Galerie Tretiakov sur Krymsky Val. Galerie Tretiakov

De l'exposition dont nous sommes allés faire connaissance avec l'exposition permanente de la galerie, nous avons simplement parcouru les premières salles avec des œuvres d'artistes primitivistes du début du XXe siècle... Peut-être en vain, mais après Korovine le primitivisme sincère de Natalia Goncharova et Niko Pirosmani ont l'air étranges. En général, nous nous sommes arrêtés uniquement aux peintures des fondateurs de la société artistique « Jack of Diamonds » Piotr Konchalovsky et Ilya Mashkov. Et même alors - pas dans leurs portraits et natures mortes préférés, mais dans des paysages qui évoquent des associations avec les peintures de Paul Cézanne. Ce n’est pas un hasard si, au cours de leurs années de maturité, les critiques ont surnommé le valet de carreau les « cézannenistes russes ». Il existe un exemple agréable de progrès créatif - de la primitivité et de la rébellion à la peinture à part entière...

Ilya Machkov, « L'Italie. Ne mens pas. Paysage avec un aqueduc", 1913

Ilya Mashkov, « Lac Léman. Glion", 1914.

Piotr Konchalovsky « Sienne. Place de la Signoria", 1912

Mais d'autres membres du « Valet de carreau » - A. Lentulov, R. Falk, V. Rozhdestvensky - sont tombés sous l'influence du cubisme français. Comme Lena et moi ne sommes pas fans de ce mouvement, nous avons parcouru ces salles un peu confus, même si l'on pense que « le cubisme a joué un rôle extrêmement important dans l'autodétermination de la peinture russe au début du XXe siècle, il a influencé le formation de l'avant-garde russe et donne une impulsion à de nouveaux mouvements artistiques. Le cubisme reconstruit la nature, détruisant la forme organique (« aléatoire ») et en créant une nouvelle, plus parfaite. Selon les mots de Malevitch, il a changé « la vision du monde du peintre et les lois de la peinture ».

On se rapproche ici logiquement du fameux « Carré Noir ». Pour : « L’art russe, ayant dépassé court terme toutes les étapes de l'évolution du cubisme français et ayant tiré les leçons de la dernière peinture française, la surpassa bientôt largement dans la radicalité des conclusions artistiques. Les principales conclusions du cubisme sur le sol russe étaient le suprématisme et le constructivisme. L’œuvre de K. Malevitch et V. Tatline, deux figures centrales de l’avant-garde russe qui ont déterminé la voie de son développement, a pris forme sous la profonde influence du concept cubiste.
« En 1915, la création du Carré Noir par Malevitch marque le début du suprématisme, l’un des mouvements les plus radicaux de l’avant-garde. Le « Carré Noir » était le signe d'un nouveau système artistique, il ne représentait rien, il était libre de tout lien avec le monde terrestre et objectif, représentant des « formes zéro », derrière lesquelles se cache une inutilité absolue. Le suprématisme a complètement libéré la peinture de sa fonction picturale.
Il est difficile de commenter l’histoire, l’essence du développement est que chaque chose a sa place et son temps. Mais la « non-objectivité » et la peinture dépourvue de « fonction picturale », pour une raison quelconque, ne touchent pas les cordes intérieures de nos âmes attirées par la beauté... Et Malévitch lui-même, des années plus tard, est revenu à une peinture moins radicale...

Kazimir Malevitch "Carré Noir", 1915

Mais comme il est agréable, après plusieurs salles du suprématisme, de voir les couleurs vives et les formes magnifiques de Koustodiev, Kandinsky et de notre bien-aimé Bogaevsky ! Enfin de vraies vacances de peinture !

Boris Koustodiev « Marin et chérie », 1921

Nikolaï Koulbin « Bain de soleil », 1916

Vassily Kandinsky "Le Cavalier Georges le Victorieux", 1915

Konstantin Bogaevski "Mémoire de Mantegna", 1910

Konstantin Bogaevsky « Paysage avec des arbres », 1927

Après cela, nous nous retrouvons dans l'immense salle du plus luxueux Alexander Deineka - c'est dommage que l'année dernière nous n'ayons pas pu assister à l'exposition rétrospective de ses œuvres dans la même galerie Tretiakov, mais nous nous sommes retrouvés à une modeste exposition de ses et les graphismes de Nyssky au Musée d'art de Sébastopol...

Alexandre Deineka « Gardien de but », 1934

Alexandre Deineka « Rue de Rome », 1935

Alexandre Deineka « Mère », 1932

Peter Williams « Rallye automobile », 1930

Youri Pimenov « Nouveau Moscou », 1937

Nikolai Zagrekov "Fille avec une barre transversale", 1929

Georgy Nissky « Automne. Sémaphores", 1932

Konstantin Istomin «Vuzovki», 1933

Konstantin Istomin « À la fenêtre », 1928

Dans la salle voisine se trouvait une exposition «La joie du travail et le bonheur de la vie» - une sorte de pilule colorée sur fond de peintures plutôt effrayantes de l'époque stalinienne. Seules quelques images sont restées dans ma mémoire - j'avais envie d'oublier le reste immédiatement après le visionnage...

Georgy Rublev "Portrait de I.V. Staline", 1935

"En termes de pouvoir accusateur", écrit le critique d'art E. Gromov, "ce portrait de Staline n'est comparable qu'au poème d'O. Mandelstam ("Nous vivons sans sentir le pays au-dessous de nous..."). L'artiste Rublev, autrefois complètement oublié, n'a pas voulu ce portrait satirique. Mais j'ai réalisé qu'il pourrait finir au Goulag. Le Staline de Rublev n’a pas la « large poitrine d’un Ossète ». Il a une sorte de figure non tordue, semblable à un serpent, dans laquelle quelque chose de diabolique semble être présent ; il est aussi terrible, insidieux et méchant. L'artiste s'attache alors à Pirosmani, à la manière duquel il peint ce portrait. Je l’ai écrit et j’ai eu peur : c’était une image grotesque. Le portrait a été retrouvé dans les vieilles toiles de Rublev après sa mort.

Robert Falk "Mémoire", 1930

Kazimir Malevitch "Sœurs", 1930

Alexandre Drevin "Gazelle", 1931

Alexandre Laktionov « Lettre du front », 1947

Et c’est ainsi que nous avons lentement atteint le réalisme socialiste avec d’immenses peintures de congrès et de discours du camarade Staline. Et j'ai même voulu garder quelque chose de cette "célébration de la vie" comme souvenir dans mon appareil photo, mais une gardienne très féroce s'est retrouvée dans ces salles - il n'y a pas de ticket pour la photographie, ne le prenez pas ! Et vous ne lui expliquerez pas que le musée viole notre « droit constitutionnel de rechercher, recevoir, transmettre, produire et distribuer librement des informations de toute manière licite » et que la vente de « droits de photographie » par les musées est totalement illégale. En fait, le musée restreint d'abord illégalement les droits des visiteurs à collecter des informations, puis supprime cette restriction moyennant des frais. Cependant, ce ne sont que des paroles offensantes - nous ne savions tout simplement pas que la photographie était payante et n'avions pas acheté de billet, et nous ne voyions pas l'intérêt de revenir... Et en fait, à ce moment-là, l'art de le 20ème siècle nous avait déjà fatigués et la vue depuis la fenêtre invitait à inviter le prochain musée. Mais il fallait d'abord parcourir le labyrinthe jusqu'au bout... Et ce spectacle n'est pas pour les âmes sensibles - les salles sont très art contemporain nous a semblé un concentré d'horreur sombre, d'énergie très sombre, de désespoir. En général, nous les avons parcourus assez rapidement - nous avions besoin d'air, et... ! Nous avons revu son exposition pour ne pas quitter ce bâtiment Tretiakov le cœur lourd. C'est du véritable art - lumineux et affirmant la vie ! Après nous être réconfortés, nous sommes allés plus loin pour faire le plein de culture - dans l'ancien bâtiment, nous voulions, vous savez, Vrubel, Levitan, ...

Galerie Tretiakov sur Krymsky Val, 18 mai 2013, 10h00-0h00 - vous pouvez visiter gratuitement l'exposition permanente et les expositions (par exemple, Boris Orlov et Mikhaïl Nesterov) toute la journée, une animation particulière est attendue dans le hall. Il y aura une boutique de souvenirs où l'on vendra des sacs et des cahiers avec des dessins d'artistes du XXe siècle, une bibliothèque où vous pourrez consulter des catalogues et des revues d'art et un espace de créativité pour les enfants. A proximité, l'artiste Proteus Temen installera l'installation « Balls ». La cuisine du restaurant Delicatessen sera située dans la cour du musée, et de la musique y jouera de 19h00 à minuit : Nikita Zeltser au piano et DJ Taras 3000.

Mes compétences professionnelles n'ont rien à voir avec le monde de la beauté et de l'art ; je n'ai jamais été impliqué professionnellement dans la peinture ou quoi que ce soit de similaire. La connaissance de l'art est la plus fondamentale, glanée auprès des différentes sources V différentes périodes vie. Mais pour moi, une peinture ou une sculpture est plus qu’un simple art. C'est tout un monde immense, plongé dans la contemplation duquel j'oublie tout le monde.

Randonnée à Galerie Tretiakov- c'est une fête de l'âme. je pendant longtemps Je ne suis allé qu'à Lavrushinsky Lane, bien que le bâtiment de Krymsky Val ne soit pas si loin. Par beau temps, vous pouvez marcher, la distance est d'environ 1,5 km.
J'ai longtemps voulu voir ce qu'il y avait ? De quel genre d’art du XXe siècle s’agit-il ? Y a-t-il une grande collection là-bas ? Et la question principale est : est-ce que je l’aimerai ?

Et donc je me suis préparé et je suis parti. La galerie est située en plein centre du parc artistique du Muzeon, ce qui en soi est très intéressant. En tant que structure architecturale, le bâtiment de la galerie n'est pas remarquable et semble plutôt rudimentaire.

Au rez-de-chaussée il y a un vestiaire, un café, une caisse et des toilettes. Ainsi, après avoir accompli les formalités, vous pourrez monter au 4ème étage, où se trouve l'exposition permanente.

La collection du musée est très diversifiée et intéressante. Certaines peintures ne m'étaient pas claires, par exemple le célèbre « Carré Noir » de K. Malevich. D'autres reflétaient les rues de la ville qui me étaient familières d'une manière si intéressante que je pouvais comprendre qu'il s'agissait d'eux uniquement d'après les noms des peintures.

La galerie est tout simplement immense, on peut s'y promener plusieurs heures, il y a beaucoup de sculptures.

À mon avis, la galerie intéressera tout le monde, même ceux qui n'aiment pas l'art contemporain. À mon avis, la plupart des peintures sont intéressantes, pas belles. Si vous voulez admirer de belles peintures, elles sont rassemblées dans Lavrushinsky Lane. Certaines peintures faisaient sourire les visiteurs, tandis que d’autres n’intéressaient guère personne. Mais plus ce qui y était représenté était flou, plus les gens se rassemblaient autour de la toile.

C’est impossible de tout transmettre, j’adorerais y retourner.

art du 20ème siècle

Zinaida Evgenievna Serebryakova. «Derrière les toilettes. Autoportrait." 1909

Kuzma Sergueïevitch Petrov-Vodkine (1861-1939). Baignade du cheval rouge 1912. Huile sur toile. 160x186

En 1912, lors de l’exposition World of Art, apparaît le tableau de K. S. Petrov-Vodkin « Le bain du cheval rouge », que le public, les artistes et les critiques perçoivent comme un signe de renouveau. Au début des années 1910, alors que les vieilles idées sur l'art devenaient obsolètes et que des secousses violentes se produisaient dans l'environnement artistique, le tableau « Le bain du cheval rouge » semblait à beaucoup comme une idée capable de réconcilier l'ancien et le nouveau, « de gauche ». et « droit », les universitaires et le monde de l'art. L'artiste a « construit » une œuvre monumentale, lui donnant une « programmaticité », trouvant une forme significative capable d'exprimer un contenu profond et vaste. La peinture est devenue un exemple d'intégrité artistique, l'incarnation absolue d'une décision artistique, ce qui, au début du XXe siècle, était un phénomène rare dans la peinture russe. Il a combiné organiquement le plus différentes traditions- des icônes russes anciennes et des peintures monumentales de la Renaissance, art décoratif, style Art Nouveau et plasticité presque classique dans l'interprétation des figures.

L'espace du tableau est organisé de telle manière que, grâce à la ligne d'horizon haute, qui se situe pour ainsi dire à l'extérieur de la composition elle-même, il s'élève et avance effectivement vers le spectateur, limité au plan réel de la toile. En même temps, la profondeur ne disparaît pas : le spectateur la ressent grâce à la réduction à grande échelle des personnages du fond.

L'auteur semble polémiquer avec les techniques de peinture impressionnistes, sous le charme de nombreux artistes à cette époque, reste à l'écart du principe cubiste de mise en œuvre de la forme et ne s'intéresse pas aux expériences futuristes.

Une autre caractéristique de cette image est caractéristique de toute l'œuvre de Petrov-Vodkin : malgré le fait que l'intrigue de l'œuvre soit délibérément quotidienne (baigner un cheval), elle ne contient pas d'histoire sur l'événement. Et bien que l'intrigue soit assez évidente, le peintre parvient à l'élever à une certaine image idéale. L'une des techniques avec lesquelles il atteint son objectif est l'interprétation de la couleur, principalement du personnage principal (le cheval rouge). En même temps, il n’y a pas ici d’« affiche » avec son caractère volontairement accrocheur. Les traditions de l'art russe ancien sont plutôt présentes : un cheval rouge se retrouve souvent sur les icônes (le rouge est beau). Le pathétique clairement ressenti de la peinture, l'expression de la spiritualité en tant qu'état profondément interne, en font l'incarnation de la vision nationale russe du monde. Travail au chevalet en raison de sa signification interne, de son contenu spirituel et de l'absence de détails aléatoires, elle est perçue comme une création monumentale.

Evgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946). L'impératrice Elizaveta Petrovna à Tsarskoïe Selo 1905. Papier sur carton, gouache. 43,5x62

Contemporain plus jeune des artistes du « Monde de l'Art », Lanseray maîtrise magistralement le langage figuratif des « rêveurs rétrospectifs », recréant à la fois avec détachement et ironie le style de vie des guirlandes de cour du XVIIIe siècle « doré ». La sortie d'Elizaveta Petrovna avec sa suite est interprétée par l'artiste comme une sorte de représentation théâtrale, où la figure majestueuse de l'impératrice est perçue comme une extension de la façade du palais. La composition est basée sur le contraste d'un magnifique cortège de cour, d'une splendeur fantaisiste architecture baroque et le parterre désert d'un parc ordinaire. L'artiste est fasciné par l'appel des éléments décoratifs architecturaux et des détails des toilettes. Le train de l'Impératrice ressemble à un rideau de théâtre levé, derrière lequel on est surpris par les acteurs de la cour qui se précipitent pour jouer leurs rôles habituels. Caché dans le fouillis des visages et des figures se cache un « personnage caché » : un jeune petit noir, portant assidûment le train impérial. Un détail curieux n’a pas non plus été caché au regard de l’artiste : une tabatière non fermée entre les mains difficiles du gentleman-favori. Le scintillement des motifs et des taches de couleur crée la sensation d’un moment ravivé du passé.

Konstantin Andreïevitch Somov (1869-1939). Dame en bleu 1897-1900. Toile, huile. 103x103

«La Dame en Bleu» est un portrait représentant l'artiste E. M. Martynova, ami proche de l'auteur et camarade de classe à l'Académie des Arts. Devant nous se trouvent un ancien parc stylisé et une femme vêtue d'une robe luxueuse du XVIIIe siècle avec son propre monde spirituel complexe. Le portrait rétrospectif réalisé par l'artiste est un phénomène nouveau dans l'art russe. Les détails de « l’âge galant » et l’apparence raffinée d’une dame désireuse sont combinés dans l’image. Âge d'argent De ce fait, ils véhiculent l’esprit d’une époque complexe et contradictoire.

La composition est basée sur une comparaison de plans et de leur solution coloristique. La figure féminine élancée s’intègre parfaitement dans le format carré de la toile, ce qui confère au portrait une certaine représentativité. Le chatoiement du bleu profond des vêtements de l’héroïne met en valeur la transparence des ombres bleutées de son visage finement peint, ses épaules ouvertes et fragiles, et souligne l’expressivité du geste de ses belles mains. Toute la plasticité du modèle rappelle les grands maîtres des époques passées. Un parc ancien avec un étang et un couple jouant de la musique au loin contraste clairement avec l'humeur de la personne représentée. Il s'agit plutôt d'un parc-souvenir, dans lequel le temps a atténué toutes les couleurs, et les feuilles du buisson, qui sert de fond à la figure en bleu, sont d'une étrange couleur « sans vie » (la même que celle des feuillages des vieux papiers fanés). tapisseries). Le lien entre le passé et le présent est ici une figure masculine, à l'apparence de laquelle on devine l'auteur de l'image.

Dans l'œuvre de Somov, le portrait d'E. M. Martynova occupe une place particulière : il ne créera plus jamais quelque chose d'équivalent à « La Dame en bleu » en termes de sublimité, de poésie et de pureté de l'image, en termes de pouvoir d'expressivité et d'obtention « absolu » d’incarnation artistique.

Victor Elpidiforovitch Borissov-Musatov (1870-1905). Réservoir 1902-1903. Toile, huile. 177x216

Les peintures de Borisov-Musatov contiennent invariablement un sentiment de mystère passionnant et inexplicable. Le motif principal par lequel le monde caché sous la brume des couleurs s'ouvre à l'artiste est nids nobles, en décomposition anciens domaines. Les rythmes musicaux doux des compositions de Borisov-Musatov reproduisent encore et encore ses thèmes favoris : ce sont les coins du parc et figures féminines, qui semblent être des images d’âmes humaines errant dans un royaume onirique semi-réel.

Le tableau « Réservoir » a été créé dans le parc du domaine de la princesse Prozorova-Golitsyn Zubrilovka au moment le plus heureux pour l'artiste : Elena Vladimirovna Alexandrova a accepté de devenir son épouse. Sa sœur, Elena Borisova-Musatova, et la mariée ont posé pour l'artiste, incarnant les images de la féminité éternelle.

Malgré le fait que la toile ait été peinte d'après nature - un vrai parc avec un étang et de vraies femmes, tout le monde y voyait autre chose que ce monde. La mystérieuse semi-réalité et l'intemporalité du tableau sont devenues la manifestation la plus poétique de la vision symboliste du monde des rêves. L'artiste représente le réservoir, dont les contours étaient en réalité un cercle parfait, comme un grand ovale dont les bords s'étendent au-delà des limites de la toile. Cette forme géométrique, si chère à Musatov, fait écho à la jupe similaire, mais plus petite, de l'une des héroïnes, disposée dans un bel ovale. Leur combinaison donne immédiatement un certain rythme musical à l'ensemble de l'œuvre. La construction particulière de la composition - l'exclusion de la ligne d'horizon de l'image - est une technique importante. Grâce à lui, le peintre rapproche volontairement le premier et le deuxième plans, rendant la toile plus plate. Les héroïnes, situées au premier plan, se trouvent en contrebas de l'étang, et la surface de l'eau elle-même, sereine et claire comme le ciel, plane littéralement au-dessus d'elles. Le résultat est l’illusion d’un véritable miroir, surélevé et placé verticalement. D'un paysage ordinaire naît une image complètement différente, une nouvelle réalité - très typique des artistes symbolistes.

Philippe Andreïevitch Malyavin (1869-1940). Tourbillon 1906. Huile sur toile. 223x410

Dans son travail vers la peinture traditionnelle russe thème folklorique l'artiste l'a abordé à sa manière, en soulignant le puissant principe élémentaire des images féminines, en leur conférant une monumentalité. La peinture audacieuse de Malyavin, avec ses fonds conventionnels, ses grandes figures, son espace peu profond et ses couleurs inhabituellement sonores, est résolument décorative. Pourtant, au début du XXe siècle, les contemporains y voyaient une sorte de défi.

Dans le tableau « Tourbillon », les paysannes dansent comme si « héroïnes de contes de fées vieilles épopées russes. Ils impliquent les éléments de la nature dans leur danse en rond. Les vêtements flottants forment des flots spontanés de traits colorés, qui rappellent des éclairs de flammes chaudes, des jets d'eau froide, le souffle brûlant du vent ou des prairies couvertes de fleurs. Le tableau reçoit un dynamisme particulier grâce aux mouvements libres du pinceau, correspondant au rythme de la danse du tourbillon. I. E. Grabar a conseillé à Malyavin de peindre avec des peintures spéciales à séchage long. En conséquence, la peinture a commencé à ressembler à de la lave volcanique et l'effet d'une sorte de mosaïque en mouvement est apparu. Les formes et les couleurs se superposent, créant tension interne. Cela renforce l'expressivité du tableau, construit à l'intersection de diverses tendances stylistiques - l'impressionnisme et le modernisme. L'œuvre a été créée lors de la première révolution russe. Dans son intrigue, de couleur rouge flamboyante, on peut voir à la fois un espoir de renouveau spirituel et une prémonition des forces de destruction rampantes.

Alexandre Nikolaïevitch Benois (1870-1960). La Promenade du Roi 1906. Papier sur toile, aquarelle, gouache, peinture bronze, peinture argentée, crayon graphite, plume, pinceau. 48x62

Le nom d'A. N. Benois est associé à l'émergence en 1898 de l'association Monde de l'Art, dont il fut l'un des fondateurs et leader idéologique. Benois était un artiste, théoricien et critique d'art ; il est l'auteur de nombreuses monographies et études consacrées à la fois aux maîtres individuels de la peinture et à l'histoire de l'art en général. L'œuvre de l'artiste Benoît est consacrée principalement à deux thèmes : « La France au temps du Roi Soleil » et « Saint-Pétersbourg au XVIIIe - début du XIXe siècle », qui s'incarnent dans un certain type de peinture historique, créant un regard spécial « rétrospectif » sur le passé. L'artiste a abordé ces thèmes dans ses peintures historiques et ses œuvres paysagères, exécutées d'après nature à Saint-Pétersbourg et dans les palais environnants, ainsi qu'en France, à Versailles, où il s'est souvent rendu longtemps.

En décrivant les promenades du roi, l'auteur n'a rien ignoré : ni les vues du parc avec l'architecture des jardins (elles ont été peintes d'après nature), ni représentations théâtrales, très à la mode dans l'Antiquité, ni des scènes quotidiennes dessinées après une étude minutieuse du matériel historique. "La Promenade du Roi" est une œuvre très impressionnante. Le spectateur rencontre Louis XIV en parcourant son idée. C'est l'automne à Versailles : les arbres et les buissons ont perdu leurs feuilles, leurs branches nues semblent solitaires dans le ciel gris. L'eau est calme. Il semble que rien ne puisse perturber l'étang tranquille, dans le miroir duquel se reflètent à la fois le groupe sculptural de la fontaine et le cortège décoré du monarque et de son entourage.

Réfléchissant au temps de Louis XIV, Benoît écrit : « Je n'avais pas de culte particulier pour la personnalité de Louis Catorza... Mais la fatigue sénile de l'époque, début d'un déclin du goût, qui remplaça l'arrogance de la jeunesse, l’insouciance et un sentiment de beauté majestueuse ont soudainement fait de ce monde mon monde.

Igor Emmanuilovitch Grabar (1871-1960). Chrysanthèmes 1905. Toile, détrempe, pastel. 98x98

I. E. Grabar est une figure universelle de la culture artistique russe : artiste, historien de l'art, enseignant, restaurateur, musée et personnalité publique. De 1913 à 1925, il fut directeur de la galerie Tretiakov et créa une nouvelle exposition dans le musée, scientifiquement fondée et avec un concept soigneusement réfléchi, qui devint une sorte de modèle pour les expositions muséales ultérieures.

Grabar a accepté la quête des maîtres français, utilisant activement les techniques du divisionnisme - application séparée de peintures sur toile. « Chrysanthèmes » est la nature morte la plus spectaculaire de l’artiste. Des bouquets de fleurs luxuriants sont présentés dans une pièce bien éclairée, comme en plein air. L'espace est rempli d'air dans lequel il fait chaud lumière du soleil l'extérieur des fenêtres se connecte à la fraîcheur de l'intérieur. La surface picturale est constituée de traits en relief fractionnés qui transmettent la vibration de l’environnement lumière-air. La couleur se divise en tons chauds et froids, d'où la teinte verdâtre des chrysanthèmes jaunes, le jeu des dégradés de jaune et de bleu, de rose et de vert à la surface de la nappe, les reflets nacrés du vase. Le scintillement des traits colorés crée l'effet d'une atmosphère changeante et mouvante qui a absorbé les réflexes de couleur, enveloppant les objets de la pièce. Cependant, cette technique permet à l'artiste de restituer de manière tangible et précise la texture des objets : la transparence du verre, les plats en porcelaine précieuse, la blancheur éclatante d'une nappe amidonnée, la tendresse et le velouté des chrysanthèmes.

Sergueï Timofeevich Konenkov (1874-1971). Nike 1906. Marbre. 32x19x12

S. T. Konenkov est un artiste dont l'œuvre est dominée par la profondeur et la sagesse des larges généralisations figuratives, le courage, la glorification de la beauté de l'homme et de ses nobles impulsions, son désir de liberté. La tête en marbre « Nike » est l’une des meilleures œuvres de Konenkov. Le maître était capable d'exprimer de grandes idées sur le temps et le symbolisme d'événements significatifs dans des œuvres de tout genre et de toute taille. Ainsi, la petite « Nike » séduit par son inspiration rayonnante. L'idée de la Victoire est incarnée par le sculpteur à l'image d'une très jeune fille aux traits nationaux russes prononcés. Le modèle du sculpteur était un ouvrier de la manufacture Trekhgornaya. L'image de Nike, sans perdre son caractère de portrait, s'est transformée en une incarnation poétique de la joie, de la fuite et de l'indestructibilité. Cette refonte étonnante et véritablement poétique de la nature est l’une des caractéristiques les plus fortes de l’œuvre de Konenkov.

Bon nombre des meilleures œuvres du maître sont exécutées en marbre. Il s'agit le plus souvent d'œuvres dans lesquelles, selon les mots du sculpteur, « de belles formes humaines incarnent Meilleures caractéristiques caractère d'une personne"

Natalya Sergueïevna Gontcharova (1881-1962). Autoportrait aux lys jaunes 1907. Huile sur toile. 58,2x77

N. S. Goncharova - l'une des premières «Amazones de l'avant-garde», une femme artiste nouvelle formation- a peint un autoportrait dans son atelier de Moscou ; l'intérieur expose ses œuvres de la période impressionniste. La toile est peinte de manière expressive, avec des traits rapides qui rappellent les peintures de Van Gogh. L'image est lumineuse et lyrique, les fleurs lui confèrent une qualité poétique particulière - un bouquet de lys qui serre Gontcharov contre lui. Il sert également d’accent coloristique, une tache rouge vif se détachant sur le fond général de la toile.

Mikhaïl Fedorovitch Larionov (1881-1964). Printemps. Saisons (Nouvelle primitive) 1912. Huile sur toile. 118x142

Le leader du mouvement d'avant-garde russe de la fin des années 1900 - début des années 1910, M. F. Larionov attaché grande importance sincère, naïf et apparemment frivole la créativité des enfants, car elle est toujours immédiate et vient du plus profond de la conscience de l’enfant. Imiter les naïfs dessin d'enfant, l'artiste a cherché à créer des œuvres aussi sincères que spontanées. Regardant le monde à travers les yeux d'un enfant, Larionov a écrit un cycle de peintures, "Saisons", où chaque saison est représentée par une simple image d'une figure féminine, suivie d'une explication écrite délibérément de manière bâclée. Cependant, la mise en œuvre du plan s’est avérée peu enfantine.

Le printemps est entouré d'anges ailés maladroits, un oiseau printanier lui apporte une brindille aux boutons fleuris ; à droite, clôturé par une bande verticale, pousse le même arbre qui peut être interprété comme l'Arbre biblique de la Connaissance. Sur le côté droit du « registre » inférieur de l'image, des profils masculins et féminins sont représentés, des deux côtés face à l'Arbre de la Connaissance - des images d'Adam et Ève primitifs, apparemment en train de connaître l'éveil de sentiments tendres, tout comme la nature elle-même. se réveille et, peut-être, ayant déjà goûté au fruit défendu. Dans le même espace, tout en bas, un autre histoire biblique- «Expulsion du Paradis». Dans le champ gauche du même « registre » inférieur, suit une description naïve du printemps, comme faite par un enfant : « Le printemps est clair, beau. Avec des couleurs vives, avec des nuages ​​blancs », dans lesquels se fait cependant aussi sentir une certaine sournoiserie de l’artiste. Ce n’est pas un hasard si dans le sous-titre du titre nous lisons « Nouveau Primitif » et terminons mentalement par « …sur un thème éternel ».

Alexandre Yakovlevitch Golovine (1863-1930). Portrait de F. I. Chaliapine dans le rôle d'Holoferne 1908. Toile, détrempe, pastel. 163,5x212

"Portrait de F. I. Chaliapine dans le rôle d'Holoferne" est l'un des meilleures œuvres artiste et scénographe A. Ya. Golovin. Il reproduit la mise en scène de l’opéra « Judith » de A. N. Serov. Chaliapine-Holoferne est allongé sur un lit luxueux dans une tente luxueusement décorée, tenant une tasse dans sa main droite et pointant vers l'avant avec un geste arrogant avec sa gauche. La composition de la toile est construite selon les lois de la peinture de chevalet, et l'angle du modèle et l'éclairage arbitraire des objets confèrent à l'œuvre le caractère d'une fresque. La figure de Chaliapine dans le rôle du chef militaire assyrien se confond presque avec le fond, ce qui la fait ressembler à une sorte de motif décoratif. La toile est imprégnée d'un mouvement ondulatoire, qui est le principal motif plastique exprimant le personnage. solution musicale image d'un commandant oriental. La sonorité coloristique de l’œuvre est extrêmement riche. Dans ce portrait théâtral, Golovine, avec les couleurs richement vives du costume et de la coiffure de l’artiste, semble souligner la beauté de la voix du grand chanteur russe.

Konstantin Alekseevich Korovine (1861-1939). Roses et violettes 1912. Huile sur toile. 73,2x92

Le nom de K. A. Korovin est associé à l'émergence de l'impressionnisme dans la peinture russe. Dans les années 1910, Korovine s'intéresse aux natures mortes, qui incarnent ses recherches innovantes dans le domaine de la décoration théâtrale. Il peignait souvent des roses, luxueuses et tendres, symboles de passion et de joie d'être. D'un geste ample, l'artiste réalise un « portrait » de chaque fleur, et ses roses s'épanouissent sur la toile, frappant par la fraîcheur indémodable de leurs couleurs.

Une nature morte avec des roses, un petit bouquet de violettes violettes, une orange rouge, un sucrier et une cafetière est représentée sur fond de fenêtre ouverte donnant sur un boulevard parisien en soirée. La rue est transformée par la lumière incertaine des lanternes en un scintillement fantomatique de lumières ; la nature morte est éclairée de l’intérieur de la pièce et semble anormalement lumineuse. La lumière semble créer jeu de magie transformation de la réalité.

Nikolaï Petrovitch Krymov (1884-1958). Paysage de Moscou. Arc-en-ciel 1908. Huile sur toile. 59x69

Déjà les toutes premières peintures du jeune Nikolaï Krymov démontraient qu'en russe peinture de paysage un citadin est entré, capable de voir la beauté du monde parmi les maisons de ville et les toits colorés, de ressentir la vie secrète de la nature parmi l'agitation et le bruit de la ville. Toile « Paysage de Moscou. Rainbow" occupe une place particulière dans l’œuvre de Krymov. Il combine la vision symboliste du monde et la quête impressionniste de l'artiste : l'arc-en-ciel est littéralement disposé en couleurs, et le paysage lui-même dans son ensemble représente aux yeux du symboliste une correspondance mystique entre les mondes céleste et terrestre.

L’image du monde semble fragile et semblable à un jouet, comme vue à travers les yeux d’un enfant. Un arc-en-ciel recouvre l'espace, ses fragments glissent sur les toits et scintillent aux fenêtres ; Un enfant court le long du chemin de la place avec un moulinet à la main - un jouet « prototype » d'arc-en-ciel. Dans cet univers coloré, l’auteur a caché ses initiales sur une enseigne de magasin.

La peinture symbolise le triomphe d’un monde transformé, où la lumière arc-en-ciel pénètre chaque partie de l’existence. Le style pictural de Krymov contribue à l’éclat de la surface. Les traits en relief créent l'effet d'un vernis majolique précieux et irisé sur la surface de la toile.

Pavel Varfolomeevich Kouznetsov (1878-1968). Soirée dans la steppe 1912. Huile sur toile. 96,7x105,1

L'un des principaux maîtres de la «Rose bleue», P. V. Kuznetsov, a voyagé Asie centrale, rapportant du voyage des souvenirs de la vie des peuples orientaux et des œuvres qui capturaient une grande partie de ce qu'il avait vu. Dans le tableau «Soirée dans la steppe», l'artiste a représenté une scène de la vie des nomades kirghizes. Les femmes sont occupées aux activités quotidiennes, les moutons paissent paisiblement et la paix et la tranquillité règnent partout.

La nature au repos et l'homme sont dans une unité harmonieuse. Il n'y a pas de détails inutiles dans la composition : seulement la terre, le ciel, des arbres minces, plusieurs moutons et deux figures féminines, enveloppés d'une douce lumière ; Il n'y a pas ici de caractéristiques topographiques ou ethniques spécifiques, grâce auxquelles les limites de ce qui est représenté sont élargies à une échelle universelle. L'espace se rapproche des conventions ; des traits légers et larges semblent traduire sa respiration calme et régulière.

Vassily Vasilyevich Kandinsky (1866-1944). Improvisation 7 1910. Huile sur toile. 97x131

V. V. Kandinsky est considéré comme l'un des fondateurs de la peinture abstraite. Il voyait le chemin du nouvel art dans le désir de transmettre le contenu interne des formes externes du monde et, par conséquent, dans le rejet de sa représentation réaliste. Dans son travail, l'artiste a cherché à transmettre des sentiments personnels non pas à l'aide de formes objectives (à travers l'une ou l'autre intrigue), mais uniquement à travers des moyens picturaux. Par exemple, au lieu des genres habituels de l’art figuratif, il a utilisé l’impression, l’improvisation et la composition.

L'improvisation est l'expression de processus internes qui se produisent soudainement, principalement inconsciemment. "Improvisation 7" est l'une des premières œuvres de Kandinsky. Le monde objectif se dissout ici dans le mouvement des plans et des lignes, aux couleurs complexement harmonisées.

Kazimir Sévérinovitch Malevitch (1878-1935). Portrait de l'artiste M. V. Matyushin 1913. Huile sur toile. 106,5x106,7

En 1913, un mouvement artistique apparaît parmi les futuristes russes : le cubo-futurisme. Ses créateurs ont cherché à synthétiser les idées du futurisme et du cubisme. La tâche principale du futurisme est de transmettre une impression de mouvement.

Malevitch a composé le portrait de Matyushin à partir de différents plans géométriques, ce qui, à première vue, le rend similaire au style des œuvres cubistes de Picasso et Braque. Mais il y a aussi une différence significative : les fondateurs du cubisme ont écrit principalement en technique monochrome, tandis que Malevitch utilise activement des techniques riches. Schéma de couleur. Autre particularité du tableau : malgré toute l'abstraction, des détails réalistes sont dispersés sur la toile. Ainsi, par exemple, la partie du front avec les cheveux peignés au milieu répète exactement la coiffure de Matyushin, selon le témoignage de personnes qui l'ont connu. C'est peut-être le seul détail indiquant qu'il s'agit d'un portrait. Matyushin n'était pas seulement un artiste, mais aussi un compositeur, il n'est donc pas difficile de deviner que la ligne de rectangles blancs divisant l'image en diagonale est un clavier de piano (et sans touches noires - un indice sur l'originalité du système musical de Mikhail Vasilyevich Matyushin ).

Stanislav Ioulianovitch Joukovski (1875-1944). Joyeux mai 1912. Huile sur toile. 95,3x131,2

S. Yu. Zhukovsky, un artiste russe d'origine polonaise, a représenté l'intérieur dans le tableau « Joyeux mai ». maison de campagne, par la fenêtre ouverte de laquelle fait irruption une chaude journée ensoleillée de mai, transformant toute la pièce avec des jeux de lumière. L'œuvre perpétue les traditions de la peinture intérieure de l'époque romantique, principalement de l'école d'A. G. Venetsianov. L'intérieur ensoleillé a été peint sous l'influence de l'impressionnisme, dont la version russe se caractérise par une note lyrique.

Les vieux murs en bois, les chaises Empire au revêtement bleu placées le long d'eux entre les ouvertures des fenêtres et les portraits des habitants de cette maison, morts depuis longtemps, en disent long. L'intérieur est rempli d'un motif de profonde nostalgie. Tout ici respire le passé, mais la lumière joyeuse qui se répand partout en mai atténue les notes mineures et fait progressivement vivre cet intérieur. Fleurs bleues sur le rebord de la fenêtre illuminé - comme symbole de ceux qui sont venus une vieille maison renouveau caractéristique de toute nature.

Boris Mikhaïlovitch Koustodiev (1878-1927). Maslenitsa 1916. Tempera sur toile. 61x123

Les toiles du peintre, graphiste et artiste de théâtre B. M. Kustodiev sur le thème des festivités et des vacances d'hiver sont remplies de joie et d'amusement. Parmi eux, la place centrale appartient à l'image de la Maslenitsa russe avec des promenades à cheval, des combats au poing et des stands. Pour l'artiste, cette fête est comme un carnaval, dans lequel tout est décoratif et beau : des gens richement vêtus de châles colorés et de manteaux de fourrure marchent ; les chevaux courent, décorés de rubans, de cloches et de fleurs en papier ; et même la nature elle-même semblait revêtir ses plus belles tenues.

Dans ses nombreuses peintures consacrées à Maslenitsa et à d'autres fêtes folkloriques, il était important pour Koustodiev de souligner le tourbillon vertigineux d'émotions. C'est peut-être pour cela que le principal motif de mouvement en eux a toujours été la troïka en course incontrôlable. La dynamique de ces œuvres repose sur des techniques de composition de l'art théâtral et décoratif : le jeu contrasté de l'ombre et de la lumière, l'utilisation de « scènes ». Ces toiles sont si décoratives par leur couleur et construction compositionnelle, qui ressemblent à des boîtes peintes bizarres. Ce qui est d’autant plus surprenant est que la plupart des œuvres du maître ont été écrites de mémoire et représentent des images généralisées de la Russie dans son ensemble. Leurs héros sont débarrassés de tout ce qui est négatif : ils sont gentils, poétiques, pleins de dignité et vivent dans le respect des lois et des traditions. Et il existe un sentiment involontaire que le monde patriarcal est inévitablement en train de devenir une chose du passé.

Robert Rafaïlovitch Falk (1886-1958). Meuble rouge 1920. Huile sur toile. 105x123

R.R. Falk était peintre, dessinateur, artiste de théâtre et membre d'associations telles que « World of Art », « Jack of Diamonds », et plus tard OMH et AHRR. Les toiles de cet artiste se distinguent par leur volume de forme magnifiquement transmis. Dans certaines œuvres, le maître a introduit une déformation brutale, ce qui lui a permis de souligner la tension interne de l'image.

Cela se remarque également dans le tableau « Meubles rouges » : malgré le fait qu'il n'y ait pas personnages, les changements de formes et l'expression des couleurs sont si saturés d'émotions que le spectateur développe involontairement un sentiment d'appréhension alarmant. L'impression est renforcée par la manière d'écrire capricieuse, voire « excitée », soulignant la tension du rythme formé par les objets situés dans la pièce et les ombres qui en tombent. Les chaises à dossier haut et un canapé sont « habillés » de housses rouges. Ils cachent les véritables formes du meuble et lui donnent des contours flous. Au centre de la composition se trouve une table, à la surface de laquelle se déroule une sorte de bataille : noirs et couleurs blanches- comme une image d'opposition absolue et en même temps d'unité éternelle du monde.

David Petrovitch Shterenberg (1881-1948). Aniska 1926. Huile sur toile. 125x197

D. P. Shterenberg était l'un des organisateurs et membres actifs de la Society of Easel Painters. Les œuvres du maître se caractérisent par la netteté expressive des images, la composition laconique, la généralité et la clarté du dessin et la construction délibérément plate de l'espace.

Pourtant, l’héroïne de l’artiste n’est pas joyeuse, heureux de la vie une athlète, mais une paysanne, dans l'esprit de laquelle le souvenir de la famine des années 1920 est conservé à jamais. Elle se tient près de la table, sur laquelle se trouve une assiette avec une croûte de pain noir. La table est absolument vide, c'est un champ nu avec un seul objet symbolique : le pain. Shterenberg refuse de reproduire la réalité en détail, créant un espace bleu-brun conditionnellement illusoire.

En utilisant des moyens de couleur et de composition clairsemés mais précisément calibrés, Shterenberg recrée la tragédie de l’époque.

Sergueï Alekseevich Luchishkin (1902-1989). Le ballon s'est envolé 1926. Huile sur toile. 69x106

S.A. Louchishkine - Artiste soviétique, rejoint la « deuxième vague » post-révolutionnaire de l’avant-garde russe et participe à plusieurs des expériences artistiques les plus radicales des années 1920. Un contenu scénique et ludique, généralement très dramatique, distingue les meilleures œuvres de chevalet du maître.

L’image de la réalité que l’auteur a créée dans le tableau « La balle s’envole » va à l’encontre de l’art soviétique officiel des années 1920. L'artiste a représenté des bâtiments de grande hauteur, comme s'il resserrait l'espace entre eux. Dans une cour vide, au fond, délimitée par une clôture, se tient une petite fille. Elle regarde le ballon s'envoler dans l'espace vide sans fin. Les fenêtres montrent des scènes de la vie quotidienne des habitants des immeubles de grande hauteur. L'artiste ne montre pas l'avenir brillant et heureux du peuple soviétique, mais raconte la vie quotidienne réelle, loin d'être romantique. Des signes tragiques apparaissent à travers la naïveté extérieure : une figurine de suicide suspendue dans un coin de la peinture célèbre maîtrise

Marc Zakharovitch Chagall (1887-1985). Au-dessus de la ville 1914-1918. Toile, huile. 141x197

La capacité de combiner le noble et l'ordinaire est une qualité individuelle de l'œuvre de M. Z. Chagall, l'un des représentants les plus célèbres de l'avant-garde artistique du XXe siècle. Le tableau «Au-dessus de la ville» représente deux amoureux - l'artiste et sa bien-aimée Bella, survolant Vitebsk facilement, gracieusement et aussi naturellement que s'ils se promenaient simplement dans les allées du parc. Aimer, être heureux et survoler une ville de tous les jours est aussi naturel que se serrer dans les bras, c'est l'idée qu'affirment les héros.

Ce tableau de Chagall était destiné à un étrange destin. Propriété de la Galerie nationale Tretiakov, elle est peut-être devenue l'œuvre la plus œuvre populaire artiste dans l’espace post-soviétique. La raison en était en grande partie son accessibilité, contrairement aux œuvres de Chagall qui étaient cachées de manière fiable aux regards indiscrets. rideau de fer. En plongeant dans le monde des petites maisons et des clôtures branlantes, si soigneusement peintes par le maître, vous commencez à vous surprendre à penser que vous vous trouvez dans le Vitebsk de la jeunesse de Chagall - une ville qui, hélas, n'existe plus. « Les watts et les toits, les maisons en rondins et les clôtures et tout ce qui s'ouvrait plus loin, derrière eux, me ravissaient. Quoi exactement - vous pouvez le voir dans mon tableau « Au-dessus de la ville ». Et je peux vous le dire. Une chaîne de maisons et de stands, des fenêtres, des portails, des poulets, une petite usine fermée à clé, une église, une douce colline (un cimetière abandonné). Tout est bien en vue, si vous regardez depuis la fenêtre du grenier, perché sur le sol », telle est une citation de l'autobiographie « Ma vie », que Chagall a écrite après avoir quitté la Russie.

Martiros Sergueïevitch Sarian (1880-1972). Montagnes. Arménie 1923. Huile sur toile. 66x68

M. S. Saryan est le plus grand maître de la peinture arménienne du XXe siècle, qui a perpétué les traditions du symbolisme. Dans le tableau de l’artiste des années 1920 « Montagnes. Arménie" présenté image collective Arménie, et non des images spécifiques de lieux individuels. Par leur luminosité et leur émotivité, ces œuvres sont proches des œuvres pré-révolutionnaires de Sarian, ne différant de ces dernières que par leur plus grand monumentalisme. Ayant voyagé dans tous les endroits les plus remarquables d'Arménie pendant près de quatre décennies, travaillant beaucoup dans la nature, l'artiste a créé un grand nombre de paysages divers. À la fin des années 1920, la méthode de travail de Sarian dans le domaine du paysage change. Au lieu de peintures à la détrempe à séchage rapide, cela fonctionne Peinture à l'huile, permettant de réaliser des paysages directement d'après le vivant, et non de mémoire, comme auparavant.

Piotr Petrovitch Konchalovsky (1867-1956). Portrait de V. E. Meyerhold 1938. Huile sur toile. 211x233

Pendant la période des répressions massives, peu avant l'arrestation et la mort de Meyerhold, P. P. Konchalovsky a dressé un portrait de cet exceptionnel personnage de théâtre. Pour le réalisateur-réformateur Vsevolod Emilievich Meyerhold, l'année 1938 commence de façon dramatique : le 7 janvier, le Comité des Arts adopte une résolution visant à liquider le Théâtre d'État du nom de Meyerhold (GOSTIM).

Pour souligner le conflit entre l'individu et la réalité environnante, lors de la création du portrait du réalisateur, l'artiste a utilisé une solution de composition complexe. À première vue, il semble que la toile représente un rêveur dont les rêves s'incarnent dans des motifs colorés recouvrant tout le mur et le canapé jusqu'au sol. Mais en y regardant de plus près, on discerne l’apathie douloureuse du modèle, son détachement du monde qui l’entoure. C’est par la juxtaposition d’un tapis lumineux, densément couvert d’ornements, et de la silhouette monochrome du réalisateur, qui se retrouve illusoirement prise en sandwich et empêtrée dans les courbes bizarres des motifs, que Konchalovsky crée un stress émotionnel, révélant le contenu de l'image.

Ilya Ivanovitch Machkov (1881-1944). Nourriture de Moscou 1924. Huile sur toile. 129x145

L'un des fondateurs de l'association artistique « Jack of Diamonds », I. I. Mashkov a parlé de sa peinture ainsi : « Je voulais prouver que notre système soviétique art pictural Il doit être en accord avec notre époque et être compréhensible, convaincant et intelligible pour chaque travailleur. Je voulais montrer un art réaliste dans cette intrigue simple. La nature morte « Pains » est notre boulangerie ordinaire moscovite de son époque... et la composition est un peu négligente, maladroite, mais la nôtre, Moscou, locale et non parisienne... Les pains sont notre Mère Russie... chérie, le pain , orchestral, orgue, chorale. L'artiste est cependant fallacieux : il ne dit pas qu'il a peint sa nature morte de mémoire.

Immédiatement après la présentation de cette œuvre à l'exposition, elle a été reconnue comme un classique Peinture soviétique. La critique soviétique officielle a noté la correspondance entre les natures mortes et les tâches de la peinture du réalisme socialiste : en effet, il y a la famine dans le pays, mais dans l'art il y a une abondance étonnante ! Néanmoins, cette œuvre révèle l'extraordinaire don de l'artiste pour la peinture : composition dynamique, richesse des couleurs, toutes ces caractéristiques sont caractéristiques des artistes du « Valet de Carreau ».

Vera Ignatievna Moukhina (1889-1953). Julia 1925. Arbre. Hauteur 180

La sculpture du maître exceptionnel du XXe siècle V.I. Mukhina a été acquise en 2006 pour la collection de la Galerie nationale Tretiakov. L'œuvre est déjà présentée dans l'exposition permanente du musée de Krymsky Val. Le titre de l'œuvre est associé au nom de la ballerine Podgurskaya, qui en était le modèle. L'auteur a incarné un concept artistique complexe dans une figure présentée dans un mouvement en spirale. Il s'agit d'un exemple rare de sculpture en bois qui a conservé le caractère unique de l'artisanat. Le critique d’art russe A. V. Bakushinsky l’a qualifié de « sculpture véritablement ronde ».

Vera Ignatievna aimait beaucoup ce travail et le garda dans son atelier jusqu'à ses derniers jours. En 1989, la sculpture « Julia » a été incluse dans l'exposition personnelle de V.I. Mukhina, organisée dans l'enceinte de la galerie à l'occasion de son centenaire. Plus tard, le chef-d'œuvre plastique appartenait à la famille de son fils V. A. Zamkov, qui a légué après sa mort le transfert de l'œuvre à la collection de la Galerie nationale Tretiakov.

Sarra Dmitrievna Lebedeva (1892-1967). Fille au papillon 1936. Bronze. Hauteur 215

« La Fille au papillon » est un moulage en bronze d'une sculpture paysagère destinée à décorer le Parc central de la culture et des loisirs de Moscou (il existait une version en ciment non conservé dans le parc). La plasticité de la statue traduit le mouvement prudent de la jeune fille, essayant de ne pas effrayer le papillon qui s'est posé sur sa main. Dans cette œuvre, comme dans l'ensemble de son œuvre, la sculptrice et artiste Sarra Lebedeva apparaît comme une psychologue subtile qui remarque état émotionnel de son modèle essayant « d’arrêter le moment » et de tenir le papillon.

Nikolaï Konstantinovitch Istomin (1886 (1887)-1942). Universités 1933. Huile sur toile. 125,5x141,5

Istomin, qui a reçu une éducation artistique à Munich, membre des associations Makovets et Four Arts, après leur liquidation au début des années 1930, a rejoint l'Association des Artistes Russie révolutionnaire. Dans le tableau «Vuzovki», l'artiste aborde le thème de la jeunesse, futurs bâtisseurs du socialisme, qui était pertinent pour l'art de l'époque stalinienne. Mais la solution de cette œuvre, tant en termes de pittoresque que de contenu, n'a pas grand-chose en commun avec l'optimisme des affiches des peintures thématiques de ces années-là. Il révèle les techniques de peinture caractéristiques d'Istomin, qui se sont développées en période au début créativité sous l'influence du fauvisme.

Chambre confortable avec une grande fenêtre carrée dans un mur vert foncé, derrière elle se trouve une perle rose (contrairement à la couleur profonde et forte à l'intérieur) ville d'hiver. À contre-jour se détachent les silhouettes gracieuses de deux jeunes filles en noir, occupées à lire. Les héroïnes de l'œuvre se ressemblent comme des sœurs jumelles. Au premier coup d'œil, devant nous genre de tous les jours, mais le sens de cette grande toile peinte de manière large et audacieuse n'est clairement pas dans les détails de l'histoire ni dans les personnages des filles, ni dans leurs activités. Cette image, ordinaire dans son intrigue, semble être une fenêtre ouverte sur une autre époque révolue et semble plonger le spectateur dans l'atmosphère spirituelle des années 1930. Le tableau, aux couleurs strictes, presque graphiques, se distingue par son lyrisme et se démarque nettement parmi les œuvres d'art pompeuses de cette période.

Pavel Dmitrievitch Korine (1892-1967). Alexandre Nevski. La partie centrale du triptyque 1951. Huile sur toile. 72,5x101

L'artiste a créé une toile glorifiant Armes russes pendant une période difficile pour le pays, pendant la Grande Guerre Patriotique. L'image centrale du triptyque représente le prince Alexandre Iaroslavitch, surnommé Nevski pour sa victoire sur les Suédois lors de la bataille de la Neva en 1240 et canonisé par l'Église orthodoxe russe en 1549. Le prince apparaît au spectateur comme un personnage déterminé, courageux commandant. Un guerrier aux larges épaules, vêtu d'une armure, tenant une grande épée devant lui, se tient dans le contexte des étendues russes sans fin et garde avec vigilance ses terres natales. Alexandre Nevski incarne le courage et le courage du peuple russe, prêt à se battre jusqu'à la dernière goutte de sang pour sa liberté et son indépendance. "Je voulais", se souvient l'artiste, "transmettre le caractère de l'homme russe, incarner l'esprit de courage, qui fait partie intégrante de la nation, qui a encouragé le peuple russe à se battre jusqu'à la mort dans les batailles et à se déplacer. avant. Cet esprit de désobéissance au destin, dont la volonté et la persévérance résonnent dans « Le Conte de la campagne d’Igor », dans les premiers poèmes de Pouchkine et dans nos propres cœurs.

Sur la base de la peinture, des mosaïques ont ensuite été réalisées pour la station Komsomolskaya-Koltsevaya du métro de Moscou.

Youri (Georgy) Ivanovitch Pimenov (1903-1977). Nouveau Moscou 1937. Huile sur toile. 140x170

Depuis le milieu des années 1930, Pimenov, l'un des fondateurs de la Société des peintres de chevalet, a travaillé sur une série de peintures sur Moscou, parmi lesquelles la toile « La Nouvelle Moscou » est devenue particulièrement populaire. Les artistes ont travaillé avec un enthousiasme sincère pour créer une nouvelle mythologie soviétique, qui nécessitait d'autres formes. Le tableau «Nouveau Moscou» correspond pleinement à l'air du temps. La composition est conçue comme un cadre capturé par l’objectif d’un appareil photo. L’auteur s’intéresse à la figure d’une femme au volant d’une voiture, phénomène inédit dans les années 1930. Le spectateur semble être assis derrière elle et regarder le nouveau matin de Moscou depuis une voiture découverte. La masse monolithique du bâtiment Gosplan nouvellement érigé, l'avenue libre et l'immensité des places, la lettre écarlate du métro récemment ouvert - tout cela est un Moscou renouvelé. La couleur, jouant avec de nombreuses nuances et tons, les traits en mouvement traduisent le mouvement de la voiture et la vibration de l'environnement lumière-air. Le style de peinture impressionniste donne à l'œuvre fraîcheur et élégance - c'est exactement ainsi que la nouvelle capitale, et avec elle la nouvelle vie soviétique, aurait dû être perçue. Cependant, l’année au cours de laquelle ce tableau a été créé contredit clairement le thème optimiste du « chemin lumineux ».

Alexandre Mikhaïlovitch Gerasimov (1881-1963). Portrait de la ballerine O. V. Lepeshinskaya 1939. Huile sur toile. 157x200

Le talent extraordinaire du peintre, son style de peinture joyeux et « succulent » - tout cela au fur et à mesure qu'A. M. Gerasimov progresse dans échelle de carrière le réalisme socialiste acquit un éclat cérémonial. Gerasimov a créé toute une galerie de portraits de personnalités éminentes de l'État soviétique et parti communiste Union soviétique, chefs militaires armée soviétique, représentants de la science, de la littérature, du théâtre et des beaux-arts soviétiques. Dans le contexte des visages de la bureaucratie du parti, l'artiste a trouvé un débouché dans les portraits de l'intelligentsia créatrice (ballerine O. V. Lepeshinskaya, portrait de groupe des artistes les plus anciens I. N. Pavlov, V. N. Baksheev, V. K. Byalynitsky-Biruli, V. N. Meshkov) et d'autres. .

Posséder technique impeccable, Lepeshinskaya était compétente dans chaque image créée sur scène de ballet, reflètent votre propre caractère, vif et pétillant. L'artiste surprend la ballerine au moment de la répétition. L'héroïne s'est figée un instant devant le spectateur dans un pas de danse typique - elle se tient sur des pointes, ses mains sont sur son tutu, sa tête est légèrement tournée sur le côté, comme si elle se préparait pour sa prochaine apparition dans le au milieu de la salle de répétition. Un autre moment - et la ballerine continuera à danser. Ses yeux pétillent, elle est pleine d'inspiration et d'amour pour son métier. Dans le film, la représentation traditionnelle se conjugue avec un nouveau regard sur l'activité créatrice. La danse dans la vie d'une ballerine est le sens le plus élevé de son existence.

Mikhaïl Vassilievitch Nesterov (1862-1942). Portrait du sculpteur V. I. Mukhina 1940. Huile sur toile. 75x80

Le tableau représente Vera Mukhina, une sculptrice soviétique, auteur de nombreux oeuvres célébres, dont le célèbre groupe « Ouvrière et fermière collective », présenté à exposition mondialeà Paris en 1937. Vera Ignatievna apporte les derniers ajouts au prototype de la future sculpture. Dans une main, elle tient un petit morceau d'argile et, de l'autre, elle augmente le volume de l'un des héros. Ce qui est capturé ici, c'est l'acte direct de créativité, le moment où quelque chose naît d'un morceau d'argile informe. vrai travail art.

Le centre de composition de l’œuvre est une broche rouge vif retenant le col d’un chemisier blanc. Nesterov oppose la concentration de Mukhina au dynamisme rapide et à l’impulsion désespérée qu’elle transmet dans sa création. Grâce à ce contraste émotionnel, "Portrait du sculpteur V. I. Mukhina" reçoit une expressivité particulière et une vie intérieure active, révélant ainsi le caractère complexe de Vera Ignatievna elle-même.

Tair Teymurazovich Salakhov (né en 1928). Portrait du compositeur Kara Karaev 1960. Huile sur toile. 121x203

Dans le portrait du remarquable compositeur azerbaïdjanais Kara Garayev, l'artiste a cherché à montrer le processus difficile de la naissance de la musique. Une pose concentrée, fermée d'un point de vue psychologique au spectateur, parle d'une extrême concentration sur voix intérieure. Le processus créatif peut être intense et long, pendant lequel la vie extérieure semble se figer pour une personne immergée en elle-même, ou s'éternise excessivement longtemps sur une seule note jusqu'à ce qu'une solution soit trouvée. Est-ce pour cela que le long piano noir semble si interminable, sur lequel se détache la figure assise du compositeur ? Photo de ceci instrument de musique donne le rythme mesuré de la composition et sert de contraste nécessaire au héros vêtu d'un pull blanc. L’artiste apporte les contours rigides de la silhouette et des objets intérieurs de Karaev presque à une conception graphique. Le talent artistique intérieur du compositeur, son talent et sa tension créatrice sont révélés par le système de couleurs.

Grigori Ivanovitch Kepinov (Grigor Ovanesovitch Kepinyan) (1886-1966). Torse féminin 1934-1946. Marbre. Hauteur 71

Le célèbre sculpteur soviétique G. I. Kepinov, qui a étudié à l'Académie parisienne de Julien, considérait qu'il était de son devoir de préserver les traditions académiques en sculpture. Il a peint les portraits de plusieurs de ses contemporains.

Le marbre « Torse féminin » est une belle incarnation sculpturale de la beauté féminine, mais contrairement à sa compréhension classique, il s’agit d’une beauté héroïque, en phase avec les idéaux de l’époque. Le beau corps nu est tendu, le mouvement de libération de la figure du bloc de pierre rappelle les œuvres inachevées de Michel-Ange.

Oleg Konstantinovitch Komov (1932-1994). Verre 1958. Bronze. Hauteur 60

La composition sculpturale en bronze « Verre » a été créée par O.K. Komov un an avant la fin du Moscou institut d'art eux. V. I. Surikova. Le style de l'auteur est défini comme un style dur (ou un réalisme dur), apparu principalement dans la peinture de la fin des années 1950 et du début des années 1960 et poétisant la vie quotidienne. des gens ordinaires, leur force et leur volonté. Le style austère se caractérise par le désir d’une image monumentale, qui se révèle également dans la composition sculpturale de Komov.

Son héroïne est une simple jeune ouvrière dont des mains fortes- et avec les mains de millions de personnes comme elle - un pays est en train de se construire. La vie dure et le travail difficile ont survécu à la grâce et à la fragilité. La « barbarie » n’est pas à la mode : le travail est honorable. La calme assurance de la pose de l’ouvrier contraste avec la position précaire du verre, et l’ensemble de la composition donne l’impression de l’unité de ces opposés.

L'espace devient l'une des composantes principales de ce travail. Sa relation avec la figure féminine est complexe et ambiguë. Le large geste de la main de l'héroïne est ouvert sur le monde extérieur, interagissant activement avec lui, mais son espace est limité par les contours du verre dans lequel elle est serrée, comme dans un cadre. Le verre est un prisme à travers lequel elle perçoit le monde, mais aussi un mur invisible entre elle et ce monde.

Arkady Alekseevich Plastov (1893-1972). Printemps 1954. Huile sur toile. 123x210

L'un des représentants éminents de l'école de peinture de Moscou, A. A. Plastov a poursuivi dans son œuvre les traditions de V. A. Serov, A. E. Arkhipov et des maîtres de l'Union des artistes russes. Fidèle au thème paysan, où « la chair humaine serait montrée avec toute sa ferveur dans la plus grande tension et vérité », la couleur organique et la spontanéité de l'impression dans le « grand » tableau sont caractéristiques des œuvres de l'artiste des années 1940-1950.

Dans le tableau « Printemps », le peintre a réussi à capturer cet idéal de beauté féminine, physique et spirituelle, qui vit dans l'imagination de chaque personne et, en règle générale, ne s'incarne pas dans vrai vie. La froideur, un certain détachement de l'écriture, l'image touchante d'un enfant, la simplicité et le naturel de l'intrigue placent cette œuvre sur un piédestal de pur délice et d'amour chaste, inaccessible à la perception sensorielle. Plastov a appelé l'œuvre « Printemps » (et non « Dans les vieux bains publics »), soulignant ainsi son caractère métaphorique et évoquant toute la série associative d'images de l'art mondial associée à ce mot.

XX-XXI SIÈCLES 1922. « Marche sur Rome » de Benito Mussolini, ce Duce (« leader ») fait de Rome le centre du fascisme italien. La rue principale de la Via dei Fori Imperiali est aménagée en 1943. Après le bombardement dévastateur de Rome par les avions alliés, Mussolini fut arrêté par le service

Extrait du livre de Rhodes. Guide par Fürst Florian

XX-XXI siècles 1912. L'Italie s'empare de Rhodes, puis du reste des îles du Dodécanèse, en 1923. Le Traité de Lausanne assure la domination italienne sur l'île. 1943. L'Allemagne occupe Rhodes et expulse tous les Juifs rhodésiens de l'île en 1944. 1945. Troupes grecques

Extrait du livre Guide de mots croisés auteur Kolosova Svetlana

Artistes du XXe siècle 3 Rouault, Georges - peintre français. Yuon, Konstantin Fedorovich - peintre russe. 4 Braque, Georges - peintre français. Gris, Juan - peintre espagnol. Dali, Salvador - peintre espagnol. Dufy, Raoul - peintre français. Léger, Fernand – français

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CHAPITRE 6 Art militaire. Art opérationnel L'AIR DOMINANCE est la supériorité décisive de l'aviation de l'une des parties dans l'espace aérien d'un théâtre d'opérations, d'une zone opérationnelle importante ou dans une certaine zone. Permet à l'Armée de l'Air ainsi qu'aux Forces terrestres

Extrait du livre Budapest et ses banlieues. Guide de Bergmann Jurgen

XIX-XX siècles 1848. L'organisation Jeune Hongrie, dirigée par le poète Sándor Petőfi, prône des réformes démocratiques bourgeoises dans le pays et évoque la Révolution de mars. À l'automne, les Habsbourg commencent à réprimer le soulèvement. Sandor Petofi est mort en 1849 dans la lutte pour

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XX et XXI siècles 1908. Une lutte brutale pour renverser la monarchie. Tentative d'assassinat du roi Carlos Ier et héritier du trône Luis Filipe, 5 octobre 1910. Proclamation de la République. Le roi Manuel II s'enfuit en Angleterre, 1926. Dictature militaire : dissolution du Parlement, cessation des activités politiques

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Nigel Blundell Encyclopédie des sensations mondiales du 20e siècle VOLUME 1 : Crimes

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Tombée dans les siècles anciens (avant le 19ème siècle) Nouveau le 30/10/2014 Grinberg Oksana Koroleva. Survivez pour ne pas devenir fou Posnyakov Andrey Wild Field Korchevsky Yuri Atlant. Vendeur de temps Korchevsky Yuri Gold of the Dead. Noble Korchevsky Yuri Tempête du temps

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Art et... contrefaçons d'art Tout le monde ne sait pas encore qu'en littérature, comme dans toute forme d'art, il existe une division entre art et contrefaçons d'art, même si cela devrait être évident. Par exemple, l’amour est un art, mais le sexe est un faux.

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J'aime l'art. L'art de communiquer Voir aussi « RP » (p. 178) ; "Travailler avec les gens. Travail d'équipe" (p. 307) Le plus utile de tous les arts est l'art d'être apprécié. Philip Chesterfield (1694-1773), diplomate et écrivain anglais. Il faut supposer que si une personne raisonnable n'a aucun désir

Extrait du livre Galerie nationale Tretiakov auteur auteur inconnu

Art du XVIIIe siècle par Louis Caravaque. "Portrait de l'impératrice Anna Ioannovna." 1730 Ivan Nikititch Nikitine (vers 1680-1742) Portrait du comte G. I. Golovkine années 1720. Toile, huile. 73,4x90,9 Comte Gavriil Ivanovitch Golovkine (1660-1734) - l'un des fidèles associés de Pierre Ier, premier chancelier de la Russie

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Art de la première moitié du XIXe siècle Vasily Andreevich Tropinin. "La Dentellière." 1823 Orest Adamovitch Kiprensky (1782-1836). Portrait de la comtesse E. P. Rastopchina 1809. Huile sur toile. 61x77 Les images féminines créées par le maître reconnu du portrait O. A. Kiprensky constituent une page inestimable dans

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Art de la seconde moitié du XIXe siècle Vasily Vladimirovich Pukirev. "Mariage inégal". 1862 Konstantin Dmitrievitch Flavitski (1830-1866). Princesse Tarakanova 1863. Huile sur toile. 187,5x245L'histoire de l'imposture en Russie est un sujet qui a constamment excité l'imagination des artistes russes.

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Art du XXe siècle Zinaida Evgenievna Serebryakova. «Derrière les toilettes. Autoportrait." 1909 Kouzma Sergueïevitch Petrov-Vodkine (1861-1939). Baignade du cheval rouge 1912. Huile sur toile. 160x186 En 1912, lors de l'exposition World of Art, apparaît le tableau de K. S. Petrov-Vodkin « Le bain du cheval rouge », qui

Nous ne parlerons pas des lacunes de la précédente exposition d'art du XXe siècle. En raison de nombreuses circonstances, la nouvelle exposition a été créée à la fin de la célébration du 150e anniversaire du musée, en mai 2007. Or l’art du XXe siècle commence au bon moment, à partir des années 1900. Même avant cela, les artistes de "Jack of Diamonds" - N. Goncharova, M. Larionov, A. Kuprin, I. Mashkov, P. Konchalovsky, R. Falk - ont quitté Lavrushinsky Lane. Mais le visiteur ne pourra plus voir toute la perspective des salles. Chaque pièce a son propre design fermé, de sorte que chaque pièce suivante conserve son intrigue. Les œuvres de l'artiste ne sont pas toujours rassemblées dans une seule pièce. Dans les salles 1 et 20, vous trouverez des œuvres de N. Goncharova.

Parmi les peintures, il n'y a pas beaucoup de sculptures, mais dans l'une des salles, une nouvelle acquisition du musée est présentée - la sculpture en bois "Julia" de V. Mukhina.

V. Kandinsky et M. Chagall ont leurs propres habitats, auparavant les œuvres de ces artistes étaient presque toujours absentes, elles participaient à des expositions à l'étranger.

Dans les salles graphiques, les spectateurs trouveront toujours de nouvelles œuvres de maîtres célèbres du XXe siècle. Auparavant, le musée représentait la peinture, le graphisme et la sculpture. Aujourd'hui, la variété est complétée par des vitrines contenant des objets d'art décoratif et appliqué et de photographie. Malheureusement, le musée n’a pas acheté les photographies originales d’A. Rodchenko ; il expose désormais des tirages modernes à partir des négatifs de l’auteur, cadeau de la famille du photographe.

Bien sûr, sur Krymsky Val, il devrait y avoir un symbole d'une nouvelle vie et d'un nouvel art, « Le bain du cheval rouge » de K. Petrov-Vodkin. Cette œuvre a une forte impression émotionnelle sur le spectateur. Fans de « Le bain du cheval rouge », dépêchez-vous d’y jeter un œil, cette photo est aussi souvent envoyée à l’étranger. Ensuite, P. Kuznetsov a été exposé. Je me demande ce qui est arrivé à ses salles Goluborozovsky à Lavrushinsky ?

Et l'on remarque que les quinzièmes salles sont déjà exposées, mais qu'il n'y a toujours rien de l'exposition précédente. Et c'est même dommage. Au cours des 6 dernières années, les visiteurs ont non seulement regardé l'exposition, mais sont également tombés amoureux de œuvres individuelles. Toutes les peintures précédentes ont-elles été supprimées ? Je m'empresse de vous rassurer. Les ouvriers de Pimenov, à leur ancien poste, donnent au pays l'industrialisation, et le "gardien" A. Deineka attrape le ballon. Ce n'est que maintenant que le travail des artistes est représenté non seulement par des œuvres officielles, mais aussi par des œuvres lyriques - "Mère" de Deineka. Il y a aussi des sportives d'A. Samokhvalov.

Pour une raison quelconque, la sculpture est rassemblée dans une pièce séparée, tandis que les salles de peinture exposent une œuvre à la fois. Peut-être que dans la version ultérieure de l’exposition il y aura une unification plus complète des arts.

La vie des citoyens soviétiques n'est plus illustrée désormais par les pionniers et les membres du Komsomol, mais par les affaires quotidiennes ordinaires de toute personne. Dans le musée, les spectateurs verront des scènes dans un salon de coiffure, lors d'une promenade et chez une cireuse. Et nos chers dirigeants Lénine et Staline, leurs images sont-elles toujours au musée ? Le portrait de « V. I. Lénine à Smolny » par I. Brodsky se trouvait au début de l'exposition, aujourd'hui dans sa seconde moitié, dans la salle 25. C'est un beau portrait en composition, Schéma de couleur. C’est bien qu’il ait trouvé sa place dans la nouvelle version de l’exposition. Les qualités artistiques de l’œuvre dépassent de loin sa composante politique.

La pièce suivante est la 26, appelée « pièce avec fenêtre ». Cette salle a presque entièrement conservé son pathos idéologique. Voici "I.V. Staline et K.E. Vorochilov" de A. Gerasimov, un modèle de "Ouvrière et fermière collective" de V. Mukhina, et à l'extérieur de la fenêtre, vous pouvez voir l'œuvre impérissable de Z. Tsereteli "Pierre Ier".

Après la salle pathétique, le public replongera dans vie simple- "Printemps", "Fenaison", "Dîner du conducteur de tracteur" de A. Plastov, ainsi que des paysannes, mères d'enfants. Des œuvres consacrées à la Grande Guerre Patriotique ont été entreposées.

L'exposition est complétée par les salles des classiques vivants - T. Salakhov et le petit Aidan sur un cheval jouet blanc.

Dans la dernière salle, quelque chose de spécial sera toujours présenté : désormais, les « Saisons de la peinture russe » de A. Vinogradov et V. Dubosarosky y sont exposées. Un collage audacieux de de célèbres tableaux, où le visiteur, en reconnaissant les intrigues et les personnages, semble vérifier ce qu'il retient de l'exposition. La salle est ouverte aux expériences d'art contemporain. Avez-vous des idées intéressantes? Contactez la Galerie Tretiakov sur Krymsky Val (N. Tregub)