Artistes japonais du XVIIIe siècle. La peinture japonaise est la forme d'art la plus ancienne

A très histoire riche; sa tradition est vaste et la position unique du Japon dans le monde influence grandement les styles et techniques dominants des artistes japonais. Fait connu Le fait que le Japon ait été assez isolé pendant de nombreux siècles est dû non seulement à la géographie, mais aussi à la tendance culturelle japonaise dominante à l'isolement qui a marqué l'histoire du pays. Au cours des siècles de ce que nous pourrions appeler la « civilisation japonaise », la culture et l’art se sont développés séparément de ceux du reste du monde. Et cela se remarque même dans la pratique de la peinture japonaise. Par exemple, les peintures Nihonga font partie des principales œuvres de la pratique de la peinture japonaise. Il est basé sur plus de mille ans de tradition et les peintures sont généralement créées avec des pinceaux sur du Vashi (papier japonais) ou d'Egina (soie).

Cependant, l’art et la peinture japonais ont été influencés par les pratiques artistiques étrangères. Il s'agissait d'abord de l'art chinois du XVIe siècle et art chinois et la tradition artistique chinoise, particulièrement influente à plusieurs égards. Dès le 17ème siècle peinture japonaise a également été influencé par les traditions occidentales. En particulier, durant la période d’avant-guerre, qui s’étend de 1868 à 1945, la peinture japonaise est influencée par l’impressionnisme et le romantisme européen. Dans le même temps, les nouveaux mouvements artistiques européens furent également fortement influencés par les techniques artistiques japonaises. Dans l'histoire de l'art, cette influence est appelée « japonaisisme » et elle est particulièrement significative pour les impressionnistes, les cubistes et les artistes associés au modernisme.

La longue histoire de la peinture japonaise peut être considérée comme une synthèse de plusieurs traditions qui créent des éléments d’une esthétique japonaise reconnue. Tout d’abord, l’art et les méthodes de peinture bouddhistes, ainsi que la peinture religieuse, ont laissé une marque significative sur l’esthétique des peintures japonaises ; la peinture à l'encre de paysages de paysages dans la tradition de la peinture littéraire chinoise est un autre élément important reconnu dans de nombreuses peintures japonaises célèbres ; les peintures d'animaux et de plantes, en particulier d'oiseaux et de fleurs, sont communément associées aux compositions japonaises, tout comme les paysages et les scènes de la vie quotidienne. Enfin, les idées anciennes sur la beauté issues de la philosophie et de la culture du Japon ancien ont eu une grande influence sur la peinture japonaise. Wabi, qui signifie beauté éphémère et robuste, sabi (la beauté de la patine naturelle et du vieillissement) et yugen (grâce profonde et subtilité) continuent d'influencer les idéaux dans la pratique de la peinture japonaise.

Enfin, si l'on se concentre sur la sélection des dix chefs-d'œuvre japonais les plus célèbres, il faut mentionner l'ukiyo-e, qui est l'un des genres artistiques les plus populaires au Japon, même s'il appartient à la gravure. Il a dominé art japonais du 17ème au 19ème siècle, avec des artistes appartenant à ce genre créant des gravures sur bois et des peintures de sujets tels que de belles filles, des acteurs de Kabuki et des lutteurs de sumo, ainsi que des scènes d'histoire et contes populaires, scènes et paysages de voyage, flore et faune et même érotisme.

C'est toujours difficile de faire une liste meilleures peintures issus des traditions artistiques. De nombreuses œuvres étonnantes seront exclues ; cependant, cette liste présente dix des peintures japonaises les plus reconnaissables au monde. Cet article présentera uniquement des peintures créées du 19ème siècle à nos jours.

La peinture japonaise a une histoire extrêmement riche. Depuis des siècles Artistes japonais développé un grand nombre de techniques uniques et des styles qui constituent la contribution la plus précieuse du Japon au monde de l'art. L'une de ces techniques est le sumi-e. Sumi-e signifie littéralement « dessin à l'encre » et combine la calligraphie et la peinture à l'encre pour créer une rare beauté de compositions dessinées au pinceau. Cette beauté est paradoxale : ancienne et moderne, simple mais complexe, audacieuse mais discrète, reflétant sans aucun doute la base spirituelle de l'art dans le bouddhisme zen. Les prêtres bouddhistes ont introduit les blocs d'encre solide et les pinceaux en bambou au Japon depuis la Chine au VIe siècle, et au cours des 14 derniers siècles, le Japon a développé un riche héritage de peinture à l'encre.

Faites défiler vers le bas et découvrez 10 chefs-d'œuvre de la peinture japonaise

1. Katsushika Hokusai « Le rêve de la femme du pêcheur »

L’une des peintures japonaises les plus reconnaissables est « Le rêve de la femme du pêcheur ». Elle a été peinte en 1814 par le célèbre artiste Hokusai. Si vous suivez des définitions strictes, cela excellent travail Hokusai ne peut pas être considéré comme une peinture, car il s'agit d'une gravure sur bois du genre ukiyo-e tirée du livre Young Pines (Kinoe no Komatsu), qui est un livre shunga en trois volumes. La composition représente une jeune plongeuse ama enlacée sexuellement avec une paire de poulpes. Cette image a été très influente aux XIXe et XXe siècles. L'œuvre a influencé des artistes ultérieurs tels que Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff et Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka « Abe no Nakamaro écrit un poème nostalgique en regardant la lune »

Tessai Tomioka est le pseudonyme d'un célèbre artiste et calligraphe japonais. Il est considéré comme le dernier artiste majeur de la tradition bunjing et l'un des premiers artistes majeurs du style Nihonga. Bunjinga était une école de peinture japonaise qui a prospéré à la fin de l'ère Edo parmi des artistes qui se considéraient comme des lettrés ou des intellectuels. Chacun de ces artistes, dont Tessaya, a développé sa propre propre style et de la technologie, mais ils étaient tous de grands fans de l'art et de la culture chinoise.

3. Fujishima Takeji « Lever de soleil sur la mer de l'Est »

Fujishima Takeji était un artiste japonais connu pour son travail de développement du romantisme et de l'impressionnisme dans le mouvement artistique du yoga (style occidental) en fin XIX- début du 20ème siècle. En 1905, il voyage en France, où il est influencé par les mouvements français de l'époque, notamment l'impressionnisme, comme en témoigne son tableau Lever de soleil sur la mer de l'Est, peint en 1932.

4. Kitagawa Utamaro « Dix types de visages féminins, une collection de beautés dirigeantes »

Kitagawa Utamaro était un éminent artiste japonais né en 1753 et décédé en 1806. Il est certainement surtout connu pour une série intitulée « Dix types visages féminins. Collection de beautés dirigeantes, thèmes Grand amour poésie classique » (parfois appelée « Femmes amoureuses », contenant des gravures séparées « Amour nu » et « Amour réfléchi »). Il est l’un des artistes les plus importants du genre de la gravure sur bois ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai « Tigre »

Kawanabe Kyosai était l'un des artistes japonais les plus célèbres de la période Edo. Son art a été influencé par le travail de Tohaku, un peintre de l'école de Kano du XVIe siècle qui était le seul artiste de son époque à peindre des paravents entièrement à l'encre sur un fond délicat de poudre d'or. Bien que Kyosai soit connu comme dessinateur, il a écrit certains des plus de célèbres tableaux V histoire du Japon art du 19ème siècle siècle. "Tiger" est l'une de ces peintures que Kyosai a créées à l'aide de l'aquarelle et de l'encre.

6. Hiroshi Yoshida « Fuji du lac Kawaguchi »

Hiroshi Yoshida est connu comme l'une des figures majeures du style Shin-hanga (le Shin-hanga est un mouvement artistique au Japon du début du XXème siècle, durant les périodes Taisho et Showa, qui fit revivre l'art traditionnel de l'ukiyo-e, qui a ses racines dans les périodes Edo et Meiji (XVIIe - XIXe siècles)). Il s'est formé dans la tradition de la peinture à l'huile occidentale, adoptée au Japon pendant la période Meiji.

7. Takashi Murakami « 727 »

Takashi Murakami est probablement l'artiste japonais le plus populaire de notre époque. Ses œuvres se vendent à des prix astronomiques. grandes enchères, et la créativité inspire déjà de nouvelles générations d'artistes non seulement au Japon, mais aussi à l'étranger. L'art de Murakami comprend une gamme de médiums et est généralement décrit comme superplat. Son travail est connu pour son utilisation de la couleur, incorporant des motifs de la culture traditionnelle et populaire japonaise. Le contenu de ses peintures est souvent décrit comme « mignon », « psychédélique » ou « satirique ».

8. Yayoi Kusama « Citrouille »

Yaoi Kusama est également l'un des artistes japonais les plus célèbres. Elle crée dans une variété de médias, notamment la peinture, le collage, la sculpture scat, la performance, l'art environnemental et l'installation, dont la plupart démontrent son intérêt thématique pour la couleur, la répétition et les motifs psychédéliques. L’une des séries les plus célèbres de ce grand artiste est la série « Citrouille ». Recouverte d'un motif à pois, une citrouille ordinaire de couleur jaune vif est présentée sur un fond en filet. Collectivement, tous ces éléments forment un langage visuel indéniablement fidèle au style de l'artiste et qui a été développé et affiné au cours de décennies de production et de reproduction minutieuses.

9. Tenmyoya Hisashi « Esprit japonais n°14 »

Tenmyoya Hisashi est un artiste japonais contemporain connu pour ses peintures néo-nihonga. Il participe à la renaissance de l'ancienne tradition de la peinture japonaise, qui est à l'opposé de la peinture japonaise moderne. En 2000, il crée également son nouveau style butouha, qui démontre une forte attitude envers l'autorité. système artistiqueà travers ses peintures. "Japanese Spirit No. 14" a été créé dans le cadre de schéma artistique"BASARA", interprété dans la culture japonaise comme le comportement rebelle de la basse aristocratie pendant la période des Royaumes combattants, pour nier le pouvoir d'atteindre image idéale vie, s'habillant avec des vêtements luxueux et luxueux et agissant selon leur libre arbitre, non conforme à leur classe sociale.

10. Katsushika Hokusai « La grande vague au large de Kanagawa »

Enfin, La Grande Vague de Kanagawa est probablement le tableau japonais le plus reconnaissable jamais peint. Il s’agit en fait de l’œuvre d’art la plus célèbre créée au Japon. Il représente d'énormes vagues menaçant les bateaux au large des côtes de la préfecture de Kanagawa. Bien que parfois confondue avec un tsunami, la vague, comme le suggère le titre du tableau, est très probablement tout simplement anormalement élevée. Le tableau est réalisé dans la tradition ukiyo-e.

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Un commentaire:

La peinture classique japonaise a une longue et histoire intéressante. Les arts visuels du Japon sont présentés dans différents styles et genres, chacun étant unique à sa manière. Des figurines peintes anciennes et des motifs géométriques trouvés sur des cloches dotaku en bronze et des tessons de poterie remontent à 300 après JC.

Orientation bouddhiste de l'art

L'art de la peinture murale était assez développé au Japon : au VIe siècle, les images sur le thème de la philosophie bouddhiste étaient particulièrement populaires. A cette époque, de grands temples étaient construits dans le pays et leurs murs étaient partout décorés de fresques peintes d'après des scènes de mythes et légendes bouddhistes. Des exemples anciens de peintures murales sont encore conservés dans le temple Horyuji près de la ville japonaise de Nara. Les peintures murales Horyuji représentent des scènes de la vie de Bouddha et d’autres dieux. Le style artistique de ces peintures murales est très proche du concept pictural populaire en Chine sous la dynastie Song.

Le style de peinture de la dynastie Tang acquis particulièrement populaire au milieu de la période Nara. Les fresques découvertes dans la tombe de Takamatsuzuka datent de cette période vers le 7ème siècle après JC. La technique artistique, formée sous l'influence de la dynastie Tang, constitue par la suite la base du genre pictural du kara-e. Ce genre a maintenu sa popularité jusqu'à l'apparition des premières œuvres du style Yamato-e. La plupart des fresques et des peintures sont d'auteurs inconnus ; aujourd'hui, de nombreuses œuvres de cette période sont conservées dans le trésor de Sesoin.

L'influence croissante de nouvelles écoles bouddhistes telles que Tendai a influencé l'orientation religieuse plus large. arts visuels Le Japon aux VIIIe et IXe siècles. Au Xe siècle, qui voit un progrès particulier dans le bouddhisme japonais, apparaît le genre des raigozu, « peintures de bienvenue », qui représentent l'arrivée de Bouddha dans le paradis occidental. Les premiers exemples de raigozu, datant de 1053, peuvent être vus au temple Bedo-in, qui subsiste dans la ville d'Uji, dans la préfecture de Kyoto.

Changer de style

Au milieu de la période Heian remplacé style chinois Le Kara-e vient du genre Yamato-e, qui devient depuis longtemps l'un des genres les plus populaires et les plus recherchés de la peinture japonaise. Le nouveau style pictural était principalement utilisé pour peindre des paravents et des portes coulissantes. Au fil du temps, le yamato-e est également passé aux rouleaux horizontaux d'emakimono. Les artistes qui ont travaillé dans le genre emaki ont essayé de transmettre dans leurs œuvres toute l'émotivité de l'intrigue choisie. Le Genji Monogatari Scroll se composait de plusieurs épisodes enchaînés, avec des artistes de l'époque utilisant des coups de pinceau rapides et des couleurs vives et expressives.

L'e-maki est l'un des exemples les plus anciens et les plus marquants d'otoko-e, un genre de représentation. portraits masculins. Portraits de femmes attribué à un genre distinct de onna-e. Entre ces genres, en effet, tout comme entre les hommes et les femmes, des différences assez significatives sont visibles. Le style onna-e est représenté de manière colorée dans la conception du Conte du Genji, où les thèmes principaux des dessins sont des sujets romantiques et des scènes de la vie de cour. Style masculin otoko-e est principalement image artistique batailles historiques et d'autres événements importants dans la vie de l'empire.

L'école d'art classique japonaise est devenue un terrain fertile pour le développement et la promotion des idées. art contemporain Le Japon, où l'influence de la culture pop et de l'anime est assez clairement visible. L'un des artistes japonais les plus célèbres de notre époque s'appelle Takashi Murakami, dont le travail est consacré à la représentation de scènes de la vie japonaise d'après-guerre et au concept de fusion maximale des beaux-arts et du courant dominant.

D'artistes japonais célèbres école classique nous pouvons nommer ce qui suit.

Xubun tendu

Syubun a travaillé au début du XVe siècle, consacrant beaucoup de temps à l'étude des œuvres des maîtres chinois de la dynastie Song, cet homme est à l'origine du japonais genre visuel. Shubun est considéré comme le fondateur du style sumi-e, la peinture à l'encre monochrome. Il a déployé de nombreux efforts pour populariser ce nouveau genre, en faisant l'un des domaines phares de la peinture japonaise. Les étudiants de Subun étaient de nombreux artistes qui devinrent plus tard célèbres, dont Sesshu et le fondateur de la célèbre école d'art, Kano Masanobu. De nombreux paysages ont été attribués à Xubun, mais son œuvre la plus célèbre est traditionnellement considérée comme « Lecture dans un bosquet de bambous ».

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin est l'un des artistes majeurs dans l'histoire de la peinture japonaise, le fondateur et l'un des plus brillants représentants style artistique rimpa. Korine s'est audacieusement éloigné des stéréotypes traditionnels dans ses œuvres, formant son propre style, dont les principales caractéristiques étaient de petites formes et un impressionnisme brillant de l'intrigue. Korin est connu pour son talent particulier à représenter la nature et à travailler avec des compositions de couleurs abstraites. "La fleur de prunier rouge et blanche" est l'une des plus oeuvres célébres Ogata Korina, ses peintures « Chrysanthèmes », « Vagues de Matsushima » et bien d'autres sont également connues.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku est le fondateur de l'école d'art japonaise Hasegawa. Pour période au début La créativité de Tohaku se caractérise par l'influence de la célèbre école de peinture japonaise Kano, mais au fil du temps, l'artiste a formé son propre style. À bien des égards, l’œuvre de Tohaku a été influencée par les œuvres du maître reconnu Sesshu ; Hosegawa se considérait même comme le cinquième successeur de ce grand maître. Le tableau "Pines" de Hasegawa Tohaku reçu renommée mondiale, ses œuvres «Érable», «Pins et plantes à fleurs» et d'autres sont également connues.

Kano Eitoku (1543-1590)

Le style de l'école Kano a dominé les arts visuels du Japon pendant environ quatre siècles, et Kano Eitoku est peut-être l'un des plus célèbres et des plus célèbres. représentants éminents cette école d'art. Eitoku était favorisé par les autorités, le patronage des aristocrates et des riches mécènes ne pouvait que contribuer au renforcement de son école et à la popularité de ses œuvres, sans doute beaucoup artiste talentueux. Le paravent coulissant Cypress à huit panneaux, peint par Eitoku Kano, est un véritable chef-d'œuvre et exemple brillant la portée et la puissance du style Monoyama. D'autres œuvres du maître ne semblent pas moins intéressantes, comme « Oiseaux et arbres des quatre saisons », « Lions chinois", "Les Ermites et la Fée" et bien d'autres.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai est le plus grand maître du genre ukiyo-e (gravure sur bois japonaise). Le travail de Hokusai a reçu une reconnaissance mondiale, sa renommée dans d'autres pays n'est pas comparable à la popularité de la plupart des artistes asiatiques, son œuvre « La Grande Vague de Kanagawa » est devenue en quelque sorte une carte de visite Les beaux-arts japonais sur la scène artistique mondiale. Tout seul chemin créatif Hokusai a utilisé plus de trente pseudonymes ; après soixante ans, l'artiste s'est entièrement consacré à l'art, et c'est cette période qui est considérée comme la période la plus fructueuse de son œuvre. Les œuvres de Hokusai ont influencé le travail des maîtres occidentaux de l'impressionnisme et de la période post-impressionniste, notamment le travail de Renoir, Monet et van Gogh.

La peinture japonaise est la forme d'art la plus ancienne. Il comprend diverses formes, genres et contenus variés.

Peinture japonaise est la forme d'art la plus ancienne. Il comprend diverses formes, genres et contenus variés. L'art élégant dévoile au monde des tableaux que sont des paravents, des peintures murales, des rouleaux de soie ou de papier, des éventails, peintures de chevalet et gravures.

La peinture japonaise se distingue par un grand nombre de genres et de styles différents. La nature occupe une place prépondérante dans la peinture japonaise, comme dans la littérature. Elle est présentée comme la gardienne du principe divin. La peinture japonaise trouve ses origines dans l’art chinois, ses genres sont donc très similaires à ceux de l’Empire Céleste. De nos jours, de nombreux artistes japonais préfèrent étudier en Chine.

Peindre au Japon connaît plusieurs étapes dans son histoire de développement. Chacun d’eux a ses propres caractéristiques et particularités.

La phase initiale de développement est considérée comme la période allant du milieu du VIIe siècle à la fin du VIIIe siècle, appelée Nara. Le temple Horyuji a été peint durant cette période, fournissant d'excellentes preuves de l'influence culture japonaise Traditions indiennes et chinoises.

La prochaine période du développement de la peinture japonaise s'appelle Heian. Il est célèbre pour la prospérité active de la peinture des temples et des exemples d'art de représentation profane. Au cours de cette période, des illustrations ont été créées pour des romans et des histoires destinés à divertir les nobles messieurs.

Période Kamakura(occupe la période de la fin du XIIe siècle à la première moitié du XIVe siècle), qui occupait la période de la fin du XIIe siècle à la première moitié du XIVe siècle, se caractérise par un changement de styles , la recherche de nouvelles façons de représenter la vie. L’ambiance de la peinture japonaise change radicalement. Auparavant, les peintures véhiculaient une atmosphère optimiste, légère et joyeuse. Au cours de cette période, un grand pas a été franchi vers une image réaliste, tout en donnant au tableau un caractère presque militaire. Sujets caractéristiques de la peinture - scènes de bataille des mythes et de l'histoire, des scènes religieuses de Tradition bouddhiste. Les portraits de personnalités gouvernementales importantes sont largement utilisés.

Pendant Muromachi(période allant de la première moitié du XIVe siècle à la seconde moitié du XVIe siècle), une tendance qui glorifiait la peinture japonaise dans le monde entier s'est imposée. La philosophie du bouddhisme zen a eu une influence significative sur la peinture, ce qui a conduit à la popularité de l’art du paysage. La technologie monochrome a acquis une élégance particulière. Durant cette période, la peinture japonaise est influencée par la Chine. Le plus connu artiste japonais A cette époque, Toyo Oda, spécialisé dans la peinture de paysages, réalise ses premiers tableaux lors de ses voyages à travers l'Empire du Milieu. Il a déjà développé cette direction dans son pays natal.

La tendance décrite ci-dessus s'est activement développée et a été complétée au cours des deux périodes suivantes dans le développement de la peinture japonaise - Monoyama Et Édo. La technique monochrome était une option plus sophistiquée. Les détails ont été soigneusement élaborés et dessinés. Les artistes n'ont pas eu peur d'expérimenter et ont commencé à utiliser des techniques auparavant utilisées pour peindre sur des rouleaux et des écrans, en peinture murale. Les paysages et les scènes de foule ont commencé à être complétés par des histoires psychologiques montrant le héros dans un moment de fort stress émotionnel. Outre la peinture traditionnelle, la gravure sur bois est devenue de plus en plus populaire au Japon. Elle était divisée en deux types : la gravure théâtrale et la gravure descriptive quotidienne. Le maître le plus célèbre de la gravure théâtrale est Choshusai Sharaku. La gravure quotidienne s'est activement développée dans les œuvres de Suzuki Harunobu et Kitagawa Utamaro.

Il est peu probable que Yayoi Kusama soit en mesure de répondre à ce qui constitue la base de sa carrière d'artiste. Elle a 87 ans, son art est reconnu dans le monde entier. Il y aura bientôt de grandes expositions de son travail aux États-Unis et au Japon, mais elle n'a pas encore tout dit au monde. « Il est toujours en route. Je vais créer cela à l'avenir", déclare Kusama. Elle est considérée comme l’artiste la plus titrée du Japon. De plus, elle est l’artiste vivante la plus chère : en 2014, son tableau « White No. 28 » a été vendu pour 7,1 millions de dollars.

Kusama vit à Tokyo et est volontairement interné dans un hôpital psychiatrique depuis près de quarante ans. Une fois par jour, elle laisse peindre les murs. Elle se lève à trois heures du matin, incapable de dormir et voulant passer son temps de manière productive au travail. "Je suis vieux maintenant, mais je vais encore créer plus de travail et les meilleures œuvres. Plus que je ne l'ai fait dans le passé. Mon esprit est plein d'images », dit-elle.

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Yayoi Kusama lors d'une exposition de son travail à Londres en 1985. Photo : NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

De neuf heures à six heures, Kusama travaille dans son atelier sur trois étages, sans se lever du fauteuil roulant. Elle peut marcher, mais elle est trop faible. Une femme travaille sur des toiles disposées sur des tables ou fixées au sol. L'atelier regorge de nouvelles toiles, d'œuvres lumineuses parsemées de petites taches. L'artiste appelle cela « l'auto-silence » : une répétition sans fin qui étouffe le bruit dans sa tête.

Avant les prix d'art Praemium Imperiale 2006 à Tokyo. Photo : Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

De l'autre côté de la rue ouvrira bientôt nouvelle galerie, et un autre musée de son art est en construction au nord de Tokyo. De plus, deux expositions majeures de son travail s'ouvrent. « Yayoi Kusama : Infinity Mirrors », une rétrospective de ses 65 ans de carrière, a été inaugurée au Hirshhorn Museum de Washington le 23 février et se poursuivra jusqu'au 14 mai, avant de se rendre à Seattle, Los Angeles, Toronto et Cleveland. L'exposition comprend 60 peintures de Kusama.

Ses pois couvrent tout, des robes Louis Vuitton aux bus. ville natale. Les œuvres de Kusama se vendent régulièrement pour des millions de dollars et sont présentes partout dans le monde, de New York à Amsterdam. Les expositions des œuvres de l'artiste japonais sont si populaires que des mesures sont nécessaires pour éviter les attroupements et les émeutes. Par exemple, au Hirshhorn, les billets pour l'exposition sont vendus pendant une certaine durée afin de réguler en quelque sorte le flux de visiteurs.

Présentation du design commun de Louis Vuitton et Yayoi Kusama à New York en 2012. Photo : Agence Billy Farrell/REX/Shutterstock

Mais Kusama a encore besoin d’une approbation extérieure. Lorsqu'on lui a demandé dans une interview si elle avait atteint son objectif de devenir riche et célèbre il y a plusieurs décennies, elle a répondu avec surprise : « Quand j'étais petite, j'ai eu beaucoup de mal à convaincre ma mère que je voulais devenir artiste. Est-il vraiment vrai que je suis riche et célèbre ?

Kusama est né à Matsumoto, dans les montagnes du centre du Japon, en 1929 dans une famille riche et conservatrice qui vendait des plants. Mais ce n’était pas un foyer heureux. Sa mère méprisait son mari infidèle et envoyait la petite Kusama l'espionner. La jeune fille a vu son père avec d'autres femmes, ce qui lui a donné une aversion permanente pour le sexe.

Vitrine de la boutique Louis Vuitton conçue par Kusama en 2012. Photo : Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Enfant, elle a commencé à avoir des hallucinations visuelles et auditives. La première fois qu’elle a vu la citrouille, elle a imaginé qu’elle lui parlait. La future artiste a fait face aux visions en créant des motifs répétitifs pour noyer les pensées dans sa tête. Même dans ce à un jeune âge L’art est devenu pour elle une sorte de thérapie, qu’elle appellera plus tard « médecine artistique ».

Œuvre de Yayoi Kusama exposée au Whitney Museum of Contemporary Art en 2012. Photo : Agence Billy Farrell/REX/Shutterstock

La mère de Kusama était fermement opposée au désir de sa fille de devenir artiste et insistait pour qu'elle suive la voie traditionnelle. « Elle ne me laissait pas dessiner. Elle voulait que je me marie", a déclaré l'artiste dans une interview. - Elle a jeté mon travail. J'avais envie de me jeter sous un train. Chaque jour, je me battais avec ma mère et mon esprit était donc endommagé.

En 1948, après la fin de la guerre, Kusama se rend à Kyoto pour étudier la peinture traditionnelle japonaise nihonga aux règles strictes. Elle détestait ce type d'art.

Une des expositions de l'exposition Yayoi Kusama au Whitney Museum of Contemporary Art en 2012. Photo : Agence Billy Farrell/REX/Shutterstock

Lorsque Kusama vivait à Matsumoto, elle a trouvé un livre de Georgia O'Keeffe et a été émerveillée par ses peintures. La jeune fille s’est rendue à l’ambassade américaine à Tokyo pour y trouver un article sur O’Keefe dans l’annuaire et connaître son adresse. Kusama lui a écrit une lettre et lui a envoyé quelques dessins, et à sa grande surprise, l'artiste américain lui a répondu.

« Je n’en croyais pas ma chance ! Elle était si gentille qu'elle a répondu à l'explosion soudaine de sentiments du modeste Filles japonaises, qu'elle n'avait jamais rencontré de sa vie ni même entendu parler », a écrit l'artiste dans son autobiographie « Infinity Net ».

Yayoi Kusama dans la vitrine de sa boutique Louis Vuitton à New York en 2012. Photo : Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Malgré les avertissements d'O'Keeffe selon lesquels la vie était très difficile pour les jeunes artistes aux États-Unis, sans parler des jeunes filles célibataires au Japon, Kusama était inarrêtable. En 1957, elle réussit à obtenir un passeport et un visa. Elle a cousu des dollars dans ses robes pour contourner les contrôles monétaires stricts d’après-guerre.

La première étape fut Seattle, où elle tint une exposition dans une petite galerie. Kusama se rend ensuite à New York, où elle est amèrement déçue. « Contrairement à Matsumoto d’après-guerre, New York était dans tous les sens du terme un endroit maléfique et violent. Cela s’est avéré trop stressant pour moi et je me suis vite retrouvé embourbé dans la névrose. Pour aggraver les choses, Kusama s'est retrouvée dans une pauvreté totale. Une vieille porte lui servait de lit et elle pêchait des têtes de poisson et des légumes pourris dans les poubelles pour en faire de la soupe.

Installation Infinity Mirror Room - Love Forever (« Chambre avec miroirs à débordement - amour pour toujours »). Photo : Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Cette situation difficile incite Kusama à s’immerger encore davantage dans son travail. Elle a commencé à créer ses premières peintures de la série Infinity Net, recouvrant d'immenses toiles (l'une d'elles mesurait 10 mètres de haut) avec des vagues fascinantes de petites boucles qui semblaient ne jamais finir. L’artiste elle-même les décrit ainsi : « Des réseaux blancs enveloppant les points noirs de la mort silencieuse sur fond d’obscurité désespérée du néant ».

Installation de Yayoi Kusama lors de l'ouverture du nouveau bâtiment du Garage Museum of Contemporary Art au Parc central de la culture et de la culture Gorki à Moscou en 2015. Photo : David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Cette répétition obsessionnelle-compulsive a contribué à chasser la névrose, mais elle n'a pas toujours sauvé. Kusama souffrait constamment de crises de psychose et se retrouvait dans un hôpital de New York. Ambitieuse et déterminée, acceptant volontiers le rôle d'une femme asiatique exotique en kimono, elle rejoint le cercle des personnes influentes dans le domaine des arts et s'associe à des artistes reconnus comme Mark Rothko et Andy Warhol. Kusama a déclaré plus tard que Warhol avait imité son travail.

Kusama acquiert rapidement une certaine renommée et expose dans des galeries bondées. De plus, la renommée de l’artiste est devenue scandaleuse.

Dans les années 1960, alors que Kusama était obsédée par les pois, elle commença à organiser des événements à New York : elle incitait les gens à se déshabiller dans des endroits comme Parc central et le pont de Brooklyn, et ont peint leurs corps à pois.

Pré-spectacle sur exposition Art Bâle à Hong Kong en 2013. Photo : Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Des décennies avant le mouvement Occupy Wall Street, Kusama a organisé un événement dans le quartier financier de New York, déclarant qu'elle voulait « détruire les hommes de Wall Street à coups de pois ». À cette époque, elle commence à recouvrir divers objets – une chaise, un bateau, une poussette – de protubérances d’aspect phallique. "J'ai commencé à créer des pénis pour guérir mes sentiments d'aversion pour le sexe", a écrit l'artiste, décrivant comment cela processus créatif transformer progressivement le terrible en quelque chose de familier.

Installation "Passing Winter" à la Tate Gallery de Londres. Photo : James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama ne s'est jamais mariée, même si elle a eu une relation conjugale avec l'artiste Joseph Cornell pendant dix ans alors qu'elle vivait à New York. "Je n'aimais pas le sexe et il était impuissant, donc nous nous allions très bien", a-t-elle déclaré dans une interview à Art Magazine.

Kusama est devenue de plus en plus célèbre pour ses pitreries : elle a proposé de coucher avec le président américain Richard Nixon s'il mettait fin à la guerre du Vietnam. «Décorons-nous les uns les autres avec des pois», lui écrit-elle dans une lettre. L'intérêt pour son art lui-même s'est évanoui, elle s'est retrouvée en disgrâce et les problèmes d'argent ont recommencé.

Yayoi Kusama lors d'une rétrospective de son travail au Whitney Museum of Modern Art de New York en 2012. Photo : Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

La nouvelle des escapades de Kusama parvint au Japon. Ils ont commencé à la qualifier de « catastrophe nationale » et sa mère a déclaré qu'il vaudrait mieux que sa fille meure de la maladie dans son enfance. Au début des années 1970, appauvri et en faillite, Kusama retourne au Japon. Elle s'inscrit dans un hôpital psychiatrique, où elle vit toujours, et sombre dans l'obscurité artistique.

En 1989, le Center for Contemporary Art de New York organise une rétrospective de son œuvre. Ce fut le début, quoique lent, d’un regain d’intérêt pour l’art de Kusama. Elle a rempli une salle de miroirs de citrouilles pour une installation exposée à la Biennale de Venise en 1993 et ​​qui a fait l'objet d'une grande exposition au MoMa de New York en 1998. C’est ici qu’elle organisait autrefois un événement.

Lors de l'exposition My Eternal Soul au National Art Center de Tokyo, février 2017. Photo : Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Ces dernières années, Yayoi Kusama est devenue un phénomène international. Galerie moderne La Tate de Londres et le Whitney Museum de New York ont ​​organisé d'importantes rétrospectives qui ont attiré des foules immenses de visiteurs, et son motif à pois emblématique est devenu très reconnaissable.

Lors de l'exposition My Eternal Soul au National Art Center de Tokyo, février 2017. Photo : Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

L’artiste n’a pas l’intention d’arrêter de travailler, mais a commencé à penser à sa mortalité. « Je ne sais pas combien de temps je pourrai survivre même après la mort. Il y a une génération future qui suivra mes traces. Ce serait un honneur pour moi si les gens aiment regarder mon travail et s’ils sont émus par mon art.

Lors de l'exposition My Eternal Soul au National Art Center de Tokyo, février 2017. Photo : Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Malgré la commercialisation de son art, Kusama pense à la tombe de Matsumoto - qui ne se trouve pas dans la crypte familiale, elle en a de toute façon hérité de ses parents - et à la manière de ne pas la transformer en sanctuaire. « Mais je ne suis pas encore en train de mourir. Je pense que je vivrai encore 20 ans », dit-elle.

Lors de l'exposition My Eternal Soul au National Art Center de Tokyo, février 2017. Photo : Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Ce qui couvre de nombreuses techniques et styles. Tout au long de son histoire, elle a subi de nombreuses modifications. De nouvelles traditions et genres ont été ajoutés, et les principes japonais originaux sont restés. Avec histoire incroyable La peinture japonaise est également prête à présenter de nombreux faits uniques et intéressants.

Japon ancien

Les premiers styles apparaissent dans les temps les plus anciens période historique pays, même en Colombie-Britannique. e. L’art était alors assez primitif. D'abord, en 300 avant JC. e., divers figures géométriques, qui étaient réalisés sur des poteries à l'aide de bâtons. Une telle découverte par les archéologues comme l'ornementation des cloches en bronze remonte à une époque plus tardive.

Un peu plus tard, déjà en 300 après JC. e., apparaître dessins rupestres, qui sont beaucoup plus diversifiés que les motifs géométriques. Ce sont déjà des images à part entière avec des images. Ils ont été retrouvés dans des cryptes et, probablement, les personnages qui y sont peints ont été enterrés dans ces cimetières.

Au 7ème siècle après JC e. Le Japon adopte une écriture venue de Chine. À la même époque, les premières peintures proviennent de là. La peinture apparaît alors comme une sphère d’art à part entière.

Édo

Edo est loin d'être le premier et non le dernier tableau, mais il a apporté beaucoup de nouveautés à la culture. Tout d'abord, c'est la luminosité et la couleur qui ont été ajoutées à la technique habituelle, réalisée dans des tons noir et gris. Sotasu est considéré comme l'artiste le plus remarquable de ce style. Il a créé peintures classiques, mais ses personnages étaient très colorés. Plus tard, il se tourne vers la nature et la plupart de ses paysages sont peints sur des fonds dorés.

Deuxièmement, durant la période Edo, l’exotisme, le genre namban, apparaît. Il utilisait des techniques européennes et chinoises modernes étroitement liées aux styles japonais traditionnels.

Et troisièmement, l'école Nanga apparaît. Dans ce document, les artistes imitent d'abord complètement, voire copient, les œuvres des maîtres chinois. Ensuite, une nouvelle branche apparaît, appelée bunjing.

Période de modernisation

La période Edo cède la place à Meiji, et la peinture japonaise est désormais contrainte d'entrer dans une nouvelle étape de développement. À cette époque, des genres tels que le western et autres devenaient populaires dans le monde entier, de sorte que la modernisation de l’art est devenue une situation courante. Cependant, au Japon, un pays où tout le monde vénère les traditions, temps donné la situation était très différente de ce qui se passait dans d’autres pays. La concurrence entre techniciens européens et locaux est ici féroce.

Le gouvernement donne à ce stade la préférence aux jeunes artistes qui soumettent de grands espoirs pour améliorer les compétences dans les styles occidentaux. Alors ils les envoient dans des écoles en Europe et en Amérique.

Mais ce n’était qu’au début de la période. Le fait est que critiques célèbres assez critiqué art occidental. Pour éviter un grand émoi autour de cette question, les styles et techniques européens ont commencé à être interdits dans les expositions, leur présentation a cessé, tout comme leur popularité.

L'émergence des styles européens

Vient ensuite la période Taisho. A cette époque, les jeunes artistes partis étudier dans des écoles étrangères reviennent dans leur pays d'origine. Naturellement, ils apportent avec eux de nouveaux styles de peinture japonaise, très similaires aux peintures européennes. L'impressionnisme et le post-impressionnisme apparaissent.

À ce stade, de nombreuses écoles se forment dans lesquelles les anciens styles japonais font revivre. Mais il est impossible de se débarrasser complètement des tendances occidentales. Il faut donc combiner plusieurs techniques afin de plaire aussi bien aux amateurs de classiques qu'aux amateurs de peinture européenne moderne.

Certaines écoles sont financées par l'État, grâce auxquelles il est possible de préserver de nombreuses traditions nationales. Les propriétaires privés sont obligés de suivre l'exemple des consommateurs qui voulaient quelque chose de nouveau et qui en avaient assez des classiques.

Peinture de la Seconde Guerre mondiale

Après le début de la guerre, la peinture japonaise reste quelque temps à l’écart des événements. Il s'est développé séparément et indépendamment. Mais cela ne pouvait pas durer éternellement.

Au fil du temps, quand situation politique Alors que la situation empire dans le pays, des personnalités élevées et respectées attirent de nombreux artistes. Certains d'entre eux ont commencé à créer dans des styles patriotiques dès le début de la guerre. Les autres ne commencent ce processus que sur ordre des autorités.

En conséquence, les beaux-arts japonais n’ont pas pu se développer, notamment pendant la Seconde Guerre mondiale. Par conséquent, pour la peinture, cela peut être qualifié de stagnant.

Suibokuga éternel

La peinture japonaise sumi-e, ou suibokuga, signifie littéralement « peinture à l'encre ». Cela détermine le style et la technique de cet art. Il venait de Chine, mais les Japonais ont décidé de s’enapproprier ce modèle. Et au départ la technique n’avait aucun côté esthétique. Il était utilisé par les moines pour se perfectionner tout en étudiant le Zen. De plus, ils dessinaient d’abord des images, puis entraînaient leur concentration en les regardant. Les moines croyaient que les lignes strictes, les tons flous et les ombres - tout ce qu'on appelle monochrome - contribuaient à l'amélioration.

La peinture à l'encre japonaise, malgré la grande variété de peintures et de techniques, n'est pas aussi complexe qu'il y paraît à première vue. Il repose sur seulement 4 intrigues :

1. Chrysanthème.
2. Orchidée.
3. Branche de prunier.
4. Bambou.

Un petit nombre de parcelles ne permet pas de maîtriser la technique rapidement. Certains maîtres pensent que l’apprentissage dure toute la vie.

Malgré le fait que le sumi-e soit apparu il y a longtemps, il est toujours très demandé. De plus, on peut aujourd'hui rencontrer des maîtres de cette école non seulement au Japon, mais elle est répandue bien au-delà de ses frontières.

Période moderne

Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, l’art au Japon ne prospéra qu’en grandes villes, les villageois et les villageois avaient de quoi s'inquiéter. La plupart des artistes ont essayé de se détourner des pertes de la guerre et de représenter sur toile la vie urbaine moderne avec tous ses embellissements et ses caractéristiques. Les idées européennes et américaines furent adoptées avec succès, mais cet état de fait ne dura pas longtemps. De nombreux maîtres ont commencé à s'en éloigner progressivement vers les écoles japonaises.

Toujours resté à la mode. Par conséquent, la peinture japonaise moderne ne peut différer que par la technique d'exécution ou les matériaux utilisés dans le processus. Mais la plupart des artistes ne perçoivent pas bien les différentes innovations.

Il est impossible de ne pas mentionner la mode sous-cultures modernes, comme l'anime et des styles similaires. De nombreux artistes tentent de brouiller la frontière entre les classiques et ce qui est demandé aujourd'hui. Cet état de choses est dû en grande partie au commerce. Les classiques et les genres traditionnels ne s'achètent pratiquement pas, il n'est donc pas rentable de travailler en tant qu'artiste dans votre genre préféré, vous devez vous adapter à la mode.

Conclusion

Sans aucun doute, la peinture japonaise est un trésor d’art. Peut-être que le pays en question était le seul à ne pas suivre les tendances occidentales et à ne pas s'adapter à la mode. Malgré de nombreux coups durs lors de l'avènement des nouvelles techniques, les artistes japonais savaient encore défendre traditions nationales dans de nombreux genres. C'est probablement la raison pour laquelle les peintures réalisées dans des styles classiques sont aujourd'hui très appréciées dans les expositions.