Arts décoratifs et appliqués : types, images, développement. Musée des Arts Décoratifs, Appliqués et Populaires

01.04.2019

Le rôle des arts, de l'artisanat et de l'artisanat dans le développement des enfants âge préscolaire.

L’éducation a été et reste le facteur de transformation le plus important du développement social. L’avenir est largement déterminé par le niveau d’éducation et le développement spirituel et moral de la jeune génération. La maternelle, ainsi que la famille, joue un rôle important dans l'éducation d'un enfant d'âge préscolaire. Un établissement d'enseignement préscolaire exerce son influence éducative sur un enfant dans la période la plus sensible (sensible, réceptive) de sa vie. La tâche principale Jardin d'enfants est d'augmenter l'efficacité et la qualité de l'éducation des enfants sur la base de l'éducation globale et du développement de la personnalité de chaque enfant. Parmi les tâches les plus importantes auxquelles est confronté un établissement d'enseignement préscolaire figurent la formation d'une culture de personnalité de base dans la petite enfance, qualités morales: amour de la Patrie, respect de son patrimoine historique et culturel ; culture et traditions des autres peuples.

Les arts et métiers populaires de notre pays font partie intégrante de la culture. L'émotivité et l'imagerie poétique de cet art sont proches, compréhensibles et chères aux gens. Il favorise une attitude sensible à l'égard de la beauté et contribue à la formation d'une personnalité harmonieusement développée. Basé sur de profondes traditions artistiques, l'art populaire entre dans la vie et la culture de notre peuple et a un effet bénéfique sur la formation de la personne du futur. Œuvres d'art, créés par des artisans populaires, reflètent toujours l'amour pour leur terre natale, la capacité de voir et de comprendre le monde qui les entoure.

DANS culture moderne l'art populaire perdure sous ses formes traditionnelles. Grâce à cela, les produits des artisans populaires conservent leurs caractéristiques stables et sont perçus comme porteurs d'une culture artistique intégrale.

Les traditions et le mode de vie de tout peuple s'incarnent dans les costumes, les bijoux, les articles ménagers, la décoration de la maison, qui proviennent des temps anciens et changent avec le temps, tout en conservant les principes de base. caractéristiques.

De plus en plus, les œuvres d’art décoratif et appliqué pénètrent dans la vie des gens, façonnant le goût artistique et créant un environnement esthétiquement complet qui détermine le potentiel créatif de l’individu. Par conséquent, le rôle des enfants d’âge préscolaire est important les établissements d'enseignement, où des travaux sont menés avec succès pour familiariser les enfants avec des échantillons art folklorique. Les objets d'art populaire sont divers. Il peut s'agir de jouets en bois, en argile, de vaisselle, de tapis, de dentelles, de miniatures en laque.

La haute signification spirituelle et idéologique des arts décoratifs et appliqués populaires a influence puissante sur la formation du monde intérieur des enfants. Cours systématiques divers types le traitement artistique des matériaux a un effet bénéfique sur le développement du goût esthétique des enfants et, en même temps, est associé à leur acquisition des compétences nécessaires à leurs travaux futurs.

Grâce à l'intérêt et à la passion pour ces activités, on cultive le travail acharné et la persévérance dans le travail. Grâce au processus de création de beaux produits d'art décoratif et appliqué esthétiquement justifiés, l'amour pour diverses professions est progressivement, discrètement mais très productif, inculqué aux enfants.

Le plus grand effet éducatif vient de l’initiation des enfants d’âge préscolaire aux arts décoratifs et appliqués de l’art et de l’artisanat populaires. Les produits des artisans populaires se distinguent par leur sens de la matière, l'unité organique de l'utilitarisme (orientation pratique) d'une chose avec son décor, sa saveur nationale et ses hautes vertus morales et esthétiques. L'art populaire contient tellement de charge éducative (non seulement dans les produits finis agréables à l'œil, mais aussi dans le processus lui-même, dans la technologie de leur création), que la question se pose naturellement de son utilisation la plus active dans le travail avec les enfants d'âge préscolaire.

La tâche de l'enseignant est de guider processus créatif les enfants d'âge préscolaire, en les concentrant sur l'étude d'exemples d'art et d'artisanat populaires. Le principe de se concentrer sur l'art populaire devrait constituer la base du contenu des cours dispensés aux enfants d'âge préscolaire dans divers types d'arts décoratifs et appliqués.

En train d'étudier les principaux types art folklorique les enfants maîtrisent la structure artistique de l'ornement et se familiarisent avec le travail des artistes. Les sentiments patriotiques, la fierté de sa patrie, de son peuple et le respect de la culture et des traditions des autres peuples sont encouragés. Grâce aux traditions populaires, la sensibilité émotionnelle, la gentillesse, le sentiment de camaraderie et l’estime de soi sont favorisés, la créativité artistique, le sens esthétique et les perspectives de l’individu sont développés. Les élèves reçoivent des connaissances sur le développement des principaux types d'arts décoratifs et appliqués, sur la créativité des plus artistes importants et maîtres, traits caractéristiques costumes nationaux et l'ornementation, sur la collection d'œuvres d'art et d'artisanat d'art populaire des musées locaux ; se familiariser avec des concepts élémentaires tels que la couleur, le rythme, la forme, la proportion, la ligne, le volume, l'espace.

L’art populaire est figuratif, coloré et original dans sa conception. Il est accessible à la perception des enfants, car il contient un contenu compréhensible qui, spécifiquement, sous des formes simples et laconiques, révèle à l'enfant la beauté et le charme du monde qui l'entoure. Ce sont des images d'animaux de conte de fées, toujours familières aux enfants, réalisées en bois et en argile.

Les ornements utilisés par les artisans populaires pour peindre des jouets et de la vaisselle comprennent des fleurs, des baies, des feuilles, dont l'enfant rencontre certaines dans la forêt, dans les champs, à la maternelle. Les jardins d'enfants devraient disposer d'un nombre suffisant d'objets d'art populaire. Des produits artistiques sont présentés aux enfants lors de conversations sur les artisans populaires et sont utilisés dans des activités éducatives. Pour les enfants d'âge préscolaire primaire, il est bon d'avoir ciselé jouets en bois, jouets amusants des artisans de Bogorodsk, produits des artisans folkloriques de Kargopol. Si dans le premier groupe junior, les enfants jouent avec des jouets, alors dans le deuxième groupe junior, ces jouets peuvent être examinés avant les cours de modelage. Pour groupe intermédiaire C'est bien d'avoir des jouets Semionov, Filimonov et Kargopol, Bogorodsk transformé en jouets en bois.

Pour les enfants des groupes scolaires seniors et préparatoires, tout jouet folklorique, argile et bois.

Les jouets folkloriques avec leurs thèmes riches influencent le design de l'enfant lors du modelage et enrichissent sa compréhension du monde qui l'entoure. Sous l'influence des objets d'art populaire, les enfants perçoivent les illustrations comme contes populaires, dont la créativité est basée sur les traditions nationales. L'enseignant doit connaître les métiers populaires et l'histoire de leur origine. Mais avant tout il doit comprendre et aimer arts populaires, sachez à quel artisanat populaire appartient tel ou tel jouet. Être capable de parler des artisans qui fabriquent des jouets, et de le raconter de manière passionnante pour intéresser un petit enfant.

Ainsi, l’art populaire a un impact émotionnel énorme et constitue une bonne base pour la formation du monde spirituel d’une personne.

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Introduction

1.2 Philosophie des arts et métiers

Conclusion

Introduction

Ce concept ne s’est pas formé immédiatement dans la culture humaine. Au départ, ce qui entoure une personne dans la vie quotidienne n'était pas perçu comme ayant une valeur esthétique, même si de belles choses entouraient toujours une personne. Même à l'âge de pierre, les articles ménagers et les armes étaient décorés d'ornements et d'incisions ; un peu plus tard, des décorations en os, en bois et en métal sont apparues ; une grande variété de matériaux ont commencé à être utilisés pour le travail - argile et cuir, bois et or. , fibres de verre et végétales, griffes et dents d'animaux. La peinture recouvrait la vaisselle et les tissus, les vêtements étaient décorés de broderies, des incisions et des gaufrages étaient appliqués aux armes et à la vaisselle, les bijoux étaient fabriqués à partir de presque tous les matériaux. Mais la personne n'a pas pensé au fait que les choses familières qui l'entourent toute sa vie peuvent être appelées art et séparées en un mouvement distinct. Mais dès la Renaissance, les attitudes envers les objets du quotidien ont commencé à changer. Cela a été causé par l'éveil des intérêts des gens dans le passé, associé au culte de l'Antiquité apparu à cette époque. Dans le même temps, l'intérêt est apparu pour la maison en tant qu'objet égal en termes de valeur esthétique à d'autres objets d'art. Les arts décoratifs et appliqués ont atteint leur plus grand développement à l’époque du baroque et du classicisme. Très souvent, la forme simple et pratiquement pratique d'un objet était cachée derrière des décorations exquises - peinture, ornement, gaufrage.

Le processus artistique moderne est complexe et multiforme, tout comme la réalité moderne est complexe et multiforme. L'art, compréhensible par tous, nous entoure partout - à la maison et au bureau, dans l'entreprise et dans le parc, dans les bâtiments publics - théâtres, galeries, musées. Tout, depuis les bagues, bracelets et services à café jusqu'à un complexe thématique complet d'œuvres d'art décoratif et appliqué pour un grand bâtiment public- porte une variété de recherches artistiques de maîtres qui ressentent subtilement la fonction décorative d'un objet, organisent et remplissent notre vie de beauté. Pour créer les commodités nécessaires à une personne et en même temps décorer sa vie, les artistes s'efforcent de faire en sorte que toutes les choses utilisées dans la vie quotidienne correspondent non seulement à leur objectif, mais soient également belles, élégantes et originales. Et la beauté et le bénéfice sont toujours à proximité lorsque les artisans se mettent au travail et créent des objets ménagers qui sont des œuvres d'art à partir de matériaux variés (bois, métal, verre, argile, pierre, etc.).

1. Le rôle des arts décoratifs et appliqués dans la vie du peuple

1.1 Une place privilégiée pour les arts décoratifs et appliqués

Depuis plus d’un siècle, les questions ethniques ont littéralement envahi les humanités sous diverses formes, retriant des concepts déjà plus ou moins établis et révélant en eux de nouveaux contenus. En fait, le syncrétisme observable de l’extérieur et la nature heuristique de la réalité ethnique ne peuvent passer inaperçus aux yeux des sections de la science humaine qui prétendent être systématiques. Parallèlement aux tâches de recherche visant à révéler le caractère général et particulier de la vie culturelle des diverses communautés ethniques, il est urgent, dans de nombreux cas, de rechercher les coutumes populaires et de résoudre rapidement les problèmes psychologiques pratiques liés à l'établissement de moyens culturels minimaux. Zavialov K.F. Religion des peuples slaves. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995. Une place particulière parmi ces moyens est occupée par les arts décoratifs et appliqués (DA), qui sont étroitement liés, ou plutôt, se développent organiquement à partir du mode de vie habituel et enraciné des gens. Les DPI des peuples, en particulier, sont désormais considérés à juste titre non pas comme des articles ménagers devenus obsolètes, mais comme multifonctionnels, constituant à la fois la mentalité (selon L. Febvre) et l'usage utilitaire, comme des choses belles, habilement fabriquées conformément à leur destination. , dans lequel les talents du peuple et la culture artistique, la technologie et la conscience de soi du groupe ethnique, la personnalité de l'auteur et la norme sociale. DPI n'a jamais limité ses fonctions aux seules fonctions utilitaires et design (décoratives). Quel que soit l'aspect de la vie de la tribu slave, on peut voir partout deux influences mutuelles : la vie sur l'art et l'art sur la vie. Dans cette « inspiration et expiration » de l’art, on peut clairement retracer le rythme de la pensée populaire, sa nature magique et « pré-logique », sa vision du monde et son système de relations interpersonnelles, ses principes éducatifs et ses priorités éthiques. La façon dont ces creusets passés compréhension artistique les signes influencent la génération émergente d’une communauté ethnique, et constituent l’objet de notre recherche.

Selon G.V.F. Hegel, « si nous parlons du but universel et non accidentel de l'art, alors, compte tenu de son essence spirituelle, ce but ultime ne peut être que spirituel et, de plus, non accidentel, mais enraciné dans le nature même du caractère objectif. Par rapport à l'édification, ce but ne pouvait être que de faire prendre conscience d'un contenu spirituel essentiel à travers une œuvre d'art. L’art est véritablement devenu le premier enseignant des nations. A cela il faut ajouter que l'identité d'un peuple et de sa culture signifie sa réalisation de soi, l'altérité de son esprit, l'expansion et la représentation extérieure sous forme de produits de la culture de sa pensée. L'image artistique qui accompagne une œuvre du DPI n'est pas seulement déterminée par la destination de la chose ou du matériau à partir duquel elle est réalisée, mais est aussi la source, le moyen et le résultat de l'activité sémiotique, un signe et un message à la fois. Par conséquent, en ce qui concerne les peuples au DPI parfaitement préservé, on peut affirmer que dès la naissance, l'enfant commence à être élevé par les envoyés de la culture, pour le moment muets. Quel que soit l'objet qu'un enfant ramasse, il est dès son plus jeune âge confronté à la nécessité de désobjectiver ce message, car un tel domaine de la vie quotidienne n'existe pas, surtout chez les peuples dont le mode de vie n'est pas encore très réceptif aux idéaux de la culture de masse européenne ou asiatique (où, avec la culture de masse, l’aliénation), où les produits de la « vie quotidienne » de l’artiste ne pénétreraient pas. Tâche générale recherche psychologique peut donc être orienté vers la détermination du rôle réel du DPI dans développement de l'enfant personnes, puisque même l'observation la plus préliminaire des formes d'éducation établies indique la profonde implication du DPI dans toutes les circonstances culturelles des activités des enfants.

Chez les Slaves, qui continuent de vivre dans le contexte de la nature (villages, fermes, etc.) et maintiennent leur mode de vie habituel, cette éducation se fait avec l'aide du monde environnant, encadrée non seulement par des « concepts », comme dans une société technogénique, mais aussi dans un espace symbolique symbolique - une sorte de réfraction à travers le décor, l'ornement et la mosaïque incorporés dans les articles ménagers, les vêtements, le mode de vie, dans des commandements éternellement vivants et soigneusement préservés, qui se transmettent de siècle en siècle non pas dans sous la forme d'instructions et de conseils sur « comment vivre », mais à travers des traditions d'étude, d'utilisation et de production conjointes d'objets d'art. Selon D. Lukács, « en décorant des outils, l'homme, dès des temps immémoriaux, a pris possession d'objets individuels qui, tant sur le plan pratique que technique, étaient depuis longtemps une sorte d'extension de son rayon d'action subjectif, en faisant partie intégrante de son « je » au sens large. En fait, le DPI chez les Slaves est une langue communautaire, dont les premiers signes de maîtrise se retrouvent chez les enfants. Cette langue n'a pas été formée exprès, mais dans les conditions d'un internat national - une sorte de frontière entre deux cultures : externe et interne, la sienne - elle devient l'un des systèmes de moyens les plus développés qu'un enfant est prêt à utiliser dans une situation nouvelle. Zavialov K.F. Religion des peuples slaves. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995.

1.2. Philosophie des arts décoratifs et appliqués

La combinaison de méthodes ethnographiques, historiques, culturelles et psychologiques est, selon I. S. Kon, nécessaire à l'étude correcte du phénomène psychologique et philosophique. C'est pourquoi, en étudiant la fonction et le rôle du DNI dans la formation de moyens d'orientation adéquate des enfants dans le monde qui nous entoure, nous considérons le DNI comme un phénomène indépendant, essayant dès les premiers pas de déterminer ses limites et dans Plan général présenter sa phénoménologie philosophique. En d'autres termes, notre recherche se concentre sur le phénomène du DPI de manière à révéler l'importance générale du DPI pour le développement de l'enfant derrière les formes de comportement ludique et de pensée de l'enfant, capturées dans la résolution de problèmes particuliers.

Les études d'ordre culturel et philosophique (J. Fraser, E. B. Taylor, L. Lévy-Bruhl, K. Lévy-Strauss, etc.) nous révèlent un espace particulier d'existence de la pensée des Slaves « naturels » (qui maintiennent encore une relation particulière avec la nature). Cet espace est plein de l'esprit (de la pensée) du peuple, rempli de ses traditions, rituels, stéréotypes ethniques, saturé de magie, de participation, d'illogisme, etc. DPI est une partie essentielle et intégrale, un moment de cet esprit ; l'une de ses propriétés les plus significatives est qu'elle s'adresse à chaque nouvelle génération émergente de la communauté ethnique. C’est sous cette forme (avec l’écriture formalisée ou émergente) dans le langage du costume et de l’ornement, du motif et du rituel, du décor et de la couleur, que les peuples préservent le lien des époques et transmettent leurs normes ethniques de grand-père à petit-fils. Ce processus de transfert est caché aux regards indiscrets ; c'est intime, bien que désinvolte, non systématique, bien que régulier ; elle est donnée par la vie culturelle quotidienne, mais est maîtrisée de manière personnelle.

Ainsi, tous les articles ménagers des Slaves étaient fabriqués exclusivement à partir de matériaux locaux. Chaque famille possédait de nombreux récipients en écorce de bouleau de formes et d'usages différents, et les hommes sculptaient des mortiers, des cuves, des pelles et des cuillères dans le bois. Les boîtes et assiettes étaient originales. Les vêtements et les petits objets étaient stockés dans des sacs et divers sacs fabriqués à partir de peaux et de tissus. Les fonctions informatives et magiques du DPI étaient peut-être plus importantes que ces fonctions purement pratiques et utilitaires. Les vêtements et les chaussures étaient confectionnés de manière colorée et artistique, avec une grande imagination. La fonction informative (d'identification) était assurée par des éléments de conception de couleur et d'ornement, qui étaient répandus. Les motifs étaient utilisés pour décorer des vêtements, des chaussures, des chapeaux, des ceintures, des étuis à aiguilles, des oreillers, des sacs, des boîtes, des corps et des berceaux. L'ornement des Slaves, comme toute autre langue graphème ethnique, se distinguait par la richesse des formes, la variété des sujets, la rigueur et la clarté de la construction. Par conséquent, l'ornementation d'objets, ainsi que l'ensemble de l'art et de l'artisanat en général, doivent être perçus par nous non pas comme un fantasme fantaisiste du maître, mais comme un élément important. culture populaire, comme moyen d'exprimer les goûts artistiques, les caractéristiques nationales du peuple, sa vision du monde et son histoire. Hegel G.W.F. Esthétique. T. 1. M., 1968,

La fonction éducative du DPI n’est peut-être pas clairement exprimée pour un observateur extérieur, mais sa rigueur et sa régularité sont certainement perceptibles. Dès le berceau, l'enfant est accompagné d'articles ménagers fabriqués selon la brillante technique artistique du DPI. Pour autant que l'on puisse en juger par les résultats d'enquêtes, d'entretiens et d'observations, lors de cette inclusion dans la culture il y a une sorte de transformation de la « symbiose » de l'enseignant (chez les Khanty elle n'est pas explicitement distinguée ; cette fonction est assumée par tous les adultes proches de l'enfant), système signe-symbolique du DPI et de l'enfant. La distance psychologique entre un adulte, un enfant et un objet commence déjà petite enfance transformer considérablement cette culture taciturne en une sorte de parité.

Étant le langage de la communauté, le DPI véhicule des idées qui unissent les gens en un seul tout, signe général, qui consolide les forces spirituelles des Khanty et leurs modes de conscience de soi et d'expression de la foi en un avenir meilleur, dont les signes sont facilement détectés chez les enfants. Dans le même temps, il convient de noter que le langage DPI n'est pas complètement formé (ou a déjà été perdu) en tant qu'universel ethnique général et est utilisé principalement sans compréhension.

Très probablement, la valeur éducative du DPI dépasse toutes nos idées possibles à ce sujet. Une chose est claire, cela ne se limite pas aux fonctions pratiques et utilitaires : autrefois, les produits DPI remplissaient la fonction d'une « amulette » et personne ne pouvait s'en passer. Les mauvais esprits l’attaquaient et lui causaient des blessures ou des maladies. Ces produits, par exemple des bijoux pour femmes, un ornement ou un signe générique sur des vêtements pour hommes, protégeaient leurs propriétaires de l'influence de forces qui ne leur étaient pas encore claires. De nos jours, les gens n’admettent pas toujours croire au pouvoir miraculeux des bijoux et des ornements, mais ils continuent à fabriquer et à porter ces produits. En plus du fait que les bijoux sont beaux et étonnants, ils expriment une affiliation nationale, tribale et ethnique, et auparavant ils portaient également l'identification personnelle de leurs propriétaires. Hegel G.W.F. Esthétique. T. 1. M., 1968,

Le phénomène du DPI imprègne tous les aspects de la vie : l’organisation de la vie quotidienne, le mode de vie des relations familiales, tribales, « internationales » et interpersonnelles. Le rôle et les fonctions du DPI (éducatif, rituel, esthétique, etc.) ne sont pas toujours clairement compris, mais ils sont systématiquement contenus dans tout objet d'art, dans les manifestations du comportement et de la pensée. DPI est compris, apprécié et bénéficie de ses résultats par tous les membres de cette communauté, et il ne serait pas exagéré de dire que de nombreuses personnes s'y engagent. L'attitude envers le DPI peut servir de mesure de la conscience de soi des gens comme contenant l'intégrité mentale et exprimée dans un « message » signe-symbolique pour les autres et pour eux-mêmes.

2. Développement des arts décoratifs et appliqués à notre époque

2.1 L'émergence des arts décoratifs et appliqués

Par conséquent, nous n'inventerons pas de nouvelles définitions du DPI et nous tournerons vers le Dictionnaire encyclopédique russe (RES) - un livre conçu pour énoncer sèchement des vues stéréotypées sur tout phénomène scientifique. Le DPI est présenté dans un article très détaillé :

« Les arts décoratifs et appliqués sont le domaine de l'art décoratif : la création de produits artistiques ayant une utilité pratique dans la vie publique et privée, et traitement artistique objets utilitaires (ustensiles, meubles, tissus, outils, véhicules, vêtements, bijoux, jouets, etc.). Lors du traitement des matériaux (métal, bois, verre, céramique, verre, textiles, etc.), le moulage, le forgeage, le gaufrage, la gravure, la sculpture, la peinture, l'incrustation, la broderie, l'impression, etc. Prod. D.-p.i. font partie de l’environnement objectif entourant une personne et l’enrichissent esthétiquement. Ils sont généralement étroitement liés à l'environnement architectural et spatial, à l'ensemble (dans la rue, dans le parc, à l'intérieur) et entre eux, formant un art. complexe. Apparu dans l'Antiquité, D.p.i. est devenu l'un des domaines les plus importants de l'art populaire, son histoire est liée à l'artisanat artistique, aux activités artistes professionnels et artisans populaires, du début du 20e siècle. également avec la conception et la construction. Sokolov K.F. Religion des peuples slaves. T. 1, 2 / Moscou, 1994 - 1995.

Ainsi, dans « l'art décoratif », on distingue trois types : l'art monumental et décoratif, l'art du design et le DPI.

Posons-nous immédiatement la question : pourquoi, de ces trois types, seul DPI a reçu un nom abrégé, connu de presque tout le monde ? Pourquoi existe-t-il un nom couramment utilisé pour les artistes travaillant dans le domaine du DPI : « artistes DPI », et non « artistes MDI » et « artistes OI » ? Pourquoi, lorsqu’ils parlent d’« artistes appliqués », veulent-ils dire les artistes DPI ?

Voyons voir : n'importe quel muraliste peut se qualifier de peintre (ou sculpteur), et cela ne soulèvera d'objections de la part de personne. Les graphistes (comme les affichistes, comme les scénographes) ont le droit de s'appeler soit graphistes, soit peintres (et parfois sculpteurs), et c'est aussi dans l'ordre des choses. Mais les « travailleurs du DPI » (officiellement « travailleurs appliqués ») sont les bijoutiers, les céramistes, les coffrets, les artisans et tous les autres, mais pas les peintres, les graphistes ou les sculpteurs.

Et si un bijoutier ou un céramiste se dit sculpteur et qu'un miniaturiste de Palekh ou de Rostov se dit peintre, cela fera hésiter les autres. le meilleur cas de scenario une légère surprise, et au pire - une remarque du type "ne vous asseyez pas dans le mauvais traîneau".

Il est caractéristique que le RES ait également « légitimé » cette situation. Sans entrer dans les vicissitudes des différents courants de la philosophie de l’art, ses auteurs affirment :

"Art,

1) mince créativité en général - littérature, architecture, sculpture, peinture, graphisme, arts et métiers, musique, danse, théâtre, cinéma et autres variétés activité humaine, unies en tant que formes artistiques et figuratives d'exploration du monde...

2) Au sens étroit - beaux-arts.

3) Haut degré compétences et maîtrise dans n’importe quel domaine d’activité.

Et « l'art au sens étroit » - bien, - selon les auteurs du RES, désigne « la section de l'art plastique qui combine la peinture, la sculpture et le graphisme ».

Et si l'absence, par exemple, de l'art photographique dans cette liste exhaustive peut s'expliquer par la relative nouveauté de ce dernier, alors pourquoi le DPI, qui existe depuis de nombreux millénaires, n'a-t-il pas été inclus ici ?

2.2 Le rôle des arts décoratifs et appliqués dans la société moderne

Afin de comprendre si une situation aussi étrange avec le DPI est survenue par hasard ou non, il est nécessaire de se souvenir des années trente et cinquante du XXe siècle - une longue période formation de « syndicats d'artistes soviétiques ». C'est alors que, lors de la création de l'Union des artistes de Moscou et de l'Union des artistes de l'URSS, les sections de peintres, graphistes, sculpteurs, designers, monumentalistes et « artistes appliqués » furent réparties sur un pied d'égalité.

Probablement au moment de décider problèmes d'organisation syndicats, toutes ces sections jouissaient en réalité de droits égaux. Mais la confusion commençait déjà à ce moment-là. Sokolov K.F. Religion des peuples slaves. T. 1, 2 / Moscou, 1994 - 1995.

Le fait est qu’il n’est pas facile de nommer un peintre qui n’a jamais conçu de sa vie un musée, une exposition, une église ou un centre culturel. Ou un sculpteur qui travaillait exclusivement dans la sculpture de chevalet et n'a réalisé aucune œuvre monumentale. Ou un graphiste qui n’a jamais illustré un seul livre.

Et ainsi, il s'est avéré que parmi les sections « égales », il y avait trois « les plus égales » - des peintres, des graphistes et des sculpteurs, qui pouvaient pratiquer leur art « élevé » de chevalet, et en même temps faire tout ce qui, en théorie, tombait relevant de la compétence des monumentalistes et des designers. Et bien sûr, personne ne pouvait interdire aux membres des sections « appliquées » de se livrer à la « peinture sur chevalet », mais lors des expositions de masse dans toute l'Union, ils ne pouvaient compter que sur des salles « périphériques », et l'achat d'œuvres sur chevalet chez eux était l'exception plutôt que la règle.

Par conséquent, tout artiste qui s'est essayé au moins une fois dans sa vie à la peinture sur chevalet, au graphisme ou à la sculpture (que pourrions-nous faire sans cela ?), a d'abord essayé de rejoindre les sections qui formaient « l'art au sens étroit ». Et si, pour une raison quelconque, cela ne fonctionnait pas, il partait « à la périphérie » - pour devenir monumentaliste ou designer. Il y avait bien sûr des exceptions à cette règle, mais uniquement pour des raisons subjectives - si, par exemple, tous les amis de l'artiste N avaient déjà rejoint l'Union des artistes de Moscou en tant que graphistes, alors pourquoi N a-t-il essayé de devenir peintre ou graphiste. artiste avec le risque énorme d'être « disqualifié » aux commissions de réception ? Il vaut mieux s'adresser directement à « notre peuple »...

Il y avait aussi des exceptions d'un autre type : dans l'histoire de chacune des « unions d'artistes soviétiques », ainsi que dans les unions créatives russes existantes, il y a des périodes connues où des monumentalistes ou des designers étaient « aux commandes ». Mais ces situations étaient et sont de nature exclusivement subjective.

Pour être honnête, notons que la division entre peintres et graphistes était tout aussi arbitraire et subjective. Par exemple, quel peintre n’a jamais peint à l’aquarelle et n’a jamais touché au pastel ?

Mais classer le peintre comme graphiste, même si cela signifiait l'impossibilité d'être au centre honorable d'une exposition de toute l'Union (et maintenant de toute la Russie), n'équivalait toujours pas à sortir de « l'art au sens étroit » - bien.

Comme nous l’avons déjà vu, les monumentalistes et les designers n’ont pas perdu le droit d’être appelés peintres et graphistes et, par conséquent, ne sont pas sortis de « l’art au sens étroit ». Les sculpteurs monumentaux ne se sont jamais démarqués de la « communauté sculpturale générale ».

Mais les « spécialistes appliqués » ont été les moins chanceux. Ils se sont avérés être l’éternelle « seconde classe ». Il s'est avéré que les bijoutiers, les céramistes et les verriers ne sont pas des sculpteurs, et que les miniaturistes ne sont pas des peintres. Sur l’arbre luxuriant et étendu de la reconnaissance officielle soviétique, au mieux, ils ont reçu le titre d’« Artiste émérite » ou d’« Artiste émérite ». Artiste du peuple de l'URSS, membre correspondant, et plus encore membre à part entière de l'Académie des Arts, ces « sommets » étaient pour eux transcendantaux. De plus, pour la grande majorité des « artistes appliqués », la « libre navigation » était pratiquement exclue (commandes des organismes officiels, achats du ministère de la Culture lors d'expositions, etc.) - ils étaient contraints soit de gagner de l'argent grâce à « l'artisanat populaire », soit « gauchiste".

Après l'effondrement du pouvoir soviétique, les restrictions formelles sur les activités des « spécialistes appliqués » ont disparu, mais le stigmate du statut de « seconde classe » est resté. Tout récemment, un de mes amis peintres, qui avait demandé à être admis à l'Union des artistes de Moscou, s'est vu proposer d'adhérer à la section DPI uniquement parce qu'il avait eu l'imprudence d'apporter au comité de sélection non pas des photographies de ses œuvres de chevalet, mais des cartes postales imprimées avec leurs reproductions. Et s'il n'existait pas à notre époque de syndicats d'artistes « alternatifs », ce peintre serait resté un « artiste appliqué ». Ramzin V.M. Rencontrez les Slaves. Moscou, 1992.

Alors d’où vient ce a priori « statut de seconde classe des scientifiques appliqués » et est-il justifié ?

Il est très probable que, dans les conditions de domination monopolistique du système de distribution soviétique, ce « statut de seconde classe » ait certaines raisons.

« Historiquement » - du XVIIIe au début du XXe siècle - les bijoutiers, souffleurs de verre, céramistes, brodeurs et autres « ouvriers appliqués » russes étaient en grande partie « impersonnalisés ». Le grand public ne connaissait que les noms des propriétaires d'usines et d'ateliers, et presque tous les artisans - même les plus talentueux - avaient rarement l'occasion de montrer leur individualité d'auteur.

Concernant les peintres et sculpteurs Académie Impériale L’art, imposant de manière rigide son style et ses « règles du jeu », n’a presque jamais permis la dépersonnalisation, préservant pour l’histoire même les noms de nombreux « apprentis ». Et la grande majorité des artisans « ordinaires » des industries de la bijouterie, du verre et de la porcelaine. Empire russe irrévocablement tombé dans l’oubli. L'essor sans précédent des « arts décoratifs et appliqués de l'URSS » de l'auteur ne s'est produit qu'à la fin des années cinquante du XXe siècle.

Et dans les années 1930-1950, les dirigeants des syndicats créatifs et leurs conservateurs des organes du parti ont tenté très sincèrement (en tout cas, conformément à la tradition « impériale ») de séparer les « agneaux des boucs » - les « véritables créateurs » des « artisans ».

C'est alors qu'est apparue la division des artistes en « purs et impurs » - « peintres de chevalet » et « artistes appliqués ». En théorie, il n’était pas approprié pour les « vrais peintres et sculpteurs soviétiques » de gagner de l’argent supplémentaire dans l’artisanat populaire et la fabrication de jouets (le fait que de nombreux artistes réellement réels aient été forcés de gagner de l’argent supplémentaire en tant que chargeurs et chauffeurs n’est pas discuté aujourd’hui). Oui, et en théorie, les « vrais artistes » n’auraient pas dû produire des « clones » de leurs œuvres, mettant leurs peintures et sculptures dans le courant industriel – mais pour un « artiste appliqué », cela semble être dans l’ordre des choses.

Il reste donc une question en suspens : que faire du terme « art décoratif », dont les œuvres, selon le RES, « façonnent artistiquement l'environnement matériel qui entoure une personne et y introduisent un début esthétique et figuratif » ? mais en même temps, contrairement à l'art du chevalet « autosuffisant », « révèlent le plus pleinement leur contenu dans l'ensemble pour l'organisation esthétique dont ils ont été créés » ?

Oui, il est encore plus difficile de refuser de diviser les œuvres d'art en « décoratif » et « chevalet » qu'en « chevalet » et « appliqué ». Mais apparemment, nous devrons le faire aussi. Sinon, les débats sur la question de savoir si la « Madone Sixtine » a un caractère « chevalet » ou « décoratif » peuvent être interminables et infructueux, puisque toute opinion ici peut être exclusivement subjective.

Par exemple, où la « Trinité » d'Andrei Rublev est-elle la plus belle ? Dans une cathédrale faiblement éclairée et enfumée, mais « indigène », ou dans la galerie Tretiakov, où elle est absolument conservée et exposée conformément à tous les canons d'exposition ?

Selon la vision stéréotypée, « légalisée » par le RES, il s'avère que la reconnaissance du chef-d'œuvre de Rublev en tant qu'œuvre « décorative » ou « de chevalet » dépend uniquement de la réponse à la question de savoir où « La Trinité » est la meilleure. Mais en fait, ce n’est sans doute pas en vain qu’on dit : un chef-d’œuvre est aussi un chef-d’œuvre en Afrique. Et d’ailleurs, même s’il s’avère soudain que la « Trinité » de Rublev est plus belle dans la cathédrale que dans la galerie Tretiakov, quelqu’un osera-t-il vraiment qualifier cette icône d’« œuvre d’art décoratif » ?

En effet, personne n’appelle la « Trinité » de cette façon. Mais la grande majorité des icônes sont généralement classées de cette façon.

Cela signifie qu’avec « l’art décoratif », le résultat est exactement le même qu’avec le DPI : dans la pratique établie de l’histoire de l’art, ce terme exprime a priori le statut de second ordre de l’œuvre. Par conséquent, tous les types d'art qui y sont inclus s'avèrent « de second ordre » : monumentaux, design et appliqués, avec lesquels nous avons commencé nos recherches.

Mais peu de critiques d'art modernes seraient en désaccord sur le fait que le sens de l'ensemble, la capacité de former un espace unique, l'expansion du concept de l'auteur au-delà du cadre de l'œuvre elle-même sont de la « voltige », et tous les « peintres de chevalet » n'en sont pas capables. .

Alors a-t-on le droit de parler ici de « seconde classe » ? Non et non encore. Mais c'est précisément cette qualité « de second ordre » qui nous est dictée par la compréhension stéréotypée moderne de « l'art décoratif ».

Bien entendu, nous n’allons en aucun cas abandonner complètement le concept de « caractère décoratif » en tant que tel. Par exemple, il est possible qu’une œuvre d’art soit initialement positionnée comme « décorative », comme ce fut le cas de Raphaël avec « Madone Sixtine» ou la « Trinité » de Rublev. On constate également une utilisation généralisée des objets « chevalets » à des fins décoratives : la majorité des œuvres d'art en deux et trois dimensions ne se trouvent toujours pas dans les musées, mais dans la « vie publique et privée » des intérieurs.

Mais aujourd’hui, une chose peut finir à l’intérieur, demain dans un musée et après-demain elle peut retourner à l’intérieur. Tous ces cas ne font l'objet que d'une appréciation locale et n'entraînent en aucun cas un classement dans des catégories aussi globales que le chevalet ou l'art décoratif.

L.V. Tazba, dans l'article « Rating of Artists and Philosophical Understanding of Art », publié dans le troisième numéro de l'ouvrage de référence « Unified Art Rating », a défini le phénomène de l'art (au-delà de l'opportunité politico-économique et sociale spécifique) comme un sujet- unité d’objet « œuvre d’artiste ». Cette approche, selon L.V. Tazba, donne à chacun la possibilité de s'exprimer dans la situation du « téléspectateur-travail ».

Ces définitions nous aideront à passer des concepts dépassés du chevalet et de l’art décoratif à une terminologie plus moderne. Après tout, « peinture de chevalet » et « caractère décoratif » classent les œuvres d'art en fonction de leur emplacement dans un espace particulier - un temple, un musée, un couloir, une chambre, etc. Cela signifie que nous avons le droit de dire que ces termes désignent le composante spatiale de la situation du « spectateur » -travail ».

Toutes les œuvres ont une valeur artistique incontestable, mais il y a aussi un certain calme et une répétition de techniques qu'on y retrouve déjà. Les œuvres de nombreux maîtres reconnus manquent parfois de courage créatif, de netteté et de recherche de nouveauté dans la forme. C'est peut-être pour cette raison que l'exposition attire l'attention sur les tentatives visant à introduire la créativité dans la technique du macramé, qui s'est généralisée ces dernières années. Cela s'applique principalement au grand triptyque de T. Myazina (région de Moscou) " Bosquet de bouleaux"et la tapisserie des artistes V. et N. Yanov "Foire" (Gorki). La tapisserie des jeunes artistes de Krasnodar V. et L. Zubkov "Kuban Niva", réalisée d'une manière expressive audacieuse, a suscité un grand intérêt lors de l'exposition. Sa texture a également été trouvée avec succès, rappelant légèrement le pain épais du Kouban.

Arts plastiques : verre : céramiques, porcelaines et autres - ont été principalement présentés à l'exposition travail expérimental. Les recherches sont très diverses. Dans le verre, nous sommes déjà habitués aux grandes formes décoratives, que nos principaux artistes verriers utilisent pour exprimer leur vision du monde et parfois leurs profondes pensées philosophiques. Ce sont les travaux de L. Savelyeva, V. Muratov, B. Fedorov. Ils nous intéressent par le développement de thèmes et d'images qui passionnent constamment ces artistes. D'exposition en exposition, le savoir-faire de la gravure et de la taille du cristal de A. Astvatsaturyan (Leningrad), O. Kozlova et V. Korneev (Gus-Khrustalny) grandit et s'affine, le plastique dans les compositions de S. Beskinskaya (Moscou), A Stepanova devient plus riche et plus complète (Moscou), L. Urtaeva (Moscou), la palette de couleurs plus émotionnelle et plus subtile des œuvres de G. Antonova (Moscou), S. Ryazanova (Moscou), D. et L. Shushkanov (Moscou ). Les artistes verriers ont de grandes possibilités de transmettre des propriétés matérielles telles que la transparence, la viscosité, la fragilité, la ductilité et la spatialité. L'identification de toutes ces propriétés du verre est devenue possible grâce au haut niveau technique de notre industrie verrière. Il est difficile d'imaginer à quoi auraient pu ressembler les œuvres des artistes de Gusev si l'usine n'avait pas été capable de souder de merveilleux cristaux colorés, ou nous n'aurions guère vu derniers travaux B. Fedorov, si la cristallerie de Diatkovo n'avait pas eu des traditions aussi riches en matière de taille du cristal.

La perception de l'unité sujet-objet « œuvre d'artiste » dépend en grande partie de cette composante. En effet, tout spectateur perçoit l'œuvre (ainsi que les informations dont il dispose sur l'artiste) principalement dans l'espace qui l'entoure - musée, intérieur, religieux, urbain, etc.

Précisons : ce n'est pas seulement le spectateur qui perçoit l'œuvre dans l'espace. La conception de l’artiste inclut généralement le caractère « chevalet » ou « décoratif » de la création en cours de création, c’est-à-dire pense également à un emplacement spécifique dans l'espace pour cela. Mais cette idée fait partie intégrante de l’acte de créer une œuvre et est donc incluse dans l’unité sujet-objet « artiste-œuvre ». Et par la suite, la localisation de l'œuvre dans l'espace (par souci de concision, désignons-la comme le « lieu de l'œuvre ») peut changer plusieurs fois - nous avons déjà dit qu'aujourd'hui une chose peut être à l'intérieur, demain dans un musée, et après-demain, il pourra à nouveau retourner à l'intérieur.

Il semble utile d’apporter une précision supplémentaire. Sans aucun doute, les valeurs de l'art sont éternelles et impérissables - à notre époque, de profondes excursions dans la philosophie ne sont guère nécessaires pour affirmer ce fait. Et pourtant, la perception de toute œuvre d'art est fortement corrélée aux goûts et aux traditions d'une époque particulière dans laquelle vit le spectateur. Y compris dans la question de la qualification d’« art de chevalet » ou d’« art décoratif » (c’est-à-dire dans la motivation pour placer une œuvre particulière dans un musée, sur une place, dans un temple, dans une chambre, etc.).

Ainsi, si nous abandonnons les concepts de « peinture de chevalet » et de « caractère décoratif » comme classificateurs principaux, nous devons ajouter à l'unité sujet-objet des composants « œuvre d'artiste » qui dénotent la perception du spectateur - le lieu et le moment de la perception de l'œuvre . Le lieu et l'heure de création d'une œuvre sont inclus dans la première composante - « artiste », donc, afin de distinguer la perception du spectateur de l'acte de créer une œuvre, nous appellerons le lieu et l'heure de la perception du spectateur les circonstances de lieu et de temps.

Ainsi, un outil théorique complet pour la perception, l'évaluation et la classification d'une œuvre d'art particulière peut être l'unité sujet-objet « œuvre d'artiste », existant dans les circonstances de lieu et de temps.

Tous les éternels problèmes de perception du spectateur - « j'aime-je n'aime pas », « bon-mauvais » - sont déterminés par l'interaction de ces catégories primaires. Mais dans tous les cas, il n'y a pas de place pour le plagiat et la réplication non spirituelle dans l'art - seulement le caractère unique et original de l'unité « œuvre d'artiste » (perçue différemment selon les circonstances de lieu et de temps, mais sans que cela change sa véritable essence profonde. ) créent le phénomène que nous appelons art.

Et toutes les autres composantes de la perception, de l'évaluation et de la classification des œuvres d'art (bidimensionnalité ou tridimensionnalité, positionnement primaire « décoratif » ou « chevalet », placement décoratif ou muséal à une époque particulière, réaliste ou style abstrait, plastique, palette de couleurs, matériaux artistiques, etc.) ne peut jouer que le rôle d'auxiliaire, mais pas de primaire.

Et il ne devrait pas y avoir de division entre les créateurs en « purs et impurs » – peintres de chevalet et artistes appliqués, réalistes et abstractionnistes, traditionalistes et conceptualistes, monumentalistes et miniaturistes – à ce niveau de compréhension. L’égalité véritable (et non déclarative) de tous les mouvements et directions de l’art est l’une des plus grandes réalisations de l’histoire de l’art du XXe siècle, et le moment est venu d’aligner la terminologie de base sur ces réalisations.

bijoutier baroque appliqué le classicisme

Conclusion

Les arts décoratifs et appliqués remontent à des siècles. L'homme a créé des objets esthétiquement précieux tout au long de son développement, reflétant des intérêts matériels et spirituels, c'est pourquoi les œuvres d'art décoratif et appliqué sont indissociables du moment où elles ont été créées. Dans son sens fondamental, le terme « arts décoratifs et appliqués » désigne le design articles ménagers, entourant une personne toute sa vie : meubles, tissus, armes, vaisselle, bijoux, vêtements - c'est-à-dire tout ce qui forme l'environnement avec lequel il entre en contact quotidiennement. Toutes les choses qu'une personne utilise doivent être non seulement confortables et pratiques, mais aussi belles.

La peinture recouvrait la vaisselle et les tissus, les vêtements étaient décorés de broderies, des incisions et des gaufrages étaient appliqués aux armes et à la vaisselle, les bijoux étaient fabriqués à partir de presque tous les matériaux. Mais la personne n'a pas pensé au fait que les choses familières qui l'entourent toute sa vie peuvent être appelées art et séparées en un mouvement distinct. Mais dès la Renaissance, les attitudes envers les objets du quotidien ont commencé à changer. Cela a été causé par l'éveil des intérêts des gens dans le passé, associé au culte de l'Antiquité apparu à cette époque. Dans le même temps, l'intérêt est apparu pour la maison en tant qu'objet égal en termes de valeur esthétique à d'autres objets d'art. Les arts décoratifs et appliqués ont atteint leur plus grand développement à l’époque du baroque et du classicisme. Très souvent, la forme simple et pratiquement pratique d'un objet était cachée derrière des décorations exquises - peinture, ornement, gaufrage.

Dans les œuvres hautement artistiques des maîtres Rus antique le principe plastique se manifestait en tout : les cuillères et les tasses se distinguaient par leurs formes sculpturales, leurs proportions impeccables, les louches prenaient généralement la forme d'un oiseau - un canard ou un cygne, la tête et le cou servaient de manche. Une telle métaphore avait une signification magique et la signification rituelle déterminait la tradition et la stabilité d'une telle forme dans la vie populaire. Chaînes en or, monistas constituées d'élégants médaillons, perles colorées, pendentifs, larges bracelets en argent, bagues précieuses, tissus ornés de broderies - tout cela donnait du multicolore et de la richesse à la tenue festive des femmes. Peindre une cruche avec des motifs, décorer une planche à découper avec des sculptures, tisser des motifs sur du tissu - tout cela demande une grande habileté. Probablement, ces produits décorés d'ornements sont également classés comme arts décoratifs et appliqués parce qu'il est nécessaire d'y mettre les mains et l'âme pour obtenir une beauté incroyable.

Pour créer les commodités nécessaires à une personne et en même temps décorer sa vie, les artistes s'efforcent de faire en sorte que toutes les choses utilisées dans la vie quotidienne correspondent non seulement à leur objectif, mais soient également belles, élégantes et originales.

Et la beauté et le bénéfice sont toujours à proximité lorsque les artisans se mettent au travail et créent des objets ménagers qui sont des œuvres d'art à partir de matériaux variés (bois, métal, verre, argile, pierre, etc.).

Liste de la littérature utilisée

1. Zavialov K.F. Religion des peuples slaves. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995.

2. Lukina N.V. Formation culture matérielle Roussov. Tomsk, 1985.

3. Rituels, coutumes, croyances : Sam. articles / Comp. YL Khandrik, préface. N.A. Rogacheva. Tioumen, 1997.

4. Hegel G.V.F. Esthétique. T. 1. M., 1968,

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6. Sokolov K.F. Religion des peuples slaves. T. 1, 2 / Moscou, 1994 - 1995.

7. Ramzin V.M. Rencontrez les Slaves. Moscou, 1992.

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9. Mythes, légendes, contes des Slaves / Comp. N.V. Kukina M., 1990.

10. Rituels, coutumes, croyances : Sam. articles / Comp. Y. L. Handrik, Moscou, 1997.

11. Korytkova N.F. Vêtements slaves. M. ; , 1995.

12. Rombandeeva E.I. Histoire des Slaves et de leur culture spirituelle. Moscou, 1993.

13. Sokolova Z.P. Slaves de l'Est. M., 1994.

14. Don I. S. Arts décoratifs et appliqués : perspective historique et philosophique. M., 1998.

15. Barabanov N.I. Art populaire décoratif et appliqué des Slaves orientaux. M.,

16. 1980. Praskov K.F. Religion des peuples slaves. T

17. Elkonin D.B. Psychologie du jeu. M., 1999.

18. Barabanov N. I. Arts décoratifs et appliqués populaires Slaves occidentaux. Rostov-sur-le-Don, 1999

19. Potapov N.I. Art populaire décoratif et appliqué des Slaves occidentaux. M., 1990.

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Introduction

1.2 Philosophie des arts et métiers

Conclusion

Introduction

Le processus artistique moderne est complexe et multiforme, tout comme la réalité moderne est complexe et multiforme. L'art, compréhensible par tous, nous entoure partout - à la maison et au bureau, dans l'entreprise et dans le parc, dans les bâtiments publics - théâtres, galeries, musées. Tout - depuis les bagues, bracelets et services à café jusqu'à un complexe thématique complet d'œuvres d'art décoratif et appliqué pour un grand bâtiment public - porte la variété des recherches artistiques d'artisans qui sentent subtilement la fonction décorative d'un objet, organisant et remplissant notre quotidien. la vie avec beauté. Pour créer les commodités nécessaires à une personne et en même temps décorer sa vie, les artistes s'efforcent de faire en sorte que toutes les choses utilisées dans la vie quotidienne correspondent non seulement à leur objectif, mais soient également belles, élégantes et originales. Et la beauté et le bénéfice sont toujours à proximité lorsque les artisans se mettent au travail et créent des objets ménagers qui sont des œuvres d'art à partir de matériaux variés (bois, métal, verre, argile, pierre, etc.).

1. Le rôle des arts décoratifs et appliqués dans la vie du peuple

1.1 Une place privilégiée pour les arts décoratifs et appliqués

Depuis plus d’un siècle, les questions ethniques ont littéralement envahi les humanités sous diverses formes, retriant des concepts déjà plus ou moins établis et révélant en eux de nouveaux contenus. En fait, le syncrétisme observable de l’extérieur et la nature heuristique de la réalité ethnique ne peuvent passer inaperçus aux yeux des sections de la science humaine qui prétendent être systématiques. Parallèlement aux tâches de recherche visant à révéler le caractère général et particulier de la vie culturelle des diverses communautés ethniques, il est urgent, dans de nombreux cas, de rechercher les coutumes populaires et de résoudre rapidement les problèmes psychologiques pratiques liés à l'établissement de moyens culturels minimaux. Zavialov K.F. Religion des peuples slaves. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995. Une place particulière parmi ces moyens est occupée par les arts décoratifs et appliqués (DA), qui sont étroitement liés, ou plutôt, se développent organiquement à partir du mode de vie habituel et enraciné des gens. Les DPI des peuples, en particulier, sont désormais considérés à juste titre non pas comme des articles ménagers devenus obsolètes, mais comme multifonctionnels, constituant à la fois la mentalité (selon L. Febvre) et l'usage utilitaire, comme des choses belles, habilement fabriquées conformément à leur destination. , dans lequel les talents du peuple et la culture artistique, la technologie et la conscience de soi du groupe ethnique, la personnalité de l'auteur et la norme sociale. DPI n'a jamais limité ses fonctions aux seules fonctions utilitaires et design (décoratives). Quel que soit l'aspect de la vie de la tribu slave, on peut voir partout deux influences mutuelles : la vie sur l'art et l'art sur la vie. Dans cette « inspiration et expiration » de l’art, on peut clairement retracer le rythme de la pensée populaire, sa nature magique et « pré-logique », sa vision du monde et son système de relations interpersonnelles, ses principes éducatifs et ses priorités éthiques. Comment ces signes, passés par le creuset de la compréhension artistique, influencent la génération émergente d'une communauté ethnique est l'objet de notre recherche.

Selon G.V.F. Hegel, « si nous parlons du but universel et non accidentel de l'art, alors, compte tenu de son essence spirituelle, ce but ultime ne peut être que spirituel et, de plus, non accidentel, mais enraciné dans le nature même du caractère objectif. Par rapport à l'édification, ce but ne pouvait être que de faire prendre conscience d'un contenu spirituel essentiel à travers une œuvre d'art. L’art est véritablement devenu le premier enseignant des nations. A cela il faut ajouter que l'identité d'un peuple et de sa culture signifie sa réalisation de soi, l'altérité de son esprit, l'expansion et la représentation extérieure sous forme de produits de la culture de sa pensée. L'image artistique qui accompagne une œuvre du DPI n'est pas seulement déterminée par la destination de la chose ou du matériau à partir duquel elle est réalisée, mais est aussi la source, le moyen et le résultat de l'activité sémiotique, un signe et un message à la fois. Par conséquent, en ce qui concerne les peuples au DPI parfaitement préservé, on peut affirmer que dès la naissance, l'enfant commence à être élevé par les envoyés de la culture, pour le moment muets. Quel que soit l'objet qu'un enfant ramasse, il est dès son plus jeune âge confronté à la nécessité de désobjectiver ce message, car un tel domaine de la vie quotidienne n'existe pas, surtout chez les peuples dont le mode de vie n'est pas encore très réceptif aux idéaux de la culture de masse européenne ou asiatique (où, avec la culture de masse, l’aliénation), où les produits de la « vie quotidienne » de l’artiste ne pénétreraient pas. La tâche générale de la recherche psychologique peut donc être axée sur la détermination du rôle réel du DPI dans le développement des enfants du peuple, puisque même l'observation la plus préliminaire des formes d'éducation établies indique la profonde implication du DPI dans toutes les circonstances culturelles de l'enfance. activités.

1.2. Philosophie des arts décoratifs et appliqués

La combinaison de méthodes ethnographiques, historiques, culturelles et psychologiques est, selon I. S. Kon, nécessaire à l'étude correcte du phénomène psychologique et philosophique. C'est pourquoi, dans l'étude de la fonction et du rôle du DPI dans la formation de moyens d'orientation adéquate des enfants dans le monde qui nous entoure, nous considérons le DNI comme un phénomène indépendant, essayant dès les premiers pas de déterminer ses limites et d'en tracer les contours. phénoménologie philosophique. En d'autres termes, notre recherche se concentre sur le phénomène du DPI de manière à révéler l'importance générale du DPI pour le développement de l'enfant derrière les formes de comportement ludique et de pensée de l'enfant, capturées dans la résolution de problèmes particuliers.

Ainsi, tous les articles ménagers des Slaves étaient fabriqués exclusivement à partir de matériaux locaux. Chaque famille possédait de nombreux récipients en écorce de bouleau de formes et d'usages différents, et les hommes sculptaient des mortiers, des cuves, des pelles et des cuillères dans le bois. Les boîtes et assiettes étaient originales. Les vêtements et les petits objets étaient stockés dans des sacs et divers sacs fabriqués à partir de peaux et de tissus. Les fonctions informatives et magiques du DPI étaient peut-être plus importantes que ces fonctions purement pratiques et utilitaires. Les vêtements et les chaussures étaient confectionnés de manière colorée et artistique, avec une grande imagination. La fonction informative (d'identification) était assurée par des éléments de conception de couleur et d'ornement, qui étaient répandus. Les motifs étaient utilisés pour décorer des vêtements, des chaussures, des chapeaux, des ceintures, des étuis à aiguilles, des oreillers, des sacs, des boîtes, des corps et des berceaux. L'ornement des Slaves, comme toute autre langue graphème ethnique, se distinguait par la richesse des formes, la variété des sujets, la rigueur et la clarté de la construction. Par conséquent, l'ornementation d'objets, ainsi que toutes les œuvres artistiques et artistiques en général, devraient être perçues par nous non pas comme un fantasme fantaisiste d'un maître, mais comme une partie importante de la culture populaire, comme un moyen d'exprimer des goûts artistiques, nationaux caractéristiques des gens, leur vision du monde et leur histoire. Hegel G.W.F. Esthétique. T. 1. M., 1968,

La fonction éducative du DPI n’est peut-être pas clairement exprimée pour un observateur extérieur, mais sa rigueur et sa régularité sont certainement perceptibles. Dès le berceau, l'enfant est accompagné d'articles ménagers fabriqués selon la brillante technique artistique du DPI. Pour autant que l'on puisse en juger par les résultats d'enquêtes, d'entretiens et d'observations, lors de cette inclusion dans la culture il y a une sorte de transformation de la « symbiose » de l'enseignant (chez les Khanty elle n'est pas explicitement distinguée ; cette fonction est assumée par tous les adultes proches de l'enfant), système signe-symbolique du DPI et de l'enfant. La distance psychologique entre un adulte, un enfant et un objet commence dès la petite enfance pour se transformer de manière significative dans cette culture taciturne en une sorte de parité.

Étant le langage de la communauté, le DPI véhicule des idées qui unissent le peuple en un seul tout, un signe commun qui consolide les forces spirituelles des Khanty et leurs modes de conscience de soi et d'expression de la foi en un avenir meilleur, dont les signes sont facilement visibles. détecté chez les enfants. Dans le même temps, il convient de noter que le langage DPI n'est pas complètement formé (ou a déjà été perdu) en tant qu'universel ethnique général et est utilisé principalement sans compréhension.

2. Développement des arts décoratifs et appliqués à notre époque

2.1 L'émergence des arts décoratifs et appliqués

« Les arts décoratifs et appliqués sont le domaine de l'art décoratif : la création de produits artistiques ayant une finalité pratique dans la vie publique et privée, et la transformation artistique d'objets utilitaires (ustensiles, meubles, tissus, outils, véhicules, vêtements, bijoux, jouets, etc.). Lors du traitement des matériaux (métal, bois, verre, céramique, verre, textiles, etc.), le moulage, le forgeage, le gaufrage, la gravure, la sculpture, la peinture, l'incrustation, la broderie, l'impression, etc. Prod. D.-p.i. font partie de l’environnement objectif entourant une personne et l’enrichissent esthétiquement. Ils sont généralement étroitement liés à l'environnement architectural et spatial, à l'ensemble (dans la rue, dans le parc, à l'intérieur) et entre eux, formant un art. complexe. Apparu dans l'Antiquité, D.p.i. est devenue l'un des domaines les plus importants de l'art populaire ; son histoire est liée à l'artisanat artistique, aux activités des artistes professionnels et des artisans populaires, depuis le début du XXe siècle. également avec la conception et la construction. Sokolov K.F. Religion des peuples slaves. T. 1, 2 / Moscou, 1994 - 1995.

Ainsi, dans « l'art décoratif », on distingue trois types : l'art monumental et décoratif, l'art du design et le DPI.

Et si un bijoutier ou un céramiste se dit sculpteur, et qu'un miniaturiste de Palekh ou de Rostov se dit peintre, alors cela provoquera, au mieux, une légère surprise chez son entourage, et au pire, une remarque comme « ne t'assois pas ». dans le mauvais traîneau.

Il est caractéristique que le RES ait également « légitimé » cette situation. Sans entrer dans les vicissitudes des différents courants de la philosophie de l’art, ses auteurs affirment :

"Art,

1) mince la créativité en général - littérature, architecture, sculpture, peinture, graphisme, arts et métiers, musique, danse, théâtre, cinéma et autres types d'activités humaines, réunies en tant que formes artistiques et figuratives d'exploration du monde...

2) Au sens étroit - beaux-arts.

3) Un haut degré de compétence et de maîtrise dans n’importe quel domaine d’activité.

Et « l'art au sens étroit » - bien, - selon les auteurs du RES, désigne « la section de l'art plastique qui combine la peinture, la sculpture et le graphisme ».

2.2 Le rôle des arts décoratifs et appliqués dans la société moderne

Afin de comprendre si une situation aussi étrange avec le DPI est survenue par hasard ou non, il est nécessaire de se souvenir des années trente et cinquante du XXe siècle - la longue période de formation des « syndicats d'artistes soviétiques ». C'est alors que, lors de la création de l'Union des artistes de Moscou et de l'Union des artistes de l'URSS, les sections de peintres, graphistes, sculpteurs, designers, monumentalistes et « artistes appliqués » furent réparties sur un pied d'égalité.

Probablement, lors de la résolution des problèmes d'organisation des syndicats, toutes ces sections jouissaient réellement des mêmes droits. Mais la confusion commençait déjà à ce moment-là. Sokolov K.F. Religion des peuples slaves. T. 1, 2 / Moscou, 1994 - 1995.

Alors d’où vient ce a priori « statut de seconde classe des scientifiques appliqués » et est-il justifié ?

Il est très probable que, dans les conditions de domination monopolistique du système de distribution soviétique, ce « statut de seconde classe » ait certaines raisons.

En ce qui concerne les peintres et les sculpteurs, l’Académie impériale des arts, imposant de manière rigide son style et ses « règles du jeu », n’a presque jamais permis l’anonymat, préservant pour l’histoire les noms même de nombreux « apprentis ». Et l’écrasante majorité des artisans « ordinaires » des industries de la bijouterie, du verre et de la porcelaine de l’Empire russe sont irrévocablement sombrés dans l’oubli. L'essor sans précédent des « arts décoratifs et appliqués de l'URSS » de l'auteur ne s'est produit qu'à la fin des années cinquante du XXe siècle.

En effet, personne n’appelle la « Trinité » de cette façon. Mais la grande majorité des icônes sont généralement classées de cette façon.

Bien entendu, nous n’allons en aucun cas abandonner complètement le concept de « caractère décoratif » en tant que tel. Par exemple, il est possible qu'une œuvre d'art soit initialement positionnée comme « décorative », comme ce fut le cas de Raphaël avec la Madone Sixtine ou de Rublev avec la Trinité. On constate également une utilisation généralisée des objets « chevalets » à des fins décoratives : la majorité des œuvres d'art en deux et trois dimensions ne se trouvent toujours pas dans les musées, mais dans la « vie publique et privée » des intérieurs.

Toutes les œuvres ont une valeur artistique incontestable, mais il y a aussi un certain calme et une répétition de techniques qu'on y retrouve déjà. Les œuvres de nombreux maîtres reconnus manquent parfois de courage créatif, de netteté et de recherche de nouveauté dans la forme. C'est peut-être pour cette raison que l'exposition attire l'attention sur les tentatives visant à introduire la créativité dans la technique du macramé, qui s'est généralisée ces dernières années. Cela s'applique principalement au grand triptyque de T. Myazina (région de Moscou) « Birch Grove » et à la tapisserie des artistes V. et N. Yanov « Fair » (Gorki). La tapisserie des jeunes artistes de Krasnodar V. et L. Zubkov « Kouban Niva », exécutée de manière audacieuse et expressive, a suscité un grand intérêt lors de l'exposition. Sa texture a également été trouvée avec succès, rappelant légèrement le pain épais du Kouban.

Les arts plastiques : verre : céramique, porcelaine et autres - ont été présentés dans l'exposition principalement avec des œuvres expérimentales. Les recherches sont très diverses. Dans le verre, nous sommes déjà habitués aux grandes formes décoratives, que nos principaux artistes verriers utilisent pour exprimer leur vision du monde et parfois leurs profondes pensées philosophiques. Ce sont les travaux de L. Savelyeva, V. Muratov, B. Fedorov. Ils nous intéressent par le développement de thèmes et d'images qui passionnent constamment ces artistes. D'exposition en exposition, le savoir-faire de la gravure et de la taille du cristal de A. Astvatsaturyan (Leningrad), O. Kozlova et V. Korneev (Gus-Khrustalny) grandit et s'affine, le plastique dans les compositions de S. Beskinskaya (Moscou), A Stepanova devient plus riche et plus complète (Moscou), L. Urtaeva (Moscou), la palette de couleurs plus émotionnelle et plus subtile des œuvres de G. Antonova (Moscou), S. Ryazanova (Moscou), D. et L. Shushkanov (Moscou ). Les artistes verriers ont de grandes possibilités de transmettre des propriétés matérielles telles que la transparence, la viscosité, la fragilité, la ductilité et la spatialité. L'identification de toutes ces propriétés du verre est devenue possible grâce au haut niveau technique de notre industrie verrière. Il est difficile d'imaginer à quoi auraient pu ressembler les œuvres des artistes de Gusev si l'usine n'avait pas pu souder de merveilleux cristaux colorés, ou il est peu probable que nous aurions vu les dernières œuvres de B. Fedorov si l'usine de cristal de Dyatkovo avait Il n'y avait pas de traditions aussi riches en matière de taille du cristal.

Et toutes les autres composantes de la perception, de l'évaluation et de la classification des œuvres d'art (bidimensionnalité ou tridimensionnalité, positionnement primaire « décoratif » ou « chevalet », placement décoratif ou muséal dans une époque particulière, style réaliste ou abstrait, plastique, palette de couleurs, matériel d'art, etc.) ne peut jouer que le rôle d'auxiliaire, mais pas de primaire.

bijoutier baroque appliqué le classicisme

Conclusion

Les arts décoratifs et appliqués remontent à des siècles. L'homme a créé des objets esthétiquement précieux tout au long de son développement, reflétant des intérêts matériels et spirituels, c'est pourquoi les œuvres d'art décoratif et appliqué sont indissociables du moment où elles ont été créées. Dans son sens fondamental, le terme « arts décoratifs et appliqués » fait référence à la conception des objets du quotidien qui entourent une personne tout au long de sa vie : meubles, tissus, armes, vaisselle, bijoux, vêtements - c'est-à-dire tout ce qui forme l'environnement avec lequel il entre en contact quotidiennement. Toutes les choses qu'une personne utilise doivent être non seulement confortables et pratiques, mais aussi belles.

Dans les œuvres hautement artistiques des maîtres de la Rus antique, le principe plastique se manifestait en tout : les cuillères et les tasses se distinguaient par des formes sculpturales, des proportions impeccables, les louches prenaient généralement la forme d'un oiseau - un canard ou un cygne, la tête et le col servait de poignée. Une telle métaphore avait une signification magique et la signification rituelle déterminait la tradition et la stabilité d'une telle forme dans la vie populaire. Chaînes en or, monistas constituées d'élégants médaillons, perles colorées, pendentifs, larges bracelets en argent, bagues précieuses, tissus ornés de broderies - tout cela donnait du multicolore et de la richesse à la tenue festive des femmes. Peindre une cruche avec des motifs, décorer une planche à découper avec des sculptures, tisser des motifs sur du tissu - tout cela demande une grande habileté. Probablement, ces produits décorés d'ornements sont également classés comme arts décoratifs et appliqués parce qu'il est nécessaire d'y mettre les mains et l'âme pour obtenir une beauté incroyable.

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Les arts et l'artisanat sont les moyens les plus importants de développement esthétique et de formation d'une personnalité holistique, de sa spiritualité, individualité créative. La pédagogie définit l'éducation esthétique comme « le processus de formation ciblée des goûts et des idéaux d'un individu, le développement de sa capacité à percevoir esthétiquement les phénomènes de la réalité et les œuvres d'art, à créativité indépendante" L'éducation esthétique présuppose également la formation d'une personnalité pleinement développée - une personne capable non seulement de consommer de l'art, mais aussi de la créativité.

L'éducation complémentaire des enfants est un maillon nécessaire dans l'éducation d'une personnalité aux multiples facettes, son éducation et son orientation professionnelle précoce. Cela crée les conditions permettant à un jeune de vivre pleinement sa vie pendant son enfance. Après tout, si un enfant vit la vie pleinement, il aura plus de succès et les réalisations à l'âge adulte.

Le contenu principal de l'enseignement complémentaire pour les enfants est axé sur la pratique et basé sur l'activité : l'enfant agit de manière indépendante dans une situation de recherche, acquiert des connaissances en interagissant avec les objets de travail, la nature, monuments culturels etc. Dans le système d'enseignement complémentaire, des situations se créent lorsqu'un enfant a besoin d'extraire des connaissances de son environnement. L'enseignement complémentaire destiné aux enfants est de nature exclusivement créative, car il encourage l'enfant à trouver son propre chemin dans certaines circonstances. Un élément important du système d'enseignement complémentaire, attractif pour les parents et les enfants, types de créations activités.

La valeur particulière des activités décoratives et appliquées réside dans le fait qu'elles permettent d'utiliser une grande variété de matériaux. Dans notre école, l'enseignement complémentaire est un réseau de travail en cercle : clubs scolaires et clubs CDT.

La modernité impose de nouvelles exigences à l'éducation : sans supprimer la volonté de l'enfant, il convient d'élever une personnalité indépendante, en tenant compte et en orientant judicieusement les besoins et les intérêts de l'enfant. C'est pourquoi, et voyant également ce qui intéresse les enfants et qu'ils aiment travailler avec du papier, des perles, des matériaux naturels et des déchets, j'ai organisé des cours pour le cercle « Mains habiles ».

Le programme d'études du cercle reposait sur les principes de pertinence, de réalisme, de systématicité, d'activité, de caractère pédagogique de la formation, d'accessibilité du matériel de programme et de possibilité de contrôle.

L'objectif du programme est la formation et le développement des compétences créatives et des capacités individuelles, de la culture esthétique et de la spiritualité des élèves, en leur inculquant le respect de l'art populaire, dans le processus de pratique des arts et de l'artisanat.

Les cours en cercle sont conçus pour résoudre les problèmes suivants :

Éducatif:

initier les étudiants à l'histoire et à la modernité
orientations de développement des arts et de l'artisanat ;
apprendre aux enfants à maîtriser diverses techniques de travail
avec les matériaux, outils et appareils nécessaires au travail ;
enseigner les technologies pour différents types de travaux d'aiguille : coupe, perlage.
développer la capacité de décider de manière indépendante
tâches cognitives dans le processus de production du travail.

Éducatif:

créer les conditions du développement de la personnalité de chaque élève, révélant ses capacités créatives ;
développer la pensée figurative et spatiale, la mémoire,
imagination, attention;
développer la motricité de la main et des yeux.

Éducatif:

Former un intérêt durable pour les arts décoratifs et appliqués ;

Initier les enfants à la culture esthétique ;

cultiver les sentiments de collectivisme, d'entraide, de responsabilité ;
cultiver le respect des valeurs culturelles populaires.

J'ai choisi les indications suivantes travaux:

Familiarisation élargie des enfants avec les produits d'art et d'artisanat ;

Création indépendante d'objets de décoration par les enfants.

Le travail utilise diverses méthodes et techniques qui devraient contribuer à la création et à la préservation d'une atmosphère de créativité, de connaissance et servir à la prise de conscience de la valeur et du caractère unique de la culture nationale.

J’essaie de structurer tout mon travail pour que le développement de l’enfant soit vraiment harmonieux. Elle choisit différentes formes de direction de cours : voyager, « transformer » les enfants en maîtres. Pendant les cours, j'ai résolu des problèmes cognitifs, éducatifs et créatifs. J'ai essayé d'utiliser différentes techniques pour travailler avec du papier, des perles, des matériaux naturels et des déchets.

J'essaie d'apprendre aux enfants à voir les propriétés esthétiques des objets, la variété et la beauté des formes, la combinaison des couleurs et des nuances : après tout, en regardant, en regardant attentivement et en réfléchissant, les enfants apprennent à comprendre, à ressentir et à aimer. Les capacités créatives des enfants dans le processus de pratique des arts et de l'artisanat se développent dans différentes directions : les enfants créent des croquis, réfléchissent et créent des objets décoratifs, apprennent à trouver des moyens de représenter et de concevoir un objet et transfèrent un objet décoratif conçu en produit.

Durant les cours du club, les enfants éveillent la foi en leur Compétences créatives, leur caractère unique, la conviction qu'ils sont venus dans ce monde pour créer la bonté et la beauté, pour apporter de la joie aux gens. Diverses organisations cours, utilisation de matériel visuel, mot artistique et la musique - tout cela aide les enfants à s'initier monde insolite art, rejoindre culture artistique, rend les cours vivants et intéressants.

J'accorde beaucoup d'attention au travail avec les parents. Les parents reçoivent des informations lors de réunions et lors de consultations. En guise de rapport créatif à leurs parents, les enfants ont préparé des cadeaux pour diverses fêtes.

Le travail du cercle se termine par des expositions la créativité des enfantsà l'école, dans le quartier.

Les arts décoratifs et appliqués créent un effet de communication spirituelle et initient les enfants aux mouvements artistiques de différentes époques et cultures historiques.

L'une des caractéristiques des cours du club des arts et métiers est que pour accomplir la tâche dont vous avez besoin longue durée. Pour que les étudiants ne perdent pas l'intérêt de travailler sur la même chose, lorsque le résultat final du travail est encore loin, il est nécessaire de résumer quotidiennement les résultats du travail, d'augmenter l'efficacité du travail en résumant les résultats. d'une leçon et organiser des expositions de produits pendant une journée. Dans ce cas, les enfants voient les résultats de leur travail à chaque leçon, ce qui les incite à poursuivre un travail fructueux. Les visionnements intermédiaires de leurs œuvres activent significativement l'activité créatrice des étudiants. Lors des examens intermédiaires en cours, en tant que chef du cercle, je célèbre les réalisations des membres du cercle et leur fixe de nouvelles tâches. J'ai recours à un examen intermédiaire général dans les cas où une tâche difficile est en cours d'exécution. Dans le même temps, les étudiants qui participent à la discussion sont habitués à la maîtrise de soi. Ici, j'exprime mon approbation si les enfants réussissent quelque chose. Cela remonte le moral des étudiants, stimule leur travail ultérieur et leur donne un regain de force. Ressentant visiblement les résultats de leur travail et convaincus de leurs capacités, les étudiants travaillent avec un grand enthousiasme émotionnel. Lors de la discussion sur les produits, des débats surgissent souvent dans lesquels les goûts esthétiques des écoliers se manifestent et s'affinent clairement, leur la pensée créative et la parole.

En fin d'année, nous organisons une exposition finale des travaux des membres du cercle. L'organisation et la tenue habiles d'une exposition deviennent l'une des formes efficaces d'encouragement moral pour les étudiants. Parallèlement à l'exposition finale des œuvres créatives, nous organisons un concours pour le meilleur produit, mettant en valeur et célébrant les œuvres les plus réussies. Cela contribue à attirer de nouveaux écoliers vers les cours d’art et d’artisanat.

Aujourd'hui, il est inacceptable de laisser le développement émotionnel et moral suivre son cours, car cela entraîne le développement d'une insensibilité envers l'autre personne et envers la nature, la dictature d'un intellect étroitement compris qui ne fait pas de distinction entre le bien et le mal. Les cours d'art et d'artisanat donnent à l'enfant la possibilité d'acquérir très tôt l'expérience de la réalisation de soi créative, dans laquelle les idées d'un jeune maître sont générées et incarnées. La capacité de créativité artistique se cultive à travers l’art. Une éducation artistique à part entière préserve l’intégrité de la personnalité de l’enfant. L'éducation esthétique, en tant que moyen le plus important pour former une attitude envers la réalité, le développement spirituel et moral et l'auto-développement de l'individu, est basée sur la compréhension de l'harmonie artistique. Ainsi, dans le processus d'introduction à l'individu de la riche expérience culturelle de l'humanité accumulée dans le domaine de l'art, des opportunités sont créées pour éduquer une personne moderne hautement morale et diversifiée.

Les arts et l'artisanat populaires - l'un des moyens d'éducation esthétique - aident à former le goût artistique, nous apprennent à voir et à comprendre la beauté de la vie qui nous entoure et de l'art. L'art populaire, de contenu national, peut influencer activement le développement spirituel d'une personne, la formation de sentiments patriotiques et internationaux.

L'art populaire contribue à l'éducation artistique des enfants, car il repose sur toutes les lois spécifiques de l'art décoratif : la symétrie et le rythme. Dans les motifs des peintures décoratives, caractéristiques de divers métiers populaires, on observe un certain rythme, une symétrie, une proportionnalité des éléments individuels et une comptabilité dans l'exécution de l'ornement. Cela fournit du matériel pour le développement de concepts mathématiques élémentaires.

Les arts et l'artisanat populaires russes sont étroitement liés au folklore, aux coutumes et aux rituels, fêtes folkloriques Et musique folklorique. Par conséquent, la familiarisation avec l'artisanat populaire peut être complétée par l'éducation musicale des enfants d'âge préscolaire.

Les arts et métiers populaires de notre pays font partie intégrante de la culture. L'émotivité et l'imagerie poétique de cet art sont proches, compréhensibles et chères aux gens. Comme n'importe quoi grand art, il favorise une attitude sensible envers la beauté, contribue à la formation d'une personnalité harmonieusement développée. Basé sur de profondes traditions artistiques, l'art populaire entre dans la vie et la culture du peuple et a un effet bénéfique sur la formation de la personne du futur. Les œuvres artistiques créées par des artistes folkloriques reflètent toujours l'amour pour leur terre natale, la capacité de voir et de comprendre le monde qui les entoure.

Dans la culture moderne, l’art populaire vit sous ses formes traditionnelles. Grâce à cela, les produits des artisans populaires conservent leurs caractéristiques stables et sont perçus comme porteurs d'une culture artistique intégrale.

De plus en plus, les œuvres d'art décoratif et appliqué pénètrent dans la vie des gens, façonnant le goût artistique, créant un environnement esthétiquement complet qui détermine le potentiel créatif d'un individu. Par conséquent, le rôle des jardins d'enfants est important, où des travaux sont menés avec succès pour familiariser les enfants avec des exemples d'art populaire.

« La nature des images et des motifs de l'art décoratif populaire est inextricablement liée à ses tâches inhérentes de transformation de l'environnement entourant une personne, et elle-même, conformément à l'idée de bonté et de beauté. Cet art a la capacité de donner vie à la joie, aux couleurs vives, aux rythmes joyeux et d’affirmer des idéaux positifs. L’art décoratif populaire contribue à l’éducation de personnes qui perçoivent la vie avec optimisme, sont spirituellement riches, dotées d’un sens poétique subtil et enseignent à aimer et à apprécier ce qui est reconnu par le peuple.

Caractère décoratif, expressivité de la couleur et de la plasticité, motifs à motifs, variété des textures des matériaux - tels sont les traits caractéristiques des œuvres d'art appliqué populaire qui sont en harmonie avec le sens esthétique, la perception et la compréhension des enfants. Tant dans les œuvres d'art populaire que dans la créativité des enfants, tout est joyeux et coloré. Là comme ici, la vie est perçue et représentée dans des tons élevés et majeurs. Les images d'oiseaux, d'animaux et de plantes fantastiques représentées sur des tissus, des planches en pain d'épice et dans des peintures de rouets sont perçues par les enfants avant tout comme fabuleuses, et en même temps ils y reconnaissent des oiseaux et des plantes qui leur sont familiers dans la vie, car dans l'art populaire « des images d'animaux domestiques, d'oiseaux, d'animaux et de plantes, scènes de tous les jours ont acquis une signification et une spiritualité particulières, et les images fantastiques ne manquent pas de vraisemblance.

La composition du motif et sa structure de couleur sont soumises à des lois esthétiques, qui deviennent progressivement accessibles aux enfants. À cet égard, les cours de dessin décoratif et d'applique contribuent au développement du goût artistique.

L'art populaire poétise la vie. Les artisans populaires utilisent souvent des images de la nature vivante pour créer une forme expressive particulière d'objets ménagers et pour les décorer. La rencontre avec un oiseau coloré représenté sur un rouet, avec un cheval d'argile rapide balayant sa crinière au vent, avec des motifs sur tissu, avec des céramiques émaillées étincelantes peut être un matériau fertile pour les enfants qui développent leur imagination.

Expressivité dans l'art populaire image artistique est obtenu en grande partie en généralisant les détails et les taches de couleur. Il manque d’illusion et de fragmentation dans solutions de composition. La forme volumétrique, la solution visuelle est véhiculée simplement, laconiquement, uniquement par les caractéristiques principales et essentielles.

Des exemples d'art populaire contribuent au développement chez les enfants de la capacité de travailler de manière décorative avec la couleur, de partir de l'ensemble lors de la création de produits en argile, d'obtenir des solutions plastiques pointues avec des moyens laconiques et d'enrichir l'expressivité graphique des œuvres d'enfants.

L'art populaire appliqué se caractérise par l'unité de l'esthétique et de l'utilitaire (utilisation pratique). Dans n'importe quel objet, qu'il s'agisse d'une cruche en céramique, costume folklorique, un ancien château, une lumière pour un éclat, un usage domestique, pratique - les choses sont en accord étonnant avec son décor. Tous les moyens d'expression sont subordonnés à la création d'une chose : la forme de l'objet, le matériau avec lequel il est fabriqué, l'ornement, la palette de couleurs. Peignant un cadre en écorce de bouleau avec des fleurs, décorant une louche en bois de sculptures, l'artiste crée selon les lois de la beauté. Le désir de beauté à travers les choses, fonction publique ce qui consiste non seulement dans leur essence utilitaire, mais également dans leur capacité à décorer notre vie, à y accroître la beauté, est la signification spirituelle des œuvres d'art populaire.

Le lien avec la vie quotidienne et le travail a déterminé les caractéristiques du contenu et du langage artistique de l'art populaire. La nature a fourni aux artisans les matériaux les plus simples : bois, argile, métaux, os, lin, laine, grâce à des transformations qui, à l'aide d'outils simples, ont atteint un haut niveau artistique et une perfection technique.

Révélateur beauté naturelle matériau, la capacité d'extraire le plus grand effet décoratif était souvent combinée à des techniques simples et purement techniques : application de creux, de traits et d'étoiles avec un tampon spécial, en utilisant des tissages de rayures ou de fils uniformément alternés. Étant l'une des sources importantes expression artistique produits de l'art populaire, la simplicité technique de ces techniques présente un intérêt particulier pour familiariser les enfants avec divers matériaux et diverses façons de les décorer. La maîtrise de certaines techniques techniques est tout à fait accessible aux enfants d’âge préscolaire et peut apporter une certaine nouveauté à la créativité des enfants, la rendant plus intéressante et passionnante.

Analysant les particularités de la perception par les enfants des œuvres d'art populaire, N.P. Sakulina note : « Les enfants d'âge préscolaire sont proches et compréhensibles de nombreuses œuvres des maîtres de la peinture décorative, de la sculpture, de la broderie et de l'art des fabricants de jouets. Les petits enfants les perçoivent plus profondément et plus complètement que les grands tableaux et sculpture de chevalet, et cela aide grandement l’enseignant de maternelle à façonner le goût artistique des enfants et à guider leur créativité visuelle. Valeur pédagogique l'art populaire a été noté à plusieurs reprises par A.P. Oussova. Elle a écrit que l'utilisation de l'art populaire à la maternelle n'a jamais été une impulsion ou une mode aléatoire, mais a toujours agi en lien étroit avec les tâches pédagogiques et artistiques de l'éducation préscolaire, mise en œuvre pratique qui ont été largement contribués par l'art populaire. « Le concept de Patrie est encore inaccessible aux jeunes enfants. L'éducation à cet âge consiste à leur préparer le terrain en élevant l'enfant dans une atmosphère saturée d'images vivantes, couleurs vives son pays."

Actuellement, l'art populaire appliqué est largement utilisé dans l'éducation artistique des enfants des jardins d'enfants. Des exemples authentiques d'art populaire et œuvres modernes Les arts décoratifs et appliqués sont utilisés dans les classes et dans la conception des jardins d'enfants.

Tout cela nous permet de dire que les œuvres d'art populaire appliqué devraient jouer un rôle important dans développement artistique enfants d'âge préscolaire : dans le développement de leur imagination, de leur fantaisie, dans la formation du goût artistique, dans l'enrichissement de l'expressivité figurative des œuvres créées par les enfants.

Les produits des artisans populaires contribuent à inculquer aux enfants une attitude attentive et bienveillante envers l'environnement, car les arts décoratifs et appliqués sont proches dans leurs motivations de la nature. Depuis des siècles, les artistes observent le monde animal, la beauté des oiseaux, la diversité des plantes, voient et ressentent l’harmonie de la nature. Ensuite, sa beauté, sa proportionnalité, sa rationalité et son ordre se sont reflétés dans les motifs des peintures décoratives. Ils contiennent des images d’humains, d’animaux, d’oiseaux, de motifs végétaux et d’ornements. L'artisanat aide à comprendre et à ressentir que l'homme fait partie de la nature, et c'est la base du développement harmonieux d'un enfant.

L'art populaire est la propriété non seulement des adultes, mais aussi des enfants, qui jouent avec enthousiasme avec des poupées gigognes en bois peintes et des figurines en argile des maîtres de Kirov. Les enfants adorent les jouets farfelus de Bogorodsk et les objets transformés de Zagorsk.

Comme déjà mentionné, l’art populaire raffiné a un impact émotionnel énorme et constitue une bonne base pour la formation du monde spirituel d’une personne. L’art populaire est figuratif, coloré et original dans sa conception. Il est accessible à la perception des enfants, car il contient un contenu compréhensible pour les enfants, qui spécifiquement, sous des formes simples et laconiques, révèle à l'enfant la beauté et le charme du monde qui l'entoure. Ce sont toujours des images de contes de fées familières aux enfants, représentant des animaux en bois ou en argile.

Les ornements utilisés par les artisans traditionnels pour peindre des jouets et de la vaisselle comprennent des fleurs, des baies et des feuilles qu'un enfant rencontre dans la forêt, dans un champ ou sur le site d'une école maternelle. Ainsi, les maîtres de la peinture de Khokhloma créent habilement des ornements à partir de feuilles, de baies de viorne, de framboises et de canneberges. Les artisans de Gorodets créent leurs ornements à partir de feuilles et de grandes fleurs de kupavka, d'églantier et de roses.

Les maîtres des jouets en argile peignent souvent leurs produits avec des motifs géométriques : anneaux, rayures, cercles, qui sont également compréhensibles pour les petits enfants. Tous ces produits, en bois et en argile, sont utilisés dans les jardins d'enfants non seulement pour décorer l'intérieur de la pièce. Sous la direction d'un professeur, ils les examinent attentivement, les dessinent et les sculptent d'après des échantillons de produits folkloriques.

Sous l'influence d'objets d'art flottants, les enfants perçoivent plus profondément et avec un grand intérêt les illustrations de contes populaires russes réalisées par des artistes tels que I. Bilibin et Yu. Vasnetsov, dont le travail est basé sur les traditions nationales.

Les activités utilisant des objets d'art populaire aident à développer l'activité mentale d'un petit enfant. Cependant, cela n'est possible que s'il y a une familiarisation systématique et systématique des enfants avec des objets d'art populaire, grâce à laquelle les enfants créent leurs propres travaux de décoration: jouets, vaisselle, assiettes décorées d'ornements de type tuile.

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