Le père de la chanteuse d'opéra Ekaterina Sergeevna Semenchuk est médecin. Ekaterina Semenchuk : "J'essaie toujours de comprendre et de justifier mes héroïnes"

russe chanteur d'opéra, soliste du Théâtre Mariinsky.

Ekaterina Semenchuk. Biographie

Ekaterina Semenchuk né en 1977 à Minsk dans une famille militaire chirurgien. Dès l'âge de 4 ans, elle vit avec ses parents en RDA, à Krampnitz. Ensuite, son père a été envoyé en Afghanistan et Ekaterina a déménagé à Minsk pour vivre avec sa grand-mère, qui travaillait comme médecin, et son grand-père, qui était un arbitre de basket-ball de toute l'Union et qui a consacré toute sa vie au sport. C'est son grand-père qui a appris à la future star de l'opéra à danser le tango et la valse et lui a inculqué l'amour de la romance. Sous son influence, la jeune Katya se rendit apprendre à jouer de l'accordéon à l'école de musique.

Depuis son enfance, elle a toujours voulu chanter et a intégré la chorale de l'école de musique, dont le directeur, Natalia Agarova, a ensuite conseillé à l'étudiant de s'essayer comme chanteur d'opéra - aller au conservatoire et auditionner avec le professeur Sergueï Oskolkov, a enseigné à l'Académie biélorusse de musique. Semenchuk y est finalement entré.

En 1997, elle a finalement déménagé à Saint-Pétersbourg et a été transférée au Conservatoire d'État local du nom de N. A. Rimsky-Korsakov, dans la classe Evgenia Gorokhovskaya. Deux ans plus tard, le professeur a littéralement pris Catherine par la main au Théâtre Mariinsky, où elle a fait ses débuts dans le rôle de Lelya dans The Snow Maiden.

Elle est chanteuse à l'Académie des Jeunes Chanteurs Mariinsky depuis 1999. Elle a derrière elle plus d'une victoire dans des compétitions internationales. Au Théâtre Mariinsky depuis 2007. Semenchuk y propose de nombreux jeux.

Avec le Théâtre Mariinsky, elle a voyagé dans le monde entier. C'est Catherine qui s'est produite au mariage du prince en 2005 Charles de Galles Et Camilla Parker-Bowles: lors de la cérémonie de bénédiction de l'église des jeunes mariés dans la chapelle Saint-Georges du château de Windsor chanteur russe a interprété le « Credo » orthodoxe sur la musique d’Alexandre Grechaninov, accompagné par la chorale locale. C'est un de mes favoris œuvres musicales Prince, en 2003, elle a été jouée à sa demande dans la même chapelle, interprétée par la chorale du Théâtre Mariinsky lors d'une soirée à la mémoire de la défunte reine mère.

À propos, Ekaterina Semenchuk est particulièrement populaire en Grande-Bretagne, surtout après avoir été finaliste au Concours mondial de chant à Cardiff, au Pays de Galles, en 2001. Le prince Charles a eu l'occasion d'apprécier le talent de Catherine lors de la première à Londres de la célèbre production de « Guerre et Paix » lors de la tournée du Théâtre Mariinsky à Londres (2001), où Catherine a interprété le rôle de Sonya.

Des compétences dramatiques et des capacités vocales exceptionnelles ont solidement établi la mezzo-soprano Ekaterina Semenchuk réputation de star de la scène lyrique mondiale.Le principal soliste du Théâtre Mariinsky est très demandé aux festivals internationaux. scène d'opéra, se produit dans les théâtres les plus célèbres, dont La Scala, Covent Garden, le Metropolitan Opera, l'Opéra de Rome, le Teatro Real San Carlo, le Teatro Real de Madrid (Teatro Real).

Semenchuk collabore avec des chefs d'orchestre tels que Valery Gergiev, Zubin Mehta, Antonio Pappano, Gianandrea Noseda, Michael Et Vladimir Iourovski, etc. Se produit dans les plus grands spectacles internationaux tels que « Stars of the White Nights », Easter Festival, Edinburgh Festival, festivals de Baden-Baden, Tanglewood (USA), Stresa (Italie), Ravinia (USA), Cincinnati (USA), Verbier (Suisse), etc.

Ekaterina Semenchuk : Il est important que tous les participants à la production travaillent pour le même objectif : chanteurs, orchestre, chef d'orchestre, techniciens, maquilleurs, costumiers - tout le monde. Heureusement, il y a de nombreux collègues de différents pays avec lesquels vous évoluez, vous les entendez aussi bien au Théâtre Mariinsky qu'à Opéra de Vienne, et au Metropolitan... Et si vous n'êtes pas sûr de quelque chose, vous en doutez, vos collègues apportent tellement d'énergie que tout s'arrange tout de suite. Anya Netrebko en est un exemple frappant. Tout coïncide d'une manière ou d'une autre avec elle, tant humainement que musicalement...

Ekaterina Semenchuk. Répertoire

• Laura - "L'invitée de pierre"
• Marina Mnishek - "Boris Godounov"
• Konchakovna - "Prince Igor"
• Ganna - "Nuit de mai"
• Lel - « Fille des neiges »
• Jeunesse - «Le conte de la ville invisible de Kitezh et de la jeune fille Fevronia»
• Olga - «Eugène Onéguine»
• Polina et Milovzor - "La reine de pique"
• Blanche - "Le joueur"
• Sonya - "Guerre et Paix"
• Antonio - "Cléopâtre"
• Fenena - Nabucco
• Maddalena - "Rigoletto"
• Preziosilla - "Force du destin"
• Carmen - "Carmen"
• Muse et Niklaus - « Les Contes d'Hoffmann »
• Marguerite - "La Damnation de Faust"
• Didon - "Les chevaux de Troie"
• Annio - "La Miséricorde de Titus"
• Charlotte - "Werther"
• Ascanio - "Benvenuto Cellini"),
• parties mezzo-soprano : Le Stabat Mater de Pergolèse, la Missa Solemnis de Beethoven, le Requiem de Mozart, le Requiem de Verdi, la cantate La Mort de Cléopâtre, la symphonie dramatique Roméo et Juliette de Berlioz, les symphonies n°2 et 3 de Mahler, la cantate Alexandre Nevski de Prokofiev, Pulcinella Stravinsky, concerto pour percussions, mezzo-soprano et orchestre symphonique« L'heure de l'âme » de Gubaidullina ;
• cycles vocaux :« Chants et danses de mort » de Moussorgski, « De la poésie populaire juive » de Chostakovitch, « Chants d'enfants morts » de Mahler et « Nuits d'été » de Berlioz.

Ekaterina Semenchuk. Discographie

« Album russe » (Harmonia Mundi)
"Œdipe Rex" de Stravinsky (Label Mariinsky)
Gloria, Magnificat Sarti (Sony Classique)
"Don Carlos" (ORF, Festival de Salzbourg)
"Aïda" (RAI 5, San Carlo)
"Troubadour" (RAI 5, La Scala)

Carrière d'Ekarerina Semenchuk : Opéra
Naissance: Russie
L'Académie des jeunes chanteurs du Théâtre Mariinsky a cinq ans. Dans le contexte du tricentenaire de la ville, ce modeste anniversaire est passé inaperçu, mais les résultats du travail de l'académie peuvent être appréciés sur la scène du Mariinsky et d'autres grands théâtres du monde, où les étudiants chantent. L'une des plus titrées Ekaterina Semenchuk, lauréate compétitions internationales, interprète du rôle de Carmen, Polina dans La Dame de Pique, Olga dans Eugène Onéguine, Sonya dans Guerre et Paix, Charlotte dans Werther, etc.

En tant que membre de la troupe Mariinsky, Ekaterina a parcouru le monde avec Larisa Abisalovna Gergieva, directrice de l'académie, et a donné des concerts solo en Allemagne, en France, en Angleterre, en Argentine et, bien sûr, à Saint-Pétersbourg. La jeune chanteuse est autorisée à se produire le 26 juin au Mariinsky, elle est soliste dans La Damnation de Faust de Berlioz. Catherine, en plus de son talent vocal, possède également un don dramatique éblouissant, donc non seulement les rôles dans les opéras, mais aussi chaque romance dans sa performance sont toute une histoire sur la vie et l'amour qui ne vous laisse pas indifférent.

Deuxième apparition

Comment êtes-vous, une fille de Minsk, devenue soliste du Mariinsky ?

Je suis diplômé d'une école de musique à Minsk dans la classe d'accordéon, mais, bien sûr, j'ai chanté dans la chorale. J’ai étudié toute ma vie avec beaucoup de désir et de dévouement ; il n’était pas nécessaire de me forcer. Entré Académie biélorusse musique à la merveilleuse professeure Valentina Nikolaevna Rogovich. Elle et moi avons compris que nous devions aller là où il y avait plus d'opportunités de croissance. Par conséquent, j'ai été transféré au Conservatoire de Saint-Pétersbourg, dans la classe d'Evgenia Stanislavovna Gorokhovskaya. Un jour, elle a dit : Katya, allons avec toi à l'Académie des jeunes chanteurs. Nous préparerons un programme et vous passerez une audition. Il se trouve que l’audition a eu lieu le jour de mon anniversaire. Cette journée a tout bouleversé dans ma vie. Larisa Abisalovna souriait pendant que je chantais. L'ambiance était conviviale, j'ai pu me mobiliser et présenter tout ce dont j'étais capable. Larisa Abisalovna a dit : Venez à la master class, nous travaillerons et préparerons l'admission. Nous avons travaillé, puis nous avons dû passer un examen pour lequel un grand nombre de jeunes chanteurs sont venus. Je me souviens comment tout le monde languissait au 4ème étage près de la classe 313, celle que les chanteurs n'aiment pas. L'examen est un test très sérieux : vous devez montrer votre tessiture vocale, vos capacités artistiques, pour pouvoir être détendu, sans tensions, sans hystérie. Vous devez être beau de visage et de silhouette, être courtois, avec bonnes manières. J'ai eu la chance d'être accepté.

Vous vous souvenez de l'entrée sur scène initiale ?

Le seul bon jour, le téléphone a sonné et on m'a dit que dans une heure, ou plus de 30 minutes, je ne me souviens pas exactement, mais on a dit que le chiffre était prohibitif ; je devais être au Théâtre de l'Ermitage et chanter Dalila au concert de gala de l'académie. Et puis j’ai vécu en dehors de la ville. Et je l’ai fait, même si je ne me souviens pas comment j’y suis arrivé ! Même Larisa Abisalovna s'en est récemment souvenue : êtes-vous alors arrivé en hélicoptère ?

Le succès est déterminé par la gratitude

Quelle est pour vous la chose la plus précieuse de l’académie ?

Le fait qu'ils s'occupent de notre destin, et pas seulement vocalement. Je perçois l'académie comme une famille, car nous passons toute la journée au théâtre et sommes très amicaux les uns avec les autres.

Eh bien, si nous parlons de performances, j'ai souvent l'honneur que Larisa Abisalovna soit l'accompagnatrice. C'est une personne si forte que, d'ailleurs, si vous n'êtes pas d'humeur, ou si à cause de l'âge vous ne comprenez pas certaines choses et restez dévasté, elle s'assoit au piano, et l'instrument commence à respirer et à chanter, elle-même est tellement inspiré, ce qui n'est pas intentionnel et vous gagnez des émotions, inspirez et expirez uniquement avec la dernière note. Au contact de l'accompagnateur, on a une sensation d'envol, le sentiment que l'on peut tout faire.

Pour moi, il est important de porter l’image jusqu’au bout, de l’ouvrir. C’est intéressant que quand je chante, je vois tout le monde dans la salle, surtout lors d’un concert : qui réagit comment, qui regarde où. Il faut qu’il y ait un contact direct avec le spectateur, il y a des choses qu’il faut chanter en regardant dans les yeux, alors seulement ça marchera.

Je veux aussi dire qu'un gentleman devrait être reconnaissant. Un artiste ne doit pas perdre de vue ses mentors lorsqu'un moment heureux se présente à lui.

Maman plantée

Larisa Abisalovna nous a présenté mon mari. Un jour, nous étions assis au buffet et pendant l'entracte, les membres de l'orchestre sont entrés. Larisa Abisalovna se tourna vers moi en souriant : Je vais maintenant vous présenter le jeune homme. Non, non, non, s'il te plaît. Mais elle a appelé l'un des musiciens et lui a présenté : Ce sont nos filles, et voici Katya Semenchuk. Le jeune homme avait l'air si sérieux qu'au début j'étais encore plus effrayé, même si j'étais moi-même très sérieux. Pendant un mois, voire plus, nous avons discuté en privé. Larisa Abisalovna était la mère de notre mariage.

Comment le service théâtral affecte-t-il la vie de famille ?

De plus, nous n’avons pas eu de lune de miel : il y a eu un mariage en décembre, et en janvier il y a eu une production de Guerre et Paix au Metropolitan Opera, et je suis parti chanter. Nous prenons un repos particulier, car pendant mes pauses, il a ses propres tournées, et quand il fait une pause, mon service a déjà commencé. Il arrive que nous nous voyons quelques jours, voire quelques heures dans un mois. Même ça court instant nous rend heureux.

Nos intérêts sont similaires et pour moi et pour lui, la spécialité passe avant tout dans la vie.

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Parfois, les rêves d'un critique deviennent réalité. Il y a une dizaine d'années ou un peu plus, alors qu'Anna Netrebko étincelait déjà de manière alléchante et éblouissante à l'horizon mondial de l'opéra, j'ai soudain pensé : une chanteuse d'un talent similaire apparaîtra-t-elle un jour ici, mais avec un registre plus grave - une mezzo-soprano ? Bien sûr, Olga Borodina régnait - une chanteuse au statut mondial puissant, mais au Mariinsky, elle apparaissait très rarement et presque exclusivement dans le rôle de la schismatique Marthe dans Khovanshchina de Moussorgski, passant le reste de son temps dans des opéras en Amérique et en Europe. Mes attentes étaient liées à la jeune Ekaterina Semenchuk, qui s'est déclarée sans crainte au concours Elena Obraztsova en 1999. Ensuite, elle n'a reçu qu'un prix incitatif prudent "Nadezhda". Semenchuk a pleinement justifié ce compliment de la part de son grand prédécesseur. Netrebko et Semenchuk sont aujourd'hui des chanteurs de la même ligue majeure d'opéra.

LE DÉBUT DU CHEMIN. EN DUO

E. Semenchuk. Photo des archives du théâtre

A. Netrebko. © Kirk Edwards

Ekaterina Semenchuk s'est retrouvée au Théâtre Mariinsky alors qu'Anna Netrebko à Saint-Pétersbourg était déjà considérée sans aucun doute comme une nouvelle étoile très brillante qui s'était levée à l'horizon mondial de l'opéra. Ekaterina et Anna se sont rencontrées lors des répétitions de l'opéra « Guerre et Paix » de Prokofiev, mis en scène à Saint-Pétersbourg en 2000 par Andrei Konchalovsky. Toutes deux ont fait leurs débuts deux ans plus tard dans le rôle de Natasha et Sonya au Metropolitan Opera de New York. La carrière internationale de Netrebko a commencé à s'accélérer rapidement à partir de ces débuts. Semenchuk a également attiré l'attention des grandes agences d'opéra, mais elle la plus belle heure Cependant, cela est arrivé un peu plus tard. Ekaterina est arrivée de Minsk à Saint-Pétersbourg et a été immédiatement acceptée à l'Académie des jeunes. chanteurs d'opéra, inauguré au Mariinsky en 1998. Ses « universités » ont commencé là. Anna, venue ici de Krasnodar, n'avait pas de telles universités : avant de s'en rendre compte, elle s'est retrouvée, alors qu'elle était encore étudiante au conservatoire, sous le feu des projecteurs, invitée par Valery Gergiev au rôle de Susanna dans l'opéra de Mozart « Le Mariage » du Figaro. Dans l'histoire de la carrière artistique des deux chanteurs, une chose est étonnante : comment ont-ils réussi à former de magnifiques et vraies actrices sans être diplômés du GITIS ou d'autres instituts de théâtre ? Mais chanteurs d'opéra Avant de devenir de grands artistes, vous devez faire face à une résistance bien plus puissante : une couche dense de texte de la partition, que vous devez apprendre à chanter avec un super talent. Et il semble que dans la solution au phénomène vocal-artistique des chanteurs se trouve la réponse à la question de savoir ce qu'est l'opéra en tant que théâtre.

On pourrait continuer à comparer les débuts de carrière des deux chanteurs, mais dans ce cas ce ne serait pas tout à fait exact. Netrebko est soprano, Semenchuk est mezzo-soprano, ils n'ont jamais eu à partager leur répertoire et n'y seront jamais obligés. La mezzo-soprano est la maîtresse indivise du registre grave, des notes graves de la poitrine qui peuvent rendre fous les mélomanes. Les sopranos « vivent » plusieurs étages au-dessus et ont des buts et des objectifs complètement différents dans l'opéra. Si nous parlons d'intrigues d'opéra, alors les sopranos et les mezzos ont souvent des luttes à mort pour le même héros ténor, qui, à la demande de son cœur, aime la soprano, et les mezzos sont condamnés à le tuer pour le reste de leur vie - la sienne et la leur. Anna Netrebko et Ekaterina Semenchuk n'ont pas encore eu l'occasion de se rencontrer Scène Mariinsky dans un tel duo de rivaux. Ils ont coexisté ici assez paisiblement dans trois opéras - "Guerre et Paix" de S. Prokofiev, "Les Contes d'Hoffmann" de J. Offenbach et "Il Trovatore" de G. Verdi. Dans "Guerre et Paix", réalisé par A. Konchalovsky, Netrebko a superbement chanté Natasha Rostova, Semenchuk a chanté Sonya. Leur duo dans la première scène « paisible », dans le domaine Otradny des Rostov, sonnait littéralement à son meilleur, presque sous la grille. Le lit sculpté de la jeune fille, sur lequel Sonya et Natasha chuchotaient rêveusement avant de se coucher, selon les plans des réalisateurs, a été élevé au-dessus de la scène, soulignant la légèreté, l'insouciance, la transcendance et le caractère vedette de leur chant pastoral. C'est alors, après Natasha Netrebko, que de nombreux critiques la comparent à Audrey Hepburn pour sa spontanéité palpitante. Dans "Les Contes d'Hoffmann" (réalisé par Marta Domingo, créé au Mariinsky en 2000), Semenchuk a chanté le rôle de pantalon de Niklaus - l'ange gardien d'Hoffmann, une muse sous les traits d'un jeune homme, et Netrebko - le rôle du la tragique Antonia, flétrie par une maladie mortelle. Des années plus tard, ils se sont retrouvés dans la même représentation sur la scène Mariinsky, déjà au statut de divas mondiales de l'opéra, lors de la première de 2013 - Il Trovatore de Verdi, mis en scène par Pier Luigi Pizzi, où tous deux ont interprété leurs malheureuses héroïnes: l'une - Leonora, mortellement amoureux d'un ténoratroubadour, l'autre d'Azucena, sa mère non moins fatalement condamnée. Et c’étaient déjà des interprétations standard et matures. Là encore, j'ai dû constater à quel point leurs voix se ressemblaient en termes de plénitude, de densité et de richesse sonore, de voix plasmatique, capable de retenir l'attention d'une immense salle de la première à la dernière note, et de dévouement colossal. Les deux voix sont d’une température incroyablement élevée, il est tentant de les comparer à de l’acier en fusion remplissant l’espace : les écouter, c’est comme être pris dans une chaude averse tropicale. Et il ne fait aucun doute que l’énorme impact de leur interprétation dramatique dépend précisément de la richesse du don vocal.

Il est dommage que Netrebko et Semenchuk n’aient pas encore pu se retrouver dans leur Mariinsky natal dans Eugène Onéguine de Tchaïkovski, où ils auraient chanté leurs sœurs Tatiana et Olga. Ce n'est pas souvent qu'ils se produisent ensemble et scène étrangère. Le triomphe des deux il y a un an a été leur participation à l'opéra « Anne Boleyn » de G. Donizetti à l'Opéra national de Vienne (dirigé par Eric Genovese). C'est alors qu'eut lieu le même combat entre deux rivaux pour un héros, mais pas un ténor, mais une basse - le roi Henri VIII dans l'incarnation d'Ildar Abdrazakov. Dans une interview après ses débuts viennois, Ekaterina Semenchuk a de nouveau admis à quel point elle apprécie arts performants Anna Netrebko : "Je ne pouvais pas quitter la scène, regarder sa performance dans les coulisses, prendre un énorme plaisir de sa façon de travailler, de ce qu'elle a créé dans cette partie la plus complexe." Et l’été dernier, au Festival de Salzbourg, tous deux ont brillé dans Il Trovatore de Verdi, mis en scène par Alvis Hermanis (création 2014).

E. Semenchuk (Eboli). "Don Carlos".

Ils pourraient former un duo intéressant de rivales dans "Carmen" - Carmen et Michaela. Mais lorsque Semenchuk a finalement eu l'opportunité de chanter Carmen au Théâtre Mariinsky, Netrebko avait déjà arrêté de chanter Mikaela. Seuls de tels contrastes vocaux-dramatiques réels sont capables de montrer à l'auditeur pourquoi les compositeurs ont conçu telles ou telles collisions, collisions et destins entrelacés des héros. Toutes deux sont des chanteuses-actrices, créatrices du « même groupe sanguin », qui montent sur scène pour créer une réalité différente qui peut transformer la réalité de notre côté de la scène. Ce sont précisément de telles expériences lyriques dont rêve consciemment ou inconsciemment le public, qui préfère le théâtre lyrique à l’art du cinéma. Le talent de ces chanteuses-actrices enrichit l'opéra d'oxygène, acquérant les caractéristiques non pas d'une vie artificielle, mais d'une vie authentique et pleine de sang de l'âme et de l'esprit. Ce n’est qu’à un prix aussi élevé que l’opéra peut justifier son existence et sa raison d’être vieilles de plusieurs siècles. grand genre. Leur collaboration dans les performances convainc que dans Opéra, et dans n'importe quel théâtre, les artistes se chargent, une réaction en chaîne se produit : l'un s'enflamme par le feu de l'autre, s'enflammant encore plus fort.

E. Semenchuk (Lel), E. Solovyova (Kupava), E. Akimov (Berendey). "Fille des neiges".
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

E. Semenchuk (Amneris). "Aïda".
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

EKATERINA SEMENCHUK : JEUNESSE, BERGERS, Gitans, PRINCESSES

E. Semenchuk (Carmen), M. Aksenov (Don José). "Carmen"
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

Ekaterina Semenchuk est devenue de puissantes beautés fatales, après avoir emprunté le chemin des rôles de parodie - des jeunes d'opéra, parmi lesquels Niklaus dans Les Contes d'Hoffmann d'Offenbach, et Lel dans La Fille des neiges, et la Jeunesse dans Le Conte de la ville invisible de Rimski-Korsakov. de Kitezh. Mais même dans les rôles de pantalon, avec toute leur inévitable tension androgyne, elle « a déchiré le moule », trouvant des couleurs festives et héroïques particulières, des regards, des gestes et des intonations brillants pour des jeunes hommes à l'identité de genre incertaine. Il y avait toujours un petit sentiment de petit empereur grandissant en chacun d’eux. La mezzo-soprano y semblait survivre à son adolescence anguleuse, pour s'envoler un peu plus tard, tel un papillon sorti d'un cocon, dans l'espace de l'éternelle féminité. Son sens de la scène était déjà admiré dès ses premiers rôles ; dès le début de sa carrière artistique, elle se caractérisait par la liberté scénique et une attitude envers la scène comme espace alternatif de créativité, de fuite. Elle était toute pressée. Les jeunes hommes de l'opéra parodie l'ont tempérée pour qu'elle devienne, lui ont inculqué la discipline. Des percées dans son répertoire ont eu lieu lorsqu'elle a porté des robes pour femmes - Carmen, Dido, Amneris, Princess Eboli. Semenchuk s'est jetée dans l'élément de Carmen, comme dans une « mer d'un bleu profond », dispersant avidement des couleurs vocales et dramatiques sur la toile du spectacle. Sa Carmen avait tout : une fille avec sa spontanéité, une adolescente sauvage, carnivore, souffrante et sentiment aigu la tragédie du monde et le ravissement de la plénitude de l'existence. Comme Anna Netrebko, Ekaterina Semenchuk a le talent de captiver le public de manière hypnotique avec sa voix. Les artistes dramatiques ne disposent sans aucun doute pas d'un avantage aussi gigantesque, d'un instrument tel qu'une voix d'opéra luxueuse et bien produite, qui permet de capter l'attention du public dès les premières secondes simplement grâce à propriétés physiques un son qui peut vous faire prisonnier et ne jamais vous lâcher. Ce fut le cas lorsque Catherine eut la chance de jouer Amnéris, la princesse égyptienne dans Aïda de Verdi. Elle a eu beaucoup de chance que la première production dans laquelle elle est apparue dans ce rôle soit une pièce créée par Daniele Finzi Pasca, directeur du Cirque du Soleil. Dans Aida, créé à la salle de concert du Théâtre Mariinsky en 2011, le metteur en scène rompt catégoriquement avec la tradition de la mise en scène d'opéra. Et Amneris apparaît dans une robe de mariée blanche - la pure incarnation d'un rêve, qui a rapidement dû se transformer en envie, qui, hélas, n'a apporté que la destruction. Amneris Semenchuk dans une telle interprétation scénique - en l'absence de pyramides de chiffon, parmi la géométrie nue des formes - avait également l'air et sonnait non stéréotypé. Il ne s’agissait pas d’un rituel impérial lourd et impérieux, mais d’un jeu sur la transformation négative de l’amour, presque d’un entraînement psychologique – tel s’est avéré être le plan de Finzi Pasca. Le chanteur a transmis de manière perçante les sentiments de solitude du pouvoir, de solitude du talent et de force. Son Amneris est sorti avec grand sourire, ouverte sur le monde, mais lorsqu'elle est partie, elle a détruit ce monde à cause de son incapacité à partager la joie du pouvoir. Plus récemment, le disque avec l'enregistrement de « Aida », sorti sur le label Warner Classics, avec la participation de l'Orchestre de l'Académie de Santa Cecilia dirigé par Antonio Pappano, où les partenaires de Semenchuk étaient Anya Harteros et Jonas Kaufman, a reçu le prestigieux BBC Music Prix ​​​​des magazines.

Photo de V. Baranovsky Théâtre académique d'État Mariinsky

E. Semenchuk (Azucena). "Troubadour".
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

Des sentiments et des réflexions similaires sont évoqués par l'interprétation du rôle de la princesse Eboli dans « Don Carlos » de Verdi - une princesse dotée de beauté et de pouvoir, mais privée d'amour réciproque. La fête requiert également un large éventail de sentiments - de l'ivresse de tous les bienfaits de la vie de la première dame d'honneur à l'amertume de l'exil. Dans cet opéra, elle démontre l'art jeu d'ensemble presque plus que l'art du monologue.

Acucena dans « Il Trovatore » de Verdi est devenu l’opus magnum de Semenchuk. Elle y affiche une image tragique d'un pouvoir écrasant ultime, qui rappelle les acteurs du cinéma muet avec ses expressions faciales hyper expressives. Azucena n'est pas la sorcière Ulrika d'Un ballo in maschera, que la chanteuse n'a pas encore interprétée. Mais il ne contient pas moins de magie irrationnelle, un lien chamanique avec le passé, que Semenchuk parvient à démontrer à chaque fois à une échelle remarquable. Une conversation particulière concerne Didon dans « Les Troyens » de G. Berlioz, à qui une étude particulière peut être consacrée. Tant dans la performance avant-gardiste, trop futuriste et ironique de Carlos Padrissa et de l'équipe de La Fura dels Baus, que dans la performance distillée et prétentieusement esthétique de Yanis Kokkos, Semenchuk a régné sur les circonstances scéniques proposées. Avec ses entrées, elle semblait arrêter le temps d'un geste impérieux, tissant ensemble le passé, le présent et le futur. À cet égard, il est impossible de ne pas se souvenir de Cassandra, l'héroïne du même opéra, que Mlada Khudoley ne semble même pas chanter, mais prophétise majestueusement. La Reine Didon, interprétée par Ekaterina Semenchuk, a semblé ouvrir pendant plusieurs heures et instants un portail vers le passé aux auditeurs du 21e siècle.

ANNA NETREBKO : DE FEMME À REINE

E. Semenchuk (Dido). "Chevaux de Troie".
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

A. Netrebko (Natasha), E. Semenchuk (Sonya). "Guerre et Paix". 2003
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

Je ne me souviens pas d'une seule représentation avec la participation d'Anna Netrebko, où elle se permettrait une petite faiblesse et ne donnerait pas 300%, où elle dissimulerait sa fatigue vocale avec les astuces d'une femme séduisante et brillante. Non, cela n'est jamais arrivé auparavant ! Sa voix, son corps et ses pensées forment toujours une unité indissociable. Lorsqu'elle est apparue dans le rôle de Suzanne dans Les Noces de Figaro de Mozart dans la pièce de Yuri Alexandrov (créée au Théâtre Mariinsky en 1998), le public a entendu le vrai Mozart - le chanteur de l'amour, des sentiments cachés et des désirs audacieux. Avec la basse Ildar Abdrazakov, signature du Figaro, ils formaient un duo de deux cœurs aimants. Leur participation à la représentation a réconcilié ceux qui avaient compris que l’orchestre ne sonnerait toujours pas avec la réalité la manière légère, pétillante et spirituelle de Mozart. Ils formaient leur propre orchestre. Déjà dans Suzanne, référence tant vocale qu'artistique, on pouvait entendre et voir ce qu'est un chanteur-acteur. Les mots et les notes étaient alimentés par une émotion vivante, sensible aux moindres sautes d'humeur. Pour Netrebko, tout cela existait dans une triade indivisible. Les gestes ne complétaient pas le chant, mais en étaient une continuation organique. La psychophysique du chanteur, élancée et gracieuse, se reflétait dans le son - flexible, agile, rapide, rempli d'érotisme. L'auditeur, même le plus inexpérimenté, n'avait aucun doute sur le fait que c'était ainsi que devait sonner un Mozart authentique, même si les chefs d'orchestre des « Noces de Figaro » au Mariinsky n'étaient pas seulement loin, mais très loin des règles d'une « interprétation historiquement informée ». » Et Netrebko, qui ne connaissait pas non plus ces règles, ne semblait pas en avoir besoin : elle ressentait le ton de Mozart avec son sixième sens, l’intuition. Cette intuition naturelle la guidera avec confiance dans tous les rôles, jusqu'à ceux qu'elle interprète aujourd'hui, des rôles lourds et dramatiques, comme Lady Macbeth de Verdi ou Manon Lescaut de Puccini. Aida est peut-être au coin de la rue. Déjà chez Suzanne, le comportement scénique de Netrebko était clairement démontré - la capacité d'être à la fois le premier et en même temps de ressentir idéalement le partenaire, de ne pas l'obscurcir avec l'ombre de sa supériorité prima donna. Netrebko régna plusieurs saisons au Mariinsky dans La Traviata. Et ses débuts dans ce rôle au Festival de Salzbourg en 2005 dans la pièce de Willy Dekker ont finalement imposé la chanteuse comme la meilleure Violetta du début des années 2000. Dans ce rôle, elle a littéralement tout géré avec une facilité effrayante, et il semble que ce ne soit pas elle des réalisateurs, mais les réalisateurs d'elle qui ont pu apprendre l'émancipation et la liberté.

Sa Violetta - surtout et principalement dans la pièce de Willy Dekker, intentionnellement ou non, mais qui a mis en scène le spectacle comme sur Netrebko, en tenant compte de sa nature, de ses capacités vocales et physiques, de son tempérament et de son don d'empathie - était la préférée de tous, gérant pour saluer presque tous les membres de la chorale Et tous les auditeurs présents dans la salle n'avaient aucun doute sur le fait qu'Anna Netrebko était à lui pendant ces trois heures. Le chanteur a fait de ce rôle un manifeste de liberté, enivrant le public de ce sentiment, ainsi que ceux qui ont regardé et regardent la version vidéo du spectacle, qui est devenue l'un des succès incontestés. La grâce et la netteté du ballet ont été combinées dans la représentation du rôle d’Anna avec une dynamique musicale inattendue, et « l’animal de la scène » a été combiné avec la rigueur d’une tenue vocale classique idéale.

A. Netrebko (Suzanna). "Les Noces de Figaro".
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

A. Gerkalov (Georges Germont), A. Netrebko (Violetta). "La Traviata".
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

La performance d'interprétation de Netrebko était également Donna Anna dans Don Giovanni de Mozart. Dans ce rôle, elle conquiert Salzbourg et l'opéra mondial Olympe en 2002 dans la pièce de Martin Kushay et sous la direction de Nikolaus Harnoncourt. Plus tard, Netrebko a chanté Donna Anna dans diverses représentations sur différentes scènes, notamment au Théâtre Mariinsky dirigé par Johannes Schaaf, à La Scala dans la pièce de Robert Carsen, sous la direction de Daniel Barenboim. Dans ce jeu, elle semblait être entrée sur le territoire de Maria Callas - sur le territoire de la tragédie. Mais contrairement à Callas, qui a bu jusqu'au fond la coupe de la tragédie, Netrebko a traduit cette tragédie dans un registre optimiste. La vitalité de sa voix, la chaleur brûlante de ses intonations ne laissaient aucun doute sur le fait qu'elle était la principale et seulement l'amour Don Juan, le sens de sa vie.

Pendant longtemps, Anna Netrebko n'a été entendue au Mariinsky que dans trois rôles - Suzanne, Musetta de La Bohème de Puccini et Lyudmila dans Ruslan et Lyudmila de Glinka. Dans Lyudmila, avec son charme surnaturel, elle a fait preuve d’apologie du mozartisme russe, convainquant que le génie de Glinka a grandi sur Mozart. Le tournant vers les rôles dramatiques commence avec l'apparition dans son répertoire des rôles de la brodeuse maladive Mimi (La bohème de G. Puccini, mise en scène de Ian Judge au Théâtre Mariinsky) et Lucia (Lucia di Lammermoor de G. Donizetti, mise en scène de David Doiashvili, 2000, puis John Doyle, 2009). Et à chaque fois, Netrebko a détruit les stéréotypes sur l'ennui insupportable de l'opéra, insufflant une puissante pulsation de vie aux héroïnes de l'opéra. Le phénomène de la chanteuse réside dans sa forte empathie, sa capacité à révéler des images et des phénomènes profondément émotionnels. vie intérieureâmes - tout ce à quoi les opéras sont destinés. La divulgation complète de l'image est la plus valeur principale l'art d'une actrice d'opéra. On peut écouter Mimi mille fois sur des centaines, même très bons chanteurs, mais pas pour comprendre pourquoi ils montent sur scène, pour le bien de laquelle ils prennent soin de représenter la souffrance avec leurs visages. Et seuls des chanteurs comme Anna Netrebko peuvent faire soudainement comprendre à l'auditeur, par exemple, à quel point cette Mimi parisienne mourante, ordinaire et discrète a peu besoin d'être heureuse - et tout ce dont elle a besoin, c'est de l'amour du poète Rudolf. Cela s'est produit une fois au Théâtre Mariinsky lorsque Netrebko a chanté dans le même spectacle avec le ténor mexicain Rolando Villazon. C'étaient deux cœurs sérieusement enflammés d'amour, et quand Mimi mourut, les larmes coulèrent naturellement. Dans Mimi, Netrebko apparaît de manière inattendue comme une héroïne lyrique émouvante après la chansonette frivole de Musetta, qu'elle avait interprétée longtemps auparavant dans La Bohème. Il est impossible d’oublier Netrebko dans le rôle de Marfa dans « À la fiancée du tsar"Rimsky-Korsakov (pièce mise en scène par Yuri Alexandrov et l'artiste Zinovy ​​​​​​Margolin, créée en 2005), bien que dans ce rôle, le chanteur ne soit apparu sur la scène du théâtre que quelques fois. Sa capacité à s'approprier le rôle a fait son travail, et au moment du dépérissement de l'héroïne empoisonnée, il semblait que ce n'était pas Marfa qui partait dans une autre dimension, mais l'actrice ! Et c'était vraiment effrayant. Le réalisateur, bien sûr, a créé l'horreur en mettant une effrayante perruque chauve sur le chanteur.

A. Netrebko (Antonia ou Olympia), S. Aleksashkin (Miracle). "Les Contes d'Hoffmann."
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

R. Villason (Rudolph), A. Netrebko (Mimi). "Bohême".
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

A. Netrebko (Lady Macbeth).
Photo Marty Sohl/Opéra métropolitain

A. Netrebko (Lucie). "Lucie de Lammermoor".
Photo de N. Razina Théâtre académique d'État Mariinsky

Tous biographie créative chanteuse, son chemin de rôle en rôle semble la conduire à l'une des œuvres les plus marquantes de Netrebko de ces dernières années - au rôle de Lady Macbeth dans l'opéra de G. Verdi, qu'elle a chanté au Metropolitan Opera (dirigé par Adrian Noble) et à l'Opéra d'État bavarois (dirigé par Martin Kuschey ). Lors de sa représentation au Metropolitan Opera, Netrebko a créé un chef-d'œuvre absolu de la performance. Suivre non seulement chaque battement, chaque note était un plaisir incomparable, quelque peu voluptueux. Je me suis souvenu des paroles de la chanteuse qu'elle avait apprises en jouant dans des films avec Alisa Freindlich, et la grande actrice russe a joué cette sanglante héroïne au Théâtre dramatique du Bolchoï. J’ai également été frappé par l’aveu de la chanteuse selon lequel Lady Macbeth était devenue pour elle un rôle dont elle rêvait depuis longtemps. Netrebko est enthousiasmé par rôle jouéétait visible à l’œil nu. Ici s'affrontent sa beauté éblouissante, son tempérament sanguin-colérique explosif, son avidité de musique et sa musicalité volcanique. Elle a encore montré comment elle sait construire la dramaturgie de son rôle, en répartissant les forces progressivement et équitablement, sans tout jeter d'un coup, et en étant capable de maintenir un état de suspense. Comme dans Susanna de Mozart, elle surprend ici aussi par une variété infinie de nuances émotionnelles, une riche vitalité du comportement scénique, une réactivité cosmique et une implication extrême dans l’action.

Les infatigables Anna Netrebko et Ekaterina Semenchuk ne cessent d'étonner et d'étonner. Les deux promettent bien d’autres découvertes. Et ils prouvent à maintes reprises que l’art de l’opéra, vieux de quatre siècles, peut changer notre compréhension du monde et de l’homme bien plus efficacement que le cinéma ou d’autres types de théâtre, en purifiant l’âme et en apaisant les passions.

Ekaterina Semenchuk. Photo – Irina Tuminène

La diva de l'opéra parle de sa collaboration avec Anna Netrebko, Placido Domingo et de son envie de chanter de la musique de chambre.

La soliste du Théâtre Mariinsky Ekaterina Semenchuk est aujourd'hui l'une des stars les plus recherchées de la scène lyrique mondiale.

En juin, Ekaterina a été au centre du festival de Saint-Pétersbourg "Les Étoiles des Nuits Blanches", où elle a chanté la Princesse de Bouillon lors de la première de l'opéra "Adriana Lecouvreur" de Cilea, s'est produite deux fois avec Placido Domingo et a présenté une galerie de ses héroïnes dramatiques préférées : Delilah dans "Samson et Delilah", Azucena dans Il Trovatore, Amneris dans Hadès, Lady Macbeth dans Macbeth, Eboli dans Don Carlos.

En août, Semenchuk a interprété le rôle d'Amneris dans Aida de Verdi au prestigieux Festival de Salzbourg - aux côtés d'Anna Netrebko, qui fera ses débuts dans le rôle titre.

Au cours de l'entretien, qui critique musical Vera Stepanovskaya l'a pris lors des répétitions de la pièce, a admis Ekaterina en plaisantant à moitié :

« Tout le monde aime Aïda : quelle fille malheureuse, comme elle souffre, Radamès l'aime, mais cette formidable Amnéris « grogne » constamment quelque chose. Et qui aura pitié d'Amneris ? De quoi est-elle coupable ?

Mais la conversation a commencé avec sa dernière œuvre au Théâtre Mariinsky - le rôle de la Princesse de Bouillon dans Adriana Lecouvreur.

– Dans la vraie vie vous êtes une personne très agréable, douce et intelligente, et votre héroïne de l'opéra tue sa rivale en lui envoyant un bouquet de violettes empoisonnées. Comment parvenez-vous à trouver en vous les couleurs de cette image, à dépeindre la jalousie qui vous permet d'empoisonner votre rivale et de la détruire physiquement ?

– Toutes ses héroïnes, à l’exception de Lady Macbeth (même si Shakespeare a aussi amené son imagination dans un monde où tout le monde a commencé à condamner les « Macbeth assoiffés de sang », qui, en fin de compte, étaient gentilles personnes), j'essaie toujours de comprendre et de justifier, de trouver faits historiques, vérifiez l’authenticité des accusations et découvrez ce qui est devenu ce point décisionnel, ce tournant fatal.

La princesse de Bouillon, qui aurait empoisonné l'actrice Adriana Lecouvreur avec des bonbons ou des fleurs, avant même sa mort, a avoué qu'elle ne l'avait pas fait, mais elle a été traquée, persécutée toute sa vie, n'a pas été autorisée à exister en paix et elle a constamment trouvé des excuses. , essayant de prouver qu'Adriana Lecouvreur Elle est morte simplement de maladie.

Je ne crois pas que la princesse de Bouillon ait été une empoisonneuse. Et de quoi est-elle coupable devant Adriana ? Est-ce qu'elle a un mari de 80 ans qu'elle trompe avec le jeune Maurice de Saxe ? Maurice était un fils illégitime roi polonais Augusta était très affectueux, il ruina même sa carrière, mais il accéda quand même au rang de maréchal de France.

Et la princesse de Bouillon était à ce moment-là une jeune femme, elle était plus jeune qu'Adriana, elle avait 23 ans. Peut-être qu’elle était excentrique, capricieuse, mais elle ne voulait pas seulement l’amour de cet homme, elle voulait le posséder, elle voulait qu’il soit seulement à elle. Et il était avec Adriana Lecouvreur, et avec quelqu'un d'autre, et avec quelqu'un d'autre...

Et Adriana Lecouvreur pour elle n'est qu'une artiste, à cette époque un artiste était une personne qui se trouvait au bas de l'échelle sociale, ils n'étaient même pas enterrés dans la clôture de l'église.

– Au début de la représentation, ils projettent une vidéo où le cadavre d'Adriana est recouvert de chaux vive...

– Le cadavre d’Adriana Lecouvreur a bel et bien été volé. Ce que j’aime dans la mise en scène d’Isabelle Parcio-Pieri, c’est qu’elle restitue le plus fidèlement et le plus complètement possible l’atmosphère de cette époque.

Même la couleur du décor correspond à la Comédie Française de l'époque ; nous assistons à une époque où les femmes de haute société l'accès aux coulisses était fermé, car on pensait que les actrices étaient pratiquement poumon des femmes comportement.

Le réalisateur a donc décidé de montrer l’envers, ce que l’on ne voit pas habituellement. Et le rideau au début du spectacle, les costumes et la robe d'Adriana - il y a beaucoup de choses intéressantes dans les détails de cette production.

– Le rôle de la Princesse est assez dramatique...

– Il ne s’agit même pas de la façon dont cette partie est écrite, mais de la façon dont l’opéra est écrit dans son ensemble – il y a un orchestre très dense. J’avais l’intention de le chanter un peu différemment en termes de son, mais quoi qu’on en dise, c’est du vérisme. Et à cause des passions qui commencent à bouillir en vous, à cause de l'orchestre dense, des sons complètement différents, des couleurs complètement différentes naissent en vous, et parfois vous ne pouvez pas vous contrôler.

Il fallait donc très bien préparer ce lot. Vous n’avez pas besoin de prendre cela au pied de la lettre, c’est juste que ce qu’il y a en vous commence à dicter le sien à un moment donné.

– Le rôle-titre de la pièce a été interprété par Anna Netrebko. Vous avez joué beaucoup et souvent avec elle, à commencer par « Guerre et Paix » en 2000, lorsque vous chantiez Sonya, et elle était Natasha. Que pensez-vous de votre partenariat créatif ?

– J'aime vraiment jouer avec Anya, car une énergie absolument incroyable naît entre nous sur scène et nos voix se fondent harmonieusement, se complétant les timbres. Nous pouvons chanter dans n’importe quelle position, même face à face, à grande distance, mais les voix resteront toujours connectées.

Nous avons beaucoup chanté ensemble au Théâtre Mariinsky et dans d’autres lieux musicaux – « Les Contes d’Hoffmann », « Il Trovatore », le Stabat Mater de Pergolèse, des concerts et d’autres œuvres. Mais j'aimerais chanter davantage avec elle, c'est une collègue et une partenaire très sensible.

Et quand elle sent que vous vous donnez entièrement, elle vous donne aussi toute elle-même. Ce sentiment donne lieu à une étonnante euphorie créative. Incroyable! Il y a encore plus de force sur scène. Et sa positivité constante !..

– Quand Adriana laisse la princesse sortir de la pièce sombre et se rend compte qu'elle est sa rivale, vous et Anna Netrebko formez un duo incroyable.

– C’est dommage que cette scène d’« Adriana Lecouvreur » soit très courte, j’ai envie de la prolonger. Il en a été de même pour notre duo dans « Anne Boleyn » à l'Opéra de Vienne. La façon dont Anya fait son Anne Boleyn est tout simplement incroyable. Écouter et regarder procurent un grand plaisir. Ces airs, monologues avant la mort...

Elle fait de même désormais avec Adriana Lecouvreur. J'aimerais faire "La Gioconda" avec elle. Il y a aussi une débauche de couleurs et un beau et riche duo entre les rivaux.

– On critique parfois la musique de Cilea, on dit que « Adriana Lecouvreur » est un opéra conçu pour les stars qui ajoutent par leur charisme ce qui peut manquer à la musique. Que pensez-vous de la partition elle-même ?

« C’est plein de leitmotivs, principalement les thèmes d’Adriana, ce motif de sa tendresse, de son talent et de sa beauté, qui s’ouvre comme une fleur parfumée. A la fois jalousie et amour de la Princesse... Ce thème revient plus d'une fois, résonnant ouvertement dans l'air de Bouillon, mais à la fin de l'opéra, quand Adriana meurt, on comprend très bien qui est derrière cette mort, également grâce à ce leitthème .

Princesse de Bouillon est très rôle intéressant, bien qu'il soit présenté de manière plutôt concise dans l'opéra. Elle n'a qu'un seul air étendu, mais celui-ci, je le souligne, est le seul air étendu de tout l'opéra. Et le reste du texte musical est compliqué dans la mesure où il est constamment inclus dans la conversation, entrelacé avec les parties d'autres personnages. Mon rôle doit encore s’épanouir et se remplir de nouvelles couleurs dans le futur ; je n’en ai pas encore assez.

– Envisagez-vous de jouer « Adriana Lecouvreur » ailleurs ?

– Nous prévoyons de jouer un opéra avec Anna Netrebko au Théâtre Mariinsky et avec notre théâtre à prochaine saison au festival de Baden-Baden, je le jouerai à Verbier en version concert, il y a encore des projets dont il est trop tôt pour en parler.

– Dans « Les Étoiles des Nuits Blanches », vous avez présenté un autre rôle, et de surcroît assez inhabituel : celui de Lady Macbeth dans « Macbeth » de Verdi. Vous l'avez déjà chanté à l'Opéra de Valence et à l'Opéra de Los Angeles, et à chaque fois, votre partenaire dans le rôle-titre était Placido Domingo.

Domingo - ténor de renommée mondiale - dernières années chante avec succès des parties de baryton. Le rôle de Lady Macbeth a été écrit pour une soprano dramatique. En interprétant cette partie, vous passez également au répertoire soprano ?

- Non, je ne traverse pas. Je chante avec ma voix ce que je peux chanter et ce qui m'intéresse. Il y a une ligne fine entre les voix. De nombreuses basses chantent des parties de baryton et vice versa, et il existe même un concept de « baryton-basse », pourquoi alors n'y aurait-il pas une mezzo-soprano qui chante certains rôles de soprano (et il y en a pas mal), un chanteuse qui chante ce qu'elle peut et veut.

Après tout, les mezzo-sopranos chantent aussi des parties de contralto, car le contralto pur n'existe pratiquement pas, c'est une voix très rare, avec un timbre très rare, qui pour beaucoup ne sera pas très agréable.

- Travail Travail travail.

– Comment est née l’idée de jouer Lady Macbeth ?

– Probablement après avoir chanté Jane Seymour dans l'opéra Anne Boleyn. Cette partie, écrite par Donizetti, est parfois spécifiquement supérieure à celle d'Anne Boleyn, notamment les trois premières pages, qui doivent non seulement être chantées, mais magnifiquement chantées. On a donc immédiatement l’impression d’être sous une douche froide. Puis il y a un duo avec le roi (très grand également), etc.

Et même le duo entre Jane Seymour et Anne Boleyn est écrit de telle manière que Jane chante plus haut qu'Anne. Mais en théâtres modernes– nous avons chanté ainsi avec Anna Netrebko – la ligne supérieure est prise par la soprano, et la deuxième ligne par la mezzo-soprano, puis ensemble nous passons à la troisième octave. Six mois après cette partie, j'ai chanté « Macbeth ».

- C'était le tien propre souhait ou on vous l'a proposé ?

- C'était un rêve. J'ai aimé la musique de Macbeth. Et j’avais très envie de lire la lettre de Lady Macbeth, qui est en train d’être récitée... J’ai toujours rêvé de rôles dans le théâtre dramatique, cela reste encore aujourd’hui mon désir le plus profond.

Cela mûrit en moi depuis l'enfance - en plus des métiers de médecin ou d'astronaute. C'était plus réaliste de devenir médecin, je voulais même faire des études de médecine, ma famille m'a toujours soutenu, mais j'ai quand même décidé de devenir chanteuse.

J'ai chanté dans Anne Boleyn en avril et en octobre j'ai commencé les répétitions de Lady Macbeth à l'Opéra de Valence. Et j'ai appris cette partie assez rapidement. Je ne sais pas qui a exactement lancé l'invitation, mais après "Anne Boleyn", j'ai ressenti une nouvelle force pour des rôles dramatiques plus complexes et plus élevés, donc l'invitation s'est avérée très opportune.

Je suis assez critique envers moi-même, enclin à l'autocritique et toujours assez insatisfait de moi-même, je m'inquiète profondément et je travaille constamment sur moi-même. Et la période entre avril et octobre, où je préparais Lady Macbeth, a été généralement très chargée.

En plus de mes débuts dans « Anne Boleyn » et à l'Opéra national de Vienne avec ce rôle, j'ai chanté au Théâtre Mariinsky, « Il Trovatore » à Salzbourg, j'ai fait mes débuts à San Francisco dans un nouvel opéra « Louise Miller » et j'ai chanté sur scène pour la première fois Théâtre Bolchoï, et s'est également produit avec le pianiste Helmut Deutsch au Musikverein de Vienne.

– A l’automne, en passant par le Musikverein, j’ai vu leur grande affiche corporate dorée annonçant votre prochain concert solo avec Deutsch. Chantez-vous beaucoup de programmes de chambre ?

– Ensemble, nous avons interprété un programme avec « Chants et danses de la mort » et d'autres œuvres de « Mighty Handful », auquel nous avons ajouté « Ne chante pas, beauté, devant moi... » avec une vocalise originale, « Entendre les horreurs de la guerre » sur des poèmes de Nekrasov - des romances rarement chantées. Pour une raison quelconque, même un « souhait » est rarement exaucé.

En général, j'apprécie beaucoup les programmes des chambres, même si c'est un travail infernal et que les managers ne s'intéressent absolument pas à ces projets. Le Wigmore Hall de Londres, par exemple, ne peut pas vous offrir les tarifs que vous recevez dans d'autres salles. Mais vous devez décider de ce qui vous intéresse.

Je joue au Wigmore Hall depuis 17 ans maintenant. Sur dernier concert l'accueil a été si chaleureux que nous avons chanté cinq ou six rappels. Les auditeurs se sont levés et ont réagi violemment. Mais lorsque nous avons terminé les « Chants et danses de la mort » de Moussorgski, nous avons eu le sentiment que le monde était immobile - il semblait que personne ne respirait même, il y avait un silence absolu. Mais le public était étranger, majoritairement anglais.

– Il me semble que maintenant en général chanteurs célèbres a commencé à jouer moins avec les programmes de chambre. Dans ma jeunesse, je me souviens des abonnements vocaux de la Petite Salle Philharmonique, dans laquelle se produisaient Irina Arkhipova, Elena Obraztsova, Evgeny Nesterenko et Zara Dolukhanova. Et ce furent des soirées extraordinaires. Mais maintenant, il n'existe plus de tels abonnements ni même de cycles à Saint-Pétersbourg.

– J'ai toujours beaucoup chanté musique de chambre. J'étais lié au pianiste Dmitry Efimov par notre travail sur le programme des romances de Medtner et Rachmaninov - son idée originale, son idée, le projet qu'il a créé et dans lequel il m'a invité. Nous avons présenté le programme au festival Les Etoiles des Nuits Blanches en 2015. Nous voulons vraiment l'enregistrer.

Ce n'est qu'alors que nous nous sommes tournés vers Gavrilin et Tariverdiev, les compositeurs de The Mighty Handful. Et maintenant, nous préparons un programme pour le 7 novembre, jour du 100e anniversaire de la révolution. Nous souhaitons interpréter le cycle « Les soirées de Petrograd » de Milhaud, écrit en 1919, « Cinq chants sans paroles » de Prokofiev, également de 1919, et « Pétersbourg » de Sviridov, qui n'est presque jamais joué dans son intégralité.

Maintenant, je vais également vous parler d'un programme avec Semyon Borisovich Skigin, avec qui nous nous connaissons depuis plus de 15 ans : le 16 février 2018, à la salle de concert du Théâtre Mariinsky, nous jouerons « Adieu à Pétersbourg » de Glinka et « Chants et danses de mort » de Moussorgski.

– Récemment, Placido Domingo a déclaré dans une interview qu'un chanteur, lors d'une représentation, se trouve dans une situation où il ne pense pas du tout à la technique ou aux notes, mais, comme un avion, il suit son cours...

– Pour ce faire, vous devez très bien « chanter » la partie. Mais je voulais aussi dire ceci. Beaucoup de gens pensent que nous chantons simplement comme Dieu le veut. Mais cela est précédé d'un travail qui dure des décennies et se poursuit jusqu'à la fin de la vie.

Catherine, en plus du chant, a également un don dramatique prononcé, de sorte que non seulement les rôles dans les opéras, mais aussi toute romance interprétée par elle sont toute une histoire sur la vie et l'amour qui ne vous laisse pas indifférent.

"Arguments et faits"

Je suis né à Minsk. Mon père était chirurgien militaire et, de quatre à huit ans, j'ai vécu avec mes parents en RDA, dans la ville de Krampnitz, près de Potsdam, où étaient alors stationnées des unités de l'armée soviétique. Mes souvenirs d'enfance sont un magnifique jardin de châtaigniers et de prunes, dans lequel tout était parfumé, le soleil éternel, les jeunes parents. Lorsque mon père a été envoyé servir en Afghanistan, j'ai déménagé à Minsk pour vivre avec mes grands-parents. Le grand-père est originaire de Tbilissi, la grand-mère est de Kineshma et le deuxième Guerre mondiale les a réunis en Biélorussie.

Ma famille est composée de personnes qui sont pour moi un exemple de vraie gentillesse, de la façon dont une personne peut aimer ses proches, sa patrie et son travail. Grand-mère, par exemple, travaille toujours comme médecin parce qu'elle ne peut imaginer la vie sans son travail préféré.

Grand-père était un arbitre de basket-ball de toute l'Union qui a consacré toute sa vie à ce sport. En même temps, il était très galant, m'a appris à danser le tango et la valse, m'a inculqué l'amour de la romance - j'ai grandi en écoutant sa bibliothèque musicale avec des enregistrements de Piotr Leshchenko, Alexander Vertinsky, Alla Bayanova et d'autres grands artistes. Cependant, tout comme sur le rock and roll de ma mère, sur chansons folkloriques ce papa aimait; J'adorais le jazz et Ella Fitzgerald, ainsi que les groupes du Leningrad Rock Club, en particulier « Auktsion » - bien sûr, je suis très différent.

Je suis allé à l'école de musique pour apprendre à jouer de l'accordéon sous l'influence du talent de mon grand-père, qui jouait magistralement de cet instrument. Depuis mon enfance, je voulais chanter et j'ai été acceptée dans la chorale de cette école, dont la chef, Natalya Mikhailovna Agarova, est absolument merveilleuse. une femme sympa, a finalement déclaré: "Katenka, je vous prie de vous essayer en tant que chanteuse d'opéra - allez au conservatoire et auditionnez avec le professeur Sergei Dmitrievich Oskolkov." Je me souviens de lui avoir montré la chanson "The Volga River is Deep" - je l'adore mélodies folkloriques et je peux même chanter avec une voix « folk ». Il m'a écouté, s'est appuyé en arrière sur sa chaise, m'a regardé à travers d'épaisses lunettes et m'a dit : "Eh bien, pas mal." Ensuite, cela m'a semblé la note la plus élevée, je me sentais comme une simple star. En 1997, j'ai finalement déménagé à Saint-Pétersbourg, j'ai réintégré le Conservatoire N. A. Rimsky-Korsakov, dans la classe d'Evgenia Stanislavovna Gorokhovskaya, qui deux ans plus tard m'a littéralement conduit par la main au Théâtre Mariinsky, où j'ai fait mes débuts en tant que Lelya dans "Snow Maiden". Mon arrivée au théâtre a tragiquement coïncidé avec la mort de mon père, qui était mon plus fervent fan et qui, avec ma mère, a tout fait pour que je réussisse en tant que chanteur d'opéra.

Carmen.Théâtre Mariinsky.

Après les débuts dans The Snow Maiden, il y a eu la première de l'opéra Guerre et Paix, mis en scène par Andrei Konchalovsky, dans lequel Anna Netrebko chantait Natasha Rostova et moi chantions Sonya. Anya et moi avons récemment regardé des photographies de ce spectacle, que nous avons joué pour la première fois au Metropolitan Opera, et nous avons beaucoup ri en nous souvenant de cette époque. D'ailleurs, à ma grande honte, ce printemps seulement j'ai obtenu mon diplôme du Conservatoire avec mention : juste l'année de l'obtention de mon diplôme, à l'été 2001, j'étais en tournée avec le théâtre de Covent Garden à Londres, puis à Baden- Bade et Salzbourg.

Lors de son premier Festival de Salzbourg, elle a chanté Polina dans La Dame de Pique avec un casting incroyable : Larisa Dyadkova - Comtesse, Galina Gorchakova - Lisa, Placido Domingo - Herman, Nikolai Putilin - Tomsky. L’ovation debout sur le sol me semblait irréelle. La même soirée incroyable s'est produite au Théâtre du Châtelet à Paris, où Vladimir Galuzin a chanté Herman et Elena Obraztsova a chanté la Comtesse. Je pensais que dans le final, les murs s'effondreraient sous les applaudissements. Il y a des spectacles qu’on ne peut pas oublier toute sa vie et qui semblent l’éclairer.

Soliste du Théâtre Mariinsky en février 2015 est devenu participant à un événement grandiose dans le monde musique classique: pour le concert et l’enregistrement à Rome de « Aïda » de Verdi par l’orchestre et le chœur de l’Académie de Santa Cecilia, le chef d’orchestre Antonio Pappano a réuni un casting de rêve – le meilleur possible au monde aujourd’hui. Catherine a été invitée à jouer le rôle d'Amneris, qu'elle avait déjà interprété avec un succès retentissant à La Scala, au Teatro Real San Carlo et au Théâtre Mariinsky. Cette sortie historique sera publiée par le label majeur Warner Classics.

Concert avec Semyon Skigin au Théâtre Mariinsky. « J'ai toujours un nouveau programme avec chaque pianiste ; ils ne se répètent jamais. Cette année, avec Semyon Skigin, nous avons présenté un programme « gitan » à Moscou et à Saint-Pétersbourg, qui comprenait le cycle Dvorak, le français et musique américaine, anciens romans russes.

En mai, « Aïda » au Théâtre Mariinsky et un concert solo au Konzerthaus de Vienne avec le maître de concert Helmut Deutsch. Programme : Tchaïkovski, Rachmaninov, Moussorgski. « Vienne a une foule tellement chaude, c'est quelque chose ! Et en même temps, elle est très bien élevée : vous chantez un bloc de Tchaïkovski lors d'un concert, et ils ne vous dérangeront pas, ils vous laisseront terminer toutes ses œuvres jusqu'au bout, même si parfois vous voulez même faire une pause dans le forme d'applaudissements afin d'avoir le temps de passer de l'ambiance d'une romance à l'autre. Mais en finale, ils vous donnent tout !

Avril 2015 « Anne Boleyn » à l'Opéra de Vienne. « C'était mes débuts à l'Opéra de Vienne et un nouveau rôle pour moi. Il y avait très peu de répétitions, je devais le chanter à haute voix deux fois par jour, en le « piétinant » moi-même. La partie de Jane Seymour pour mezzo-soprano est écrite encore plus haut en voix que la partie d'Anne Boleyn, destinée à soprano : le rideau s'ouvre, et les deux premières pages de Jane chantent dans une sorte de impensable tessiture. Tout se déroule à un tel rythme que le public à la fin se contente de sangloter et de crier. Au final, je ne suis pas seulement satisfait, je suis heureux.

http://www.sobaka.ru/city/theatre/37483