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Chefs-d'œuvre de la culture mondiale. Architecture

  • 12.06.2019

ACROPOLE D'ATHÈNES

PHIDIAS

L'HISTOIRE D'UN CHEF-D'ŒUVRE

Acropole d'Athènes

Nom Acropole à Athènes

Date de création : Ve siècle. AVANT JC.

Architecture de forme d'art

Style architecturalarchitecture antique

But a agi comme un sanctuaire religieux pour tout l'Attique

Aspect architecturalL'Acropole domine tout Athènes, sa silhouette façonnant l'horizon de la ville. Dans les temps anciens, le Parthénon s'élevant au-dessus des collines pouvait être vu de n'importe quelle partie de l'Attique et même par les navires naviguant vers le rivage. La composition réfléchie de l'ensemble, les proportions parfaitement trouvées, la combinaison flexible de divers ordres et la modélisation la plus fine des détails architecturaux font des bâtiments de l'Acropole la plus haute réalisation de l'architecture grecque antique et l'un des monuments les plus remarquables de l'art mondial.

Solution de conceptionLors de la construction de l'Acropole, Phidias a utilisé un système d'ordre comprenant trois ordres : ionique, dorique et corinthien. De plus, lors de la construction de l'Erechthéion, il n'a pas utilisé de système d'ordre, mais a utilisé des caryotides. Tous les temples de l'Acropole représentent des figures de dieux mêlées à des personnages.

Matériaux Tous les éléments structurels de l'Acropole, y compris les tuiles et les marches en stylobate, ont été taillés dans du marbre pentélique local, presque blanc immédiatement après l'extraction, mais acquérant au fil du temps une teinte jaunâtre chaude. Aucun mortier ni ciment n’a été utilisé et la maçonnerie a été réalisée à sec. Les blocs ont été soigneusement ajustés les uns aux autres, connexion horizontale entre eux a été réalisé à l'aide d'attaches en fer pour poutres en I placées dans des rainures spéciales et remplies de plomb, verticalement - à l'aide de broches en fer.

Dimensions environ 300 m de long et 170 m de large

Phidias (vers 490 avant JC Athènes)

Grands travaux

  • Athéna Promachos sur l'Acropole, vers 460 av. e.
  • Zeus Olympien

L'idée du travailL'Acropole d'Athènes, qui est une colline rocheuse de 156 mètres au sommet plat. En 447, la supervision des travaux fut confiée au célèbre sculpteur Phidias, qui, apparemment, fut l'auteur du programme artistique qui constituait la base de l'ensemble du complexe, de son aspect architectural et sculptural.

437-432 Propylées et temple de Nike Apteros

421-406 Érechthéion

448-432 Parthénon

Le sort de l'œuvre

Destruction Les temples de l'Acropole ont été reconstruits à plusieurs reprises en raison des fréquentes guerres.

Reconstruction Après la déclaration de l'indépendance grecque, lors des travaux de restauration (principalement à la fin du XIXe siècle), l'aspect ancien de l'Acropole a été restauré autant que possible.

L'apparence d'aujourd'huiRestant sous à ciel ouvert les sculptures ont désormais été remplacées par des copies. De nombreux reliefs et sculptures se trouvent dans des musées du monde entier.

Faits intéressantsAu XVe siècle, le Parthénon fut transformé en mosquée, à laquelle furent ajoutés des minarets, et l'Erechthéion devint le harem du pacha turc.

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COLISÉE

L'HISTOIRE D'UN CHEF-D'ŒUVRE

Colisée

(Amphithéâtre Flavien)

Brèves informations sur le travail

Nom Colisée (Amphithéâtre Flavien).

Date de création 75 - 80 ANNONCE

Lieu de construction : Italie, Rome

Architecture de forme d'art

Style architecturalarchitecture antique

But diverses représentations ont été données dans les amphithéâtres : batailles navales, batailles

des gens avec des animaux exotiques, des combats de gladiateurs.

Aspect architecturalLe Colisée romain était un immense bol rempli de

rangées de sièges en escalier, fermées à l'extérieur par un anneau elliptique

mur.

Solution de conceptionen plan, le Colisée est une ellipse. L'arène est séparée par un haut

mur depuis les sièges des spectateurs. Autour de l'arène, s'élevant progressivement, il y avait

sièges pour les spectateurs, séparés par de larges allées. Quatre sont entrés à l'intérieur

gradins de sièges, qui correspondaient à l'extérieur à trois gradins d'arcades : dorique

Ionique et Corinthien. Le quatrième étage était vide, avec des pilastres corinthiens.

Matériaux Le Colisée est construit en tuf, les murs extérieurs sont en matériau plus dur

Du traventin, de la brique et du béton ont été utilisés pour les voûtes et les murs.

Dimensions longueur – 188 m, hauteur – 48,5 m, circonférence – 520 m.

Historique de la création de l'œuvre

L'idée du travailau Colisée, des spectacles populaires à Rome étaient organisés - combats de gladiateurs, combats avec des animaux et même batailles navales - naumachie (alors l'arène était remplie d'eau). De plus, des compétitions équestres y avaient lieu, compétitions sportives et quelque chose de similaire aux concerts modernes. Organiser de tels spectacles était l'une des responsabilités tacites la classe dirigeante et c'était un moyen sûr de gagner l'amour du peuple. Question d'importance nationale, également associée à des dépenses importantes, la tenue de jeux était réglementée par de nombreuses lois.

Durée et étapes de constructionLe Colisée a été utilisé aux fins prévues pendant quatre siècles et demi, et pendant cette période, il a été achevé à plusieurs reprises, partiellement reconstruit et réparé sans modifier la conception globale. En 217, les étages supérieurs brûlèrent dans un incendie provoqué par la foudre, mais ils furent reconstruits. En 248, le millénaire de Rome fut solennellement célébré dans l’Amphithéâtre. Le dernier combat de gladiateurs eut lieu en 404 et, en 405, ces spectacles furent interdits car contraires à l'esprit du christianisme, qui était alors devenu la religion dominante. Selon certains témoignages, au milieu du Ve siècle, le Colisée conservait encore son aspect d'origine, mais 50 ans plus tard, il fut gravement détruit, peut-être à la suite d'un tremblement de terre. La persécution des animaux a eu lieu au Colisée pendant plus d'un siècle - la dernière a eu lieu en 523, après la chute de l'État romain. Pendant un certain temps, l'amphithéâtre fut occasionnellement utilisé comme arène, mais aux VIIIe et IXe siècles, il fut complètement abandonné.

Le sort de l'œuvre

Destruction Peu à peu, l'amphithéâtre a fondu - ses pierres ont été démantelées, le niveau inférieur des arches est progressivement devenu souterrain, des arbres ont poussé sur les ruines et même des animaux sauvages ont vécu. Les Arènes n'ont commencé à être perçues comme un monument historique et architectural qu'au XVIIIe siècle. Le premier pape touché par le sort du Colisée fut Benoît XVI. Il l'a vénéré comme le lieu où de nombreux martyrs chrétiens ont trouvé la mort (même si tous les érudits modernes ne sont pas d'accord avec cela), et en souvenir de leurs souffrances, il a installé une immense croix au milieu de l'arène et plusieurs autels à proximité. Ces symboles existèrent jusqu'en 1874.

Reconstruction Et depuis lors, le Colisée a été constamment restauré : en différentes périodes ils ont renforcé les murs restants qui risquaient de s'effondrer, réparé les escaliers intérieurs, complété certaines parties perdues, procédé à des fouilles et découvert des salles souterraines. En 1997, une grande étude du Colisée a été réalisée à l'aide d'équipements laser et infrarouges modernes. Ces travaux ont permis de créer carte précise amphithéâtre et identifier les endroits de plus grande déformation de la structure.

L'apparence d'aujourd'huiLe Colisée est encore si impressionnant et si original que quiconque y entre peut, s'il le souhaite, voir un instant ce gigantesque édifice tel qu'il était, lorsque des milliers de visages brûlants se tournaient vers l'arène, et là, parmi les tourbillons de poussière, des flots de sang coulèrent et il y eut une lutte si acharnée que le langage humain est impuissant à décrire. Mais l’instant d’après, la désolation et la sombre grandeur de ces ruines suscitent chez le visiteur une tranquille tristesse ; et, peut-être, ne sera-t-il plus jamais aussi excité et choqué par tout autre spectacle qui n'est pas directement lié à ses sentiments et expériences personnels... C'est le spectacle le plus impressionnant, le plus solennel, le plus majestueux et le plus sombre qu'on puisse imaginer.

Faits intéressantsPour construire le Colisée, il a fallu drainer le lac. Il était

conçu pour 50 000 spectateurs. Il était possible de sortir dans l'arène en même temps

3 000 gladiateurs. Le placement des personnes s'est effectué selon des critères sociaux :

des sièges de niveau inférieur pour l'empereur, son entourage et les sénateurs ; deuxième, troisième -

pour les cavaliers et les citoyens romains ; le quatrième - pour les affranchis. Système

des galeries et de nombreuses entrées ont permis de remplir et de vider rapidement le bâtiment.

Pour protéger les spectateurs du soleil sur tout l'amphithéâtre sur de hauts mâts,

Monté sur le mur du quatrième étage, un auvent (velarium) était tendu. Au fond

Dans les sous-sols du Colisée, il y avait des salles pour les gladiateurs et des cages pour les animaux.

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PARTHÉNON

ICTIN ET KALLICRATE

L'HISTOIRE D'UN CHEF-D'ŒUVRE

Parthénon

Brèves informations sur le travail

Nom Parthénon

Date de création 447-438. avant JC

Lieu de construction Grèce, Athènes

Architecture de forme d'art

Style architecturalArchitecture ancienne

But le temple principal de l'Acropole, dédié à la déesse Athéna

Aspect architectural.Le Parthénon dans sa forme actuelle est un périptère d'ordre dorique reposant sur trois marches en marbre (hauteur totale environ 1,5 m), avec 8 colonnes aux extrémités et 17 sur les côtés (si l'on compte deux fois les colonnes d'angle). La hauteur des colonnes du péristyle, composées de 10 à 12 tambours, est de 10,4 m, leur diamètre à la base est de 1,9 m, les colonnes d'angle sont légèrement plus épaisses (1,95 m). Les colonnes ont 20 cannelures (rainures verticales) et se rétrécissent vers le haut. L'intérieur du temple, ou cella (dimensions extérieures 21,7-59 m), est surélevé au-dessus du stylobate de deux marches supplémentaires (hauteur totale 0,7 m) et comporte aux extrémités des portiques prostyles à six colonnes, dont les colonnes sont légèrement plus basses. que dans la colonnade extérieure. La cella est divisée en deux pièces. Celle de l'est, plus longue et appelée hécatompédon (dimensions intérieures 29,9-19,2 m), était divisée en trois nefs par deux rangées de 9 colonnes doriques, qui étaient fermées à l'extrémité ouest par une rangée transversale de trois colonnes supplémentaires. On suppose qu'il y avait un deuxième niveau de colonnes doriques, situé au-dessus du premier et fournissant la hauteur de plafond requise. Dans l'espace limité par la colonnade interne, se trouvait un chrysoéléphantin colossal (12 m de haut) (en or et Ivoire) statue culte d'Athéna par Phidias. Les plafonds de la salle ouest de la cella (dimensions intérieures de 13,9 à 19,2 m) reposaient sur quatre hautes colonnes, vraisemblablement ioniques.

Solution constructive.Toutes les lignes du temple semblent parfaitement droites, car les architectes ont pris en compte les particularités de la vision humaine : pour que les lignes droites ne paraissent pas concaves, elles ont été rendues convexes. Toutes les lignes du Parthénon, tous ses plans sont courbes, légèrement arrondis, les colonnes s'inclinent vers l'intérieur, les distances entre elles sont différentes, bien qu'elles paraissent identiques, les colonnes d'angle sont plus massives et plus proches de leurs voisines, sinon dans la lumière soleil, ils sembleraient minces.

Matériaux. Tous les éléments de la structure du Parthénon, y compris les tuiles et les marches en stylobate, ont été taillés dans du marbre pentélique local, presque blanc immédiatement après l'extraction, mais acquérant au fil du temps une teinte jaunâtre chaude. Aucun mortier ni ciment n’a été utilisé et la maçonnerie a été réalisée à sec. Les blocs ont été soigneusement ajustés les uns aux autres, la connexion horizontale entre eux a été réalisée à l'aide d'attaches en fer pour poutres en I placées dans des rainures spéciales et remplies de plomb, la connexion verticale a été réalisée à l'aide de broches en fer.

Dimensions. Les dimensions du temple en plan (le long du stylobate) sont de 30,9 à 69,5 m.

Iktin (seconde moitié du Ve siècle avant JC)

Des années d'activité créative.Architecte grec ancien 2ème étage. 5ème siècle avant JC e. Le plus grand architecte de la période classique.

Grands travaux

  • Odéon de Périclès à Athènes
  • Temple d'Apollon à Bassae, ca. 430 avant JC

Callicrate (milieu du Ve siècle avant JC)

Des années d'activité créative.Architecte grec ancienser. 5ème siècle avant JC e. Représentant de la période classique

Grands travaux

  • Parthénon, Athènes, Ve siècle. AVANT JC.
  • Temple de Nike Apteros, Athènes, ca. 420 avant JC

Phidias (mend. 5ème siècle avant JC e. - D'ACCORD. 432-431 avant JC e.)

Des années d'activité créative.Sculpteur grec ancien de la haute période classique.

Grands travaux

  • Athéna Promachos sur l'Acropole, vers 460 avant JC e.
  • Zeus Olympien
  • Athéna Parthénos, Athènes, consacrée en 438 av. e.
  • Décoration sculpturale du Parthénon, Athènes

Historique de la création de l'œuvre

L'idée du travail.Le Parthénon est le centre de l'Acropole d'Athènes, l'un des temples les plus majestueux de la Grèce antique, dédié à Athéna, il présente un certain nombre de caractéristiques uniques. (Le Parthénon est construit en forme de périptère).

Durée du chantier.La construction du Parthénon a duré 16 ans et s'est achevée en 432 avant JC. e.

Le sort de l'œuvre

Destruction. A l'époque byzantine, au début du VIIe siècle, le Parthénon devint église chrétienne Sainte-Sophie. La structure interne du temple a subi une modification radicale. Lors de la construction de l'abside, toutes les figures centrales du fronton oriental furent détruites. En 1456, Athènes fut prise par les Turcs. L'Acropole est devenue une forteresse turque. Le Parthénon a été transformé en mosquée. En 1685, la guerre éclate entre la Turquie et la République de Venise. Les Turcs installèrent un entrepôt de poudre dans le Parthénon. Lors de son explosion, toute la partie centrale du temple fut détruite, à l'exception du mur occidental, et la plupart de colonnades. Les Vénitiens voulaient emporter les sculptures comme trophée, mais elles se sont cassées car elles n'ont pas bien résisté après l'explosion.

Reconstruction La restauration du temple a commencé en XIXème siècle. La colonnade nord et les sculptures du fronton (moulages en ciment additionnés de copeaux de ciment) ont été restaurées. Dans les années 1950, le sol du temple a été restauré.

L'apparence d'aujourd'hui.De nos jours, il ne reste que le mur ouest du volume central. Des sculptures originales, il ne reste que deux figures du fronton ouest et une frise sur le mur ouest. Le Parthénon d'aujourd'hui, ou plutôt ses ruines majestueuses, est blanc.

Faits intéressants.Aujourd'hui, le Parthénon est à juste titre considéré comme l'un des plus grands exemples d'architecture ancienne, un chef-d'œuvre de l'art et de la sculpture mondiaux.

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PYRAMIDES DE GIZA

L'HISTOIRE D'UN CHEF-D'ŒUVRE

Brèves informations sur le travail

Nom de la pyramide de Gizeh

Date de création V siècle. AVANT JC .

Lieu de construction Egypte, Gizeh

Architecture de forme d'art

Style architectural

But tombeaux des pharaons

Aspect architecturalL'ensemble comprend le Sphinx et trois grandes pyramides : Khéops, Khafré et Mekerin. Ce dernier possède trois autres petites pyramides satellites. Chaque pyramide comprend un temple mortuaire en amont et en aval du Nil, ainsi qu'un couloir les reliant. Le Sphinx est une statue de lion à tête humaine.

Solution de conceptionles trois monuments sont disposés en diagonale, mais de telle manière qu'aucun ne cache le soleil aux autres.

Matériaux pierre

Dimensions La pyramide de Khéops est la plus grande : elle est carrée, chaque côté mesure 250 m. Chaque pierre mesure au moins 10 m. Au début, il mesurait 146 m de haut, aujourd'hui il n'atteint que 137 m et à la place du sommet s'est formée une plate-forme de 10 m de large. La hauteur de la pyramide de Khafré est inférieure à celle de la précédente, mais son sommet est au même niveau qu'elle, puisqu'elle se trouve à un endroit plus élevé. La Pyramide de Mekerin atteint à peine 66m. La longueur du Sphinx est de 73 m.

(Date et lieu de naissance)

Éducation

Des années d'activité créative

Date et lieu du décès

Grands travaux

  • (Nom, lieu et date de construction)

Historique de la création de l'œuvre

L'idée du travail

Durée et étapes de constructionAu début, ils ont passé 10 ans à construire une route le long de laquelle les pierres étaient traînées, mais ce n'était rien comparé à la construction de la pyramide elle-même. Elle a nécessité 20 ans de travail. La pyramide fut d'abord construite sous la forme d'un grand escalier, composé de ce que certains appellent des créneaux, et d'autres des marches. Cette forme permettait de soulever les pierres restantes.

Le sort de l'œuvre

Destruction L'ensemble de la pyramide de Khéops a été presque entièrement détruit, tandis que l'ensemble de la pyramide de Khafré, au contraire, a été en grande partie conservé.

Aucune reconstruction n'a été réalisée.

L'apparence d'aujourd'huiont survécu jusqu'à ce jour.

Faits intéressantssur la pyramide de Khéops, il y a des inscriptions indiquant combien d'argent a été dépensé pour acheter du raifort, des oignons et de l'ail pour nourrir les ouvriers. Le montant des dépenses atteint 6 000 talents d'argent, soit 40 000 kg.

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STONEHENGE

L'HISTOIRE D'UN CHEF-D'ŒUVRE

Stonehenge

Brèves informations sur le travail

Nom Stonehenge

Date de création 3500 - 1100 AVANT JC.

Lieu de construction : Grande-Bretagne, Angleterre

Forme d'art Architecture

Style architecturalArt primitif

But Peut-être que Stonehenge, servant de temple du Soleil, était un lieu de cérémonies rituelles et d'enterrements, et servait également de symbole terrifiant du pouvoir des prêtres. Une autre version ne peut être exclue, selon laquelle Stonehenge, agissant comme un observatoire astronomique, permet de compter avec précision les jours, de marquer le début de la saison et de prédire le début des éclipses solaires et lunaires.

Aspect architecturalStonehenge se composait de deux salles encerclées au centre, avec un autel en forme de fer à cheval installé.

Matériaux Pour la construction du complexe, les pierres ont été livrées depuis une carrière située à plus de 300 kilomètres du chantier de construction.

Dimensions En général, Stonehenge est une structure de 82 mégalithes de cinq tonnes, 30 blocs de pierre pesant 25 tonnes et 5 énormes trilithons, pierres dont le poids atteint 50 tonnes. Des blocs de pierre pliés forment des arcs qui servaient autrefois de parfait indicateur des directions cardinales.

Historique de la création de l'œuvre

Durée et étapes de constructionStonehenge I était un fossé circulaire avec deux salles. Il y a 56 petits « trous Aubrey » funéraires situés en cercle le long du puits extérieur. Au nord-est de l’entrée du ring se trouvait une énorme pierre à talons de sept mètres de haut. Lors de la construction de Stonehenge II, une allée en terre a été aménagée entre la Heel Stone et l'entrée. Deux anneaux de 80 énormes blocs de pierre bleue ont été érigés, qui ont probablement été transportés à 320 km du sud du Pays de Galles. Au stade final de la construction, les mégalithes ont été réorganisés.Les pierres bleues ont été remplacées par une colonnade annulaire de 30 trilithons, chacun constitué de deux pierres verticales et d'une dalle horizontale reposant sur elles. Un fer à cheval composé de cinq trilithons autoportants a été installé à l'intérieur du ring.

Le sort de l'œuvre

L'apparence d'aujourd'huiAujourd'hui, il n'y a pas de réponse claire à la question de savoir ce qu'étaient ces étonnantes structures architecturales anciennes : un temple, une nécropole, un observatoire, mais en tout cas, l'histoire de l'architecture a commencé avec elles.

Faits intéressantsLe célèbre astronome Fred Hoyle, après avoir étudié toutes les caractéristiques géométriques de Stonehenge, a déterminé que les créateurs de cette structure connaissaient la période orbitale exacte de la Lune et la durée de l'année solaire. Selon les conclusions d'autres chercheurs, les trous situés à l'intérieur du cercle formé par des blocs de pierre indiquent exactement la trajectoire du pôle du monde il y a 12 à 30 000 ans.Selon la légende locale, les pierres bleues géantes auraient des pouvoirs de guérison ; elles seraient apparues sur ces terres grâce au magicien Merlin, sorcier à la cour du roi Arthur, qui les aurait ramenées d'Irlande. L’origine de l’énorme Heel Stone est liée à une autre légende. On raconte qu'un jour le diable aperçut un moine caché parmi les pierres. Avant que le malheureux ne puisse s'échapper, le diable lui lança un énorme rocher qui l'écrasa au talon. Pendant longtemps les ruines de Stonehenge étaient associées au culte sacerdotal des anciens Celtes-Druides, bien que les experts nient ce lien.

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PALAIS MIKHAILOVSKI (MUSÉE RUSSE)

DATE DE CRÉATION 1819-1825

HISTOIRE DE LA CRÉATIONEn 1798, Paul Ier ordonna de consacrer chaque année plusieurs centaines de milliers de roubles à la construction de son palais. Le plus jeune fils Mikhaïl. L'empereur n'a jamais eu la chance de voir l'incarnation de son idée, en conséquence coup de palais il est mort. La décision de commencer la construction a été prise par l'empereur Alexandre Ier. L'architecte du château Mikhaïlovski en construction étaitKarl Ivanovitch Rossi . Il commença à travailler sur le projet en 1817, alors qu'il était prévu de construire la première résidence du Grand-Duc sur le site.Palais Vorontsov , et puis - sur placeLa maison de Tchernychev . Après la décision de construire un palais sur ce terrain vague,Russie a commencé à créer un projet non seulement pour la reconstruction de bâtiments existants, mais pour un nouvel ensemble architectural urbain. La cérémonie d'inauguration du bâtiment a eu lieu le 14 juillet et la construction a commencé le 26 juillet. Rossi a relié le palais Mikhaïlovski àPerspective Nevski nouvelle rue Mikhailovskaya, qui se transforme enPlace Mikhaïlovskaïa directement devant le palais. La rue Mikhailovskaya offre une vue sur le bâtiment principal du bâtiment, flanqué de deux bâtiments de service. L’un d’eux abritait des cuisines, l’autre une arène et des écuries. De l'exterieurChamp de Mars un jardin est apparu au palais - Mikhaïlovski. La construction du bâtiment fut achevée en 1825.

ASPECT ARCHITECTURALLe Musée Russe fait partie de l'ensemble du Palais Mikhaïlovski et du Château de l'Ingénierie.Le palais Mikhaïlovski se situe entre la perspective Nevski et le Champ de Mars. Déjà depuis la perspective Nevski, dans la perspective de la rue, on apercevait au-dessus de l'arcade du premier étage un portique magnifique, aux proportions remarquables, avec des colonnes corinthiennes et un fronton sculpté richement décoré. Il y a une colonnade de vingt troncs sur toute la largeur de la façade, reposant sur les saillies latérales. Du côté du jardin, dans le même ordre corinthien à douze colonnes, se trouve une loggia placée entre deux massives couronnées de petits frontons.Le large escalier en granit à l'entrée du bâtiment est orné de deux statues de lions.

FAITS INTÉRESSANTSLe Musée russe est l'un des plus célèbres non seulement de Saint-Pétersbourg, mais de toute la Russie. Ici vous pouvez voir des œuvres d'art d'Andrei Rublev, F. Shubin, K. Bryullov, F. Bruni, O. Kiprensky, A. Ivanov, I. Repin, A. Kuindzhi, I. Shishkin, V. Serov, M. Vrubel. , B. Kustodiev, K. Malevich, M. Chagall, K. Petrov-Vodkin et d'autres grands artistes russes.

DATE DE CRÉATION 1806-1819

HISTOIRE DE LA CRÉATIONDepuis 1704, sur l'île de l'Amirauté, située sur la rive gauche de la Neva et limitée au sud par la Moïka, la construction du chantier naval de l'Amirauté a commencé - selon les dessins de Pierre Ier lui-même. Avec la forteresse Pierre et Paul , c'était la base de la composition architecturale de la ville. Dans les années 1730, un terrible incendie a dévasté la partie centrale de Saint-Pétersbourg et une commission spécialement créée a commencé à élaborer un plan pour son nouveau développement. L'architecte Ivan Korobov, abandonnant la disposition générale originale en forme de U de l'Amirauté, a remplacé les bâtiments à colombages par des bâtiments en pierre. Au début du XIXe siècle, Andreyan Zakharov commença à travailler à la création d'un nouveau bâtiment de l'Amirauté.

ASPECT ARCHITECTURALLa nouvelle Amirauté a été conçue comme une sorte de monument à la flotte russe et son entrée centrale a donc été conçue sous la forme d'un arc de triomphe. Le bâtiment se compose de deux bâtiments en forme de U : le bâtiment extérieur, destiné au département de l'Amirauté, et le bâtiment intérieur, où se trouvaient les ateliers. L'architecte a répété le motif de l'arc sur les façades des pavillons symétriquement situés face à la Neva. La décoration sculpturale de l'Amirauté est unie par un thème : la glorification de la puissance de la Russie. Devant l'entrée principale des deux côtés se trouvent des figures monumentales de nymphes soutenant les sphères célestes (1812, sculpteur F.F. Shchedrin). Au-dessus de l'arc de la tour se trouve un haut-relief « L'établissement de la flotte en Russie » (1812, sculpteur I.I. Terebenev) d'environ 22 mètres de long.

Une tour avec une flèche a été construite selon le projet d'Ivan Korobov. Plus tard, l'architecte Andreyan Zakharov a augmenté la hauteur de la flèche à 72 m et l'a couronnée d'une girouette en forme de frégate à trois mâts.

DATE DE CRÉATION 1819 - 1829

HISTOIRE DE LA CRÉATIONLe projet du bâtiment de l'état-major élaboré par Rossi prévoyait la liaison de deux grands bâtiments situés en arc de cercle avec un arc de triomphe central. Il a été décidé de placer l'état-major dans l'aile droite (ouest). forces terrestres, et à gauche (à l'est) - le ministère des Affaires étrangères et des Finances. Les travaux de construction avancèrent rapidement le 23 octobre 1824. Rossi rapporta à ses supérieurs que toute l'immense façade était déjà prête. Dès que les ailes furent érigées, ils commencèrent à tracer un arc entre elles. L'Arc de Triomphe a été conçu par la Russie comme un monument aux exploits héroïques du peuple russe lors de la libération. Guerre patriotique 1812.

ASPECT ARCHITECTURALL'arc, principal noyau compositionnel et spatial du bâtiment, est renforcé par des colonnes corinthiennes jumelées sur les côtés et un grenier avec une extrémité en escalier. L'édifice est couronné par le char de la Victoire, tiré par six chevaux. L'ensemble de cette composition centrale spectaculaire, aux proportions proches d'un carré, est toujours soutenue des deux côtés par le rythme vertical clair des portiques corinthiens à neuf colonnes.Riche en décor sculptural, la solution monumentale du centre etle rythme élancé des colonnes des portiques des ailes latérales est particulièrement expressif sur fond de façade neutre et stricte face à la place.L'ensemble des culées en arc est souligné par les ferrures - des hauts-reliefs magnifiquement composés représentant des armures et des armes militaires. Au-dessus d'eux, entre les colonnes, se trouvent des statues de guerriers et d'accessoires, et sur les côtés de l'arc se trouvent des hauts-reliefs en forme de personnages volants.Il est extrêmement difficile de composer une façade d'un bâtiment d'un demi-kilomètre de long aussi simplement et en même temps avec autant de beauté. Cet effet, sur un fond généralement calme, est créé par un centre activement identifié, créé par l'arc du bâtiment et l'arc puissant aux proportions parfaites.

FAITS INTÉRESSANTSComme le disent les filles de Rossi, l’architecte et ses ouvriers sont montés tout en haut le jour de l’ouverture de l’arc. « Si l’arche tombe, je suis prêt à tomber avec elle », a-t-il déclaré.

DATE DE CRÉATION 1858

HISTOIRE DE LA CRÉATIONInitialement, une petite église en bois a été construite sur le pré de l'Amirauté, se distinguant par l'architecture modeste caractéristique des premiers bâtiments de l'époque de Pierre le Grand. Avec sa construction, Pierre Ier a décidé d'immortaliser son anniversaire, le 30 mai, qui coïncidait avec la célébration de la mémoire de saint Isaac de Dalmatie. Le 6 août 1717, sur les rives de la Neva, à peu près là où se trouve aujourd'hui le monument à Pierre Ier, avec la participation de l'empereur, des plus hauts dignitaires de l'État et du clergé, la deuxième église Saint-Isaac fut fondée. En mai 1735, un incendie se déclara suite à un coup de foudre, achevant les destructions commencées.

Le 15 juillet 1761, par décret du Sénat, la conception et la construction de la nouvelle église Saint-Isaac furent confiées à S.I. Chevakinsky, mais le talentueux architecte n'eut pas à réaliser son plan. Les dates de construction ont été reportées.

Montée sur le trône en 1762, Catherine II approuva l'idée de reconstruire la cathédrale associée au nom de Pierre Ier, mais la conception et la construction furent confiées à l'architecte Antonio Rinaldi. La cathédrale a été conçue avec cinq dômes au design complexe et un haut clocher. Le revêtement en marbre était censé ajouter de la sophistication Schéma de couleur façades. Mais la construction fut extrêmement lente. Rinaldi a été contraint de quitter Saint-Pétersbourg sans avoir terminé le travail qu'il avait commencé. La direction de la construction était dirigée par O. Montferrand.

ASPECT ARCHITECTURALImmeuble gigantesque, tapissé de marbre, surmonté d'une coupole géante et de petites coupoles de clochers Cathédrale Saint-Isaac domine la place (hauteur 101,5 m), elle est entourée de 112 colonnes monolithiques, pesant de 64 à 114 tonnes. Le temple accueille environ 14 000 personnes.Le temple est décoré de 350 reliefs et statues. Toute la décoration sculpturale de la cathédrale a été réalisée selon les modèles de I. Vitali, S. Pimenov, A. Lemer. Un ensemble grandiose de statues, bas-reliefs, vantaux de porte, deux frontons, décor sculptural, reliés par l'unité des récits bibliques et évangéliques, est organiquement inclus dans l'architectonique du bâtiment.

FAITS INTÉRESSANTSLe plafond du dôme (diamètre 21,83 m), en fer et fonte, ainsi que l'utilisation dans la construction d'une nouvelle méthode galvanoplastique pour la réalisation de bas-reliefs par l'ingénieur B.S. Jacobi témoigne du développement de la technologie et de l'ingénierie.

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    En quoi le carré noir de Malevitch est-il différent du cercle rouge à pois verts de Vassia Vatnikov ? J'ose dire que rien. Certes, n'importe quel esthète vous dira (malgré le fait que Malevitch lui-même a noté que sa peinture ne signifie rien) sur le sens caché le plus profond de l'œuvre. Cependant, on peut dire exactement la même chose du cercle rouge à pois verts de Vasya Vatnikov : le cercle de pois symbolise le cercle vicieux de l'existence, etc. Alors pourquoi le prix de deux tableaux totalement inintéressants, toutes choses égales par ailleurs, varie-t-il autant ? La réponse à cette question devrait plutôt être recherchée dans le domaine scientifique appelé éthologie, plutôt que dans l’art.

    1. Plaisir esthétique de la photo.

    Il est logique de supposer qu'un tableau, comme tout autre produit, expression créative de soi, est conçu pour procurer le plaisir esthétique de contempler un chef-d'œuvre, pour lequel les gens sont censés payer des millions. Cependant, si l'on y regarde de plus près, il devient clair que le plaisir esthétique est la dernière chose qui affecte le coût de la toile. Ce n’est pas du tout pris en compte. Après tout, si valeur principale Le chef-d'œuvre réside dans son apparence et, de ce fait, affecte une personne, alors pourquoi ses copies coûtent-elles un centime, contrairement à l'original ? Dès lors, le chef-d’œuvre lui-même, l’image elle-même, ne vaut rien, seule l’exclusivité de la toile en vaut la peine. Ou la copie perd-elle quelque chose qui fait réellement d’un chef-d’œuvre un chef-d’œuvre ? À peine, surtout compte tenu des technologies de copie d'aujourd'hui, ainsi que de la grande compétence des artistes (si l'on parle de redessin). Il n’y a qu’une seule conclusion : le prix d’un tableau n’est en rien affecté par ce qu’on appelle communément la valeur artistique. La valeur artistique vaut un centime. Et ici, c’est clairement une question d’exclusivité.

    2. Un chef-d'œuvre procure-t-il un plaisir esthétique et quelle est sa force ?

    Apparemment, même le plaisir esthétique de toutes sortes de carrés noirs était aussi quelque chose que les gens avaient imaginé pour eux-mêmes. Un exemple en est Van Gogh, qui n'a vendu qu'un seul tableau au cours de sa vie, et même celui-ci lui a été acheté par pitié. Pourquoi ses peintures n’intéressaient personne de son vivant ? Probablement parce que personne n'a ressenti de plaisir, de ravissement et d'admiration de sa « maîtrise ». Et personne n’y voyait aucun sens, et s’il y avait un sens en eux, alors personne ne s’en souciait.

    Mais soudain, quelque temps après sa mort, ses peintures commencent soudain à procurer un fort plaisir esthétique aux larges masses et acquièrent une certaine sens profond, admiré par des millions d'esthètes. C'est en quelque sorte étrange ! Comment se fait-il qu’à un moment donné, personne n’aime vos tableaux, mais que tout d’un coup, comme par magie, le monde entier tombe amoureux de vos tableaux ? D'ailleurs, cela s'applique à la plupart des artistes ; il existe même un dicton : la reconnaissance vient à l'artiste après la mort. Pour une raison quelconque, cela concerne les grands poètes, comme Pouchkine et Vysotsky, et les écrivains, comme Orwell et Boulgakov, de leur vivant, mais les grands artistes seulement après leur mort. Quelque chose cloche ici.

    Si vous considériez une certaine fille comme effrayante il y a 20 ans, elle le sera pour vous aujourd'hui. Il aime aussi regarder des images. Le fait qu'à un moment donné les peintures de l'artiste ne plaisent pas à l'œil, puis commencent soudainement à plaire à l'œil, ne fait que confirmer ce qui a été décrit dans le paragraphe ci-dessus : la valeur artistique de la toile n'intéresse personne et ne joue pas tout rôle dans la valeur du tableau, ainsi que dans sa reconnaissance comme chef-d'œuvre. Dans la plupart des cas, le plaisir esthétique est simplement inventé par le public. Seulement le artiste professionnel, et il s’agit d’une catégorie très limitée de la population, et ce n’est certainement pas eux qui achètent de telles peintures pour ce genre d’argent.



    Mark Rothko, "Orange, Rouge, Jaune". Le prix du tableau est de 86,9 millions de dollars.

    Avez-vous retiré un plaisir esthétique de la photo ? Même s’ils l’ont reçu ; même si des styles de dessin très compliqués ont été utilisés pour créer ce muini, cela ne peut même pas coûter des milliers de dollars, quelle que soit la profondeur de la signification supposée. Le prix de ce tableau est égal au prix des matériaux dépensés pour sa réalisation + supplément pour l'œuvre. Certes, avec un tel travail, cela coûte évidemment un centime. Le peintre à mon entrée a fait son travail avec négligence – il s’est avéré qu’il s’agissait d’une reconstitution des œuvres de Rothko. Seul le peintre est beaucoup moins payé.

    Il ressort des deux premiers points que ni le plaisir esthétique de regarder un tableau ni la valeur artistique ne jouent aucun rôle dans la détermination du prix. Parce que les copies de tableaux coûtent quelques centimes. Par conséquent, tout est dans l'exclusivité et l'édition limitée - c'est un et deux - la question est de savoir à qui appartient l'œuvre. À l'époque de Van Gogh, il n'y avait pas un seul artiste digne de ce nom ? Pourquoi ses peintures valent-elles des millions et que personne n’a besoin du reste pour rien ? Pourquoi, dans la Russie d'aujourd'hui, les peintures de Nikos Safronov valent-elles des milliers de fois plus que les œuvres de même qualité (et souvent plus) de milliers d'autres artistes ?

    3. Exclusivité de la toile.

    L'homme, comme nous le savons, est un animal social, et pour tous les animaux vivant ensemble dans une communauté, la question du statut joue un rôle extrêmement important, car le statut détermine la manière dont les autres membres de la communauté traiteront cet individu. Chaque communauté animale utilise divers outils pour démontrer son statut : la taille des organes génitaux, de la queue, de la crinière, le volume du rugissement et bien plus encore. Étant donné que l’homme s’est éloigné des animaux en termes de complexité de la communauté dans laquelle il vit, l’homme dispose de beaucoup plus d’outils pour démontrer son statut. Le statut est important dans absolument toutes les couches sociales de la population et dans chaque groupe, quel que soit le nombre d'individus. Même les personnes qui rejettent verbalement complètement le consumérisme (par exemple les skinheads ou les punks) dépendent entièrement de cet instinct. Et le statut peut être atteint principalement par la consommation. Par exemple, tous les skinheads des années 90 rêvaient de reptiles aux lacets blancs - une telle tenue démontrait son statut élevé parmi les primates qui l'entouraient. Et chez les punks, qui se mesurent au sang-froid de leurs Iroquois, cette caractéristique de démonstration de statut est généralement copiée sur le sauvage.

    Les personnes les plus riches utilisent, par exemple, des voitures, des yachts et des avions coûteux pour démontrer leur statut. Il ne suffit pas qu'une personne très riche s'achète un yacht sympa : il doit être le plus grand du monde. Pourquoi a-t-il besoin du plus grand yacht privé du monde, dont il n’utilisera même pas la plupart des fonctions ? Le yacht s'appelle Reste debout et démontrer son statut. Tous!

    Mais les choses les plus chères au monde sont des éditions exclusives ou limitées. Pour une personne très riche, une Mercedes ne suffit plus à démontrer son statut, car... Beaucoup de gens possèdent une Mercedes. On pourrait observer une version simplifiée de ce mécanisme dans le comportement des femmes humaines : comme elle est heureuse lorsqu'elle a acquis de beaux et chers vêtements, mais comme elle est bouleversée si tout à coup son collègue de travail arrive avec exactement le même chemisier. Elle a perdu son exclusivité et, avec cette perte, elle est devenue un statut moyen, ce qui était un motif de chagrin. Afin d'éviter de tels incidents, une personne très riche achète une montre en édition limitée pour de l'argent fou, qui, en substance, n'est pas différente des autres montres cool, à l'exception de son exclusivité. Ceux. il paie pour l'exclusivité. Les montres Rolex, par exemple, remplissent également cet objectif. Si vous distribuez des Rolex gratuites à tout le monde, elles perdront de leur valeur et personne n’en aura besoin, tout comme les montres Montana n’étaient autrefois plus nécessaires.

    D’où les scandales liés aux montres ultra chères de Peskov. Ils utilisent ces pilules comme moyen de démontrer leur statut. Si les montres de Peskov avaient été produites en quantité illimitée, elles auraient coûté mille fois moins cher. Les chefs-d’œuvre de l’art sont utilisés de la même manière. L'essentiel n'est pas ce qui est dessiné - même si c'est un véritable gâchis. L’essentiel est d’avoir une exclusivité que personne d’autre n’a ! D’où le prix élevé des originaux et faible celui des copies. Peskov vient rendre visite au patriarche, regarde - et sa montre est encore plus cool. Que peut faire le malheureux Peskov dans son chagrin ? Achetez pour le vôtre collection privée peinture pour 50 millions de dollars. À cet égard, l'art est le plus méthode efficace démonstration de statut : la montre a peut-être été publiée en édition limitée, mais quelqu'un dans le monde la possède toujours. Mais personne ne possède l’original d’un tel tableau. Qu'est-ce qui est écrit dessus ? Putain, l'essentiel c'est que moi seul l'ai !

    Ce qui est particulièrement intéressant, c'est que toutes ces règles complexes auxquelles un produit doit se conformer sont créées par les experts eux-mêmes en collaboration avec les fabricants du produit et ne peuvent être évaluation objective du côté du consommateur parce que la fonctionnalité d'un tel produit est un critère secondaire - supprimez-le de l'ensemble produits exclusifs la valeur qu'ils contiennent sous forme de marques - et la plupart d'entre eux perdront immédiatement leur grande valeur.

    Il ne reste plus qu'à comprendre selon quels critères sont sélectionnés les candidats aux futurs chefs-d'œuvre ? Pourquoi exactement le barbouillage de Rothko, Lucio Fontano, Barnett Newmon, et non le peintre de mon entrée ? Pourquoi Nikas Safronov, et pas l'artiste d'Arbat ?

    4. Exclusivité de l'artiste.

    Regardons l'exemple du même Rothko. Lorsque Rothko a commencé à peindre, il n’existait pas de marché de l’art. C'étaient les premières années d'après-guerre, l'Europe était en ruine, l'enthousiasme précoce des premiers philanthropes du début du siècle avait déjà été emporté. Grande Dépression, Et Artistes américainsétaient entièrement livrés à eux-mêmes - dans un pays qui, pour leurs raisons, n'avait ni sa propre tradition, ni sa propre mythologie, ni sa propre culture. Pas de galeries, pas de conservateurs, pas de collectionneurs, pas de critiques. Il était impossible de formuler de manière convaincante ce qu’il fallait écrire maintenant : les vieux paradigmes avaient disparu depuis longtemps, laissant la place à l’avant-garde européenne, mais même l’avant-garde n’avait pas réussi à se justifier. Et puis Rothko apparaît avec son idiot - le fondateur de la peinture abstraite sur le terrain. Qu'est-ce qui distinguait Rothko de milliers d'autres artistes et d'artistes NORMAUX ? Il fut le premier à commencer à exposer cela. Ceux. exclusif. De plus, le coût des peintures est également influencé par la tragédie de la vie de l’artiste. Et Rothko s'est coupé les poignets avec un rasoir. D'où, des années après sa mort, le coût des tableaux. Elle était exclusive dans sa spécificité. Spécificité non pas en tant qu'artiste (son travail à beaux-Arts n'ont aucun rapport), mais en tant que personne.

    Vous avez probablement remarqué que peu de gens s'intéressent aux artistes normaux ? Le battage médiatique principal concerne les personnes qui sont ouvertement parties, comme Frida, Van Gogh, etc.

    Au fait, Van Gogh ! Pour tout mon dure vie il n'a jamais vendu un seul de ses tableaux (plus précisément un, et même celui-là a été acheté par pitié). Mais il continue néanmoins à écrire et à dessiner avec la férocité d'un fanatique. Et s'il était confronté à un dilemme : mourir de faim ou dessiner, alors il choisissait le dessin... Dans l'une des psychoses, il s'est même coupé l'oreille. Sa biographie se démarque clairement de celle de nombreux autres contemporains. C'est un excellent candidat pour les célestes des arts. Il a été élevé, distingué de la masse des artistes pour ses tourments et sa passion pour la peinture, et tout le reste était destiné à brouiller les yeux et l'esprit des gens ordinaires.

    Ceux. En gros, il existe depuis longtemps dans le monde de l'art un cercle de personnes qui vendent aux gens ordinaires le statut de « chef-d'œuvre » par rapport à presque n'importe quelle peinture de n'importe quel artiste, et ces gens ordinaires leur paient de l'argent pour cela. En fait, ce ne sont pas les tableaux eux-mêmes qui valent l'argent, mais les biographies des artistes sélectionnés. Et encore une nuance : le succès futur de l'artiste et le coût de ses tableaux sont également influencés par celui qui sera le premier à acheter son tableau. S'il est milliardaire, cela augmente automatiquement le statut de l'auteur et, par conséquent, le coût de ses peintures. Nikas Safronov en est un excellent exemple.

    5. L'ingéniosité de l'artiste ou un marketing compétent.

    Il est impossible de penser à un exemple plus brillant que celui de Nikas Safronov ! Le plus peinture chère Les "Rêves d'Italie" de cet artiste vaut 106 000 $. Il n’y a rien de spécial dans les tableaux de Safronov, il y en a des dizaines de milliers dans les galeries, de tels rêves d’Italie. Mais un seul coûte cent mille dollars. Pourquoi? Comme je l’ai écrit dans le dernier paragraphe, l’un des facteurs les plus importants dans le statut des peintures d’un artiste est de savoir à qui appartiennent ses peintures. Dans les années 90, Safronov a travaillé dans le théâtre de Donatas Bonionis, figure de proue du show business, par l'intermédiaire de laquelle il a eu l'occasion de contacter les stars. scène russe et célèbre Les politiciens, à qui, profitant de l'occasion, il a offert des autoportraits. C’est ainsi que ses tableaux se retrouvèrent dans les foyers de l’élite. Et pour qu’ils soient là, il a peint des célébrités comme des nobles, des rois, etc.

    Et puis c'était comme ça : « Wow. Dans la maison de Pougatcheva est accroché un tableau d’un certain Safronov. Apparemment, il est cool. Trouvez-moi son numéro et je l’achèterai aussi », admirait l’oligarque ou l’homme politique. C’est ainsi que Safronov est devenu un « Grand » artiste.

    L’exemple le plus clair d’une telle caractéristique a été visible lors de l’exposition d’un artiste à Moscou (je ne me souviens plus de qui exactement). Personne ne se souciait d'elle depuis le haut clocher, quand soudain, elle reçut la visite de... Poutine. Le lendemain, une gigantesque file d'attente s'est formée devant la galerie pour ceux qui voulaient participer à cette haute valeur artistique. C’est juste que Poutine, avec sa promenade, a montré à la meute de primates que l’exposition des peintures de cet artiste est un événement de statut, c’est tout.

    6. Bourse d'images

    Les « chefs-d'œuvre » pour leurs propriétaires privés, en plus de se montrer, sont des billets de banque d'une très grande valeur (et, comme l'espère le propriétaire, en croissance). Il s’agit d’un instrument financier spécifique dans lequel l’argent est investi lorsqu’il y a beaucoup d’argent supplémentaire. Par exemple, nous pouvons rappeler les collectionneurs japonais qui ont commencé à acheter des œuvres d’art et simplement des objets rares dans le monde entier au moment même où le taux de la Banque centrale de Russie devenait indécemment bas.

    Eh bien, vous pouvez les échanger, comme à la bourse : vous achetez un tableau et attendez que son prix augmente. Et sa croissance dépend de la mesure dans laquelle lui et son auteur seront promus, de la profondeur du sens qu'ils lui donneront. À propos, le prix augmente non seulement à cause de la vie difficile de l'auteur, comme indiqué ci-dessus, mais aussi à cause de l'histoire difficile du tableau lui-même. Ainsi, périodiquement, des fous attaquent les tableaux en versant de la peinture dessus. Au Louvre, par exemple, c'est généralement la norme. Le paradoxe est qu'après de telles attaques, la peinture est bien sûr lavée, mais le prix des tableaux augmente rapidement, car ils ont une telle histoire : le tableau a été attaqué, aspergé de peinture et a été miraculeusement sauvé. Personnellement, j'ai tendance à croire que de telles attaques sont organisées directement par les propriétaires des tableaux (particuliers ou juridiques) afin que le prix du bien continue de grimper.

    Si l'incroyable se produit soudainement et que le prix des tableaux commence à baisser rapidement, je vous assure que tous leurs propriétaires oublieront immédiatement leur valeur inégalée. valeur historique, et ils commenceront à les vendre de manière maniaque, comme cela arrive avec les titres illiquides sur le marché.

    Je ne dis en aucun cas que ces artistes sont mauvais : non, ils ont tous du talent à leur manière. Même Nikas Safronov, qui fait l'objet de sévères critiques parmi les experts. En tout cas, de ma vie, je ne dessinerai jamais comme lui. On parle ici d'autre chose. Nous parlons des raisons du coût insuffisant de la peinture. Et il me semble que j'ai décrit l'ensemble du processus de tarification, et surtout, les raisons qui motivent le consommateur à former de tels prix, de manière plus que convaincante ! Mais la qualité du tableau, sa valeur artistique et le plaisir esthétique de la contemplation n'ont rien à voir avec le coût. Et si quelqu’un commence à vous en parler, alors ce n’est qu’une star.

    J'ai dû fouiller et numériser pour montrer certains des chefs-d'œuvre conservés principalement au British Museum. Il s'agit de miniatures provenant de manuscrits des ateliers d'Herat et de Tabriz de la fin du XVe et du début du XVIe siècle.

    L’heure est donc à la scission définitive entre sunnites et chiites. L'époque de la plus grande floraison de l'art de Perse, d'Afghanistan et d'Asie centrale. Au centre du monde - Herat (Afghanistan) émerge peu à peu une brillante école de miniaturistes, d'abord stricte et géométrique, plutôt sèche. Voici Ben Hur au Palais Noir :

    Mais l’artiste le plus célèbre du monde musulman, Behzad, est devenu un véritable génie.

    Behzad, Alexandre (Macédonien) rencontre un ermite :

    Son étonnante luminosité et l'audace des contrastes de couleurs se conjuguent à certaines tentatives pour transmettre les réalités de la vie :

    Behzad, scène dans un bain public :

    et des expériences qui pourraient déboucher sur la perspective :

    Mais s’il n’y parvient pas, il fait progresser puissamment le colorisme :

    En raison du transfert de la capitale, Behzad a déménagé à Tabriz. Sous son influence, l'école de miniatures qui y existait déjà s'épanouit. Les artistes sont reconnus par leurs couleurs et techniques préférées. Sultan Mohammed :

    Cette miniature, attribuée au légendaire Aqa Mirak, me fait la plus grande impression. Les rectangles imbriqués avec des ornements décroissants et l'arbre final dans l'ouverture du belvédère, traversant même le cadre photo, sont fascinants.

    Bien entendu, la peinture miniature a également prospéré dans d’autres villes. Et les pays voisins. Évaluez la combinaison de couleurs - Kazvin, art. Cheikh Muhammad, "Le poète Laghari et le gros noble", "Tuhfat-Al-Ahrar"

    Terminons avec cet artiste...


    Il reste à dire qu'il existe en Russie l'une des meilleures collections de ces manuscrits - celle de l'État. bibliothèque nommée d'après Saltykov-Shchedrin, Saint-Pétersbourg. Cependant, la plupart des miniatures présentées ici proviennent du British Museum de Londres.

    FÉDÉRATION RUSSE

    "JE CONFIRME":

    Vice-recteur aux affaires académiques

    _______________________ //

    __________ _____________ 2011

    CHEF-D'ŒUVRE DE LA CULTURE MONDIALE

    (Éducation à plein temps)

    "PRÉPARÉ POUR LA PUBLICATION":

    "_ 8__"_04___2011

    Examiné lors d'une réunion du Département des littératures étrangères Protocole n° 10

    Répond aux exigences en matière de contenu, de structure et de conception.

    Tome 30 pages.

    Chef de département ______________________________//

    "11"

    Considéré lors d'une réunion du comité pédagogique de l'Institut de droit, d'économie et de gestion

    d. Protocole n° 1

    Correspond à la norme éducative de l'État fédéral pour l'enseignement professionnel supérieur et au programme du programme éducatif.

    "CONVENU":

    Président du comité pédagogique ___________________________//

    "______"______2011

    "CONVENU":

    Tête département méthodologique de l'UMU___________//

    "______"______2011

    FÉDÉRATION RUSSE

    MINISTÈRE DE L'ÉDUCATION ET DES SCIENCES

    Établissement d'enseignement public

    formation professionnelle supérieure

    UNIVERSITÉ D'ÉTAT DE TIOUMEN

    Institut des sciences humaines

    Département de littérature étrangère

    CHEF-D'ŒUVRE DE LA CULTURE MONDIALE

    Complexe de formation et de méthodologie. Programme de travail

    pour les étudiants de la direction 020400.62 « Biologie »

    (Éducation à plein temps)

    Tioumen Université d'État

    2011

    Shweibelman de la culture mondiale. Complexe de formation et de méthodologie. Programme de travail pour les étudiants de la direction 020400.62 « Biologie » (études à temps plein) Tioumen, 2011, 30 pages.

    Le programme de travail est établi conformément aux exigences de la norme éducative de l'État fédéral pour l'enseignement professionnel supérieur, en tenant compte des recommandations et du ProOOP de l'enseignement professionnel supérieur dans l'orientation et le profil de la formation.

    RÉDACTITEUR EN CHARGE :chef du département des affaires étrangères

    Littérature, doctorat. n.,

    Professeur

    © Université d'État de Tioumen, 2011.

    © , 2011.

    1. NOTE EXPLICATIVE

    1.1. BUTS ET OBJECTIFS DE LA DISCIPLINE

    Cours optionnel Chefs-d'œuvre de la culture mondiale il s'agit essentiellement d'un cours qui synthétise du matériel provenant d'un large éventail de disciplines humaines : histoire, histoire de l'art, études culturelles, philosophie, psychologie, littérature. Il est de nature informative, éducative, panoramique et instructive. Ce cours donne une idée des tendances générales de la culture mondiale et des œuvres spécifiques (monuments, chefs-d'œuvre) de la culture, qui au cours des différents siècles et dans le contexte des différents contextes nationaux. les traditions culturelles incarnait ces tendances et modèles généraux. La culture, qui est étroitement liée non seulement aux besoins pratiques quotidiens, mais démontre également le niveau de développement émotionnel et intellectuel de l'humanité, reflète l'ensemble des divers phénomènes de la vie et indique spécifiquement les transformations fondamentales de la société humaine à un certain stade de son développement. . Une attention particulière est accordée à l'étude des phénomènes qui ont joué un rôle important dans la formation et le développement des principales formes de genre de la créativité artistique, ainsi que des principaux systèmes esthétiques et mouvements artistiques.

    Le cours magistral se concentre sur une étude étape par étape des principales périodes de développement de la culture mondiale : de l'Antiquité à nos jours (principalement dans son modèle européen). Le principe d'organisation du matériel de cours est chronologique. Caractéristique réalisations culturelles d'une époque particulière est associée à une analyse de la créativité de ses représentants les plus éminents. Dominante artistique de chaque époque permet de déplacer l'accent de l'histoire vers l'histoire de la pensée philosophique, l'histoire de la culture, vers la psychologie, la littérature, le théâtre, la peinture, etc. La caractéristique dominante du cours magistral, qui permet de plus ou moins délibérément structurer un matériau aussi vaste, est le concept de l'homme.

    L'aspect historiographique du cours magistral est approfondi dans le cadre de cours pratiques. Ayant reçu en cours magistral une idée générale des métamorphoses du concept d'homme dans les époques précédentes, l'étudiant a la possibilité de parler plus en profondeur, d'un point de vue historique, du concept d'homme dans la culture XX siècles (peinture, littérature, théâtre, cinéma, monde virtuel). Aux phénomènes culture artistique une approche holistique et typologique est utilisée, ce qui permet de donner une image du développement de l'art dans l'unité de ses principaux tendances artistiques, manifesté dans différentes directions, genres et styles d'art et de littérature.

    Ciblecours « Chefs-d’œuvre de la culture mondiale » – pour former un système d’orientation des connaissances parmi les étudiantsà propos les principales tendances du développement de la culture mondiale à l'aide de l'exemple de ses phénomènes les plus marquants (architecture, peinture, cinéma, littérature, sculpture, théâtre). La norme éducative de l'État fédéral pour l'enseignement professionnel supérieur fournit aux diplômés une connaissance des principales étapes de l'histoire culturelle, sur la base d'une étude cohérente réalisations exceptionnelles dans le domaine de la créativité artistique de diverses régions du monde, écoles nationales.

    Objectifs principaux– étude de l'histoire culturelle de différents pays et régions du monde, connaissance approfondie des processus historiques dans ces cultures nationales, leur interprétation par des critiques d'art, des philosophes, des historiens et des experts culturels nationaux et étrangers ; identifier les modèles d'interaction entre les tendances générales de l'art ; la formation d'idées sur le développement du concept d'homme à différentes époques et son incarnation artistique ; développement du corps principal du monde patrimoine artistique; systématisation des connaissances générales en sciences humaines.

    Unités didactiques de base : auteur, norme, tradition, innovation, continuité, théorie et histoire de la culture, théorie et histoire de l'art, mouvements artistiques et orientations, un système de concepts de base de la critique d'art, catégories esthétiques, modèles d'interaction des tendances générales dans le domaine de la culture et, en particulier, dans le domaine artistique, traits successifs de l'évolution des styles, méthodes artistiques, chefs-d'œuvre, langue de la culture.

    Matériel de cours œuvres d'art, littérature de recherche scientifique, monographies et articles sur les problèmes du développement de la culture mondiale. Liste proposée des mesures scientifiques critiques littérature de recherche devrait aider l'étudiant à se familiariser plus profondément et systématiquement avec les tendances générales du développement de la culture mondiale.

    Le cours « Chefs-d'œuvre de la culture mondiale » est dispensé au 1er semestre. Une partie intégrante le sujet est l'histoire des enseignements esthétiques et de la critique artistique, représentant la méthodologie et base théorique disciplines. Ce cours est un élément important dans le système de développement des disciplines humanitaires, nous permettant de nous faire une idée des schémas généraux de développement du processus culturel mondial.

    Examen est décerné sur la base des résultats de travaux en cours pratiques, de la rédaction d'un travail écrit d'un semestre (essai sur l'ODL, travail de test sur l'ODO), fournissant un glossaire et des résumés d'ouvrages scientifiques sur des problèmes d'actualité du développement culturel.

    1.2. PLACE DE LA DISCIPLINE DANS LA STRUCTURE DE LA FORMATION BACHELOR

    La discipline « Chefs-d'œuvre de la culture mondiale » est incluse dans la section « Cycle humanitaire et social. Partie variable (disciplines au choix de l’étudiant). Développant et approfondissant l'élément humanitaire dans la formation d'un étudiant acquérant une spécialité non humanitaire, cette discipline est à sa manière un élément nécessaire formation professionnelle, car il élargit les horizons culturels généraux. Ce cours forme un système de connaissances qui contribue au développement des matières humanitaires de base (« Histoire », etc.). Développement de ce matériel permet de se faire une idée des schémas généraux de développement de la culture artistique mondiale. Des phénomènes marquants de la sphère esthétique, qui ont une valeur culturelle et historique durable, sont étudiés en relation étroite avec l'histoire de la philosophie, de la littérature et de la langue, ainsi qu'avec les problèmes de structure socio-politique. Le cours proposé aide à développer les compétences d’étude indépendante des phénomènes les plus significatifs de l’histoire de la vision artistique du monde et, si possible, à apprendre à utiliser les connaissances acquises pour améliorer sa personnalité.

    1.3. Compétences d'un diplômé du programme de licence, formées grâce à la maîtrise de cette discipline.

    Grâce à la maîtrise de la discipline "Chefs-d'œuvre de la culture mondiale" Le diplômé doit posséder les compétences culturelles générales suivantes :

    la capacité d’améliorer et de développer son niveau intellectuel, culturel général et moral-psychologique (OK-1).

    Grâce à la maîtrise de la discipline, l'étudiant doit :

    Savoir: concepts et termes de base de la théorie et de l'histoire de la culture ; comprendre l'essence et l'importance de l'information dans le développement d'une société de l'information moderne.

    Être capable de: appliquer les compétences de base dans la collecte de faits spécialisés en utilisant des méthodes traditionnelles et des technologies de l'information modernes.

    Propre: méthodes de base, méthodes et moyens d'obtention, de stockage, de traitement de l'information, compétences nécessaires pour travailler avec un ordinateur comme moyen de gestion de l'information ; compétences nécessaires pour travailler avec des informations dans les réseaux informatiques mondiaux.

    2. STRUCTURE ET INTENSITÉ DE TRAVAIL DE LA DISCIPLINE

    3. PLAN THÉMATIQUE

    Tableau 1.1

    Plan thématique pour études à temps plein

    №

    Sujet

    semaines du semestre

    Types de travail éducatif et travail indépendant, à une heure.

    Nombre total d'heures sur le sujet

    Dont sous forme interactive, par heure

    Points totaux

    Conférences

    Cours pratiques

    Travail indépendant

    1

    2

    3

    4

    5

    6

    7

    8

    9

    Chefs-d'œuvre de la culture mondiale

    Module 1

    La culture est un monde de significations

    0-11

    Culture du monde antique ( La Grèce ancienne, Rome antique)

    0-11

    Culture du Moyen Âge

    0-12

    Culture de la Renaissance

    0-12

    Total

    1-8

    8

    8

    52

    68

    4

    0-46

    Module 2

    Culture artistique 17ème siècle

    9-10

    0-10

    Caractéristiques de la culture européenne 18ème siècle

    11-12

    0-11

    culture du 19ème siècle

    13-14


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