Un message sur Edward Mant, une courte biographie. Edouard Manet : l'impressionnisme comme méthode pour repenser les classiques

(1832-1883) peintre français

Aux côtés des peintures d'E. Degas et d'O. Renoir, l'œuvre d'Édouard Manet devient une sorte de pont de transition entre la culture de la Haute Renaissance et la culture des temps modernes. Il fut le premier à se lancer dans des expériences avec la lumière et la composition, préparant ainsi les principales découvertes de son contemporain exceptionnel, Claude Monet.

Edouard Manet est né dans une famille aisée et ne correspondait en rien à l'idée dominante d'un artiste bohème. Extérieurement, il ressemblait davantage à un gentleman respectable.

En 1850-1856, avec de courtes pauses, Edouard Manet étudie auprès de T. Couture. Il a également étudié de manière indépendante les œuvres de Giorgione, Titien, D. Velazquez, France Goya, Eugène Delacroix et a été influencé par eux. Plus tard, comme certains de ses contemporains, il crée ses propres compositions à partir de leurs peintures.

Manet se fait connaître du grand public à partir des années soixante. C'est vrai qu'il y a eu un scandale. En 1863, il écrit « Déjeuner sur l'herbe » et « Olympia », qui suscitent de vives critiques de la part des représentants de l'école traditionnelle. Ils ont essayé de faire tout leur possible pour empêcher l'artiste d'exposer.

Pourquoi les peintures d’Édouard Manet ont-elles été perçues si négativement ? Le fait n’était pas seulement qu’il peignait des nus (de tels tableaux avaient déjà figuré lors d’expositions auparavant), mais Manet s’opposait à la stylistique même de l’académisme, sujets déjà connus et bien maîtrisés. C'est pourquoi l'artiste a placé des modèles nus parmi des hommes élégamment habillés (« Breakfast on the Grass »).

Et sa paraphrase de l'intrigue des célèbres tableaux de Titien et Giorgione « Vénus » était clairement de nature choquante : afin de souligner la beauté du corps nu du modèle et le jeu de couleurs particulier, l'artiste a introduit une combinaison de deux auparavant incompatibles. personnages - une femme blanche et une femme noire. De plus, dans ses peintures, il reflétait sa propre vision de la beauté du corps féminin, qui contredisait l'image idéale traditionnelle de la déesse.

À la fin de la décennie, Edouard Manet change radicalement son style artistique et passe de couleurs sombres ou contrastées à une peinture claire et décontractée. Puis il commence à dessiner dans la nature. Il s'agit de ses tableaux « Argenteuil » (1874), « Quais de Seine à Argenteuil » (1874), « Jeu de croquet » (1873), « Dans un bateau » (1874).

Edouard Manet a souvent basé ses œuvres sur le contraste : tout en décrivant l'environnement lumineux entourant le héros, il ne se souciait pratiquement pas de la clarté de la silhouette du modèle lui-même, le désignant souvent par des tons sombres. C'est ce qu'il fait par exemple dans son tableau « Bar aux Folies Bergère » (1881-1882).

Pour exprimer son intention créatrice, Manet préfère peindre avec des traits larges et individuellement espacés. En même temps, il a toujours clairement séparé deux réalités : concrète et illusoire. Les objets et les silhouettes des personnes s'intègrent toujours dans un environnement instable, scintillant et changeant.

L'œuvre d'Édouard Manet est diversifiée. Il n'a donné la préférence à aucun genre - il a facilement peint des portraits, des natures mortes, réalisé des dessins à la sanguine et même créé des lithographies et des gravures.

Edouard Manet commence à travailler la gravure et la lithographie en 1862. Il a réalisé environ 75 gravures et une vingtaine de lithographies, et réalisé plusieurs dessins pour gravures sur bois. Certes, sa série de gravures, achevée en 1862 et 1874, resta invendue. Mais néanmoins, Manet est resté dans l'histoire du graphisme comme un artiste intéressant, auteur d'une série d'illustrations. Les plus célèbres d'entre elles sont les illustrations du poème de Charles Cros, réalisées à l'eau-forte, et du « Corbeau » d'Edgar Allan Poe, réalisées selon la technique lithographique. Manet a également réalisé des dessins pour les gravures sur bois du poème de S. Mallarmé « L’après-midi d’un faune ».

Dans la gravure, il a utilisé sa composition préférée, construite sur une silhouette sombre et nette. En même temps, l'essentiel pour lui était le rythme de la ligne, transmettant le mouvement fluide au sein de la silhouette. Comme dans d'autres œuvres, l'artiste s'intéressait principalement à la transmission de la dynamique du mouvement, qu'il obtenait non seulement par le contraste lumineux des couleurs primaires - sombre et clair, mais également par le mouvement des taches elles-mêmes. Le spectateur suit le pinceau changeant de l'artiste, essayant de trouver une logique dans sa peinture. Il s’agit de la gravure la plus intéressante de Manet, « La file d’attente à la boucherie ».

En raison d'une grave maladie, l'artiste se retrouve confiné sur une chaise, et les natures mortes deviennent alors son genre principal. Ils étonnent par la richesse de leur palette de couleurs et la conscience d'une vitalité étonnante, qui, par exemple, se manifeste clairement dans son tableau « Roses dans un verre de cristal » (1882-1883).

La technique de l'impressionnisme - l'utilisation d'un contour flou - l'a aidé à créer d'étonnants croquis de fleurs et des portraits expressifs de ses contemporains. Dans ses peintures, l'artiste semble conserver sa perception momentanée d'un bouquet de fleurs.

Il convient surtout de noter qu'à la fin de sa carrière créative, la critique s'est habituée à la vive expressivité de ses peintures. Edouard Manet était apprécié de son vivant : en 1881, il reçut la plus haute distinction française : la Légion d'honneur.

Art et désign

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23.01.15 11:24

Père strict (ce n'est pas pour rien qu'il dirigeait un département du ministère français de la Justice), Auguste Manet interdisait à son fils de peindre - il voulait que son fils continue son travail et devienne avocat. Mais contrairement aux souhaits du despote familial, Edouard devient néanmoins un artiste célèbre, l'un des plus brillants représentants de l'impressionnisme. Les tableaux les plus célèbres de Manet ornent le Louvre, les musées de Berlin et d'autres collections de peintures célèbres.

Natures mortes du maître

Le Louvre abrite l’un de ces chefs-d’œuvre, simplement intitulé « Pivoines blanches ». Déjà dans cette œuvre, le style français caractéristique est évident : des traits larges, une palette sobre. Quelques fleurs luxuriantes sur un fond sombre - et rien de plus, mais comme c'est vibrant !

Au début de sa carrière, après un voyage au Brésil qui a enrichi le monde intérieur du futur génie du pinceau, Edouard Manet peint principalement des paysages et des natures mortes. Il y revint à la fin de sa vie. « Nature morte au saumon » date de 1969. Le peintre était un gourmet réputé – comme beaucoup de ses compatriotes. Vous regardez de telles œuvres et vous avez l’eau à la bouche !

Ces images féminines séduisantes

Non seulement la « nature morte » attirait le maître, mais aussi les portraits. L’une d’elles est « Madame Manet sur le canapé bleu ». La Néerlandaise Suzanne Leenhof était la professeure de musique des jeunes frères de l’artiste. On raconte que le chef de famille, Auguste, s'est intéressé à la jeune fille. Edward lui-même était également fou de Suzanne, leur histoire d'amour a duré près d'une décennie. Après la mort du Père Mané, il put épouser son élue. Elle est la mère de son fils Léon et son modèle préféré.

« Lola de Valence » est un autre des tableaux les plus célèbres de Manet. La femme espagnole trapue est représentée par Manet sur fond d'ailes. Ici, il écrit très soigneusement tous les détails - à la fois l'apparence de la femme qui pose et sa tenue complexe. Chaque pli de vêtement, la courbe des motifs et l'éclat des bijoux - tout joue son rôle particulier dans ce portrait.

Une ambiance complètement différente est véhiculée par l'image d'une dame demi-monde s'habillant - "Nana". La matinée de la représentante de la profession la plus ancienne commence par la toilette habituelle, elle est toujours en négligé (en corset et en chemise). La soirée bruyante est encore loin, et un vague sourire erre sur le visage du diable. Une certaine Henrietta, célèbre pour ses amours, a posé pour l'artiste.

Lieux préférés à Paris

Les scènes de genre remplacent progressivement les anciennes préférences artistiques du Parisien. Il s'est inspiré de divers lieux de sa ville bien-aimée. L'un de ces lieux était le jardin des Tuileries, où les bohèmes aimaient flâner le dimanche. Le tableau "Musique dans le jardin des Tuileries" représente de nombreux personnages, mais les visages sont flous - cette toile doit être vue d'assez grande distance, sinon vous ne verrez que des taches floues.

Lorsque vous entendez les mots « chemin de fer », vous imaginez probablement une puissante locomotive à vapeur ou un train rapide et moderne se précipitant sur les rails au loin. Mais Edouard Manet n'est pas si simple ! Les peintures du maître sont parfois très conventionnelles. Ici, dans la célèbre œuvre du chemin de fer français, on ne distingue qu'une ligne principale en acier - là, derrière une lourde grille en fonte, à laquelle le bébé s'accroche. Et sa mère (ou sa gouvernante ?) est assise à côté d'elle, tenant un livre et un chien dans les mains.

Parmi les fleurs et à table dressée

D'autres scènes de genre semblent également avoir été capturées par une caméra aux yeux perçants : voici un couple appréciant l'arôme des plantes à fleurs (« Dans la serre »).

Et voici un autre couple - ils sont engagés dans une conversation tranquille à une table dressée, et en arrière-plan, un serveur regarde ces deux-là, apportant une commande à quelqu'un. Le tableau s’intitule « Dans la taverne du Père Lathuille ».

Les chefs-d'œuvre de Manet - des peintures qui ont suscité la controverse

Le même Quiz Meurant (la femme du tableau « Le chemin de fer »), complètement nue, apparaît devant le spectateur du tristement célèbre « Déjeuner sur l'herbe ». On a reproché à l'auteur sa décadence et son impudeur. Je me demande à quoi pensait l'artiste lorsqu'il a représenté une dame nue vous regardant droit dans les yeux, en compagnie d'hommes (qui, contrairement à son compagnon, sont habillés) ? D’ailleurs, le frère et futur beau-frère du peintre ont posé pour le proche.

Olympia a suscité encore plus de controverses à son époque (1863). Le Français l'a peint pour le Salon de Paris, où l'image a été huée par le public. Comme si Manet était devenu le premier auteur à exposer le corps féminin ! La Renaissance est célèbre pour ses chefs-d'œuvre dans le style du nu, mais qu'en est-il de la « Danaé » de Rembrandt ?... Aujourd'hui, le chef-d'œuvre est conservé dans la collection du musée d'Orsay à Paris.

Le chant du cygne du Maestro

Avant sa mort prématurée, le maestro a créé son dernier tableau - «Bar aux Folies Bergère». Il fut exposé dans un autre Salon de Paris (1882). La scène du film est un bar situé au rez-de-chaussée d'une émission de variétés métropolitaine populaire. C'est là que le peintre a commencé à travailler sur sa création. Le personnage central est une jeune barman derrière le comptoir, regardant le spectateur avec un désir ardent dans les yeux, et en arrière-plan un public hétéroclite se réjouit. Le maître a réussi à transmettre cette « solitude dans la foule » tout simplement avec brio ! Le dernier jour d'avril 1883, Edouard Manet décède, mais ses tableaux sont immortels.

Edouard (Edouard) Manet (Français Édouard Manet ; 23 janvier 1832, Paris - 30 avril 1883, Paris) - Peintre, graveur français, l'un des fondateurs de l'impressionnisme.

Edouard Manet est né au 5 rue Bonaparte dans le quartier parisien de Saint-Germain-des-Prés dans la famille d'Auguste Manet, chef de service au ministère de la Justice, et d'Eugénie-Désirée Fournier, fille d'un diplomate français qui était consul à Göteborg. Le roi suédois Charles XIII était le parrain de la mère de Manet. En 1839, Manet est envoyé étudier au pensionnat de l'abbé Poilou, puis, par indifférence absolue à l'égard de ses études, il est transféré par son père « en pension complète » au Collège Rollin, où il étudie de 1844 à 1848, également sans montrer aucun succès.

Malgré le grand désir de Manet de devenir peintre, son père, qui prédisait à son fils une carrière d'avocat, s'opposait avec véhémence à sa formation artistique. Cependant, le frère de sa mère, Edmond-Edouard Fournier, se rendant compte de la vocation artistique du garçon, lui conseille de suivre des cours spéciaux de peinture, auxquels il inscrit lui-même son neveu et finance personnellement. Grâce à l'oncle Edmond, qui emmenait régulièrement le garçon dans les musées, Manet découvrit le Louvre, qui eut une influence décisive sur sa vie personnelle et créative. Les cours de dessin, curieusement, n'ont pas suscité l'intérêt attendu chez Manet, en grande partie à cause du caractère académique de l'enseignement, et le garçon a préféré dessiner des portraits de ses camarades plutôt que de copier des sculptures en plâtre, qui sont rapidement devenues un exemple pour beaucoup de ses camarades de classe.

En 1848, après avoir terminé ses études, le jeune Manet se heurte à la forte opposition de son père à son projet de devenir artiste. Une sorte de compromis fut trouvé lorsque Manet décida d’entrer dans une école nautique en 1847, mais échoua lamentablement aux examens d’entrée (le manque général d’éducation de Manet l’affecta). Cependant, en préparation aux réexamens, il est autorisé à effectuer un voyage d'entraînement sur le voilier Le Havre et la Guadeloupe.

Durant le voyage, le voilier a notamment visité le Brésil. L’exotisme et la richesse des couleurs des pays tropicaux n’ont fait que renforcer le désir de Manet d’étudier l’art de la peinture. Du voyage, Edward a rapporté un grand nombre de dessins, de croquis et d’esquisses. Il utilisait souvent les membres de l’équipe comme modèles.

De ce voyage sont sorties de nombreuses lettres de Manet à ses proches, dans lesquelles il décrit ses impressions sur le carnaval de Rio et la beauté exotique des femmes brésiliennes. En revanche, il évalue d’un œil critique l’esclavage et l’éventuelle restauration de la monarchie en France. Un dixième des œuvres ultérieures de Manet étaient constituées de paysages marins, et son voyage maritime au Brésil y a joué un rôle important.

En juillet 1849, de retour à Paris, Manet tente à nouveau de passer l'examen de l'École nautique, en vain. Cette fois, le père, ayant apprécié les nombreux dessins rapportés du voyage, ne doute plus de la vocation artistique de son fils et lui conseille d'entrer à l'École des Beaux-Arts de Paris. Mais craignant le programme de formation trop rigide et académique de l'École, Manet entre en 1850 dans l'atelier de l'artiste alors à la mode Thomas Couture, devenu célèbre en 1847 grâce au tableau monumental «Les Romains du déclin».

C’est alors que commence à éclater le conflit entre Manet et la tradition classique-romantique de la peinture qui dominait la France à cette époque. Un rejet catégorique de l'orientation bourgeoise du style dominant a finalement abouti à une rupture nette entre Manet et Couture - le jeune artiste a quitté l'atelier du professeur. Cependant, sur l’insistance de son père, Manet fut contraint de s’excuser et de revenir, tout en conservant son rejet de l’académisme strict de Couture.

La situation du jeune artiste a été aggravée par la grossesse non désirée de son amante de longue date Susanne Leenhof. La paternité de l'enfant, afin d'éviter la notoriété et la colère du père d'Edward, a été attribuée à la fictive Coella, et alors uniquement pour la mairie. Une autre version s'est également répandue selon laquelle le nouveau-né n'était pas le fils, mais le frère de Suzanne.

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Les gens qui commencent tout juste à se familiariser avec les beaux-arts sont souvent confus Édouard Manet Avec Claude Monet. Après tout, ces impressionnistes ont non seulement des noms de famille très similaires, mais aussi de nombreux éléments de leur biographie : ils sont tous deux nés à Paris, ont montré de l'attention aux mêmes dames et sont également souvent apparus ensemble, car ils étaient amis. D’ailleurs, les contemporains confondaient aussi parfois Monet et Manet, puisque les deux peintres portaient la barbe.

Edouard Manet (à gauche) et Claude Monet (à droite). Photo : Commons.wikimedia.org

AiF.ru a décidé à ce stade de laisser de côté la biographie de Manet et Monet et de dire à quoi les amateurs d'art novices devraient prêter attention afin de mieux comprendre les particularités du travail de ces deux impressionnistes :

Parcelle

Sur Internet, vous pouvez trouver ce qu'on appelle la « brève histoire de l'art », qui consiste en une règle : « Monet - les taches, Manet - les gens ». En effet, Claude Monet possède de nombreuses œuvres représentant des paysages (« Impression. Soleil levant »), et Edouard Manet a des œuvres représentant des personnages (« Le Chemin de fer », « Bar aux Folies-Berrières »).

Claude Monet, « Impressions. Soleil Levant", 1872

Mais si tout était si simple... Le fait est que les deux maîtres ont des toiles avec et sans personnages. Pour cette raison, les critiques d’art conseillent d’examiner de plus près d’autres éléments de la toile, tels que le style, la couleur, la lumière et le volume.

Édouard Manet. Chemin de fer, 1872-1873.

Style

Les deux artistes étaient impressionnistes, mais le style de leurs peintures est toujours différent. Ainsi, Edouard Manet a toujours été beaucoup plus proche du réalisme, ses peintures sont plus claires et plus précises. À tel point que certains critiques d’art ne le qualifient pas du tout d’impressionniste, le considérant comme le premier moderniste. Par conséquent, plus le tableau semble réaliste, plus il est probable que son auteur soit Edouard Manet (« Portrait de Léon Leenhoff », « Petit-déjeuner dans l'atelier »).

Édouard Manet, Portrait de Léon Leenhoff, 1868

L'œuvre de Claude Monet, au contraire, est très loin d'une représentation réaliste de la réalité ; cet artiste a cherché à dépeindre la mobilité et la variabilité de ce monde. Les peintures de Monet, en règle générale, n'ont pas de lignes claires, elles sont réalisées avec de grands traits larges (« Lily Pond »).

Claude Monet, "L'étang aux nénuphars", 1899

Couleur, lumière et volume

Depuis que Claude Monet a commencé comme caricaturiste, les émotions qu'elles évoquent chez le spectateur sont d'une grande importance dans ses œuvres. Et l’un des moyens les plus sûrs pour un artiste de transmettre une composante émotionnelle est la couleur et la lumière. Par conséquent, si dans un tableau le rôle principal n'est pas joué par l'authenticité des objets, mais par la combinaison de la lumière et de la couleur, alors vous regardez certainement Monet (« Peupliers », « Nymphées »).

Mais dans les tableaux d'Edouard Manet, la couleur n'a pas une importance aussi fondamentale : le facteur principal y est constitué de scènes tridimensionnelles, parfois avec une composition très complexe (« Matador », « Musique dans le jardin des Tuileries »).

"Petit déjeuner sur l'herbe" de Monet et Manet

Édouard Manet, Déjeuner sur l'herbe, 1863

Claude Monet et Edouard Manet ont tous deux un tableau intitulé Le Déjeuner sur l'herbe. Certes, le premier artiste a achevé sa toile en 1863 et le second trois ans plus tard.

Claude Monet, Déjeuner sur l'herbe, 1865-1866

Édouard Manet 1832-1883

Artiste français, l'un des fondateurs de l'impressionnisme. Biographie et peintures.

Le juge de la Seine, Auguste Manet, ne pensait ni ne devinait que son premier-né, fierté de son père, Edouard ne voudrait pas poursuivre l'entreprise familiale, préférant le métier douteux d'un artiste aux perspectives incertaines à celui d'un artiste respecté. profession. Mais c'est Edouard Manet qui sera destiné à devenir l'un des fondateurs de l'impressionnisme, à créer une toute nouvelle échelle de valeurs esthétiques, changeant ainsi les beaux-arts mondiaux.

Contre la famille vers la beauté

Un rôle décisif dans le sort d'Edouard Manet a été joué par son oncle Fournier - c'est lui qui a soutenu le jeune homme qui a bêtement étudié dans les meilleures institutions de Paris, mais qui a pris vie et s'est épanoui dans le domaine de l'art. L'oncle et le neveu ont passé beaucoup de temps dans les salles du Louvre, se familiarisant avec le travail de prédécesseurs exceptionnels. C’est Fournier, fermant les yeux sur les protestations de son propre père, qui commença à payer les cours de peinture d’Edward.

Les querelles avec son père se sont soldées par un compromis: Mana a été invité à choisir n'importe quelle profession, à l'exception du domaine artistique. Le jeune homme a choisi les affaires maritimes. Il est peu probable que le sévère Auguste ait deviné que ce choix pousserait encore plus son fils dans les bras de l'art - la première et unique croisière ne l'a amené qu'à une seule pensée : je serai un artiste, point final.

Manet commence à étudier la peinture en 1850. Déjà au début, l'intérieur talentueux et rebelle du jeune homme s'est fait sentir. Les leçons du célèbre peintre académique Thomas Couture n'ont pas apporté de satisfaction créative, et Manet a beaucoup appris par lui-même, voyageant à travers l'Europe et copiant les œuvres de maîtres éminents. Les premiers travaux ont esquissé les premières innovations, liées principalement au contour. Dans les œuvres « Le garçon aux cerises » et « Le buveur d'absinthe », vous pouvez voir avec quelle habileté Manet improvise avec la ligne de contour, la mettant délibérément en valeur ou la « fusionnant » complètement avec l'arrière-plan.

Les premiers succès de Manet sont associés aux tableaux "Portrait de parents", où l'auteur montre un jeu de lumière et d'ombres en filigrane, et "Gitarrero", un tableau vivant et énergique écrit sous l'influence d'un concert du guitariste Huerta. Les deux œuvres ont été acceptées au Salon.

En 1862, Manet, sous l'influence de la philosophie de Baudelaire, crée sa première œuvre majeure - "La Musique aux Tuileries", dont le but est de tenter de faire vivre l'art de la musique - de telles couleurs sonores, en utilisant les moyens expressifs de beaux-arts.

La même année, l'auteur s'intéresse à la peinture de portraits, établissant une nouvelle règle : peindre un modèle en une seule séance. Manet croyait que seul un travail aussi rapide lui permettrait de capturer l'instant présent, en affichant l'essentiel. Les portraits de Manet furent accueillis avec beaucoup d'enthousiasme par le public.

Un auteur controversé avec un grand héritage

Dans toute l'œuvre de Manet, se distinguent les peintures qui ont été durement critiquées à une époque - leur intrigue et leur exécution étaient si franches, cependant, c'est précisément à cause de cela que les œuvres, incompréhensibles pour les contemporains, sont aujourd'hui considérées comme de véritables chefs-d'œuvre qui ont introduit un un nouveau mot dans l'art mondial. De telles peintures incluent "Déjeuner sur l'herbe", où des messieurs imposants sont en compagnie de jeunes filles nues, "Olympia", dont la franchise a tellement irrité le public que les organisateurs de l'exposition ont dû accrocher le tableau le plus haut possible, craignant que il serait transpercé d'indignation avec une canne ou un parapluie. Ce fut une période difficile pour le peintre, ridiculisé, il décida de partir pour l'Espagne, où furent créés les merveilleux « Corrida à Madrid » et « Flûtiste ».

Mais les temps changeaient et l'intelligentsia créatrice commença à se rassembler autour d'un artiste courageux au style de peinture inhabituel, s'efforçant de renverser les anciens principes, élargissant ainsi la portée de l'art artistique. Morisot, Degas, Monet, Renoir, Degas, Basile, Cézanne, Pissarro, Zola et bien d'autres écrivains formèrent autour de Manet « l'École des Batignolles », choisissant le café Guerbois comme lieu de rencontres et d'échanges, où cette compagnie insolite était tout simplement appelé « la bande de Manet ».

Après que le Salon ait de plus en plus refusé d'accepter les peintures de Manet et de ses associés, même contre rémunération, l'artiste a décidé de construire son propre pavillon. L'exposition personnelle n'a pas apporté à l'auteur le succès escompté, mais ne l'a pas du tout brisé - après l'échec, il a créé les tableaux les plus frappants "Balcon", "Exécution de l'empereur Maximilien", "Petit déjeuner dans l'atelier".

Inspirateur de l'impressionnisme et des impressionnistes.

Pendant 10 ans, de 1870 à 1880. Manet était considéré comme l'inspirateur des impressionnistes, même si l'œuvre de Manet lui-même était beaucoup plus vaste et multiforme. En 1872, l'artiste connaît enfin le succès - son tableau «Une chope de bière» est non seulement accueilli avec admiration par les spectateurs et salué par la critique, mais est également reproduit dans des reproductions rapidement épuisées.

L'année 1874 est marquée par une union des plus curieuses : Monet et Manet se rendent l'été à Argenteuil pour chercher de nouveaux sujets et expérimenter des techniques. Ici ont été créés "Claude Monet dans un bateau", "Argenteuil", "Rive de Seine près d'Argenteuil", "Dans un bateau". Lorsque les peintures colorées furent acceptées par le Salon, Manet ressentit à nouveau toute la sévérité du ridicule - les œuvres furent critiquées pour la luminosité et l'incertitude de l'intrigue. Et encore une fois, Manet échappe aux mauvaises langues et au ridicule, cette fois à Venise, qui a également inspiré à l'artiste de nombreuses œuvres poétiques merveilleuses.

Au cours des dernières années de sa vie, Manet a beaucoup travaillé pour surmonter son mal-être - l'ataxie l'a détruit de l'intérieur, entraînant un manque de coordination des mouvements et une mort cérébrale. Mais même pendant cette période, Manet ne se décourage pas : son métier le sauve. Le tableau le plus significatif de cette période est « Bar aux Folies-Berjard ».

L'optimisme ne quitte jamais Manet : il ne peut plus aller voir ses amis - mais il les reçoit dans son atelier ; les grandes toiles sont rares - il se met à travailler sur des miniatures, se persuadant sans cesse que sa santé est normale.

En 1883, Manet est décédé, mais ses œuvres merveilleuses sont restées, reflet de son monde intérieur profond et vibrant, et sa biographie peut à juste titre être considérée comme un exemple de service désintéressé envers l'art, de foi en sa propre force et d'un immense courage avec lequel l'auteur a fait face à toutes les attaques critiques et à une maladie mortelle.