N. E. Vysotskaya (1979) a constaté que toutes les caractéristiques de réussite dans la maîtrise de l'art chorégraphique sont plus prononcées chez les étudiants d'une école chorégraphique qui ont une réactivité émotionnelle élevée (tableau 10.2).
Tableau 10.2
Intensité des caractéristiques professionnelles chez les élèves des écoles chorégraphiques ayant une réactivité émotionnelle différente (points)
| Dans le processus éducatif (pendant la formation danseuse de ballet) il existe de nombreuses difficultés psychologiques : 1. Incohérence des attentes (l'idée du ballet en général et le véritable processus éducatif), qui conduit souvent à la déception et à une diminution de la motivation. Deux aspects de la « tromperie des attentes » peuvent être distingués : a) entre les idées typiques des enfants sur le ballet en tant que « vacances » (recueillies en regardant la télévision) et le véritable « sale boulot » ; b) entre l'habitude des enfants (surtout les plus jeunes écoliers) de se laisser guider dans l'activité motrice par le « principe du plaisir » et l'exigence réelle de travailler sur « je ne peux pas » et « je ne veux pas ». 2. La nécessité de faire ses preuves positivement dès les premiers cours en l'absence de formation professionnelle. 3. Pour une partie importante des étudiants, le problème du dépassement des peurs est pertinent, dont les plus typiques sont : « la peur d'un enseignant », « la peur des examens professionnels », « la peur d'être considéré comme peu prometteur ». Sosnina I.G., 2004. pp. 499-500. |
E. V. Fetisova (1994) a constaté un névrosisme élevé chez 84,4 % des danseurs de ballet. Une grande anxiété les caractérisait également. Ce n’est évidemment pas une coïncidence. N.V. Rozhdestvenskaya (1980) a montré qu'une faible anxiété peut interférer avec la créativité. Et les artistes eux-mêmes ont souligné le besoin d’élévation émotionnelle et d’anxiété. Cela a été confirmé dans les travaux de N. E. Vysotskaya : seuls les étudiants ayant une faible expressivité émotionnelle avaient un faible névrosisme. Ceux qui avaient une expressivité émotionnelle élevée étaient plus susceptibles de souffrir de névrosisme moyen.
A. Kh. Pashina (1991) a identifié 2 groupes : les « solistes compétents » et les « artistes ordinaires ». Les artistes dits « ordinaires » étaient caractérisés par une grande anxiété et instabilité émotionnelle. Ces caractéristiques de la sphère émotionnelle sont corrélées à un excès tension mentale, ce qui provoque des difficultés d'expression de soi et de transformation créative sur scène. L’audition émotionnelle des artistes « ordinaires » correspondait à la norme. Une certaine inhibition émotionnelle et une limitation excessive des sentiments se sont également révélées chez eux.
Parmi les « principaux solistes », l’anxiété était au niveau supérieur de la norme ou légèrement supérieure, et l’audition émotionnelle était très développée.
Dans les deux groupes, l’émotion de joie et l’état neutre étaient mieux déterminés par l’audition, tandis que la colère et la tristesse étaient pires. C'était spécifique aux danseurs de ballet par rapport aux médecins et aux ingénieurs, qui identifient également le mieux l'état neutre, mais le deuxième état le plus définissable pour eux est la peur, puis la tristesse et la colère, et la joie arrive en dernière place en termes de nombre d'émotions correctes. identifications (Pashina, 1991 ).
L. N. Kuleshova et T. Yu. Gorbushina (2003) ont révélé que les danseurs de ballet ont une grande intériorité.
Selon L. Ya. Dorfman (1988), les danseurs extravertis choisissent des rôles qui encouragent l'expérience de la colère, et les danseurs introvertis choisissent d'éprouver la tristesse et la peur.
Étudier la relation entre les propriétés système nerveux avec expressivité parmi les élèves des écoles chorégraphiques professionnellement qualités importantes ont montré que l'émotivité, le talent artistique et la « dansabilité » sont plus prononcés chez les individus présentant une mobilité des processus nerveux et une prédominance d'excitation selon l'équilibre « externe ». La coordination des mouvements, la stabilité vestibulaire et la capacité de saut sont largement associées à l'inertie des processus nerveux et à la prédominance de l'inhibition par l'équilibre « externe ». La faiblesse du système nerveux a été constatée principalement chez les étudiants ayant une bonne « danse », une bonne coordination et une bonne rotation.
Exigences professionnelles de base pour les caractéristiques individuelles d'un danseur de ballet
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Exigences professionnelles activités |
Professionnellement qualités importantes |
Adéquat techniques recherche |
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Réalisations (morphologiques et psychologiques) |
Exigences corporelles particulières |
Rapport taille/poids d'un danseur de ballet |
Indice de taille et de poids |
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"Pied de danseur" Le système musculo-squelettique d'un danseur de ballet supporte une charge importante et ciblée |
Indice de charge du pied. Orientation latérale du pied |
Méthodologie de M. Sulkhanishvili |
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Parmi les nombreuses manifestations du tempérament, les manifestations des propriétés dont dépendent principalement la dynamique de l'activité d'un danseur de ballet et sa performance revêtent une importance particulière pour la chorégraphie. |
Excitabilité émotionnelle, stabilité émotionnelle, plasticité, impulsivité, extraversion |
1. L'expérience d'association de Jung. 2. « Installation fixe dans la sphère haptique » d'Uznadze. 3. "Dessins non structurés de Cattell" |
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Capacités générales (émotionnel-volontaire et sphère intellectuelle) |
Un stress physique et mental régulier, intense et maximal, nécessitant des efforts volontaires |
Régulation émotionnelle-volontaire élevée de l'activité utile |
"Trouver des numéros avec commutation" |
|
Le ballet est l'intégration de la pensée et du mouvement, c'est pourquoi le talent créatif en ballet repose non seulement sur l'activité musculaire, mais aussi sur la pensée créatrice. |
Maîtrise, flexibilité, originalité et élaboration de la pensée |
«Études sur la pensée créative» E. Torrence |
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Capacités chorégraphiques particulières |
Le talent artistique, la capacité de transmettre les émotions du héros et la musique avec des mouvements |
La dansabilité est un indicateur complexe qui allie musicalité et expressivité émotionnelle des mouvements. |
Méthodologie des évaluations d'experts et ponctuelles |
|
Orientation vers les objectifs - amélioration constante des compétences professionnelles |
Motivation, besoin de maîtriser un métier | ||
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L'objet de la volonté et de la conscience d'un danseur de ballet en activité professionnelle est son propre corps, sa motricité. Pour maîtriser une technique de danse complexe, une différenciation subtile des caractéristiques spatiales et de puissance du mouvement est nécessaire. |
Capacité très développée à réguler les mouvements en vitesse, force, amplitude |
Cinématométrie, test de tapotement maximum en 1 minute, coordination des mouvements |
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Spécial capacités chorégraphiques |
Un danseur de ballet devrait tirer de la satisfaction d'un travail monotone, ressentir une joie musculaire en exécutant des mouvements complexes pendant les répétitions et en pratiquant la chorégraphie. |
L'attrait émotionnel des mouvements chorégraphiques |
Technique modifiée T. V. Dembo, S. Ya. Rubinshtein |
Le premier groupe (30 personnes), qui comprenait des sujets lauréats, lauréats et diplômés de concours internationaux de ballet, ainsi que ceux ayant obtenu leur diplôme universitaire avec des notes « excellentes », a été désigné comme « hautement capable », l'autre (52 personnes) – « capable ».
On a supposé que les capacités de danse à différents niveaux de leur développement différaient : premièrement, par la plus ou moins de sévérité des composantes individuelles ; deuxièmement, le caractère unique des corrélations entre leurs indicateurs.
La comparaison des valeurs moyennes des composantes des capacités chorégraphiques de ces groupes à l'aide du test t de Student a montré qu'il existe un certain nombre de différences significatives :
– les élèves « hautement capables » ont un rapport taille/poids optimal pour le ballet (p<0,01), меньшим индексом нагруженности стопы (р<0,05), меньшей импульсивностью (р<0,05), меньшей эмоциональной возбудимостью (р<0,01), более высокой активностью волевой регуляции (р<0,05), более высокими показателями беглости и оригинальности мышления (р<0,01), более высокими показателями максимального теппинг-теста и танцевальности (р<0,001);
– les étudiants « capables » se distinguent par des niveaux plus élevés d'indicateurs d'attractivité émotionnelle des mouvements (p<0,05).
Pour identifier les caractéristiques structurelles des capacités chorégraphiques dans les groupes « hautement capables » et « capables », des analyses de corrélation et factorielles ont été effectuées pour chaque groupe séparément. En conséquence, il a été révélé que la structure des capacités chorégraphiques dans le groupe « capable » se compose de quatre facteurs, et dans le groupe « hautement capable » de cinq. Au groupe "capable":je prends en compte absorbé avec les plus grands poids les quatre indicateurs de la pensée créatrice, un indicateur de l'activité de régulation volitive, des indicateurs de propriétés psychodynamiques (excitabilité émotionnelle et plasticité), des indicateurs de la structure du pied et de la coordination des mouvements, qui indiquent la gravité des inclinaisons et les capacités générales, ce facteur a été désigné comme « inclinations et capacités générales » ; en facteur II avec les poids de facteurs les plus élevés comprenant des indicateurs de l'attractivité émotionnelle des mouvements et de la danse, ce qui indique la gravité des capacités chorégraphiques particulières, ce facteur a été désigné comme "capacités spéciales"; en facteur III avec les poids de facteur les plus élevés comprenant des indicateurs de précision des mouvements à moyennes et grandes amplitudes, la précision des efforts de mesure, le test de tapotement maximum en 1 minute, l'impulsivité et la nécessité de maîtriser un métier, ce facteur a été nommé "psychomoteur", cela indique l'expression de capacités chorégraphiques particulières ; facteur IV, combinant des indicateurs d'extraversion et d'instabilité émotionnelle, désignés comme "psychodynamique" ce qui indique la gravité de ces inclinations. Au groupe "hautement capable":dans le facteur I ceux avec les pondérations factorielles les plus élevées comprenaient des indicateurs de la précision de la mesure des efforts et des mouvements à petites amplitudes, de l'attractivité émotionnelle des mouvements (niveau de capacités spéciales), un indicateur d'impulsivité, un indice de charge du pied (niveau d'inclinaison) et un indicateur de le développement de la pensée (niveau des capacités générales) ; en facteur II ceux ayant les pondérations factorielles les plus élevées comprenaient des indicateurs de capacité à danser et la nécessité de maîtriser un métier (niveau de capacités spéciales) et un indicateur de fluidité de pensée (niveau de capacités générales) ; en facteur III les indicateurs avec les pondérations factorielles les plus élevées comprenaient : l'introversion, l'inexcitabilité émotionnelle, la stabilité émotionnelle (niveau d'inclinations), l'activité de régulation volontaire et l'originalité de la pensée (niveau de capacités générales), la précision des mouvements sur une grande amplitude (niveau de capacités spéciales) ; Facteur IV indicateurs absorbés de coordination et de précision des mouvements à amplitudes moyennes (niveau de capacités spéciales) et un indicateur de la structure du pied (niveau d'inclinaisons); V Facteur V avec le facteur de poids le plus élevé comprenait l'indicateur du test de tapotement maximum pendant 1 minute. (niveau de capacités spéciales), des indicateurs de plasticité et d'indice taille-poids (niveau d'inclinaison), ainsi qu'un indicateur de flexibilité de pensée (capacités générales).
Une analyse comparative de la structure des capacités chorégraphiques de groupes avec différents niveaux de développement a montré que pour le groupe « capable », deux facteurs comprennent des indicateurs de composantes du niveau de capacités chorégraphiques particulières, un facteur est les inclinaisons et un facteur combine des indicateurs de le niveau d'inclinations et de capacités générales, tandis que dans Dans le groupe « hautement capable », chacun des cinq facteurs combine des indicateurs des trois niveaux de capacités chorégraphiques : les inclinations, les capacités générales et les capacités chorégraphiques particulières. Par conséquent, plus le niveau de développement des capacités particulières d’un danseur de ballet est élevé, plus la relation entre les indicateurs d’aptitudes générales, d’aptitudes chorégraphiques particulières et d’inclinations est étroite. Ainsi, il a été établi que la structure des capacités chorégraphiques est largement déterminée par le niveau de leur développement.
Ensuite, nous avons étudié comment les caractéristiques structurelles des capacités chorégraphiques des personnes « hautement capables » et « capables » se manifestent dans la nature de la relation entre les indicateurs d'inclinations, les capacités générales et les capacités chorégraphiques particulières, c'est-à-dire avec les indicateurs de propriétés multi-niveaux. de l'individualité intégrale.
Il a été constaté que plus le niveau de développement des capacités chorégraphiques est élevé, plus le nombre d'indicateurs de propriétés de l'individualité auxquels leurs indicateurs sont associés est élevé. De plus, il convient de noter que dans le groupe « capable », des liens étroits ont été trouvés entre les indicateurs de capacités spéciales et générales (principalement avec les indicateurs de volonté et de pensée), et dans le groupe « hautement capable », les indicateurs morphologiques, ainsi que indicateurs de précision, de vitesse et de coordination des mouvements, de capacité de danse, d'attrait émotionnel des mouvements et de motivation pour maîtriser un métier, dans le groupe des « hautement capables », il y a plus de liens avec le niveau d'inclinations que dans le groupe des « capables ». Sur la base de ces données, l'auteur conclut que les capacités générales assurent le succès des activités des personnes ayant un niveau moyen de développement des capacités chorégraphiques, et qu'un niveau élevé de développement des capacités chorégraphiques dépend davantage des inclinations que des capacités générales, c'est-à-dire que la base d'activités de ballet très réussies est largement déterminée par les inclinations naturelles. Autre chose est important pour nous : Plus le niveau de développement des capacités est élevé, plus le nombre de propriétés à plusieurs niveaux avec lesquelles elles sont interconnectées est grand. Par conséquent, l'idée selon laquelle une certaine combinaison de propriétés individuelles à différents niveaux constitue une condition préalable au développement des capacités est dans une certaine mesure confirmée.
Ainsi, les résultats des recherches d’I.G. Sosnina indiquent ce qui suit.
1. Les capacités artistiques et créatives, en particulier les capacités particulières d'un danseur de ballet, sont déterminées par les exigences spécifiques et très strictes de l'activité professionnelle imposées au corps, au psychisme et à la personnalité de l'artiste.
2. Les capacités particulières d'un danseur de ballet représentent un système intégral à plusieurs niveaux et à plusieurs composants, qui a une structure complexe et comprend : les inclinations, les capacités générales et les capacités chorégraphiques elles-mêmes, qui déterminent le succès de l'activité professionnelle.
3. Les capacités particulières d'un danseur de ballet sont déterminées par un complexe symptomatique de propriétés à plusieurs niveaux de l'individualité intégrale, commençant par les caractéristiques du corps (structure du corps et ses parties) et se terminant par les caractéristiques de la personnalité (motivation, intérêt, etc.).
4. La structure des capacités particulières d’un danseur de ballet est largement déterminée par son niveau de développement. La particularité de la structure des capacités spéciales des danseurs de ballet à un niveau élevé de développement est que les indicateurs d'inclinations, de capacités générales et de capacités chorégraphiques spéciales sont interdépendants et qu'à un niveau de développement moyen, une telle interrelation est pratiquement absente.
5. Le niveau élevé de développement des capacités de danse est déterminé principalement par les composantes des capacités chorégraphiques spéciales, le niveau moyen de développement - par les composantes des capacités générales.
6. Le niveau de développement des capacités chorégraphiques joue un rôle systémique dans l'individualité intégrale d'un danseur de ballet. La nature de la relation entre les niveaux d'individualité intégrale agit comme un indicateur de capacités chorégraphiques particulières.
Questions de révision
1. Qu’est-ce qui est unique dans l’approche de V.S. ? Merlin au problème des capacités ?
2. Nommez les critères des capacités de V.S. Merlin ?
3. Quelle est la nouveauté des recherches de T.I. ? Poroshina ?
4. Qu'est-ce que la musicalité ?
5. Nommez les composants capacités musicales.
6. Qu'est-ce que le ressenti modal ?
7. Définir les perceptions musicales-auditives et le sens musical-rythmique.
8. Qu’est-ce que l’audition intérieure ?
9. Comment s'effectue l'interaction des sensations ?
10. Quels types d'audition musicale pouvez-vous nommer ?
11. Qu'est-ce qui peut causer des performances irrégulières ?
12. Quelle est la principale approche pour la formation de sensations motrices correctes ?
13. Quelle est la différence entre la sensation et la perception ?
14. Comment la perception de la musique dépend-elle des paramètres socio-démographiques de l'auditeur ?
15. Quelles sont les principales différences dans la perception de la musique sérieuse et légère ?
16. Donnez des exemples de l'influence des significations personnelles sur la perception d'un morceau de musique.
17. Comment le processus de développement de la perception peut-il se dérouler ?
18. Quels types de mémoire sont les plus importants pour un musicien ?
19. Quelles sont les techniques logiques pour mémoriser un morceau de musique ?
21. Que faut-il prendre en compte lors de la répétition d'un morceau de musique pour une meilleure mémorisation ?
22. Quelle est la structure des capacités littéraires, pédagogiques, visuelles, d'acteur et chorégraphiques ?
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Spécificités et structure psychologique
activités d'un danseur de ballet
Le travail d'un danseur de ballet impose des exigences élevées à ses capacités physiques et mentales (A.Ya. Vaganova, 1948 ; G.S. Ulanova, 1954 ; M.M. Fokin, 1962 ; L.N. Lavrovsky, 1965 ; M.M. Gabovich, 1966 ; A.M. Messerer, 1967 ; N.N. Serebrennikov, 1969, etc.). L'efficacité de l'activité d'un artiste est déterminée par la compétence technique et artistique, puisque l'activité scénique d'un danseur de ballet nécessite, d'une part, une maîtrise précise et fluide d'une variété de mouvements scéniques qui servent de vocabulaire chorégraphique, d'autre part. , en ballet, il est nécessaire de donner à chaque mouvement une certaine coloration émotionnelle, de créer une action scénique complète à partir d'une combinaison de mouvements individuels.
La principale différence entre les arts du spectacle et les autres types d'activités artistiques est que la personnalité de l'acteur se transforme en personnalité du rôle, et ce processus se déroule toujours devant le public. Les créations d'un poète - poésie, peintre - ses peintures peuvent exister séparément de l'auteur, en attente de reconnaissance depuis des années. Cela n’est pas donné à un acteur. Le représenté et l’image, l’incarné et l’incarnation se confondent dans son œuvre. Si un rôle est créé, mais que, pour une raison quelconque, il n'est pas joué par un acteur en public, nous n'avons pas le droit de parler d'une œuvre d'art achevée. Les conditions de sa créativité revêtent une importance particulière dans l'activité d'acteur. Créativité devant le spectateur, s'adressant à plusieurs à la fois, communication confidentielle avec le public, lorsqu'un retour émotionnel s'établit entre acteur - spectateur - acteur, tout cela impose des exigences particulières à l'image incarnée par l'acteur. L’expressivité particulière, l’importance de ses actions et de ses expériences, leur caractère contagieux peuvent probablement être qualifiés de trait distinctif du travail de l’acteur. Le ballet, comme les autres formes d'art, est un moyen de communication entre l'artiste et ses contemporains. La notion de « chorégraphie » englobe aujourd’hui tout ce qui touche à l’art de la danse. La spécificité de la chorégraphie réside dans le fait que les pensées, les sentiments et les expériences d’une personne ne sont pas véhiculés par la parole, mais par le mouvement et les expressions faciales. Les éléments physiques de la danse doivent être subordonnés au concept psychologique. Un saut peut apporter de la joie et de la souffrance. Vous devez permettre à votre corps de ressentir.
Le ballet est la forme de chorégraphie la plus complexe. Tout comme un compositeur éveille l'imagination des auditeurs en créant des images musicales, un chorégraphe, dans le même but, crée des images plastiques et visibles. L'individualité d'un danseur de ballet n'est pas seulement liée à un certain ensemble d'inclinations, colorées par son imagination et son tempérament uniques, elle dépend de la richesse de la vie et de l'expérience mentale, de la complexité des liens sociaux, de la position civique de l'acteur. . Et les opportunités professionnelles, on le voit, sont liées à la mobilité et à la plasticité de sa personnalité. Les caractéristiques de la personnalité sont étroitement liées à la capacité de se transformer. Une nouvelle image scénique naît du matériel personnel de l’acteur, aussi riche et varié. Les artistes sont unis par la capacité de parler au public dans le langage des images artistiques. Mais personne ne consacre autant d’efforts physiques à préparer sa performance en tant que danseur de ballet. Un danseur de ballet est appelé à créer des images humaines vivantes à travers la danse, cela dépend donc beaucoup du degré de talent et de l'attitude créative envers son travail. Son travail se produit toujours à un moment donné et est répété autant de fois que le théâtre et le public en ont besoin. Tout artiste peut créer quand l'inspiration le possède, mais l'artiste de scène doit lui-même posséder l'inspiration et être capable de l'évoquer lorsqu'elle apparaît sur l'affiche. C'est le principal secret de l'art de l'acteur.
E.V. Fetisova, parlant du caractère unique du métier de danseur de ballet, note qu'il doit posséder tout un ensemble de qualités physiques et spirituelles : un physique harmonieux, une bonne santé, de l'endurance et du talent artistique. Seul un artiste doté d'un sens du rythme subtil et merveilleux est capable de ressentir correctement et de transmettre de manière expressive une image musicale et chorégraphique sur scène et d'incarner le contenu de la musique, ses nuances les plus subtiles. Sans le sens du rythme, il ne peut y avoir de synchronicité dans la musique de danse. De plus, un danseur de ballet doit avoir une bonne mémoire musicale et visuelle, une oreille attentive et un œil aiguisé. Le dramaturge, avant de venir à la répétition, reçoit le texte de son rôle ; l'artiste d'opéra reçoit à la fois le texte et les notes. Un danseur de ballet doit se souvenir non seulement de toute la ligne musicale de chacune de ses parties, de toutes les entrées, variations, danses d'ensemble - parallèlement à la musique, il doit également apprendre la chorégraphie que le chorégraphe montre. Les données externes aident ou gênent l'artiste, mais, bien sûr, en fin de compte, beaucoup dépend de sa plénitude intérieure et de son talent artistique. La danse classique est l’un des phénomènes les plus complexes d’aujourd’hui et du passé. La danse classique nécessite la capacité de maîtriser tout l'arsenal technique du ballet en toute liberté. Par conséquent, dans la vie de chaque artiste de ballet, maîtriser la technique de la danse classique est un processus sans fin. La technique est la capacité d’exécuter tous les mouvements qui composent la danse. Mais la haute compétence technique est subordonnée à la chose la plus importante dans l'art - la création d'une image artistique (E.M. Bocharnikova, 1980 ; G.I. Inozemtseva, 1980 ; A.M. Messerer, 1967 ; M. Bejar, 1989 ; G.S. Ulanova 1970 et etc.). Par conséquent, outre la technique externe, un danseur de ballet doit également posséder une technique interne - le jeu d'acteur, en rappelant que le jeu d'un acteur de ballet est fondamentalement différent de celui d'un acteur dramatique. Le véritable art commence lorsque la pose est éclairée par la lumière intérieure du sentiment humain – joie, bonheur, fierté, colère, etc. . La musique aide l'artiste et le chorégraphe à créer avec son contenu psychologique et émotionnel. Si la première composante du ballet est le drame, alors la seconde, qui y est organiquement liée, est la musique. "Le ballet est la même symphonie", a déclaré P.I. Chaïkovski. Et la même chose a été répétée par B.V. Asaf'v, S.S. Prokofiev, R.M. Glière. R.V. Zakharov a déclaré : "La musique de danse devrait être le poème qui définit et établit le mouvement et l'action du danseur. La danse... sera un écho, répétant ce que la musique exprime."
Tant dans les mouvements les plus simples que dans les mouvements les plus complexes et subtils d'un danseur de ballet, trois composantes principales peuvent être distinguées : la puissance, la spatiale et la temporelle. Leurs innombrables combinaisons créent des combinaisons de mouvements tout aussi illimitées et de haute qualité qui confèrent dextérité, précision et endurance à la performance de l’artiste. Parlant des spécificités du travail d'un danseur de ballet, il convient de noter qu'en tant que personne créative, il a besoin de l'approbation sociale. Le stress psychologique, la fatigue physique intense, la monotonie des cours quotidiens, les nombreuses heures de répétitions d'un répertoire souvent monotone - toutes ces composantes d'états émotionnels négatifs accompagnent un danseur de ballet tout au long de sa vie créative. Ces conditions nécessitent une énorme dépense mentale et énergétique de la part du danseur de ballet. Des émotions négatives prononcées et une anxiété élevée rendent les interactions difficiles pour les artistes, compliquent les relations interpersonnelles et affectent négativement le climat moral et psychologique de l'équipe. Tout artiste doit avoir une grande capacité à mobiliser ses réserves psychophysiologiques et mentales, ce qui nécessite de grands efforts volontaires.
Une analyse de la littérature montre que l'activité professionnelle d'un danseur de ballet présente un certain nombre de spécificités et impose des exigences élevées à ses capacités physiques et mentales.
Les principales exigences professionnelles concernant les caractéristiques individuelles d'un danseur de ballet sont indiquées dans le tableau. 1.
Tableau 1.
Conditions d'activité professionnelle
Qualités professionnellement importantes
Exigences corporelles particulières
Rapport taille/poids d'un danseur de ballet
"Pied de danseur" Le système musculo-squelettique d'un danseur de ballet supporte une charge importante et ciblée
Indice de charge du pied, orientation latérale du pied.
Parmi les nombreuses manifestations du tempérament, les manifestations des propriétés dont dépendent principalement la dynamique de l'activité d'un danseur de ballet et sa performance revêtent une importance particulière pour la chorégraphie.
Excitabilité émotionnelle, stabilité émotionnelle, plasticité, impulsivité, extraversion.
Stress physique et mental régulier intense et maximal nécessitant des efforts volontaires importants.
Régulation émotionnelle-volontaire élevée de l'activité ciblée.
Le ballet est l'intégration de la pensée et du mouvement, c'est pourquoi le talent créatif en ballet repose non seulement sur l'activité musculaire, mais également sur la pensée créatrice.
Maîtrise, flexibilité, originalité et élaboration de la pensée.
Le talent artistique, la capacité de transmettre les émotions du héros et la musique avec des mouvements.
La danse comme indicateur complexe qui allie musicalité et expressivité émotionnelle des mouvements.
Orientation vers les objectifs – amélioration constante des compétences professionnelles.
La motivation, la nécessité de maîtriser un métier.
Suite du tableau. 1
L'objet de la volonté et de la conscience d'un danseur de ballet en activité professionnelle est son propre corps, sa motricité. Pour maîtriser une technique de danse complexe, une différenciation subtile des caractéristiques spatiales et de puissance du mouvement est nécessaire.
Capacité très développée à réguler les mouvements en vitesse, en force et en amplitude.
Un danseur de ballet devrait tirer de la satisfaction d'un travail monotone, ressentir une joie musculaire en exécutant des mouvements complexes pendant les répétitions et en pratiquant la chorégraphie.
Attrait émotionnel des mouvements chorégraphiques.
Une analyse de la littérature sur la recherche sur la relation entre l'activité professionnelle et les traits de personnalité a montré qu'en psychologie, il y a eu un intérêt évident pour les problèmes psychologiques de la personnalité d'un professionnel, dont l'importance se fait sentir avec acuité dans la pratique sociale. Malgré la demande sociale de recherches sur la personnalité d'un professionnel, prenant en compte les spécificités de l'activité d'un danseur de ballet, il ressort d'une analyse de la littérature dont nous disposons que pratiquement personne n'a étudié la relation entre la signification d'un résultat professionnel et les traits de personnalité des danseurs de ballet.
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Fichiers joints
En règle générale, les réflexions sur ce que nous voulons devenir nous viennent à l'approche du lycée. Quant à choisir un métier comme « danseur de ballet », à 14-16 ans ce ne sera plus possible. Si en moyenne une personne étudie une spécialité pendant 4 à 5 ans dans des établissements d'enseignement supérieur, un danseur de ballet doit y passer plus de 10 ans. Mais quel est son attrait, pourquoi des millions d'enfants rêvent-ils de devenir artistes et de danser dans des pièces de théâtre, car c'est un travail difficile et ils abandonnent souvent leur vie personnelle au profit d'une carrière ?
La créativité comme mode de vie
La créativité n'est pas constituée de schémas, de théorèmes, d'algorithmes éprouvés il y a plusieurs siècles ; elle est diversifiée, multiforme et en constante évolution. Pour étudier un ou plusieurs domaines, il faudra presque toute une vie ! Et si vous voulez faire quelque chose tout le temps (sérieusement), alors ce devrait être quelque chose que vous aimez, auquel vous êtes prêt à consacrer la majeure partie de vous-même et, peut-être, à vous y immerger complètement.
Il est impossible de devenir une personne talentueuse, il faut naître. Mais, même avec les données naturelles, pour ne pas les gaspiller, ne pas les détruire, par oubli à long terme et incapacité à les appliquer, il est nécessaire de constamment nourrir, développer et augmenter ses capacités. Pour ce faire, il est nécessaire d'identifier la direction dans laquelle un enfant talentueux souhaite se développer, d'évaluer ses capacités et ses perspectives dans cette direction. Une tâche importante pour les parents est de trouver ces mêmes mentors, maîtres, éducateurs, enseignants qui ne ruineront pas leur talent, mais développeront leurs capacités naturelles. Par leur propre exemple, ils vous apprendront à aimer votre travail et à vous y consacrer. Ils créeront des conditions confortables : un soutien moral et psychologique aux jeunes talents, qui, en règle générale, est pratiquement ignoré, ce qui peut avoir de tristes conséquences lorsque le talent « se casse » déjà au début de son voyage. Ce doit être une personne qui était également destinée à naître sous la bonne étoile de la « Créativité/Art » et qui aime absolument et complètement ce qu’elle fait. Un parent peut comprendre cela dans une conversation personnelle ou dans une leçon ouverte - vous ne pouvez ressentir que de telles personnes, aucun insigne et une énorme quantité de connaissances n'aideront si une personne :
- Pas une personne créative.
- Pas enseignant (au sens le plus large du terme, sans parler du métier).
L'éducation des jeunes talents commence dès la naissance. En regardant le bébé, il n'est pas difficile de comprendre vers quoi son moi intérieur gravite. Un enfant est une personne pure qui ne sait pas se tromper ni tromper les autres, il s'adresse donc sincèrement aux choses qui l'intéressent et refuse aussi sincèrement ce qui ne l'intéresse pas du tout. Développer le potentiel créatif dès l’enfance, c’est la liberté ! Liberté de choix, liberté d'action (bien sûr, dans le cadre de l'éducation). Le mentor d'un petit homme est comme un sculpteur : il doit d'abord bien pétrir, réchauffer, préparer l'argile pour le travail, puis, au bout d'un moment, sculpter ses propres œuvres d'art.
Introduction au monde de la danse.
Où commence la carrière d’un futur artiste dans le monde de la danse ? Avec la détermination des capacités et un amour particulier pour la danse et la musique des parents de l’enfant eux-mêmes. Bien sûr, il existe de nombreuses familles où, de génération en génération, les enfants glorifient leur famille avec succès sur les scènes du monde entier, mais nous connaissons de nombreux exemples où un enfant qui a grandi dans une famille créative atteint une renommée mondiale. Ce sont les mères qui remarquent les premières manifestations de talent chez leur enfant. Et puis un point très important se pose : où envoyer l'enfant, où il sera initié au monde de l'art, non pas gâté, mais doté des connaissances qui contribueront à son éventuel futur métier. Si un enfant a eu une excellente opportunité dans son enfance de comprendre dans quelle direction créative il aimerait poursuivre son développement, alors il vaut la peine de prendre ses responsabilités, tout d'abord, envers les enseignants qui l'ouvriront et l'aideront à explorer un nouveau monde ! Oui, en règle générale, lorsqu'ils amènent un enfant dans une école ou un studio de danse, les parents ne considèrent pas ces cours comme une question d'avenir. Les principales raisons du choix d'une telle direction créative sont le développement physique, la posture (parfois elles viennent même corriger des violations graves), le développement de la musicalité et du sens du rythme, la révélation de l'enfant en tant que personne (la danse est un moyen d'exprimer soi-même - surtout pour les enfants introvertis), l'éducation esthétique, la discipline, le travail acharné, etc. L'étape suivante est l'identification par l'enseignant de données et de capacités particulières qui ne sont pas inhérentes à chaque enfant. La danse, comme toute autre activité, ne reste pas immobile. Les exigences pour cette profession augmentent chaque année. Si auparavant le public était ravi de la capacité de l’artiste à faire facilement le grand écart, désormais cette qualité (étirement) n’a pratiquement aucune limite, aussi bien pour les femmes que pour les hommes.
Après de nombreuses réussites « dans un centre de loisirs non loin de chez soi », les parents se posent une question très importante : où poursuivre une formation plus approfondie dans le domaine qui les intéresse ? où sera-t-il introduit dans le monde de l'art, non pas gâté, mais doté des connaissances qui contribueront à son éventuel futur métier ?
Quand un hobby devient un métier
Lorsqu'ils entrent dans une école professionnelle ou une académie de danse, les enfants sont toujours soigneusement sélectionnés : les meilleurs parmi les meilleurs sont choisis. Selon le niveau de l'établissement d'enseignement, il existe des sélections strictes, lorsque dix à trois cents personnes postulent pour une place. Quelles qualités et compétences sont très importantes pour un futur artiste :
1. Données physiques :
- éversion (générale, active, passive)
- step ou différents étirements (actifs, passifs)
- cou-de-pied (formation spéciale du pied)
- flexibilité (corps)
- sauter (élévation et ballon)
2. Capacités psychomotrices (aplob, appareil vestibulaire, coordination)
3. Musicalité, sens du rythme
4. Caractéristiques scéniques (apparence, talent artistique)
Si tout est clair avec les critères physiques, sans eux le futur danseur ne pourra en principe pas exercer un métier, alors la rubrique « représentation scénique » déroute beaucoup de gens, même si c'est cela qui devient souvent décisif lors de l'inscription dans un établissement spécialisé. . Il existe même des manuels méthodologiques qui définissent strictement les critères de sélection des futurs étudiants, en tenant compte de détails tels que la distance en centimètres entre les yeux et même la taille du nez. Oui, cela rappelle beaucoup un concours de beauté brutal, mais c'est impossible sans cela ! Les données externes sont très importantes pour un artiste. Dans la vie, on « rencontre surtout les gens par leurs vêtements », et que dire des artistes, qui, aujourd’hui et de toujours, sont devenus des modèles pour beaucoup.
Après être entré dans une école chorégraphique professionnelle (académie), il est trop tôt pour se détendre : la plupart des admis sont inscrits sous condition. Cela signifie qu'ils peuvent être expulsés à tout moment. Le prestige d'un diplôme, par exemple de l'Académie Vaganova, est si élevé dans le monde entier que les diplômés doivent certainement répondre aux standards de référence de l'école de ballet russe.
Les élèves étudient alternativement l'enseignement général et les disciplines spéciales de la danse tout au long de la journée. Cet horaire permet à l'enfant de se reposer physiquement dans les matières de l'enseignement général, tout en gardant sa concentration en bonne forme tout au long de la journée. Les matières pour le titre de « danseur de ballet » comprennent : la danse classique, de caractère, historique, quotidienne, en duo-classique et moderne, le jeu d'acteur, le patrimoine chorégraphique. Les enfants étudient également le solfège et les bases du jeu d'un instrument de musique, l'histoire de la musique, du théâtre, des arts plastiques et chorégraphiques, l'histoire et la culture de Saint-Pétersbourg, l'anatomie et la physiologie humaines. L'éducation des danseurs de ballet ne se limite pas au perfectionnement de la technique des pas de ballet : l'expérience scénique et la participation à des spectacles sont plus importantes. Par conséquent, leur journée d'école peut se terminer vers sept heures du soir, car... un temps considérable est consacré aux répétitions et à la préparation des représentations. Il arrive souvent que la journée se termine par le spectacle lui-même, et cela vers 22h-23h. Dès la première année de l'école, les premiers examens sont passés, ce qui entraîne l'abandon scolaire. En janvier et mai, sont expulsés les élèves qui n'ont pas pu supporter la charge ou qui ont été classés comme « inaptes » en raison de caractéristiques physiques qui n'ont pas pu être développées ou corrigées (participation, étirements, sauts, endurance, forme) et, surtout, ne pouvait pas répondre aux attentes des enseignants. La prochaine expulsion grave a lieu en troisième année et la dernière en neuvième. C'est-à-dire presque avant l'obtention du diplôme. Et parfois, les hormones, les kilos en trop ou les problèmes de santé en sont la cause. Une fille qui a pris deux kilos ou cinq centimètres est difficile à soulever avec des supports, elle doit donc partir. Ainsi, sur 70 candidats, il n'en reste que 25 au moment de l'obtention du diplôme. Les représentants des meilleurs théâtres se réunissent pour les examens d'État.
Certains sont invités à travailler immédiatement après les examens. D’autres entrent seuls dans une nouvelle vie.
Écoles chorégraphiques de la Fédération de Russie :
- Établissement d'enseignement budgétaire de l'État fédéral d'enseignement professionnel supérieur « Académie de chorégraphie d'État de Moscou »
- FSBEI HPE « Académie du ballet russe du nom de A.Ya. Vaganova"
- Saint-Pétersbourg GBPOU "Académie de danse Boris Eifman"
- GBOU SPOKI RB "Collège chorégraphique bachkir du nom de Rudolf Noureev"
- SAOU SPO RB « Collège chorégraphique républicain bouriate du nom. L.P. Sakhyanova et P.T. Abacheeva"
- GBOU SPO "École Chorégraphique de Voronej"
- GBOU SPO RO "Collège de musique de Shakhty"
- SAOU SPO RT "Ecole Chorégraphique de Kazan" (école technique)
- GBOU SPO "Collège régional de culture et d'art d'Omsk"
- Établissement d'enseignement budgétaire régional de l'État d'enseignement professionnel secondaire "Collège chorégraphique de Krasnoïarsk"
- Branche de Krasnogorsk du GAPOU MO "Collège provincial des arts de Moscou"
- FSBEI SPO "Collège chorégraphique d'État de Novossibirsk"
- FSBEI SPO "Collège chorégraphique d'État de Perm"
- GBOU SPO « École Chorégraphique de Samara (Collège) »
- Établissement d'enseignement public d'enseignement professionnel secondaire "Collège régional des arts de Saratov" (département chorégraphique)
- École chorégraphique de Yakut du nom d'A.V. Poselskikh
- École chorégraphique de l'Université fédérale d'Extrême-Orient (FEFU)
- OGBOU SPO "Collège des Arts d'Astrakhan"
- École chorégraphique d'État de Moscou nommée d'après. L.M. Lavrovsky
- Organisation autonome à but non lucratif du collège chorégraphique d'enseignement professionnel secondaire « École de Danse Classique »
- GBPOU "École chorégraphique de Moscou au Théâtre académique de danse d'État de Moscou "Gjel" * École chorégraphique de Krasnodar
Malheureusement, dans notre pays, vous ne pouvez obtenir une formation que comme « danseur de ballet classique ». Oui, avec une école aussi forte, ils se recyclent s'ils veulent trouver un emploi dans des troupes de théâtre modernes. Mais en plus du classique, il y a de plus en plus d'artistes de styles modernes dans notre pays, comme le contemporain ou le moderne. Et pour recevoir une éducation, les artistes sont obligés d'entrer dans les académies de danse d'autres pays, les plus célèbres d'entre elles :
- Allemagne:
— Université des Arts Folkwang (Institut de danse contemporaine)
— Hochschule für Musik und Darstellender Kunst, Francfort-sur-le-Main
- Pays-Bas
— Université des Arts Codarts, Rotterdam, Université des Arts ArtEZ (Arnhem)
- Suisse L'école-atelier Rudra Béjart Lausanne
— (Lausanne)
- Belgique
- LES PIÈCES. Ecole de danse contemporaine (Bruxelles)
- Hongrie
— Académie de danse contemporaine de Budapest (Budapest)
- France
— Conservatoire National Supérieur Musique et Danse de Lyon (Lyon)
Tous ceux qui s'intéressent à la danse ne peuvent pas s'inscrire dans des établissements d'enseignement professionnel ; la plupart d'entre eux étudient dans des écoles privées et des studios de danse. Et eux aussi peuvent recevoir une éducation supérieure, avoir la possibilité d'être acceptés dans des troupes de théâtre musical et de danse et être recherchés dans le monde créatif.
- Art chorégraphique dans les universités russes (enseignement supérieur) :
- Barnaoul. Académie d'État de la culture et des arts de l'Altaï
- Belgorod. Institut d'État des arts et de la culture de Belgorod
- Vladivostok. Université fédérale d'Extrême-Orient
- Vladimir. Université d'État de Vladimir
- Volgograd. Institut d'État des arts et de la culture de Volgograd
- Iochkar-Ola. Université d'État de Mari
- Kazan. Université fédérale de Kazan (région de la Volga)
- Kaliningrad. Université fédérale balte Emmanuel Kant
- Kalouga. Université d'État de Kaluga nommée d'après. K.E. Tsiolkovski
- Krasnoïarsk Université fédérale de Sibérie
- Magnitogorsk Conservatoire d'État (Académie) de Magnitogorsk, nommé d'après M.I. Glinka
- Moscou. Université pédagogique d'État de Moscou,
- Université sociale d'État de Russie, Académie chorégraphique d'État de Moscou, Institut d'art contemporain
- Naltchik. Institut national des arts du Caucase du Nord
- Omsk. Université d'État d'Omsk nommée d'après. F.M. Dostoïevski
- Permien. Institut national de la culture de Perm, École chorégraphique d'État de Perm
- Saint-Pétersbourg. Académie du ballet russe du nom de A.Ya. Vaganova.
- Université pédagogique d'État de Russie nommée d'après. I.A. Herzen, Institut national de la culture de Saint-Pétersbourg
- Stavropol. Institut pédagogique d'État de Stavropol
- Tambov. Établissement d'enseignement supérieur budgétaire de l'État fédéral « Université d'État de Tambov du nom de G.R. Derjavine"
- Toula. Université pédagogique d'État de Tula nommée d'après. L.N. Tolstoï
- Tioumen. Institut national de la culture de Tioumen
- Khimki. Institut d'État de la culture de Moscou
- Tcheliabinsk. Institut d'État des arts de l'Oural du Sud, nommé d'après P.I. Tchaïkovski
- Tchita. Université d'État de Transbaïkal
- Iakoutsk Université fédérale du Nord-Est nommée d'après M.K. Ammosova
Carrière
Le rêve de tous les étudiants des institutions chorégraphiques est le théâtre. En règle générale, les diplômés de l'École de Moscou sont invités dans la troupe du Théâtre Bolchoï, de l'Académie Vaganova au ballet Mariinsky, Mikhaïlovski, Boris Eifman, etc. Tous les jeunes artistes suivent le même chemin pour devenir « danseuse » ou « ballerine » ; bien sûr, il y a des exceptions où, à l'examen final, ils sont immédiatement invités au théâtre pour le poste de « soliste », mais en gros, tout le monde commence avec le corps de ballet, après avoir passé une audition générale sous forme de leçon de visionnage. La plupart des inscrits dans la troupe restent dans les rangs du corps de ballet. Seuls quelques-uns, les plus talentueux, obtiennent des rôles solos. Pour ce faire, vous devez être un artiste vraiment brillant et exceptionnellement exceptionnel. La profession suppose une hiérarchie stricte de postes, comme danseur de corps de ballet, danseuse étoile, et il existe également des catégories de qualification, au nombre de 17 au total (danseur de ballet de la plus haute, première et deuxième catégories, maître de scène de premier plan, etc. .) Une grande partie, sinon la totalité, du sort de tout artiste, et en particulier d'un artiste de ballet, dépend d'un concours de circonstances, des relations en coulisses, du répertoire du théâtre, des places dans les concours et du charme personnel.
Si nous parlons de théâtres à Saint-Pétersbourg, voici :
— Théâtre académique d'État Mariinsky
— Théâtre académique d'opéra et de ballet de Saint-Pétersbourg. M.P. Moussorgski - Théâtre Mikhaïlovski
— Théâtre de ballet académique d'État de Saint-Pétersbourg nommé d'après Leonid Yakobson — Théâtre de ballet académique de Boris Eifman — Théâtre de ballet de Saint-Pétersbourg de Konstantin Tachkin
— Théâtre de ballet nommé d'après P. I. Tchaïkovski
— Théâtre de Saint-Pétersbourg « Ballet russe »
— Tournée des équipes de cadavres
Réaliser un rêve.
Tout le monde aime réussir et être recherché, c'est particulièrement important pour les artistes de la grande scène, car... C’est l’ambition et le désir d’être meilleur que soi qui sont la clé du succès dans une carrière de danse. Lorsque les enfants commencent à faire des chorégraphies, ils ne pensent pas au succès et à la gloire, ils sont attirés par ce monde mystérieux et enchanteur de la scène, et participer à un spectacle dépasse leurs rêves d’enfant. Cette attitude envers le métier ne disparaît pas même chez les artistes accomplis. Le décor, les costumes, le maquillage, la lumière, l'excitation avant le début du spectacle font partie de leur vie, sans laquelle ils pensent qu'ils ne pourront plus se sentir heureux. L'amour et la gratitude du public donnent un sens plus profond à la vie du ballet ; les artistes ressentent leur importance pour le théâtre non seulement d'un point de vue économique, mais aussi au niveau du développement de l'art et de la culture en général.
La partie la plus intéressante de la vie d'un danseur de ballet est la tournée. Il arrive souvent que ce soit grâce à ce métier qu'une personne ait la possibilité de connaître le monde entier. Internet regorge de photographies lumineuses de stars du ballet vêtues de magnifiques costumes, de célébrités sur fond de toutes sortes de « merveilles du monde ». La possibilité de voyager à travers le monde, et même d’être payé pour cela, n’est-ce pas un rêve ? Mais peu de gens savent que voyager signifie une fatigue sans fin, des aéroports et des voyages constants, et très peu de temps libre pour s'immerger et profiter de la culture d'autres pays et villes. Certes, cela n'est toujours pas un obstacle à l'envie de travailler, de s'améliorer, de danser de nouveaux rôles, et de s'abandonner pleinement au spectateur !
Un métier pour les jeunes.
La vie se déroule différemment pour de nombreux danseurs de ballet. Certains travaillent dans les théâtres jusqu'à la retraite, d'autres tentent de se réaliser ailleurs dès qu'ils ressentent un déclin dans l'activité de leur carrière de danseur. Selon la loi, les solistes prennent leur retraite après 15 ans de service continu dans le monde de la danse, les danseurs du corps de ballet - au moins 20 ans. La plupart exercent d’une manière ou d’une autre des métiers liés à l’art. Par exemple, ils enseignent dans des écoles chorégraphiques, travaillent comme tuteurs au théâtre, dans des écoles et des studios de ballet et se recyclent en tant que chorégraphes et chorégraphes. Ils créent des écoles de danse et, s'ils ont de la chance, occupent des postes de direction dans le théâtre même, où ils ont travaillé toute leur vie. Dans tous les cas, tout dépend de la personne elle-même et de ses ambitions, et même après une carrière aussi vertigineuse, on peut découvrir des capacités encore plus incroyables qui laisseront une marque éclatante dans l'histoire de la danse et de l'art.
Conclusion.
La conscience de soi en tant que danseur de ballet ne vient pas immédiatement, d'abord l'enfant traite la créativité comme un passe-temps agréable, puis il se rend compte que ce monde est si proche de lui qu'il veut y consacrer toute sa vie, généralement cela est associé en entrant dans une école professionnelle ou une académie. Le sentiment de faire partie du monde culturel apparaît plus proche du sommet de votre carrière, lorsque ce monde entier commence à parler la même langue que vous. Chaque jour est un défi et un dépassement de soi, la peur de ne pas être sollicité ou de se blesser, ce qui ruinera votre carrière. Mais en même temps, il n’existe pas de vie plus belle et plus attrayante, qui ouvre les portes du monde entier, pleine d’applaudissements, de fleurs et d’admiration. Si nous parlons de la différence dans les perceptions des gens, alors dans la vie indépendante, une personne de toute autre profession en est clairement consciente, mais une personne créative le ressent. Un véritable serviteur de l'art ne se soucie pas du montant de son salaire ni du nombre d'heures de travail ; il est important pour lui d'être recherché, de ne pas se désintéresser de son œuvre préférée, et pour que le feu ardent de la créativité ne s'éteigne jamais à l'intérieur.
Introduction
Le ballet est une forme d'art qui allie la beauté et la mélodie de la musique, la plasticité et le rythme de la danse, la subtilité du jeu et la diversité des sujets littéraires. Ballet, selon V.V. Vanslova - « art synthétique ».
L'école de ballet russe est à juste titre considérée comme l'une des meilleures au monde. Il suffit de rappeler les noms de B. Eifman, G.S. Oulanova, A.Ya. Vaganova, N.M. Dudinskaya et autres.
Une école est un certain ensemble d’idées, d’orientations, de concepts et de points de vue. Pour qu'il existe et se développe, il faut un système clair de soutien pédagogique, qui permet de tirer le meilleur parti de ces idées et orientations, de les traduire dans la réalité et de les compléter avec de nouvelles idées. "Nous attendons de l'école des virtuoses de la danse parfaitement formés, techniquement forts et en même temps de vrais artistes, capables d'exprimer leurs pensées et leurs sentiments enflammés dans la danse la plus complexe, capables de se transformer à chaque fois en une nouvelle image artistique", écrit R.V. Zakharov.
Actuellement, le système d'enseignement chorégraphique en Russie subit des changements importants provoqués par des tendances mondiales, telles que l'adhésion de la Russie à l'Accord de Bologne et la réforme du système de formation professionnelle en général. Ces tendances s’expriment dans la formation de spécialistes de type « licence-master », l’introduction d’une éducation axée sur la pratique et l’informatisation généralisée du système d’enseignement supérieur.
Ce qui importe dans le système de formation des spécialistes modernes, c'est leur capacité à s'intégrer directement dans des activités professionnelles immédiatement après avoir obtenu leur diplôme d'une université ou d'un établissement professionnel secondaire. G.B. en parle dans ses ouvrages. Golub, E.Ya. Kogan, V.A. Bolotov, A.V. Khutorskoy et autres. Dans le cas de l'éducation chorégraphique, cela implique une transition en douceur d'une école chorégraphique, d'une académie au théâtre. Assurer cette transition signifie justifier l'essence de la formation pédagogique du futur soliste de ballet, établir une interaction entre les théâtres et les établissements d'enseignement et être en mesure de déterminer le niveau de préparation de l'étudiant d'hier à l'activité professionnelle adulte d'aujourd'hui.
Il n'existe pratiquement aucun ouvrage consacré à une étude approfondie des processus de développement du professionnalisme d'un danseur de ballet. Il n’existe que des publications individuelles qui examinent un aspect ou un autre de cette vaste question. Néanmoins, il existe des précédents pour la construction compétente d'un système de transition vers l'activité professionnelle dans notre pays, et ils nécessitent une étude détaillée. L'un de ces précédents peut être considéré comme la ville de Krasnoïarsk, où opère l'un des théâtres russes les plus célèbres - le Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk, dont certains solistes ont été formés à l'école chorégraphique de Krasnoïarsk. Et ces solistes occupent une place de premier plan dans le ballet de Krasnoïarsk.
Compte tenu de tout ce qui précède, soulignons la problématique de cette étude.
Problème : manque de recherches consacrées au développement du professionnalisme des danseurs de ballet, pénurie de modèles décrivant le développement du professionnalisme des danseurs de ballet.
Hypothèse de recherche : la formation du professionnalisme d'un danseur de ballet se déroule dans les conditions suivantes :
§ la présence d'un accompagnement pédagogique pour l'ensemble du processus de devenir artiste de la part d'un professionnel dans le domaine du ballet ;
§ la possibilité d'exercer une réelle pratique de l'activité professionnelle dès les premiers stades de la formation ;
§ la présence d'une concurrence constante de la part d'autres professionnels émergents ;
§ préparation et autoformation physique, intellectuelle et psychologique systématiques du futur professionnel ;
§ la présence d'une préparation de base à l'activité professionnelle de danseur de ballet et la confirmation constante d'une préparation accrue tout au long du processus de devenir professionnel.
Objectif de l'étude : analyse et description du modèle moderne de devenir danseur de ballet professionnel.
Pour atteindre l'objectif, il est nécessaire de résoudre les tâches suivantes :
§ déterminer les spécificités de l'activité professionnelle de danseur de ballet ;
§ révélera les exigences du métier de danseur de ballet à la personnalité et au psychisme d'une personne ;
§ déterminer les critères de professionnalisme d’un danseur de ballet, les moyens de le mesurer et de le former ;
§ collecter des informations historiques sur le développement du ballet de Krasnoïarsk (en utilisant l'exemple du Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk et de l'École chorégraphique de Krasnoïarsk) ;
§ déterminer les tendances du système moderne de formation professionnelle en général et du système de formation des danseurs de ballet en particulier ;
Objet d'étude : diplômés de l'école chorégraphique - artistes de théâtre d'opéra et de ballet.
Sujet de recherche : le processus de formation professionnelle d'un danseur de ballet.
Méthodes de recherche:
observation;
description;
analyse théorique;
La base théorique du travail est la recherche sur la psychologie et la pédagogie du professionnalisme d'A.K. Markova, psychologie de l'activité créatrice A.I. Sevastyanova, B.S. Meilakha, B.M. Runina, Ya.A. Ponomarev, les fondamentaux de l'art du ballet V.V. Vanslova, M.M. Gabovitch, N.I. Tarasova et d'autres. L'ouvrage a également utilisé des périodiques, des mémoires, des biographies et des autobiographies décrivant les activités des principaux solistes de ballet du passé et du présent.
L'ouvrage comprend une introduction, deux chapitres, une conclusion et une bibliographie.
L'introduction justifie la pertinence du sujet de recherche, du but, des objectifs, de l'objet, du sujet de recherche, de sa signification théorique et pratique.
Le chapitre 1 « Aspects théoriques du développement du professionnalisme d'un danseur de ballet (en utilisant l'exemple des danseurs de ballet du Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk) » définit les spécificités de l'activité professionnelle d'un danseur de ballet, les critères de professionnalisme et fournit informations historiques sur le développement du ballet de Krasnoïarsk.
Le chapitre 2, « Analyse des moyens de développer le professionnalisme d'un danseur de ballet au cours de la période de troisième cycle (en utilisant l'exemple des danseurs de ballet du Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk) », examine les principales tendances du système moderne de formation professionnelle, les caractéristiques du développement du professionnalisme d'un danseur de ballet et présente des recommandations méthodologiques développées pour développer le professionnalisme d'un danseur de ballet en période de troisième cycle.
Enfin, des conclusions générales pour l’ensemble du travail sont présentées.
D'un point de vue théorique, l'ouvrage peut intéresser les chercheurs dans le domaine de la psychologie et de la pédagogie de l'activité créatrice ; d'un point de vue pratique, l'ouvrage est intéressant pour les recommandations méthodologiques qu'il contient pour développer le professionnalisme d'un ballet danseuse en période postuniversitaire.
Chapitre 1. Aspects théoriques du développement du professionnalisme d'un danseur de ballet (en utilisant l'exemple des danseurs de ballet du Théâtre d'Opéra et de Ballet d'État de Krasnoïarsk)
.1 Spécificités de l'activité professionnelle d'un danseur de ballet
Pour déterminer les spécificités de l'activité professionnelle d'un danseur de ballet, clarifions les concepts clés et, tout d'abord, la notion de « ballet ». Vanslov V.V. définit le ballet comme « un type d’art musical et théâtral dont le contenu s’exprime dans des images chorégraphiques ». L'image chorégraphique, à son tour, est « une incarnation dansée-plastique du contenu de la vie : humeur, sentiment, état, action, imprégnée de pensée et trouvant sa manifestation dans un système spécial de mouvements expressifs d'une personne » [ibid.]. Selon Vanslov, le ballet est un « art synthétique », car il combine plusieurs types de créativité artistique : la chorégraphie, la musique, le théâtre et les arts visuels.
Chatalov O.V. « ballet » désigne un type d'art théâtral dont les principaux moyens d'expression sont la danse et la pantomime dites « classiques » (historiquement établies, soumises à un code strict de règles), accompagnées de musique, ainsi qu'une œuvre scénique appartenant à ce type d’art.
Comme le montrent ces définitions, le ballet est un phénomène assez multidimensionnel et systémique. La structure du ballet peut être distinguée :
Scénario de ballet - concept dramatique, livret (il convient de noter qu'il existe également des ballets sans intrigue). Il fournit un bref résumé verbal des idées, de l'intrigue, du conflit et des personnages de la pièce. Le scénario du ballet doit être écrit en tenant compte de son incarnation musicale et chorégraphique. Très souvent, un scénario de ballet est créé sur la base d'une œuvre littéraire. L'auteur du scénario est généralement un auteur de ballet spécialisé. Mais le scénario peut aussi être composé par un chorégraphe, un compositeur, un artiste ou plusieurs créateurs d'un spectacle de ballet en même temps.
Chorégraphie. La chorégraphie moderne distingue la danse de tous les jours (folklorique et de salon) ainsi que la danse de scène (variétés et ballet). Le ballet est la forme la plus élevée de l'art chorégraphique. La danse constitue le noyau efficace du ballet. « Les possibilités plastiques de la chorégraphie sont illimitées ; elle peut exprimer n'importe quel sentiment, y compris le chagrin, la dépression, le désespoir, etc. Elle a les moyens de caractériser plastiquement non seulement le mouvement, mais aussi la paix, l'incarnation non seulement de la beauté et du bien, mais aussi de la laideur et du mal », écrit V.V. Vanslov.
Accompagnement musical. Le caractère commun de la nature figurative crée la possibilité de combiner organiquement musique et chorégraphie en un seul tout artistique. L'importance de la musique pour la chorégraphie d'un spectacle de ballet est avant tout significative. « Le chorégraphe met en scène le spectacle en s'appuyant non seulement sur le plan dramatique du scénario, mais aussi, avant tout, sur la musique, qui transforme ce plan du scénario et l'enrichit émotionnellement et de manière significative », explique V.V. Vanslov.
Pantomime, éléments de gymnastique et d'acrobatie. Un danseur de ballet n'est pas seulement un interprète de mouvements de danse pré-préparés et programmés. Il est également un acteur de théâtre à part entière. Comme pour tout acteur, la pantomime pour un danseur de ballet fait partie intégrante de son travail sur scène. Les petits mouvements et les expressions faciales subtiles transmettent une grande quantité d'informations, révèlent l'essence du héros, transmettent ses sentiments et ses humeurs.
Décoration. Le ballet est une représentation théâtrale à part entière. Outre le travail des personnes sur scène, cela comprend également l'atmosphère artistique générale, qui est créée sur scène et à l'aide d'accessoires, de costumes de héros et de jeux d'ombres et de lumière. Tout cela est extrêmement important pour transmettre les intentions du chorégraphe.
Et pourtant, le rôle principal dans le ballet est confié aux personnes - les danseurs de ballet. Ce sont les interprètes du plan du directeur de ballet, acteurs, danseurs, héros. « Sans acteur, il n’y a pas de spectacle chorégraphique, il n’y a pas de ballet en tant que forme d’art. Le meilleur livret, la plus belle musique, l'imagination la plus riche de l'artiste ne portent leurs fruits que si les personnages du ballet, les ballerines et les danseurs, prennent vie dans des images chorégraphiques », explique M.M. Gabovich.
La spécificité de l'activité professionnelle d'un danseur de ballet réside dans la nécessité d'occuper plusieurs postes en même temps, de transmettre un sens artistique par des mouvements seuls, sans prononcer un mot.
.2 Psychologie de l'activité professionnelle d'un danseur de ballet
Comme toute activité professionnelle, le ballet impose certaines exigences à la personnalité de l’artiste et au niveau de développement de ses fonctions mentales. Ainsi, l'activité motrice active d'un danseur de ballet nécessite le plein développement de fonctions mentales telles que les sensations. "Le développement de l'analyseur kinesthésique ou moteur est d'une grande importance, en particulier dans les activités humaines", écrit A.I. Sevastyanov. Les sensations kinesthésiques sont provoquées, par exemple, par l'irritation des terminaisons nerveuses intégrées dans les muscles, les articulations, les ligaments et les os, ainsi que celles résultant des mouvements du corps dans l'espace, et fournissent au corps les informations nécessaires pour effectuer des actions coordonnées et actes moteurs complexes de l’interprète.
Il est également clair que dans l'activité d'un danseur de ballet, des types de sensations telles que auditives, tactiles, statiques et visuelles sont également importantes. Il convient de noter que le développement d'une fonction mentale particulière implique leur état qualitatif. Chaque personne en bonne santé possède un certain ensemble de fonctions mentales, mais le degré de leur expression peut varier considérablement et créer ainsi des caractéristiques mentales individuelles de chaque personne. Dans le cas des sensations, on peut parler de caractéristiques qualitatives telles que le seuil absolu des sensations - l'irritation la moins puissante qui provoque une sensation à peine perceptible, une adaptation positive ou négative - l'adaptation des organes sensoriels aux stimuli agissant sur eux.
Un niveau élevé de développement de la perception et de l'attention est important dans les activités d'un danseur de ballet. Avec une activité élevée de ces fonctions, certaines personnes peuvent développer une observation créative, dont le trait caractéristique est « la capacité de remarquer des signes typiques subtils, mais très significatifs, d'un objet ou d'un phénomène dans les objets et les phénomènes ».
Une personne créative se manifeste dans l'originalité de capter les phénomènes de la réalité environnante. La chose la plus importante pour une personne créative est ce qu'on appelle la mémoire figurative, « consistant en l'impression et la reconstruction ultérieure de la représentation d'objets précédemment perçus ». La mémoire émotionnelle est également extrêmement importante, car elle consiste à se souvenir, reproduire et reconnaître des émotions et des sentiments.
La sensibilité et l'émotivité sont importantes pour toute profession créative. L'originalité des émotions et des sentiments est déterminée par les caractéristiques personnelles, l'orientation de l'individu, ses motivations, ses aspirations, ses intentions, ses propriétés mentales individuelles, par exemple son caractère et ses composantes émotionnelles-volontaires. Une personne éprouve non seulement des émotions et des sentiments, mais elle a également une conception « corporelle » externe sous la forme d'expressions faciales, de pantomimes, d'intonation et de manifestations végétatives-vasculaires.
Un élément essentiel de l'activité créatrice est sa prise de conscience et son élaboration mentale par une personne. En ballet, comme dans l’art en général, la capacité d’une personne à penser de manière créative est importante. Les principales propriétés de la pensée créative sont :
§ flexibilité de la pensée (passage d'une classe de phénomènes à une autre, parfois lointaines dans leur contenu) ;
§ liberté du modèle (non-trivialité, caractérisée par la recherche de nouvelles approches pour résoudre les problèmes) ;
§ largeur de pensée (la capacité d'attirer des connaissances de divers domaines et la capacité d'appliquer ces connaissances) ;
§ criticité (la capacité d’évaluer correctement l’objet de ses propres actions) ;
§ profondeur (le degré de pénétration dans l'essence des phénomènes);
§ ouverture (accessibilité de la pensée à divers types d'idées et de jugements entrants) ;
§ indépendance (la capacité de formuler et de résoudre des problèmes créatifs de manière indépendante et originale sans être influencé) ;
§ empathie (la capacité de pénétrer dans le fil des pensées d’une autre personne).
Le processus de mise en scène d’un ballet implique un énorme travail mental de la part de tous les interprètes. Un danseur de ballet doit travailler avec des images artistiques. Leur formation et leur mise en œuvre relèvent de l'imagination.
Ainsi, toutes les capacités cognitives humaines sont impliquées dans le travail d'un danseur de ballet sur scène. En plus d’eux, les traits de caractère et le tempérament d’une personne ont également une influence significative. Leonhard K. a introduit le concept de personnalités accentuées, prenant en compte l'accent mis à la fois sur les traits de caractère, exprimés dans les caractéristiques de la sphère mentale, les motivations d'une personne et le tempérament, qui influencent les qualités réactives de l'individu, en particulier le rythme et profondeur des manifestations émotionnelles.
Il existe plusieurs classifications différentes d'accentuations de caractères, dont la plupart sont accompagnées de techniques de diagnostic spéciales permettant d'identifier le type d'accentuation. Sans nous concentrer sur des méthodes spécifiques, notons que la division des personnes en types est toujours assez arbitraire. Il est possible d'identifier des traits de caractère et des types d'accentuation « favorables » à la profession, mais cela doit être fait avec prudence, en prêtant attention à la perception holistique de la personnalité du professionnel, à ses qualités professionnelles, aux avis des collègues et à l'environnement social. environnement dans lequel il s'inscrit.
Pour un métier créatif, dans le travail d'un danseur de ballet, des traits de caractère tels que l'ouverture, la convivialité, la patience, la responsabilité, l'indépendance, l'activité et l'initiative sont importants. Cette liste n'est pas exhaustive, mais elle reflète en général les spécificités de l'activité professionnelle créative.
En caractérisant les activités d'un danseur de ballet, on ne peut manquer de noter une caractéristique de son travail comme le collectivisme. Une troupe de ballet est un grand groupe de personnes, avec leurs propres caractéristiques individuelles, dans lesquelles certaines règles de comportement s'appliquent et une certaine hiérarchie de relations s'est développée. La communication, en tant que capacité à trouver un langage commun avec d'autres personnes, est le trait de caractère le plus important d'une personne créative et également d'un danseur de ballet.
.3 Le concept de « professionnalisme » dans le ballet, la recherche sur son niveau et les méthodes de formation
Sous le professionnalisme de Markov A.K. comprend «l'ensemble, un ensemble de caractéristiques personnelles d'une personne nécessaires à la réussite du travail». Le professionnalisme, selon l'auteur, se compose de deux éléments : motivationnel et opérationnel.
L’élément motivationnel implique :
§ la passion pour la mentalité, le sens, l'orientation du métier au profit des autres, le désir de pénétrer les orientations humanistes modernes, le désir de rester dans le métier ;
§ motivation pour des niveaux élevés de réussite dans son travail ;
§ le désir de se développer en tant que professionnel, la motivation pour une dynamique positive de croissance professionnelle, en profitant de toute opportunité de croissance professionnelle, la fixation d'objectifs professionnels solides ;
§ passage harmonieux de toutes les étapes de la professionnalisation - de l'adaptation au métier en passant par la maîtrise, la créativité, jusqu'à l'achèvement sans douleur du parcours professionnel ;
§ absence de déformations professionnelles dans la sphère motivationnelle, crises ;
§ lieu interne du contrôle professionnel, c'est-à-dire la recherche des raisons de réussite et d'échec en soi et au sein de la profession ;
§ le prix psychologique optimal pour des résultats élevés dans les activités professionnelles, c'est-à-dire l'absence de surcharge, de stress, de pannes et de conflits.
L'élément opérationnel comprend :
§ pleine conscience des traits et caractéristiques d'un professionnel, conscience professionnelle développée, vision holistique de l'apparence d'un professionnel à succès ;
§ se mettre en conformité avec les exigences de la profession ;
§ réalisation effective d'activités professionnelles au niveau d'exemples et de normes élevés, maîtrise des compétences, productivité du travail élevée, fiabilité et durabilité des résultats élevés ;
§ l’épanouissement de la personne par le biais de sa profession, l’auto-compensation des qualités manquantes, l’apprentissage professionnel et l’ouverture ;
§ apporter une contribution créative d'une personne à la profession, enrichir son expérience, transformer et améliorer l'environnement professionnel qui l'entoure ;
§ attirant l'intérêt du public pour les résultats de leur travail, parce que la société peut ne pas connaître ses besoins quant aux résultats de ce travail professionnel, cet intérêt doit être formé.
Le professionnalisme, selon Markova, s'acquiert à travers les étapes suivantes :
1.L'étape d'adaptation d'une personne à un métier, l'assimilation initiale par la personne des normes, des mentalités, des techniques nécessaires, des techniques, des technologies du métier ; cette étape peut se terminer rapidement dans les 1 à 2 premières années suivant le début du travail, ou elle peut durer des années et être douloureuse ;
2.L'étape de réalisation de soi d'une personne dans la profession ; la conscience d'une personne de ses capacités à remplir les normes professionnelles, le début du développement personnel par le biais de la profession, la conscience d'une personne de ses capacités individuelles à exercer des activités professionnelles, le renforcement conscient de ses qualités positives, l'atténuation des qualités négatives, le renforcement de style individuel, réalisation maximale de ses capacités dans les activités professionnelles;
.Le stade de maîtrise d'une personne dans un métier, se manifestant sous forme de maîtrise, d'harmonisation d'une personne avec le métier ; ici s'effectue l'assimilation d'exigences élevées, la reproduction à un bon niveau de recommandations méthodologiques, de développements et d'instructions préalablement créés.
Des développements importants dans le domaine de la recherche sur les caractéristiques du professionnalisme ont permis de développer tout un complexe de diagnostics permettant de déterminer les niveaux de sa formation. Le diagnostic repose sur plusieurs principes :
Le principe de la sélection par étapes des candidats
La première étape - la sélection basée sur des indicateurs médicaux - est réalisée, en règle générale, par des médecins généralistes et n'est utilisée principalement que comme moyen de détection des contre-indications à la formation. L'absence de spécialistes au profil restreint - un psychologue ou un psychiatre-psycho-hygiéniste - lors du processus de sélection affecte négativement la pureté de la sélection professionnelle.
La deuxième étape est l'identification de ceux qui sont professionnellement aptes, de ceux qui sont conditionnellement aptes et de ceux qui ne sont pas aptes à étudier dans une université créative. Elle est réalisée dans le cadre d'une collaboration avec les candidats, les maîtres et les enseignants de l'établissement d'enseignement.
La troisième étape est le contrôle. Il identifie les changements à la fois favorables et défavorables dans les activités professionnelles et éducatives.
Le principe de prise en compte des réserves fonctionnelles du psychisme parle de la grande plasticité du système nerveux, des énormes potentiels cachés inhérents à une personnalité créatrice et des possibilités de développer et de révéler les réserves du psychisme humain. D'où la nécessité de procéder à une sélection selon des critères supérieurs, moyens et inférieurs afin de clarifier l'éventail d'acceptabilité des méthodes de sélection professionnelle et la variabilité des critères.
Principe professionnel.
Le professionogramme est l'un des principaux outils de diagnostic. Professionogramme, selon Sevastyanov A.I. il s’agit « d’un système d’exigences imposées à une personne par une certaine spécialité, profession ou groupe de celles-ci ». Une partie du professionogramme est un psychogramme - un bref résumé des exigences de la psyché humaine, qui constitue une liste de capacités nécessaires.
Le principe de fiabilité qui sous-tend le travail professionnel prend en compte les conditions complexes d'étude de l'activité professionnelle et la soi-disant « immunité au bruit » d'un individu.
Les outils ci-dessus aident à déterminer l’état de préparation d’une personne à une activité professionnelle en général. Mais l'activité créatrice a ses spécificités qu'il ne faut pas oublier. Vous ne pouvez pas déterminer le professionnalisme d'un danseur de ballet à l'aide d'un professiogramme, tout comme vous ne pouvez pas identifier un futur maître parmi les candidats uniquement par les résultats d'un test, d'un examen ou d'autres méthodes objectives.
Le professionnalisme d'un danseur de ballet n'est pas tant des facteurs objectifs de l'activité professionnelle en général, mais plutôt un ensemble d'exigences et d'attentes liées aux actions de l'artiste sur scène, formées par les traditions, l'histoire du ballet, ses interprètes exceptionnels, ses directeurs de ballet et spectateurs ordinaires. Par conséquent, passons à la compréhension du professionnalisme du danseur de ballet des personnes directement associées à cet art.
Le travail d’un danseur de ballet est un travail difficile au quotidien. Selon A. Ol, le ballet devrait devenir un « style de vie » d'artiste. Il ne reste plus de temps pour autre chose. Par conséquent, avant tout, un professionnel du ballet est une personne qui se consacre entièrement à cet art, sans laisser de trace.
La volonté d’apprendre constamment des autres et de s’améliorer est une autre exigence importante pour un professionnel. Voici ce que dit à ce sujet l'un des principaux solistes du ballet de Krasnoïarsk, Alexandre Butrimovitch : « … toute allusion est perçue comme le chemin le plus court vers le mieux et n'est que bénéfique. J'essaie… d'écouter davantage…” . Nous trouvons confirmation de ces propos de A. Ol : « Après le travail... Je dois regarder la séquence vidéo de certaines productions classiques presque image par image. Et il ne s’agit pas de lécher sans réfléchir la technique de quelqu’un, mais de comprendre et de comprendre toute la profondeur de la performance.
La corrélation entre le ballet et l'art du théâtre est soulignée à plusieurs reprises : « Lorsqu'un acteur de ballet parvient à combiner une brillante connaissance du métier, de la technique de la danse avec l'intelligence, les sentiments et l'imagination créatrice, il appartient à juste titre au titre d'artiste », déclare M.M. Gabovich. . On retrouve la même chose chez A. Ol : « Si le spectacle n'a pas d'énergie, des rôles bien structurés, ni une belle musique ni des costumes et décors luxueux ne peuvent le sauver - ce sera ennuyeux et non professionnel.
Le ballet impose également de sérieuses exigences à la condition physique de l'interprète. "Tout d'abord, cela dépend de la structure des muscles et des ligaments, et dans une certaine mesure de la structure osseuse de la silhouette d'une personne, si elle est capable d'effectuer tel ou tel mouvement...", déclare F.V. Lopukhov. . Un professionnel du ballet est toujours en bonne forme physique, flexible et artistique. Les caractéristiques physiologiques individuelles du soliste déterminent son rôle sur scène.
Le professionnalisme est une caractéristique globale du niveau de compétence d’un spécialiste. Le professionnalisme d'un danseur de ballet se forme au cours d'une longue formation et d'un travail quotidien. Un professionnel du ballet est une personne physiquement et intellectuellement développée, douée pour la créativité et psychologiquement résistante à toutes sortes de problèmes. Atteindre le professionnalisme n'est possible que grâce aux activités pratiques d'une personne, grâce au développement personnel et à l'aide active de maîtres déjà formés.
.4 Histoire du ballet dans la ville de Krasnoïarsk
Le Théâtre d'Opéra et de Ballet de Krasnoïarsk a été créé sur la base d'une décision du Conseil des ministres de la RSFSR du 30 décembre 1976, par arrêté du ministère de la Culture de la RSFSR du 17 janvier 1977. Le fondateur du théâtre est l'administration de la région de Krasnoïarsk, représentée par le département de la culture. Le théâtre a officiellement ouvert ses portes le 12 août 1978.
Le bâtiment a été construit entre 1966 et 1978 selon les plans de l'architecte I.A. Mikhaleva. L'ouverture du théâtre a été programmée pour coïncider avec le 350e anniversaire de Krasnoïarsk, situé sur la place du même nom (aujourd'hui place Teatralnaya).
La saison 1978-1979 est marquée par onze premières. Les spectateurs ont pu découvrir de merveilleuses œuvres du répertoire d'opéra et de ballet. Le 20 décembre 1978 eut lieu la première de l’opéra d’A.P. Borodine "Prince Igor". Cette représentation est devenue une sorte de carte de visite de notre théâtre. Le 21 décembre 1978, le ballet "Le Lac des Cygnes" de P. I. Tchaïkovski a été présenté, le 22 décembre 1978, l'opéra "Le Barbier de Séville" de G. Rossini, le 23 décembre 1978, les premières de deux ballets en un acte " "Suite Carmen" de G. Bizet - R. Shchedrin et "La Jeune Dame et le Voyou" de D. Chostakovitch, 24 décembre 1978 - opéra de P.I. Tchaïkovski « Eugène Onéguine », 26 décembre 1978 - Le ballet « Giselle » de A. Adam.
En 1979, le répertoire du théâtre s'est régulièrement enrichi de magnifiques représentations : opéras - « Hurricane » de V.A. Grokhovsky, « Aïda » de G. Verdi, « Iolanta » de P.I. Tchaïkovski et les ballets - "Chopiniana" et "Paquita" de L. Minkus, ainsi que la pièce pour enfants "Le conte du prêtre et de son ouvrier Balda" de M.I. Bas. En seulement 30 ans d'existence du théâtre, 53 opéras, 2 pièces de mystère, 57 ballets et 16 représentations pour enfants ont été mis en scène.
Il convient également de noter les noms de maîtres exceptionnels qui ont contribué à la formation du Théâtre d'Opéra et de Ballet de Krasnoïarsk. Ce sont des directeurs de production - M.S. Vysotski, R.I. Tikhomirov, G. Pankov, B. Ryabikin, L. Kheifits, V. Tsyupa, E. Buzin ; chefs d'orchestre - I. Shavruk, V. Kovalenko, N. Silvestrov, I. Latsanich, A. Kosinsky, A. Chepurnoy, A. Yudasin ; artistes - N. Kotov, T. Bruni, G. Arutyunov, V. Arkhipov, Cherbadzhi, M. Smirnova-Nesvitskaya ; chorégraphes - N. Markryants, V. Burtsev, V. Fedyanin, A. Gorsky, S. Drechin, A. Polubentsev, Vl. Vassiliev, S. Bobrov. Les musiciens étrangers J. Stanek, M. Piecuch et d'autres ont également travaillé au Théâtre de Krasnoïarsk.
Les noms des principaux solistes d’opéra et de ballet sont largement connus en Russie et à l’étranger. Parmi eux figurent l'Artiste du peuple de Russie V. Efimov, l'Artiste du peuple de Russie A. Kuimov, l'Artiste du peuple de Russie L. Marzoeva, l'Artiste du peuple de Russie L. Sycheva, les Artistes émérites de Russie V. Baranova, Zh. Tarayan, S. Kolyanova , A. Berezin, S. Efremova, G. Efremov, N. Sokolova, I. Klimin, artiste émérite de la République de Tyva G. Kontsur. Les œuvres des jeunes solistes d'opéra A. Lepeshinskaya, O. Basova, A. Bocharov, E. Baldanov et des solistes de ballet A. Ol, E. Bulgutova, M. Kuimova, I. Karnaukhov, V. Kapustin, V. Guklenkov, etc. Les noms des célèbres danseurs N. Tchekhovskaya et V. Polushin, du magnifique chanteur d'opéra D. Hvorostovsky, qui a travaillé au Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk, sont largement connus de la communauté russe et mondiale.
L'école chorégraphique de Krasnoïarsk a été créée en 1978. Son ouverture est associée au début des activités du Théâtre d'Opéra et de Ballet de Krasnoïarsk et de l'Ensemble de Danse de Krasnoïarsk "Sibir". Le premier réalisateur est I. G. Shevchenko.
La direction artistique à différentes époques a été assurée par : G. N. Gurchenko, R. T. Khakulova, V. I. Burtsev, B. G. Fedchenko.
Au cours de son existence, l'école a formé plus de 150 spécialistes qui travaillent avec succès dans des théâtres et des troupes de danse à travers le pays.
Enseignants principaux : G.N. Gurchenko, T.A. Dzyuba, Khakulova, L.V. Vtorushina.
Parmi les étudiants et diplômés de l'école figurent des lauréats de concours de ballet de toute l'Union, russes et internationaux (S. V. Dauranova, A. V. Yukhimchuk, E. Koshcheeva, etc.).
conclusions
Dans le premier chapitre, nous avons pu identifier les caractéristiques essentielles du ballet comme art et comme domaine d'activité professionnelle.
Le métier de danseur de ballet est polyvalent et multiforme. Cela nécessite une préparation assez longue et de haute qualité pendant le processus de formation, ainsi qu'une amélioration constante à la fin de la formation. Le travail d'un danseur de ballet implique un entraînement physique quotidien, un haut niveau d'éducation morale et esthétique, de l'intelligence et de la conscience de soi. Le métier de danseur de ballet nécessite le développement des qualités personnelles d’une personne, une activité constante des fonctions cognitives et des capacités créatives.
Définir le professionnalisme est un double processus. D’une part, il existe des outils objectifs permettant de mesurer la préparation physique, intellectuelle et psychologique à la profession. D'un autre côté, même les performances les plus élevées dans ces domaines ne garantissent pas l'émergence d'un véritable maître suite à la profession. Qu'est-ce qui est décisif dans le processus de préparation d'un soliste de ballet ? Quels sont les facteurs de son succès ? Le deuxième chapitre est consacré à la divulgation de ces questions.
Chapitre 2. Analyse des moyens de développer le professionnalisme d'un danseur de ballet au cours de la période de troisième cycle (en utilisant l'exemple des danseurs de ballet du Théâtre d'Opéra et de Ballet d'État de Krasnoïarsk)
.1 Tendances du système moderne d'enseignement chorégraphique
.1.1 État actuel du système de formation professionnelle
L'analyse des actes juridiques et autres documents normatifs nous permet de formuler les caractéristiques suivantes de l'enseignement professionnel dans la Fédération de Russie.
Pendant longtemps, dans notre pays, il y avait une division claire de l'enseignement professionnel en secondaire, dispensé dans les écoles techniques, les collèges, les lycées et supérieur, dispensé dans les instituts et les universités. Cette approche a été progressivement abolie depuis que la Russie a adopté l’accord de Bologne.
Depuis 2007, l'enseignement professionnel supérieur en Russie est dispensé aux niveaux suivants :
§ formation professionnelle supérieure, confirmée par l'affectation à une personne ayant réussi la certification finale, diplôme (diplôme) « licence » - licence ;
§ formation professionnelle supérieure, confirmée par l'affectation à une personne ayant réussi la certification finale, le titre (diplôme) « spécialiste » ou le titre (diplôme) « master » - formation spécialisée ou master.
Les programmes de licence durent quatre ans, les programmes de spécialité durent au moins cinq ans et les programmes de maîtrise durent deux ans.
Il est prévu de regrouper les établissements professionnels secondaires sous la forme d'une licence appliquée afin de réunir des programmes et des établissements éducatifs disparates en un système unifié d'enseignement professionnel.
Outre la division en niveaux, l'adhésion de la Russie à l'accord de Bologne a introduit un système de notation des crédits et la possibilité d'une intégration dans un espace éducatif européen unique. Le système d'évaluation de la notation de crédit consiste à attribuer un crédit en tant qu'unité pour évaluer la réussite de la maîtrise d'un programme éducatif et calculer la note parmi tous les étudiants inscrits à ce programme.
L’accord de Bologne prévoit également la possibilité d’une transition en douceur d’un étudiant d’un établissement d’enseignement à un autre dans toute l’Europe grâce à un système unifié d’évaluation des programmes éducatifs et à un classement similaire de la « charge » de crédits de chaque cours éducatif.
Il convient de noter que l’adhésion de la Russie à l’accord de Bologne est jugée extrêmement ambivalente par de nombreux enseignants. Ainsi, il est pratiquement impossible de reconstruire le système national de formation du personnel médical, mondialement connu, selon les principes de Bologne. Certaines difficultés surviennent également lors de la formation de spécialistes dans le domaine de la culture et de l'art. Dans ce domaine, le professionnalisme d'un enseignant individuel et les traditions de formation qui se sont développées au fil des années dans une institution particulière sont d'une grande importance. L'expérience accumulée au fil des années ne peut pas être simplement convertie en unités de crédit et divisée en formations universelles. En attendant, nous ne pouvons pas arrêter le processus de réforme et la transition vers le système « licence + master » est inévitable. Et tous les établissements d’enseignement doivent s’adapter à ces tendances. Ainsi, par exemple, l'Académie russe du ballet russe du nom de A. Ya. forme avec succès des bacheliers et des maîtres. Vaganova."
Un autre trait caractéristique de l'enseignement professionnel moderne en Russie, mentionné à plusieurs reprises dans le « Concept de développement socio-économique à long terme jusqu'en 2020 » et dans le « Programme de développement de l'éducation russe pour 2010-1015 », est l'accent mis sur la pratique en tant que l'outil principal de la formation professionnelle. Pendant longtemps, le système éducatif russe a été surchargé de connaissances fondamentales, absolument inutiles pour un spécialiste de la vie réelle : « L'éducation fondamentale russe, écrit F. Yalalov, a été créée sur un paradigme de la connaissance. Le processus éducatif dans le système d'enseignement général et professionnel a été construit pendant plusieurs décennies sur une base déductive selon la triade didactique « connaissances - capacités - compétences », l'attention principale étant portée à l'acquisition de connaissances.
Récemment, il y a eu une révision du contenu éducatif, un abandon de la théorie excessive et la création de plus grandes possibilités pour les étudiants de suivre une formation pratique dans des activités professionnelles réelles.
Les documents ci-dessus établissent le concept de « compétence » comme unité de base de mesure de la qualité de l’éducation.
Le Glossaire des termes du marché du travail de la Fondation européenne pour la formation définit la compétence comme :
§ la capacité de faire quelque chose bien ou efficacement ;
§ le respect des conditions d'emploi;
§ capacité à exercer des fonctions professionnelles spéciales.
Ivanova T.V. la compétence est considérée comme « ... une capacité réalisée de manière indépendante, basée sur les connaissances acquises par l'étudiant, ses expériences éducatives et de vie, ses valeurs et ses inclinations, qu'il a développées à la suite de l'activité cognitive et de la pratique éducative. »
La particularité de la compétence résultant de l'éducation est que, par rapport aux autres résultats de l'éducation, elle :
§ est un résultat intégré ;
§ vous permet de résoudre toute une classe de problèmes ;
§ existe sous forme d'activité, pas d'information à ce sujet ;
§ se manifeste consciemment.
Une tendance importante dans la formation professionnelle nationale moderne est son informatisation active. Les établissements d'enseignement sont équipés de technologies informatiques modernes, les environnements éducatifs électroniques sont utilisés comme l'un des outils d'apprentissage, les technologies de réseau permettent d'établir un enseignement à distance, élargissant ainsi les possibilités d'éducation des personnes handicapées et des personnes vivant loin des villes densément peuplées.
.1.2 L'enseignement du ballet moderne en Russie
La formation des professionnels dans le domaine de la chorégraphie dans notre pays s'effectue à trois niveaux :
Niveau d'entrée - écoles de ballet.
Niveau professionnel moyen - écoles chorégraphiques.
Le plus haut niveau professionnel - académie.
Des établissements d'enseignement atypiques qui dispensent une formation complète et systématique (combinant les trois niveaux précédents).
Grâce à une formation professionnelle (de niveaux intermédiaire et supérieur), vous pouvez accéder aux métiers suivants :
Un danseur de ballet est un créateur de théâtre, un danseur professionnel qui, conformément à sa description de poste et à ses qualifications, interprète les rôles qui lui sont assignés dans des spectacles de ballet et d'autres œuvres d'art du ballet.
Un artiste d'un groupe de danse (ensemble) est un créateur, un danseur professionnel qui interprète les parties (rôles) qui lui sont assignées dans les œuvres d'art chorégraphique (à l'exception du ballet) conformément à sa description de poste et à ses qualifications.
Un chorégraphe est un créateur qui, conformément à sa description de poste, sous la direction d'un chorégraphe (chorégraphe), participe à la création (composition) de nouvelles œuvres chorégraphiques, au renouvellement d'œuvres chorégraphiques précédemment mises en scène et à leur sortie sur scène.
Chorégraphe (chorégraphe) est un créateur qui, conformément à sa description de poste, crée (compose) ses propres œuvres chorégraphiques, fait revivre des œuvres chorégraphiques précédemment mises en scène et met en œuvre un ensemble de mesures d'organisation pour leur diffusion sur scène.
Un tuteur est un travailleur créatif qui, conformément à sa description de poste, dirige le travail d'apprentissage de parties avec des artistes dans des spectacles nouveaux et déjà créés, en répétant des spectacles du répertoire actuel.
Un enseignant est un employé d'un établissement d'enseignement qui dispense une formation aux étudiants sous diverses formes et y développe certaines compétences.
Un enseignant-tuteur est un employé d'un établissement d'enseignement, un enseignant professionnel qui exerce les fonctions d'assistant, de consultant, de mentor, de confident d'un élève, qui est l'organisateur de sa vie et l'accompagne dans sa volonté de résoudre les problèmes de manière autonome. de l'éducation.
Un spécialiste du ballet est un spécialiste dans le domaine de la recherche sur l'art du ballet, un historien du ballet, un critique de ballet, qui combine souvent ces fonctions avec l'enseignement dans le domaine concerné.
Un choréologue est un spécialiste dans le domaine des études complexes et interdisciplinaires de la chorégraphie dans son ensemble (y compris le ballet), un critique d'art qui combine souvent ces fonctions avec l'enseignement dans le domaine concerné.
Kinésiologue - médecin, travailleur médical, spécialiste dans le domaine de la kinésiologie.
Danse-thérapeute - médecin, psychologue, travailleur médical, spécialiste dans le domaine de la danse-thérapie.
Les objectifs de la formation professionnelle d’un danseur de ballet sont fixés par une liste de compétences définies dans la norme éducative de l’État fédéral pour l’enseignement professionnel supérieur dans le domaine de la formation « Art chorégraphique ».
Ainsi, dans le projet de la norme éducative de l'État fédéral pour l'enseignement professionnel supérieur de la troisième génération, les bacheliers dans ce domaine doivent avoir :
compétences sociales, personnelles et culturelles générales;
compétences scientifiques générales;
compétences instrumentales ;
compétences professionnelles.
Ces dernières sont réparties en compétences professionnelles générales et compétences spécialisées (selon le type d'activité professionnelle).
Parmi les compétences professionnelles que doit posséder un bachelier :
connaissance du répertoire chorégraphique;
expérience pratique de l'interprétation du répertoire chorégraphique;
maîtrise des bases du dessin, de la peinture, de la composition, etc.
La liste des compétences est assez longue. Reste à savoir comment vérifier la maturité de chacun et s’il est possible de juger du professionnalisme de l’élève en tant que futur danseur de ballet sur la base de l’ensemble de sa maturité.
À l'avenir, sous la forme la plus générale, nous caractériserons le contenu de la formation professionnelle du futur danseur de ballet dans les établissements d'enseignement en Russie.
Comme déjà indiqué, la formation à l'art du ballet commence à l'âge de dix ans dans les écoles de ballet. N.I. Tarasov, posant la question à quel âge faut-il commencer la formation en danse classique : « …pour apprendre ses moyens d'expression, son langage, que, bien entendu, le futur danseur de ballet doit maîtriser techniquement parfaitement, virtuose, artistiquement libre, flexible et musicalement », il répondit lui-même : « Nous pouvons affirmer avec certitude que pour un futur artiste de théâtre de ballet, il est nécessaire de commencer à maîtriser l'école de danse classique dès l'âge de neuf ou dix ans... Les années d'enfance manquées, comme le premier La période de formation d'un futur danseur affectera certainement sa performance d'une manière ou d'une autre. " L'art comme une sorte d'ombre et un côté non entièrement révélé. "
Il est tout aussi important que « l’enfance soit particulièrement réceptive à la beauté – à la musique et à la danse. C'est l'enfance qui est une période d'énorme intensité émotionnelle, d'impression, de rêves et d'action active » [ibid.], qui joue un rôle important dans la formation d'un danseur de ballet, en particulier pendant la période de formation initiale, où il est nécessaire de intéresser l'enfant, exciter et captiver son âme et commencer à être créatif et curieux, la développer.
« Tout commence par des choses simples », écrit E.A. Menchikov. Les mouvements affinés quotidiennement en classe et qui semblent ennuyeux et non dansants, lorsqu'ils sont inclus dans le texte d'une composition chorégraphique, sont perçus par les enfants comme partie intégrante de la danse... plus tôt se présente l'occasion de mettre les lettres du l'alphabet du ballet en mots... plus l'existence sur scène sera organique. Au stade initial, l'auteur propose de prêter attention à l'entraînement physique de l'enfant, au développement de la plasticité, du sens du rythme : « … sans enseigner aux enfants les premiers éléments de l'alphabétisation chorégraphique, on ne peut pas leur apprendre à danser, sinon l'enseignement perd tout ce qui a un sens. »
Une attention particulière doit être accordée à cultiver la patience, la discipline et à inculquer l'amour de la musique et de l'art. "En classe, vous devez développer votre volonté, votre caractère et votre discipline", écrit N.M. Doudinskaïa". L'accent est également mis sur le développement de l'imagination, de la mémoire, de l'attention, de la perception et de l'émotivité.
La formation se déroule dans les disciplines suivantes : rythme, gymnastique, chorégraphie, danse, disciplines scolaires générales. Les cours se déroulent en groupes de 10 à 12 personnes.
Il est à noter que les élèves des écoles de ballet s'impliquent dès leur plus jeune âge dans des activités professionnelles et participent à des productions. "La soirée commençait toujours par un concert de classe... Chaque danseur avait un ou deux numéros solo, que je sélectionnais en fonction de son individualité et de son état de préparation", écrit N.M. Doudinskaïa. Le choix du thème des productions est déterminé par les caractéristiques de développement des enfants d'une période d'âge particulière : « Les enfants de chaque âge ont leurs propres danses. Les plus jeunes dansent la « Polka », la « Polonaise ». Milieu - "Oies", "Rock and Roll", senior - "Victory Salute". "Les productions doivent correspondre à l'âge et au niveau de développement des enfants, elles doivent leur être compréhensibles, puis le public les comprendra et les acceptera."
La formation dans les écoles chorégraphiques dure de cinq à huit ans. Le processus de sélection pour ces institutions, ainsi que pour les écoles de ballet, est assez strict. Des exigences strictes sont imposées en matière de préparation physique, de santé et de niveau de développement intellectuel et psycho-émotionnel de l’enfant. Les examens à l'école se déroulent en trois étapes :
vérification des données professionnelles, des caractéristiques du corps (données externes) - ajout de proportions, présence sur scène, participation, levage, pas, saut, flexibilité ;
commission médicale - vision, audition, organes internes, système nerveux, appareil. Test de langue russe ;
commande artistique - données musicales et rythmiques : rythme, audition, mémoire ; données professionnelles, danse.
Les principales méthodes et moyens d'enseignement sont (en utilisant l'exemple de la POO utilisé à l'Académie de ballet russe A.Ya. Vaganova) :
travail indépendant;
consultation;
leçon pratique;
excursion;
pratique éducative et industrielle;
travaux de cours;
travail de fin d'études.
Parmi les disciplines de base des écoles chorégraphiques : danse classique, danse folklorique, danse historique et quotidienne, jazz, claquettes, rythme, gymnastique, théâtre, maquillage, langues étrangères, histoire du théâtre, musique, beaux-arts, culture musicale, philosophie, fondamentaux droit, économie, sociologie, anatomie, etc.
La danse classique joue un rôle majeur dans la préparation du danseur de ballet. « Il s’agit d’un entraînement du corps en mouvement, qui peut servir d’aide à toute décision de danse. »
La danse classique est une discipline fondamentale de l'école chorégraphique ; elle joue un rôle prépondérant dans la formation professionnelle des futurs danseurs de ballet. C'est dans un cours de danse classique que s'apprend le langage de la chorégraphie. Pour maîtriser les hautes performances de la danse classique, il est nécessaire de connaître et d'assimiler sa nature, ses moyens d'expression, son école. L'école de danse classique constitue la base d'une formation systématique, cohérente et méthodique au métier de danseur de ballet.
L'un des principaux éléments de la préparation d'un futur danseur est la pratique sur scène, qui est systématiquement incluse dans le programme des cours. L'objectif de cette matière est le développement global et l'amélioration des compétences d'interprétation des étudiants sur la base du travail de répétition et des performances scéniques, y compris dans les représentations théâtrales. La pratique sur scène fait partie intégrante et finale du processus éducatif.
Ainsi, les caractéristiques de la formation d'un danseur de ballet en Russie sont les suivantes :
§ en raison des caractéristiques physiologiques du corps humain, il existe des délais stricts pour l'activité professionnelle d'un danseur de ballet : début de la formation professionnelle à 10 ans, début de l'activité professionnelle à 18-19 ans, fin de l'activité professionnelle à 38 ans -40 ans;
§ la formation dans un établissement d'enseignement du ballet (école chorégraphique, académie de ballet) est considérée comme une formation professionnelle dès les premiers pas, dès l'âge de 10 ans ;
§ le régime particulier et le niveau de charge de travail de l’étudiant sont comparables au régime et à la charge de travail d’un artiste adulte, ce qui correspond à l’activité physique des sports de haut niveau ;
§ l'enseignement général (scolaire) et l'enseignement professionnel (primaire, secondaire, supérieur) sont combinés en un seul processus éducatif, il est souvent impossible de faire une distinction claire entre eux ;
§ la nécessité d'un développement avancé des disciplines humanitaires et d'histoire de l'art conduit à l'inclusion d'éléments d'enseignement supérieur dans le programme d'un établissement d'enseignement professionnel secondaire ;
§ transfert direct de compétences, de connaissances, d'expériences de génération en génération (« de main en main - de pied en pied », en contournant les médias matériels) ;
§ le fonctionnement d'une école chorégraphique (académie de ballet) à la fois en tant qu'établissement d'enseignement et en tant que troupe de théâtre, l'unité du processus éducatif lui-même et de la pratique ;
§ interaction obligatoire entre une école chorégraphique (académie de ballet) et une troupe de ballet professionnelle « de base » (théâtre) : la troupe est majoritairement composée de diplômés de cet établissement d'enseignement, et la plupart de ses professeurs sont des artistes anciens et actuels de la troupe ; orientation du processus pédagogique vers les caractéristiques stylistiques et le répertoire de la troupe ; la possibilité pour les étudiants de participer à des performances professionnelles dès les premières années d'études.
.2 Activités pédagogiques pour préparer un danseur de ballet
« Le rôle de l'enseignant est énorme ; de lui dépend en grande partie la croissance créative des artistes », a écrit N.M. Doudinskaïa.
Nous avons mené une étude pour déterminer les spécificités du développement du professionnalisme d'un danseur de ballet.
Base de recherche : École chorégraphique de Krasnoïarsk et Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk.
Méthodes de recherche:
observation;
"Le seul moyen possible d'accumuler et de préserver l'expérience socioculturelle dans le contexte de la continuité des générations est le système d'éducation humanitaire continue", explique V. M. Zakharov. Sous la forme visuelle la plus convaincante, ce système a été développé dans le cadre de la formation chorégraphique continue « école - école chorégraphique (université) - théâtre ». Les professeurs de l'école chorégraphique de Krasnoïarsk adhèrent à des positions similaires.
L'école a été fondée en 1978. Aujourd'hui, 56 enseignants y travaillent, dont 18 à temps partiel. Depuis 2010, l'école prépare des licences dans le domaine de l'Art Chorégraphique. Les activités professionnelles des bacheliers dans ce domaine s'exercent dans le domaine de la culture et de l'art liés à art chorégraphique et les modalités de son fonctionnement dans la société, dans les institutions d'éducation, de culture, d'art et de gestion.
L'institution a noué des liens assez étroits avec le Théâtre d'Opéra et de Ballet de Krasnoïarsk. Les étudiants de l'école réalisent constamment des reportages sur la scène théâtrale ; leurs futurs mentors, les chorégraphes du théâtre, rencontrent et travaillent régulièrement avec les étudiants.
En ballet, les étudiants doivent avoir une bonne préparation, la capacité d'appliquer de manière significative un ensemble de connaissances et de compétences acquises et de comprendre un certain éventail de questions interdisciplinaires. L'enseignant doit gérer le processus de formation, de développement et d'éducation, et pour cela « il faut être compétent, il faut connaître pleinement et précisément toutes les conditions de production, il faut connaître la technologie de cette production à son niveau moderne, il faut avoir une formation scientifique reconnue. La connaissance, la compétence et l’éducation ne peuvent être remplacées par aucune autre qualité humaine, même les meilleures. »
Les conditions actuelles de l'éducation imposent à l'enseignant moderne une exigence immuable : la connaissance des sciences fondamentales. De plus, « non seulement le volume des connaissances est d'une importance décisive, mais aussi leur exactitude, leur systématicité et leur mobilité. Ce n'est pas le maximum de connaissances, mais sa mobilité et sa contrôlabilité, son adaptation flexible aux conditions de l'établissement d'enseignement qui rendent un spécialiste apte à l'enseignement.
Sur la base de ces dispositions, nous avons analysé le niveau de formation fondamentale des enseignants de l'école chorégraphique de Krasnoïarsk. Tous les enseignants ont une formation professionnelle supérieure, suivent régulièrement des formations avancées, participent à des conférences et des colloques et préparent et publient leurs propres articles.
Le professionnalisme des enseignants se manifeste également dans la capacité de s'adapter rapidement aux nouvelles tendances et tendances de l'éducation. Dans ce cas, la preuve en est la révision du système de formation traditionnel par les enseignants des écoles grâce à l'introduction d'un système de licence. Ils ont préparé des projets POO, des programmes de discipline basés sur les normes éducatives de l'État fédéral de troisième génération et mis à jour le matériel pédagogique et méthodologique.
Les chercheurs modernes parlent de plus en plus de la formation de l'empathie en tant que qualité professionnelle, notamment en ce qui concerne les métiers sociométriques. « Comprenez et ressentez votre élève, ses aspirations, ses espoirs, ses motivations, éliminez ses peurs et ses complexes, préparez-le à atteindre son objectif, et aussi, après avoir réalisé à temps la futilité d'efforts supplémentaires, soyez capable, sans traumatiser le psychisme de l'enfant, de convaincre l'étudiant de cela, lui suggérer options possibles la réalisation de soi en dehors du ballet - n'est-ce pas la compétence pédagogique la plus élevée ?
Observer la manière dont les enseignants établissent l’interaction avec les élèves nous permet de mettre en évidence les éléments suivants :
l'école a une atmosphère favorable entre les élèves et les enseignants ;
les commentaires des enseignants portent sur les actions des élèves et non sur leur personnalité ;
en signalant les erreurs, les enseignants suggèrent et montrent comment les corriger, et ne se contentent pas de la seule critique ;
Tous les spécialistes de l'établissement jouissent d'une grande autorité auprès des étudiants.
Les activités pédagogiques de préparation d'un danseur de ballet ne sont pas l'apanage d'un seul établissement d'enseignement. Les professeurs des écoles de théâtre sont remplacés par des chorégraphes et chorégraphes, qui continuent d’améliorer les compétences de l’artiste. « Au théâtre comme classe de perfectionnement », écrit N.M. Dudinskaya, viennent des danseurs qui ont déjà été formés par quelqu'un à l'école, des étudiants de quelqu'un, ils ont déjà un diplôme et viennent pour améliorer leur métier, pratiquer des mouvements, accroître la technique de la danse, acquérir des compétences, accroître leur professionnalisme.
La transition de l'école chorégraphique de Krasnoïarsk au théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk se fait en douceur. Les étudiants de l'école se produisent régulièrement au théâtre, se familiarisent avec celui-ci et les procédures qui y sont adoptées. Par conséquent, le moment d’obtenir leur diplôme universitaire et d’entrer dans le théâtre pour travailler n’est pas quelque chose de très excitant pour eux.
Le théâtre regroupe des professionnels dans leur domaine, le directeur artistique du théâtre est S.R. Bobrov et directeur artistique du ballet - M.V. Peretokin apporte une contribution significative à la formation de nouvelles stars du ballet russe. "Le ballet est l'art des jeunes, que cela nous plaise ou non", déclare S.R. Bobrov. Mais par où doivent-ils commencer ? Comme le disait Maris Liepa, pour danser, il faut danser. Ici, ils ont une telle opportunité. Anastasia Chumakova et Nikolai Olyunin sont des gars très compétents et prometteurs : des professeurs du Théâtre Bolchoï leur ont enseigné. Les autres sont-ils pires ? Maria Kuimova a dansé Odette dans Le Lac des Cygnes, Kitri dans Don Quichotte, Denis Zykov y a dansé Basile. Maxim Klekovkin et Anna Ol ont dansé Casse-Noisette en Angleterre, je leur ai donné cette opportunité. Et dans "Roméo et Juliette", aux côtés d'Anya, les jeunes étudiantes de l'école chorégraphique Ekaterina Bulgutova et Elena Kazakova sont impliquées.
L’activité pédagogique au théâtre représente le plus haut niveau de perfectionnement des compétences d’un artiste. Ici, il n'a pas la possibilité d'apprendre les bases, mais doit démontrer ses propres capacités le plus efficacement possible. Le travail d’un enseignant ici se combine avec le travail de l’élève d’hier. Si à l'école tout visait à former et à éduquer le futur artiste, alors au théâtre, l'attention est portée à l'image artistique, créée à la fois par le metteur en scène-enseignant et par l'artiste-interprète.
Le directeur artistique et le chorégraphe du théâtre veillent à l'amélioration constante des compétences des artistes. Des tuteurs des principaux théâtres du pays sont régulièrement invités au Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk ; avant chaque nouvelle production, la troupe travaille sur du matériel vidéo provenant de productions existantes d'autres auteurs.
Les experts placent la communication au cœur de la pédagogie théâtrale. « Communication », écrit E.A. Demidov, avec l'expression efficace, est le concept central de la sphère théâtrale. » La théorie théâtrale de l'action définit les caractéristiques suivantes du comportement de l'enseignant dans le processus d'interaction avec les élèves :
Dans l’exercice de ses fonctions, l’enseignant doit avoir l’air concentré, serein et mobilisé. L'enseignant doit établir une communication « illégale », c'est-à-dire obtenir du bruit de travail, « mélanger » les artistes, « détruire la justesse des rangs ». Il s'agit d'un préalable nécessaire pour créer de réelles conditions d'émergence de positions individuelles, afin qu'il soit plus facile pour les artistes interprètes d'exprimer leurs opinions lors de la communication.
L'art de la parole occupe une place particulière dans la communication pédagogique selon les lois de l'action théâtrale. L'art de la parole est un élément essentiel du discours de la personnalité de l'enseignant, la capacité de créer dans le discours, suscitant une réponse émotionnelle et sensorielle chez les élèves. C'est son énergie, son intensité, son associativité, son expressivité, son utilisation subtile et appropriée du langage non verbal.
enseignement chorégraphique ballet professionnel
conclusions
Conclusion
Dans le premier chapitre, nous avons pu identifier les caractéristiques essentielles du ballet comme art et comme domaine d'activité professionnelle. Chatalov O.V. par ballet, nous entendons un type d'art théâtral où les principaux moyens d'expression sont la danse et la pantomime dites « classiques » (historiquement établies, soumises à un code strict) accompagnées de musique, ainsi qu'une œuvre scénique appartenant à ce type d'art
Le métier de danseur de ballet est polyvalent et multiforme. Cela nécessite une préparation assez longue et de haute qualité pendant le processus de formation, ainsi qu'une amélioration constante à la fin de la formation. Le travail d'un danseur de ballet implique un entraînement physique quotidien, un haut niveau d'éducation morale et esthétique, de l'intelligence et de la conscience de soi. Le métier de danseur de ballet nécessite le développement des qualités personnelles d’une personne, une activité constante des fonctions cognitives et des capacités créatives.
Dans le deuxième chapitre, nous avons identifié les principales tendances de l'enseignement chorégraphique moderne, les spécificités des activités pédagogiques dans la formation d'un danseur de ballet.
L'enseignement professionnel russe moderne se caractérise par la transition vers un enseignement à deux niveaux (le système « licence-maîtrise »), l'introduction d'un principe de formation modulaire et d'un système d'évaluation des crédits. Il existe également des tendances vers une éducation axée sur la pratique, qui se manifestent à la fois par la mise en œuvre active de la pratique en tant qu'outil d'apprentissage et par le désir d'obtenir un résultat réel, socialement utile et pratique.
Des tendances similaires s’appliquent à l’enseignement chorégraphique. Les écoles chorégraphiques se tournent vers la préparation des bacheliers. Ce processus s'accompagne d'une révision du contenu de l'enseignement et du calendrier de la formation. De nouvelles exigences sont introduites pour évaluer la qualité du résultat final. L’approche basée sur les compétences est dominante dans la pratique éducative moderne. Les futurs danseurs de ballet doivent posséder des compétences sociales et personnelles, culturelles générales, scientifiques générales, instrumentales et professionnelles.
Le processus de formation des danseurs de ballet à Krasnoïarsk est complexe. Il comprend une formation préparatoire et initiale, une formation de base en école chorégraphique, une formation professionnelle en terminale et au théâtre lui-même. Non seulement les enseignants de l’école, mais aussi les directeurs artistiques du théâtre participent activement au processus de développement du professionnalisme.
Le professionnalisme d'un danseur de ballet se forme dans les conditions suivantes :
§ avec les données externes et physiques disponibles correspondant à l’activité professionnelle ;
§ sous réserve d'un début de scolarité précoce (au plus tard à 10 ans) ;
§ soumis à une formation complète dans une école chorégraphique ;
§ avec un désir d'apprendre et de s'améliorer constamment;
§ en présence d'un accompagnement pédagogique compétent et hautement qualifié tout au long du parcours de développement du professionnalisme ;
§ s'il existe des liens établis entre l'établissement d'enseignement et le théâtre, la possibilité d'une pratique constante.
Sur la base d'une analyse des approches d'organisation d'activités pédagogiques pour la formation des danseurs de ballet à Krasnoïarsk, les recommandations méthodologiques suivantes ont été formulées :
La formation d'un danseur de ballet doit être réalisée systématiquement et comprendre trois étapes liées : l'étape de formation initiale en école de ballet, l'étape de formation de base en école chorégraphique, l'étape de professionnalisation au lycée et au théâtre. Il est possible de combiner ces étapes. Un exemple typique ici est un établissement d'enseignement supérieur atypique - l'Académie de ballet russe du nom. ET MOI. Vaganova", qui parvient à dispenser une formation dès le plus jeune âge pendant 5 à 8 ans dans diverses spécialités.
2. Il est nécessaire d'établir des contacts étroits entre les écoles chorégraphiques et les théâtres. Cette interaction devrait inclure des reportages sur les performances des étudiants, la participation des meilleurs étudiants aux productions théâtrales et l'enseignement de certaines disciplines par le personnel du théâtre.
Au sein de l'école, il est nécessaire de développer des opportunités de compétition saine entre les étudiants, de développer des programmes compétitifs avec encouragement, ainsi que de surveiller et d'évaluer le succès des activités éducatives. Tout cela vous permettra de vous adapter de la manière la moins pénible possible à l’horaire de travail du théâtre après avoir obtenu votre diplôme universitaire.
Le théâtre devrait offrir aux jeunes interprètes la possibilité d’améliorer continuellement leurs compétences. Cela signifie inviter des tuteurs qualifiés, participer à des stages et à des activités pédagogiques actives de la part du chorégraphe et des interprètes expérimentés.
Au cours de ses études à l'école, le futur danseur de ballet doit développer le désir et la capacité d'auto-apprentissage. Il est important de souligner la nécessité d’une amélioration constante et de montrer des moyens de se développer.
Ainsi, les tâches fixées au début de l'étude peuvent être considérées comme achevées et l'hypothèse formulée prouvée.
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