Tableaux de l'artiste Tableaux de grands artistes

Citation du message Les peintures les plus célèbres et les plus significatives du monde pour l'histoire de l'art. | 33 chefs-d'œuvre de la peinture mondiale.

Sous les photos des artistes auxquels ils appartiennent se trouvent des liens vers les publications.

Les peintures immortelles de grands artistes sont admirées par des millions de personnes. L'art, classique et moderne, est l'une des sources d'inspiration, de goût et d'éducation culturelle les plus importantes de toute personne, et plus encore créative.
Mondial de célèbres tableaux certainement plus de 33. Il y en a plusieurs centaines, et tous ne rentreraient pas dans une seule revue. Par conséquent, pour faciliter la visualisation, nous avons sélectionné plusieurs peintures les plus importantes pour la culture mondiale et qui sont souvent copiées dans la publicité. Chaque œuvre est accompagnée fait intéressant, explication sens artistique ou l'histoire de sa création.

Conservé à la Galerie des Maîtres Anciens de Dresde.

La peinture a petit secret: L'arrière-plan, qui semble être des nuages ​​de loin, s'avère être des têtes d'anges en y regardant de plus près. Et les deux anges représentés sur l’image ci-dessous sont devenus le motif de nombreuses cartes postales et affiches.

Rembrandt "La Ronde de nuit" 1642
Conservé au Rijksmuseum d'Amsterdam.

Le véritable titre du tableau de Rembrandt est « La représentation de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenburg ». Les historiens de l’art qui ont découvert le tableau au XIXe siècle pensaient que les personnages se détachaient sur un fond sombre, et il s’appelait « La Ronde de nuit ». Plus tard, on a découvert que image sombre crée une couche de suie, mais l'action se déroule en réalité pendant la journée. Cependant, le tableau a déjà été inclus dans le trésor de l'art mondial sous le nom de « Night Watch ».

Léonard de Vinci "La Cène" 1495-1498
Situé dans le monastère de Santa Maria delle Grazie à Milan.

Au cours des plus de 500 ans d'histoire de l'œuvre, la fresque a été détruite à plusieurs reprises : une porte a été percée à travers le tableau puis bloquée, le réfectoire du monastère où se trouve l'image a été utilisé comme armurerie, prison , et a été bombardé. La célèbre fresque a été restaurée au moins cinq fois, la dernière restauration ayant duré 21 ans. Aujourd'hui, pour voir l'art, les visiteurs doivent réserver leurs billets à l'avance et ne peuvent passer que 15 minutes au réfectoire.

Salvador Dali "La persistance de la mémoire" 1931

Selon l'auteur lui-même, le tableau a été peint à la suite d'associations nées chez Dali lorsqu'il a vu fromage fondu. De retour du cinéma où elle s'est rendue ce soir-là, Gala a prédit à juste titre que personne, après avoir vu La Persistance de la mémoire, ne l'oublierait.

Pieter Bruegel l'Ancien "Tour de Babel" 1563
Conservé au Kunsthistorisches Museum de Vienne.

Selon Bruegel, l'échec de la construction de la Tour de Babel n'était pas dû à ceux qui sont apparus soudainement selon le récit biblique. Barrière de la langue, mais des erreurs commises lors du processus de construction. À première vue, l'immense structure semble assez solide, mais après un examen plus approfondi, il est clair que tous les niveaux sont posés de manière inégale, que les étages inférieurs sont soit inachevés, soit déjà en train de s'effondrer, que le bâtiment lui-même penche vers la ville et que les perspectives de l'ensemble du projet est très triste.

Kazimir Malevitch « Carré Noir » 1915

Selon l'artiste, il a peint le tableau pendant plusieurs mois. Par la suite, Malevitch a réalisé plusieurs copies du « Carré Noir » (selon certaines sources, sept). Selon une version, l'artiste n'a pas pu terminer le travail sur le tableau en délai requis, il a donc dû recouvrir l'œuvre de peinture noire. Par la suite, après la reconnaissance publique, Malevitch a peint de nouveaux « Carrés noirs » sur des toiles vierges. Malevitch a également peint la « Place Rouge » (en deux exemplaires) et une « Place Blanche ».

Kuzma Sergueïevitch Petrov-Vodkine « Le bain du cheval rouge », 1912
Situé à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou.

Peint en 1912, le tableau s’avère visionnaire. Le cheval rouge agit comme le destin de la Russie ou de la Russie elle-même, que le jeune et fragile cavalier est incapable de tenir. Ainsi, l'artiste a symboliquement prédit avec son tableau le sort « rouge » de la Russie au XXe siècle.

Peter Paul Rubens "Le viol des filles de Leucippe" 1617-1618
Conservé à l'Alte Pinakothek de Munich.

Le tableau « Le viol des filles de Leucippe » est considéré comme la personnification de la passion virile et de la beauté physique. Les bras forts et musclés des jeunes hommes ramassent les jeunes femmes nues pour les monter à cheval. Les fils de Zeus et Léda volent les épouses de leurs cousins.

Paul Gauguin « D'où venons-nous ? Qui sommes nous? Où allons-nous?" 1898
Conservé au Musée des Beaux-Arts de Boston.

Selon Gauguin lui-même, le tableau doit être lu de droite à gauche : trois groupes principaux de personnages illustrent les questions posées dans le titre. Trois femmes avec un enfant représentent le début de la vie ; groupe intermédiaire symbolise l'existence quotidienne de la maturité; dans le dernier groupe, selon le plan de l'artiste, « la vieille femme, proche de la mort, semble réconciliée et livrée à ses pensées », à ses pieds « un étrange oiseau blanc... représente l'inutilité des mots ».

Eugène Delacroix "La Liberté guidant le peuple" 1830
Conservé au Louvre à Paris

Delacroix a créé un tableau basé sur la Révolution de Juillet de 1830 en France. Dans une lettre à son frère du 12 octobre 1830, Delacroix écrit : « Si je ne me suis pas battu pour ma Patrie, du moins j'écrirai pour elle. » Le torse nu d'une femme dirigeant le peuple symbolise le dévouement du peuple français de l'époque, torse nu contre l'ennemi.

Claude Monet "Impression. Soleil Levant" 1872
Conservé au Musée Marmottan à Paris.

Le titre de l'ouvrage « Impression, soleil levant », grâce à la main légère du journaliste L. Leroy, est devenu le nom direction artistique"impressionnisme". Le tableau a été peint d'après nature dans le vieux port du Havre en France.

Jan Vermeer "La Jeune Fille à la Boucle d'Oreille" 1665
Conservé à la Galerie Mauritshuis à La Haye.

L’une des peintures les plus célèbres de l’artiste néerlandais Jan Vermeer est souvent appelée la Joconde nordique ou hollandaise. On sait très peu de choses sur le tableau : il n’est pas daté et le nom de la jeune fille représentée est inconnu. En 2003, d'après le roman du même nom de Tracy Chevalier, le film a été tourné Long métrage«Fille à la perle», dans laquelle l'histoire de la création du tableau est hypothétiquement restituée dans le contexte de la biographie et la vie de famille Vermeer.

Ivan Aivazovsky "La Neuvième Vague" 1850
Conservé à Saint-Pétersbourg au Musée d'État russe.

Ivan Aivazovsky - mondialement connu artiste russe-mariniste qui a consacré sa vie à représenter la mer. Il a créé environ six mille œuvres, dont chacune a été reconnue de son vivant. Le tableau « La Neuvième Vague » est inclus dans le livre « 100 Great Paintings ».

Andreï Roublev « La Trinité » 1425-1427

L'icône de la Sainte Trinité, peinte par Andrei Rublev au XVe siècle, est l'une des icônes russes les plus célèbres. L'icône est un tableau au format vertical. Les rois (Ivan le Terrible, Boris Godounov, Mikhaïl Fedorovitch) « ont recouvert » l'icône d'or, d'argent et de pierres précieuses. Aujourd'hui, le salaire est conservé dans la réserve-musée d'État de Sergiev Posad.

Mikhaïl Vroubel « Démon assis » 1890
Conservé à la Galerie Tretiakov à Moscou.

L’intrigue du film est inspirée du poème de Lermontov « Le Démon ». Démon - image du pouvoir esprit humain, lutte interne, doutes. Joignant tragiquement ses mains, le Démon est assis avec de grands yeux tristes dirigés au loin, entouré de fleurs sans précédent.

William Blake "Le Grand Architecte" 1794
Conservé au British Museum de Londres.

Le titre du tableau « L’Ancien des jours » se traduit littéralement de l’anglais par « Ancien des jours ». Cette expression était utilisée comme nom de Dieu. Personnage principal Les peintures montrent Dieu au moment de la création, qui n'établit pas d'ordre, mais limite la liberté et dénote les limites de l'imagination.

Edouard Manet "Bar aux Folies Bergère" 1882
Conservé au Courtauld Institute of Art de Londres.

Les Folies Bergère sont un spectacle de variétés et cabaret à Paris. Manet visite souvent les Folies Bergère et finit par peindre ce tableau, son dernier avant sa mort en 1883. Derrière le bar, au milieu d'une foule qui boit, mange, discute et fume, une barmaid se tient absorbée dans ses propres pensées, regardant l'acrobate trapéziste, que l'on aperçoit dans le coin supérieur gauche de l'image.

Titien « Amour terrestre et amour céleste » 1515-1516
Conservé à la Galerie Borghèse à Rome.

Il est à noter que le nom moderne du tableau n'a pas été donné par l'artiste lui-même, mais n'a commencé à être utilisé que deux siècles plus tard. Jusqu'à cette époque, le tableau avait divers noms: « La beauté embellie et sans fioritures » (1613), « Trois types d'amour » (1650), « Femmes divines et laïques » (1700) et enfin « Amour terrestre et amour céleste » (1792 et 1833).

Mikhaïl Nesterov « Vision du jeune Barthélemy » 1889-1890
Conservé à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou.

La première et la plus importante œuvre du cycle dédié à Serge de Radonezh. Jusqu'à la fin de ses jours, l'artiste était convaincu que « La Vision du jeune Barthélemy » était sa meilleure œuvre. Dans ses vieux jours, l’artiste aimait répéter : « Ce n’est pas moi qui vivrai. « Le Jeune Barthélemy » vivra. Maintenant, si trente ou cinquante ans après ma mort, il dit encore quelque chose aux gens, cela signifie qu’il est vivant, et cela signifie que je suis vivant.

Pieter Bruegel l'Ancien "Parabole des aveugles" 1568
Conservé au Musée Capodimonte de Naples.

Les autres titres du tableau sont « Les aveugles », « Parabole des aveugles », « Les aveugles guidant les aveugles ». On pense que l’intrigue du film est basée sur la parabole biblique des aveugles : « Si un aveugle conduit un aveugle, ils tomberont tous les deux dans une fosse. »

Victor Vasnetsov "Alyonouchka" 1881
Conservé à la Galerie nationale Tretiakov.

Il est basé sur le conte de fées « À propos de sœur Alyonouchka et de frère Ivanouchka ». Initialement, le tableau de Vasnetsov s’appelait « Le fou Alyonushka ». À cette époque, les orphelins étaient traités de « fous ». « Alyonushka », a déclaré plus tard l'artiste lui-même, « semblait avoir vécu dans ma tête depuis longtemps, mais en réalité, je l'ai vue à Akhtyrka, lorsque j'ai rencontré une fille aux cheveux simples qui a captivé mon imagination. Il y avait tant de mélancolie, de solitude et de tristesse purement russe dans ses yeux... Un esprit russe particulier émanait d'elle.

Vincent van Gogh "Nuit étoilée" 1889
Conservé au Museum of Modern Art de New York.

Contrairement à la plupart des tableaux de l’artiste, « Nuit étoilée"a été écrit de mémoire. Van Gogh était alors à l'hôpital de Saint-Rémy, tourmenté par des crises de folie.

Karl Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » 1830-1833
Conservé au Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg.

Le tableau représente la célèbre éruption du Vésuve en 79 après JC. e. et la destruction de la ville de Pompéi près de Naples. L'image de l'artiste dans le coin gauche du tableau est un autoportrait de l'auteur.

Pablo Picasso « Fille au bal » 1905
Conservé au Musée Pouchkine, Moscou

Le tableau est arrivé en Russie grâce à l'industriel Ivan Abramovitch Morozov, qui l'a acheté en 1913 pour 16 000 francs. En 1918, la collection personnelle de I. A. Morozov est nationalisée. DANS actuellement le tableau est dans la collection Musée d'État beaux-Arts nommé d'après A.S. Pouchkine.

Léonard de Vinci "Madonna Litta" 1491

Conservé à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Le titre original du tableau était « Madonna and Child ». Nom moderne le tableau vient du nom de son propriétaire - le comte Litt, propriétaire de la famille galerie d'artà Milan. On suppose que la figure du bébé n'a pas été peinte par Léonard de Vinci, mais appartient au pinceau de l'un de ses élèves. En témoigne la pose du bébé, inhabituelle pour le style de l'auteur.

Jean Ingres « Bains turcs » 1862
Conservé au Louvre à Paris.

Ingres a fini de peindre ce tableau alors qu'il avait déjà plus de 80 ans. Avec ce tableau, l'artiste résume l'image des baigneurs, dont le thème est présent depuis longtemps dans son œuvre. Initialement, la toile avait la forme d'un carré, mais un an après son achèvement, l'artiste l'a transformée en une peinture ronde - un tondo.

Ivan Chichkine, Konstantin Savitsky « Matin dans une forêt de pins » 1889
Conservé à la Galerie Tretiakov à Moscou

« Matin dans une forêt de pins » est un tableau des artistes russes Ivan Shishkin et Konstantin Savitsky. Savitsky a peint les ours, mais le collectionneur Pavel Tretiakov, lorsqu'il a acquis le tableau, a effacé sa signature, de sorte que seul Shishkin est indiqué comme l'auteur du tableau.

Mikhaïl Vroubel « La princesse cygne », 1900
Conservé à la Galerie nationale Tretiakov

Le tableau est basé sur l’image scénique de l’héroïne de l’opéra « Le Conte du tsar Saltan » de N. A. Rimsky-Korsakov, basé sur l’intrigue du conte de fées du même nom de A. S. Pouchkine. Vroubel a créé des croquis pour les décors et les costumes de la première de l'opéra en 1900, et sa femme a chanté le rôle de la princesse cygne.

Giuseppe Arcimboldo "Portrait de l'empereur Rodolphe II en Vertumne" 1590
Situé dans le château de Skokloster à Stockholm.

L'une des rares œuvres survivantes de l'artiste, qui a composé des portraits à partir de fruits, légumes, fleurs, crustacés, poissons, perles, instruments de musique et autres, livres, etc. "Vertumnus" est un portrait de l'empereur, représenté comme l'ancien dieu romain des saisons, de la végétation et de la transformation. Sur la photo, Rudolph est entièrement composé de fruits, de fleurs et de légumes.

Edgar Degas "Danseuses bleues" 1897
Situé au Musée d'Art. A. S. Pouchkine à Moscou.

La Joconde n'aurait peut-être pas acquis une renommée mondiale si elle n'avait pas été volée en 1911 par un employé du Louvre. Le tableau a été retrouvé deux ans plus tard en Italie : le voleur a répondu à une annonce dans le journal et a proposé de vendre « Gioconda » au directeur de la Galerie des Offices. Pendant tout ce temps, alors que l'enquête était en cours, la « Joconde » n'a pas quitté les couvertures des journaux et magazines du monde entier, devenant un objet de copie et de culte.

Sandro Botticelli "Naissance de Vénus" 1486
Conservé à Florence dans la Galerie des Offices

Le tableau illustre le mythe de la naissance d'Aphrodite. Une déesse nue nage jusqu'au rivage dans une coquille ouverte, poussée par le vent. Sur le côté gauche du tableau, Zéphyr (le vent d'ouest), dans les bras de son épouse Chloris, souffle sur un coquillage, créant un vent rempli de fleurs. Sur le rivage, la déesse rencontre l'une des grâces. La Naissance de Vénus est bien conservée grâce au fait que Botticelli a appliqué une couche protectrice de jaune d'œuf sur le tableau.

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De nombreuses personnes intéressées par la peinture sont obligées d'abandonner cette activité, car il n'est pas facile de se faire connaître et de devenir un artiste célèbre et recherché. Et pourtant certains y sont parvenus. Découvrez quels artistes sont les plus célèbres.

Les artistes les plus célèbres

Ainsi, le top 10 des artistes les plus célèbres au monde :

J'ai commencé à dessiner par hasard et loin de mon enfance. À l'âge de 20 ans, Henri subit une intervention chirurgicale pour l'enlever et sa mère lui achète de la peinture et du papier. Matisse a d'abord copié des cartes postales en couleur, puis s'est tellement intéressé au dessin qu'il a même décidé de devenir artiste professionnel.

Malgré les protestations de son père, Henri entreprend des études de peinture. Le style de peinture de Matisse était très inhabituel et similaire à l'impressionnisme. Henri a d'abord copié les œuvres de maîtres étrangers, puis a commencé à créer ses propres chefs-d'œuvre. Les œuvres les plus célèbres d'Henri Matisse sont « Danse parisienne », « Joie de vivre », « Conversation », « Portrait de famille », « Chambre Rouge ».

D'ailleurs, Matisse a même ouvert sa propre école de peinture. Aujourd'hui, ses peintures sont conservées meilleurs musées et font partie des collections des personnes les plus riches.

C'était un adolescent difficile et pendant les cours, au lieu de terminer ses devoirs, il peignait les couvertures de ses cahiers avec des portraits amusants de ses camarades de classe et de ses professeurs. Bientôt, de nombreuses personnes ont découvert le talent de Claude et il est devenu un dessinateur très célèbre dans sa ville et a ensuite commencé à gagner de l'argent pour son travail. Mais ensuite Monet rencontre un paysagiste expérimenté qui commence à lui enseigner.

Et c'est seulement alors que Claude est tombé amoureux de la nature et a appris à la ressentir. Le gars a exprimé ses émotions dans des dessins, qui sont ensuite devenus si populaires qu'ils font aujourd'hui partie des meilleures collections de peintures. Les œuvres les plus célèbres : « Coucher de soleil sur la mer », « Tournesols », « Tulipes de Hollande », « Au bord de la mer », « Route dans la forêt », « Nature morte à la viande ».

Aujourd'hui, tout le monde connaît son nom, comme la plupart meilleures œuvres, dont « Girl on a Ball », « Life », « Bathers », « Les Demoiselles d’Avignon » et bien d’autres. Et son tableau « Nu, feuilles vertes et buste » est devenu le tableau le plus cher jamais vendu.

Picasso était artiste talentueux, graphiste, designer, céramiste, mais aussi décorateur et sculpteur. Il est le fondateur du cubisme. De plus, Picasso a contribué énorme contribution Dans le développement de l’art du siècle dernier, il n’aurait probablement pas été pareil sans cet homme.

Au total, Pablo a réalisé environ 20 000 œuvres au cours de sa vie, chacune étant unique et irremplaçable. Picasso a commencé à dessiner dès son plus jeune âge et a pris ses premiers cours de peinture auprès de son père, qui était professeur d'art (plus tard Pablo lui-même a occupé ce poste). Et le jeune Picasso s'est inspiré des contes de fées que sa mère inventait elle-même et racontait à son fils le soir.

4. Vincent Van Gogh est un artiste post-impressionniste néerlandais qui a créé de nombreuses œuvres étonnantes et inhabituelles. Vincent était un adolescent difficile, mais aux yeux des étrangers, il semblait réfléchi et sérieux. Van Gogh a commencé à dessiner plus tard, lorsqu'il a commencé à travailler dans une entreprise d'art et de commerce.

Chaque jour, Vincent côtoyait des œuvres d'art et apprenait ainsi à les apprécier. Après une histoire d'amour infructueuse, les affaires du jeune marchand de Van Gogh ont commencé à se détériorer et, à un moment donné, il a décidé de s'essayer à la peinture. Mais Vincent devait quand même gagner sa vie, même s'il n'aimait pas ce travail. Après plusieurs échecs, Van Gogh décide de se consacrer entièrement à la peinture et offre au monde de nombreux chefs-d'œuvre.

- artiste d'origine arménienne (son vrai nom est Hovhannes). Dès l'enfance, Ivan a montré des signes de Compétences créatives, il a même appris à jouer du violon en autodidacte. Aivazovsky dessinait également magnifiquement et développait constamment ses capacités.

Ivan appréciait et idolâtrait particulièrement la mer, c'est pourquoi ses œuvres sont dominées par de magnifiques paysages marins, qui représentent des tempêtes, des naufrages, des vagues et des profondeurs. Les tableaux les plus célèbres de l'artiste sont « La Neuvième Vague », « Venise », « Chaos », « Naufrage du Navire », « Montagnes de glace", " Vague ", " Mer Noire ".

- un artiste qui fut pratiquement le découvreur des beautés de la nature russe. Il aimait tout : les arbres, chaque brin d'herbe, le ciel, les gouttes de rosée, les fleurs. Et cet amour est clairement visible dans les tableaux, dont chacun est un véritable chef-d'œuvre.

Ses paysages ont prouvé à tous que la Russie n'est pas un pays gris et ennuyeux, comme on le pensait auparavant, mais un endroit incroyablement beau. Voici quelques-uns des plus oeuvres célébres artiste : « Evening Bells », « March », « Automne doré" À propos, bon nombre de ses paysages sont encore utilisés comme illustrations et publiés dans des manuels scolaires.

est un artiste véritablement unique et légendaire qui a changé la vision de la société sur la peinture. Particularité Les œuvres de Pollock ressemblaient peu aux peintures. On dirait peut-être que quelqu'un a renversé de la peinture sur le papier, mais en y regardant de plus près, vous pouvez voir quelque chose de mystérieux et de profond.

Et Jackson lui-même était complètement immergé dans le processus et exprimait ses émotions à travers la toile. Il posait du papier sur le sol et utilisait du verre brisé, de la peinture liquide, des pelles, des couteaux et des bâtons pour dessiner. Les œuvres les plus célèbres de Pollock sont "Numéro 5" (c'est la plus peinture chère artiste), « Moon Woman Cutting a Circle » et « She-Wolf ».

Connu pour avoir peint des portraits de personnalités les plus célèbres. Mais ce n’est pas pour rien que les stars se tournent vers Nikas, il est très talentueux. Safronov est né dans une famille simple et a tout réalisé tout seul. De plus, c'est l'un des rares artistes à avoir réussi à devenir célèbre de son vivant. La liste des œuvres de Nikas comprend des portraits de célébrités telles que Mike Tyson, Sophia Loren, Mick Jagger, Julio Iglesias, Elton John, Sting, Steven Spielberg, Jack Nicholson et bien d'autres.

– peut-être la personne la plus emblématique et la plus importante de l’histoire du pop art. Andy a commencé à dessiner quand il était enfant. Il illustre d'abord des magazines, mais décide ensuite de créer travail indépendant, s'inspirant de la nourriture, des boissons et d'autres biens de consommation.

Il a peint des conserves, des fruits, boissons alcoolisées. Mais tous les tableaux se distinguaient par une manière particulière d'exécution. Les dessins étaient si excentriques et si brillants qu’ils ne pouvaient tout simplement pas être ignorés.

– maître de peinture figurative et artiste expressionniste. Le thème principal de ses œuvres est corps humain. Mais François peignait habituellement des corps allongés, déformés, enfermés dans des figures ou des objets. Les œuvres les plus célèbres de Bacon sont « L'Homme endormi », « La Femme », le triptyque « La Crucifixion », ainsi que « Trois esquisses pour un portrait de Lucian Freud ».

Ce furent les artistes les plus célèbres de tous les temps.

Parmi les artistes russes, il existe de nombreuses personnalités talentueuses. Leur travail est très apprécié dans le monde entier et constitue un digne concurrent de maîtres mondiaux tels que Rubens, Michel-Ange, Van Gogh et Picasso. Dans cet article, nous avons rassemblé 10 des artistes russes les plus célèbres.

1. Ivan Aïvazovski

Ivan Aivazovsky est l'un des artistes russes les plus célèbres. Il est né à Feodosia. Dès son enfance, Aivazovsky a montré ses incroyables capacités créatives : il aimait dessiner et a appris à jouer du violon tout seul.

A 12 ans jeune talent a commencé à étudier à Simferopol à l'Académie de peinture. Ici, il a appris à copier des gravures et à peindre des tableaux d'après nature. Un an plus tard, il parvient à entrer à l'Académie impériale de Saint-Pétersbourg, même s'il n'a pas encore atteint l'âge de 14 ans.

Pendant longtemps, l'artiste a voyagé à travers l'Europe et a vécu en Italie, où ses peintures étaient également reconnues. Ainsi, le jeune artiste de Feodosia est devenu un homme assez célèbre et riche.

Plus tard, Aivazovsky retourna dans son pays natal, où il reçut l'uniforme du ministère de la Marine et le titre d'académicien. L'artiste s'est également rendu en Égypte et a été présent à l'ouverture du nouveau canal de Suez. L'artiste a décrit toutes ses impressions dans des peintures. À cette époque, il avait déjà développé son propre style et sa capacité à écrire de mémoire. Éléments complexes Aivazovsky a rapidement dessiné dans un cahier afin de les transférer ensuite sur toile. Ses peintures « Odessa », « La Neuvième Vague » et « La Mer Noire » lui ont valu une renommée mondiale.

L'artiste a passé les dernières années de sa vie à Feodosia, où il s'est construit une maison de style italien. Un peu plus tard, Aivazovsky y ajouta une petite galerie afin que chacun puisse profiter librement de ses étonnantes peintures et se noyer dans l'océan de couleurs. Aujourd'hui, ce manoir sert toujours de musée et de nombreux visiteurs viennent ici chaque jour pour voir de leurs propres yeux le talent du peintre de marine, qui a vécu une vie longue et heureuse.

2. Viktor Vasnetsov

La liste des artistes russes les plus célèbres se poursuit avec Viktor Vasnetsov. Il est né au printemps 1848 dans la famille d'un prêtre du petit village de Lopyal. Son envie de peindre s'est réveillée de façon très jeune âge, mais ses parents n'ont pas pu lui donner une éducation adéquate faute d'argent. Ainsi, à l'âge de 10 ans, Victor a commencé à étudier dans un séminaire théologique gratuit.

En 1866, pratiquement sans argent, il part pour Saint-Pétersbourg. Vasnetsov a facilement réussi l'examen d'entrée et est entré à l'Académie des Arts. C'est là que son amitié a commencé avec artiste célèbre Repin, avec qui il se rendit plus tard à Paris. De retour à Saint-Pétersbourg, Vasnetsov a commencé à peindre ses tableaux les plus célèbres : « Trois héros », « Fille des neiges » et « Dieu des armées ».

L'artiste n'a pu révéler pleinement son talent qu'après avoir déménagé à Moscou. Ici, il se sent bien et à l'aise, et chaque photo suivante s'avère meilleure que la précédente. C'est à Moscou que Vasnetsov a peint des tableaux tels que « Alyonushka », « Ivan Tsarévitch et Loup gris" et "Nestor le Chroniqueur".

3. Karl Brioullov

Ce célèbre artiste russe est né en 1799. Le père de Karl était peintre célèbre et professeur à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg. Le sort du garçon était donc prédéterminé à l’avance. Heureusement, Karl Bryullov a réussi à hériter du talent d'artiste de son père.

L'étude a été un succès à un jeune artiste très facile. Il était plusieurs fois supérieur au reste des étudiants de sa classe et est diplômé de l'Académie des Arts avec mention. Après cela, Karl partit voyager à travers l'Europe, s'arrêtant longtemps uniquement en Italie. C'est ici qu'il a créé son chef-d'œuvre, « Le dernier jour de Pompéi », après avoir passé environ six ans à l'écrire.

À son retour à Saint-Pétersbourg, la renommée et la gloire attendaient Karl Bryullov. Ils étaient heureux de le voir partout et admiraient certainement ses nouvelles peintures. Durant cette période, l'artiste réalise plusieurs de ses toiles immortelles : « Cavalière », « Siège de Pskov », « Narcisse » et d'autres.

4. Ivan Chichkine

Ivan Shishkin est l'un des paysagistes russes les plus célèbres qui, dans ses peintures, pouvait présenter n'importe quel paysage discret sous le jour le plus favorable. Il semble que la nature elle-même joue sur les toiles de cet artiste aux couleurs vivantes.

Ivan Shishkin est né en 1832 à Elabuga, qui appartient aujourd'hui au Tatarstan. Le père voulait que son fils occupe éventuellement le poste de fonctionnaire de la ville, mais Ivan s'est tourné vers le dessin. À l’âge de 20 ans, il part à Moscou pour étudier la peinture. Après avoir obtenu son diplôme de l'École des Arts de Moscou, Shishkin entre à l'Académie impériale de Saint-Pétersbourg.

Plus tard, il voyagea longtemps à travers l’Europe, dessinant des paysages étonnants. A cette époque, il réalise le tableau «Vue dans les environs de Düsseldorf», qui lui vaut une grande renommée. De retour en Russie, Shishkin continue de créer avec une énergie renouvelée. Selon lui, la nature russe est plusieurs centaines de fois supérieure aux paysages européens.

Ivan Shishkin a peint de nombreux tableaux époustouflants au cours de sa vie : « Matin dans une forêt de pins », « Première neige », « Forêt de pins » et d'autres. Même la mort a rattrapé ce peintre juste derrière son chevalet.

5. Isaac Lévitan

Ce grand maître russe du paysage est né en Lituanie, mais a vécu toute sa vie en Russie. Son origine juive lui a valu à maintes reprises de nombreuses humiliations, mais ne l'a jamais contraint à quitter ce pays qu'il idolâtrait et louait dans ses peintures.

Les premiers paysages de Levitan ont déjà reçu des notes élevées de la part de Perov et Savrasov, et Tretiakov lui-même a même acheté son tableau « Jour d'automne à Sokolniki ». Mais en 1879, Isaac Levitan et tous les Juifs furent expulsés de Moscou. Ce n'est que grâce aux énormes efforts de ses amis et de ses professeurs qu'il parvient à retourner en ville.

Dans les années 1880, l’artiste peint de nombreux tableaux époustouflants qui le rendent très célèbre. C'étaient « Pins », « Automne » et « Première neige ». Mais de nouvelles humiliations ont contraint l’auteur à quitter à nouveau Moscou et à se rendre en Crimée. Sur la péninsule, l'artiste peint de nombreuses œuvres étonnantes et améliore considérablement son condition financière. Cela lui permet de voyager à travers l'Europe et de se familiariser avec le travail des maîtres du monde. Le summum de la créativité de Levitan était sa peinture « Au-dessus de la paix éternelle ».

6. Vasily Tropinine

Le grand portraitiste russe Vasily Tropinin a connu un destin incroyable. Il est né dans la famille des serfs du comte Markov en 1780 et n'a reçu le droit d'être un homme libre qu'à l'âge de 47 ans. Même enfant, le petit Vasily montrait un penchant pour le dessin, mais le comte l'envoya étudier pour devenir pâtissier. Plus tard, il est néanmoins envoyé à l'Académie Impériale, où il montre son talent dans toute sa beauté. Pour ses portraits « La Dentellière » et « Le Vieux Mendiant », Vasily Tropinin a reçu le titre d'académicien.

7. Petrov-Vodkine Kuzma

Le célèbre artiste russe Petrov-Vodkin a réussi à laisser derrière lui un riche héritage dans la peinture mondiale. Il est né en 1878 à Khvalynsk et dans sa premières années allait devenir cheminot. Cependant, le destin a fait de lui un peintre de renommée mondiale.

8. Alexeï Savrasov

Les tableaux de cet artiste russe se vendaient déjà bien alors qu’il avait à peine 12 ans. Un peu plus tard, il entre à l'École de peinture de Moscou et devient instantanément l'un des meilleurs étudiants. Un voyage en Ukraine a aidé Savrasov à obtenir son diplôme universitaire plus tôt que prévu et à recevoir le titre d'artiste.

Les tableaux « Pierre dans la forêt » et « Kremlin de Moscou » ont fait de ce peintre un académicien à 24 ans ! Intéressé par les jeunes talents famille royale, et Tretiakov lui-même achète plusieurs de ses œuvres pour expositions internationales. Parmi eux figuraient "Winter", "The Rooks Have Arrived", "Rasputitsa" et d'autres.

La mort de deux filles et le divorce qui a suivi affectent grandement Savrasov. Il boit beaucoup et meurt bientôt dans un hôpital pour pauvres.

9. Andreï Roublev

Andrei Rublev est le peintre d'icônes russe le plus célèbre. Il est né au XVe siècle et a laissé derrière lui un grand héritage sous la forme des icônes « Trinité », « Annonciation », « Baptême du Seigneur ». Andrei Rublev, avec Daniil Cherny, a décoré de nombreuses églises de fresques et a également peint des icônes pour les iconostases.

10. Mikhaïl Vroubel

Notre liste des artistes russes les plus célèbres se termine par Mikhaïl Vroubel, qui au cours de sa vie a créé de nombreux chefs-d'œuvre dans divers sujets. Il a peint le temple de Kiev et, plus tard, à Moscou, il a commencé à créer sa célèbre série de peintures « démoniaques ». Les pérégrinations créatrices de cet artiste n'ont pas trouvé une bonne compréhension parmi ses contemporains. Ce n’est que plusieurs décennies après la mort de Mikhaïl Vroubel que les historiens de l’art lui ont rendu hommage et que l’Église a souscrit à ses interprétations des événements bibliques.

Malheureusement, la vie personnelle de l’artiste l’a amené à développer une forme sévère de les troubles mentaux. Le titre d'académicien l'a rattrapé dans un hôpital psychiatrique, dont il n'était jamais destiné à sortir. Néanmoins, Mikhail Vrubel a réussi à créer beaucoup des œuvres étonnantes un art digne d’une véritable admiration. Parmi eux, les tableaux « Démon assis », « La princesse cygne » et « Faust » méritent d'être soulignés.

Dans presque tous les travail important l'art est un mystère, un « double fond » ou histoire secrète, que je veux révéler.

Musique sur les fesses

Jérôme Bosch, "Le Jardin" plaisirs terrestres", 1500-1510.

Fragment d'une partie d'un triptyque

Des différends sur les significations et significations cachéesœuvre la plus célèbre artiste néerlandais n'ont pas diminué depuis son apparition. L'aile droite du triptyque intitulée « L'Enfer Musical » représente des pécheurs qui sont torturés dans le monde souterrain avec l'aide de instruments de musique. L’un d’eux a des notes de musique gravées sur les fesses. Amelia Hamrick, étudiante à l'université chrétienne d'Oklahoma, qui a étudié le tableau, a traduit la notation du XVIe siècle en une touche moderne et a enregistré « une chanson de l'enfer vieille de 500 ans ».

Mona Lisa nue

La célèbre "La Gioconda" existe en deux versions : la version nue s'appelle "Monna Vanna", elle a été peinte par l'artiste peu connu Salai, qui fut l'élève et le modèle du grand Léonard de Vinci. De nombreux historiens de l'art sont convaincus que c'est lui qui a été le modèle des tableaux de Léonard « Jean-Baptiste » et « Bacchus ». Il existe également des versions selon lesquelles Salai, vêtue d'une robe de femme, était l'image de Mona Lisa elle-même.

Vieux pêcheur

En 1902, l'artiste hongrois Tivadar Kostka Csontvary peint le tableau « Le vieux pêcheur ». Il semblerait qu’il n’y ait rien d’inhabituel dans l’image, mais Tivadar y a mis un sous-texte qui n’a jamais été révélé du vivant de l’artiste.

Peu de gens ont pensé à placer un miroir au milieu du tableau. Chaque personne peut être comme Dieu (dupliqué épaule droite Le vieil homme) et le Diable (l'épaule gauche du vieil homme est dupliquée).

Y avait-il une baleine ?

Hendrik van Antonissen, Scène du rivage.

Cela ressemblerait à un paysage ordinaire. Des bateaux, des gens sur le rivage et une mer déserte. Et seule une étude aux rayons X a montré que les gens se sont rassemblés sur le rivage pour une raison - dans l'original, ils regardaient la carcasse d'une baleine échouée sur le rivage.

Cependant, l’artiste a décidé que personne ne voudrait regarder une baleine morte et a réécrit le tableau.

Deux "Petits déjeuners sur l'herbe"

Edouard Manet, "Déjeuner sur l'herbe", 1863.

Claude Monet, "Déjeuner sur l'herbe", 1865.

Les artistes Edouard Manet et Claude Monet sont parfois confondus : après tout, ils étaient tous deux français, vivaient à la même époque et travaillaient dans le style de l'impressionnisme. Monet a même emprunté le titre de l’un des tableaux les plus célèbres de Manet, « Déjeuner sur l’herbe », et a écrit son propre « Déjeuner sur l’herbe ».

Doubles à la Cène

Léonard de Vinci, "La Cène", 1495-1498.

Quand Léonard de Vinci écrivait « Dernière Cène", a-t-il joint sens spécial deux personnages : le Christ et Judas. Il a passé très longtemps à chercher des modèles pour eux. Finalement, il réussit à trouver un modèle à l'image du Christ parmi les jeunes chanteurs. Léonard n'a pas pu trouver de modèle pour Judas pendant trois ans. Mais un jour, il croisa dans la rue un ivrogne qui gisait dans un caniveau. C'était un jeune homme vieilli par une forte consommation d'alcool. Léonard l'a invité dans une taverne, où il a immédiatement commencé à peindre Judas. Lorsque l'ivrogne reprit ses esprits, il dit à l'artiste qu'il avait déjà posé pour lui une fois. Il y a plusieurs années, alors qu'il chantait dans la chorale de l'église, Léonard a peint le Christ d'après lui.

"Veille de nuit" ou "Veille de jour" ?

Rembrandt, "La Ronde de nuit", 1642.

L’un des tableaux les plus célèbres de Rembrandt, « La représentation de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenburg », a été accroché dans différentes pièces pendant environ deux cents ans et n’a été découvert par les historiens de l’art qu’au XIXe siècle. Comme les personnages semblaient apparaître sur un fond sombre, on l'appelait « Night Watch » et, sous ce nom, elle entra dans le trésor de l'art mondial.

Et ce n'est que lors de la restauration réalisée en 1947 qu'on découvrit que dans la salle le tableau avait réussi à se recouvrir d'une couche de suie, ce qui déformait sa couleur. Après avoir effacé le tableau original, il a finalement été révélé que la scène représentée par Rembrandt se déroulait réellement de jour. La position de l'ombre de la main gauche du capitaine Kok montre que la durée de l'action ne dépasse pas 14 heures.

Bateau renversé

Henri Matisse, "Le Bateau", 1937.

Le tableau "Le Bateau" d'Henri Matisse a été exposé au Musée d'Art Moderne de New York en 1961. Ce n’est qu’après 47 jours que quelqu’un a remarqué que le tableau était suspendu à l’envers. La toile représente 10 lignes violettes et deux voiles bleues sur fond blanc. L'artiste a peint deux voiles pour une raison : la deuxième voile est le reflet de la première à la surface de l'eau.
Afin de ne pas vous tromper sur la façon dont l'image doit être accrochée, vous devez faire attention aux détails. La plus grande voile doit être en haut du tableau et le sommet de la voile du tableau doit être vers le coin supérieur droit.

Tromperie dans l'autoportrait

Vincent van Gogh, "Autoportrait à la pipe", 1889.

Il existe des légendes selon lesquelles Van Gogh se serait coupé l'oreille. Aujourd'hui, la version la plus fiable est que Van Gogh s'est blessé à l'oreille lors d'une petite bagarre impliquant un autre artiste, Paul Gauguin.

L'autoportrait est intéressant car il reflète la réalité sous une forme déformée : l'artiste est représenté avec l'oreille droite bandée car il utilisait un miroir pour travailler. En fait, c’est l’oreille gauche qui a été touchée.

Ours extraterrestres

Ivan Chichkine, "Matin forêt de pins", 1889.

Le célèbre tableau n'appartient pas seulement à Shishkin. De nombreux artistes amis les uns avec les autres recouraient souvent à « l'aide d'un ami », et Ivan Ivanovitch, qui a peint des paysages toute sa vie, craignait que ses ours touchants ne se révèlent pas comme il le souhaitait. Par conséquent, Shishkin s'est tourné vers son ami, l'artiste animalier Konstantin Savitsky.

Savitsky a peint peut-être les meilleurs ours de l'histoire de la peinture russe, et Tretiakov a ordonné que son nom soit effacé de la toile, car tout dans le tableau « du concept à l'exécution, tout parle de la manière de peindre, de méthode créative, caractéristique de Chichkine."

L'histoire innocente du "Gothique"

Grant Wood, " gothique americain", 1930.

L'œuvre de Grant Wood est considérée comme l'une des plus étranges et déprimantes de l'histoire de la peinture américaine. La photo avec le père et la fille sombres est remplie de détails qui indiquent la sévérité, le puritanisme et le caractère rétrograde des personnes représentées.
En fait, l'artiste n'avait pas l'intention de représenter des horreurs : lors d'un voyage dans l'Iowa, il remarqua une petite maison à style gothique et a décidé de représenter ces personnes qui, à son avis, seraient idéales en tant qu'habitants. La sœur de Grant et son dentiste sont immortalisés comme les personnages par lesquels les Iowans ont été si offensés.

La vengeance de Salvador Dali

Le tableau "Figure à la fenêtre" a été peint en 1925, alors que Dali avait 21 ans. A cette époque, Gala n’était pas encore entrée dans la vie de l’artiste et sa muse était sa sœur Ana Maria. La relation entre frère et sœur s'est détériorée lorsqu'il a écrit dans l'un de ses tableaux : « Parfois je crache sur le portrait de ma propre mère, et cela me fait plaisir ». Ana Maria ne pouvait pas pardonner un comportement aussi choquant.

Dans son livre de 1949, Salvador Dali à travers les yeux d'une sœur, elle parle de son frère sans aucun éloge. Le livre a rendu Salvador furieux. Pendant encore dix ans, il se souvint d'elle avec colère à chaque occasion. C’est ainsi qu’en 1954 paraît le tableau « Une jeune vierge se livrant au péché de sodomie à l’aide des cornes de sa propre chasteté ». La pose de la femme, ses boucles, le paysage devant la fenêtre et la palette de couleurs du tableau font clairement écho à « Figure at the Window ». Il existe une version selon laquelle Dali s'est vengé de sa sœur pour son livre.

Danaé aux deux visages

Rembrandt Harmens van Rijn, "Danaé", 1636-1647.

De nombreux secrets de l'une des peintures les plus célèbres de Rembrandt n'ont été révélés que dans les années 60 du XXe siècle, lorsque la toile a été éclairée aux rayons X. Par exemple, le tournage a montré que dans une première version, le visage de la princesse, qui avait noué une histoire d’amour avec Zeus, ressemblait à celui de Saskia, l’épouse du peintre, décédée en 1642. Dans la version finale du tableau, il commençait à ressembler au visage de Gertje Dirks, la maîtresse de Rembrandt, avec qui l’artiste vivait après la mort de sa femme.

La chambre jaune de Van Gogh

Vincent Van Gogh, "Chambre à Arles", 1888 - 1889.

En mai 1888, Van Gogh acquiert un petit atelier à Arles, dans le sud de la France, où il fuit les artistes et critiques parisiens qui ne le comprennent pas. Dans l'une des quatre pièces, Vincent aménage une chambre. En octobre, tout est prêt et il décide de peindre « La Chambre de Van Gogh à Arles ». Pour l'artiste, la couleur et le confort de la pièce étaient très importants : tout devait évoquer des pensées de détente. Dans le même temps, l’image est conçue dans des tons jaunes alarmants.

Les chercheurs de l'œuvre de Van Gogh expliquent cela par le fait que l'artiste a pris de la digitale, un remède contre l'épilepsie, qui provoque de graves changements dans la perception des couleurs du patient : toute la réalité environnante est peinte dans des tons verts et jaunes.

La perfection édentée

Léonard de Vinci, "Portrait de Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

L'opinion généralement admise est que la Joconde est la perfection et que son sourire est beau dans son mystère. Cependant, le critique d'art américain (et dentiste à temps partiel) Joseph Borkowski estime qu'à en juger par l'expression de son visage, l'héroïne a perdu de nombreuses dents. En étudiant des photographies agrandies du chef-d'œuvre, Borkowski a également découvert des cicatrices autour de sa bouche. "Elle "sourit" comme ça justement à cause de ce qui lui est arrivé", estime l'expert. "Son expression faciale est typique des personnes qui ont perdu leurs dents de devant."

Majeure sur le contrôle du visage

Pavel Fedotov, "Matchmaking du major", 1848.

Le public, qui a vu pour la première fois le tableau « Major's Matchmaking », a ri de bon cœur : l'artiste Fedotov l'a rempli de détails ironiques compréhensibles pour le public de l'époque. Par exemple, le major n'est visiblement pas familier avec les règles de l'étiquette noble : il s'est présenté sans les bouquets requis pour la mariée et sa mère. Et ses parents marchands ont habillé la mariée elle-même d'une robe de bal du soir, même s'il faisait jour (toutes les lampes de la pièce étaient éteintes). La jeune fille a visiblement essayé une robe décolletée pour la première fois, est gênée et tente de s'enfuir dans sa chambre.

Pourquoi Liberty est-elle nue ?

Ferdinand Victor Eugène Delacroix, "La liberté sur les barricades", 1830.

Selon le critique d'art Etienne Julie, Delacroix a basé le visage de la femme sur la célèbre révolutionnaire parisienne - la blanchisseuse Anne-Charlotte, qui s'est rendue aux barricades après la mort de son frère aux mains des soldats royaux et a tué neuf gardes. L'artiste l'a représentée les seins nus. Selon son projet, c'est un symbole d'intrépidité et d'altruisme, ainsi que du triomphe de la démocratie : la poitrine nue montre que la Liberté, en tant que roturière, ne porte pas de corset.

Carré non carré

Kazimir Malevitch, « Place du suprématisme noir », 1915.

En fait, le « Carré Noir » n’est pas du tout noir ni carré du tout : aucun des côtés du quadrilatère n’est parallèle à aucun de ses autres côtés, ni à aucun des côtés du cadre carré qui encadre le tableau. UN couleur sombre- c'est le résultat du mélange Couleurs variées, parmi lesquels il n'y en avait pas de noir. On pense qu’il ne s’agissait pas d’une négligence de l’auteur, mais d’une position de principe, du désir de créer une forme dynamique et mobile.

Des spécialistes de la galerie Tretiakov ont découvert l'inscription de l'auteur sur le célèbre tableau de Malevitch. L’inscription dit : « La bataille des noirs dans la grotte sombre ». Cette phrase fait référence au titre du tableau humoristique du journaliste, écrivain et artiste français Alphonse Allais, « La bataille des nègres dans une grotte sombre ». tard le soir", qui était un rectangle complètement noir.

Mélodrame de la Joconde autrichienne

Gustav Klimt, "Portrait d'Adèle Bloch-Bauer", 1907.

L'un des tableaux les plus importants de Klimt représente l'épouse du magnat autrichien du sucre, Ferdinad Bloch-Bauer. Tout Vienne discutait de l'histoire d'amour orageuse d'Adèle et artiste célèbre. Le mari blessé voulait se venger de ses amants, mais a choisi très de façon inhabituelle: il décide de commander un portrait d'Adèle à Klimt et de le forcer à faire des centaines de croquis jusqu'à ce que l'artiste commence à vomir d'elle.

Bloch-Bauer souhaitait que l'œuvre dure plusieurs années, afin que le modèle puisse voir à quel point les sentiments de Klimt s'estompaient. Il a fait une offre généreuse à l'artiste, qu'il ne pouvait refuser, et tout s'est déroulé selon le scénario du mari trompé : le travail a été achevé en 4 ans, les amants s'étaient refroidis depuis longtemps. Adele Bloch-Bauer n'a jamais su que son mari était au courant de sa relation avec Klimt.

Le tableau qui a redonné vie à Gauguin

Paul Gauguin, "D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ?", 1897-1898.

Le plus peinture célèbre Gauguin a une particularité : il se « lit » non pas de gauche à droite, mais de droite à gauche, comme les textes kabbalistiques auxquels s'intéressait l'artiste. C'est dans cet ordre que se déroule l'allégorie de la vie spirituelle et physique humaine : de la naissance de l'âme (un enfant endormi dans le coin inférieur droit) jusqu'à l'inévitabilité de l'heure de la mort (un oiseau avec un lézard dans ses griffes dans le coin inférieur gauche).

Le tableau a été peint par Gauguin à Tahiti, où l'artiste s'est échappé à plusieurs reprises de la civilisation. Mais cette fois, la vie sur l'île n'a pas fonctionné : la pauvreté totale l'a conduit à la dépression. Ayant terminé la toile, qui allait devenir son testament spirituel, Gauguin prit une boîte d'arsenic et partit mourir dans les montagnes. Cependant, il n’a pas calculé la dose et le suicide a échoué. Le lendemain matin, il se dirigea vers sa hutte et s'endormit, et lorsqu'il se réveilla, il ressentit une soif de vie oubliée. Et en 1898, son entreprise commença à s'améliorer et une période plus brillante commença dans son travail.

112 proverbes en une seule image

Pieter Bruegel l'Ancien, "Proverbes hollandais", 1559

Pieter Bruegel l'Ancien a représenté une terre habitée par des images littérales de proverbes hollandais de l'époque. Le tableau contient environ 112 idiomes reconnaissables. Certains d’entre eux sont encore utilisés aujourd’hui, comme par exemple : « nager à contre-courant », « se cogner la tête contre le mur », « armé jusqu’aux dents » et « les gros poissons mangent les petits poissons ».

D’autres proverbes reflètent la bêtise humaine.

Subjectivité de l'art

Paul Gauguin, "Village breton sous la neige", 1894

Le tableau de Gauguin "Village breton sous la neige" a été vendu après la mort de l'auteur pour seulement sept francs et, de plus, sous le titre " chutes du Niagara" L'homme qui organisait la vente aux enchères a accidentellement accroché le tableau à l'envers parce qu'il y avait vu une cascade.

Image cachée

Pablo Picasso, "La Chambre Bleue", 1901

En 2008, un rayonnement infrarouge a révélé que se cachait sous la Chambre Bleue une autre image : le portrait d'un homme vêtu d'un costume avec un nœud papillon et reposant sa tête sur sa main. « Dès que Picasso avait une nouvelle idée, il prenait son pinceau et lui donnait vie. Mais il n’avait pas la possibilité d’acheter une nouvelle toile à chaque fois qu’une muse lui rendait visite », explique l’historienne de l’art Patricia Favero.

Marocains indisponibles

Zinaida Serebryakova, « Nue », 1928

Un jour, Zinaida Serebryakova a reçu une offre alléchante : se lancer dans un voyage créatif pour représenter les figures nues de jeunes filles orientales. Mais il s’est avéré qu’il était tout simplement impossible de trouver des modèles dans ces endroits. Le traducteur de Zinaida est venu à la rescousse - il lui a amené ses sœurs et sa fiancée. Personne avant ou depuis n'a pu capturer des objets fermés femmes orientales nu.

Aperçu spontané

Valentin Serov, « Portrait de Nicolas II en veste », 1900

Pendant longtemps, Serov n'a pas pu dresser le portrait du tsar. Lorsque l'artiste a complètement abandonné, il s'est excusé auprès de Nikolai. Nikolaï était un peu bouleversé, s'assit à table, étendant les bras devant lui... Et puis l'artiste s'est rendu compte : voici l'image ! Un simple militaire vêtu d'une veste d'officier avec des vêtements propres et avec des yeux tristes. Ce portrait est considéré meilleure image le dernier empereur.

Un autre diable

© Fedor Reshetnikov

Le célèbre tableau « Deuce Again » n’est que le deuxième volet d’une trilogie artistique.

La première partie est « Arrivé en vacances ». Évidemment une famille aisée, des vacances d'hiver, un excellent étudiant joyeux.

La deuxième partie est « Encore un égalité ». Une famille pauvre de banlieue populaire, en pleine année scolaire, un idiot abattu qui a encore une mauvaise note. Dans le coin supérieur gauche, vous pouvez voir le tableau « Arrivé en vacances ».

La troisième partie est « Réexamen ». Une maison rurale, l'été, tout le monde marche, un ignorant malveillant, qui a échoué à l'examen annuel, est obligé de s'asseoir entre quatre murs et de s'entasser. Dans le coin supérieur gauche, vous pouvez voir le tableau « Deuce Again ».

Comment naissent les chefs-d’œuvre

Joseph Turner, Pluie, vapeur et vitesse, 1844

En 1842, Mme Simon voyage en train en Angleterre. Soudain, une forte averse commença. Le vieil homme assis en face d'elle se leva, ouvrit la fenêtre, sortit la tête et regarda pendant environ dix minutes. Incapable de contenir sa curiosité, la femme ouvrit également la fenêtre et commença à regarder devant elle. Un an plus tard, elle découvre le tableau « Rain, Steam and Speed ​​» lors d’une exposition à la Royal Academy of Arts et peut y reconnaître le même épisode dans le train.

Leçon d'anatomie de Michel-Ange

Michel-Ange, "La Création d'Adam", 1511

Deux experts américains en neuroanatomie pensent que Michel-Ange a en fait laissé derrière lui des illustrations anatomiques dans l'une de ses œuvres les plus célèbres. Ils pensent que le côté droit du tableau représente un énorme cerveau. Étonnamment, même des composants complexes peuvent être trouvés, tels que le cervelet, les nerfs optiques et l'hypophyse. Et le ruban vert accrocheur correspond parfaitement à l'emplacement de l'artère vertébrale.

"La Cène" de Van Gogh

Vincent Van Gogh, Terrasse de café la nuit, 1888

Le chercheur Jared Baxter estime que le tableau de Van Gogh « Café terrasse la nuit » contient une dédicace cryptée à la « Cène » de Léonard de Vinci. Au centre de l'image se tient un serveur avec cheveux longs et dans une tunique blanche rappelant les vêtements du Christ, et autour de lui il y a exactement 12 visiteurs du café. Baxter attire également l'attention sur la croix située directement derrière le serveur en blanc.

L'image de la mémoire de Dali

Salvador Dali, "La persistance de la mémoire", 1931

Ce n'est un secret pour personne que les pensées qui ont visité Dali lors de la création de ses chefs-d'œuvre se présentaient toujours sous la forme d'images très réalistes, que l'artiste a ensuite transférées sur toile. Ainsi, selon l'auteur lui-même, le tableau «La persistance de la mémoire» a été peint à la suite d'associations nées de la vue du fromage fondu.

Pourquoi Munch crie-t-il ?

Edvard Munch, "Le Cri", 1893.

Munch a expliqué comment il a eu l'idée de l'un des plus peintures mystérieuses dans la peinture mondiale : « Je marchais le long d'un chemin avec deux amis - le soleil se couchait - tout à coup le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé contre la clôture - j'ai regardé le sang et les flammes sur le bleuâtre- le fjord noir et la ville - mes amis sont partis, et je me suis tenu debout, tremblant d'excitation, sentant un cri sans fin transpercer la nature." Mais quel genre de coucher de soleil pourrait à ce point effrayer l’artiste ?

Il existe une version selon laquelle l'idée de "Le Cri" est née à Munch en 1883, lorsque plusieurs puissantes éruptions du volcan Krakatoa se sont produites - si puissantes qu'elles ont modifié la température de l'atmosphère terrestre d'un degré. De grandes quantités de poussière et de cendres se sont répandues partout au monde, atteignant même la Norvège. Pendant plusieurs soirées consécutives, les couchers de soleil semblaient sur le point d'arriver à l'apocalypse - l'un d'eux est devenu une source d'inspiration pour l'artiste.

Un écrivain parmi le peuple

Alexandre Ivanov, « L'apparition du Christ au peuple », 1837-1857.

Des dizaines de modèles ont posé pour Alexandre Ivanov pour son image principale. L'un d'eux n'est pas moins connu que l'artiste lui-même. Au fond, parmi les voyageurs et les cavaliers romains qui n'ont pas encore entendu le sermon de Jean-Baptiste, on peut apercevoir un personnage en tunique. Ivanov l'a écrit de Nikolai Gogol. L'écrivain a communiqué étroitement avec l'artiste en Italie, notamment sur les questions religieuses, et lui a donné des conseils pendant le processus de peinture. Gogol croyait qu'Ivanov "est mort depuis longtemps pour le monde entier, à l'exception de son œuvre".

La goutte de Michel-Ange

Raphael Santi, "L'École d'Athènes", 1511.

Création célèbre fresque"L'École d'Athènes", Raphaël a immortalisé ses amis et connaissances dans les images des philosophes grecs antiques. L'un d'eux était Michelangelo Buonarotti « dans le rôle » d'Héraclite. Pendant plusieurs siècles la fresque a gardé des secrets vie privée Michel-Ange et les chercheurs modernes ont émis l’hypothèse que le genou étrangement anguleux de l’artiste indiquait qu’il souffrait d’une maladie articulaire.

Cela est fort probable, étant donné les particularités du mode de vie et des conditions de travail des artistes de la Renaissance et le bourreau de travail chronique de Michel-Ange.

Miroir du couple Arnolfini

Jan van Eyck, "Portrait des époux Arnolfini", 1434

Dans le miroir derrière le couple Arnolfini, vous pouvez voir le reflet de deux autres personnes dans la pièce. Très probablement, il s'agit de témoins présents à la conclusion du contrat. L’un d’eux est van Eyck, comme en témoigne l’inscription latine placée, contrairement à la tradition, au-dessus du miroir au centre de la composition : « Jan van Eyck était ici ». C’est ainsi que les contrats étaient généralement conclus.

Comment un désavantage s'est transformé en talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportrait à l'âge de 63 ans, 1669.

La chercheuse Margaret Livingston a étudié tous les autoportraits de Rembrandt et a découvert que l'artiste souffrait de strabisme : sur les images, ses yeux regardent droit devant lui. différents côtés, ce qui n'est pas observé dans les portraits d'autrui par le maître. La maladie a permis à l’artiste de mieux percevoir la réalité en deux dimensions que les personnes ayant une vision normale. Ce phénomène est appelé « cécité stéréo » – l’incapacité de voir le monde en 3D. Mais comme le peintre doit travailler avec une image en deux dimensions, ce défaut même de Rembrandt pourrait être une des explications de son talent phénoménal.

Vénus sans péché

Sandro Botticelli, "Naissance de Vénus", 1482-1486.

Avant l'apparition de la "Naissance de Vénus", l'image d'une femme nue corps féminin en peinture, il ne symbolisait que l'idée du péché originel. Sandro Botticelli fut le premier des peintres européens à ne trouver en lui rien de pécheur. De plus, les historiens de l'art sont sûrs que la déesse païenne de l'amour symbolise sur la fresque Image chrétienne: son apparition est une allégorie de la renaissance d'une âme ayant subi le rite du baptême.

Joueur de luth ou joueur de luth ?

Michel-Ange Merisi da Caravaggio, "Le joueur de luth", 1596.

Le tableau fut longtemps exposé à l'Ermitage sous le titre « Le joueur de luth ». Ce n'est qu'au début du XXe siècle que les historiens de l'art s'accordent sur le fait que le tableau représente un jeune homme (probablement une connaissance du Caravage, l'artiste Mario Minniti, a posé pour lui) : sur les notes devant le musicien, on peut voir un enregistrement de la basse vers du madrigal de Jacob Arkadelt « Tu sais que je t'aime » . Une femme pourrait difficilement faire un tel choix - c'est juste dur pour la gorge. De plus, le luth, comme le violon tout en bordure du tableau, était considéré comme un instrument masculin à l’époque du Caravage.

Il y a des œuvres d'art qui semblent frapper le spectateur par-dessus la tête, époustouflantes et étonnantes. D’autres vous entraînent dans la réflexion et dans la recherche de couches de sens et de symbolisme secret. Certaines peintures sont entourées de mystère et énigmes mystiques, tandis que d'autres surprennent avec des prix exorbitants.

Nous avons soigneusement examiné toutes les principales réalisations de la peinture mondiale et en avons sélectionné deux douzaines des plus remarquables. peintures étranges. Salvador Dali, dont les œuvres s'inscrivent entièrement dans le format de ce matériel et sont les premières à venir à l'esprit, n'ont pas été volontairement incluses dans cette collection.

Il est clair que la « bizarrerie » est une notion plutôt subjective et que chacun a sa propre idée. peintures étonnantes, se démarquant des autres œuvres d'art. Nous serons heureux si vous les partagez dans les commentaires et nous en parlez un peu.

"Crier"

Edvard Munch. 1893, carton, huile, détrempe, pastel.
Galerie nationale, Oslo.

Le Cri est considéré comme un événement expressionniste marquant et l’une des peintures les plus célèbres au monde.

Il existe deux interprétations de ce qui est représenté : c'est le héros lui-même qui est saisi d'horreur et crie silencieusement, pressant ses mains contre ses oreilles ; ou le héros ferme ses oreilles au cri du monde et de la nature qui résonne autour de lui. Munch a écrit quatre versions de "Le Cri", et il existe une version selon laquelle ce tableau est le fruit de la psychose maniaco-dépressive dont souffrait l'artiste. Après un traitement à la clinique, Munch n'est pas retourné travailler sur la toile.

« Je marchais sur le chemin avec deux amis. Le soleil se couchait - tout à coup le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé contre la clôture - j'ai regardé le sang et les flammes au-dessus du fjord et de la ville d'un noir bleuâtre. Mes amis sont partis et je me suis levé, tremblant d'excitation, sentant un cri sans fin perçant la nature », a déclaré Edvard Munch à propos de l'histoire de la création du tableau.

"D'où sommes-nous venus? Qui sommes nous? Où allons-nous?"

Paul Gauguin. 1897-1898, huile sur toile.
Musée des Beaux-Arts, Boston.

Selon Gauguin lui-même, le tableau doit être lu de droite à gauche : trois groupes principaux de personnages illustrent les questions posées dans le titre.

Trois femmes avec un enfant représentent le début de la vie ; le groupe intermédiaire symbolise l'existence quotidienne de la maturité ; dans le dernier groupe, selon le plan de l'artiste, « la vieille femme, proche de la mort, semble réconciliée et livrée à ses pensées », à ses pieds « un étrange oiseau blanc... représente l'inutilité des mots ».

La peinture profondément philosophique du post-impressionniste Paul Gauguin a été peinte par lui à Tahiti, où il a fui Paris. Une fois l’œuvre terminée, il voulut même se suicider : « Je crois que ce tableau est supérieur à tous mes précédents et que je ne créerai jamais quelque chose de meilleur ou même de similaire. » Il vécut encore cinq ans, et c'est ce qui arriva.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, huile sur toile.
Musée Reina Sofia, Madrid.

Guernica présente des scènes de mort, de violence, de brutalité, de souffrance et d'impuissance, sans préciser leurs causes immédiates, mais elles sont évidentes. On raconte qu'en 1940, Pablo Picasso fut convoqué à la Gestapo de Paris. La conversation s’est immédiatement tournée vers le tableau. "Est-ce que c'est toi qui as fait ça?" - "Non, tu l'as fait."

L'immense fresque « Guernica », peinte par Picasso en 1937, raconte l'histoire d'un raid d'une unité de volontaires de la Luftwaffe sur la ville de Guernica, à la suite de laquelle la ville de six mille habitants fut complètement détruite. Le tableau a été peint littéralement en un mois - les premiers jours de travail sur le tableau, Picasso a travaillé pendant 10 à 12 heures, et déjà dans les premiers croquis, on pouvait voir idée principale. C'est l'une des meilleures illustrations du cauchemar du fascisme, ainsi que cruauté humaine et le chagrin.

"Portrait du couple Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, bois, huile.
Londres galerie nationale, Londres.

Le célèbre tableau est entièrement rempli de symboles, d'allégories et de références diverses - jusqu'à la signature "Jan van Eyck était ici", qui a transformé le tableau non seulement en une œuvre d'art, mais en un document historique confirmant la réalité de l'événement. à laquelle l'artiste était présent.

Le portrait supposé de Giovanni di Nicolao Arnolfini et de son épouse est l'un des plus travaux complexesÉcole occidentale de peinture de la Renaissance du Nord.

En Russie, au cours des dernières années, le tableau a acquis une grande popularité en raison de la ressemblance du portrait d'Arnolfini avec Vladimir Poutine.

"Démon assis"

Mikhaïl Vroubel. 1890, huile sur toile.
Galerie nationale Tretiakov, Moscou.

"Les mains lui résistent"

Bill Stoneham. 1972.

Bien entendu, cette œuvre ne peut pas être classée parmi les chefs-d'œuvre de la peinture mondiale, mais son étrangeté est un fait.

Il existe des légendes autour du tableau représentant un garçon, une poupée et ses mains pressées contre la vitre. De « des gens meurent à cause de cette image » à « les enfants qui y figurent sont vivants ». L'image a l'air vraiment effrayante, ce qui suscite beaucoup de craintes et de spéculations parmi les personnes au psychisme faible.

L'artiste a assuré que le tableau le représente à l'âge de cinq ans, que la porte est une représentation de la ligne de démarcation entre monde réel et le monde des rêves, et la poupée est un guide qui peut guider le garçon à travers ce monde. Les mains représentent des vies ou des possibilités alternatives.

Le tableau a gagné en notoriété en février 2000 lorsqu’il a été mis en vente sur eBay avec une histoire disant que le tableau était « hanté ». "Hands Resist Him" ​​a été acheté pour 1 025 $ par Kim Smith, qui a ensuite été simplement inondé de lettres de histoires effrayantes et exige de brûler le tableau.