L'impressionnisme en peinture

Origines

Origine du nom

La première exposition importante des impressionnistes eut lieu du 15 avril au 15 mai 1874 dans l'atelier du photographe Nadar. 30 artistes y étaient présentés, pour un total de 165 œuvres. La toile de Monet - « Impression. Soleil levant " ( Impression, soleil levant), aujourd'hui conservé au Musée Marmottin de Paris, écrit en 1872, a donné naissance au terme « Impressionnisme » : le journaliste méconnu Louis Leroy, dans son article du magazine « Le Charivari », a qualifié le groupe d'« Impressionnistes » pour exprimer son dédain. Les artistes, par défi, ont accepté cette épithète ; plus tard, elle a pris racine, a perdu son sens négatif originel et est devenue activement utilisée.

Le nom « impressionnisme » n’a aucun sens, contrairement au nom « école de Barbizon », où il y a au moins une indication de localisation géographique. groupe artistique. C'est encore moins clair avec certains artistes qui n'étaient pas formellement inclus dans le cercle des premiers impressionnistes, bien que leurs techniques et moyens techniques soient complètement « impressionnistes » (Whistler, Edouard Manet, Eugène Boudin, etc.) De plus, les moyens techniques de les impressionnistes étaient connus bien avant les siècles du XIXe siècle et ils furent (partiellement, dans une mesure limitée) utilisés par Titien et Velasquez, sans rompre avec les idées dominantes de leur époque.

Il y avait un autre article (d'Emil Cardon) et un autre titre - "Exposition rebelle", qui était absolument désapprobateur et condamnant. C'est précisément cela qui reproduisait fidèlement l'attitude désapprobatrice du public bourgeois et la critique à l'égard des artistes (impressionnistes) qui prévalaient depuis des années. Les impressionnistes furent immédiatement accusés d'immoralité, de sentiments rebelles et de manque de respect. DANS actuellement c'est surprenant, car on ne voit pas clairement ce qu'il y a d'immoral dans les paysages de Camille Pissarro, Alfred Sisley, scènes de tous les jours Edgar Degas, natures mortes de Monet et Renoir.

Des décennies ont passé. Et la nouvelle génération d’artistes connaîtra un véritable effondrement des formes et un appauvrissement des contenus. Puis la critique et le public voient dans les impressionnistes condamnés des réalistes, puis un peu plus tard des classiques de l'art français.

Spécificités de la philosophie de l'impressionnisme

L'impressionnisme français n'a pas soulevé problèmes philosophiques et n'a même pas essayé de pénétrer sous la surface colorée de la vie quotidienne. L’impressionnisme se concentre plutôt sur la superficialité, la fluidité d’un moment, l’ambiance, l’éclairage ou l’angle de vue.

Comme l'art de la Renaissance (Renaissance), l'impressionnisme repose sur les caractéristiques et les compétences de perception de la perspective. Dans le même temps, la vision de la Renaissance explose avec la subjectivité et la relativité avérées de la perception humaine, qui fait de la couleur et de la forme des composants autonomes de l'image. Pour l'impressionnisme, ce qui est représenté sur l'image n'est pas si important, mais la manière dont il est représenté est importante.

Leurs peintures ne présentaient que les aspects positifs de la vie, sans affecter problèmes sociaux, notamment la faim, la maladie et la mort. Cela a ensuite conduit à une scission parmi les impressionnistes eux-mêmes.

Avantages de l'impressionnisme

Les avantages de l'impressionnisme en tant que mouvement incluent la démocratie. Par inertie, l'art, même au XIXe siècle, était considéré comme le monopole des aristocrates et des couches supérieures de la population. Ils étaient les principaux clients de peintures et de monuments, et ils étaient les principaux acheteurs de peintures et de sculptures. Les intrigues avec le travail acharné des paysans, les pages tragiques des temps modernes, les aspects honteux des guerres, de la pauvreté et des troubles sociaux ont été condamnés, désapprouvés et non achetés. La critique de la moralité blasphématoire de la société dans les peintures de Théodore Géricault et de François Millet n'a trouvé de réponse que parmi les partisans des artistes et quelques experts.

Les impressionnistes ont adopté une position intermédiaire et de compromis sur cette question. Les sujets bibliques, littéraires, mythologiques et historiques inhérents à l’académisme officiel ont été écartés. D’un autre côté, ils désiraient ardemment reconnaissance, respect, voire récompenses. L'activité d'Edouard Manet, qui pendant des années a recherché la reconnaissance et les récompenses du Salon officiel et de son administration, est révélatrice.

Au lieu de cela, une vision de la vie quotidienne et de la modernité a émergé. Les artistes peignaient souvent des personnes en mouvement, pendant le plaisir ou la détente, présentaient l'apparence d'un certain lieu sous un certain éclairage, et la nature était également le motif de leurs œuvres. Des sujets tels que le flirt, la danse, le fait d'être dans un café et un théâtre, la navigation de plaisance, sur les plages et dans les jardins ont été abordés. A en juger par les peintures des impressionnistes, la vie est une série de petites vacances, de fêtes, de passe-temps agréables en dehors de la ville ou dans un environnement convivial (nombreux tableaux de Renoir, Manet et Claude Monet). Les impressionnistes furent parmi les premiers à peindre dans les airs, sans terminer leur travail en atelier.

Technique

Le nouveau mouvement différait de la peinture académique tant sur le plan technique qu'idéologique. Tout d'abord, les impressionnistes abandonnent le contour pour le remplacer par de petits traits séparés et contrastés, qu'ils appliquent selon les théories des couleurs de Chevreul, Helmholtz et Rud. Le rayon solaire est divisé en composants : violet, bleu, cyan, vert, jaune, orange, rouge, mais comme le bleu est un type de bleu, leur nombre est réduit à six. Deux couleurs placées l’une à côté de l’autre se renforcent mutuellement et, à l’inverse, lorsqu’elles sont mélangées, elles perdent en intensité. De plus, toutes les couleurs sont divisées en couleurs primaires, ou basiques, et doubles, ou dérivées, chaque couleur double étant complémentaire de la première :

• Bleu - Orange
• Rouge, Vert
• Jaune - Violet

Ainsi, il est devenu possible de ne pas mélanger les peintures sur la palette et d'obtenir couleur désirée en les appliquant correctement sur la toile. Cela devint plus tard la raison du refus du noir.

Ensuite, les impressionnistes ont cessé de concentrer tout leur travail sur les toiles des ateliers ; ils préfèrent désormais le plein air, où il est plus pratique de capturer une impression fugace de ce qu'ils ont vu, ce qui est devenu possible grâce à l'invention des tubes de peinture en acier, qui, contrairement à les sacs en cuir pouvaient être fermés pour que la peinture ne sèche pas.

Les artistes ont également utilisé des peintures opaques, qui transmettent mal la lumière et sont impropres au mélange car elles grisonnent rapidement ; cela leur a permis de créer des tableaux sans « interne", UN " externe» lumière réfléchie par la surface.

Les différences techniques ont contribué à la réalisation d'autres objectifs, tout d'abord, les impressionnistes ont essayé de capturer une impression passagère, les plus petits changements dans chaque objet en fonction de l'éclairage et de l'heure de la journée ; l'incarnation la plus élevée était les cycles de peintures de Monet "Meules de foin". , « Cathédrale de Rouen » et « Parlement de Londres ».

En général, de nombreux maîtres travaillaient dans le style impressionniste, mais les fondateurs du mouvement étaient Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazille et Berthe Morisot. Cependant, Manet s'est toujours qualifié d'« artiste indépendant » et n'a jamais participé à des expositions, et bien que Degas y ait participé, il n'a jamais peint ses œuvres en plein air.

Chronologie par artiste

Impressionnistes

Des expositions

• Première exposition(15 avril - 15 mai)

• Deuxième exposition(Avril )

Adresse: St. Lepeletier, 11 (Galerie Durand-Ruel). Participants: Basile (à titre posthume, l'artiste est décédé en 1870), Béliard, Bureau, Debutin, Degas, Caillebotte, Cals, Lever, Legros, Lepic, Millet, Monet, Morisot, L. Otten, Pissarro, Renoir, Roir, Sisley, Tillo, François

• Troisième exposition(Avril )

Adresse: St. Lepeletye, 6. Participants: Guillaumin, Degas, Caillebotte, Cals, Cordey, Lever, Lamy, Monet, Morisot, Moreau, Piette, Pissarro, Renoir, Roir, Cézanne, Sisley, Tillo, François.

• Quatrième exposition(10 avril - 11 mai)

Adresse: Avenue Opéra, 28. Participants: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Roir, Somm, Tillo, Foren.

• Cinquième exposition(1er avril - 30 avril)

Adresse: St. Pyramide, 10. Participants: Bracquemont, Madame Bracquemont, Vidal, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cassatt, Lebourg, Lever, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Roir, Tillo, Foren.

• Sixième exposition(2 avril - 1er mai)

Adresse: Boulevard Capucines, 35 (atelier du photographe Nadar). Participants: Vidal, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassatt, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Roir, Tillo, Foren.

• Septième exposition(Mars )

Adresse: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (À Durand-Ruel). Participants: Vignon, Guillaumin, Gauguin, Caillebotte, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley.

• Huitième exposition(15 mai - 15 juin)

Adresse: St. Laffitte, 1. Participants: Madame Braquemont, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Casset, Morisot, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Roir, Seurat, Signac, Tillo, Forain, Schuffenecker.

L'impressionnisme dans la littérature

En littérature, l'impressionnisme ne s'est pas développé comme un mouvement distinct, mais ses caractéristiques se sont reflétées dans le naturalisme et le symbolisme.

Tout d'abord, il se caractérise par l'expression de l'impression privée de l'auteur, le rejet d'une image objective de la réalité, la représentation de chaque instant, qui aurait dû impliquer l'absence d'intrigue, d'histoire et le remplacement de la pensée par la perception, et raisonner avec instinct. Les principales caractéristiques du style impressionniste ont été formulées par les frères Goncourt dans leur ouvrage « Journal », où phrase célèbre « Voir, ressentir, exprimer - tout cela est de l'art" est devenue une position centrale pour de nombreux écrivains.

Dans le naturalisme, le principe principal était la véracité, la fidélité à la nature, mais il est sujet à l'impression et l'apparence de la réalité dépend donc de chaque individu et de son tempérament. Ceci s'exprime le plus pleinement dans les romans d'Emile Zola, ses descriptions détaillées des odeurs, des sons et des perceptions visuelles.

Le symbolisme, au contraire, exigeait un renoncement au monde matériel et un retour à l'idéal, mais la transition n'est possible que par des impressions passagères, révélant choses visibles essence secrète. Un exemple frappant impressionnisme poétique - Recueil de Paul Verlaine « Romances sans paroles » (). En Russie, Konstantin Balmont et Innokenty Annensky ont été influencés par l'impressionnisme.

Ces ambiances affectaient également la dramaturgie (drame impressionniste), la perception passive du monde, l'analyse des ambiances, États d'esprit, l'ensemble de la composition se décompose en plusieurs scènes pleines de lyrisme, et des impressions fugaces et éparses se concentrent dans les dialogues. Le drame devient un drame en un acte, conçu pour les théâtres intimistes. Ces signes ont trouvé leur réflexion totale dans l'œuvre d'Arthur Schnitzler.

L'impressionnisme en musique

L'impressionnisme musical était l'un des mouvements de la modernité musicale. Caractérisé par la transmission d’impressions éphémères, d’humeurs et de nuances psychologiques subtiles.

Le fondateur de l'impressionnisme en musique est le compositeur français Erik Satie, qui a publié « Trois Mélodies » en 1886 et « Trois Sarabandes » en 1887, qui contiennent toutes les principales caractéristiques du nouveau style. Les découvertes audacieuses d'Erik Satie cinq et dix ans plus tard ont été reprises et développées par deux de ses amis, les représentants les plus brillants impressionnisme, Claude Debussy et Maurice Ravel.

Littérature

• Jean-Paul Crespel. Vie courante Impressionnistes 1863-1883, Moscou "Jeune Garde",
• Maurice Sérulle et Arlette Sérulle. Encyclopédie de l'impressionnisme, "République" de Moscou
• « Impressionnisme », Brodskaya, N.V. Saint-Pétersbourg, Aurora, 2002 (254 pp., 269 ill., 7 feuilles de texte originales)

Liens

• Impressionnisme, N.V. Brodskaya, publié par Aurora 2010

Impressionnisme
Représentants
impressionnisme américain
Collectionneurs
Musées
Autre

Mouvements dans l'art occidental
Moyen-âge
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Modernisme
Moderne art

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Synonymes:

Aujourd'hui, l'impressionnisme est perçu comme un classique, mais à l'époque de sa formation, il constituait une véritable avancée révolutionnaire dans l'art. L'innovation et les idées dans ce sens ont complètement changé perception artistique art des XIXème et XXème siècles. UN impressionnisme moderne en peinture il hérite de principes déjà devenus canoniques et poursuit des recherches esthétiques dans la transmission des sensations, des émotions et de la lumière.

Conditions préalables

Il y a plusieurs raisons à l'émergence de l'impressionnisme, c'est tout un ensemble de prérequis qui ont conduit à une véritable révolution dans l'art. Dans le 19ème siècle Peinture française une crise se préparait, due au fait que la critique « officielle » ne voulait pas s'en apercevoir et laisser entrer dans les galeries diverses formes nouvelles. Par conséquent, la peinture impressionniste est devenue une sorte de protestation contre l’inertie et le conservatisme. normes généralement acceptées. Aussi, les origines de ce mouvement doivent être recherchées dans les tendances inhérentes à la Renaissance et associées aux tentatives de transmission de la réalité vivante. Les artistes de l'école vénitienne sont considérés comme les premiers ancêtres de l'impressionnisme, puis les Espagnols empruntèrent cette voie : El Greco, Goya, Velazquez, qui influencèrent directement Manet et Renoir. Le progrès technologique a également joué un rôle dans la formation de cette école. Ainsi, l’apparition de la photographie a donné naissance à nouvelle idée dans l’art, il s’agit de capturer des émotions et des sensations momentanées. C’est cette impression instantanée que les artistes du mouvement que nous envisageons s’efforcent de « capturer ». Le développement de l'école de plein air, fondée par des représentants de l'école de Barbizon, a également eu une influence sur cette tendance.

Histoire de l'impressionnisme

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, à art français se plie situation critique. Représentants école classique ils n'acceptent pas les innovations des jeunes artistes et ne leur permettent pas d'assister au Salon, la seule exposition qui ouvre la voie aux clients. Un scandale éclate lorsque le jeune Edouard Manet présente son œuvre "Déjeuner sur l'herbe". Le tableau a suscité l'indignation de la critique et du public et il a été interdit à l'artiste de l'exposer. Manet participe donc au « Salon des Rejetés » aux côtés d’autres peintres qui n’étaient pas autorisés à participer à l’exposition. L'œuvre reçut un énorme écho et un cercle de jeunes artistes commença à se former autour de Manet. Ils se sont réunis dans un café et ont discuté des problèmes art contemporain, argumentait sur les nouvelles formes. Apparaît une société de peintres que l’on qualifiera d’impressionnistes d’après une œuvre de Claude Monet. Cette communauté comprenait Pissarro, Renoir, Cézanne, Monet, Basile, Degas. La première exposition d'artistes de ce mouvement eut lieu en 1874 à Paris et se solda, comme toutes les suivantes, par un échec. En réalité, l'impressionnisme en musique et en peinture ne couvre qu'une période de 12 ans, de la première exposition à la dernière, tenue en 1886. Plus tard, le mouvement commence à se désintégrer en de nouveaux mouvements et certains artistes meurent. Mais cette période entraîne une véritable révolution dans l’esprit des créateurs et du public.

Principes idéologiques

Contrairement à de nombreux autres mouvements, la peinture impressionniste n’était pas associée à des vues philosophiques profondes. L'idéologie de cette école était l'expérience momentanée, l'impression. Les artistes ne se sont pas fixés d'objectifs sociaux, ils ont cherché à transmettre la plénitude et la joie de vivre au quotidien. Ainsi, le système des genres de l'impressionnisme était généralement très traditionnel : paysages, portraits, natures mortes. Cette direction n'est pas une unification de personnes fondées sur des vues philosophiques, mais une communauté de personnes partageant les mêmes idées, dont chacune mène sa propre quête pour étudier la forme de l'être. L'impressionnisme réside précisément dans le caractère unique du regard sur les objets ordinaires ; il se concentre sur l'expérience individuelle.

Technique

Il est assez facile de reconnaître la peinture impressionniste par certains traits caractéristiques. Tout d’abord, il convient de rappeler que les artistes de ce mouvement étaient de fervents amateurs de couleurs. Ils abandonnent presque complètement le noir et le brun au profit d’une palette riche et lumineuse, souvent fortement décolorée. La technique impressionniste se caractérise par des traits courts. Ils s'efforcent de impression générale, et non à un dessin minutieux des détails. Les toiles sont dynamiques et intermittentes, ce qui correspond à la perception humaine. Les peintres s'efforcent de placer les couleurs sur la toile de manière à obtenir une intensité coloristique ou une proximité dans l'image ; ils ne mélangent pas les couleurs sur la palette. Les artistes travaillaient souvent en plein air, et cela se reflétait dans la technique, qui n'avait pas le temps de sécher les couches précédentes. Les peintures étaient appliquées côte à côte ou les unes sur les autres, et un matériau opaque était utilisé, ce qui permettait de créer l’effet d’une « lueur intérieure ».

Principaux représentants de la peinture française

Le berceau de ce mouvement est la France, c'est ici que l'impressionnisme est apparu pour la première fois en peinture. Les artistes de cette école vivaient à Paris dans la seconde moitié du XIXe siècle. Ils présentent leurs œuvres lors de 8 expositions impressionnistes et ces peintures deviennent des classiques du mouvement. Ce sont les Français Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot et d'autres qui sont les ancêtres du mouvement que nous envisageons. Le plus célèbre impressionniste, bien sûr, c'est Claude Monet, dont les œuvres incarnent pleinement toutes les caractéristiques de ce mouvement. En outre, le mouvement est à juste titre associé au nom d'Auguste Renoir, qui considérait que sa tâche artistique principale était de transmettre le jeu du soleil ; de plus, il était un maître du portrait sentimental. L'impressionnisme comprend également de tels artistes exceptionnels comme Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

L'impressionnisme dans d'autres pays

Peu à peu, cette tendance s'étend dans de nombreux pays, l'expérience française a été reprise avec succès dans d'autres. cultures nationales, même s'ils doivent parler davantage œuvres individuelles et techniques que sur la mise en œuvre cohérente des idées. La peinture allemande dans l'impressionnisme est représentée principalement par les noms de Lesser Ury, Max Liebermann, Lovis Corinth. Aux États-Unis, les idées ont été mises en œuvre par J. Whistler, en Espagne - par H. Sorolla, en Angleterre - par J. Sargent, en Suède - par A. Zorn.

L'impressionnisme en Russie

L'art russe du XIXe siècle était fortement influencé par la culture française, de sorte que les artistes nationaux ne pouvaient également éviter d'être emportés par le nouveau mouvement. L'impressionnisme russe en peinture est représenté de la manière la plus cohérente et la plus fructueuse dans les œuvres de Konstantin Korovin, ainsi que dans les œuvres d'Igor Grabar, Isaac Levitan, Valentin Serov. Les particularités de l'école russe étaient le caractère érudit des œuvres.

Qu’est-ce que l’impressionnisme en peinture ? Les artistes fondateurs cherchaient à capturer les impressions momentanées du contact avec la nature, et les créateurs russes essayaient également de transmettre une vision plus profonde, sens philosophique travaux.

L'impressionnisme aujourd'hui

Malgré le fait que près de 150 ans se sont écoulés depuis l'émergence du mouvement, l'impressionnisme moderne en peinture n'a pas perdu de sa pertinence aujourd'hui. Grâce à leur émotivité et leur facilité de perception, les peintures de ce style sont très populaires et même un succès commercial. C’est pourquoi de nombreux artistes à travers le monde travaillent dans ce sens. Ainsi, l’impressionnisme russe en peinture est présenté dans le nouveau musée moscovite du même nom. Des expositions d'auteurs contemporains, par exemple V. Koshlyakov, N. Bondarenko, B. Gladchenko et d'autres, y sont régulièrement organisées.

Chefs-d'œuvre

Amoureux modernes arts visuels L'impressionnisme en peinture est souvent appelé leur direction préférée. Les peintures des artistes de cette école sont vendues aux enchères à des prix incroyables et les collections des musées bénéficient d'une grande attention du public. Les principaux chefs-d'œuvre de l'impressionnisme sont considérés comme les tableaux de K. Monet « Nymphéas » et « Soleil levant», O. Renoir « Bal au Moulin de la Galette », C. Pissarro « Boulevard Montmartre la nuit » et « Pont Boieldieu à Rouen un jour de pluie », E. Degas « Absinthe », bien que cette liste puisse se poursuivre presque sans cesse.

"Le nouveau monde est né lorsque les impressionnistes l'ont peint"

Henri Kahnweiler

XIXème siècle. France. Quelque chose d’inédit s’est produit en peinture. Un groupe de jeunes artistes a décidé de bousculer des traditions vieilles de 500 ans. Au lieu d’un dessin clair, ils ont utilisé un trait large et « bâclé ».

Et ils ont complètement abandonné les images habituelles, représentant tout le monde à la suite. Et des dames de petite vertu et des messieurs à la réputation douteuse.

Le public n'était pas prêt pour la peinture impressionniste. Ils ont été ridiculisés et réprimandés. Et surtout, ils ne leur ont rien acheté.

Mais la résistance fut brisée. Et certains impressionnistes ont vécu pour voir leur triomphe. Certes, ils avaient déjà plus de 40 ans. Comme Claude Monet ou Auguste Renoir. D'autres n'ont attendu la reconnaissance qu'à la fin de leur vie, comme Camille Pissarro. Certains ne vécurent pas assez longtemps pour le voir, comme Alfred Sisley.

Quel révolutionnaire chacun d’eux a-t-il accompli ? Pourquoi le public a-t-il mis autant de temps à les accepter ? Voici les 7 impressionnistes français les plus célèbres connus dans le monde entier.

1. Édouard Manet (1832-1883)

Édouard Manet. Autoportrait à la palette. 1878 Collection privée

Manet était plus âgé que la plupart des impressionnistes. Il était leur principale inspiration.

Manet lui-même ne prétendait pas être le leader des révolutionnaires. Il était socialite mondain. Je rêvais de récompenses officielles.

Mais il a attendu très longtemps la reconnaissance. Le public voulait voir déesses grecques ou des natures mortes au pire, pour qu'elles soient belles dans la salle à manger. Manet voulait peindre la vie moderne. Par exemple, les courtisanes.

Le résultat fut « Petit-déjeuner sur l’herbe ». Deux dandys se détendent en compagnie de dames de petite vertu. L’un d’eux, comme si de rien n’était, s’assoit à côté des hommes habillés.

Édouard Manet. Petit déjeuner sur l'herbe. 1863, Paris

Comparez son Déjeuner sur l'herbe avec Les Romains en déclin de Thomas Couture. Le tableau de Couture fait sensation. L'artiste est instantanément devenu célèbre.

"Breakfast on the Grass" a été accusé de vulgarité. Il était absolument déconseillé aux femmes enceintes de la regarder.

Thomas Couture. Les Romains dans leur déclin. 1847 Musée d'Orsay, Paris. artchive.ru

Dans la peinture de Couture, on retrouve tous les attributs de l'académisme (peinture traditionnelle des XVIe-XIXe siècles). Colonnes et statues. Peuple d’apparence apollinienne. Couleurs traditionnelles sourdes. Manières de poses et de gestes. Une intrigue de la vie lointaine d'un peuple complètement différent.

« Petit-déjeuner sur l'herbe » de Manet est d'un format différent. Avant lui, personne n’avait représenté aussi facilement des courtisanes. Proche des citoyens respectables. Bien que de nombreux hommes de cette époque passaient ainsi leur temps libre. C'était vrai vie Vrais gens.

Une fois, j'ai dépeint une dame respectable. Laid. Il ne pouvait pas la flatter avec un pinceau. La dame était déçue. Elle l'a quitté en larmes.

Édouard Manet. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paris. Wikimedia.commons.org

Il a donc continué à expérimenter. Par exemple, avec la couleur. Il n’a pas essayé de représenter la couleur dite naturelle. S'il voyait l'eau gris-brun comme un bleu vif, alors il la représentait comme un bleu vif.

Bien entendu, cela a irrité le public. « Même la mer Méditerranée ne peut pas se vanter d’être aussi bleue que l’eau de Manet », ironisent-ils.

Édouard Manet. Argenteuil. 1874 Musée des Beaux-Arts, Tournai, Belgique. Wikipédia.org

Mais le fait demeure un fait. Manet a radicalement changé le but de la peinture. Le tableau est devenu l'incarnation de l'individualité de l'artiste, qui peint à sa guise. Oublier les modèles et les traditions.

Les innovations n'ont pas été pardonnées pendant longtemps. Il n'a été reconnu qu'à la fin de sa vie. Mais il n'en avait plus besoin. Il mourait douloureusement d'une maladie incurable.

2.Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoportrait au béret. 1886 Collection privée

Claude Monet peut être qualifié d’impressionniste classique. Puisqu'il fut fidèle à cette direction tout au long de sa vie longue vie.

Il n'a pas peint des objets et des personnes, mais une construction d'une seule couleur composée de reflets et de points. Traits séparés. Tremblements d'air.

Claude Monet. Pataugeoire. 1869 Musée d'art métropolitain de New York. metmuseum.org

Monet n'a pas peint que la nature. Il a également réussi dans les paysages urbains. L'un des plus connus - .

Il y a beaucoup de photographies dans cette image. Par exemple, le mouvement est transmis à travers une image floue.

Attention : les arbres et les personnages lointains semblent flous.

Claude Monet. Boulevard des Capucines à Paris. 1873 (Galerie d'art européen et américain des XIXe-XXe siècles), Moscou

Devant nous se trouve un moment figé dans la vie trépidante de Paris. Aucune mise en scène. Personne ne pose. Les gens sont représentés comme une collection de coups de pinceau. Cette absence d’intrigue et cet effet « arrêt sur image » sont les principales caractéristiques de l’impressionnisme.

Au milieu des années 80, les artistes ont perdu leurs illusions face à l’impressionnisme. L'esthétique est bien sûr bonne. Mais le manque d’intrigue en a déprimé beaucoup.

Seul Monet persiste, exagérant l'impressionnisme. Cela s'est développé en une série de peintures.

Il a représenté des dizaines de fois le même paysage. DANS temps différent jours. À différents moments de l'année. Montrer comment la température et la lumière peuvent modifier la même espèce au point de la rendre méconnaissable.

C'est ainsi qu'apparaissent d'innombrables meules de foin.

Peintures de Claude Monet au Musée des Beaux-Arts de Boston. À gauche : Meules de foin au coucher du soleil à Giverny, 1891. À droite : Meule de foin (effet neige), 1891.

Veuillez noter que les ombres de ces peintures sont colorées. Et non pas gris ou noir, comme c'était l'usage avant les impressionnistes. C'est une autre de leurs inventions.

Monet a réussi à connaître le succès et bien-être matériel. Après 40 ans, il a déjà oublié la pauvreté. J'ai une maison et un beau jardin. Et il a créé pour son propre plaisir de longues années.

Découvrez le tableau le plus emblématique du maître dans l’article

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportrait. 1875 Institut d'art Sterling et Francine Clark, Massachusetts, États-Unis. Pinterest.ru

L'impressionnisme est la peinture la plus positive. Et le plus positif parmi les impressionnistes était Renoir.

Vous ne trouverez pas de drame dans ses peintures. Même peinture noire il ne l'a pas utilisé. Seulement la joie d'être. Même les choses les plus banales chez Renoir sont belles.

Contrairement à Monet, Renoir peignait plus souvent des personnages. Les paysages étaient moins importants pour lui. Dans les peintures, ses amis et connaissances se détendent et profitent de la vie.

Pierre-Auguste Renoir. Petit-déjeuner des rameurs. 1880-1881 Collection Phillips, Washington, États-Unis. Wikimedia.commons.org

Vous ne trouverez pas de profondeur chez Renoir. Il était très heureux de rejoindre les impressionnistes, qui abandonnaient complètement les sujets.

Comme il l’a lui-même dit, il a enfin la possibilité de peindre des fleurs et de les appeler simplement « Fleurs ». Et n’inventez aucune histoire à leur sujet.

Pierre-Auguste Renoir. Femme avec un parapluie dans le jardin. 1875 Musée Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com

Renoir se sentait mieux en compagnie des femmes. Il demandait à ses servantes de chanter et de plaisanter. Plus la chanson était stupide et naïve, mieux c'était pour lui. Et les bavardages des hommes le fatiguaient. Il n'est pas surprenant que Renoir soit célèbre pour ses peintures de nus.

Le modèle du tableau « Nu dans lumière du soleil» semble apparaître sur un fond abstrait coloré. Car pour Renoir, rien n'est secondaire. L'œil du modèle ou une partie de l'arrière-plan sont équivalents.

Pierre-Auguste Renoir. Nu au soleil. 1876 ​​Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org

Renoir a vécu une longue vie. Et je n’ai jamais posé mon pinceau ni ma palette. Même lorsque ses mains étaient complètement entravées par des rhumatismes, il attachait la brosse à sa main avec une corde. Et il a dessiné.

Comme Monet, il attendait une reconnaissance après 40 ans. Et j'ai vu mes tableaux au Louvre, à côté de mes oeuvres maîtres célèbres.

Découvrez l'un des portraits les plus charmants de Renoir dans l'article

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Autoportrait. 1863 Musée Calouste Gulbenkian, Lisbonne, Portugal. cultivé.com

Degas n'était pas un impressionniste classique. Il n'aimait pas travailler en plein air (sur en plein air). Vous ne trouverez pas chez lui une palette volontairement allégée.

Au contraire, il aimait les lignes claires. Il a beaucoup de noir. Et il travaillait exclusivement en studio.

Mais il est toujours mis en lice avec d’autres grands impressionnistes. Parce qu'il était un impressionniste du geste.

Des angles inattendus. Asymétrie dans la disposition des objets. Des personnages pris par surprise. Ce sont les principaux attributs de ses peintures.

Il a arrêté des moments de la vie, ne permettant pas aux personnages de reprendre leurs esprits. Il suffit de regarder son « Opera Orchestra ».

Edgar Degas. Orchestre d'opéra. 1870 Musée d'Orsay, Paris. commons.wikimedia.org

Au premier plan se trouve le dossier d’une chaise. Le musicien nous tourne le dos. Et en arrière-plan, les ballerines sur scène ne rentraient pas dans le « cadre ». Leurs têtes sont impitoyablement « coupées » par le bord de l’image.

Ses danseurs préférés ne sont donc pas toujours représentés dans de belles poses. Parfois, ils font juste des étirements.

Mais une telle improvisation est imaginaire. Bien entendu, Degas a soigneusement réfléchi à la composition. Il s’agit simplement d’un effet d’arrêt sur image, pas d’un véritable arrêt sur image.

Edgar Degas. Deux danseurs de ballet. 1879 Musée Shelburne, Vermouth, États-Unis

Edgar Degas aimait peindre des femmes. Mais la maladie ou les caractéristiques du corps ne lui permettaient pas d'avoir des relations avec eux. contact physique. Il n'a jamais été marié. Personne ne l'a jamais vu avec une dame.

Absence histoires vraies dans son vie privée ajoute un érotisme subtil et intense à ses images.

Edgar Degas. Étoile du ballet. 1876-1878 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.comons.org

Veuillez noter que dans le tableau « Ballet Star », seule la ballerine elle-même est représentée. Ses collègues en coulisses sont à peine visibles. Juste quelques jambes.

Cela ne veut pas dire que Degas n’a pas terminé le tableau. C'est la réception. Gardez uniquement l’accent sur les choses les plus importantes. Faire disparaître le reste, illisible.

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5. Berthe Morisot (1841-1895)

Édouard Manet. Portrait de Berthe Morisot. 1873 Musée Marmottan-Monet, Paris.

Berthe Morisot est rarement placée au premier rang des grands impressionnistes. Je suis sûr que ce n'est pas mérité. C'est dans son œuvre que vous retrouverez toutes les principales caractéristiques et techniques de l'impressionnisme. Et si vous aimez ce style, vous adorerez son travail de tout votre cœur.

Morisot a travaillé rapidement et impétueusement, transférant ses impressions sur la toile. Les personnages semblent sur le point de se dissoudre dans l’espace.

Berthe Morisot. Été. 1880 Musée Fabray, Montpellier, France.

Comme Degas, elle laisse souvent certains détails inachevés. Et même des parties du corps du modèle. On ne distingue pas les mains de la jeune fille dans le tableau « Summer ».

Le chemin de Morisot vers l'expression de soi a été difficile. Non seulement elle s’est engagée dans une peinture « négligente ». Elle était toujours une femme. À cette époque, une femme était censée rêver de mariage. Après quoi, tout passe-temps était oublié.

Par conséquent, Bertha a longtemps refusé de se marier. Jusqu'à ce qu'elle trouve un homme qui respectait son métier. Eugène Manet était le frère de l'artiste Edouard Manet. Il portait consciencieusement un chevalet et peint derrière sa femme.

Berthe Morisot. Eugène Manet avec sa fille à Bougival. 1881 Musée Marmottan-Monet, Paris.

Mais c’était quand même au 19ème siècle. Non, je ne portais pas de pantalon Morisot. Mais elle ne pouvait pas se permettre une totale liberté de mouvement.

Elle ne pouvait pas se rendre au parc pour travailler seule, sans être accompagnée d'un proche. Je ne pouvais pas m'asseoir seul dans un café. Ses peintures représentent donc des personnes issues du cercle familial. Mari, fille, parents, nounous.

Berthe Morisot. Une femme avec un enfant dans un jardin à Bougival. 1881 Musée national du Pays de Galles, Cardiff.

Morisot n'a pas attendu la reconnaissance. Elle est décédée à l'âge de 54 ans d'une pneumonie, sans avoir vendu presque aucune de ses œuvres de son vivant. Sur son acte de décès, il y avait un tiret dans la colonne « profession ». Il était impensable qu’une femme soit qualifiée d’artiste. Même si elle l’était réellement.

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6. Camille Pissarro (1830 – 1903)

Camille Pissarro. Autoportrait. 1873 Musée d'Orsay, Paris. Wikipédia.org

Camille Pissarro. Non-conflit, raisonnable. Beaucoup le considéraient comme un enseignant. Même les collègues les plus capricieux ne parlaient pas en mal de Pissarro.

Il était un fidèle adepte de l'impressionnisme. Dans le besoin, avec une femme et cinq enfants, il travaillait toujours dur dans son style favori. Et il ne s’est jamais tourné vers la peinture en salon pour devenir plus populaire. On ne sait pas d’où il a trouvé la force de croire pleinement en lui-même.

Pour ne pas mourir de faim, Pissarro peint des éventails qu'il achète avec empressement. Mais une véritable reconnaissance lui est venue après 60 ans ! Puis finalement, il a pu oublier son besoin.

Camille Pissarro. Diligence à Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Paris

L'air dans les peintures de Pissarro est épais et dense. Une fusion extraordinaire de couleur et de volume.

L'artiste n'avait pas peur de peindre les phénomènes naturels les plus changeants, qui apparaissent un instant et disparaissent. Première neige, soleil glacial, longues ombres.

L'impressionnisme est apparu en France vers la fin XIXème siècle. Avant l’émergence de ce mouvement, les natures mortes, les portraits et même les paysages étaient principalement peints par les artistes en atelier. Les peintures impressionnistes étaient souvent réalisées en plein air et leurs sujets étaient de véritables scènes éphémères de Vie moderne. Et bien que l’impressionnisme ait été initialement critiqué, il a rapidement attiré de nombreux adeptes et a initié des mouvements similaires dans la musique et la littérature.

Artistes impressionnistes français célèbres

Il n'est pas surprenant que l'un des plus destinations célèbres C'est l'impressionnisme en peinture qui est devenu une partie des beaux-arts : les artistes qui ont travaillé dans ce style ont laissé derrière eux des toiles d'une beauté étonnante, légères, comme une bouffée d'air frais, plein de lumière et les couleurs. Beaucoup de ces belles œuvres ont été écrites par les maîtres de l'impressionnisme suivants, que tout connaisseur qui se respecte de la peinture mondiale connaît.

Édouard Manet

Malgré le fait que l'ensemble de l'œuvre d'Édouard Manet ne peut être placé uniquement dans le cadre de l'impressionnisme, le peintre a largement influencé l'émergence de de ce courant, et d'autres artistes français travaillant dans ce style le considéraient comme le fondateur de l'impressionnisme et leur inspirateur idéologique. bons amis Les maîtres étaient d'autres impressionnistes français célèbres : Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, ainsi qu'un artiste impressionniste portant un nom de famille similaire, ce qui déroute les nouveaux venus dans le monde de la peinture - Claude Monet.

Après avoir rencontré ces artistes, des changements impressionnistes ont eu lieu dans le travail de Manet : il a commencé à préférer travailler en plein air, la lumière, les couleurs vives, une abondance de lumière et une composition fractionnée ont commencé à prédominer dans ses peintures. Bien que de couleurs sombres il ne refuse toujours pas, et préfère peindre des paysages genre de tous les jours- cela se voit dans les œuvres du peintre « Bar aux Folies Bergère », « Musique aux Tuileries », « Petit déjeuner sur l'herbe », « Chez le Père Lathuille », « Argenteuil » et autres.

Claude Monet

Nom de ceci artiste français Tout le monde l’a probablement entendu au moins une fois dans sa vie. Claude Monet a été l'un des fondateurs de l'impressionnisme, et c'est son tableau « Impression : Le Soleil Levant » qui a donné son nom au mouvement.

Dans les années 60 du XIXe siècle, l'artiste impressionniste fut l'un des premiers à s'intéresser à la peinture sur air frais, et beaucoup ont ensuite créé une nouvelle approche expérimentale du travail. Il s'agissait d'observer et de représenter le même objet à différents moments de la journée : c'est ainsi que fut réalisée toute une série de toiles avec vue sur la façade de la cathédrale de Rouen, face à laquelle l'artiste s'installa même pour ne pas perdre de vue. le bâtiment.

Lorsque vous explorez l'impressionnisme en peinture, ne manquez pas le Champ de coquelicots à Argenteuil, la Promenade jusqu'à la falaise à Pourville, les Femmes au jardin, la Dame au parapluie, le Boulevard des Capucines et la série des Watermen.

Pierre-Auguste Renoir

Cet artiste impressionniste avait une vision unique de la beauté, qui fit de Renoir l'un des artistes les plus représentants célèbres de cette direction. Tout d'abord, il est célèbre pour ses peintures de personnages bruyants La vie parisienne et loisirs fin XIX des siècles. Renoir excellait dans le travail de la couleur et du clair-obscur ; on remarque particulièrement sa capacité exceptionnelle à peindre des nus, avec un rendu unique des tons et des textures.

Dès les années 80, l'artiste impressionniste commença à s'orienter davantage vers le style classique de la peinture et s'intéressa à la peinture de la Renaissance, ce qui l'obligea à inclure des lignes plus nettes et une composition plus claire dans ses œuvres de maturité. C'est durant cette période que Pierre Auguste Renoir crée certaines des œuvres les plus impérissables de son époque.

Portez une attention particulière aux tableaux de Renoir tels que "Le Déjeuner des Rameurs", "Le Bal au Moulin de la Galette", "La Danse au Village", "Les Parapluies", "La Danse à Bougival", "Les Filles au Piano" .

Edgar Degas

Dans l'histoire de l'art, Edgar Degas est resté comme un artiste impressionniste, bien qu'il ait lui-même rejeté cette étiquette, préférant se qualifier davantage d'artiste indépendant. En effet, il avait un certain intérêt pour le réalisme, qui distinguait l'artiste des autres impressionnistes, mais en même temps il utilisait de nombreuses techniques impressionnistes dans son travail, notamment, il « jouait » de la même manière avec la lumière et aimait représenter scènes de la vie urbaine.

Degas a toujours été attiré par la figure humaine ; il représente souvent des chanteurs, des danseuses et des blanchisseuses, essayant de représenter corps humain dans diverses positions, par exemple sur les toiles « Cours de danse », « Répétition », « Concert à l'Ambassador Café », « Opera Orchestra », « Dancers in Blue ».

Camille Pissarro

Pissarro fut le seul artiste à participer aux huit expositions impressionnistes de 1874 à 1886. Alors que les peintures impressionnistes sont connues pour leurs scènes de vacances urbaines et champêtres, les peintures de Pissarro montrent au spectateur la vie quotidienne Paysans français, représentant la nature rurale dans différentes conditions et sous différents éclairages.

Pour se familiariser avec les tableaux peints par cet artiste impressionniste, il convient tout d'abord de voir les œuvres « Boulevard Montmartre la nuit », « La récolte à Eragny », « Les faucheurs au repos », « Le jardin de Pontoise » et « L'entrée ». le Village de Voisin ».

Introduction

L'impressionnisme comme phénomène artistique

L'impressionnisme en peinture

Artistes impressionnistes

3.1 Claude Monet

3.2 Edgar Degas

3.3 Alfred Sisley

3.4 Camille Pissarro

Conclusion

Bibliographie

Introduction

Cet essai est consacré à l'impressionnisme dans l'art - la peinture.

L'impressionnisme est l'un des phénomènes les plus brillants et les plus importants de l'art européen, qui a largement déterminé l'ensemble du développement de l'art moderne. Actuellement, les œuvres des impressionnistes, peu reconnues à leur époque, sont très appréciées et leurs mérites artistiques sont indéniables. La pertinence du sujet choisi s'explique par la nécessité pour chaque personne moderne de comprendre les styles artistiques et de connaître les principales étapes de son développement.

J'ai choisi ce sujet parce que l'impressionnisme était une sorte de révolution dans l'art, changeant l'idée des œuvres d'art en tant qu'objets holistiques et monumentaux. L'impressionnisme mettait en avant l'individualité du créateur, sa propre vision du monde, reléguant au second plan les sujets politiques et religieux et les lois académiques. Il est intéressant de noter que les émotions et les impressions, et non l'intrigue et la moralité, ont joué Le rôle principal dans les œuvres des impressionnistes.

Impressionnisme (fr. impressionnisme, depuis impression- impression) - un mouvement dans l'art du dernier tiers du XIXe - début du XXe siècle, né en France puis répandu dans le monde entier, dont les représentants cherchaient à capturer le plus naturel et le plus impartial monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre vos impressions éphémères. Habituellement, le terme « impressionnisme » fait référence à un mouvement pictural, bien que ses idées aient également trouvé leur incarnation dans la littérature et la musique.

Le terme « impressionnisme » est apparu avec main légère critique de la revue « Le Charivari » Louis Leroy, qui a intitulé son feuilleton sur le Salon des Misérables « Exposition des impressionnistes », en s'inspirant du titre de ce tableau de Claude Monet.

Auguste Renoir Pataugeoire, Metropolitan Museum of Art, New York

Origines

À la Renaissance, les peintres école vénitienne a essayé de transmettre la réalité vivante en utilisant des couleurs vives et des tons intermédiaires. Les Espagnols ont profité de leurs expériences, exprimées le plus clairement chez des artistes tels que El Greco, Velazquez et Goya, dont le travail a ensuite eu une sérieuse influence sur Manet et Renoir.

Parallèlement, Rubens colore les ombres de ses toiles, en utilisant des nuances intermédiaires transparentes. Comme l'observait Delacroix, Rubens représentait la lumière avec des tons subtils et raffinés et les ombres avec des couleurs plus chaudes et plus riches, traduisant l'effet du clair-obscur. Rubens n'utilise pas le noir, qui deviendra plus tard l'un des grands principes de la peinture impressionniste.

Edouard Manet a été influencé par l'artiste néerlandais Frans Hals, qui peignait avec des traits nets et aimait le contraste. couleurs vives et noir.

Le passage de la peinture à l'impressionnisme a également été préparé par les peintres anglais. Pendant la guerre franco-prussienne (1870-1871), Claude Monet, Sisley et Pissarro se rendent à Londres pour étudier les grands paysagistes Constable, Bonington et Turner. Quant à ce dernier, on remarque déjà dans ses œuvres ultérieures comment le lien avec image réelle paix et soin pour le transfert individuel des impressions.

Eugène Delacroix a eu une forte influence, il distinguait déjà la couleur locale et la couleur acquise sous l'influence de la lumière, ses aquarelles peintes en Afrique du Nord en 1832 ou à Etretat en 1835, et surtout le tableau « La Mer à Dieppe » (1835) permettent nous permet de parler de lui comme d'un prédécesseur des impressionnistes.

Le dernier élément qui a influencé les innovateurs était l’art japonais. Depuis 1854, grâce aux expositions organisées à Paris, de jeunes artistes découvrent les maîtres de la gravure japonaise comme Utamaro, Hokusai et Hiroshige. Une disposition particulière, jusqu'alors inconnue dans les beaux-arts européens, d'une image sur une feuille de papier - une composition offset ou une composition inclinée, une représentation schématique de la forme, un penchant pour la synthèse artistique - a gagné la faveur des impressionnistes et de leurs adeptes.

Histoire

Edgar Degas, Danseurs bleus, 1897, Musée Pouchkine im. Pouchkine, Moscou

Le début de la recherche des impressionnistes remonte aux années 1860, lorsque les jeunes artistes n'étaient plus satisfaits des moyens et des objectifs de l'académisme, à la suite de quoi chacun d'eux cherchait indépendamment d'autres moyens de développer son style. En 1863, Edouard Manet expose le tableau « Déjeuner sur l'herbe » au Salon des Rejetés et prend la parole activement lors des réunions de poètes et d'artistes au café Guerbois, auxquelles participent tous les futurs fondateurs du nouveau mouvement, grâce auquel il devient le principal défenseur de l'art moderne.

En 1864, Eugène Boudin invite Monet à Honfleur, où il passe tout l'automne à regarder son professeur peindre des croquis au pastel et à l'aquarelle, et son ami Yonkind appliquer de la peinture sur ses œuvres avec des traits vibrants. C'est ici qu'on lui apprend à travailler en plein air et à peindre dans des couleurs claires.

En 1871, pendant la guerre franco-prussienne, Monet et Pissarro se rendent à Londres, où ils découvrent l'œuvre du prédécesseur de l'impressionnisme, William Turner.

Claude Monet. Impression. Lever du soleil. 1872, Musée Marmottan-Monet, Paris.

Origine du nom

La première exposition importante des impressionnistes eut lieu du 15 avril au 15 mai 1874 dans l'atelier du photographe Nadar. 30 artistes y étaient présentés, pour un total de 165 œuvres. La toile de Monet - « Impression. Soleil levant" ( Impression, soleil levant), aujourd'hui conservé au Musée Marmottin de Paris, écrit en 1872, a donné naissance au terme « Impressionnisme » : le journaliste méconnu Louis Leroy, dans son article de la revue « Le Charivari », a qualifié le groupe d'« Impressionnistes » pour exprimer son dédain. Les artistes, par défi, ont accepté cette épithète ; plus tard, elle a pris racine, a perdu son sens négatif originel et est devenue activement utilisée.

Le nom « impressionnisme » n’a aucun sens, contrairement au nom « École de Barbizon », où il y a au moins une indication sur la situation géographique du groupe artistique. C'est encore moins clair avec certains artistes qui n'étaient pas formellement inclus dans le cercle des premiers impressionnistes, bien que leurs techniques et moyens techniques soient complètement « impressionnistes » (Whistler, Edouard Manet, Eugène Boudin, etc.) De plus, les moyens techniques de les impressionnistes étaient connus bien avant les siècles du XIXe siècle et ils furent (partiellement, dans une mesure limitée) utilisés par Titien et Velasquez, sans rompre avec les idées dominantes de leur époque.

Il y avait un autre article (d'Emil Cardon) et un autre titre - "Exposition rebelle", qui était absolument désapprobateur et condamnant. C'est précisément cela qui reproduisait fidèlement l'attitude désapprobatrice du public bourgeois et la critique à l'égard des artistes (impressionnistes) qui prévalaient depuis des années. Les impressionnistes furent immédiatement accusés d'immoralité, de sentiments rebelles et de manque de respect. Pour le moment, cela est surprenant, car on ne sait pas ce qu'il y a d'immoral dans les paysages de Camille Pissarro, Alfred Sisley, les scènes quotidiennes d'Edgar Degas, les natures mortes de Monet et Renoir.

Des décennies ont passé. Et la nouvelle génération d’artistes connaîtra un véritable effondrement des formes et un appauvrissement des contenus. Puis la critique et le public voient dans les impressionnistes condamnés des réalistes, puis un peu plus tard des classiques de l'art français.

L'impressionnisme comme phénomène artistique

L'impressionnisme, l'un des mouvements les plus brillants et les plus intéressants de l'art français du dernier quart du XIXe siècle, est né dans un environnement très complexe, caractérisé par la diversité et les contrastes, qui a donné l'impulsion à l'émergence de nombreux mouvements modernes. L'impressionnisme, malgré sa courte durée, a eu une influence significative sur l'art non seulement de la France, mais aussi d'autres pays : États-Unis, Allemagne (M. Lieberman), Belgique, Italie, Angleterre. En Russie, l'influence de l'impressionnisme a été ressentie par K. Balmont, Andrei Bely, Stravinsky, K. Korovin (le plus proche dans son esthétique des impressionnistes), le premier V. Serov, ainsi que I. Grabar. L'impressionnisme fut le dernier mouvement artistique majeur en France XIXème siècle, qui a ouvert la frontière entre l’art des temps nouveaux et contemporains.

Selon M. Aplatov, « l'impressionnisme pur n'existait probablement pas. L'impressionnisme n'est pas une doctrine, il ne saurait avoir canonisé des formes... Les artistes impressionnistes français en ont l'un ou l'autre de ses traits à des degrés divers. Habituellement, le terme « impressionnisme » fait référence à un mouvement de la peinture, bien que ses idées aient trouvé leur incarnation dans d'autres formes d'art, par exemple dans la musique.

L'impressionnisme est avant tout l'art d'observer la réalité, de transmettre ou de créer une impression qui a atteint une sophistication sans précédent, un art dans lequel l'intrigue n'a pas d'importance. Il s’agit d’une nouvelle réalité artistique subjective. Les impressionnistes mettent en avant leurs propres principes de perception et de représentation du monde qui les entoure. Ils ont effacé la frontière entre les principaux sujets dignes art de haute qualité, et les matières secondaires.

Un principe important de l’impressionnisme était d’éviter la typicité. L'immédiateté et le look décontracté sont entrés dans l'art ; il semble que les tableaux impressionnistes aient été peints par un simple passant marchant sur les boulevards et profitant de la vie. Ce fut une révolution dans la vision.

L'esthétique de l'impressionnisme s'est développée en partie comme une tentative de se libérer de manière décisive des conventions de l'art classique, ainsi que du symbolisme persistant et de la profondeur de la peinture romantique tardive, qui suggérait de voir des significations cryptées dans tout ce qui nécessitait une interprétation minutieuse. L'impressionnisme affirme non seulement la beauté de la réalité quotidienne, mais donne également une signification artistique à la variabilité post-constante du monde environnant, au naturel des impressions spontanées, imprévisibles et aléatoires. Les impressionnistes s'efforcent de capturer son atmosphère colorée sans la détailler ni l'interpréter.

En tant que mouvement artistique, l’impressionnisme, notamment en peinture, a rapidement épuisé ses capacités. L'impressionnisme français classique était trop étroit et rares sont ceux qui restèrent fidèles à ses principes tout au long de leur vie. Au cours du développement de la méthode impressionniste, la subjectivité de la perception picturale a surmonté l'objectivité et s'est élevée à un niveau formel de plus en plus élevé, ouvrant la voie à tous les mouvements du post-impressionnisme, y compris le symbolisme de Gauguin et l'expressionnisme de Van Gogh. Mais, malgré le laps de temps étroit - seulement deux décennies, l'impressionnisme a amené l'art à un niveau fondamentalement différent, ayant un impact significatif sur tout : peinture moderne, la musique et la littérature, ainsi que le cinéma.

L'impressionnisme a introduit de nouveaux thèmes ; les œuvres d'un style mature se distinguent par une vitalité lumineuse et spontanée, la découverte de nouvelles possibilités artistiques de la couleur, l'esthétisation d'une nouvelle technique de peinture et la structure même de l'œuvre. Ce sont ces caractéristiques apparues dans l’impressionnisme qui se développent davantage dans le néo-impressionnisme et le post-impressionnisme. L'influence de l'impressionnisme en tant qu'approche de la réalité ou en tant que système de techniques d'expression s'est répandue dans presque toutes les écoles d'art du début du XXe siècle et est devenue le point de départ du développement d'un certain nombre de directions, dont l'abstraction. Quelques principes de l'impressionnisme - transfert mouvement instantané, fluidité de la forme - se manifestent à des degrés divers dans la sculpture des années 1910, chez E. Degas, Fr. Rodin, M. Golubkina. L'impressionnisme artistique a grandement enrichi les moyens d'expression en littérature (P. Verlaine), en musique (C. Debussy) et au théâtre.

2. L'impressionnisme en peinture

Au printemps 1874, un groupe de jeunes peintres, parmi lesquels Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cézanne et Berthe Morisot, négligent le Salon officiel et organisent leur propre exposition, devenant par la suite les figures centrales du nouveau mouvement. Elle s'est déroulée du 15 avril au 15 mai 1874 dans l'atelier du photographe Nadar à Paris, boulevard des Capucines. 30 artistes y étaient présentés, pour un total de 165 œuvres. Un tel acte en soi était révolutionnaire et rompait avec des fondements séculaires, mais les peintures de ces artistes semblaient à première vue encore plus hostiles à la tradition. Il a fallu des années avant que ces classiques de la peinture, reconnus plus tard, soient capables de convaincre le public non seulement de leur sincérité, mais aussi de leur talent. Tous ces artistes très différents étaient unis par une lutte commune contre le conservatisme et l’académisme dans l’art. Les impressionnistes organisent huit expositions, la dernière en 1886.

C'est lors de la première exposition en 1874 à Paris qu'apparaît le tableau d'un lever de soleil de Claude Monet. Il a attiré l'attention de tous principalement par son titre inhabituel : « Impression. Lever du soleil". Mais le tableau lui-même était inhabituel ; il traduisait ce jeu de couleurs et de lumière presque insaisissable et changeant. C'est le nom de ce tableau - "Impression" - grâce au ridicule d'un des journalistes, qui a jeté les bases de tout un mouvement de la peinture appelé impressionnisme (du mot français "impression" - impression).

En essayant d'exprimer le plus fidèlement possible leurs impressions immédiates sur les choses, les impressionnistes ont créé nouvelle méthode peinture. Son essence était de transmettre l'impression extérieure de lumière, d'ombre et de reflets sur la surface des objets avec des traits séparés de peinture pure, qui dissolvaient visuellement la forme dans l'environnement lumière-air environnant.

La plausibilité était sacrifiée à la perception personnelle : les impressionnistes pouvaient, selon leur vision, peindre le ciel en vert et l'herbe en bleu, les fruits de leurs natures mortes étaient méconnaissables, les figures humaines étaient vagues et sommaires. Ce qui était important n’était pas ce qui était représenté, mais plutôt « comment ». L'objet est devenu une raison pour résoudre des problèmes visuels.

La méthode créative de l’impressionnisme se caractérise par sa brièveté et son caractère sommaire. Après tout, seul un court croquis permettait d'enregistrer avec précision les différents états de la nature. Ce qui n'était auparavant autorisé que dans les croquis est désormais devenu caractéristique principale tableaux terminés. Les artistes impressionnistes ont tenté de toutes leurs forces de surmonter la nature statique de la peinture et de capturer pour toujours la beauté d'un instant éphémère. Ils ont commencé à utiliser des compositions asymétriques pour mieux mettre en valeur ceux qui les intéressaient personnages et des objets. Dans certaines techniques de construction impressionniste de la composition et de l'espace, l'influence de la passion pour son époque est perceptible - non pas l'antiquité comme auparavant, les gravures japonaises (des maîtres tels que Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro) et en partie la photographie, ses gros plans et ses nouveaux points de vue.

Les impressionnistes ont également mis à jour leur palette de couleurs : ils ont abandonné les peintures et vernis sombres et terreux et ont appliqué des couleurs pures et spectrales sur la toile, presque sans les mélanger au préalable sur la palette. La noirceur conventionnelle et « muséale » de leurs toiles laisse place à un jeu d’ombres colorées.

Grâce à l'invention des tubes de peinture métalliques, prêts à l'emploi et portables, qui ont remplacé les anciennes peintures fabriquées à la main à partir d'huile et de pigments en poudre, les artistes ont pu quitter leurs ateliers pour travailler en plein air. Ils ont travaillé très rapidement, car le mouvement du soleil modifiait l'éclairage et la couleur du paysage. Parfois, ils versaient de la peinture sur la toile directement à partir du tube et produisaient des couleurs pures et scintillantes avec un effet de coup de pinceau. En plaçant un trait de peinture à côté d’un autre, ils laissaient souvent la surface des peintures rugueuse. Pour préserver la fraîcheur et la variété des couleurs naturelles de l'image, les impressionnistes ont créé un système de peinture qui se distingue par la décomposition de tons complexes en couleurs pures et l'interpénétration de traits séparés de couleur pure, comme s'ils se mélangeaient dans l'œil du spectateur, avec ombres colorées et perçues par le spectateur selon la loi des couleurs complémentaires.

En quête d'une immédiateté maximale dans la transmission du monde environnant, les impressionnistes, pour la première fois dans l'histoire de l'art, commencèrent à peindre principalement en plein air et soulevèrent l'importance des croquis d'après nature, qui remplaçaient presque type traditionnel des peintures créées avec soin et lentement en atelier. De par la méthode même de travail en plein air, le paysage, y compris le paysage urbain qu'ils découvrent, occupe une place très importante dans l'art des impressionnistes. Le thème principal pour eux était la lumière frémissante, l’air dans lequel les personnes et les objets semblaient plongés. Dans leurs peintures, on sentait le vent, la terre mouillée et chauffée par le soleil. Ils cherchaient à montrer l’étonnante richesse des couleurs de la nature.

Impressionnisme a introduit de nouveaux thèmes dans l'art - la vie quotidienne en ville, les paysages de rue et les divertissements. Sa gamme thématique et intrigue était très large. Dans leurs paysages, portraits et compositions à plusieurs figures, les artistes s'efforcent de préserver l'impartialité, la force et la fraîcheur de la « première impression », sans entrer dans les détails individuels, où le monde est un phénomène en constante évolution.

L'impressionnisme se distingue par sa vitalité lumineuse et immédiate. Il se caractérise par l'individualité et la valeur esthétique des peintures, leur caractère volontairement aléatoire et incomplet. En général, les œuvres des impressionnistes se distinguent par leur gaieté et leur passion pour la beauté sensuelle du monde.