommée en raison de la préférence pour les nuances de fleurs rougeâtres et roses.
Renoir écrivait encore paysages ensoleillés, natures mortes avec couleurs vives, portraits de ses enfants, femmes nues, réalisent « Une promenade » (1906), « Portrait d'Ambroise Vollard » (1908), « Gabriel à la blouse rouge » (1910), « Bouquet de roses » (1909/1913), "Femme à la mandoline" (1919).

Portrait de Marthe Denis. 1904

Prévenance. 1906

Portrait d'Ambroise Vollard. 1908

Ambroise Vollard est l'un des marchands d'art les plus importants de Paris de la fin du XIXe siècle au début du XIXe siècle. XX siècles Il a soutenu financièrement et moralement un grand nombre de personnalités célèbres et artistes inconnus, dont Cézanne, Maillol, Picasso, Rouault, Gauguin et van Gogh. Il était également connu comme collectionneur et éditeur.

Gabriel rassure. 1908

Dame avec un éventail. 1908

M. et Mme Bernheim de Villers. 1910

Laver. 1912

Femme aux fourneaux. 1912

Faits intéressants

Un ami proche d'Auguste Renoir était Henri Matisse, qui avait près de 28 ans de moins que lui. Lorsque A. Renoir était essentiellement alité pour cause de maladie, A. Matisse lui rendait visite tous les jours. Renoir, presque paralysé par l'arthrite, surmontant la douleur, continue à peindre dans son atelier. Un jour, constatant la douleur avec laquelle chaque coup de pinceau lui était donné, Matisse n'en pouvait plus et demandait : « Auguste, pourquoi ne quittes-tu pas la peinture, tu souffres tant ? Renoir se contente de répondre : « La douleur passe, mais la beauté reste. » Et c'est tout Renoir qui a travaillé jusqu'à son dernier souffle.

Détails Catégorie : Beaux-arts et architecture de la fin des XVIe-XVIIIe siècles Publié 27/04/2017 14:46 Vues : 3249

DANS début XVIII V. apparu en France un nouveau style– Rococo.

Traduit du français rococo (rocaille) signifie « coquille ». Le nom de ceci style artistique révèle son trait caractéristique - l'amour pour formes complexes, des lignes fantaisie rappelant la silhouette gracieuse d'un coquillage.
Le style rococo n'a pas duré longtemps (jusque vers les années 40), mais son influence sur culture européenne s'est avéré très fort.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. un nouvel élan d'intérêt pour culture ancienne. Cela était dû en partie aux fouilles de Pompéi, qui ont découvert monuments uniques art. D'autre part, cet intérêt a été promu par les idées des Lumières françaises : l'idéal de l'art et vie publique ils ont vu dans l'histoire et la culture La Grèce ancienne Et Rome antique. Ainsi, un nouveau style est apparu : le néoclassicisme. Ce n'était pas le cas dans tous les pays. Par exemple, en Italie, le style baroque existait simultanément avec le style rococo, tandis qu'en France, le baroque n'a pas connu beaucoup de développement. En Russie, le rococo et le néoclassicisme se complètent.
Au XVIIIe siècle les clients n'ont pas encore joué rôle principal dans le destin de l'artiste : le juge principal des œuvres d'art est devenu opinion publique. Des critiques d'art apparaissent : Denis Diderot, Jean-Jacques Rousseau et d'autres.
Un événement important vie artistique France 18ème siècle sont devenus des expositions publiques - Salons. Depuis 1667, ils étaient organisés chaque année par l'Académie royale de peinture et de sculpture de Paris avec le soutien de la cour royale. Le succès au Salon était une reconnaissance pour un peintre ou un sculpteur. Non seulement les Français cherchaient à participer aux Salons, mais Paris se transforma progressivement en un centre artistique paneuropéen.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Rosalba Carriera. Portrait d'Antoine Watteau (1721)
Antoine Watteau est un peintre français du premier tiers du XVIIIe siècle, fondateur du style rococo.
Il découvre dans la peinture la sphère des émotions subtiles, en phase avec le lyrisme du paysage.
A. Watteau est né en ville de province dans la famille d'un couvreur. Déjà dans ses premières années, son capacité artistique, et son père l'a mis en apprentissage chez un peintre local de talent mineur. Très vite, le mentor a cessé d'être utile au futur artiste. Antoine Watteau, contre la volonté de son père, quitte secrètement sa ville natale de Valenciennes et se rend à pied à Paris, où il est embauché dans un atelier de peinture sur le pont Notre-Dame, dont le propriétaire a organisé la production en série de copies bon marché de tableaux en « goût commun »pour les acheteurs en gros. Watteau a mécaniquement copié le même peintures populaires, et en temps libre tiré de la vie. Il était exceptionnellement travailleur.

Antoine Watteau "Le Capricieux" (vers 1718). Musée de l'Ermitage(Saint-Pétersbourg)
Bientôt Watteau trouve ses premiers mécènes - Pierre Mariette et son fils Jean, graveurs et collectionneurs, propriétaires d'une grande entreprise de vente de gravures et de peintures. Aux Mariettes, Watteau a l'occasion de se familiariser avec les œuvres de Rembrandt, Titien et Rubens. Par l'intermédiaire des Mariettes, Watteau devient l'élève de l'artiste Claude Gillot, maître décor de théâtre et créateur de petits tableaux. « De ce maître, Watteau n'a acquis qu'un goût pour le grotesque et le comique, ainsi qu'un goût pour le histoires modernes, auquel il se consacre par la suite. Et pourtant, il faut admettre qu'avec Gillot, Watteau s'est enfin compris et que depuis, les signes du talent à développer se sont précisés" (biographe de l'artiste Edme-François Gersin).

Antoine Watteau "Acteurs de la comédie française" (vers 1712). Musée de l'Ermitage (Saint-Pétersbourg)
A 33 ans, Watteau devient le peintre le plus populaire de Paris, ce qui contribue à sa renommée européenne.

Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Persienne (Paris)
C'est ainsi que M. Yu. Watteau parle de ce tableau. Allemand, chercheur éminent au Musée russe : « Gilles » n'a pratiquement pas d'analogue dans l'histoire de l'art. Peu de gens ont écrit des acteurs. De plus, personne n'a osé montrer l'acteur dans une inaction totale. Pour Watteau lui-même, c'était une démarche courageuse : peindre un personnage au milieu même de la toile, en remplissant la majeure partie d'une large robe qui cache complètement le corps du comédien, et dans les profondeurs représenter les visages d'autres acteurs, avec amusement et animation contrastant fortement avec le visage presque immobile du héros... Dépourvu de gestes et d'expressions faciales, inscrit symétriquement et platement dans la toile, il existe sereinement dans le temps, comme s'il s'était arrêté à jamais pour lui. Tout ce qui est éphémère et transitoire lui est étranger. L'agitation derrière lui réside dans les mouvements des acteurs. Les rires et la joie du public sont devant lui. Et il reste invariablement immobile, avec un reproche drôle et touchant dans ses yeux ronds, affectueux et intelligents.
Déjà très malade, Watteau reprend l'enseigne de l'antiquaire « Grand Monarque » sur le pont Notre-Dame. Cette boutique appartenait à son ami Gersen.

Antoine Watteau. Enseigne de la boutique Gersen (1720-1721). Château de Charlottenbourg (Berlin)
Watteau a peint le tableau sur deux toiles distinctes qui ont ensuite été insérées dans un seul cadre. L'action du tableau est transférée du paysage vers l'intérieur. La toile représente une boutique spacieuse qui, selon le plan de l’artiste, s’ouvre directement sur le trottoir parisien.
Au premier plan à gauche, des domestiques déposent dans une boîte un portrait de Louis XIV récemment décédé. Dans le coin supérieur est accroché un portrait de son beau-père, le roi espagnol Philippe IV, à droite, des experts étudient attentivement le tableau dans un cadre ovale ; paysages et natures mortes cohabitent ici avec des scènes mythologiques.
La principale caractéristique de ce travail est sa nature programmatique. Selon Louis Aragon, Watteau, sous couvert d'un signe, présentait l'histoire de la peinture telle qu'il la connaissait. Ce tableau est devenu en quelque sorte le testament artistique de l'auteur. Antoine Watteau est décédé à l'âge de 36 ans des suites de la tuberculose.

Monument à Antoine Watteau dans sa ville natale de Valenciennes (1884)
L'œuvre de François Boucher est également associée au développement du style rococo.

François Boucher (1703-1770)

F. Boucher - Peintre, graveur, décorateur français. Ses œuvres se caractérisent par des formes exquises, une coloration lyriquement tendre, une grâce, une coquetterie, atteignant parfois le point d'affectation.

Gustav Lundberg. Portrait de François Boucher
Boucher était un maître de la gravure, illustrant des livres d'Ovide, Boccace et Molière. Il a créé des décors pour des opéras et des spectacles, des peintures pour des tapisseries royales ; réalisé des peintures ornementales en porcelaine de Sèvres, peint des éventails, réalisé des miniatures, etc.
En peinture, il se tourne vers des sujets allégoriques et mythologiques, peint des scènes de genre, des pastorales (poétisation de la vie rurale paisible et simple), des paysages et des portraits.

F. Boucher. Portrait de Madame de Pompadour
Boucher reçut le titre d'artiste de la cour. Il décora les résidences du Roi et de Madame de Pompadour, hôtels particuliers de Paris. Au cours de ses dernières années, il fut directeur de l'Académie royale de peinture et de sculpture et « le premier peintre du roi ».

F. Boucher. Portrait de Marie Buzo, épouse de l'artiste (1733)
Un autre tableau de F. Boucher illustre un épisode de la nouvelle de La Fontaine « L’Ermite ». Un jeune homme, projetant de séduire une belle mais timide villageoise, s'installe à proximité sous les traits d'un ermite. Il parvient à convaincre la mère de la jeune fille de sa sainteté, et elle emmène elle-même sa fille chez lui pour écouter ses bons enseignements. Boucher montre une interprétation originale de l'œuvre de La Fontaine, mais le paysage occupe la place principale dans sa composition.

F. Boucher « Paysage avec un ermite. Frère Luce" (1742). Musée beaux-Arts eux. A. S. Pouchkina (Moscou)

Vues démocratiques de l'art français

Ils s'incarnent dans l'œuvre du « peintre du tiers état » Jean Baptiste Siméon Chardin, et dans les portraits de Maurice Quentin de Latour.

Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)

Chardin. Autoportrait
Chardin évite délibérément les sujets caractéristiques de l'art de son époque. Il peint principalement des natures mortes et des scènes de la vie quotidienne, mais il y exprime ses propres observations. Il s'intéresse à la vie des gens du « tiers état » (tous les groupes de la population à l'exception des privilégiés : le clergé et la noblesse).
Le travail de Chardin en tant qu'artiste perpétue les traditions des maîtres hollandais et flamands et représente l'épanouissement du réalisme au XVIIIe siècle. Même sa nature morte avait un aspect de représentation de la réalité. Les objets les plus ordinaires deviennent pour lui des sources de composition pour représenter une existence harmonieuse : cruches, vieux pots, légumes, etc.

Chardin "Scat" (1728). Persienne (Paris)
L'artiste a su parfaitement transmettre la diversité des couleurs, a ressenti relation interne articles. Il transmettait des nuances de couleurs avec de petits traits et avait la capacité d'inclure l'influence de la lumière du soleil dans l'image.
Se tournant vers la peinture de genre et les scènes domestiques ordinaires, Chardin recrée sur toile un mode de vie calme et mesuré. Vie courante, proche de chaque personne. Ce sont des tableaux comme ceux-ci qui lui assurent une des places marquantes de l’histoire de la peinture française. En 1728, il devient membre de l'Académie des Arts de Paris, et en 1743 - son conseiller ; deviendra plus tard membre de l'Académie des Sciences, des Lettres et des Beaux-Arts de Rouen.
Il spiritualise les objets et les activités les plus ordinaires : « La blanchisseuse » (1737), « Jarre d'olives » (1760), « Attributs des arts » (1766).

Chardin « Nature morte avec attributs artistiques » (1766, Musée de l'Ermitage (Saint-Pétersbourg). Le tableau a été commandé par Catherine II pour le bâtiment de l'Académie des Arts en construction à Saint-Pétersbourg.
D. Diderot comparait son savoir-faire à la sorcellerie : « Oh, Chardin, ce ne sont pas les peintures blanches, rouges et noires que tu frottes sur ta palette, mais l'essence même des objets ; vous prenez de l'air et de la lumière au bout de votre pinceau et vous les appliquez sur la toile !

Chardin" Bulle"(1733-1734). galerie nationale art, Washington (États-Unis)
Une fusion particulière de peinture « galante » et genre de tous les jours distingue l'œuvre de Jean Honoré Fragonard.

Jean Honoré Fragonard (1732-1806)

Peintre et graveur français. Il a travaillé dans le style rococo. Auteur de plus de 550 tableaux (sans compter les dessins et gravures).

J.O. Fragonard. Autoportrait (vers 1760-1770)
Il fut l'élève de F. Boucher et de J.B.S. Chardin. Intéressé au départ par peinture historique, puis se met à écrire dans l'esprit de Watteau et de Boucher. Il a souvent des scènes vie intime, contenu érotique, panneaux décoratifs, portraits, miniatures, aquarelles, pastels. Il s'est également engagé dans la gravure à l'eau-forte.
Mais à l’ère du classicisme, il a perdu en popularité.

J.O. Fragonard "Gerrou" (1777). Persienne (Paris)
Le tableau représente une scène d'amour : le monsieur, sans quitter la dame des yeux, main droite atteint la porte, où il ferme le verrou supérieur. Main gauche les dames semblent répéter ce mouvement. Sur la table se trouve une pomme, symbole biblique de la tentation et de la chute.
DANS peintures historiques Fragonard n'est pas très original. Ses paysages sont assez embellis. Mais peintures de genre L'artiste se distingue par sa composition habile, l'élégance de son dessin, ses coloris délicats et son goût subtil : « La Leçon de Musique », « Pastorale », « Baigneuses », « Nymphe Endormie », « Cupidon enlève la chemise de la Belle », « Jeune Guitariste », « Baiser volé » .

J.O. Fragonard "Un baiser volé" Ermitage (Saint-Pétersbourg)
DANS milieu du XVIIIe siècle V. Les Lumières françaises ont mis en avant les idéaux classiques comme moyen d’éducation. Une direction sentimentale et moralisatrice apparaît dans la peinture, dans laquelle se démarque l'artiste Jean-Baptiste Greuze.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Rêves. Autoportrait
Grez a surtout réussi dans le genre la vie de famille avec ses problèmes et ses drames - il a ici peu de rivaux dans la peinture française.

J.-B. Rêves "La malédiction du père" (1777). Persienne (Paris)
Le tableau montre une scène drame familial quand le fils annonce à son père qu'il part pour l'armée, et que le père le maudit.
En tant que portraitiste, il était aussi à son meilleur, parce que... compris peinture de portrait différemment de ses contemporains, qui représentaient les hommes comme des Apollos et les femmes comme des Flores et des Vénus. Ses portraits sont pleins ressemblance extérieure, rempli de vie et de sentiments.

J.-B. Rêves "Portrait de fille". musée national arts de l'Azerbaïdjan
L'Ermitage de Saint-Pétersbourg contient 11 œuvres de Greuze.
En France au XVIIIe siècle. intérêt accru pour la nature et peinture de paysage. Un type de paysage (« fantaisie architecturale ») caractéristique du néoclassicisme a été créé par Hubert Robert.

Hubert Robert (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Portrait d'Hubert Robert (1788) Louvre (Paris)
peintre paysagiste français; a acquis une renommée européenne pour ses grandes toiles avec des images romancées de ruines antiques entourées d'une nature idéalisée. Son surnom était « Robert des Ruines ».

Hubert Robert "Ruines Antiques" (1754-1765). Budapest

Jacques-Louis David (1748-1825)

J.-L. David. Autoportrait (1794)
Peintre et professeur français, représentant majeur du néoclassicisme français en peinture. Un chroniqueur sensible de ses temps mouvementés.
Né dans la famille d'un grossiste en fer. Il a été élevé principalement dans une famille de parents. Lorsque la capacité de l’enfant à dessiner a été remarquée, on a supposé qu’il deviendrait architecte, comme ses deux oncles.
David a suivi des cours de dessin à l'Académie de St. Luc. En 1764, ses proches le présentent à François Boucher, mais pour cause de maladie, il ne peut étudier avec le jeune homme. En 1766, David entre à l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture et commence ses études dans l'atelier de Vienne. En 1775-1780 David a étudié à Académie françaiseà Rome, il étudie l'art ancien et les œuvres des maîtres de la Renaissance.
En 1783, il fut élu membre de l'Académie de peinture.
Participé activement à mouvement révolutionnaire, est élu à la Convention nationale, rejoint les Montagnards dirigés par Marat et Robespierre et vote la mort du roi Louis XVI. Il peint plusieurs tableaux dédiés aux révolutionnaires : « Le Serment dans la salle de bal » (1791, inachevé), « La Mort de Marat » (1793). C'est également à cette époque qu'il organise des festivals publics de masse et crée le Musée national du Louvre.

J.-L. David "La Mort de Marat" (1793). Musées royaux des Beaux-Arts (Bruxelles)
Cette toile est l'une des plus de célèbres tableaux dédié à la Grande Révolution française.
Jean Paul Marat est journaliste au journal radical Ami du Peuple, leader des Jacobins. Tombé malade d'une maladie de peau, Marat ne quitta pas la maison et, pour soulager ses souffrances, prit des bains. Le 13 juillet 1793, il fut poignardé à mort dans son appartement par la noble Charlotte Corday.
L’inscription sur le support en bois est la dédicace de l’auteur : « MARATO, David ». Dans la main de Marat se trouve un morceau de papier avec le texte : « 13 juillet 1793, Marie Anne Charlotte Corday au citoyen Marat. Je suis malheureux et j'ai donc droit à votre protection. En fait, Marat n'a pas eu le temps de recevoir cette note, car... Corday l'a tué en premier.
En 1794, il fut emprisonné pour ses opinions révolutionnaires.
En 1797, il assista à l'entrée solennelle de Napoléon Bonaparte à Paris et devint depuis lors son ardent partisan et, après son arrivée au pouvoir, le « premier artiste » de la cour. David réalise des tableaux consacrés à la traversée des Alpes par Napoléon, à son couronnement, ainsi qu'un certain nombre de compositions et de portraits de personnes proches de Napoléon. Après la défaite de Napoléon à la bataille de Waterloo en 1815, il s'enfuit en Suisse, puis s'installe à Bruxelles, où il vécut jusqu'à la fin de sa vie.

J.-L. David "Bonaparte au col Saint-Bernard" (1801)
Ce tableau de David ouvre l'ère du romantisme dans la peinture européenne. Il s'agit d'un portrait équestre très romancé du général Napoléon Bonaparte, qui mena l'armée italienne à travers le col du Saint-Bernard, dans les Alpes, en mai 1800.
Le fond naturel donne également à l'image une signification romantique : falaises abruptes, neige, vent fort et le mauvais temps. Ci-dessous, si vous regardez bien, vous pourrez voir les noms gravés de trois grands commandants qui ont emprunté cette route : Hannibal, Charlemagne et Bonaparte.

J.-L. David "Couronnement de Napoléon" (1805-1808)
La toile a été créée sous l’impression du tableau de Rubens « Le Couronnement de Marie de Médicis ».
Enterré Jacques-Louis Davidà Bruxelles, et son cœur fut transporté à Paris et enterré au cimetière du Père Lachaise.
Au XVIIIe siècle En France, les peintres historiques Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleira, les portraitistes Claude Lefebvre, Nicolas Largillière et Hyacinthe Rigaud ont travaillé.
Au milieu du XVIIIe siècle. La famille Vanlo était célèbre, notamment les frères Jean-Baptiste et Charles et d'autres artistes.

Art et désign

7404

24.09.15 01:41

"Si petite, elle est clairement surfaite !" grognent certains touristes venus spécialement au Louvre pour voir le sanctuaire local, la Joconde... Le Louvre est le Louvre, mais il ne faut pas oublier que de nombreux peintres célèbres sont nés en France. lui-même. Faisons une petite excursion dans le passé de ce pays et souvenons-nous des meilleurs artistes français.

Les meilleurs artistes français

Grand classique

Né à la fin du XVIe siècle, Nicolas Poussin adopte avec enthousiasme les techniques des maîtres. Haute Renaissance, dont l'auteur de La Gioconda da Vinci et Raphaël. Ses peintures mettent souvent en scène des personnages bibliques, histoires mythologiques(même le cycle de paysages dédié aux saisons est inspiré de la Bible). Le Normand Poussin est à l'origine du classicisme, sa contribution à art français ne peut être surestimé. Son tableau « Repos pendant la fuite en Égypte » est conservé dans notre Ermitage.

Chanteur de l'époque galante

Antoine Watteau, né près de deux décennies après la mort de Poussin, régnait fermement sur « l'Olympe » des artistes français. À son époque, aucun peintre en Europe ne pouvait rivaliser avec lui en termes de talent. Il n'a vécu que 36 ans, mais a réussi à laisser de nombreux chefs-d'œuvre. Les scènes quotidiennes, les paysages et les portraits de Watteau sont charmants et élégants ; il est considéré comme le précurseur du style rococo. Pour entrer à l'Académie des Arts, le jeune homme peint deux versions du tableau « Pèlerinage à l'île de Cythère » (l'une est conservée à Berlin, l'autre à ParisLouvre). L'Ermitage a acquis plusieurs œuvres de l'artiste français, dont le tableau « Acteurs de la comédie française ».

Peintre paysagiste doué

Peintre de marine et paysagiste de premier ordre Claude Joseph Vernet pendant longtemps travaillé en Italie. La côte de Naples et le puissant Tibre ont marqué son œuvre de leur empreinte. La collection du Louvre comprend « Vue du pont et du château Saint-Ange » et « Vue de Naples avec le Vésuve », et l'Ermitage expose « Rochers au bord de la mer », « Matin à Castellamare » et quelques autres chefs-d'œuvre du maître.

Collègues romantiques

Représentant du mouvement artistique romantique, Eugène Delacroix est né au tournant des XVIIIe-XIXe siècles et a reçu une bonne éducation. Il aimait copier les chefs-d'œuvre des maîtres anciens - et y perfectionnait son art. Eugène était ami avec Alexandre Dumas et admirait les œuvres de Géricault. Certains des tableaux les plus célèbres de Delacroix (il choisissait souvent des sujets historiques) sont « La liberté sur les barricades » et « La mort de Sardanapale ».

Un autre romantique, Théodore Géricault, n'avait que quelques années de plus que Delacroix, mais constituait une grande autorité pour son collègue. Hélas, le destin lui a fait très mal court terme– à 32 ans, le peintre tombe de cheval et se tue. Théodore préférait les projets à grande échelle scènes de bataille, copiait Rubens, étant un admirateur passionné du Flamand. Même si vous n’avez pas entendu le nom de cet artiste français, vous avez probablement vu des reproductions du chef-d’œuvre de Géricault « Le Radeau de la Méduse » (cette œuvre fait la fierté du Louvre).

Vagabond éternel

Eugène Henri Paul Gauguin est plus connu parmi nous. Le post-impressionniste voit le début du XXe siècle, mais meurt assez tôt : il meurt à 54 ans en 1903 en Polynésie française. On dit que le génie a été détruit par les maladies (la pire d'entre elles était la lèpre incurable). Dans sa jeunesse, il a beaucoup voyagé : Paul a servi comme simple marin sur un navire de guerre, et comme pompier sur les navires de la flotte marchande. Ces impressions se reflètent bien entendu dans les œuvres du peintre. Il a presque consacré sa vie au courtage, mais s'est arrêté à temps et s'est consacré à la créativité. Même les non-initiés connaissent des images vives, créé par Gauguin, par exemple, « Femme tenant un fruit ».

Silhouettes volantes

Chacun d’entre vous a entendu l’expression « Degas Ballerinas ». Cet artiste français s'est en fait inspiré de écoles de ballet et aux répétitions. Ses légers coups de pastel ont réussi à capturer de légères inclinaisons gracieuses de la tête, des pirouettes, des arcs, des sauts - nous le voyons dans les peintures impressionnistes « Dancing Lesson » ou « Blue Dancers ». Ses scènes du quotidien sont également largement connues : « Absinthe », « Repasseuses ».

Père de l'impressionnisme

Autre classique de la peinture européenne, Edouard Manet (un des « pères » de l'impressionnisme), comme Degas, aimait dépeindre la vie des citadins : leurs promenades dans le jardin ou leurs pique-niques dans la nature. Ses portraits se distinguent par leur simplicité et leur naïveté, et à la fin de sa vie il s'intéresse soudain aux natures mortes. "Olympie", " Chemin de fer", "Petit déjeuner sur l'herbe."

Sentimental et nacré

Le genre favori de Pierre Auguste Renoir était le portrait. Les mondains, les jeunes filles innocentes, les couples amoureux prennent vie sous les coups de pinceau confiants du maître. D'abord impressionniste, Pierre déchante peu à peu et rejoint les classiques. Son art est sentimental et nacré. Regardez « Filles au piano » ou « Bouquet de printemps », les toiles semblent briller de l'intérieur.

Soit un paysan, soit un penseur...

Paul Cézanne, avec ses silhouettes dans des portraits apparemment taillés dans la pierre et des paysages légèrement « barbouillés » - représentant brillant post-impressionnisme. Tant dans son travail que dans la vie, il était avare d'émotions, laconique et peu émotif - il y avait en lui quelque chose d'un paysan, quelque chose d'un scientifique-penseur. Il est intéressant de noter que son chef-d'œuvre «Les joueurs de cartes» est l'un des tableaux les plus chers au monde (en 2012, il a été acheté pour la collection de l'émir du Qatar pour 250 millions de dollars).

Le mauvais sort d'un aristocrate

Le dernier sur notre liste des meilleurs artistes français est le pauvre Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Pourquoi le pauvre ? Oui, il appartenait à une ancienne famille comtale, mais à l'âge de 13 et 14 ans, le jeune homme a réussi à se casser d'abord le fémur d'une jambe, puis de l'autre, à cause de cela, ils ont cessé de grandir. Henri est resté un demi-nain handicapé. Impossibilité de faire carrière militaire choqua toute la famille et poussa Henri lui-même à se lancer dans la peinture. Il étudia auprès des maîtres (il aimait beaucoup l'œuvre de Degas et de Cézanne) et, arrivé à Paris, il devint un habitué des cabarets et des pubs, devint alcoolique, fut infecté par la syphilis et mourut à l'âge de 15 ans. 37. Ses œuvres graphiques et peintures ont été reconnues après sa mort. Les portraits des artistes et des prostituées du Moulin Rouge, aux services desquels Toulouse Lautrec fut contraint de recourir, sont désormais considérés comme des chefs-d'œuvre.