Peinture Le Cri d'Edvard Munch Ce qui est représenté. "Le Cri" d'Edvard Munch - une icône de la culture pop du 20e siècle

Il y a 150 ans, non loin d'Oslo naissait Edvard Munch, un peintre norvégien dont l'œuvre, envahie par l'aliénation et l'horreur, peut laisser peu de gens indifférents. Les peintures de Munch évoquent des émotions même chez les personnes qui connaissent peu la biographie de l'artiste et les circonstances pour lesquelles ses toiles sont presque toujours peintes dans des couleurs sombres. Mais outre les motifs constants de solitude et de mort, on ressent aussi le désir de vivre dans ses peintures.

"Fille malade" (1885-1886)

"Fille malade" - début de la peinture Munch, et l'un des premiers présentés par l'artiste à l'Automne exposition d'art 1886. Le tableau représente une jeune fille rousse à l'air maladif, allongée dans son lit, et une femme vêtue d'une robe noire lui tient la main, penchée. La pièce est semi-obscure et le seul point lumineux est le visage de la jeune fille mourante, qui semble illuminé. Bien que Betsy Nielsen, 11 ans, ait posé pour le tableau, la toile était basée sur les souvenirs de l'artiste associés à sa sœur aînée bien-aimée Sophie. Lorsque le futur peintre avait 14 ans, sa sœur de 15 ans est décédée de la tuberculose, et cela s'est produit 9 ans après que la mère de famille, Laura Munch, soit décédée de la même maladie. Enfance difficile, éclipsé par la mort de deux proches et par la piété et la sévérité excessives de son père-prêtre, s’est fait sentir tout au long de la vie de Munch et a influencé sa vision du monde et sa créativité.

"Mon père était très colérique et obsédé par la religion - de lui j'ai hérité des germes de la folie. Les esprits de peur, de chagrin et de mort m'ont entouré dès ma naissance", se souvient Munch à propos de son enfance.

©Photo : Edvard MunchEdvard Munch. "Fille malade" 1886

La femme représentée dans le tableau à côté de la jeune fille est la tante de l'artiste, Karen Bjelstad, qui s'est occupée des enfants de sa sœur après sa mort. Les quelques semaines pendant lesquelles Sophie Munch mourait de phtisie devinrent l'une des périodes les plus terribles de la vie de Munch - en particulier, même à ce moment-là, il réfléchit pour la première fois au sens de la religion, ce qui conduisit plus tard à son rejet. Selon les souvenirs de l'artiste, lors de cette nuit malheureuse, son père, qui se tournait vers Dieu dans tous les problèmes, "allait et venait dans la pièce, joignant les mains en prière" et ne pouvait pas aider sa fille.

À l'avenir, Munch est revenu plus d'une fois sur cette nuit tragique - en quarante ans, il a peint six tableaux représentant sa sœur Sophie mourante.

Toile jeune artiste, bien qu'il ait été exposé à l'exposition avec des peintures de peintres plus expérimentés, il a reçu des critiques dévastatrices de la part des critiques. Ainsi, «La Fille malade» a été qualifiée de parodie de l'art et on a reproché au jeune Munch d'avoir osé présenter un tableau inachevé, selon les experts. "Le meilleur service que l'on puisse rendre à Edvard Munch est de passer silencieusement devant ses tableaux", a écrit un journaliste, ajoutant que le tableau abaissait le niveau global de l'exposition.

Les critiques n'ont pas changé l'opinion de l'artiste lui-même, pour qui «La Fille malade» est restée l'un des tableaux principaux jusqu'à la fin de sa vie. Le tableau est actuellement visible à la Galerie nationale d'Oslo.

"Crier" (1893)

Dans le travail de nombreux artistes, il est difficile de distinguer le tableau le plus significatif et le plus célèbre, mais dans le cas de Munch, il n'y a aucun doute : même ceux qui n'ont aucun faible pour l'art connaissent son « Le Cri ». Comme beaucoup d'autres tableaux, Munch a recréé Le Cri sur plusieurs années, peignant la première version en 1893 et ​​la dernière en 1910. En outre, au cours de ces années, l'artiste a travaillé sur des peintures aux ambiances similaires, par exemple « Anxiété » (1894), représentant des personnes sur le même pont sur le fjord d'Oslo, et « Soirée dans la rue Karl John » (1892). Selon certains critiques d'art, l'artiste aurait ainsi tenté de se débarrasser de « Scream » et n'y serait parvenu qu'après un traitement en clinique.

La relation de Munch avec sa peinture, ainsi que son interprétation, est un sujet favori des critiques et des experts. Certains pensent que l'homme recroquevillé d'horreur réagit au « cri de la nature » venant de partout (le titre original du tableau - ndlr). D'autres pensent que Munch avait prévu tous les désastres et bouleversements qui attendent l'humanité au XXe siècle, et a dépeint l'horreur du futur et en même temps l'impossibilité de le surmonter. Quoi qu'il en soit, la peinture chargée d'émotion est devenue l'une des premières œuvres de l'expressionnisme et est restée pour beaucoup son emblème, et les thèmes du désespoir et de la solitude qui s'y reflètent se sont révélés être au cœur de l'art du modernisme.

L’artiste lui-même a écrit dans son journal ce qui constituait la base de « Le Cri ». L'entrée intitulée "Nice 22/01/1892" dit : "Je marchais le long d'un chemin avec deux amis - le soleil se couchait - tout à coup le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé contre la clôture - j'ai regardé face au sang et aux flammes au-dessus du fjord et de la ville d'un noir bleuâtre - mes amis sont partis, et je me suis tenu debout, tremblant d'excitation, sentant le cri sans fin transpercer la nature.

"Le Cri" de Munch n'a pas seulement influencé les artistes du XXe siècle, mais a également été cité dans la culture pop : l'allusion la plus évidente au tableau est le célèbre .

"Madone" (1894)

Le tableau de Munch, aujourd'hui connu sous le nom de "Madonna", s'appelait à l'origine " Femme aimante". "En 1893, Dagny Yul, épouse de l'écrivain et ami de Munch Stanislaw Przybyszewski et muse des artistes contemporains, posa pour elle pour l'artiste: outre Munch, Yul-Przybyszewska a été peinte par Wojciech Weiss, Konrad Krzyzanowski, et Julia Wolfthorn.

©Photo : Edvard MunchEdvard Munch. "Madone". 1894

Selon le plan de Munch, la toile était censée refléter les principaux cycles de la vie d'une femme : la conception d'un enfant, la procréation et la mort. On pense que la première étape est déterminée par la pose de la Madone, la seconde Munch est reflétée dans une lithographie réalisée en 1895 - dans le coin inférieur gauche se trouve une figure en position fœtale. Le fait que l’artiste ait associé le tableau à la mort est attesté par ses propres commentaires et par le fait que l’amour dans l’esprit de Munch a toujours été inextricablement lié à la mort. De plus, d'accord avec Schopenhauer, Munch pensait que la fonction d'une femme était remplie après la naissance d'un enfant.

La seule chose qui unit la Madone nue aux cheveux noirs de Munch à la Madone classique est le halo au-dessus de sa tête. Comme dans ses autres tableaux, Munch n’utilise pas ici de lignes droites : la femme est entourée de doux rayons « ondulés ». Au total, l'artiste a créé cinq versions de la toile, aujourd'hui conservées au musée Munch, musée national art, architecture et design à Oslo, à la Kunsthalle de Hambourg et dans des collections privées.

"Séparation" (1896)

Dans presque toutes ses peintures des années 1890, Munch utilise les mêmes images, en les combinant de différentes manières : une traînée de lumière à la surface de la mer, une jeune fille blonde sur le rivage, une femme âgée en noir, un homme souffrant. Dans de telles peintures, Munch représentait généralement le personnage principal au premier plan et derrière quelque chose qui lui rappelait le passé.

©Photo : Edvard MunchEdvard Munch. "Séparation". 1896

Dans "Séparation" personnage principal- un homme abandonné dont les souvenirs ne lui permettent pas de rompre avec le passé. Munch le montre avec cheveux longs des filles qui développent et touchent la tête de l'homme. L'image de la jeune fille - tendre et comme si elle n'était pas entièrement décrite - symbolise le passé brillant, et la figure de l'homme, dont la silhouette et les traits du visage sont représentés avec plus de soin, appartient au sombre présent.

Munch percevait la vie comme une séparation constante et cohérente de tout ce qui est cher à une personne, sur le chemin de la séparation finale avec la vie elle-même. La silhouette de la jeune fille sur la toile se confond partiellement avec le paysage - de cette façon, il sera plus facile pour le personnage principal de survivre à la perte, elle ne deviendra qu'une partie de tout ce dont il se séparera inévitablement au cours de sa vie.

"Filles sur le pont" (1899)

"Les filles sur le pont" est l'une des rares peintures de Munch qui est devenue célèbre après sa création - la reconnaissance est venue à Munch et la plupart de ses créations seulement en la dernière décennie vie d'artiste. Peut-être est-ce dû au fait qu'il s'agit de l'une des rares peintures de Munch, empreinte de paix et de tranquillité, où les figures de filles et de la nature sont représentées dans des couleurs gaies. Et, bien que les femmes dans les peintures de Munch, comme dans les œuvres de ses adorés Henrik Ibsen et Johan August Strindberg, symbolisent toujours la fragilité de la vie et la fine ligne entre la vie et la mort, « Filles sur le pont » reflétait un état rare de joie spirituelle. pour l'artiste.

Munch a peint jusqu'à sept versions du tableau, dont la première remonte à 1899 et est aujourd'hui conservée à la Galerie nationale d'Oslo. Une autre version, écrite en 1903, est visible au Musée Pouchkine. A.S. Pouchkine. Le tableau a été apporté en Russie par le collectionneur Ivan Morozov, qui l'a acheté au Salon des Indépendants de Paris.

Il s’avère que les artistes se tournent souvent vers la science pour trouver l’inspiration. Nous vous présentons une sélection des plus histoires intéressantes créer des chefs-d'œuvre artistiques.

Edvard Munch. "Crier"

• "Le Cri" d'Edvard Munch

L'artiste norvégien Edvard Munch a peint Le Cri en 1893. Dans son journal, il dit avoir été inspiré par le ciel rouge sang qu'il a vu en se promenant avec des amis. L'atmosphère étonnante de la photo a donné lieu à de nombreuses controverses sur ce que Munch a vu exactement dans le ciel. L’une des hypothèses les plus répandues suggère que l’artiste aurait observé les cendres du volcan Krakatoa après son éruption en 1883.

À propos des dernières suppositions des chercheurs, Popular Mechanics l'a déjà fait : un météorologue de l'Université d'Oslo a suggéré qu'Edvard Munch aurait pu s'inspirer de l'observation d'un phénomène rare dans le ciel - des nuages ​​​​de nacre, dont l'apparition est causée par basses températures et haut degrééclairage

Maria Sibylle Merian. Dessin à l'aquarelle d'un goyavier (Psidium guajava), d'une araignée tarentule (Avicularia avicularia), d'une araignée croisée (Avicularia gen. spec.), d'une araignée-loup (Rhoicinus spec.), d'une blatte américaine (Periplaneta americana), d'une fourmi coupeuse de feuilles (Atta cephalotes), fourmi tailleur (Oecophylla spec.), colibri (Trochilidae gen. spec.).

• Les croquis scientifiques comme art, Maria Sibylla Merian

L'artiste allemande Maria Sibylla Merian a vu la beauté là où d'autres ne la remarquaient pas. En tant qu'entomologiste, elle représente souvent des insectes dans ses peintures. En 1705, l'artiste réalise le croquis d'une tarentule mangeant un colibri. Son travail a finalement donné son nom à toute une famille d’araignées (tarentules). Bien que sa gravure ait été initialement critiquée et qualifiée de « pure fiction », il a été prouvé plus tard que les mygales se nourrissent parfois de viande de volaille.

Une grande partie des travaux les plus marquants de Maria Sibylla Merian résulte de son expédition scientifique de deux ans au Suriname ( Amérique du Sud) de 1699 à 1701. Elle a représenté en détail les métamorphoses d'insectes que personne n'avait jamais vues auparavant, et les chercheurs du monde entier recherchent toujours certains des représentants qu'elle a capturés.

William Turner. "Le déclin de Carthage"

• Couchers de soleil volcaniques par William Turner

Le peintre britannique Joseph Mallord William Turner (mieux connu sous le nom de William Turner) était célèbre pour ses peintures de couchers de soleil spectaculaires, de mers agitées et de scènes lunaires. Selon une étude de 2014 publiée dans la revue Atmospheric Chemistry and Physics, Turner a peint ses célèbres couchers de soleil en 1816, inspirés par les émissions volcaniques dans l'atmosphère provoquées par l'éruption du volcan Tambora en 1815 (il s'agissait de la plus grande éruption volcanique de l'histoire de l'humanité). . En conséquence, des anomalies climatiques globales sont apparues dans le monde, donnant naissance à l’Année sans été.

Mehmet Berkmen et Maria Penil "Neurones"

• Chefs-d'œuvre des microbes

Lors du concours artistique annuel de l'American Society of Microbiology, les bactéries et les levures deviennent de la peinture et l'agar agar devient une toile. Les microbiologistes créent des chefs-d'œuvre à l'intérieur de boîtes de Pétri, comme les travaux de Mehmet Berkman et Maria Penil appelés « Neurones ». Elle a remporté le premier prix en 2015, battant une carte de la ville de New York réalisée à partir de microbes et une image d'une ferme en période de récolte réalisée à partir de levure.

Vincent Van Gogh. " Nuit étoilée»

• "Nuit étoilée" de Vincent Van Gogh

Le tableau de Vincent van Gogh "La Nuit étoilée" peut sembler fantaisiste et irréaliste, mais il a aussi un lien avec la science. En 2006, des physiciens de l’Université nationale autonome du Mexique ont consacré une étude entière à ce chef-d’œuvre. Ils ont découvert que Van Gogh représentait en réalité des turbulences. Il est intéressant de noter que l’artiste a représenté ce phénomène physique dans d’autres peintures sur lesquelles il a travaillé alors qu’il luttait contre des problèmes mentaux. Il s'agit par exemple de « Route avec un cyprès et une étoile » et « Champ de blé avec des corbeaux ».

L'un des plus importants, talentueux et artistes mystérieux 19ème siècle - Vincent Van Gogh. Le tableau « Le Cri » date également de cette période. À ce jour, elle reste peut-être la plus reconnaissable une œuvre d'art siècle avant-dernier. Quel est le point commun entre un grand artiste et une grande œuvre d’art ? Essayons de le comprendre.

Biographie de Van Gogh

Vincent Van Gogh est né en 1853. Le tableau "Le Cri" a été peint en 1893, alors que l'artiste était déjà décédé. Mais dans son style et son ambiance, il ressemble à beaucoup de ses œuvres. Pourquoi sont-ils si similaires et qui l’a réellement écrit ? peinture célèbre? Tout d'abord.

Van Gogh est né dans le petit village de Grote-Zundert aux Pays-Bas. La frontière avec la Belgique était très proche. Son père était un pasteur protestant et sa mère était la fille d'un libraire prospère de La Haye.

Le futur artiste était le deuxième enfant de la famille et il portait le nom de son grand-père paternel. Quand le garçon avait 7 ans, il est allé dans une école du village, mais n'y a étudié qu'un an. Il poursuit ses études à la maison avec sa sœur. À l'âge de 11 ans, il entre au pensionnat de Zevenbergen. Et bien que l'établissement soit situé non loin de maison, la séparation d'avec ses proches a causé de graves souffrances à Van Gogh.

Au pensionnat, il manifeste une passion pour les langues et le dessin, ce qui n’est pas surprenant. À l'âge de 15 ans, le garçon quitte l'internat au milieu de année scolaire et rentra chez lui. C'était la fin de son éducation formelle.

Premiers pas dans la vie adulte

Van Gogh a travaillé dès l'âge de 16 ans. Il débute dans l'entreprise d'art et de commerce de son oncle, où il maîtrise le métier de marchand. Au début, tout se passait bien dans le service, Vincent travaillait avec tant de zèle qu'il fut bientôt transféré dans un bureau londonien plus prestigieux. Chaque jour, Van Gogh rencontrait les meilleures œuvres l'art de son temps, grâce auquel il commença bientôt à avoir une bonne compréhension de la peinture.

Il a dirigé vie riche au travail, visitait régulièrement des expositions et des musées. Mais un amour malheureux lui a fait une farce cruelle. Rejeté (on ne sait toujours pas avec certitude de qui il était exactement amoureux), Van Gogh s'est progressivement désintéressé du service et a beaucoup lu la Bible.

En 1875, il fut transféré au bureau de Paris. Parallèlement, il commence à essayer de se dessiner. Peu de temps après, il perdit complètement tout intérêt pour le travail et décida que les marchands d'art, auxquels il appartenait en fait, pires ennemis art. En conséquence, il a été licencié.

Devenir artiste

Dans la lutte contre la dépression qui l'a saisi, Van Gogh s'est plongé dans créativité artistique. Il suit les cours de l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, avec l'aide de son frère Théo. Cependant, il n'y étudia pas longtemps, laissant tout derrière lui et déménageant chez ses parents. À cette époque, il croyait qu’un maître n’avait pas besoin d’éducation, mais seulement de talent et de diligence.

Et encore une fois, l'artiste a vécu un choc amoureux et a été rejeté. Après cela, il fut toujours déçu d'essayer d'organiser sa vie personnelle.

Tout en travaillant sur ses peintures, il a étudié la vie des quartiers les plus pauvres de la ville, a obtenu des couleurs et des nuances étonnantes, en les mélangeant sur toile. diverses peintures et combiner les techniques d'écriture.

L'apogée de l'œuvre de Van Gogh

La créativité de Van Gogh a prospéré dans les années 80 du XIXe siècle. Dans ses œuvres, il fait preuve d'un tempérament artistique, ainsi que d'une peur animale des forces hostiles à l'homme. Tout cela se reflète dans ses toiles « La Maison Jaune », « Vignobles rouges à Arles », « La Chambre de Van Gogh à Arles ».

A cette époque, il était en contact étroit avec un autre artiste célèbre de cette époque - Paul Gauguin. En 1888, Gauguin se rend spécialement à Arles, où vivait alors Van Gogh, pour discuter avec lui de l'idée de créer un atelier de peinture méridionale. Cependant, tout cela s'est terminé par un scandale et un conflit. Gauguin était irrité par l'insouciance de Van Gogh, tandis que le héros de notre article restait perplexe du fait que Gauguin ne pouvait pas accepter l'idée d'une direction collective de la peinture au nom de l'avenir.

Conflit avec Gauguin

Le conflit avec Gauguin atteint son paroxysme une semaine avant le nouvel an 1889. Van Gogh a attaqué son collègue avec un rasoir et ce n'est que par miracle que Gauguin s'est échappé.

Les causes et les circonstances de ce conflit sont encore inconnues avec certitude. Il existe une version selon laquelle Van Gogh a attaqué Gauguin alors qu'il dormait ; ce dernier n'a été sauvé que par le fait qu'il s'est réveillé à temps.

Ce qui est sûr, c'est qu'après une tentative d'assassinat infructueuse, Van Gogh s'est coupé le lobe de l'oreille. Mais même ici, il n’y a pas de consensus sur les raisons pour lesquelles il a fait cela. Certains pensent que cela s'est produit dans un accès de repentance, d'autres pensent qu'il s'agissait d'une manifestation de folie, dont les crises frappaient de plus en plus l'artiste en raison de la consommation régulière d'absinthe.

Le lendemain matin, Van Gogh a été emmené dans une clinique psychiatrique.

Derniers travaux

Durant les périodes de lucidité, Van Gogh demande à être libéré de la clinique pour continuer à travailler sur ses tableaux, mais les habitants de la ville d'Arles demandent à ne pas le faire, craignant ses accès de folie.

L'artiste s'installe alors dans une clinique pour malades mentaux à Saint-Rémy-de-Provence. Là, il a travaillé assidûment pendant une année entière sur de nouvelles toiles. L'œuvre de Van Gogh de cette période est mieux caractérisée par le tableau "Nuit étoilée", dans lequel l'énorme tension nerveuse et le dynamisme sont le plus clairement démontrés. Au total, durant cette période, le post-impressionniste a peint environ 150 toiles.

En 1890, il s'installe près de Paris, où il continue à travailler. Il y écrit son célèbre « Champ de blé aux corbeaux ». Peu de temps après, sa vie fut tragiquement écourtée.

En se promenant avec des peintures et des toiles, il s'est tiré une balle dans la poitrine avec un revolver qu'il avait acheté peu de temps auparavant pour effrayer les oiseaux. La balle lui a passé sous le cœur, il a réussi à se rendre seul à l'hôtel, mais ils n'ont pas pu le sauver. Vincent van Gogh est décédé le 29 juillet 1890. Il n'a jamais vu le tableau « Le Cri » et n'a pas rencontré son auteur, bien qu'ils vivaient en même temps, dans la même partie de la planète.

L'histoire du tableau "Scream"

Le tableau "Le Cri" a été réalisé entre 1893 et ​​1910. En fait, il ne s’agissait pas d’une, mais de toute une série d’œuvres. L'auteur du tableau "Le Cri" est l'expressionniste norvégien Edvard Munch. D'un simple coup d'œil sur la toile, les connaisseurs d'art se rendent compte que l'artiste a été fortement influencé par le peintre hollandais.

« Le Cri » est devenu une sorte d'emblème de l'expressionnisme, prélude au nouvel art du XXe siècle. Munch, dans son œuvre, prévoyait bon nombre des points principaux du modernisme, qui n'était que peu de temps après. Il est à noter que un certain rôle Van Gogh a également joué un rôle à cet égard. Le tableau "Le Cri" rappelle de nombreuses œuvres du peintre hollandais. Il examine des thèmes devenus centraux au XXe siècle. C'est la solitude, le désespoir et l'aliénation.

Edvard Munch

L'auteur du tableau "Le Cri" Edvard Munch est né dans la ville norvégienne de Hedmark en 1863. Il n'était pas seulement artiste célèbre, mais aussi théoricien de l'art. L'un des premiers représentants d'un mouvement tel que l'expressionnisme. Ses œuvres ont eu grande influence sur l'art au XXe siècle. Les sujets proches de l'auteur sont la mort et la solitude, qui s'accompagnent d'une soif de vie inextinguible.

Un de ses premiers oeuvres célébres est devenu "The Sick Girl", écrit en 1886. Il a peint une grande toile basée sur ses propres souvenirs de maladie et de mort. sœur aînée Sophie. Il a essayé d'exprimer ses sentiments les plus intimes sur la toile, mais les critiques ont réagi froidement à l'œuvre. Écrire aussi franchement, en retournant son âme, n'était pas encore accepté à cette époque.

Peinture "Cri"

Le tableau "Le Cri" d'Edvard Munch aurait été peint en 1893. La toile représente la figure d'un homme qui crie. Il est d’ailleurs si primitif qu’il a été réduit au niveau du squelette, du sperme ou de l’embryon.

Il est impossible de décrire le tableau « Le Cri » sans évoquer les paysages ondulants, qui semblent suivre les contours arrondis de la tête du personnage principal et sa bouche grande ouverte. Les cris semblent venir de partout. Il y a un brillant émotion négative, à cause de quoi au début beaucoup ne pouvaient pas comprendre qui avait écrit cette œuvre - Munch ou Van Gogh.

L'émotion négative qui jaillit du personnage unique de cette œuvre écrase tout le monde qui l'entoure et acquiert une portée tout simplement universelle.

Mais certains critiques font une description différente du tableau "Scream". Ils remarquent un homme dessus, angoissé par le « cri de la nature », comme l'auteur lui-même l'appelle. Ce cri pour Munch venait de partout.

La peinture d'Edvard Munch semblait pouvoir se projeter dans le siècle à venir. Prédire toutes les guerres, épidémies, catastrophes environnementales et révolutions qui ont frappé l’humanité au cours de ces cent ans. Dans le même temps, selon de nombreux critiques, l'auteur nie littéralement toute possibilité, même la plus minime, de leur résister et de surmonter l'adversité. Ils sont inévitables et doivent être respectés. L'auteur ne voit aucune issue à cette situation.

Versions de "Cri"

On sait qu'il existe plusieurs versions du tableau "Le Cri" du Norvégien Munch. Au moins quatre. Le célèbre expressionniste les a peints en utilisant différentes techniques et méthodes d'écriture.

Le tableau "Le Cri", dont l'original se trouve au Musée Munch d'Oslo, la capitale norvégienne, est présenté dans la galerie en deux versions. L’un est réalisé à l’huile, l’autre au pastel.

Une autre œuvre de l'auteur sous le même nom est conservée au Musée national de Norvège. Cette version est considérée comme la plus célèbre au monde. C'était le deuxième à être écrit. Pour le créer, l'artiste a également utilisé de l'huile.

Une autre version de "Scream" n'est toujours pas en production galerie d'état, mais entre des mains privées. Le tableau au pastel appartenait à l’homme d’affaires et milliardaire norvégien Petter Olsen. En 2012, il l'a exposé sur enchères ouvertes. En conséquence, le tableau a été vendu à l’homme d’affaires américain Leon Black. Son coût s'élevait à près de 120 millions de dollars américains. A cette époque, il s’agissait d’un record pour le coût d’une œuvre d’art.

Un tel intérêt pour le travail de Munch en a fait à plusieurs reprises une cible pour les attaquants qui cherchaient à voler ou à falsifier le tableau. Le célèbre vol du « Cri » au Musée national norvégien a eu lieu en 1994. Il n'a été possible de le remettre à sa place qu'au bout de quelques mois.

Chaque œuvre d’art a sa propre histoire, unique en son genre, sa propre symbolique et ses propres secrets. Et dans la nouvelle rubrique « Photo de la semaine », Styleinsider parlera du sort et des histoires de la création du plus chefs-d'œuvre célèbres peinture du monde. Et le premier sera l'un des plus peintures mystérieuses dans l'histoire - «Le Cri» de l'artiste norvégien Edvard Munch.

Année de création

Versions du tableau

Il existe quatre versions du tableau au total. Il y a deux tableaux au musée Edvard Munch. L’un d’eux est réalisé à l’huile et l’autre au pastel. Le Musée national de Norvège expose la version à l'huile la plus célèbre du tableau. Un autre tableau au pastel est entre des mains privées et appartient à l’homme d’affaires américain Leon Black.

Histoire de la création

"Je marchais sur un chemin avec deux amis - le soleil se couchait - tout à coup le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé contre la clôture - j'ai regardé le sang et les flammes sur le fjord noir bleuâtre et le ville - mes amis sont partis et je me suis levé, tremblant d'excitation, sentant un cri sans fin percer la nature », c'est ainsi que Munch décrit le moment où il a ressenti le besoin d'exprimer les sentiments qui l'ont saisi. Après tout, le titre original en allemand que Munch a donné à son œuvre était « Der Schrei der Natur » (« Le cri de la nature »). Cependant, "Scream" dans les variantes que nous connaissons n'est pas apparu immédiatement. Il a été précédé par les tableaux « Désespoir », « Anxiété » et « Mélancolie », dans lesquels il tentait de retrouver image parfaite, qui transmettra ce sentiment d'horreur, alors stress émotionnel et ce même foutu coucher de soleil. Nous voyons que sur la photo, le ciel est peint d’une couleur écarlate brillante, ce qui a tant impressionné Munch. À cet égard, certains scientifiques ont avancé la version selon laquelle cette ombre du ciel était associée à l'éruption du volcan Krakatoa en 1883. Il existe également une version selon laquelle le tableau était en partie un fruit désordre mental, car il existe des preuves documentaires selon lesquelles l'artiste souffrait en réalité d'une psychose maniaco-dépressive causée par le grave choc provoqué par la mort de sa sœur.

Faits intéressants

« Scream » a été kidnappé à plusieurs reprises par des criminels. Ainsi, en 1994, le tableau a disparu de la National Gallery, mais quelques mois plus tard, il a été restitué à sa place. Et en 2004, "Scream" et plus œuvre célèbre La "Madone" de l'artiste a été volée au musée Munch. Les deux films sont également revenus en 2006. Les œuvres ont subi quelques dommages et après restauration ont été à nouveau exposées en mai 2008.

— Basé sur « Le Cri », Andy Warhol a créé une série de tirages en plusieurs couleurs.

— C'est sur la base du tableau qu'a été créé le célèbre masque du film « Scream »

- « Le Cri », entre autres œuvres de Munch, a été reconnu comme un exemple d'art dégénéré dans Allemagne nazie et a été interdit. L'homme d'affaires norvégien Olsen a sauvé le tableau de la destruction et l'a acheté à l'Allemagne.

— Lors de sa vente aux enchères en 2012, une version pastel du tableau appartenant au milliardaire Peter Olsen est devenue l'œuvre d'art la plus chère proposée aux enchères publiques. L'œuvre a été vendue en 12 minutes pour plus de 119 millions de dollars.

«Beaucoup de gens considèrent le tableau comme maudit, car les personnes qui sont entrées en contact avec ce tableau d'une manière ou d'une autre sont souvent tombées malades, se sont disputées avec leurs proches, sont devenues déprimées et sont décédées subitement, ce qui est en partie confirmé par des histoires vraies.

Le critique polonais St. Przybyszewski a écrit à propos du tableau « Le Cri » : « Il est même impossible de donner une idée de ce tableau - toute sa puissance inouïe est dans sa couleur. Le ciel s'est déchaîné avec le cri du pauvre fils d'Eve. Chaque souffrance est un abîme de sang moisi, chaque hurlement prolongé de souffrance est des massues de rayures, inégales, brusquement déplacées, comme des atomes bouillants de mondes émergents... Et le ciel crie - toute la nature est concentrée dans un terrible ouragan de cris, et devant, sur la plate-forme, se tient un homme qui crie en lui serrant la tête avec les deux mains, car à cause de tels cris les veines éclatent et les cheveux deviennent gris.

"Le Cri" d'Edvard Munch est un emblème et une vitrine de l'expressionnisme, même si le tableau a été peint avant que l'expressionnisme ne se généralise. Edvard Munch(comme Van Gogh) ont créé non seulement des œuvres graphiques et colorées, mais les ont également remplies d'émotions vives. Dans le cas de la peinture "Crier"- des émotions bouleversantes. "Crier" devenu un prélude au modernisme et à l'art du XXe siècle, il reflète les thèmes clés du modernisme que sont la solitude, le désespoir et l'aliénation.

Ce tableau est l’un des chefs-d’œuvre les plus mystérieux de la peinture mondiale. Le pouvoir de l'artiste- Croquer non seulement dans les compétences artistiques, mais dans la philosophie particulière du maître, dans sa capacité à voir et à interpréter de manière ambiguë le monde qui l'entoure. Moi-même Croquer a dit qu'il représentait non seulement ce qu'il voyait, mais ce qui éveillait en lui une réaction philosophique. Dans cette image, c’est donc la réaction, ou plus précisément les émotions recréées qui ressortent.

Dans le dessin "Désespoir" de 1892 Croquer a fait l'inscription suivante :

«Je marchais sur la route avec deux amis. Le soleil se couchait. Le ciel est soudain devenu rouge sang, et j'ai ressenti une explosion de mélancolie, une douleur lancinante sous mon cœur. Je m'arrêtai et m'appuyai contre la clôture, mort de fatigue. Du sang et des flammes recouvraient le fjord et la ville bleu-noir. Mes amis continuaient de marcher, mais je restais en arrière, tremblant de peur, et j'entendais un cri sans fin perçant la nature.

Un peu plus tard il incarnera ce sentiment dans le film "Crier", plus précisément, dans plusieurs tableaux.

Après tout "Crier" est une série de peintures réalisées dans le genre de l'expressionnisme par un artiste norvégien Edvard Munch, représentant une silhouette remplie de désespoir sur un ciel rouge sang. Dans le paysage de fond "Crier" Vous devinerez la vue sur le fjord d’Oslo depuis la colline d’Ekeberg à Christiania. Nom d'origine en allemand, étant donné Croquer La peinture était « Der Schrei der Natur » (« Le cri de la nature »).

Edvard Munch, "Le Cri". 1893

Carton, huile, tempera, pastel. 91 × ​​​​73,5 cm

galerie nationale, Oslo

« La figure d’un homme désespérément hurlant, placée au centre de la composition, attire l’attention du spectateur. Sur le visage, dépersonnalisé jusqu'au primitif, on peut lire le désespoir et l'horreur, à la limite de la folie. L'auteur a réussi à transmettre le plus puissant émotions humaines. Il y a de la souffrance dans les yeux, la bouche grande ouverte rend le cri lui-même perçant et vraiment palpable. Les mains levées couvrant les oreilles parlent du désir réflexif d’une personne de s’enfuir d’elle-même, d’arrêter cette crise de peur et de désespoir. La solitude du personnage principal, sa fragilité et sa vulnérabilité remplissent toute l’œuvre d’une tragédie et d’une énergie particulières.

Croquer créé quatre versions "Crier", dont chacun est réalisé selon des techniques différentes.

Dans le musée Croquer a présenté l'une des deux options, réalisée à l'huile et une au pastel.

La deuxième version la plus célèbre est exposée au Musée national de Norvège. Il est peint à l'huile.

La seule version de l’intrigue restant entre des mains privées est réalisée au pastel. Il appartenait au milliardaire norvégien Petter Olsen, qui l'a mis aux enchères en mai 2012. En conséquence, le tableau a été vendu à Leon Black pour 119 millions 922 mille 500 dollars, ce qui représentait à l'époque un record pour les œuvres d'art.

A la veille de la vente aux enchères, David Norman, coprésident du conseil d'administration de Sotheby's, a déclaré :

« "Crier" fait appel à l’inconscient collectif. Quels que soient votre nationalité, vos croyances ou votre âge, vous avez probablement éprouvé au moins une fois le même sentiment d’horreur existentielle, surtout à une époque de violence et d’autodestruction, où tout le monde se bat pour sa survie.

Il croit également que la toile Croquer est devenu une œuvre prophétique qui prédisait le 20e siècle avec ses deux guerres mondiales, l'Holocauste, les catastrophes environnementales et les armes nucléaires.

D'ailleurs, cette version "Crier" est l'une des œuvres d'art les plus reconnaissables de l'histoire, au même titre que les « Tournesols » de Van Gogh ou de Malevitch.