Culture artistique mondiale e. Conférences sur le cours "Culture artistique mondiale"

Il est difficile de ne pas être d’accord avec l’importance du rôle que joue l’art dans l’histoire d’une période donnée. Jugez par vous-même : dans les cours d'histoire à l'école, après chaque sujet consacré à l'étude de la situation politique et économique du monde à une époque donnée, les élèves sont invités à préparer des rapports sur l'art d'une époque donnée.

En outre, dans le programme scolaire, depuis relativement récemment, il existe une matière telle que le CMH. Ce n'est absolument pas une coïncidence, car toute œuvre d'art est l'un des reflets les plus brillants de l'époque à laquelle elle a été créée et permet de regarder l'histoire du monde à travers les yeux du créateur qui a donné vie à cette œuvre.

Définition de la culture

La culture artistique mondiale, ou MHC en abrégé, est un type culture publique, qui repose sur la reproduction figurative et créative de la société et des personnes, ainsi que de la nature vivante et inanimée à travers les moyens utilisés par l'art professionnel et la culture artistique populaire. Ce sont aussi des phénomènes et des processus d'activité spirituelle pratique qui créent, se propagent et maîtrisent objets matériels et des œuvres d'art qui ont une valeur esthétique. La culture artistique mondiale comprend le patrimoine et les monuments picturaux, sculpturaux, architecturaux, ainsi que toute la diversité des œuvres créées par les peuples et leurs représentants individuels.

Le rôle du CMH en tant que matière éducative

Au cours de l'étude du cours de la culture artistique mondiale, une large intégration et une compréhension du lien entre la culture sont assurées principalement avec événements historiquesà toute époque, ainsi qu’avec les sciences sociales.

Comme mentionné précédemment, la culture artistique mondiale couvre toutes les activités artistiques auxquelles une personne s’est engagée. Ce sont la littérature, le théâtre, la musique, les beaux-arts. Tous les processus associés à la création et au stockage, ainsi qu'à la diffusion, à la création et à l'évaluation du patrimoine culturel sont étudiés. Les problèmes liés à la poursuite de la vie culturelle de la société et à la formation de spécialistes possédant les qualifications appropriées dans les universités ne restent pas de côté.

En tant que matière académique, le MHC fait appel à l'ensemble de la culture artistique, et non à ses types individuels.

Le concept d'ère culturelle

Une ère culturelle, ou paradigme culturel, est un phénomène multifactoriel complexe qui contient l'image à la fois d'une personne spécifique vivant à une heure précise et exerçant ses activités, et d'une communauté de personnes ayant le même mode de vie, la même humeur de vie et la même pensée, et le système de valeurs.

Les paradigmes culturels se remplacent à la suite d'une sorte de sélection naturelle et culturelle grâce à l'interaction des composants traditionnels et innovants que véhicule l'art. CMH comment formation vise également à étudier ces processus.

Qu'est-ce que la Renaissance

L'une des périodes les plus importantes dans le développement de la culture est la Renaissance, ou renouveau, qui a dominé aux XIIIe et XVIe siècles. et marque l'avènement du New Age. La plus grande influence la sphère a été soumise créativité artistique.

Après une époque de déclin au Moyen Âge, l’art fleurit et la sagesse artistique ancienne renaît. C'est à cette époque et dans le sens de « renaissance » qu'est utilisé le mot italien rinascita, plus tard de nombreux analogues sont apparus dans les langues européennes, y compris la Renaissance française. Toute créativité artistique, principalement les beaux-arts, devient un « langage » universel qui nous permet d'apprendre les secrets de la nature et de s'en rapprocher. Le maître ne reproduit pas la nature de manière conventionnelle, mais s'efforce d'obtenir un maximum de naturel, en essayant de surpasser le Tout-Puissant. Le développement de notre sens habituel de la beauté commence, les sciences naturelles et la connaissance de Dieu trouvent constamment un terrain d’entente. À la Renaissance, l’art devient à la fois un laboratoire et un temple.

Périodisation

La renaissance est divisée en plusieurs périodes. En Italie, berceau de la Renaissance, on a identifié plusieurs périodes qui ont longtemps été utilisées dans le monde entier. Il s'agit de la Proto-Renaissance (1260-1320), incluse en partie dans la période Ducento (XIIIe siècle). De plus, il y avait des périodes de Trecento (XIVe siècle), Quattrocento (XVe siècle), Cinquecento (XVIe siècle).

Une périodisation plus générale divise l'époque en Première Renaissance (XIV-XV siècles). A cette époque, les nouvelles tendances interagissent avec le gothique, qui se transforme de manière créative. Viennent ensuite les périodes de la Renaissance moyenne, haute et tardive, dans lesquelles une place particulière est accordée au maniérisme, caractérisée par une crise de la culture humaniste de la Renaissance.

Dans des pays comme la France et les Pays-Bas, le style dit gothique tardif se développe également. Comme le dit l'histoire du MHC, la Renaissance s'est reflétée dans L'Europe de l'Est: République tchèque, Pologne, Hongrie, ainsi que dans les pays scandinaves. L'Espagne, la Grande-Bretagne et le Portugal sont devenus des pays dotés d'une culture distinctive de la Renaissance.

Composantes philosophiques et religieuses de la Renaissance

À travers les réflexions de représentants de la philosophie de cette période comme Giordano Bruno, Nicolas de Cues, Giovanni et Paracelse, ils deviennent pertinents dans Sujets du CMH créativité spirituelle, ainsi que la lutte pour le droit d'appeler un individu un « second dieu » et de lui associer une personne.

Le problème de la conscience et de la personnalité, de la foi en Dieu et des puissances supérieures est d'actualité, comme à tout moment. Il existe des opinions à la fois modérées et hérétiques sur cette question.

L'homme est confronté à un choix, et la réforme de l'Église de cette époque implique une Renaissance non seulement dans le cadre du CMH. C'est aussi une personne promue à travers les discours de personnalités de toutes confessions religieuses : des fondateurs de la Réforme aux Jésuites.

La tâche principale de l'époque. Quelques mots sur l'humanisme

À la Renaissance, l’éducation d’une nouvelle personne était d’une importance primordiale. Le mot latin humanitas, dont est dérivé le mot humanisme, est l’équivalent du mot grec signifiant éducation.

Dans le cadre de la Renaissance, l'humanisme appelle une personne à maîtriser la sagesse ancienne qui était importante à cette époque et à trouver un chemin vers la connaissance de soi et l'amélioration de soi. Il s'agit ici d'un amalgame de tout ce que d'autres périodes qui ont marqué le CMH pouvaient offrir de meilleur. La Renaissance a pris l'ancien héritage de l'Antiquité, la religiosité et le code d'honneur laïc du Moyen Âge, l'énergie créatrice et l'esprit humain des temps nouveaux, créant un type de vision du monde complètement nouveau et apparemment parfait.

Renaissance dans diverses sphères de l'activité artistique humaine

Au cours de cette période, les peintures illusoires et réalistes ont remplacé les icônes, devenant ainsi le centre de l'innovation. Les paysages sont activement peints, peinture domestique, portrait. La gravure imprimée sur métal et bois est très répandue. Les croquis de travail des artistes deviennent une forme indépendante de créativité. L’illusion de l’image est également présente dans

En architecture, sous l’influence de la passion des architectes pour l’idée de temples, de palais et d’ensembles architecturaux centrés et proportionnés qui mettent l’accent sur les horizontaux terrestres et centrés sur la perspective, deviennent populaires.

La littérature de la Renaissance se caractérise par un amour du latin comme langue Des gens éduqués, adjacent aux langues nationales et populaires. Des genres tels que le roman picaresque et le roman urbain, les poèmes héroïques et les romans sur le thème des chevaliers d'aventure médiévaux, la satire, les paroles pastorales et d'amour deviennent populaires. Au sommet de la popularité du théâtre, les théâtres organisaient des représentations avec de nombreuses vacances en ville et de magnifiques extravagances de cour, qui devinrent la source de synthèses colorées. divers types arts

En musique, il y a un épanouissement d'une polyphonie musicale stricte. La complication des techniques de composition, l'apparition des premières formes de sonates, opéras, suites, oratorios et ouvertures. La musique profane, proche de la musique folklorique, devient l’égale de la musique religieuse. La séparation se produit musique instrumentale sous une forme distincte, et le summum de l'époque fut la création de chansons solos, d'opéras et d'oratorios à part entière. Le temple est remplacé par Théâtre d'opéra, qui a remplacé le centre de la culture musicale.

En général, la principale avancée réside dans le fait que l’anonymat autrefois médiéval est remplacé par une créativité individuelle et auctoriale. À cet égard, la culture artistique mondiale atteint un niveau fondamentalement nouveau.

Titans de la Renaissance

Il n'est pas surprenant qu'une renaissance aussi fondamentale de l'art, en fait de ses cendres, n'ait pas pu avoir lieu sans ces personnes qui ont créé avec leurs créations. nouvelle culture. Ils furent plus tard appelés « titans » pour leurs contributions.

La Proto-Renaissance a été personnifiée par Giotto, et pendant la période du Quattrocento, Masaccio, constructif et strict, et les œuvres émouvantes et lyriques de Botticelli et Angelico s'opposaient.

Le milieu, représenté par Raphaël, Michel-Ange et, bien sûr, Léonard de Vinci, artistes devenus emblématiques au tournant de l'ère moderne.

Les architectes célèbres de la Renaissance étaient Bramante, Brunelleschi et Palladio. Bruegel l'Ancien, Bosch et Van Eyck sont des peintres de la Renaissance néerlandaise. Holbein le Jeune, Dürer, Cranach l'Ancien furent les fondateurs de la Renaissance allemande.

La littérature de cette période se souvient des noms de maîtres « titans » comme Shakespeare, Pétrarque, Cervantes, Rabelais, qui ont donné au monde la poésie lyrique, le roman et le théâtre, et ont également contribué à la formation langues littéraires leurs pays.

Sans aucun doute, la Renaissance a contribué au développement de nombreux courants artistiques et a donné une impulsion à la création de nouveaux. On ne sait pas à quoi aurait ressemblé l’histoire de la culture artistique mondiale si cette période n’avait pas existé. Peut-être que l’art classique d’aujourd’hui ne susciterait pas une telle admiration ; la plupart des mouvements littéraires, musicaux et picturaux n’existeraient pas du tout. Ou peut-être que tout ce que nous avons l’habitude d’associer à l’art classique serait apparu, mais plusieurs années, voire plusieurs siècles plus tard. Quel que soit le cours des événements, une seule chose est claire : aujourd'hui encore, nous admirons les œuvres de cette époque, ce qui prouve une fois de plus son importance dans la vie culturelle de la société.

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Culture (du latin cultura - culture, éducation, éducation, développement, vénération) La culture est un ensemble de valeurs matérielles et spirituelles, d'idées de vie, de modèles de comportement, de normes, de méthodes et de techniques. activité humaine: - reflétant un certain niveau de développement historique de la société et de l'homme ; - incarné dans des supports objectifs et matériels ; et - transmis aux générations suivantes.

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La culture artistique (art) est un type spécifique de réflexion et de formation de la réalité par une personne en cours de créativité artistique conformément à certains idéaux esthétiques. CULTURE MONDIALE - CRÉÉE DANS DIFFÉRENTS PAYS DU MONDE.

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Fonctions de l'art Narratif-cognitif - connaissance et illumination. Information et communication - communication entre le spectateur et l'artiste, communication entre les personnes et les œuvres d'art, communication entre eux sur les œuvres d'art. Pronostic - anticipation et prédiction. Socialement transformateur et intellectuel-moral - les gens et la société s'améliorent, ils sont imprégnés des idéaux proposés par l'art, ils rejettent ce à quoi vise la critique de l'art.

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Esthétique - développement des capacités de perception artistique et de créativité. À l’aide d’exemples d’œuvres d’art, les gens développent leur goût artistique et apprennent à voir la beauté de la vie. Hédoniste - plaisir. Impact psychologique sur une personne - quand, en écoutant de la musique, on pleure, en regardant un tableau, on ressent de la joie et un élan de force. L'art comme gardien de la mémoire des générations.

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TYPES D'ART SPATIAL - types d'art dont les œuvres existent dans l'espace, sans changer ni se développer dans le temps ; - avoir un caractère substantiel ; - sont réalisés en traitant du matériel ; - sont perçus par les spectateurs directement et visuellement. Les arts de l'espace se répartissent en : - beaux-arts (peinture, sculpture, graphisme, photographie) ; -les arts non-beaux (architecture, arts décoratifs et appliqués et construction artistique (design)).

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Beaux-arts Les beaux-arts sont un type d'art dont la principale caractéristique est le reflet de la réalité dans des images visuelles perceptibles. Les beaux-arts comprennent : la peinture, le graphisme, la sculpture, la photographie, l'imprimerie.

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PEINTURE - voir arts visuels, dont les œuvres sont créées sur plan à partir de matériaux colorés. La peinture est divisée en : chevalet, monumentale, décorative

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Types spéciaux les peintures sont : la peinture d'icônes, la miniature, la fresque, la peinture théâtrale et décorative, le diorama et le panorama.

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La SCULPTURE est un type d'art dont les œuvres ont un volume matériel, objectif et une forme tridimensionnelle située dans l'espace réel. Les principaux objets de la sculpture sont des humains et des images du monde animal. Les principaux types de sculpture sont la sculpture ronde et le relief. la sculpture est divisée en : - monumentale ; - pour monumental et décoratif ; - chevalet ; et - sculpture de petites formes.

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PHOTO ART est un art plastique dont les œuvres sont créées au moyen de la photographie.

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Conception non-beaux-arts (conception artistique). architecture l'artisanat,

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L'ARCHITECTURE est l'art de concevoir et de construire des bâtiments et de créer des ensembles artistiquement expressifs. L'objectif principal de l'architecture est de créer un environnement de travail, de vie et de loisirs pour la population.

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L'ART DÉCORATIF est un domaine des arts plastiques dont les œuvres, avec l'architecture, façonnent artistiquement l'environnement matériel qui entoure une personne. art décoratif divisé en : - art monumental et décoratif ; - les arts décoratifs et appliqués ; et - l'art du design.

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DESIGN - construction artistique du monde objectif ; développement d'échantillons de construction rationnelle d'un environnement sujet.

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TYPES D'ART TEMPORAIRES Les types d'art temporaires comprennent : la musique ; 2) fiction.

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La musique est une forme d'art qui reflète la réalité dans des images artistiques sonores. La musique peut transmettre les émotions et les sentiments des gens, qui s'expriment par le rythme, l'intonation et la mélodie. Selon la méthode d'exécution, il est divisé en instrumental et vocal.

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La fiction est un type d’art dans lequel la parole est le support matériel de l’imagerie. On l’appelle parfois « la belle littérature » ou « l’art des mots ». Il existe de la littérature de fiction, scientifique, journalistique, de référence, critique, courtoise, épistolaire et autre.

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TYPES D'ART SPATIO-TEMPORAUX (spectaculaires) Ces types d'art comprennent : 1) la danse ; 2) théâtre ; 3) cinéma ; 4) variété et art du cirque.

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CINÉMA - un type d'art dont les œuvres sont créées par tournage réel, ou spécialement mises en scène, ou en utilisant des moyens d'animation d'événements, de faits et de phénomènes de la réalité. Il s’agit d’une forme d’art synthétique qui combine littérature, théâtre, arts visuels et musique.

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LA DANSE est une forme d'art dans laquelle des images artistiques sont créées au moyen de mouvements plastiques et de changements rythmiques clairs et continus de positions expressives. corps humain. La danse est inextricablement liée à la musique, dont le contenu émotionnel et figuratif s'incarne dans sa composition chorégraphique, ses mouvements et ses figures. .

PROGRAMME

SUR LA CULTURE ARTISTIQUE MONDIALE

Connaissances minimales obligatoires

sur la culture artistique étrangère

SECTION I

Culture artistique de l'Antiquité

1. Culture artistique de l'Egypte ancienne. Les idées religieuses et le culte des morts chez les anciens Égyptiens comme base de leur architecture et de leur art. Périodisation de la culture artistique égyptienne antique - Période prédynastique, Premier Empire, Ancien Empire, Moyen Empire, Nouvel Empire, Heure tardive. Structures funéraires - pyramides et temples. Complexe pyramidal à Gizeh. Temples de Karnak et Louxor, temple de Ramsès II à Abou Simbel.

2. Culture artistique de la Mésopotamie. Sumer et Akkad. La réalisation la plus importante de l’architecture des temples de Mésopotamie est la ziggourat. Ziggourat du dieu lunaire Nanna à Ur (XXIe siècle avant JC). Relief, petit plastique, mosaïque. Sculpture du 3ème millénaire. Étalon d'Ur (2600 avant JC). Art de la période babylonienne ancienne (2000-1600 avant JC). Stèle aux lois d'Hammourabi. Monuments architecturaux Babylone à l'époque néo-babylonienne (1er millénaire avant JC). Les portes de la déesse Ishtar, le rôle des briques carrelées dans la décoration des structures architecturales. Art de l'Assyrie. Caractéristiques artistiques Soulagement assyrien.

3. Art égéen. Palais de Knossos et ses fresques. Porte des Lions à Mycènes. Peinture sur vase de style Kamares.

4. Culture artistique de la Grèce antique. Périodisation art grec– archaïque, classique, hellénistique.

Architecture

Les principaux types d'ordres et de temples grecs.

Architecture de la période classique - l'Acropole d'Athènes.

Sculpture

Archaïque – types de kouros et de noyaux. Classique. Sculpteurs Myron, Polyclète, Phidias, Scopas, Praxitèle.

Sculpture hellénistique – l'autel de Zeus à Pergame, « Laocoon » d'Agésandre, Athénodore, Polydore.

5. Culture artistique Rome antique. Périodisation de l'art romain - Période républicaine, Rome impériale.

Principaux types de structures architecturales– les amphithéâtres, stades, temples, arcs de triomphe, colonnes de triomphe et leur décoration sculpturale.

L'incarnation du style impérial dans les monuments de l'époque augustéenne. Monumental et sculpture de chevalet Rome antique et son lien avec les cultes religieux. Portrait sculptural romain et sa typologie.

SECTION II.

Culture artistique du Moyen Âge et de la Renaissance.

1. Culture artistique Europe de l'Ouest au moyen Âge. Le christianisme est la base spirituelle de la culture du Moyen Âge européen. La structure de la basilique paléochrétienne et le système de décoration. Le concept d'iconographie et son rôle dans l'art religieux. L'origine et la diffusion du style roman. Éléments caractéristiques de la structure et de la décoration de la basilique romane. Le rôle de la sculpture dans le temple roman. Sculpture du portail royal de la cathédrale Notre-Dame de Chartres. Le rôle de la peinture monumentale dans la basilique romane. L'origine et la diffusion du style gothique. Cathédrale Notre-Dame de Paris. Cathédrales Notre-Dame de Chartres, Reims et Amiens. Vitrail gothique. Sainte-Chapelle à Paris.

2. Culture artistique de Byzance. Cathédrale Sainte-Sophie de Constantinople. Architecture et décoration en mosaïque de l'église de San Vitale de Ravenne. Le rôle des icônes et de l'iconographie dans l'histoire de l'art byzantin. Formation et développement du type d'église à coupole croisée. Le système de décoration monumentale pittoresque d'un temple byzantin - mosaïques, fresques.

3. Culture artistique Renaissance italienne. Périodisation – Proto-Renaissance, début de la Renaissance, Haute Renaissance, fin de la Renaissance. L'humanisme est la base idéologique de la culture de la Renaissance. La valeur du patrimoine ancien.

Les œuvres de Giotto di Bondone. L'art de Florence au début de la Renaissance - Brunelleschi, Alberti, Masaccio, Botticelli, Donatello. L'art de la Haute Renaissance - l'œuvre de Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange. Giorgione, Titien et l'école de peinture vénitienne. Structures architecturales de Bramante et Palladio.

4. Caractéristiques artistiques Renaissance du Nord. Les œuvres des frères van Eyck, Albrecht Dürer, Hans Holbein, Hieronymus Bosch et Pieter Bruegel.

SECTION III

Culture artistique des XVIIe-XVIIIe siècles.

1. art européen et le style baroque. Manifestation du style baroque dans l'architecture et la sculpture de Lorenzo Bernini. Créativité de P.P. Rubens - la plus haute ascension du baroque flamand.

Portraits de A. van Dyck, peintures de genre de J. Jordaens, natures mortes de F. Snyders.

2. Quête réaliste des maîtres hollandais et espagnols tableau XVII V. La relation entre mythe et réalité dans les œuvres de D. Velazquez, H. Rembrandt. Portraits de Rembrandt.

Le rôle des « petits Néerlandais » et les raisons du développement peinture de genre, nature morte, paysage dans Peinture hollandaise XVIIe siècle

3. Classicisme en architecture et beaux-arts France XVII V. Ensemble architectural et parc de Versailles. L'œuvre de N. Poussin - sujets mythologiques et religieux, formation des principes classiques de la peinture.

4. Architecture et beaux-arts XVIIIe siècle. La poursuite du développement architecture du classicisme en France (Petit Trianon à Versailles, Place de la Concorde à Paris).

5. Le style rococo dans l'art et l'architecture de la France au XVIIIe siècle.

6. Images de théâtre et théâtralité des images dans les œuvres de Zh.A. Watteau.

7. Caractéristiques réalistes de la peinture de G. Courbet, J.B.S. Chardin.

8. Néoclassicisme dans les œuvres de A. Canova.

SECTION IV

Artistique culture XIXème–XX siècles

1. Expression des idéaux du romantisme dans la peinture allemande. Le rôle du paysage dans l'œuvre de Caspar David Friedrich.

2. Romantisme et créativité de F. Goya.

3. Caractéristiques du romantisme en France.

Les travaux de T. Géricault et E. Delacroix.

4. Peinture impressionnisme français– créativité en plein air, intérêt à transmettre avec précision l'état momentané de l'environnement lumineux, lumière du soleil. Subordination de la technique de peinture aux nouveaux buts et objectifs de la peinture.

5. Postimpressionnisme. En recherche d'un nouveau forme artistique dans l'œuvre de P. Cézanne, humanisme et expression des couleurs dans la peinture de V. Van Gogh, l'acquisition de nouvelles valeurs spirituelles à l'extérieur culture européenne dans l'art de P. Gauguin.

6. Style Art Nouveau dans l'art européen.

7. L'art des Fauves. Les origines de la manière fauve dans les formes d'art non classiques. Technique de peinture Fauvisme. Oeuvres d'A. Matisse.

8. Picasso et le cubisme.

9. Le surréalisme comme mouvement artistique. Créativité de S. Dali.

10. Nouvelles orientations de l'architecture du XXe siècle. L'œuvre de Le Corbusier.

Connaissances minimales obligatoires

sur la culture artistique russe

SECTION V

Culture artistique de la Rus antique

1. L'orthodoxie est la base spirituelle de l'art russe ancien. Le rôle des traditions byzantines dans l'art russe. Art de la Russie kiévienne. Église Sainte-Sophie de Kiev - image architecturale, peintures, mosaïques. Le rôle de l'icône et de l'iconostase dans l'art de la Russie médiévale.

2. Culture artistique des anciennes principautés russes - Novgorod, principauté de Vladimir-Souzdal. Remaniement des éléments byzantins et formation des traditions architecturales et artistiques locales dans l'art de Veliky Novgorod. Église Sainte-Sophie de Novgorod, cathédrale Saint-Georges du monastère Yuryev. Fresques de l'église du Sauveur à Nereditsa. L'œuvre de Théophane le Grec - fresques de l'église de la Transfiguration de la rue Ilyin. École de peinture d'icônes de Novgorod. Le caractère princier de la culture et de l'art de la Russie de Vladimir-Souzdal au milieu du XIIe – premier tiers du XIIIe siècle. Le concept de choix divin du pouvoir princier et l'architecture de Vladimir. Caractéristiques artistiques de l'architecture des églises de la principauté de Vladimir-Souzdal. Cathédrale de l'Assomption à Vladimir, église de l'Intercession de la Vierge Marie sur la Nerl, cathédrale Dmitrievsky, cathédrale Saint-Georges de Yuryev-Polsky.

3. L'œuvre d'Andrei Rublev est une expression des traits caractéristiques de la religiosité et de la vision du monde de la Russie moscovite : les fresques de la cathédrale de l'Assomption à Vladimir, l'icône de la Trinité. L'image du nouvel État dans l'architecture du Kremlin de Moscou - les cathédrales de l'Assomption, de l'Annonciation et de l'Archange. L'œuvre de Denys est un exemple frappant du « style panrusse » dans l'art : les fresques de la cathédrale de la Nativité de la Vierge Marie dans le monastère de Ferapontov. Architecture des tentes - l'église de l'Ascension à Kolomenskoïe, la cathédrale Saint-Basile (Protection de la Vierge Marie sur les douves).

4. Le caractère transitoire de la culture artistique russe du XVIIe siècle. La coexistence de deux directions : la tradition judiciaire et la culture de l'habitat urbain. La pénétration des traits profanes dans l'art. Construction intensive de temples à Moscou et dans les provinces. L’idée de construire la Nouvelle Jérusalem sur la rivière Istra est l’ensemble du monastère de la Nouvelle Jérusalem. Peinture du temple de Yaroslavl. Illustration de Simon Ouchakov.

SECTION VI

Culture artistique russe des XVIIIe-XXe siècles.

1. Culture artistique de l'époque de Pierre le Grand. Le rôle des traditions européennes dans l'art et architecture XVIII V.

2. Construction de Saint-Pétersbourg, développement d'une nouvelle typologie de bâtiments publics et résidentiels. Les activités des principaux architectes de l'époque de Pierre - D. Trezzini, J.B. Leblona.

3. L'épanouissement du style baroque dans l'œuvre de F.B. Rastrelli. Palais de Saint-Pétersbourg et de sa banlieue.

4. L'architecture du classicisme en Russie - les travaux de J. Quarenghi, C. Cameron, I.E. Starova. Poursuite des traditions du classicisme dans les œuvres des plus grands architectes du début du XIXe siècle. - UN. Voronikhin (cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg), après J.-C. Zakharov (bâtiment de l'Amirauté). Ensembles architecturaux de la capitale - K.I. Rossi, vice-président. Stasov.

5. Beaux-arts de la première moitié du XIXe siècle. Reflet des tendances romantiques de la culture artistique. Portraits de l'époque romantique - l'œuvre d'O.A. Kiprensky, V.A. Tropinine. La contradiction entre la forme académique et le contenu romantique dans les œuvres de K.P. Brioullov. Créativité des AA Ivanov et son tableau « L'apparition du Christ au peuple ».

6. Naissance genre de tous les jours dans les travaux d'A.G. Venetsianova.

7. Beaux-arts de la seconde moitié du XIXe siècle. Développement ultérieur du genre quotidien et croissance des tendances critiques dans l'œuvre de V.G. Perova. Création de l'Association des Expositions Itinérantes d'Art et d'Art Réaliste. Créativité N.I. Kramskoï (« Le Christ dans le désert »). N.N. Ge (« Qu'est-ce que la vérité ») et l'importance de la prédication religieuse et morale dans l'art. L'émergence d'un paysage réaliste. Images de la nature russe dans les paysages de I. Shishkin, poétique de la vie quotidienne dans les paysages d'A.K. Savrasova. Paysage d'humeur I.I. Lévitan. La variété des genres et des thèmes dans les œuvres d'I.E. Répina. Images de l'histoire russe dans les peintures de V.I. Sourikov. Images épiques de légendes russes dans les œuvres de V.M. Vasnetsova.

8. art russe fin XIX– début du 20ème siècle Les principales caractéristiques du style Art Nouveau dans l'œuvre de l'architecte F.O. Chekhtel. Créativité V.A. Sérova. M.A. Vroubel et la peinture du symbolisme russe. Conte de fées et mythe dans son œuvre. Le thème du démon de Vroubel. Association « Monde de l'Art » et appel aux traditions des époques révolues. Créativité V.E. Borisov-Musatov et la combinaison dans son style de traits du post-impressionnisme et du symbolisme. Créativité des maîtres participant à l'exposition « Blue Rose ».

9. L'art de l'avant-garde russe du début du XXe siècle. Développement de tendances d'avant-garde dans la peinture des artistes du « Valet de Carreau ». Peinture abstraite de V.V. Kandinsky. « Carré Noir » de K.S. Malevitch. " Art analytique» P. Filonova.

10. Art russe et soviétique de la première moitié du XXe siècle. Préservation de la culture de la peinture de chevalet et de nouvelles images dans les œuvres de K.S. Petrova-Vodkina.

11. Concept réalisme socialiste et son rôle dans le travail de S.V. Gerasimova, A.A. Plastova, A.A. Deineki. Créativité sculpturale de V.I. Moukhina.

SECTION VII

Théorie de l'art

Les connaissances minimales requises dans le domaine de la théorie de l'art sont que les candidats doivent comprendre et être capables d'utiliser les termes suivants lors de la description et de l'analyse d'œuvres d'art :

• style : roman, gothique, baroque, classicisme, romantisme, réalisme, moderne ;
• composition, couleur, perspective, intrigue ;
• installations expression artistique types de beaux-arts : architecture, sculpture, peinture, graphisme.
• genres d'art : paysage, portrait, nature morte, genre de bataille, animalier, historique, mythologique.

EXEMPLES D'ESSAIS

a) M.O. Mikeshin

b) A.M. Opekushine

c) M.M. Antokolski

2. " Puissant groupe" - Ce:

a) une association d'artistes russes du XIXe siècle.

b) une association de musiciens russes du XIXe siècle.

c) association d'artistes d'avant-garde

3. Lesquels des arts suivants sont caractérisés comme spatio-temporels :

a) théâtre et cinéma

b) architecture et peinture monumentale

4. Au centre de la composition du tableau « Les Ménines » de D. Velazquez se trouve :

a) portrait du roi et de la reine d'Espagne

b) Infante Margarita

c) l'artiste Diego Velazquez lui-même, qui regarde le spectateur

5. Les personnages du tableau « Les bergers arcadiens » de N. Poussin considèrent :

a) sarcophage avec inscription

b) une sculpture représentant la déesse Aphrodite

c) une amphore représentant une scène de la guerre de Troie

6. Quel type de structure est la cathédrale Saint-Basile :

a) en forme de dôme croisé

b) basilique

c) centré

7. Lesquelles des paires stylistiques suivantes ont coexisté aux XVIIe et XVIIIe siècles :

a) Gothique et baroque

b) Baroque et classicisme

c) baroque et rococo

d) classicisme et néoclassicisme

LISTE DES OEUVRES D'ART

1. Pyramide de Khéops, milieu du IIIe millénaire avant JC. e., Gizeh, Égypte.

2. Grand Sphinx, milieu du 3e millénaire avant JC. e., Gizeh, Égypte.

3. Portrait sculptural de Néfertiti, XIVe siècle. avant JC e., Musées d'État, Berlin.

4. Étendard du tombeau royal d'Ur, v. 2600 avant JC e., Londres, British Museum.

5. Stèle avec le code des lois d'Hammourabi de Suse, XVIIIe siècle. avant JC e., Paris, Louvre.

6. Porte de la déesse Ishtar à Babylone, VIe siècle. avant JC e. Berlin, Musées d'État.

7. Temple du Parthénon sur l'Acropole, 447-438 av. e., architectes Ictinus et Kallicrates, décoration sculpturale de Phidias, Athènes.

8. Temple du Panthéon, IIe siècle, Rome.

9. Temple de Sainte-Sophie à Constantinople, 532-537, architectes Isidore de Milet et Anthemius de Tralles.

10. Église de San Vitale à Ravenne, VIe siècle.

11. Cathédrale Notre-Dame de Paris.

12. Vitrail de la cathédrale de Chartres : Notre-Dame de la « belle fenêtre », 1194-1225.

13. « Trinité », Masaccio, v. 1427, fresque, Santa Maria Novella, Florence.

14. « Printemps », S. Botticelli, ca. 1482, tempera/bois, 203×314, Galerie des Offices, Florence.

15. « David », Michel-Ange, 1504, marbre, Galleria dell'Accademia, Florence.

16. « La Cène », Léonard de Vinci, 1498, mixte. technique, réfectoire du monastère de Santa Maria della Grazia, Milan.

17. « Mona Lisa », Léonard de Vinci, 1503-1505, m/x, Louvre, Paris.

18. « La Création d'Adam », Michel-Ange, 1508-1512, fresque au plafond Chapelle Sixtine, Vatican, Rome.

19. " Madone Sixtine", Raphaël, 1513-1514, huile sur toile, 270×201, Galerie d'art, Dresde.

20. « L'École d'Athènes », Raphaël, 1510-1511, fresque de Stanza della Segnatura, Vatican, Rome.

21. « Vénus endormie », Giorgione, 1510, huile sur toile, 108×175, Galerie d'art, Dresde.

22. « Les Ménines », D. Velazquez, 1656-1657, huile sur toile, 318×276, Musée du Prado, Madrid.

23. "Retour" fils prodigue", Rembrandt, env. 1669, m/x, 262×206, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg.

24. «Autoportrait avec Saskia à genoux», Rembrandt, 1635, huile sur toile, 161×131, Galerie d'art, Dresde.

25. « Le roi des haricots (« Le roi boit ! »), Jacob Jordaens, ca. 1638, m/x, 157×211, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg.

26. « Les Bergers arcadiens », N. Poussin, 1637-1639, huile sur toile, 185×121, Louvre, Paris.

27. « La Mort de Germanicus », N. Poussin, 1627, huile sur toile, 148×198, Art Institute, Minneapolis.

28. « Gilles », J.A. Watteau, 1718-1720, huile sur toile, 184,5×149,5, Louvre, Paris.

29. « La Liberté guidant le peuple », E. Delacroix, m/x, 1831, 260×325, Louvre, Paris.

30. « Funérailles à Ornans », G. Courbet, 1849–1850, huile sur toile, 315×668, Musée d'Orsay, Paris.

31. « Déjeuner sur l'herbe », E. Manet, 1863, m/x, 208×264,5, Musée d'Orsay, Paris.

32. " Nuit étoilée", Vincent Van Gogh, 1889, m/v, 73,7x92,1, Musée d'Art Moderne, New York.

33. « Danse », A. Matisse, 1909-1910, huile sur toile, 260×391, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg.

34. « Boulevard des Capucines », C. Monet, 1873, m/x, 61×80, Musée Pouchkine im. COMME. Pouchkine, Moscou.

35. « Portrait d'Ambroise Vollard », P. Picasso, 1909-1910, huile sur toile, 93×65, Musée Pouchkine im. COMME. Pouchkine, Moscou.

36. « Transporteurs de barges sur la Volga », c'est-à-dire Repin, 1870-1873, huile sur toile, 131×281, Musée national russe, Saint-Pétersbourg.

37. « Boyaryna Morozova », V.I. Sourikov, 1887, huile sur toile, 304×587,5, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

38. « Le dernier jour de Pompéi », K. Bryullov, 1833, m/x, 456,5×651, Musée national russe, Saint-Pétersbourg.

39. « L'apparition du Christ au peuple », A.A. Ivanov, 1837-1857, huile sur toile, 540×750, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

40. « Accompagner le mort », V.G. Perov, 1865, huile sur toile, 45×57, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

41. « Sur les terres arables. Printemps", A.G. Venetsianov, première moitié des années 1820, huile sur toile, 51,2×65,5, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

42. « Les tours sont arrivées », A.K. Savrassov, 1871, huile sur toile, 62×48,5, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

43. « Vladimirka », I.I. Levitan, 1892, huile sur toile, 79×123, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

44. « Fille aux pêches. Portrait de V.S. Mamontova", V.A. Serov, 1887, huile sur toile, 91×85, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

45. « Démon (assis) », M.A. Vroubel, 1890, huile sur toile, 116,5 × 213,8, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

46. ​​​​​​Icône « La Trinité », Andrei Rublev, 1425-1427, tempera/bois, 142×114, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

47. Portrait d'A.S. Pouchkine, O.A. Kiprensky, 1827, huile sur toile, 63×54, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

48. « Qu'est-ce que la vérité ? » Le Christ et Pilate", N.N. Ge, 1890, huile sur toile, 233×171, Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

49. Monument à A.S. Pouchkine, A.M. Opekushin, 1880, bronze, granit, Moscou.

50. Cathédrale de l'Assomption du Kremlin de Moscou, architecte. Aristote Fioravanti, 1475-1479.

51. Cathédrale Saint-Basile (cathédrale de l'Intercession de la Vierge Marie sur les douves) à Moscou, 1555-1560.

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La culture artistique mondiale révèle la spécificité et l’originalité de l’expérience spirituelle et esthétique de l’humanité, généralise les idées des gens sur les arts. Cette matière est incluse dans le programme de base et est obligatoire pour étudier.

La notion de culture. Principes d'étude de la culture artistique.

Art du monde – toute une liste de disciplines scientifiques :

Histoire de l'art (ainsi que sa philosophie et sa psychologie)

Esthétique (l'étude des formes de beauté dans la créativité artistique)

Culturologie (un complexe d'études sur la culture dans son ensemble)

Ethnographie culturelle (une science qui étudie le matériel et le spirituel des peuples ethniques)

Sémantique de la culture (l'étude des objets culturels du point de vue du sens qu'ils expriment)

Sémiotique de la culture (considération de la culture comme système de signes)

Herméneutique (l'étude des principes d'interprétation et d'interprétation des objets culturels)

Ontologie de la culture (la relation entre la culture et les lois universelles de l'existence)

Épistémologie de la culture (l'étude des formes de connaissances basées sur le patrimoine culturel)

Axiologie (prise en compte des lignes directrices de valeurs culturellement approuvées)

Qu’est-ce que la culture ? L'origine latine du mot nous renvoie au nom colère"culture", "culture". Mais il n’existe pas de définition unique.

Classification des définitions notion de « culture » Le scientifique culturel espagnol Albert Cafaña.

1) définitions basées sur la notion de patrimoine social (Edward Sapir : « la culture est tout élément socialement hérité vie humaine- à la fois matériel et spirituel»)

2) définitions basées sur le concept de formes de comportement apprises (Julian Stewart : « La culture est généralement comprise comme des comportements acquis qui se transmettent socialement...»)

3) définitions basées sur le concept d'idées (James Ford : « ... la culture peut être généralement définie comme le flux d'idées circulant d'un individu à l'autre par le biais d'un comportement symbolique, d'un enseignement verbal ou d'une imitation.»)

4) définitions basées sur le concept du superorganique (c'est-à-dire situé au-delà de la limite de la perception sensorielle) - intellectuel, émotionnel, spirituel)

Cultureest un ensemble d'éléments matériels et spirituels socialement hérités de la vie humaine : objets physiques créés par l'homme, compétences professionnelles, normes comportementales, modèles esthétiques, idées, ainsi que la capacité de les conserver, de les utiliser et de les transmettre aux descendants.

La division de la culture en matérielle et spirituelle. Il est généralement admis quele matériel représente des objets de travail, des logements, des vêtements, des véhicules, des moyens de production, etc. Mais ce type de culture n'est pas seulement représenté par certains objets, il inclut les connaissances, les capacités et les compétences de l'individu impliqué dans le processus de production. Le développement physique humain fait également partie de cette culture. La culture spirituelle est l'art, la religion, l'éducation, la science et le niveau de mise en œuvre de ses réalisations dans la vie quotidienne et la production, les traditions, les coutumes, les rituels, la médecine, le degré de développement des besoins et des intérêts des personnes en termes matériels et spirituels. Cela peut également inclure les relations entre les personnes, ainsi que l'attitude d'une personne envers elle-même et la nature...

Cette division est légitime, mais elle ne doit pas être acceptée comme une vérité absolue. C’est ce que souligne par exemple le philosophe russe Nikolai Berdiaev :« Chaque Culture (même la Culture matérielle) est une Culture de l'esprit, chaque Culture a une base spirituelle - c'est un produit travail créatif esprit..." En d’autres termes, toute culture matérielle a pour cause la culture spirituelle, et tel ou tel état spirituel en est la conséquence. Disons qu'un téléphone portable que chacun de vous possède est un objet culture matérielle, mais son existence n'est possible que grâce à la culture spirituelle (domaine scientifique), et son résultat est votre état spirituel (par exemple, le phénomène de pensée SMS).

Culture artistique - c'est un monde de l'art caractérisé par l'interaction avec la société et d'autres types de culture. Ce type de culture est un produit activité artistique personne. Culture artistique Il comprend les composantes suivantes :

production artistique,

Sciences des arts,

critique artistique,

- la « consommation » des œuvres d'art (par les auditeurs, spectateurs, lecteurs).

Évidemment, les trois premières de ces composantes présupposent une implication professionnelle dans le domaine artistique (en tant qu'artiste (en dans un sens large ce mot), historien de l'art, critique). Le quatrième concerne directement vous et moi.

Objectif du cours MHC : l’acquisition par une personne du statut de consommateur « compétent » (spectateur, lecteur, auditeur) possédant certaines connaissances dans le domaine de l’art et une compréhension des modèles selon lesquels l’art existe et se développe.

Afin d'étudier une discipline scientifique particulière, nous devons choisir une sorte de « point d'observation » - c'est-à-dire notre position dans le temps et dans l'espace par rapport aux phénomènes étudiés. Le philosophe français Henri Corbin appelle ce point "historique".

Lorsqu'il s'agit de disciplines scientifiques, il existe une forte probabilité que les archives historiques coïncident avec le point indiquant l'état l'humanité moderne. Autrement dit, nous étudierons la physique sur la base de pour la plupart des thèses modernes avancées par cette science. C'est-à-dire que l'histoire scientifique est impersonnelle et plus ou moins immobile : nous analysons les hypothèses physiques avancées au IVe siècle. AVANT JC. (par exemple, l'idée d'atomes due à la paternité de Démocrite) et théorie moléculaire 19ème siècle sur la base des mêmes données scientifiques, appartenant au siècle 21.

Une telle approche du domaine de l’art est-elle possible ? Pouvons-nous étudier, par exemple, l'art grec ancien, étant dans la position de la modernité (données scientifiques modernes, structure sociale, capacités techniques, tendances esthétiques) et de notre identité culturelle et nationale (traditions, système de valeurs actuel, opinions religieuses, etc.) ? Autrement dit, peut-on étudier les textes d'Homère, un peuple russe complètement resté du XXIe siècle, vivant à l'ère de la société de l'information, des valeurs démocratiques, élevé dans le respect de la culture chrétienne et post-chrétienne ? Non, nous ne pouvons pas, car dans ce cas nous resterons simplement indifférents et sourds à ces œuvres ; tout ce que nous pouvons dire à leur sujet, ce sont des absurdités insensées et banales - ils disent que ce sont des « chefs-d'œuvre » et que « tout le monde devrait les connaître »... Que devons-nous faire ? Réponse : déplacer notre historique au point spatio-temporel où ces œuvres ont été créées (dans le cas d'Homère, ce sera la Grèce antique de la période archaïque). Intellectuellement et émotionnellement, cela impliquera d’essayer de comprendre et de vivre les poèmes d’Homère de la manière dont les contemporains de l’auteur et l’auteur lui-même les ont ressentis et compris. Notre histoire sera alors personnelle et émouvante. Alors nous pouvons au moins comprendre quelque chose. Ce mouvement de l’histoire est peut-être la chose la plus difficile techniquement que nous ayons à faire. Parce que cela nous oblige à modifier sans cesse notre façon de penser, à nous libérer sans cesse des stéréotypes de la modernité. Ce n'est vraiment pas facile et cela demande de la pratique.

Pourquoi avons-nous besoin de tout cela ? ? Le philosophe russe moderne Heydar Dzhemal a comparé une personne à une bougie. Il y a une bougie et il y a son feu. La flamme d'une bougie n'est pas une bougie. Mais une bougie sans flamme n’est pas non plus vraiment une bougie : c’est juste un objet oblong en cire. Autrement dit, c'est la flamme d'une bougie qui fait d'une bougie une bougie. La même chose avec une personne. Il y a une personne (bougie) et il y a un sens (flamme). Sans entrer dans le domaine du sens, une personne n'est pas vraiment une personne, mais seulement un ensemble de signes extérieurs d'une personne, un bipède sans plumes. Et ce n’est qu’en cherchant et en trouvant un sens que nous devenons pleinement humains. Et le domaine du sens est le domaine avec lequel la culture artistique « travaille ».

Note explicative

La culture artistique mondiale (WAC) est une matière relativement nouvelle dans le système éducatif russe, qui n'a pas d'analogue dans le monde. L'émergence de nouveaux programmes, manuels et manuels sur le CMH, l'intérêt accru des enseignants et des élèves du secondaire, une discussion plus qu'intéressée des problèmes de son enseignement dans les médias sont la preuve incontestable qu'il conquiert fermement et pour longtemps l'espace. dans système communéducation humanitaire.

Documents du ministère de l'Éducation de la Fédération de Russie, qui discutent des perspectives futures d'étude du CMH en lycée, définissent très clairement sa place dans le programme de base. Ils soulignent particulièrement que l'initiation des écoliers aux chefs-d'œuvre de la culture artistique mondiale est un processus unique et continu qui permet d'établir des liens successifs entre toutes les matières des sciences humaines et des arts.

Le système d'étude du CMH à chaque étape et dans chaque classe a ses spécificités, déterminées par les objectifs psychologiques et pédagogiques du cours et les caractéristiques liées à l'âge de la perception d'une œuvre d'art. L'introduction des écoliers au monde de l'art est présentée comme un processus progressif depuis la perception sensorielle concrète des œuvres de la culture artistique mondiale jusqu'à la compréhension et la compréhension des lois fondamentales du développement de l'art, jusqu'à la compréhension d'une image artistique holistique du monde et leur propre créativité (10e-11e années) .

Buts et objectifs pédagogiques du cours :

• étude des chefs-d'œuvre de l'art mondial créés à diverses époques artistiques et historiques, compréhension traits caractéristiques vision du monde et style d'artistes et de créateurs exceptionnels ;
• la formation et le développement de concepts sur l'époque, le style et la direction artistiques et historiques, la compréhension des modèles les plus importants de leur changement et de leur développement dans l'histoire de la civilisation humaine ;
• conscience du rôle et de la place de l'Homme dans la culture artistique tout au long de son évolution historique, reflet de la recherche éternelle d'un idéal esthétique dans les meilleures œuvres de l'art mondial ;
• compréhension du système de connaissances sur l'unité, la diversité et l'identité nationale des cultures des différents peuples du monde ;
• maîtriser les principales étapes du développement de la culture artistique nationale (russe et nationale) en tant que phénomène unique et original ayant une portée durable importance mondiale;
• familiarité avec la classification des arts, compréhension des principes généraux de création d'une image artistique sous toutes ses formes ;
• interprétation des types d'art, en tenant compte des particularités de leur langage artistique, création d'une image holistique de leur interaction.

Buts et objectifs pédagogiques du cours :

— aider l'élève à développer un besoin fort et durable de communiquer avec les œuvres d'art

des valeurs tout au long de la vie, pour y trouver un soutien moral et des orientations spirituelles et de valeurs ;

• contribuer à l'éducation du goût artistique, développer la capacité de distinguer vraies valeurs des contrefaçons et des substituts la culture populaire;
• préparer un lecteur, un spectateur et un auditeur compétent, prêt à un dialogue intéressé avec une œuvre d'art ;
• développement des capacités de créativité artistique, activité pratique indépendante dans des types d'art spécifiques;
• créer les conditions optimales pour une communication vivante et émotionnelle entre les écoliers et les œuvres d'art en classe, activités extra-scolaires et le travail d'histoire locale.

EXIGENCES POUR LE NIVEAU DE FORMATION SUPÉRIEURE

À l’issue de ses études sur la culture artistique mondiale, l’étudiant doit :

Connaître/comprendre :

1. principaux types et genres d'art ;
2. étudié les directions et les styles de la culture artistique mondiale;
3. chefs-d'œuvre de la culture artistique mondiale ;
4. caractéristiques du langage de divers types d'art.

1. reconnaître les œuvres étudiées et les corréler avec une certaine époque, style, direction.
2. établir des liens stylistiques et intrigues entre les œuvres différents types art;
3. utiliser diverses sources d'information sur la culture artistique mondiale ;
4. réaliser des tâches pédagogiques et créatives (rapports, messages).

Utiliser les connaissances acquises dans des activités pratiques et Vie courante Pour:

1. choisir les voies de votre développement culturel ;
2. organiser des loisirs personnels et collectifs ;
3. exprimer son propre jugement sur les œuvres des classiques et art contemporain;
4. créativité artistique indépendante.

Liste des ressources pédagogiques numériques :

ESUN "Histoire de l'art" 10e-11e années

TsOR "Encyclopédie de l'art de l'art classique étranger"

COR "Ermitage. Art de l'Europe occidentale"

TsOR Kirill et Méthode « Chefs-d'œuvre de la peinture russe »

COR "Culture artistique mondiale"

Manuels électroniques : « Apprendre à comprendre la peinture »,

"Encyclopédie de l'art classique étranger"

« Chefs-d'œuvre de la peinture russe », « Apprendre à comprendre la musique »

" Histoire ancien monde et le Moyen Âge" version électronique

Leçons de la Salle d'art de Moscou "Histoire du développement de l'architecture et de la sculpture"

"Architecture"

Manuels :

Danilova G.I. Art mondial. Des origines au 17ème siècle. 10 e année. Moscou, maison d'édition « Drofa », 2008 ;

Développement des capacités créatives des écoliers est mis en œuvre dans le cadre de projets, de recherche et de recherche, de types d'activités éducatives individuelles, de groupe et de conseil. Ce travail s'effectue sur la base d'une perception sensorielle concrète d'une œuvre d'art, du développement des capacités de sélection et d'analyse de l'information et de l'utilisation des dernières technologies informatiques. La plus haute priorité devrait inclure les activités de concert, de spectacle, de scène, d’exposition, de jeu et d’histoire locale des étudiants. La défense de projets créatifs, la rédaction de résumés, la participation à des conférences scientifiques et pratiques, des débats, des discussions, des concours et des excursions visent à apporter une solution optimale au problème du développement des capacités créatives des étudiants, ainsi qu'à les préparer à un choix éclairé d'avenir. profession.

Principes didactiques de base. Le programme prévoit l'étude du CMH sur la base d'approches unifiées qui se sont historiquement développées et développées dans le système d'éducation et d'éducation scolaires.

Le principe de continuité et de succession implique d’étudier le CMH tout au long de toutes les années de scolarité. Des approches historiques et thématiques sélectionnées pour l'étude du cours fournissent

assurer la continuité à chaque étape. Matériel proche de l’historique ou thématiquement, se révèle et se généralise à un niveau qualitativement nouveau, compte tenu de ce qui a été étudié précédemment. Par exemple, si mythologie ancienne en 5e année, elle est étudiée sous l'aspect moral et esthétique, puis en 10e, l'antiquité est reconnue comme une époque culturelle et historique unique, berceau de la civilisation humaine.

Le principe de l'intégration. Le cours MHC est par essence intégrateur, car il est considéré dans le système général des matières du cycle humanitaire et esthétique : littérature, musique, beaux-arts, histoire, sciences sociales. Tout d'abord, le programme révèle la relation entre différents types d'art, unis par le concept clé image artistique. Deuxièmement, il met particulièrement l'accent sur l'orientation pratique du sujet du CMH et retrace son lien avec la vie réelle.

Le principe de variabilité. L'étude du CMH est un processus exclusivement sélectif. Il offre la possibilité d'une mise en œuvre basée sur diverses approches méthodologiques, prenant en compte les tâches spécifiques et l'orientation du profil de la classe. C'est pourquoi le programme prévoit le droit inaliénable de l'enseignant de modifier la répartition des heures d'étude de matières individuelles (réduire ou augmenter leur nombre), de mettre en évidence de grands blocs thématiques et de définir la séquence de leur étude. Dans le même temps, tout choix et toute décision méthodologique prise par l'enseignant doivent être corrélés à l'effet pédagogique et ne pas détruire la logique et le concept pédagogique général du programme. Le volume maximum des diffusions thématiques (surtout au lycée) est dû non seulement à l'augmentation du nombre d'heures, mais aussi à la possibilité de choix.

Le principe de différenciation et d'individualisation. Le processus de compréhension de l’art est un processus profondément personnel et individuel. Il permet d’orienter et de développer les capacités créatives de l’élève tout au long de la période pédagogique conformément aux

le niveau général et artistique de son développement, ses intérêts et ses goûts personnels. La capacité de choisir dans une école de base et spécialisée est la clé du développement réussi des capacités créatives des écoliers.

Dans le contexte du système éducatif multinational russe, l'enseignant a la possibilité d'utiliser plus largement la composante nationale-régionale en raison de la partie variable du programme de base. Parallèlement, les spécificités du développement des cultures régionales, déterminées par les caractéristiques des composition nationale population, établie les traditions culturelles Et idées religieuses sur le monde. Ainsi, par exemple, lors de la sélection de matériel d'étude sur l'artisanat populaire, épopée héroïque, vacances et rituels, danses et musique, l'enseignant a le droit de se tourner vers les meilleures réalisations artistiques de son peuple, pour donner aux élèves le sentiment de leur identité nationale, de leur unicité et de leur originalité.

Cette caractéristique de la construction du cours MHC est dictée par les spécificités de l'art, qui possède un langage universel de communication entre les peuples. Il vous permet de voir le particulier et l'individu dans le général et le global, favorise la compréhension mutuelle à travers des valeurs éternelles et durables et favorise le respect mutuel des cultures des autres peuples.

La répartition des heures de programme prend en compte les caractéristiques du programme des 10e et 11e années de l'école. Dans le cadre de la certification finale d'État, l'année académique en 11e année dure 34 semaines académiques, donc en 10e année l'année académique est étendue à 35 semaines académiques.

Planification thématique

Sujets, rubriques	Nombre d'heures	Parmi ceux-ci, suite. R.	Parmi ceux-ci, les microthèmes de la République du Kazakhstan
10e année, 1ère année d'études
Culture artistique civilisations anciennes
Culture artistique de l'Antiquité
Culture artistique du Moyen Âge
Culture médiévale Est
Culture artistique de la Renaissance
Culture artistique des XVIIe-XVIIIe siècles.
11e année, 2e année d'études
Culture artistique des XVIIe-XVIIIe siècles.
Culture artistique du XIXe siècle.
Culture artistique du XXe siècle.

Forme de contrôle :

Critères d'évaluation du travail des étudiants

Le résultat de la vérification du niveau de maîtrise du matériel pédagogique est une note. Lors de l'évaluation des connaissances des étudiants, il est attendu qu'ils prêtent attention à l'exactitude, à la conscience, à la logique et aux preuves dans la présentation du matériel, à l'exactitude de l'utilisation de la terminologie géographique et à l'indépendance de la réponse. L'évaluation des connaissances implique la prise en compte des caractéristiques individuelles des élèves et une approche différenciée de l'organisation du travail en classe. En fonction des objectifs fixés, il est pris en compte.

Note "5"

• l'élève atteint pleinement l'objectif de la leçon ;
• présente correctement la matière étudiée et est capable d'appliquer les connaissances acquises dans la pratique ;
• compose correctement la composition du dessin, c'est-à-dire coordonne harmonieusement tous les composants de l'image;
• sait remarquer et transmettre les traits les plus caractéristiques d’une image.

Note "4"

• l'étudiant maîtrise parfaitement la matière du programme, mais lors de sa présentation, il commet des inexactitudes mineures ;
• coordonne harmonieusement tous les composants de l'image;
• sait remarquer, mais ne transmet pas avec précision les traits les plus caractéristiques de l'image.

Note "3"

• l'élève s'adapte mal à l'objectif fixé de la leçon ;
• admet des inexactitudes dans la présentation du matériel étudié.

Note "2"

• l'élève fait de grossières erreurs dans la réponse ;
• ne répond pas à l'objectif déclaré de la leçon ;

Note "1"

L'élève fait preuve d'une ignorance totale du matériel pédagogique.