Comment peindre des fleurs à l'huile sur toile. Peinture à l'huile : paysages et peintures à l'huile pour débutants

Les plus grands chefs-d'œuvre étaient peints avec des peintures à l'huile ; c'était et c'est toujours la préférence des maîtres de la peinture et de la peinture. artistes célèbres. Mais travailler avec de telles peintures a ses propres caractéristiques uniques et des différences particulières dans les techniques. Par conséquent, de nombreux artistes débutants ont des difficultés à peindre. Dans cet article, nous essaierons de comprendre comment peindre avec des peintures à l'huile, de quels types il s'agit et examinerons également plusieurs techniques de peinture à l'huile.

Dans les magasins spécialisés, les peintures à l'huile sont présentées dans un large assortiment et il existe de nombreuses marques sous lesquelles ces produits d'art sont vendus. Quelle est la particularité des peintures à l'huile ?

La composition comprend divers pigments : minéraux, organiques, synthétiques et terreux. Les mêmes composants sont présents dans d’autres types de peintures, qu’elles soient acryliques ou aquarelles.

Les peintures à l'huile diffèrent des autres par le composant liant - l'huile de lin. C'est ce qui donne la luminosité et la saturation de la couleur, et c'est à cause de cela que de telles peintures mettent beaucoup de temps à sécher. Mais une nouvelle couche d'huile appliquée sur la toile peut être modifiée, c'est-à-dire que vous pouvez ajuster le dessin à plusieurs reprises et appliquer de nouveaux calques par-dessus les anciens.

Une autre caractéristique des peintures à l'huile est qu'elles ne sont pas diluées avec de l'eau, mais avec un solvant spécial, qui utilise également de l'huile végétale. Ce diluant est vendu dans les magasins d'art, tout comme les peintures elles-mêmes.

Quels types existe-t-il ?

Dans chaque magasin spécialisé, vous pouvez trouver trois types de peintures :

• Très artistique. Ce sont des peintures achetées par des professionnels dans leur domaine. Ils sont constitués uniquement de composants de haute qualité et ont donc un coût élevé. Mais pour une bonne peinture, il faut de bonnes peintures qui ne perdront pas leur éclat et ne changeront pas de couleur avec le temps.

• Studio. Ils ne sont pas moins demandés que la première option et se comportent bien sur toile. Convient aux artistes professionnels et débutants.

• Vague. Ils conviennent mieux aux débutants dans le domaine de l'art, car à faible coût, vous pouvez acheter un nombre suffisant de peintures et choisir votre propre technique d'application.

Les fabricants de peintures à l’huile sont situés dans de nombreux pays du monde. Les artistes expérimentés ont déjà sélectionné eux-mêmes les options adaptées au travail. De nombreuses personnes combinent leurs ensembles de différentes sociétés, ce qui est également acceptable.

Les peintures à l'huile sont également divisées en transparentes et opaques. Ces derniers ont une structure plus dense et ne laissent donc pas passer la lumière. Chaque colis doit avoir des marquages ​​spéciaux. Par exemple, la désignation « * » indique la durabilité et la longévité de la peinture sur la toile. Plus il y a de tels symboles sur la peinture, plus la toile finie durera longtemps. Le plus meilleures peintures ont une durée de vie de plus de 100 ans.

Le symbole en forme de carré noir rempli indique que la peinture n'est pas transparente ; si elle est à moitié transparente, elle est translucide.

Les pigments qui donnent à la peinture une couleur particulière peuvent être divisés en pigments organiques et inorganiques. Le premier type donne des nuances plus vives et le second donne des couleurs naturelles. Avec un bon ratio de pigments, les fabricants obtiennent des nuances belles et de haute qualité.

Pour la production de peintures à l'huile, on utilise généralement de l'huile de lin importée, car le lin, qui ne pousse pas sur le territoire de Fédération Russe, a propriétés uniques, grâce à quoi, peintures artistiques ont leurs propres caractéristiques de qualité uniques.

En vidéo : comment choisir les peintures pour la peinture à l'huile.

À propos des techniques de dessin

Se préparer à la créativité ne prend pas beaucoup de temps, d'autant plus que dans les magasins d'art moderne, vous pouvez acheter tout ce dont vous avez besoin pour travailler. Déjà tendues et apprêtées, les toiles peuvent être trouvées dans toutes les tailles, de la plus petite à la plus grande.

Une peinture réalisée avec des peintures à l'huile est très impressionnante. Les traits appliqués par l’artiste semblent séparés les uns des autres. Beaucoup de gens pensent que la peinture à l’huile est une activité assez simple, mais ce n’est absolument pas le cas. Essayons de comprendre comment apprendre à peindre avec des peintures à l'huile.

Chaque maître a sa propre technique de dessin, qui possède ses propres caractéristiques. Les standards sont :

• application multicouche ;
• alla prima - une couche.

La réalisation d'une application multicouche est une technique très complexe dans laquelle il faut être aussi prudent que possible, connaissant toutes les propriétés et caractéristiques des peintures à l'huile. Il faut travailler dans le même style et ne pas diluer la peinture afin de terminer le travail plus rapidement. Une composition diluée peut paraître plus mate et terne sur la toile que d'autres parties. Avec cette technique, l’ensemble du travail nécessitera plus d’un ou deux tubes de peinture.

Lors de l'application d'une seule couche, sachez que la peinture peut rétrécir et que des fissures apparaîtront dans la peinture. Dans ce cas, les artistes laissent sécher complètement la première couche et peignent la seconde. De nombreux artisans utilisent plus souvent cette technique, car la consommation de matière est moindre.

Règles de base

Alors, apprenons à peindre à l'huile. Quelles règles doivent être suivies :

1. La lumière est une condition préalable pour peindre un tableau. Seul un éclairage correctement réglé peut obtenir l’effet souhaité.
2. Les artistes commencent leur travail par les grandes lignes du futur tableau. Le charbon fonctionne bien pour cela. Il peut être facilement essuyé avec un chiffon et l'élément défaillant peut être redessiné. Les lignes tracées au fusain doivent être fixées sur la toile.
3. Dans un tableau, tous les tons et ombres sont obtenus en mélangeant constamment les couleurs. Vous devez clairement comprendre quelles couleurs doivent être mélangées pour obtenir telle ou telle nuance.
4. Les maîtres commencent à peindre leur tableau à partir des éléments les plus frappants de la composition. Autrement dit, vous devez d'abord sélectionner l'élément le plus sombre et le plus clair. Ensuite, vous pouvez commencer tous les autres détails.
5. Une fois le croquis de base réalisé, vous pouvez passer au dessin. Mais il ne faut pas concentrer son attention sur un seul élément. Il est nécessaire d'utiliser progressivement toute la toile.
6. Les artistes recommandent d'utiliser du blanc en quantités beaucoup plus importantes que les peintures d'autres couleurs, car elles sont utilisées plus souvent.
7. La peinture finie met trois jours à sécher, vous pouvez donc apporter des ajustements à la toile le lendemain de la fin des travaux. La zone manquante peut être enlevée avec une spatule. Cela n'endommagera pas la toile ni l'ensemble du tableau. L’ouvrage restera tout aussi solide.
8. Pour les artisans débutants et les amateurs, utiliser des peintures professionnelles n'est pas rentable, puisque les débutants dessineront principalement des croquis.
9. Pour les peintures à l'huile, vous devez préparer un lieu de stockage spécial. Ce dont vous avez besoin pour peindre (peintures, pinceaux, toile, palette) doit être au même endroit et, au premier besoin, ils peuvent être pris et utilisés.
10. Une fois la toile complètement sèche, n'essuyez pas la surface avec un chiffon sale et ne la touchez pas avec vos mains. Ça peut faire mal apparence dessin général.

Peindre étape par étape avec des peintures à l'huile ressemble à ceci.

Les artistes qui peuvent se vanter d'un grand nombre de toiles vous expliqueront comment peindre correctement vos premiers tableaux. Il existe certaines techniques de peinture pour la peinture à l'huile sur toile. Un artiste novice doit commencer à travailler sous la supervision d'un professeur expérimenté. Dès que les dessins peints commencent à se développer et que vos techniques sont identifiées, vous pouvez peindre vous-même à l'huile.

Les vendeurs des magasins de fournitures d'art peuvent également vous dire sur quoi écrire avec de la peinture à l'huile et comment commencer à peindre. Il existe de nombreuses écoles où les gens de tout âge apprennent à peindre. Apprenez à dessiner uniquement à partir de bons artisans peinture!

Master classes sur la peinture à l'huile (2 vidéos)

Peintures étape par étape (23 photos)

La plupart des gens choisissent la couture ou d'autres options comme passe-temps. créativité artistique. De plus, en raison des mêmes biens produits en masse, la demande d’objets faits à la main augmente. Les photos ou images informatiques sont imprimées plusieurs fois. Vous pouvez créer une chose unique en apprenant à peindre des peintures à l'huile. Même un débutant peut comprendre cette technique de peinture.

Même si vous essayez de répéter parfaitement votre intrigue deux fois, vous ne parviendrez toujours pas à en faire une copie exacte. C’est ce qui crée le caractère unique des œuvres d’art.

Matériel nécessaire au travail :

• Hôte.
• Couleurs différentes.
• Pinceaux.
• Solvant et un petit récipient pour celui-ci.
• Palette spéciale pour le mélange.

Les maîtres utilisent également couteaux à palette- des pelles élastiques métalliques spéciales avec des manches en bois, qui servent à appliquer de la peinture sur la base. Il est important pour un débutant de maîtriser les pinceaux.

De plus, les maîtres peignent des tableaux sur chevalet ou un carnet de croquis de haute qualité s'ils vont travailler dans la nature pour représenter des peintures à l'huile d'après nature.

Les paysages pour débutants sont un sujet complexe. Il est préférable de créer des images en utilisant votre imagination ou en utilisant des photographies. Cela facilitera la représentation du paysage.

Selon les professionnels, travailler sur un chevalet est plus facile, car il est plus facile de s’éloigner et d’inspecter le résultat du travail. Au début, vous pouvez essayer de vous entraîner sur la surface de la table, mais il est préférable de prendre une sorte de planche et de la placer sur votre chaise sous un certain angle. Vous obtiendrez un aperçu de votre travail et vous pourrez bien évaluer sa qualité et remarquer vos lacunes à temps.

Rappelez-vous que les peintures s'usent rapidement, vous devez donc les acheter séparément et en grandes quantités. Le formulaire de décharge est disponible en différentes tailles. La peinture blanche disparaît le plus rapidement, mais la peinture noire est consommée en très petites quantités. Vous devez d'abord décider parcelle, puis achetez des peintures de couleurs et de nuances appropriées.

Pour dessiner un bouquet d'automne, vous aurez besoin d'un ensemble, et pour bouquet d'été complètement différent. Afin de ne pas gaspiller votre budget en couleurs inutiles, il est préférable de ne prendre que les nécessaires en quantité approximative. Toutes les couleurs et nuances peuvent être obtenues avec seulement trois couleurs principales(jaune, rouge, bleu), ainsi que blanc et noir.

Galerie : peinture à l'huile (25 photos)

Création et sélection d'une base

Si vous souhaitez vous faciliter le dessin, achetez dans les magasins spécialisés des basiques prêts à l'emploi pour des travaux sur lesquels vous pouvez immédiatement appliquer de la peinture. Ils coûtent une somme décente, mais ils conviennent parfaitement à un débutant, car ils simplifient grandement le travail.

Une autre excellente option est utilisation de panneaux de fibres. La maison de chaque homme contient des restes de ce matériau, qui restent après les réparations. Il est facile de le trouver en interrogeant des amis, des proches ou un proche. Quelqu’un l’a sûrement utilisé et en a sûrement des restes dans son garage.

La forme des côtés des panneaux de fibres est différente, l'une semble très lisse et l'autre est assez rugueuse, vaguement similaire à une structure tissée. Les deux formes peuvent être utilisées, mais cela vaut la peine de les appliquer sur une surface rugueuse. plus de pièces et des couches d'apprêt, sinon la couleur risque de devenir terne, car la peinture s'enfoncera un peu dans la structure d'un tel produit.

Si vous décidez d'essayer de peindre un paysage à l'huile pour la première fois, vous pouvez prendre une base en panneaux de fibres prête à l'emploi avec un apprêt déjà appliqué. Vous devez prendre une petite feuille, pas plus grande qu'une feuille paysage.

Si vous souhaitez créer une base DPV de vos propres mains, un moyen simple et peu coûteux consiste à utilisation de gélatine simple, vous pouvez y ajouter de la colle PVA pour rendre la couleur blanche. Cet apprêt doit être appliqué en plusieurs couches, en lui permettant de sécher au préalable. Trois fois suffiront. Vous devriez sentir que la surface a changé. Après avoir préparé la base, vous pouvez procéder à la création de l'image.

Peinture à l'huile de classe de maître

Après avoir créé les fondations et préparé les matériaux, nous commençons les travaux par étapes :

• Faites-le sur toile dessin au trait en utilisant un simple crayon ou de la peinture.
• Concentrez-vous sur la répartition des ombres et des reflets (là où il y aura des zones claires et sombres).
• Créez l'arrière-plan et tous les objets volumineux.
• Commencez à dessiner de petites formes et détails.

Parfois s'éloignerà partir de l’image pour évaluer les résultats de vos activités. Mélangez sur la palette pendant que vous peignez. différentes nuances couleurs. La dernière étape consiste à encadrer le tableau.

Master class sur la peinture à l'huile pour débutants

Dans cette master class, nous dessinerons la mer !

Description du dessin pas à pas:

Tout d’abord, vous devez préparer le tableau avec lequel vous allez peindre la mer. Placez la toile sur le chevalet. Créez les premiers traits sur la toile, créant ainsi l'arrière-plan principal. Attendez un peu jusqu'à ce qu'il sèche complètement. Si vous suivez les conseils de la master class, vous pourrez alors peindre un tableau avec des peintures à l'huile de la mer. Après avoir terminé le dessin, vous devez décider d'un nom, et surtout, n'oubliez pas de laisser vos initiales sur l'œuvre. La paternité est très importante car elle permet à votre travail de se démarquer.

Peinture à l'huile. Les bases. Les leçons de Bill Martin pour les débutants.

Il y a des choses que vous devez savoir avant de commencer à peindre à l’huile.
Toutes les peintures sont un mélange de pigment sec et de liquide. Dans les peintures à l'huile, le pigment colorant est mélangé à de l'huile de lin. L'huile de lin est une huile qui sèche par le processus d'oxydation avec l'air. Il absorbe l'oxygène de l'air et cristallise le pigment de la peinture en sur base permanente. Une fois sèche, l’huile ne peut plus être retirée.
Les peintures à l'huile sont épaisses. Ils sont produits en tubes. Les peintures sont pressées sur la palette et mélangées à l'aide d'un couteau à palette pour obtenir de nouvelles nuances. Ensuite, ils sont appliqués sur une toile positionnée verticalement avec des pinceaux élastiques durs.
Les peintures à l'huile sèchent très lentement. En règle générale, vous devez attendre trois jours avant d'ajouter la couche suivante. Ce longue durée le séchage est à la fois un avantage et un inconvénient. Le gros avantage est que vous aurez le temps de comprendre ce que vous avez dessiné. Ceci est très utile lorsque vous effectuez des transitions dégradées d’une couleur à une autre. Ou, si vous n'êtes pas satisfait du résultat alors que la peinture est encore humide, vous pouvez la gratter avec un chiffon, un couteau à palette ou un grattoir en caoutchouc et repeindre.
L'inconvénient est que si vous mettez deux peintures humides l'une à côté de l'autre Couleurs différentes, ils peuvent se mélanger de manière inexacte. La palette, les pinceaux et la toile humide doivent être manipulés avec beaucoup de précautions afin de ne pas tacher vous-même, vos vêtements, votre nourriture et vos meubles.
Vous pouvez travailler avec de la peinture jusqu'à 12 heures à la fois, puis vous devez laisser sécher l'œuvre pendant trois jours, après quoi vous pouvez continuer à travailler. Une fois les peintures séchées, vous pouvez appliquer de nouvelles couleurs par dessus. Il peut y avoir plusieurs couches dans une œuvre. Chaque couche suivante doit avoir la même épaisseur ou plus que la précédente, sinon des fissures se produiront.
Une fois l'ouvrage complètement sec (de trois à six mois), il faut appliquer une couche protectrice de vernis Damara.

DESSIN.

Un dessin complexe se perd rapidement lors de l'application de peintures à l'huile, il est donc préférable d'étiqueter le dessin chiffres simples Et Lignes de contour. Le dessin peut être réalisé directement sur la toile, ou il peut être préparé à l'avance et transféré sur la toile.
Lors de l'application d'un dessin directement sur la toile, il est préférable d'utiliser de la peinture diluée. Comme il s'agit déjà de peinture, vous n'aurez pas à le sceller des couches suivantes.
Vous pouvez également utiliser du charbon. Le remplissage de charbon de bois devra être isolé des couches suivantes avec un fixateur. Le charbon mou est plus facile à fixer avec un fixateur que le charbon comprimé.
Le dessin peut également être appliqué au crayon sur la toile. Puis fixez également avec un fixateur. La pointe pointue d'un crayon peut provoquer des fissures dans la couche d'apprêt, vous pouvez donc appliquer en plus une autre couche d'apprêt transparente. Si vous avez appliqué une autre couche d'apprêt, aucun fixateur n'est nécessaire.

Sur la photo : un pot de fixateur, dans la boîte il y a du papier carbone.
Il est préférable de préparer un dessin à traduire en utilisant du papier carbone sur du papier calque fin, il sera alors plus facile à traduire. Attachez le dessin à la toile. Traduisez-le en utilisant du papier carbone. Tracez votre dessin avec du papier carbone en dessous. Utilisez un stylo à bille de couleur contrastante pour voir quelles zones vous avez déjà traduites et contrôlez l'épaisseur des lignes. Le motif appliqué doit également être fixé avec un fixateur ou une fine couche de vernissage d'apprêt transparent.

TRANSITION D'UNE COULEUR À UNE AUTRE

Considérons une transition graduée d'une couleur à une autre. Les peintures à l'huile, parce qu'elles mettent du temps à sécher, permettent de les déplacer sur la toile alors qu'elles sont encore humides. C’est pourquoi il est beaucoup plus facile de créer des dégradés de couleurs doux avec des huiles qu’avec d’autres peintures. Cela peut être fait avec n'importe quel pinceau. Mais c'est mieux adapté pinceaux plats, et le pire de tous – les ronds. Les mêmes principes s’appliquent aux petites et grandes vergetures.


Les peintures sont mélangées sur la palette et appliquées aux endroits prévus sur la toile. Le pinceau est ensuite déplacé d'avant en arrière selon un motif croisé entre les deux dégradés de couleurs jusqu'à l'obtention d'un résultat satisfaisant. Ensuite, des traits parallèles sont effectués pour finaliser la zone. Travaillez avec un pinceau propre du foncé au moyen, puis à nouveau avec un pinceau propre du clair au moyen.


(A) Dans cet exemple, les coups de pinceau sont TOUJOURS perpendiculaires à la surbrillance. En déplaçant le pinceau en cercle, nous essayons de faire des traits perpendiculaires au point culminant, respectivement, nous obtenons la forme des traits d'un pinceau torsadé.
(B) En fonction de l'emplacement des couleurs principales du tronçon, une idée du plan dans lequel se trouve la surface est créée. Remarquez comment les nuances sont disposées pour représenter une surface plane (à gauche) et une surface courbe (à droite).

NOUS CRÉONS DES FORMES

Toutes les formes sont créées à partir de cinq formes de base. Ces formes sont : boule, cône, cylindre, cube et tore (beignet, bagel). Des parties de ces formes forment tous les objets que nous voyons. Imaginez un demi-cylindre sur un cube et vous obtenez la forme d'une boîte aux lettres américaine. Une demi-boule et un cône vous donneront la forme d'une larme, un sapin de Noël est un cône, un chêne est un hémisphère (une demi-boule) et une tasse cylindrique a généralement une anse en forme de demi-tore ( Donut).


Le clair-obscur crée la forme. Chacune de ces formes a des emplacements de lumière et d’ombre clairement définis. La sphère est caractérisée par une faucille et des ovales. Les cônes ont une partie triangulaire éclairée et le reste est dans l'ombre. Les cubes et les surfaces planes contiennent des vergetures (une transition dégradée de la lumière vers l'ombre).
Les cylindres sont constitués de bandes. Thor - fait de croissants et de rayures.
Les versions concaves de ces formes ont le même clair-obscur, mais sans reflets.
Si vous apprenez à dessiner ces cinq formes, vous pouvez tout dessiner.

La boule (sphère) est définie par des croissants et des ovales. Les boules sont peintes avec des coups de pinceau en forme de croissant et tordus.


Les cônes sont constitués de triangles d’ombre et de lumière. Les cônes sont peints avec des coups de pinceau triangulaires.


Les cylindres sont constitués de bandes de lumière et d'ombre. Les cylindres sont peints avec des coups de pinceau parallèles.

Les cubes et toutes les surfaces planes suivent les mêmes règles. Transition graduée de la lumière à l'ombre. Si la surface représentée est parallèle à la toile, elle est alors représentée sur un ton uniforme. Un cube est une combinaison de plans qui se croisent. Chaque côté du cube contient un tronçon en clair-obscur. Le cube est dessiné avec des coups de pinceau parallèles.

Le Thor contient des aspects de deux autres personnages. Il présente des bandes d'ombre et de lumière, comme un cylindre, au centre, et des croissants, comme une sphère, sur les bords. Thor est écrit en utilisant des traits tordus et des traits en croissant.


Ici, vous voyez que pour transmettre la forme d'un objet, vous devez utiliser la lumière et l'ombre, et non les lignes de contour. La lumière peut prêter à confusion, alors essayez d’abord de voir la forme de l’objet, puis comment exactement la lumière tombe sur cette forme.

CORRESPONDANCE DES COULEURS


L'arc-en-ciel nous donne des exemples des couleurs pures qui nous entourent dans le monde. Les couleurs de l'arc-en-ciel dans l'ordre : rouge-violet, rouge, rouge-orange, orange, jaune-orange, jaune, jaune-vert, vert, bleu-vert, bleu-violet, violet. Lorsque ces couleurs sont disposées en cercle, nous obtenons une « roue chromatique ». La roue chromatique est indispensable pour comparer les couleurs.


Le cercle est positionné de manière à ce que le jaune, le plus brillant couleur claire, était en haut, et le violet, le plus foncé, était en bas. De haut en bas, en partant de la droite, on retrouve le jaune-orange, l'orange, le rouge-orange, le rouge et le rouge-violet. Ces couleurs sont dites chaudes.
De haut en bas, sur le côté gauche, on retrouve le jaune-vert, le vert, le bleu-vert, le bleu et le bleu-violet. Ces couleurs sont appelées cool.

Couleurs supplémentaires.


DEUX couleurs opposées sur la roue chromatique sont appelées couleurs COMPLÉMENTAIRES. Le rouge et le vert sont des couleurs complémentaires car elles sont situées l’une en face de l’autre sur la roue chromatique. Le jaune et le violet sont également complémentaires. Le jaune-vert et le rouge-violet sont des couleurs complémentaires. Des couleurs complémentaires placées côte à côte sur la toile se mettent en valeur. Les couleurs complémentaires se neutralisent lorsqu'elles sont mélangées sur la palette. Sur cette assiette, les couleurs complémentaires se trouvent aux extrémités opposées de l’échelle. Si l’on se déplace vers le milieu de cette échelle, on se retrouve avec une couleur gris neutre, la moins saturée de toutes.

Toutes les couleurs ont des nuances. Les couleurs spectrales pures de cette image sont indiquées par des lettres.
Alors, comment sélectionner les couleurs en gardant tout ce qui précède à l’esprit ?
Il nous suffit de répondre à ces trois questions.
1. Quelle couleur donnera la couleur dont nous avons besoin, où se trouve cette couleur sur la roue chromatique ? (ce qui signifie couleur spectrale).
2. Quelle est son intensité ? (plus nous ajoutons de couleur supplémentaire à la couleur, moins la couleur dont nous avons besoin devient saturée).
3. Teinte (à quel point elle sera sombre ou claire).

Voici comment tout cela fonctionne.


Les peintures sont classées par couleur sur la palette.


Nous sélectionnons une couleur comme une feuille brune.
La couleur spectrale sera rouge-violet. Du blanc est ajouté pour correspondre à la teinte. Du jaune-vert, complémentaire du rouge-violet, est ajouté pour réduire sa saturation.


Sélectionnez la couleur de la feuille verte.
Vert spectral. Le vert cadmium est notre couleur de base. Il contient un peu de jaune, on l'atténue donc avec du rouge-violet (rose quinacridone). Le jaune-vert et le rouge-violet sont des couleurs complémentaires.
On ajoute du blanc pour clarifier la teinte.


Sélectionnez la couleur du ruban électrique argenté.
Couleur spectrale bleue. Nous ajoutons du blanc pour clarifier la saturation tonale. Du orange, complémentaire du bleu, est ajouté et on obtient du gris.


Sélection de la couleur d'un objet tridimensionnel. Un morceau de savon.


Nous sélectionnons d’abord le milieu. Couleur spectrale – jaune-orange. Nous ajoutons une très petite quantité de bleu-violet supplémentaire pour réduire l'intensité de la couleur. Et un peu de blanc.


Pour obtenir des zones claires de notre savon, nous ajoutons du blanc à la couleur obtenue au milieu. Pour obtenir la couleur de l'ombre, ajoutez plus de bleu-violet à la couleur du milieu.


Ainsi, les couleurs du savon ont été sélectionnées. Habituellement, pour obtenir la couleur d'une ombre sur un objet, vous devez ajouter une couleur supplémentaire à la couleur principale de l'objet. Pour les ombres plus sombres, utilisez la couleur de base du sujet, mais avec moins de blanc. Dans certains cas, l'ajout de couleur supplémentaire n'assombrit pas suffisamment la couleur, c'est donc à ce moment-là que nous ajoutons un peu de noir.

OMBRES

Les ombres créent de la lumière. Les ombres sont divisées en trois catégories. La première est la partie ombragée de l’objet, connue simplement sous le nom d’OMBRE. La seconde est l’ombre tombante d’un objet, qui se forme lorsque l’objet obscurcit la lumière de la source d’éclairage. La troisième catégorie est l'ombre des objets voisins.


La partie ombre d'un objet est une version plus sombre et moins saturée de sa couleur de base.
La lumière directe produit des ombres sombres. La lumière diffuse produit des ombres moins intenses et floues.
Lumière réfléchie dans l'ombre (réflexe).


La lumière tombant sur un objet depuis son environnement est appelée lumière réfléchie ou réflexe. La couleur des objets qui entourent notre sujet affecte considérablement la lumière réfléchie. Vous voyez la lumière verte réfléchie dans la balle gauche ? Remarquez le rouge réfléchi dans la boule du milieu. La couleur de l’environnement fait partie intégrante de toutes les ombres.


La saturation de la lumière et des ombres des objets environnants affecte également la lumière réfléchie. La première balle reste suspendue dans les airs. La deuxième boule reflète également la surface blanche. La troisième boule reflète la surface noire. La saturation de la lumière et des ombres des objets environnants fait également partie intégrante des ombres.

Ombres tombantes.

Une ombre portée se caractérise toujours par le fait qu'elle est la plus sombre et la plus concentrée sur la source de l'ombre (le sujet). Les ombres tombantes sont peintes dans une couleur plus foncée et moins intense que la couleur de la surface sur laquelle elles tombent.


La couleur d'une ombre tombante contient toujours une couleur complémentaire à la couleur de l'éclairage et une couleur complémentaire à la couleur de la surface sur laquelle repose l'ombre.
Vous voyez une teinte bleue dans l’ombre d’un objet éclairé par une lumière orange ? Et une teinte orange dans l'ombre d'un objet éclairé en bleu. Dans l’ombre d’un objet éclairé par une lumière rouge, il y a une nuance de vert. Et remarquez la teinte rouge-violet de l’ombre projetée par un objet éclairé par une lumière jaune-verte.
Les ombres portées sont associées à la forme et à la texture.


Les ombres tombantes décrivent l'environnement d'un objet. À gauche, le mur est défini par l’ombre tombante du verre. L'ombre à droite indique la présence d'un monticule.


Les bords d'une ombre définissent la texture de la surface sur laquelle tombe l'ombre.
Herbe à gauche et terre avec des rochers à droite.

Ombres tombantes en lumière directe et diffuse.




La lumière directe (à gauche) provient généralement d'une seule source de lumière, par exemple le soleil ou un projecteur. Il produit un contraste élevé et des ombres portées riches et sombres.
La lumière diffuse est généralement obtenue à partir de plusieurs sources lumineuses. Il produit un faible contraste et des ombres portées peu claires.


Les objets sans ombre portée sont TOUJOURS exposés à une lumière diffuse, où ils apparaissent plus plats et moins texturés.

Ombres des objets voisins.


Ce sont les ombres sombres que nous voyons aux endroits où les objets se touchent. Ligne sombre autour porte fermée, une ligne sombre sous une tasse de café, une ligne sombre entre les doigts étroitement serrés - c'est l'ombre des objets voisins.
Elle est relativement indépendante de la direction de l’éclairage. Ces ombres dans l’ombre constituent généralement les parties les plus sombres du dessin.


Une étroite bande sombre sous le cylindre de gauche nous indique que les objets sont séparés. Le cylindre de droite est relié à sa base.

CONTRASTE

Utiliser la lumière et les ombres ensemble.

Le contraste est le rapport entre les parties les plus claires et les plus sombres d'un objet ou de son environnement.

Échelle de tons.

À gauche, le contraste est élevé, à droite, le contraste est faible.

Lorsque les objets présentent un contraste élevé, ils semblent plus proches de nous. Lorsque le contraste est faible, les objets apparaissent plus éloignés de nous. Ces rochers au loin semblent plus éloignés de nous, leur contraste est plus faible que celui du rocher le plus proche de nous.


La saturation progressive des objets en contraste les rend visuellement plus proches de nous.


Grâce au contraste de l'ombre tombante et de son environnement, vous pouvez déterminer la distance.

Faible contraste


Les objets en lumière diffuse ont le contraste le plus faible.


Les objets sans ombre portée sont toujours dans une lumière diffuse. Si un objet a une gradation tonale allant de moyen à foncé, il doit avoir une ombre portée.


Si un objet présente une transition tonale de moyen à clair, il apparaîtra alors comme dans une brume ou un brouillard.

LE CONTRASTE EST CRÉÉ PAR LE TYPE DE LUMIÈRE. Un contraste élevé correspond à un éclairage vif. Un faible contraste correspond à un éclairage diffus, à des distances lointaines et à de la brume.

TEXTURE

La texture aide à définir exactement ce que vous voyez.

La texture est mieux visible lorsque la lumière se fond dans l’ombre. Sur des objets lisses, l'éblouissement est un reflet déformé de la source lumineuse elle-même. Plus la réflexion est nette, plus la surface de l'objet est lisse. Une bouteille en verre a une surface plus lisse qu’une bouteille en aluminium, elle-même plus lisse que la cire de bougie. Nous savons comment ces objets concentrent l’éblouissement sur eux-mêmes.

Sur les objets sans reflets brillants, la texture est clairement visible et est déterminée par la transition de la lumière à l'ombre.

Ces dix objets sont classés par ordre de texture.
Remarquez où votre œil regarde immédiatement pour apprécier la texture d'un objet.

Nous examinons la transition de la lumière à l'ombre pour déterminer la texture d'un objet.

Texture en lumière diffuse.

A gauche la lumière directe, à droite la lumière diffuse.

Les objets en lumière directe semblent plus texturés que les objets en lumière diffuse.
La bûche et la serviette semblent plus douces et plus lisses lorsque éclairage diffus. Les objets semblent moins texturés sous une lumière diffuse car la transition de la lumière à l’ombre prend plus de temps.

COUCHES DE VITRAGE/COUCHES

Des couches de vitrage sont appliquées sur la peinture séchée.

Les couches transparentes de peinture à l’huile sont appelées couches de vitrage. Les couches de glaçure sont translucides. Pour obtenir un glacis, la peinture est diluée dans un rapport de 1/3 de vernis Damara, 1/3 de térébenthine et 1/3 l'huile de lin. Le glaçage est une fine couche de peinture transparente, qui est placée sur une autre couche séchée pour obtenir une nuance de la troisième couleur. Par exemple, si vous mettez du rose de quinacridone dilué (une couleur claire) sur du bleu, vous obtiendrez du violet. Si vous vernissez exactement la même couleur, vous la rehausserez. Les ombres tombantes sur des textures complexes sont souvent recouvertes de vernis. Le vitrage assombrit légèrement la couleur. (Voir la leçon « Peintures » sur la transparence et le mat).

C'est du vitrage.

Par exemple, la coquille d'un coléoptère doit être verdie.

Le liquide de glaçage est mélangé sur une palette avec du vert cyan (couleur transparente) jusqu'à obtenir le degré de transparence requis.

Ensuite, le mélange est appliqué avec un pinceau central sur le dessin en position horizontale. Laisser sécher toute la nuit. Lorsque vous utilisez du vitrage, vous pouvez modifier la couleur du motif sans changer la direction des traits de peinture sur la couche de base.

Le glaçage est créé en utilisant une couleur mate diluée sur la couleur séchée d'une autre peinture. La couche de glaçage ne change pas de couleur et est une couche translucide.

La peinture est également mélangée sur la palette avec le mélange de vitrage et appliquée sur la surface horizontale à l'aide d'un pinceau central.

Master class de Valery Rybakov

Alors, commençons.

Prenons une toile

Dans ce cas, j’ai utilisé une toile qui n’était pas tendue sur châssis. Mais cela n’affecte en rien le résultat. Peu importe donc que la toile soit tendue sur un châssis ou non - l'essentiel n'est pas de chercher des excuses, mais sans crainte de peindre un vase avec des fleurs avec de la peinture à l'huile.

La photo montre que j'ai pris un pinceau et, sans réfléchir, j'ai peint toute la toile avec de la peinture à l'huile. De plus, la peinture à l’huile doit être bien diluée dans du diluant ou du white spirit.

Sur la photo suivante, j'ai décidé de finaliser le fond de notre futur chef-d'œuvre floral et j'ai ajouté de la peinture à l'huile. Vous pouvez constater par vous-même ce qui s'est passé.

J'ai ensuite dessiné les grandes lignes de notre futur vase et dessiné grossièrement l'emplacement des feuilles vertes de notre bouquet de fleurs. Il s'agit d'un emplacement approximatif - alors n'hésitez pas à expérimenter à cet endroit.

Cette image n'est pas très différente de la précédente. Cependant, si l'on y regarde de plus près, on verra qu'un rehaut est apparu sur le vase (une tache lumineuse dans la partie supérieure du vase). Une ombre du vase est également apparue. Cela a créé une agréable impression que le vase « se tient » sur le plan de la table. J'ai également décidé d'ajouter le bout sombre de notre table, sur lequel est installé le vase (tout en bas de la photo).

L'image de notre futur tableau de fleurs dans un vase bleu commence déjà à se dessiner. Cependant, nous ne nous arrêtons pas là, nous poursuivons notre classe de maître gratuite: .

Quel genre d'image florale peut-il y avoir sans les fleurs elles-mêmes - dites-vous. Et puis les fleurs commencent à apparaître.

De plus, avant d'appliquer nos fleurs sur la toile, nous enlevons d'abord l'excès de peinture à ces endroits. Comme vous pouvez le voir sur la photo, nous supprimons une partie du feuillage. Et nous appliquons nos futures belles fleurs.

Sur cette photo de notre master class, nous avons toutes les fleurs principales. Et la photo est déjà très jolie :)

Mais on ne s’arrête pas là et continue de dessiner notre bouquet de fleurs dans un vase bleu.

Cette photo me montre couteau à palette Je commence à ajouter les feuilles vertes de notre bouquet de fleurs.

Et enfin la dernière étape. C'est l'image finale de notre bouquet de fleurs dans un vase bleu. Comme vous pouvez le constater, j'ai décidé d'ajouter quelques fleurs supplémentaires à notre bouquet. A savoir 2 fleurs jaunes de taille moyenne et de nombreuses petites fleurs bleues. Cela a fait tomber davantage de pétales sur la table. Il fallait que je leur montre aussi :)

Il semble que notre master class d'aujourd'hui soit terminée : Comment dessiner un bouquet de fleurs à l'huile.

Il y a une semaine, Yulia Skripnik, rédactrice en chef de la plateforme MYTH.Creativity, m'a envoyé un message : « Nastya, bonjour ! Vous pouvez sur la semaine prochaine faire un article avec un exercice sur les Leçons de peinture classique ? J'ai répondu que oui, et mille et une peurs d'une personne créative ont commencé à tourbillonner dans ma tête :

« Je ne sais pas peindre à l’huile. j'en suis dernière fois J’ai découvert la peinture à l’huile il y a plusieurs années et je ne peux pas dire que cette expérience ait été une réussite. "Et si je ne peux rien faire du tout et que je ruine simplement la toile."

Mettant de côté mes craintes, j'ai commencé à étudier le livre. Bien sûr, sous forme papier, tout simplement parce que son odeur elle-même est inspirante.

Le livre est divisé en 4 chapitres et chacun d'eux comporte plusieurs leçons. J'avais prévu de lire le livre avant dernière page puis choisissez quelle leçon je vais faire. Cependant, il y avait tellement de nouvelles connaissances et d'inspiration que déjà à la page 48, j'ai sorti des peintures à l'huile et des diluants de la boîte et je suis monté dans l'armoire à la recherche d'un vieux T-shirt démodé. Qu'est-ce que cela a à voir avec le T-shirt ? Continuez à lire 😉

La leçon 2, que nous étudierons avec vous, est consacrée à l'imprimatura avec essuyage. Je ne savais pas non plus ce que c’était jusqu’à ce que je commence à lire le livre, et ce n’est pas grave.

Imprimature(de l'italien imprimatura - première couche de peinture) - terme utilisé en peinture : teinte de couleur de la surface d'un apprêt blanc prêt à l'emploi.

Vous avez probablement vu des travaux réalisés avec cette technique.

Matériaux:

• Matériel de dessin- du papier et un crayon, ou du fusain si vous comptez dessiner directement sur la surface
• Surface apprêtée- surface en bois ou toile
• Palette
• Peinture à l'huile terre d'ombre naturelle. Vous pouvez utiliser de la terre de Sienne naturelle ou du vert terreux – expérimentez les couleurs
• Blanc de titane ou à séchage rapide, comme l'alkyde. Ils sont pratiques car ils sèchent toute la nuit
• L'huile de lin(facultatif)
• Chiffon en coton- un T-shirt déchiré fera l'affaire (il est déconseillé d'utiliser des serviettes en papier)
• Brosse à gros poils

Ci-dessus, j'ai répertorié les matériaux recommandés par l'auteur de « Leçons de peinture classique » - Juliette Aristide. Je n'ai pas suivi toutes ces recommandations. Le « même » matériel n’est peut-être pas toujours à portée de main ; vous ne devriez pas abandonner les expériences créatives pour cette raison.

Première étape : mettre en scène une nature morte

Il est alors temps de commencer à dessiner. Je l'ai fait directement sur toile avec un crayon, cependant l'auteur recommande de le faire d'abord sur papier puis de le transférer au papier calque. Et ça bon conseil, car essayer d’utiliser une gomme sur la toile risque de créer de la « saleté ». Je ne me suis pas non plus concentré sur le dessin car le but de cette leçon est la sous-couche tonale.

Avant de commencer l'imprimatura avec essuyage, il convient de vérifier comment la surface de la toile ou du panneau de bois absorbe la peinture. Certains types d'apprêts acryliques bon marché retiennent bien la peinture ; il sera difficile de l'essuyer jusqu'à ce que la couleur de la surface soit obtenue. Si vous rencontrez un tel sol, vous pouvez d’abord enduire toute la surface d’une très fine couche d’huile de lin.

Vient maintenant la partie amusante ! Vous devez recouvrir la toile d'une fine couche, en mélangeant intensément la peinture avec un pinceau dur à poils assez gros. L'auteur recommande de ne pas avoir peur d'une couleur trop foncée et de ne pas diluer la peinture, car sinon la couche ressortirait trop fine, mais je pensais que mes peintures étaient restées longtemps inutilisées et s'étaient épaissies, alors j'ai ajouté un solvant, et c'était vraiment une erreur.

Conseils du livre : Si le tableau est trop vaste et complexe pour être complété en une seule séance, le processus peut être divisé en étapes (par exemple, la première moitié dans une journée et la seconde dans une autre)

Commençons à essuyer. Le contour du dessin apparaît à travers la couche d’huile, ce n’est donc pas difficile. Il faut constamment changer de chiffon pour utiliser des pièces propres. Pour les zones plus grandes, il est facile d'essuyer la peinture avec votre index, et pour les zones plus petites, j'ai enroulé un chiffon autour d'un bâton orange.

La sous-couche essuyable peut être complétée après l'étape 4, mais l'ajout d'accents sombres et clairs donne à la pièce un aspect plus fini. Par conséquent, en utilisant la méthode du glaçage, j'ai ajouté du blanc et couleur sombre approfondissait les ombres.

Le travail est prêt ! Plusieurs erreurs évidentes ont été commises, les jeans étaient tachés de peinture, mais l'essentiel était que j'ai eu un plaisir incroyable à vaincre mes peurs.

J'avais peur des livres sur peinture classique, il m'a semblé qu'ils avaient été créés au moins pour les étudiants des universités spécialisées, mais il s'est avéré que ce n'est pas du tout le cas.

Je vous conseille de ne pas avoir peur non plus ! Essayez quelque chose de nouveau, allez au-delà des matériaux et techniques habituels.