Problèmes modernes de la science et de l'éducation. Qu'est-ce que l'art décoratif

ARTS DÉCORATIFS ET APPLIQUÉS, type d'art, création de produits combinant fonctions artistiques et utilitaires. Les œuvres d’art décoratif et appliqué sont liées aux besoins quotidiens des personnes et font partie intégrante de l’environnement humain. La base et la source des arts décoratifs et appliqués sont l'art populaire. Le domaine des arts décoratifs et appliqués comprend les produits de l'art et de l'artisanat traditionnels, de l'industrie de l'art et de l'art d'auteur professionnel. Le terme « art appliqué » est apparu au XVIIIe siècle en Angleterre et s'appliquait principalement à la création de produits ménagers (peindre la vaisselle, les tissus, la finition des armes). Au XXe siècle, l’histoire de l’art russe a adopté le terme « art décoratif et appliqué » pour désigner la section des arts décoratifs, qui comprend également l’art théâtral et décoratif et le design.

Une caractéristique spécifique des œuvres d'art décoratif et appliqué est le lien inextricable entre l'utilitaire et l'artistique, l'unité de l'utilité et de la beauté, de la fonction et de la décoration. L'utilitarisme permet de classer les œuvres d'art décoratif et appliqué selon leur destination pratique (outils, meubles, vaisselle, etc.) ; la fonction d'un objet détermine clairement sa conception. La qualité qui donne à un objet d'art décoratif et appliqué le statut d'œuvre d'art est le caractère décoratif. Elle se réalise non seulement dans la décoration d'un objet avec des détails particuliers (décor), mais aussi dans sa structure compositionnelle et plastique générale. Le décor a sa propre expressivité émotionnelle, son rythme, ses proportions ; il est capable de changer de forme. Le décor peut être sculptural-relief, pictural-peint, graphique-sculpté (voir aussi Gravure) ; il utilise à la fois l'ornement (y compris les inscriptions décoratives - hiéroglyphes, calligraphie, écriture slave, etc., révélant le sens des images), et divers éléments et motifs visuels (« arbre du monde », oiseaux et animaux, plantes, etc.) conformément avec un certain système décoratif et stylistique (voir aussi Bucranius, Griffin, Rose, Sphinx). Dans le système des plaques des arts décoratifs et appliqués, il existe la possibilité d'utiliser la forme dite pure comme antithèse de tout décor : elle peut se manifester dans la beauté intrinsèque du matériau, révélant ses qualités structurelles, plastiques, chromatiques, harmonie des proportions, grâce de la silhouette et des contours.

Navire. Céramique peinte. 3ème millénaire avant JC. Yangshao (Chine). Musée des Arts Décoratifs et Appliqués (Vienne).

Une autre caractéristique fondamentale des arts décoratifs et appliqués est le synthétisme, qui implique la combinaison de différents types de créativité (peinture, graphisme, sculpture) et de différents matériaux dans une même œuvre. Synthétique dans son caractère interne, une œuvre d'art décoratif et appliqué s'inscrit souvent dans une synthèse des arts, dans un ensemble d'objets artistiques, et peut dépendre de l'architecture (meubles, sculpture décorative, panneaux, tapisserie, tapis, etc.). En raison de cette dépendance, les arts décoratifs et appliqués de toutes les époques ont suivi avec sensibilité et clarté les changements de styles et les changements de mode.

Dans les arts décoratifs et appliqués, l'image d'une chose est déterminée par le lien entre sa forme esthétique et sa finalité fonctionnelle. D'une part, il y a le concept de la nature utilitaire et non figurative des arts décoratifs et appliqués comme « fabriquer des choses » : une tâche purement pratique n'implique pas la création d'une image à part entière (par exemple, le but de la poterie ou la vannerie n'est pas l'image des choses, mais la création de la chose elle-même). Cependant, d'autres exemples (céramiques anthropomorphes, etc.), porteurs d'un principe mimétique, permettent de parler de l'imagerie comme de la tâche première de la créativité dans les arts décoratifs et appliqués, se manifestant principalement par des associations et des analogies (la forme d'un objet peut ressembler à un bouton floral, une goutte, la figure d'une personne ou d'un animal, une vague marine, etc.). Le dualisme des tâches esthétiques et fonctionnelles détermine la spécificité figurative des arts décoratifs et appliqués (limitation de la spécificité des images, tendance à abandonner le clair-obscur et la perspective, recours aux couleurs locales, planéité des images et des silhouettes).

Les arts décoratifs et appliqués en tant que type d'activité artistique sont associés au travail manuel d'un maître, devenu une branche de production indépendante. Une division sociale plus poussée du travail conduit au remplacement de la production artisanale par la production mécanique (fabrications, usines, usines) ; le design fonctionnel et la décoration deviennent l'œuvre de différents spécialistes. C'est ainsi qu'est née l'industrie de l'art, où les méthodes des « arts appliqués » trouvent leur place - décoration de produits avec peinture, sculpture, incrustation, gaufrage, etc.

La question de la relation entre le travail manuel et le travail mécanique dans la production d'objets d'art décoratif et appliqué était particulièrement aiguë dans la 2e moitié du XIXe siècle, dans le contexte du problème de la « dépersonnalisation » (selon les mots de W. Morris ) de la production d'artisanat artistique et de théories d'application limitée, populaires à cette époque, comme condition préalable à la renaissance des traditions nationales. En contrastant l'artisanat populaire et la production de masse, Morris suggère en même temps des moyens de les synthétiser, permettant la création d'un nouveau type d'art décoratif et appliqué. Le design, devenu un nouveau type d'activité artistique dans le domaine de la production industrielle (de masse) au milieu du XIXe siècle, limitait les arts décoratifs et appliqués principalement à la création de petites séries de produits artisanaux (voir aussi Art industriel).

Typologie. Chaque domaine des arts et métiers présente une grande variété de formes ; leur évolution est directement liée au développement de la technologie, à la découverte de nouveaux matériaux, au changement des idées esthétiques et de la mode. Les œuvres d’art décoratif et appliqué varient en termes de fonctionnalité, de forme et de matériaux.

L'un des types les plus anciens d'art décoratif et appliqué est la vaisselle. Ses formes variaient selon le matériau (bois, métal, argile, porcelaine, céramique, verre, plastique) et le but (rituel, domestique, culinaire, décoratif ; voir aussi Récipients artistiques). Les arts décoratifs et appliqués comprennent également : les accessoires religieux (bannières, cadres, lampes - dans le christianisme ; récipients musulmans pour les ablutions, tapis de prière « namazlik », etc. ; menorahs juives à sept branches ; trônes de lotus bouddhistes et brûle-encens des temples) ; les objets d'intérieur (meubles, luminaires, vases, miroirs, instruments d'écriture, boîtes, éventails, tabatières, carrelages, etc.) ; ustensiles d'artisanat ménager (rouets, rouleaux, volants, roubles, broches, etc.); œuvres glyptiques ; Art de la joaillerie ; moyens de transport (charrettes, chars, voitures, traîneaux, etc.) ; arme; les textiles (voir aussi Batik, Broderie, Dentelle, Tissu imprimé, Tissage ; les textiles comprennent également les tapis, les tapisseries, les tapisseries, les kilims, les feutres, etc.) ; vêtements; en partie - du petit plastique (principalement un jouet).

Les matériaux utilisés dans les produits des arts décoratifs et appliqués sont tout aussi divers. Les plus anciens sont la pierre, le bois et l'os. Les bois durs étaient utilisés pour la construction d'habitations, pour la fabrication de meubles, d'articles ménagers [pin, chêne, noyer (dans l'art de la Renaissance), bouleau de Carélie (à l'époque du classicisme russe et du style Empire), érable (surtout dans l'Art Nouveau époque), acajou, poirier] ; variétés molles (par exemple le tilleul) - pour faire des plats et des cuillères. Depuis le XVIIe siècle, des essences de bois exotiques importées ont commencé à être utilisées en Europe.

Les techniques de traitement de l'argile telles que le modelage et le moulage à main levée ont été décisives dans la création de produits en argile dans les premières étapes. Au 3ème millénaire avant JC, apparaît le tour de potier, permettant de réaliser des plats à parois fines.

La céramique (argile cuite) comprend la terre cuite (uni et laquée), la majolique, la semi-faïence, la faïence, l'opaque, la porcelaine, la biscuit, ce qu'on appelle la masse de pierre. Les principales méthodes de décoration de la céramique sont le moulage, le polissage, le polissage, la peinture colorée, la gravure, le glaçage, etc.

Les tissus sont largement utilisés depuis le néolithique. Des exemples remarquables d'art décoratif et appliqué sont les anciens tissus de lin multicolores égyptiens, les tissus coptes utilisant la technique d'impression batik ; Tissus de soie chinoise, mousselines indiennes, damas vénitien.

Les maîtres des arts décoratifs et appliqués utilisaient souvent des pierres ornementales précieuses, semi-précieuses et colorées : diamants, rubis, émeraudes, saphirs, jade, lapis-lazuli et cornaline, malachite, jaspe, etc. (l'ambre fait également partie des matières ornementales). Parmi les différents types de transformation, les cabochons (pierres rondes) ont longtemps dominé, puis les pierres à facettes sont apparues. Il existe des techniques complexes - la mosaïque dite florentine (images en marbre et pierres semi-précieuses), la mosaïque russe (collage de la surface ronde des vases avec des plaques de pierres colorées), etc.

Coffret avec représentation d'un crucifix et d'anges. Bois, argent, émail. 1er quart du XIIIe siècle. Limoges (France). Ermitage (Saint-Pétersbourg).

Parmi les métaux figurent les métaux précieux (or, argent, platine), non ferreux (cuivre, étain), les alliages (bronze, électrique, étain), ainsi que l'acier, la fonte et l'aluminium. Avec les métaux nobles dans presque tous civilisations anciennes ils traitaient le cuivre, le bronze et plus tard le fer. L'or et l'argent étaient initialement les principaux métaux des arts décoratifs et appliqués, et leur pénurie était compensée par diverses techniques (galvanoplastie et dorure ; à partir du milieu du XIXe siècle - galvanoplastie). Les principales techniques de traitement des métaux sont le niello, la granulation, le gaufrage, le shotting, le moulage artistique, le forgeage artistique, le basma (un type de technique de bijouterie qui imite le gaufrage), le gaufrage.

L'émail est une technique et un matériau particuliers, dont les exemples les plus anciens se trouvent en Chine. L'émail, en règle générale, était utilisé comme composant d'œuvres complexes d'art décoratif et appliqué (par exemple, la technique consistant à recouvrir des images gravées sur du métal avec de l'émail transparent multicolore ou une peinture décorative avec des peintures à l'émail).

Cadre du soi-disant Évangile de Lorsch. Ivoire. 9ème siècle Aix-la-Chapelle. Victoria and Albert Museum (Londres).

Le verre, selon ses paramètres technologiques, est divisé en transparent et opaque, incolore et coloré, etc. Il existe également différentes formes originales du verre taillé à la main, du verre soufflé (verres vénitiens « ailés »), du cristal anglais taillé, du verre pressé. verre (apparu en 1820 aux USA), verre feuilleté coloré ou laiteux, verre filigrané, gravé, sculpté, dépoli ou teinté. Les techniques de traitement du verre comprennent la dorure entre verres, la peinture, les millefiori, la gravure artistique et l'irisation.

Le berceau des vernis artistiques est l'Orient ancien. En Europe, ils sont connus depuis le XVIe siècle ; au XVIIe siècle, les artisans hollandais commencèrent à peindre des caisses en bois avec des ornements dorés sur fond noir. Plus tard, la production de vernis peints est apparue dans de nombreux pays. Les produits en papier mâché recouverts de vernis sont apparus en Europe au XVIIIe siècle et ont atteint leur apogée au XIXe siècle, notamment en Angleterre, en Allemagne et en Russie. Au XXe siècle, la Russie devient le principal centre de l'art de la laque (Fedoskino, Palekh, Kholui et Mstera).

L'utilisation de l'écaille et de l'ivoire remonte à l'Antiquité ; puis leur usage fut réactivé dans l'art européen au Moyen Âge et surtout à la fin du XVIIIe siècle (tabacières et théières anglaises et françaises, sculpture sur os de Kholmogory). La nacre est devenue à la mode dans la 1ère moitié du XIXe siècle pour la décoration des produits en papier mâché et vernis, ainsi que pour la finition des couverts.

Esquisse historique. Les premiers objets travaillés artistiquement sont apparus à l’époque paléolithique. Durant la période néolithique, les produits céramiques se généralisent. DANS différentes cultures les vases sont créés avec des solutions artistiques graphiques magistrales, des intrigues sacrées et mythologiques expressives, des céramiques peintes avec des motifs ornementaux et autres (par exemple, des vases chinois de l'ère néolithique, 5-3e millénaire avant JC ; céramiques de Suse, 4e millénaire avant JC ; céramiques trypilliennes, fin du 3ème millénaire avant JC).

Les civilisations orientales les plus anciennes dans le développement des arts décoratifs et appliqués ont atteint le même niveau élevé que dans le domaine de l'architecture et de la sculpture (traitement artistique de la pierre, du métal, du bois, des bijoux, sculpture sur ivoire, etc.). Les bijoutiers de l’Égypte ancienne et de la Mésopotamie maîtrisaient diverses techniques raffinées de traitement des métaux précieux. L'art oriental ancien a produit des exemples inégalés de céramiques émaillées polychromes ; en Égypte, des produits en faïence (à base de silice) ont été produits - détails architecturaux, sculptures, colliers, bols et gobelets. Les Égyptiens (ainsi que les Phéniciens) fabriquaient également des objets en verre (vers le 3e millénaire avant JC) ; L'apogée des ateliers de verrerie, ainsi que d'autres métiers, se situe au Nouvel Empire (récipients de formes diverses en verre bleu ou polychrome, etc.). Les meubles égyptiens étaient fabriqués à partir de bois d'ébène local (noir) et d'essences importées (cèdre, cyprès), décorés d'inserts de faïence bleue et noire, recouverts de feuilles d'or et incrustés d'ivoire et de peinture (certaines de leurs formes ont ensuite grandement influencé l'Empire européen). style). Dans de nombreuses régions de Chine, des récipients à parois minces (bols, vases, cruches et gobelets) ont été découverts, se distinguant par leur originalité stylistique, la variété de leurs formes et leurs images zoomorphes bizarres. L'Inde a une civilisation urbaine très développée L'Âge de bronze a laissé des objets ménagers expressifs, des poteries peintes et des textiles découverts lors de fouilles à Mohenjo-Daro et Harappa. Dans l'ouest de l'Iran, au Luristan, une culture représentée par les bronzes du Luristan s'est développée.

L'originalité des arts décoratifs et appliqués du monde égéen (voir Culture égéenne) a influencé l'art d'autres pays (Égypte du Nouvel Empire, Moyen-Orient) - bijoux, tasses et bols ciselés, rhytons. Le principal type d'artisanat artistique est la céramique (polychrome avec des motifs stylisés, des motifs végétaux, avec des images d'animaux marins et de poissons). Parmi les plus hautes réalisations de l'histoire des arts décoratifs et appliqués figurent la céramique grecque antique - tout d'abord, des récipients à figures rouges et noires recouverts de vernis, dont la forme est organiquement liée à l'intrigue, à la peinture et à l'ornement, qui ont une tectonique claire, un rythme riche de lignes et de proportions (voir Peinture sur vase). Les céramiques et les bijoux fabriqués en Grèce ont été exportés vers de nombreux pays du monde, entraînant une large expansion des traditions artistiques grecques. Dans les arts décoratifs et appliqués des tribus nomades d'Asie et d'Europe, des Thraces, des Celtes et de certaines tribus finno-ougriennes, différentes formes se sont développées. style animalier; au milieu du 1er millénaire après JC, sa forme particulière apparaît chez les Allemands, les traditions du style animalier sont préservées dans l'art médiéval.

Les Étrusques, sous la forte influence grecque, ont pu créer une culture tout aussi distinctive avec leurs céramiques bucchero, leurs terres cuites peintes et leurs bijoux. Leur soif de luxe démonstratif incarné dans des objets d'art décoratif et appliqué a été transmise à leurs successeurs - les anciens Romains. Ils ont emprunté aux Étrusques les céramiques en relief et les décorations en tissu, ainsi que les formes et les ornements aux Grecs. Dans le décor romain, il y a beaucoup d'excès, dépourvus de goût grec : guirlandes luxuriantes, bucranias, griffons, amours ailés. A l'époque impériale, les vases en pierres semi-précieuses (agate, sardonyx, porphyre) deviennent à la mode. La plus haute réalisation de l'art décoratif et appliqué romain fut l'invention des techniques de soufflage du verre (1er siècle avant JC), la production de verre transparent, mosaïque, gravé, bicouche, imitant le camée et doré. Parmi les produits métalliques figurent des récipients en argent (par exemple, un trésor d'Hildesheim), des lampes en bronze (trouvées lors de fouilles dans la ville de Pompéi).

La stabilité des traditions distingue les cultures d'Extrême-Orient et de l'Inde en général, où des types et des formes caractéristiques d'arts décoratifs et appliqués ont été préservés même à l'époque médiévale (céramique et vernis au Japon, bois, métal et produits textiles en Inde, batik en Indonésie ). La Chine se caractérise par des images et des traditions stables de taille de pierre, de poterie et de bijoux, une variété de matériaux : soie, papier, bronze, jade, céramique (principalement l'invention de la porcelaine), etc.

Dans l’Amérique ancienne (précolombienne), il existait plusieurs civilisations (Olmèques, Totonaques, Mayas, Aztèques, Zapotèques, Incas, Chimu, Mochica, etc.) qui possédaient une culture matérielle élevée. Les principaux métiers étaient la poterie, le traitement artistique de la pierre, y compris les roches semi-précieuses, en utilisant la technique originale de la mosaïque turquoise sur le bois, les textiles et les bijoux. Les céramiques comptent parmi les plus belles réalisations de l'art américain ancien, contrairement à d'autres qui n'ont pas connu le tour de potier (urnes funéraires zapotèques, vases toltèques, vases polychromes mixtèques, vases aux ornements mayas gravés, etc.).

Un trait caractéristique de l'art médiéval des pays du Moyen-Orient, de l'Afrique du Nord (Maghreb) et des régions d'Europe habitées par les Arabes est le besoin de couleur, de décoration précieuse, de motifs géométriques (avec des motifs végétaux stylisés jusqu'à l'abstraction, voir Arabesque) ; La belle tradition a également été préservée dans les arts décoratifs et appliqués d'Iran. Les principaux types d’arts décoratifs et appliqués dans les pays musulmans étaient la céramique, le tissage et la production d’armes et d’articles de luxe. Des céramiques (principalement ornementales, recouvertes de lustre ou de peinture polychrome sur fond blanc et coloré) ont été produites en Irak (Samarra), en Iran (Susa, Ray), en Egypte médiévale (Fustat), en Syrie (Raqqa), en Asie centrale (Samarkand, Boukhara). ). La céramique hispano-mauresque (faïence de Valence) a eu une grande influence sur les arts décoratifs européens des XVe et XVIe siècles. Bleu blanc Porcelaine chinoise influencé les céramiques de la Horde d'Or, d'Iran, etc. Au XVIe siècle, la faïence polychrome turque d'Iznik fleurit. La culture musulmane a également laissé de nombreux exemples de verre artistique, de métal (décoré de gravures, de ciselure, d'émail) et d'armes. Le monde islamique utilise traditionnellement des tapis plutôt que des meubles ; ils ont été produits dans de nombreux pays (Caucase, Inde, Egypte, Turquie, Maroc, Espagne, Asie centrale) ; La première place dans le tissage de tapis appartient à l'Iran. En Égypte, ils produisaient des tissus en laine multicolores, des tissus en lin et des imprimés ; en Syrie, en Espagne sous le califat de Cordoue et chez les maîtres arabes en Sicile - soie, brocart ; en Turquie (à Bursa) - velours ; en Iran (à Bagdad) - draperies en soie ; à Damas - ce qu'on appelle les tissus damassés.

Byzance est devenue l'héritière de nombreux métiers artistiques de l'Antiquité : verrerie, art de la mosaïque, sculpture sur os, etc., et en a également maîtrisé magistralement de nouveaux - la technique de l'émail cloisonné, etc. Ici, des objets religieux et (sous l'influence des cultures orientales) les produits de luxe se sont généralisés ; En conséquence, le style de l’art décoratif et appliqué byzantin était à la fois raffiné, décoratif et luxuriant. L'influence de cette culture s'est étendue aux États d'Europe (y compris la Russie antique), ainsi qu'à la Transcaucasie et au Moyen-Orient (en Russie, les réminiscences de cette influence ont persisté jusqu'au style russo-byzantin du XIXe siècle).

En Europe, de nouvelles formes d'art décoratif et appliqué se développent lors de la Renaissance carolingienne sous l'influence de Byzance et des pays du monde arabe. Dans la culture de l'époque romane, les monastères et les corporations municipales jouaient un rôle important : on pratiquait la sculpture sur pierre et sur bois, la fabrication de produits métalliques, de portes forgées et d'ustensiles ménagers. En Italie, où les traditions de l'Antiquité tardive ont continué à être préservées, la sculpture sur os et sur pierre, l'art de la mosaïque et de la glyptique et la bijouterie se sont développés ; Dans tous ces domaines, les maîtres ont atteint la plus haute perfection. Le gothique a hérité de nombreux métiers caractéristiques de cette époque ; les caractéristiques du style gothique se manifestent clairement dans les produits en ivoire et en argent, les émaux, les tapisseries et les meubles [y compris les coffres de mariage (en Italie - cassone, décorés de sculptures et de peintures)].

Dans la Russie antique, les réalisations particulières appartenaient aux bijoux, à la sculpture sur bois et sur pierre. Les types typiques de meubles russes étaient les cercueils, les tables-tours, les armoires, les coffres et les tables. Les auteurs de compositions picturales en forme de « motif d'herbe » étaient des peintres d'icônes, des « porte-bannières », ils peignaient également des coffres, des tables, des plateaux pour gâteaux de pain d'épices, des jeux d'échecs, des hochets dorés, etc. La « sculpture » décorative du XVIIe siècle était appelée « herbes Fryazhsky ». Ustensiles, plats, carrelages, objets religieux étaient produits dans les ateliers de Kiev, Novgorod, Riazan, Moscou (ateliers patriarcaux, Chambre d'Argent, de la 2e moitié du XVIIe siècle - Chambre d'Armurerie du Kremlin de Moscou), Yaroslavl, Kostroma , également dans les monastères Kirillo-Belozersky, Spaso-Prilutsky, Sergiev Posad. À partir de la 2e moitié du XVIIe siècle, le développement rapide de l'artisanat populaire a commencé dans les arts décoratifs et appliqués russes (production de tuiles, sculpture et peinture sur bois, dentelle et tissage, orfèvrerie et poterie).

À la Renaissance, l’artisanat artistique acquiert un caractère fondamentalement auctorique et majoritairement laïc. De nouveaux types d’arts décoratifs et appliqués apparaissent, des genres et des techniques oubliés depuis l’Antiquité ressuscitent. Les changements les plus significatifs surviennent dans la production de meubles (armoires à façade rabattable, coffre-banc avec dossier et accoudoirs, etc.) ; La décoration utilise un ordre classique et un ornement caractéristique - les grotesques. Tissage de la soie de Gênes, Florence et Milan, verre vénitien, majolique italienne, glyptique, art de la joaillerie (B. Cellini), travail artistique du métal [« style lobé » en argent hollandais et allemand (famille Yamnitzer)], émaux, verre et épanouissement français .céramiques (réalisées par Saint-Porcher ; maître B. Palissy).

Les arts décoratifs et appliqués de l'époque baroque se caractérisent par une splendeur et une dynamique particulières des compositions, une connexion organique entre tous les éléments et détails (vaisselle et meubles), la préférence est donnée aux formes volumineuses et grandes. Dans la production de meubles (armoires, armoires, commodes, buffets, etc.) bois poli, ferrures en bronze doré et mosaïques florentines, marqueterie (bronze appliqué, marqueterie d'ébène, métal, nacre, écaille de tortue, etc. ) ont été utilisés. - dans les produits de l'atelier de A. Sh. Bulya). Les manufactures de tapisseries en Europe ont été influencées par l'art du tapis flamand (manufacturies bruxelloises) ; Gênes et Venise étaient célèbres pour leurs tissus en laine et leur velours imprimé. La faïence de Delft est née à l'imitation des Chinois. En France, se développent la production de porcelaine tendre, de faïences (Rouen, Moustiers) et de céramiques (Nevers), de textiles (manufactures de Lyon), de miroirs et de tapisseries.

A l'époque rococo (XVIIIe siècle), les lignes asymétriques, fragiles et sophistiquées, prédominaient dans les formes et les décors des objets. En Angleterre, ils produisent des plats en argent (P. Lameri), des candélabres, etc. En Allemagne, parmi les produits métalliques, on trouve des formes rocailles luxuriantes (I. M. Dinglinger). De nouvelles formes de mobilier font leur apparition - des bureaux (bureau-bureau, bureau-assiette et bureau-cylindre), différents types de tables, une bergère rembourrée moelleuse à dossier fermé, une coiffeuse composée de 2 parties ; Des panneaux peints, de la marqueterie et des marqueteries sont utilisés pour la décoration. De nouveaux types de tissus (moiré et chenille) apparaissent. En Angleterre, T. Chippendale réalise des meubles de style rococo (chaises, tables et bibliothèques), utilisant des motifs gothiques et chinoiseries. Au début du XVIIIe siècle, la première manufacture européenne de porcelaine est ouverte à Meissen (Saxe) (sculpteur I. Kändler). Le style Chinoiserie pénètre aussi bien la porcelaine européenne (Meissen, Chantilly, Chelsea, Derby, etc.) et russe (Usine Impériale de Porcelaine près de Saint-Pétersbourg), que les textiles, le verre et le mobilier ((laques françaises des frères Martin). Dans les années 1670, le verre au plomb avec une nouvelle composition (appelé cristal anglais) est apparu en Angleterre ; la technique de sa production s'est largement répandue en République tchèque, en Allemagne et en France.

Les arts décoratifs et appliqués de l'époque classique de la 2e moitié du XVIIIe siècle, puis du style Empire, sont influencés par fouilles archéologiques dans les villes d'Herculanum et de Pompéi (voir style pompéien). Le style créé par les frères Adam (Angleterre), qui affirmait l'unité du décor extérieur et de la décoration intérieure, insuffla un nouveau souffle aux arts décoratifs et appliqués, notamment au mobilier (œuvres de J. Hepwhite, T. Sheraton, T. Hope, frères Jacob, J. A Risiner), bijoux en plastique (bronze doré français de P. F. Thomira), argenterie artistique (tasses et plats de P. Storr), tapis et tissus, bijoux. La simplicité et la clarté se distinguent par les carafes en verre de Cork Glass Company, les vases Baccarat et les lustres en cascade de cristal. En porcelaine, à la fin du XVIIIe siècle, Meissen cède le statut de principal fabricant européen de porcelaine à la porcelaine française de Sèvres ; des exemplaires remarquables commencent à être créés dans les usines de Vienne, Saint-Pétersbourg et Berlin. En Angleterre, apparaît l'usine Etruria de J. Wedgwood, produisant des céramiques imitant des camées et des vases antiques. En Russie, de nombreux architectes majeurs ont participé à la création d'œuvres d'art décoratif et appliqué (A. N. Voronikhin et K. I. Rossi ont conçu des meubles et des vases, M. F. Kazakov et N. A. Lvov - des lustres).

À l'époque Biedermeier, les œuvres d'art décoratif et appliqué reflétaient le désir d'une vie confortable, ce qui a conduit à l'apparition de meubles simples et confortables aux formes rondes et simples fabriqués à partir d'essences de bois locales (noyer, cerisier, bouleau), de verre élégant pichets et verres taillés avec des peintures élégantes (œuvres de A. Kotgasser, etc.). La période de l'éclectisme (milieu du XIXe siècle) s'est manifestée par la diversité stylistique des styles historiques utilisés, ainsi que par l'unification des approches et techniques artistiques. L'inspiration du néo-rococo était la décoration de l'art du XVIIIe siècle ; en Russie, il apparaît dans les produits en porcelaine de la manufacture A.G. Popov avec sa peinture florale polychrome sur fond coloré. Le renouveau du gothique (néo-gothique) a été déterminé par le désir des artistes d'introduire un style romantiquement sublime dans l'art décoratif et appliqué et n'a reproduit qu'indirectement des motifs véritablement gothiques ; des éléments d'ornement ont été empruntés plutôt que des formes de l'art gothique (verre de Bohême de D. Beeman, œuvres en porcelaine et verre pour le palais de Nicolas Ier « Cottage » à Peterhof). Le style victorien en Angleterre se reflète dans la création de meubles lourds et la large diffusion de ses « petites formes » (bibliothèques, porte-parapluies, tables de jeux, etc.). La porcelaine non émaillée imitant le marbre est redevenue populaire. De nouveaux types et techniques sont apparus dans le verre (principalement de Bohême) - verre « flash » coloré multicouche, verre camée opaque et verre noir (hyalite), imitant les pierres précieuses lithialyl. Depuis le milieu des années 1840, une nouvelle orientation apparaît en France dans les verreries de Baccarat, Saint-Louis et Clichy, puis plus tard en Angleterre, en Bohême et aux USA (création de presse-papiers millefières, etc.). La fusion d'éléments de styles variés détermine le développement du mobilier et l'émergence de nouvelles technologies et matériaux industriels : formes en bois stratifié et courbé (M. Thonet), papier mâché, bois sculpté et fonte.

La protestation contre l'éclectisme, initiée en Grande-Bretagne par la Arts and Crafts Society, a contribué à la formation du style Art Nouveau à la fin du XIXe siècle ; il a brouillé les frontières entre arts décoratifs, appliqués et beaux-arts et a été adopté dans de nombreux pays diverses formes. Le décor Art Nouveau est le plus souvent assimilé à des motifs ornementaux de formes naturelles ; les lignes courbes, les contours ondulés, les motifs asymétriques ont été largement utilisés (meubles de V. Horta, L. Majorelle, E. Guimard, verres artistiques multicouches colorés à motifs floraux et paysagers de E. Galle, O. Daum, L. Tiffany, bijoux R. Lalique ). Les artistes de la Sécession viennoise, comme l’Écossais C. R. Mackintosh, utilisaient au contraire la symétrie et des formes rectilignes sobres. Les œuvres de J. Hofmann, souvent interprétées avec G. Klimt (meubles, verre, métal, bijoux), se distinguent par leur élégance et leur sophistication. Dans la production européenne de porcelaine, la première place était occupée par les œuvres avec peinture sous glaçure de la Manufacture royale de Copenhague. Dans l'Art nouveau russe, dans sa branche national-romantique, le style néo-russe s'est manifesté - notamment dans les activités du cercle artistique d'Abramtsevo (œuvres de V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, E. D. Polenova), de l'atelier Talashkino de la princesse M. K. Tenisheva, ateliers de l'école Stroganov.

L'histoire moderne des arts décoratifs et appliqués commence non seulement avec la renaissance de l'artisanat (W. Morris et autres), mais aussi avec l'émergence au tournant des XIXe-XXe siècles dans toute l'Europe et aux États-Unis d'un nouveau type d'activité créatrice. - le design et son développement actif dans les années 1920 (Bauhaus, Vkhutemas). Le design Art Déco devient la base de presque tous les intérieurs de maison, cultivant le luxe et le confort discrets (formes géométriques, ornementations stylisées et simplifiées, meubles exotiques en placage aux formes rectilignes, vaisselle et vases à fleurs fonctionnels).

L’art russe après 1917 s’est développé sur une nouvelle base idéologique et esthétique.

Les artistes ont essayé d'utiliser l'art pour transmettre l'esprit de l'époque (ce qu'on appelle la porcelaine de propagande), afin de créer un environnement rationnel global pour de larges couches de la population. Depuis la fin des années 1950, dans les arts décoratifs et appliqués soviétiques, parallèlement au développement actif de l'industrie de l'art (usines de porcelaine de Leningrad, Verbilok, usine de porcelaine Dulevo, faïencerie de Konakovo, verrerie de Leningrad, cristallerie Gusev, etc.) et de l'artisanat populaire (Céramiques de Gjel, peinture de Zhostovo, céramiques de Skopino, jouets de Dymkovo, etc. ; voir Artisanat artistique) l'art original a également atteint un niveau élevé.

Le développement des arts décoratifs et appliqués au XXe siècle a été déterminé par la coexistence et l'interpénétration des principes traditionnels et d'avant-garde. Les capacités expressives subtiles des nouveaux matériaux, de l'imitation et de la citation créative ont acquis une grande importance. À l'ère du postmodernisme, une attitude particulière apparaît à l'égard de l'artefact décoratif en tant qu'entité autonome, qui n'est manifestement « pas intéressée » à servir une personne et qui en est aliénée. En conséquence, cela a conduit à une « crise d'auto-identification » dans les arts décoratifs et appliqués, provoquée par l'émergence de la concurrence de types d'art connexes (principalement le design). Mais cette crise ouvre paradoxalement de nouvelles perspectives aux arts décoratifs et appliqués en termes d'élargissement et de révision de leur propre spécificité figurative, de maîtrise de nouveaux genres et de nouveaux matériaux (céramoplastiques, fibre de verre, plastiques textiles, mini-tapisserie, mosaïques dans des cadres en bois, etc.) .

Lit. : Molinier E. Histoire générale des arts appliqués à l'industrie. R., 1896-1911. Vol. 1-5 ; Arkin D. L'art des choses du quotidien. Essais sur l'industrie de l'art la plus récente. M., 1932 ; Fontanes J, de. Histoire des métiers d'art. R., 1950 ; Baerwald M., Mahoney T. L'histoire des bijoux. L. ; N.Y., 1960 ; Kagan M. À propos des arts appliqués. Quelques questions théoriques. L., 1961 ; Art décoratif russe / Edité par A. I. Leonov. M., 1962. T. 1-3 ; Saltykov A.B. Sélectionné. travaux. M., 1962 ; Barsali I. V. Émail européen. L., 1964 ; Kenyon G. N. L'industrie du verre du Weald. Leicester, 1967 ; Cooper E. Une histoire de la poterie. L., 1972 ; Verre Davis F. Continental : des temps romains aux temps modernes. L., 1972 ; Morán A. de. Histoire des arts décoratifs et appliqués. M., 1982 ; Osborne N. Le compagnon d'Oxford des arts décoratifs. Oxf., 1985 ; Boucher F. Une histoire du costume en Occident. L., 1987 ; Nekrasova M.A. Le problème de l'ensemble dans l'art décoratif // L'Art de l'Ensemble. Objet artistique. Intérieur. Architecture. Mercredi. M., 1988 ; Encyclopédie illustrée des antiquités. L., 1994 ; Makarov K. A. Du patrimoine créatif. M., 1998 ; Matériaux et techniques dans les arts décoratifs : un dictionnaire illustré / Ed. par L. Trench. L., 2000.

T. L. Astrakhantseva.

Établissement d'enseignement budgétaire municipal

éducation complémentaire pour les enfants

"Centre d'activités périscolaires"

Matériel pédagogique et méthodologique

Matériel préparé

enseignant de l'enseignement complémentaire,

Responsable de l'association "Modèle Slave"

Fedorova T.G.

Petropavlovsk-Kamtchatski

2014

"Design en arts décoratifs et appliqués"

Les arts décoratifs jouent un rôle particulier dans le développement de l’attitude émotionnelle et esthétique des enfants à l’égard de la culture nationale. grand art, nécessitant certaines connaissances, compétences, patience et goût esthétique.

Les arts décoratifs et appliqués combinent organiquement des disciplines telles que les beaux-arts et le travail.Faisant partie de la culture matérielle et spirituelle de la société, les arts décoratifs et appliqués sont les plus étroitement liés à la vie humaine et à la vie quotidienne. Ce matériel présente les bases théoriques des beaux-arts et des arts décoratifs.

Cible:

1. Communiquer et consolider les connaissances en matière d'arts plastiques et décoratifs.
2. Apprendre à connaître produits d'artisans populaires, types de peintures, avec notions : applique, collage, coloriage, mise en page, composition et ses lois.
3. Introduction aux notions :la perspective et ses lois, la science des couleurs, le dessin et la peinture, les types, les lois et les techniques de représentation.
4. Développement de l'artistique individuelle la créativité un moyen d'éducation esthétique et de maîtrise du langage des beaux-arts et des arts décoratifs.

Les produits artistiques simples et beaux des artisans populaires aident à inculquer aux enfants l'amour de leur terre natale, à voir et à aimer la nature, à apprécier les traditions de leurs lieux d'origine et à respecter le travail des adultes.

Conception - concevoir des objets, des voitures, des intérieurs, sur la base des principes de combinaison de commodité, d'économie et de beauté.

Designer – artiste-constructeur, spécialiste du design

Application (de Lat. attachement) - une méthode de création d'ornements et d'images par couture, collage sur tissu, papier, etc. des pièces multicolores de n'importe quel matériau (tissu, papier, fourrure, paille, etc.) d'une couleur ou d'un motif différent, ainsi qu'un ornement ou une image créé selon une méthode qui leur donne un relief particulier. L'application est l'une des les manières les plus anciennes la décoration vestimentaire est encore utilisée aujourd’hui chez de nombreux peuples.

Collage (du collage français) est une technique technique des beaux-arts, le collage sur tous matériaux de base qui en diffèrent par la couleur et la texture, ainsi qu'une œuvre entièrement réalisée selon cette technique. Le collage est principalement utilisé en graphisme pour l'acuité émotionnelle de la texture de l'œuvre, l'inattendu de la combinaison de divers matériaux. Le collage a été introduit par les cubistes, les futuristes et les dadaïstes (collage de bouts de journaux, de photographies, de papier peint, de morceaux de tissus, de copeaux de bois, etc. sur toile)

Mise en page (du français et de l'italien - croquis) - une image architecturale, volumétrique-spatiale (à partir de plâtre, de bois, de plastiques, de carton et d'autres matériaux) d'un bâtiment, d'un ensemble architectural, d'une ville déjà construit ou conçu. Les mises en page sont réalisées à différentes échelles. La mise en page reproduit soit l'original dans tous les détails, une telle mise en page est appelée modèle, soit avec différents degrés d'approximation ; sert à vérifier et à améliorer la composition architecturale. Les maquettes constituent également un élément important des expositions muséales.

Composition est une discipline fondamentale du design. À la suite de l'étude du cours de composition, les étudiants devraient acquérir les connaissances et les compétences pratiques dont ils ont besoin pour poursuivre leur travail créatif indépendant. La formation en « Composition », qui comprend les « Fondements de la composition », « Construction papier », est basée sur la connexion logique des tâches du plan au volumétrique, du volumétrique aux solutions spatiales, avec une complication progressive des concepts et des exigences. Des calculs théoriques aux exercices pratiques, en passant par vos propres conclusions et tâches réalisées de manière créative. Le schéma proposé de tâches spécifiques permet à l'enseignant d'être créatif et de mettre l'accent, en fonction des exigences du moment, des tendances en matière de conception, de la taille du groupe, etc. Dans les cours de composition, il est recommandé d'utiliser largement le matériel visuel : matériel photographique, transparents, publications spécialisées, etc. Également dans le programme de composition, les étudiants sont invités à se familiariser avec des types d'arts décoratifs et appliqués très intéressants et à la mode, tels que le « Batik » et la « Tapisserie ».

Couleur – la nature générale des combinaisons de couleurs dans un tableau, un dessin, une exposition.

Composition – une séquence de techniques visuelles qui organisentconstruction d'une œuvre d'art et disposition de ses principaux éléments et parties dans un certain système et séquence

La composition générale comprend des modèles de création d’œuvres d’art sur un plan d’image bidimensionnel, conçus pour leur perception à l’aide des sentiments émotionnels d’une personne. Toutes les œuvres d'art créées à l'aide de structures volumétriques-spatiales appartiennent à une composition spéciale.

Lois de composition :

• symétrie,
• asymétrie,
• l'équilibre et le rythme,
• statique et dynamique,
• subordination du secondaire au principal,
• mettant en valeur le centre visuel,
• contraste et nuance,
• centrifugalité et extension, etc.

Spécificités de la compositionde divers objets et produits est que leur forme correspond à leur destination, au matériau à partir duquel ils sont fabriqués et au schéma de conception qui détermine leur structure.

La composition doit unir les éléments disparates et divers, harmoniser les éléments individuels les uns avec les autres, trouver des moyens de subordonner mutuellement tous les éléments de l'intérieur à un seul objectif -image artistique.

Types de compositions . Dans la composition architecturale, les types suivants sont pris en compte : volumétrique-spatial, volumétrique-frontal et profond-spatial.

Volume-spatialla composition est une connexion créative de structures volumétriques entre elles, en tenant compte de la zone sur laquelle elles se trouvent.

Surround-avantla composition est la connexion des volumes entre eux au niveau des yeux de l'observateur. Il est utilisé dans le processus de création de l’apparence d’un produit.

Profondeur-spatialela composition est la connexion compositionnelle d'objets tridimensionnels entre eux et l'espace. Cette méthode est utilisée dans la décoration intérieure créative.

Perspective - la science de l'image spatiale du monde environnant. Lois de la perspective : tous les objets sont perçus comme décroissants à mesure qu'ils s'éloignent du spectateur ; toutes les lignes horizontales, parallèles les unes aux autres, s’étendent du spectateur vers la profondeur. La vision et la perception d’une personne sont sujettes à changement sous l’influence d’une formation systématique et de l’acquisition d’expériences de vie.

Lois de la perspective :tous les objets sont perçus comme décroissants à mesure qu'ils s'éloignent du spectateur ; toutes les lignes horizontales, parallèles les unes aux autres, s'étendant du spectateur vers les profondeurs, c'est-à-dire non parallèles au plan de l'image, convergent vers le point de fuite principal ; toutes les lignes horizontales parallèles au plan de l'image conservent leur direction horizontale ; toutes les lignes verticales restent verticales en perspective ; Tous les cercles et cercles en perspective prennent la forme d'ellipses.

Un facteur important dans le développement de la composition est le processus de mise en forme de la nature, de l'art et de la technologie. Conceptsur la forme et le façonnagecomprend une compréhension des lois de la théorie de la formation des formes en tant que science : le concept d'architectonique comme construction harmonieuse de la forme d'un produit ; combinatoire, qui étudie les modèles de placement variable de figures tridimensionnelles et plates dans un espace bidimensionnel et tridimensionnel

Unité - une qualité essentielle à la composition dans toute forme d’art. Sans unité, la composition n’existe pas. À l'aide d'exemples tirés de la vie, ainsi que de l'analyse de produits sélectionnés à partir d'aides visuelles, l'essence du concept est révélée, soulignant la différence dans la perception des objets individuels et des objets qui composent des décors et des ensembles.

L'unité s'exprime dans l'utilisation de méthodes d'organisation de la forme, subordonnées avant tout aux exigences fonctionnelles. L'unité est une catégorie esthétique car, parallèlement à la dépendance fonctionnelle, la forme est influencée par les lois de la perception – les lois de la beauté.

Équilibrecomme propriété de composition - une propriété constructive, une propriété esthétique. L'équilibre de l'image est obtenu en recherchant et en plaçant correctement le centre de la composition. Le centre de la composition est un objet (partie d’un objet, un groupe d’objets), situé de manière à attirer l’attention du spectateur par sa signification sémantique. Il doit contenir une signification et une opportunité artistiques et émotionnelles.

Ensuite, les étudiants s'entraînent à trouver le centre de composition et les techniques permettant d'atteindre l'équilibre dans une œuvre d'art, en analysant les peintures et les produits sélectionnés par l'enseignant comme échantillons.

Science des fleurs - une science qui étudie et explique les phénomènes de couleur, l'origine de la couleur des corps et de tous les objets observables, les changements que subissent les couleurs sous différents éclairages et à différentes distances. La combinaison et l'interaction des couleurs et les bases de leur harmonisation. L'objectif du cours est de donner aux étudiants un certain nombre de connaissances théoriques et de leur apprendre à appliquer ces connaissances dans des activités pratiques. Les connaissances acquises contribuent à l’activité créative indépendante : elles développent les capacités de réflexion et artistiques des élèves, la capacité de présenter, de comparer et d’analyser la couleur. La capacité d'analyser et d'étudier les caractéristiques chromatiques des œuvres d'art d'artistes de différentes époques, mouvements et styles. La maîtrise du sujet devrait également viser à élargir l'éventail des intérêts des étudiants, en nourrissant en eux une attitude émotionnelle et esthétique envers la réalité et une imagination créatrice.

Ce programme de science des couleurs comprend des sujets comprenant à la fois des fondements théoriques et des travaux pratiques. Les étudiants effectuent des travaux pratiques de base en classe sous la direction d'un enseignant. Pour consolider le matériel pédagogique, des devoirs sont également effectués. Les travaux pratiques doivent être analysés et discutés par l'enseignant et les étudiants. Les cours doivent être accompagnés d'une démonstration de reproductions de peintures d'artistes et d'une exposition de meilleures œuvresétudiants. En fonction de l'âge des élèves, des modifications adaptées peuvent être apportées : réorganisation des sujets, augmentation ou diminution Travaux pratiques en général et par thème.

Dessiner et peindre -Ce cours vise le développement artistique global des étudiants : au développement de la perception artistique, à la maîtrise des connaissances théoriques des fondamentaux de la peinture et du dessin et, surtout, à la maîtrise pratique des compétences de construction d'une forme, de moyens artistiques de décrivant la réalité. Ces tâches reflètent l'objectif séquentiel de tâches interdépendantes, devenant progressivement plus complexes et réalisées sur la base du travail à partir de la vie. La méthode d’enseignement du dessin et de la peinture repose sur une étude approfondie de la nature. Dans toutes les tâches de peinture, le strict respect d’un dessin compétent est nécessaire. Dans le processus d'apprentissage, l'enseignant doit prendre en compte les caractéristiques individuelles de chaque élève, en préservant et en développant soigneusement les aspects positifs de son talent. Le matériau de peinture est l'aquarelle, plus tard – la gouache, la détrempe, l'huile. La taille de l’œuvre ne doit généralement pas dépasser la taille naturelle de l’objet image.

Types de dessin. La base de tous les types de beaux-arts, y compris le graphisme, est le dessin. Le mot « dessin » a remplacé les mots vieux slaves « bannière », « signe », signifiant « création d'une image », et « dessin », « inscription », indiquant la technique de fabrication de l'image. Depuis le XVIIIe siècle, le mot « dessin » est devenu un terme désignant l'image comme la création d'une image à l'aide de lignes, éléments importants pour reconnaître les caractéristiques d'un objet : forme, taille, structure, mouvement, qui sont véhiculés dans tout. types d'art.

La simplicité des techniques de dessin au trait et l'universalité des principes de construction des formes ont fait du dessin la base du graphisme et d'autres formes d'art. Lorsqu'on compare par exemple un dessin avec un dessin, ses caractéristiques remarquables deviennent apparentes. Tout d'abord, le dessin est réalisé à la main. Cela accélère l'exécution de l'image et permet donc de réagir rapidement à divers événements de la vie actuelle. Deuxièmement, le dessin est fait environ, capturer un objet non seulement tel qu'il est, mais aussi tel qu'il apparaît. Cette image visible est compréhensible et accessible à tous. Troisièmement, dessiner visuel; il véhicule de manière illusoire les principaux signes extérieurs d'un objet, sa matérialité, son volume, son éclairage, sa disposition spatiale, etc. Quatrièmement, le dessin représente non seulement les divers signes extérieurs de l'objet et de l'environnement, mais à travers leurs relations exprime le contenu interne de cet objet et de cet environnement évoque certaines pensées et sentiments chez le spectateur.

Pour une étude plus complète des caractéristiques du dessin, on distingue classiquement plusieurs types, différant par les moyens visuels, matériels et techniques et par la finalité.

Selon l'utilisation des médias visuels, les dessins sont linéaires et tonals. Un dessin linéaire est, en règle générale, léger, léger et généralisé. Une image artistique est créée avec des lignes, des tableaux, des diagrammes et des dessins sont réalisés au tableau (Fig. 1a).

Dessiner en ton permet de donner une description plus complète de l'objet et de l'environnement en traduisant le volume de la forme,illumination, matérialité et relations spatiales. Un tel dessinappelé tonal ou tonal.

La masse et le contour de certains objets expriment très clairement le caractère, le mouvement et d'autres propriétés. C'est pourquoi ils sont parfois choisis pour les représenter. forme la plus simple motif de ton - silhouette - motif de contour rempli d'un ton uniforme.

Selon la technique utilisée, les dessins peuvent être originaux ou imprimés. Les dessins originaux sont réalisés à la main par l'artiste en un seul exemplaire. Les impressions sont réalisées avec un cliché, une empreinte sur papier et sont appelées impressions. Il existe plusieurs types de gravure. Les principales sont la gravure (sur bois - gravure sur bois, sur linoléum - linogravure, sur métal - gravure) et la lithographie (une impression à partir d'une pierre lithographique sur laquelle un dessin est réalisé au crayon lithographique et une gravure à l'acide).

Selon leur destination, on distingue les dessins académiques et les dessins créatifs. Le dessin académique est un dessin au long cours réalisé dans le but d'apprendre à dessiner, de maîtriser les techniques de dessin et d'étudier diverses formes et caractéristiques. Elle se caractérise par la fixation de toutes les caractéristiques principales qui déterminent l'apparence du sujet de l'image. Un dessin créatif est une œuvre d’art qui exprime de manière figurative les pensées, les sentiments et la vision du monde de l’artiste.

Dans le travail éducatif et créatif, un croquis, une étude et un croquis sont largement utilisés. Un croquis est un dessin à court terme. Le principal moyen de dessin est le trait, complété par des ombrages ou des frottements clairsemés. Une étude détaillée du sujet de l'image ou d'une partie de celle-ci est réalisée à travers un croquis. Il trace et note sur une période de temps relativement longue les propriétés et caractéristiques externes et internes les plus importantes d'un objet. Le matériau vivant étudié dans les études et les croquis est en réalité utilisé pour créer un dessin ou une peinture créative, dont la composition commence par un dessin préliminaire - un croquis.

Peindre des objets.Le mot « peindre » est dérivé des mots « vivement » et « écrire ». « Peindre », explique Dahl, « représenter fidèlement et de manière vivante avec un pinceau ou des mots, un stylo ». Pour le peintre, représenter correctement signifie rendre un rendu fidèle apparence ce qu'il a vu, ses signes les plus importants. Nous avons réussi à les transmettre correctement à l'aide de moyens graphiques - ligne et ton. Mais il est impossible de transmettre de manière vivante avec ces moyens limités le multicolore du monde environnant, la pulsation de la vie dans chaque centimètre de la surface colorée d'un objet, le charme de cette vie et son mouvement et son changement constants. La peinture, l’un des types d’art, aide à refléter fidèlement les couleurs du monde réel.

Couleur - le principal moyen visuel et expressif de la peinture - il a du ton, de la saturation et de la légèreté ; il semble fusionner en un tout tout ce qui caractérise un objet : à la fois ce qui peut être représenté par une ligne et ce qui lui est inaccessible. La peinture, comme le graphisme, utilise des lignes, des traits et des taches clairs et sombres, mais contrairement à elle, ces lignes, traits et taches sont colorés. Ils transmettent la couleur d'une source de lumière à travers l'éblouissement et des surfaces très éclairées, sculptent une forme tridimensionnelle avec la couleur du sujet (locale) et la couleur réfléchie par l'environnement, établissent des relations spatiales et de la profondeur et représentent la texture et la matérialité des objets. Les couleurs elles-mêmes sont perçues émotionnellement et, considérées comme des traits caractéristiques d'un objet, elles deviennent « objectivées », capables d'influencer extrêmement fortement une personne et d'évoquer en elle non seulement des associations et des sentiments généraux, mais aussi spécifiques. La tâche de la peinture n'est pas seulement de montrer quelque chose, mais aussi de révéler l'essence intérieure de ce qui est représenté, de reproduire « des personnages typiques dans des circonstances typiques ». Par conséquent, une généralisation artistique véridique des phénomènes de la vie constitue la base des fondements de la peinture réaliste. Des traits multicolores, superposés et changeant de teinte, représentent une surface vibrante. Tout ce qu’ils présentent semble plein de mouvement et de sens profond.

La peinture est divisée en monumentale, décorative, théâtrale et décorative, miniature et chevalet.

Monumental la peinture est un type particulier de peintures à grande échelle qui décorent les murs et les plafonds des structures architecturales. Il révèle le sens des grands phénomènes sociaux qui ont eu un impact positif sur le développement de la société, les glorifie, les perpétue, contribuant à l'éducation des personnes. La sublimité du contenu de la peinture monumentale, la taille importante de ses œuvres et le lien avec l'architecture nécessitent de grandes masses de couleurs, une stricte simplicité et un laconisme de la composition, la clarté des contours et la généralité de la forme plastique.

Décoratif la peinture est utilisée pour décorer des bâtiments et des intérieurs sous forme de panneaux colorés qui, avec des images réalistes, créent l'illusion de percer le mur, augmentant visuellement la taille de la pièce, ou, au contraire, avec des formes délibérément aplaties, ils affirment la planéité. du mur et de la clôture de l'espace. Les motifs, couronnes, guirlandes et autres types de décors qui ornent les œuvres de peinture et de sculpture monumentales relient tous les éléments de l'intérieur, soulignant leur beauté et leur cohérence avec l'architecture. Peinture décorative Ils décorent aussi des choses : cercueils, cercueils, supports, plateaux, coffres, etc. Ses thèmes et ses formes sont subordonnés à la destination des choses, qui est décrite en détail dans le chapitre suivant.

Théâtral et décoratifla peinture (décors, costumes, maquillage, accessoires, réalisés d’après les croquis de l’artiste) permet de révéler davantage le contenu du spectacle. Les conditions théâtrales particulières de perception du décor nécessitent la prise en compte des multiples points de vue du public, de sa grande distance, de l'influence de l'éclairage artificiel et des contre-jours colorés. Le décor donne une idée du lieu et du moment de l’action, et active la perception du spectateur de ce qui se passe sur scène. L'artiste de théâtre s'efforce d'exprimer avec précision le caractère individuel des personnages, leur statut social, le style de l'époque et bien plus encore dans des croquis de costumes et de maquillage.

Miniature la peinture a connu un grand développement au Moyen Âge, avant l'invention de l'imprimerie. Les livres manuscrits étaient décorés des plus belles coiffes, fins et illustrations miniatures détaillées. Les artistes russes de la première moitié du XIXe siècle ont habilement utilisé la technique de la peinture miniature pour créer de petits portraits (principalement à l'aquarelle). Les couleurs pures et profondes de l'aquarelle, leurs combinaisons exquises et la finesse exquise de l'écriture distinguent ces portraits pleins de grâce et de noblesse.

Chevalet la peinture réalisée sur une machine - un chevalet - utilise comme matériau de base le bois, le carton, le papier, mais le plus souvent la toile tendue sur châssis. Peinture sur chevalet, étant une œuvre indépendante, peut représenter absolument tout : factuel et fictif de l'artiste, objets et personnes inanimés, modernité et histoire - en un mot, la vie dans toutes ses manifestations. Contrairement aux graphiques, la peinture sur chevalet a une richesse de couleurs, qui aide à transmettre émotionnellement, psychologiquement, de manière multiforme et subtile la beauté du monde qui nous entoure.

Peinture divisé en huile, détrempe, fresque, cire, mosaïque, vitrail, aquarelle, gouache, pastel. Ces noms dérivent du liant ou du mode d'utilisation des moyens matériels et techniques.

Huileux la peinture est réalisée avec de la peinture déteinte dans des huiles végétales. La peinture épaisse se dilue lorsqu'on y ajoute de l'huile ou des diluants et vernis spéciaux. La peinture à l’huile peut être utilisée sur la toile, le bois, le carton, le papier et le métal.

Détrempe la peinture se fait avec de la peinture préparée avec de l'œuf, du jaune ou de la caséine. La peinture tempera est dissoute avec de l'eau et appliquée de la pâte ou du liquide sur le mur, la toile, le papier, le bois. La tempera en Russie a été utilisée pour créer peintures murales, icônes et motifs sur les articles ménagers. De nos jours, la détrempe est utilisée dans la peinture et le graphisme, dans les arts décoratifs et appliqués et dans le design artistique.

Fresque la peinture décore les intérieurs sous forme de compositions monumentales et décoratives appliquées sur enduit humide avec des peintures à l'eau. La fresque a une surface mate agréable et est durable dans des conditions intérieures.

La cire la peinture (encaustique) était utilisée par les artistes de l’Egypte ancienne, comme en témoignent les célèbres « portraits du Fayoum » (1er siècle après JC). Le liant de la peinture à l’encaustique est de la cire blanchie. Les peintures à la cire sont appliquées à l'état fondu sur une base chauffée, après quoi elles sont brûlées.

Mosaïque la peinture, ou mosaïque, est assemblée à partir de morceaux individuels de pierres fines ou colorées et fixée sur un apprêt de ciment spécial. Le smalt transparent, inséré dans le sol sous différents angles, réfléchit ou réfracte la lumière, provoquant des reflets et des reflets de couleur. On retrouve des panneaux de mosaïque dans le métro, dans les intérieurs des théâtres et des musées, etc.

La peinture sur vitrail est une œuvre d'art décoratif destinée à décorer les ouvertures de fenêtres de toute structure architecturale. Le vitrail est fabriqué à partir de morceaux de verre coloré maintenus ensemble par un solide cadre métallique. Le flux lumineux, traversant la surface colorée du vitrail, dessine des motifs multicolores spectaculaires sur le sol et les murs de l'intérieur.

Le but et le contenu d’un tableau nécessitent le choix de moyens matériels et techniques à l’aide desquels l’intention idéologique et créatrice de l’artiste peut s’exprimer le plus pleinement. La peinture aide une personne à voir la beauté du monde contenue dans les choses les plus ordinaires, cultive l'attention à l'environnement, le désir d'en comprendre le sens.

Ornement - un motif composé d'éléments ordonnés rythmiquement est destiné à décorer divers objets. Ornement - système de décoration de vêtements et d'ustensiles.

Motif - l'attribut principal d'un ornement qui détermine son contenu et influence la base structurelle. Dans la structure des ornements, on peut tracer la forme (le motif) et le champ de l'ornement.

Symétrie - un phénomène naturel dans l'organisation de la belle forme des objets dans la nature et dans la composition de l'ornement. L'asymétrie introduit une certaine variété dans la structure de composition de l'ornement, mais n'est pas toujours cohérente avec la forme de l'objet.

La répétition des éléments dans un motif rayé s'effectue sous forme de réflexion, de translation ou de rotation de miroir.

Séquence de création d'un ornement :

• clarification du but et des objectifs de la composition de l'ornement et évaluation de l'objet orné ;
• collecte et étude de matériel de référence et d'information;
• croquis et croquis de motifs ornementaux;
• dessin de l'objet ornementé, en tenant compte de la place de la bande ornementale sur celui-ci ;
• faire un croquis final de l'ornement en couleur ou en matière.

origami arts décoratifs et métiers

Les arts décoratifs et appliqués font référence à une forme spécifique de créativité artistique dans le domaine de la création d'articles ménagers, qui repose sur le travail artistique manuel. C'est le travail artistique manuel qui constitue le tournant décisif qui permet, d'une part, de séparer le design des arts et de l'artisanat, et d'autre part, de distinguer deux sphères de l'art lui-même qui caractérisent son état moderne : ses formes artisanales et industrielles. .

La création d’œuvres d’art et d’artisanat est un processus très laborieux et en plusieurs étapes. Il diffère du travail d'un peintre, sculpteur, compositeur, acteur non seulement par les différents matériaux de la créativité artistique, mais également par la portée différente du processus de réalisation du concept artistique. Contrairement aux peintres, aux musiciens et aux acteurs qui utilisent des matériaux prêts à l'emploi, un artiste appliqué, avant de créer un produit, doit préparer le matériau et réfléchir à la technologie permettant de le traiter. Un artiste des arts et métiers a besoin de nombreuses connaissances et compétences appliquées, sans lesquelles ses projets ne peuvent être réalisés. Le maître doit se rappeler qu'entre l'idée et la mise en œuvre se situe un processus technologique long et complexe.

Si vous imaginez l'ensemble du processus créatif sous la forme de trois étapes : l'idée, le processus de mise en œuvre, le résultat de la créativité, alors il deviendra clair que c'est au stade intermédiaire du processus de mise en œuvre que se produisent toutes les métamorphoses. art contemporain. Une technologie de plus en plus avancée commence à dicter ses conditions à l'artiste. Ces exigences, s'inscrivant dans le processus de création habituel, éloignent de plus en plus l'artiste lui-même du résultat de son œuvre, augmentant ainsi l'écart entre eux. Le degré d'aliénation de l'artiste par rapport au produit de son travail est ce qui différencie les activités d'un designer et celles d'un artiste des arts et métiers.

Dans ses activités pratiques, le designer n'a pas la possibilité, en raison de la complexité des objets qu'il doit concevoir, de réaliser l'ensemble du processus de manière autonome. Il n’est qu’une des nombreuses personnes qui travaillent à améliorer le sujet. Le processus de mise en œuvre du plan général du concepteur est clarifié et calculé par plusieurs personnes. Il y a ainsi une sorte de « dépersonnalisation » du sujet de l’activité du designer. Quant à l'artiste appliqué, ici le processus créatif et sa mise en œuvre ont un lien plus direct. Dans les arts et métiers, l’artiste participe aux trois étapes de la création d’un objet. Cette participation peut agir aussi bien en termes de participation directe qu'en termes de recommandations pour la production, c'est-à-dire la maîtrise de l'échantillon de produit proposé par lui. De plus, l’objectif de la créativité d’un artiste appliqué est de créer une œuvre d’un certain type d’art, tandis que l’objectif du designer est de mettre à jour les formes d’un objet conformément aux normes esthétiques modernes et d’améliorer ses propriétés structurelles et fonctionnelles. C'est la principale différence entre les arts et l'artisanat et le design. Mais au-delà des différences, il existe également une continuité particulière entre eux.

Pendant de nombreuses années, avant l’avènement du design, les arts et l’artisanat ont créé les bases et préparé son arrivée. La formation d'une méthode de créativité dans le design se produit toujours grâce aux connaissances et aux techniques de créativité artistique accumulées à travers les arts et l'artisanat. Ainsi, une sorte d'échange s'opère entre eux : du design et de la créativité artistique et artisanale naissent des techniques et des technologies de plus en plus avancées ; à leur tour, les arts et l’artisanat ouvrent de grandes possibilités artistiques pour le design.

2. L'art plastique sur papier est très similaire à la sculpture en termes de créativité. Mais, dans le papier-plastique, tous les produits à l'intérieur sont vides, tous les produits sont des coques de l'objet représenté. Et en sculpture, soit le volume est augmenté avec des éléments supplémentaires, soit l'excédent est supprimé (coupé).
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/462

3. Tubes ondulés - c'est le nom de la technique de fabrication de produits, dans laquelle pour décorer des surfaces ou pour créer chiffres volumétriques utilisez des tubes en papier ondulé. Les tubes ondulés sont obtenus en enroulant une bande de papier sur un bâton, un crayon ou une aiguille à tricoter puis en la comprimant. Le tube ondulé comprimé conserve bien sa forme et offre de nombreuses options de conception et d'utilisation.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1492

4. Quilling (de l'anglais quilling - du mot quil « plume d'oiseau ») - l'art de rouler le papier. Originaire de l'Europe médiévale, où les religieuses créaient des médaillons en tordant des bandes de papier aux bords dorés sur la pointe d'une plume d'oiseau, créant ainsi une imitation d'une miniature en or.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/587
http://stranamasterov.ru/node/1364

4. L'origami (des lettres japonaises : « papier plié ») est l'art ancien du pliage de figurines en papier. L'art de l'origami trouve ses racines dans La Chine ancienne, où le papier a été ouvert.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/560
Types :
- Le Kirigami est un type d'origami qui permet l'utilisation de ciseaux et de papier découpé lors du processus de réalisation du modèle. C'est la principale différence entre le kirigami et les autres techniques de pliage du papier, qui est soulignée dans le nom : kiru - coupé, kami - papier.
Le pop-up est toute une direction dans l’art. Cette technique combine des éléments de techniques.
- Kirigami et Cutting et vous permet de créer des dessins en trois dimensions et des cartes pliées en une figure plate.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1723
- Kusudama (littéralement « médecine-ball » en japonais) est un modèle en papier qui est généralement (mais pas toujours) formé en cousant ensemble les extrémités de nombreux modules pyramidaux identiques (généralement des fleurs stylisées pliées à partir d'une feuille de papier carrée), de sorte que le le corps est de forme sphérique. Alternativement, les composants individuels peuvent être collés ensemble (par exemple, le kusudama sur la photo du bas est entièrement collé plutôt que cousu). Parfois, en guise de décoration, un pompon est attaché au bas.
L'art du kusudama vient d'une ancienne tradition japonaise où le kusudama était utilisé pour l'encens et un mélange de pétales séchés ; c'étaient peut-être les premiers vrais bouquets de fleurs ou d'herbes. Le mot lui-même est une combinaison de deux mots japonais, kusuri (médecine) et tama (balle). De nos jours, les kusudama sont généralement utilisés pour la décoration ou comme cadeaux.
Kusudama est une partie importante de l'origami, notamment en tant que précurseur de l'origami modulaire. Il est souvent confondu avec l'origami modulaire, ce qui est incorrect, puisque les éléments qui composent le kusudama sont cousus ou collés, et non emboîtés les uns dans les autres, comme le suggère l'origami modulaire.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/850
- Origami à partir de cercles - pliage d'origami à partir d'un cercle de papier. Habituellement, les pièces pliées sont ensuite collées ensemble pour former une applique.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1636
- L'origami modulaire - la création de figures tridimensionnelles à partir de modules d'origami triangulaires - a été inventé en Chine. La figurine entière est assemblée à partir de nombreuses pièces identiques (modules). Chaque module est plié selon les règles de l'origami classique à partir d'une feuille de papier, puis les modules sont reliés en les insérant les uns dans les autres. La force de frottement qui apparaît dans ce cas empêche la structure de s'effondrer.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/15

5. Papier mâché (fr. papier mâché « papier mâché ») - une masse facilement modelable obtenue à partir d'un mélange de matériaux fibreux (papier, carton) avec des adhésifs, de l'amidon, du gypse, etc. Les plâtres sont fabriqués à partir de papier mâché, masques, matériels pédagogiques, jouets, accessoires de théâtre, boîtes. Dans certains cas, même des meubles.
À Fedoskino, Palekh, Kholui, le papier mâché est utilisé pour constituer la base des miniatures traditionnelles en laque.
Vous pouvez décorer un flan de papier mâché non seulement avec des peintures, en peignant comme des artistes célèbres, mais aussi en utilisant le découpage ou l'assemblage.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/561

7. Gaufrage (un autre nom est « gaufrage ») - extrusion mécanique qui crée des images sur papier, carton, matériau polymère ou plastique, feuille, sur parchemin (la technique est appelée « parchemin », voir ci-dessous), ainsi que sur cuir ou écorce de bouleau, dans laquelle une image en relief d'un tampon convexe ou concave est obtenue sur le matériau lui-même, avec ou sans chauffage, parfois avec l'utilisation supplémentaire de papier d'aluminium et de peinture. Le gaufrage est réalisé principalement sur des couvertures de reliure, des cartes postales, Cartes d'invitation, étiquettes, emballages souples, etc.
Ce type de travail peut être déterminé par de nombreux facteurs : la force, la texture et l'épaisseur du matériau, la direction de sa découpe, la disposition et d'autres facteurs.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1626
Types :
- Parchemin - le papier parchemin (papier calque ciré épais) est traité avec un outil de gaufrage et pendant le traitement, il devient convexe et devient blanc. Cette technique produit des cartes postales intéressantes, et cette technique peut également être utilisée pour concevoir une page de scrapbooking.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1705
- Texturing - application d'une image à l'aide d'un cliché sur un matériau lisse, généralement du papier métallisé, afin d'imiter un dorure. Utilisé également pour imiter la peau de certaines races (par exemple, un cliché avec un motif imitant la peau de crocodile, etc.)

*Techniques liées au tissage :
L’homme a appris le tissage bien avant la poterie. Au début, il tissait une habitation à partir de longues branches flexibles (toits, clôtures, meubles), de toutes sortes de paniers pour divers besoins (berceaux, caisses, charrettes, pelles, paniers) et de chaussures. Un homme a appris à tresser ses cheveux.
Avec le développement de ce type de travaux d'aiguille, de plus en plus de matériaux différents sont apparus. Il s'est avéré que l'on peut tisser à partir de tout ce que l'on rencontre : à partir de vignes et de roseaux, de cordes et de fils, de cuir et d'écorce de bouleau, de fils et de perles, de journaux.... Techniques de tissage telles que le tissage de l'osier, le tissage du bouleau l'écorce et les roseaux sont apparus. , frivolité, tissage de macramé noué, tissage aux fuseaux, tissage de perles, ganutel, tissage de cordons kumihimo, tissage de cotte de mailles, tissage de filets, tissage de mandalas indiens, leurs imitations (tissage à partir de bandes de papier et d'emballages de bonbons, tissage à partir de journaux et de magazines )...
Il s'est avéré que ce type de travaux d'aiguille est toujours populaire, car en l'utilisant, vous pouvez tisser de nombreuses choses belles et utiles, en décorant notre maison avec.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/302

1. Les perles, comme les perles elles-mêmes, ont une histoire vieille de plusieurs siècles. Les anciens Égyptiens ont été les premiers à apprendre à tisser des fils de perles pour en faire des colliers, des bracelets en fil et à recouvrir les robes des femmes de filets de perles. Mais ce n’est qu’au XIXe siècle que la production de perles connut un véritable épanouissement. Pendant longtemps, les Vénitiens ont soigneusement gardé les secrets de la création d'un miracle du verre. Les maîtres et les artisanes décoraient des vêtements et des chaussures, des portefeuilles et des sacs à main, des étuis pour éventails et des étuis à lunettes, ainsi que d'autres objets élégants avec des perles.
Avec l’avènement des perles en Amérique, les peuples autochtones ont commencé à les utiliser à la place des matériaux indiens traditionnels. Pour ceinture rituelle, berceau, bandeau, corbeille, filet à cheveux, boucles d'oreilles, tabatières...
Dans le Grand Nord, les manteaux de fourrure, les bottes hautes en fourrure, les chapeaux, les harnais de renne, les lunettes de soleil en cuir étaient ornés de broderies de perles...
Nos arrière-grands-mères étaient très inventives. Parmi la grande variété de bibelots élégants, il y a des objets étonnants. Brosses et housses à craie, étuis à cure-dents (!), encrier, cure-crayon et crayon, collier pour votre chien préféré, porte-gobelet, colliers en dentelle, œufs de Pâques, échiquiers et bien plus encore.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1355

2. Ganutel - artisanat maltais exclusif. C'est dans les monastères de la Méditerranée que cette technique consistant à créer de belles fleurs pour décorer l'autel était encore préservée.
Le ganuteli utilise de fins fils en spirale et des fils de soie pour envelopper les pièces, ainsi que des perles, des perles ou des rocailles. Les fleurs brillantes s'avèrent gracieuses et légères.
Au XVIe siècle, le fil spiralé en or ou en argent était appelé « canutiglia » en italien et « canutillo » en espagnol ; en russe, ce mot a probablement été transformé en « gimp ».
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1170

3. Macramé (de l'arabe - tresse, frange, dentelle ou du turc - écharpe ou serviette avec frange) - technique de tissage de nœuds.
La technique de ce tissage de nœuds est connue depuis l’Antiquité. Selon certaines sources, le macramé est arrivé en Europe aux VIIIe et IXe siècles en provenance de l'Est. Cette technique était connue dans l’Égypte ancienne, en Assyrie, en Iran, au Pérou, en Chine et en Grèce antique.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/750

4. Tisser de la dentelle aux fuseaux. En Russie, les pêcheries de Vologda, Eletsky, Kirov, Belevsky, Mikhailovsky sont encore connues.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1687

5. La frivolité est une dentelle nouée tissée. On l'appelle aussi dentelle navette car cette dentelle est tissée à l'aide d'une navette spéciale.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1728

* Techniques liées à la peinture, divers types de peinture et création d'images :

Le dessin est un genre des arts visuels et une technique correspondante qui crée une image visuelle (image) sur n'importe quelle surface ou objet à l'aide de moyens graphiques, en dessinant des éléments (par opposition aux éléments picturaux), principalement à partir de lignes et de traits.
Par exemple : dessin au fusain, dessin au crayon, dessin à l'encre et à la plume...
La peinture est un type d'art associé à la transmission d'images visuelles par l'application de peintures sur une base solide ou flexible ; créer une image à l'aide de la technologie numérique; ainsi que des œuvres d'art réalisées de cette manière.
Les œuvres de peinture les plus courantes sont celles réalisées sur des surfaces planes ou presque planes, comme la toile tendue sur un châssis, le bois, le carton, le papier, les surfaces murales traitées, etc. La peinture comprend également les images réalisées avec des peintures sur des récipients décoratifs et cérémoniaux, le dont les surfaces peuvent avoir une forme complexe.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1218

1. Batik - tissu peint à la main à l'aide de composés de réserve.
La technique du batik est basée sur le fait que la paraffine, la colle de caoutchouc, ainsi que certaines autres résines et vernis, lorsqu'ils sont appliqués sur du tissu (soie, coton, laine, synthétiques), ne laissent pas passer la peinture - ou, comme disent les artistes , « réserve » de coloration de zones individuelles de tissu.
Il existe plusieurs types de batik - chaud, froid, noué, peinture libre, peinture libre à l'aide d'une solution saline, shibori.
Batik - batik est un mot indonésien. Traduit de l'indonésien, le mot « ba ​​» signifie tissu de coton et « -tik » signifie « point » ou « goutte ». Ambatik - dessiner, couvrir de gouttes, faire éclore.
La peinture batik est connue depuis longtemps parmi les peuples d'Indonésie, d'Inde, etc. En Europe - depuis le XXe siècle.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/916

2. Le vitrail (lat. Vitrum - verre) est l'un des types d'art décoratif. Le verre ou tout autre matériau transparent est le matériau principal. Depuis les temps anciens L'histoire du vitrail commence. Initialement, le verre était inséré dans une fenêtre ou une porte, puis les premières peintures en mosaïque et indépendantes compositions décoratives, panneaux fabriqués à partir de morceaux de verre colorés ou peints avec des peintures spéciales sur du verre ordinaire.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/886

3. Soufflage - une technique basée sur le soufflage de peinture à travers un tube (sur une feuille de papier). Ce technologie ancienneétait traditionnelle pour les créateurs d'images anciennes (des tubes en os étaient utilisés).
Les pailles à jus modernes ne sont pas pires à utiliser. Ils aident à créer des designs reconnaissables, inhabituels et parfois fantastiques à partir de matériaux immatériels. grande quantité peinture liquide sur une feuille de papier.

4. Guilloché - la technique de gravure manuelle d'un motif ajouré sur du tissu à l'aide d'une machine à brûler a été développée et brevetée par Zinaida Petrovna Kotenkova.
Le guillochage nécessite un travail minutieux. Il doit être réalisé dans une seule palette de couleurs et correspondre au style ornemental de la composition donnée.
Serviettes, panneaux avec appliqués, marque-pages, mouchoirs, colliers - tout cela et bien plus encore, quoi que suggère votre imagination, décorera n'importe quelle maison !
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1342

5. Grattage (du français gratter - gratter, gratter) - technique de grattage.
Le dessin est mis en valeur en grattant avec un stylo ou un instrument pointu sur du papier ou du carton rempli d'encre (pour éviter qu'il ne s'étale, il faut ajouter un peu de lessive ou de shampoing, quelques gouttes seulement).
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/686

6. La mosaïque est l’un des arts les plus anciens. C'est une façon de créer une image à partir de petits éléments. Assembler un puzzle est très important pour le développement mental d’un enfant.
Peut être fabriqué à partir de différents matériaux : capsules de bouteilles, perles, boutons, copeaux de plastique, coupes de bois de brindilles ou d'allumettes, pièces magnétiques, verre, pièces de céramique, petits cailloux, coquillages, mosaïque thermique, mosaïque Tetris, pièces de monnaie, morceaux de tissu ou de papier. , céréales, graines d'érable, pâtes alimentaires, toute matière naturelle (écailles de pommes de terre, aiguilles de pin, graines de pastèque et de melon), copeaux de crayon, plumes d'oiseaux, etc.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/438

7. Monotype (du grec monos - un, uni et tupos - empreinte) - l'une des techniques graphiques les plus simples.
Sur une surface de verre lisse ou du papier glacé épais (il ne doit pas laisser passer l'eau), un dessin est réalisé à l'aide de peinture ou de peintures à la gouache. Une feuille de papier est placée dessus et pressée contre la surface. L’impression résultante est une image miroir.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/663

8. Graphiques de fil (isothread, image de fil, conception de fil) - une image graphique réalisée de manière spéciale avec des fils sur du carton ou une autre base solide. Les graphiques de fil sont aussi parfois appelés isographies ou broderies sur carton. Vous pouvez également utiliser du velours (papier velours) ou du papier épais comme base. Les fils peuvent être des fils à coudre ordinaires, de la laine, du fil dentaire ou autres. Vous pouvez également utiliser des fils de soie colorés.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/452

9. Ornement (lat. ornamentum - décoration) - un motif basé sur la répétition et l'alternance de ses éléments constitutifs ; destiné à la décoration d'objets divers (ustensiles, outils et armes, textiles, meubles, livres, etc.), de structures architecturales (tant à l'extérieur qu'à l'intérieur), d'œuvres d'arts plastiques (principalement appliquées), chez les peuples primitifs également le corps humain lui-même (coloration, tatouage). Associé à la surface qu'il décore et organise visuellement, l'ornement révèle ou accentue en règle générale l'architectonique de l'objet sur lequel il est appliqué. L'ornement fonctionne soit avec des formes abstraites, soit stylise des motifs réels, les schématisant souvent au-delà de toute reconnaissance.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1222

10. Imprimez.
Types :
- Impression à l'éponge. Pour cela, une éponge de mer et une éponge ordinaire destinée à laver la vaisselle conviennent.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1094
Le bois est généralement utilisé comme matériau de départ pour l'estampage à l'aide d'un tampon cliché afin qu'il soit pratique à tenir dans la main. Un côté est rendu plat, car Du carton est collé dessus et des motifs sont collés sur le carton. Ils (les motifs) peuvent être fabriqués à partir de papier, de corde, d'une vieille gomme, de légumes-racines...
- Cachet (estampillage). Le bois est généralement utilisé comme matériau de départ pour l'estampage à l'aide d'un tampon cliché afin qu'il soit pratique à tenir dans la main. Un côté est rendu plat, car Du carton est collé dessus et des motifs sont collés sur le carton. Ils (les motifs) peuvent être fabriqués à partir de papier, de corde, d'une vieille gomme, de légumes-racines, etc.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1068

11. Le pointillisme (français Pointillisme, littéralement « pointer ») est un style d'écriture en peinture qui utilise des peintures pures qui ne se mélangent pas sur la palette, appliquées par petits traits de forme rectangulaire ou ronde, en comptant sur leur mélange optique dans le regard du spectateur. œil, par opposition à mélanger les peintures sur la palette. Le mélange optique de trois couleurs primaires (rouge, bleu, jaune) et de paires de couleurs supplémentaires (rouge - vert, bleu - orange, jaune - violet) donne une luminosité nettement supérieure à celle d'un mélange mécanique de pigments. Le mélange des couleurs pour former des nuances se produit à l'étape de perception de l'image par le spectateur à longue distance ou en vue réduite.
Le fondateur du style était Georges Seurat.
Un autre nom du pointillisme est le divisionnisme (du latin divisio - division, écrasement).
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/700

12. Dessiner avec les paumes. Les jeunes enfants ont du mal à utiliser un pinceau. Il s'agit d'une activité très excitante qui donnera à l'enfant de nouvelles sensations, développera sa motricité fine et lui donnera l'occasion de découvrir de nouvelles et monde magique la créativité artistique consiste à dessiner avec des paumes. En dessinant avec leurs paumes, les petits artistes développent leur imagination et leur pensée abstraite.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1315

13. Dessiner avec des empreintes de feuilles. Après avoir ramassé diverses feuilles mortes, enduisez chaque feuille de gouache du côté des nervures. Le papier sur lequel vous allez réaliser une impression peut être coloré ou blanc. Pressez le côté coloré de la feuille sur une feuille de papier et retirez-le délicatement en le saisissant par la « queue » (pétiole). Ce processus peut être répété encore et encore. Et maintenant, après avoir terminé les détails, vous avez déjà un papillon qui survole la fleur.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/667

14. Peinture. L'un des types les plus anciens d'artisanat populaire, qui fait depuis plusieurs siècles partie intégrante de la vie quotidienne et de la culture originale du peuple. Dans l'art populaire russe, il existe un grand nombre de variétés de ce type d'art décoratif et appliqué.
En voici quelques uns:
- La peinture de Zhostovo est un ancien artisanat populaire russe né au début du XIXe siècle, dans le village de Zhostovo, district de Mytishchi, région de Moscou. C’est l’un des types les plus célèbres de la peinture populaire russe. Les plateaux Zhostovo sont peints à la main. Habituellement, les bouquets de fleurs sont représentés sur fond noir.
- La peinture de Gorodets est un artisanat d'art populaire russe. Il existe depuis le milieu du XIXe siècle. dans la région de Gorodets. Tableau Gorodets lumineux et laconique (scènes de genre, figurines de chevaux, coqs, motifs floraux), réalisé d'un trait libre avec un contour graphique blanc et noir, décoré de rouets, de meubles, de volets et de portes.
- La peinture de Khokhloma est un ancien artisanat populaire russe, né au XVIIe siècle dans la région de Nijni Novgorod.
Khokhloma est une peinture décorative d'ustensiles et de meubles en bois, réalisée en noir et rouge (et aussi, parfois, vert) sur fond doré. Lors de la peinture, de la poudre d'étain argenté est appliquée sur le bois. Après cela, le produit est recouvert d'une composition spéciale et traité trois ou quatre fois au four, ce qui permet d'obtenir une couleur dorée miel unique, donnant aux ustensiles en bois clair un effet massif. Éléments traditionnels Khokhloma - baies rouges juteuses de sorbier des oiseleurs et de fraises, fleurs et branches. On y trouve souvent des oiseaux, des poissons et des animaux.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/301

15. L'encaustique (du grec ancien « l'art de brûler ») est une technique de peinture dans laquelle la cire est le liant de la peinture. La peinture se fait avec des peintures fondues (d'où son nom). Un type de peinture à l'encaustique est la détrempe à la cire, caractérisée par sa luminosité et la richesse de ses couleurs. De nombreuses icônes paléochrétiennes ont été peintes selon cette technique.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1485

*Techniques liées à la couture, à la broderie et à l'utilisation du tissu :
La couture est une forme familière du verbe « coudre », c'est-à-dire quelque chose qui est cousu ou cousu.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1136

2. Patchwork, Quilt, Quilting ou Patchwork est un art et artisanat populaire avec des traditions et des caractéristiques stylistiques vieilles de plusieurs siècles. Il s'agit d'une technique qui utilise des morceaux de tissus colorés ou des éléments tricotés aux formes géométriques pour être assemblés dans une couverture, un chemisier ou un sac.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1347
Types :
- L'artichaut est un type de patchwork qui doit son nom à sa ressemblance avec les fruits de l'artichaut. Cette technique a d'autres noms - « dents », « coins », « écailles », « plumes ».
En gros, dans cette technique, tout se résume à plier les pièces découpées et à les coudre sur la base dans un certain ordre. Ou, à l'aide de papier, créez (collez) divers panneaux de forme ronde (ou multifacettes) sur un plan ou en volume.
Vous pouvez coudre de deux manières : diriger le bord des flans vers le centre de la partie principale, ou vers ses bords. C'est si vous cousez un produit plat. Pour les produits de nature volumétrique - avec la pointe vers la partie la plus étroite. Les parties pliées ne sont pas nécessairement découpées en forme de carrés. Il peut s'agir de rectangles ou de cercles. Dans tous les cas, nous rencontrons le pliage de flans découpés, on peut donc affirmer que ces techniques de patchwork appartiennent à la famille des origami patchwork, et puisqu'elles créent du volume, donc à la technique « 3d ».
Exemple : http://stranamasterov.ru/node/137446?tid=1419
- Une courtepointe folle. Je suis récemment tombé sur ce type. À mon avis, il s'agit d'une multi-méthode.
L'essentiel est que le produit est créé à partir d'une combinaison de diverses techniques : patchwork + broderie + peinture, etc.
Exemple:

3. Tsumami Kanzashi. La technique Tsumami est basée sur l'origami. Seulement, ils ne plient pas du papier, mais des carrés de soie naturelle. Le mot « Tsumami » signifie « pincer » : l'artiste prélève un morceau de soie plié à l'aide d'une pince à épiler ou d'une pince à épiler. Les pétales des futures fleurs sont ensuite collées sur le socle.
L'épingle à cheveux (kanzashi), ornée d'une fleur en soie, a donné son nom à un tout nouveau type d'art décoratif et appliqué. Cette technique était utilisée pour réaliser des décorations pour peignes et bâtons individuels, ainsi que pour des structures complexes composées de divers accessoires.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1724

*Techniques liées au tricot :
Qu'est-ce que le tricot ? Il s'agit du processus de fabrication de produits à partir de fils continus en les pliant en boucles et en reliant les boucles les unes aux autres à l'aide d'outils simples à la main (un crochet, des aiguilles à tricoter).
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/729

1. Tricoter à la fourchette. Une façon intéressante de crocheter à l'aide d'un appareil spécial - une fourchette courbée en forme de lettre U. Le résultat est des motifs légers et aérés.
2. Crochet (tambour) - le processus de fabrication manuelle de tissu ou de dentelle à partir de fils à l'aide d'un crochet. créant non seulement des motifs denses et en relief, mais aussi des motifs fins et ajourés, rappelant le tissu en dentelle. Les modèles de tricot se composent de différentes combinaisons boucles et poteaux. Le rapport correct est que l'épaisseur du crochet doit être presque deux fois supérieure à l'épaisseur du fil.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/858
3. Le tricot simple (européen) vous permet de combiner plusieurs types de boucles, ce qui crée des motifs ajourés simples et complexes.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1157
4. Crochet long tunisien (une ou plusieurs boucles peuvent être utilisées en même temps pour créer un motif).
5. Tricot Jacquard - les motifs sont tricotés sur des aiguilles à tricoter à partir de fils de plusieurs couleurs.
6. Tricot en longe – imite la broderie en longe-guipure sur une maille spéciale.
7. Crochet guipure (dentelle irlandaise ou bruxelloise).

2. Sciage. Un type consiste à scier avec une scie sauteuse. En décorant votre maison et votre maison avec des produits faits à la main ou des jouets pour enfants pratiques au quotidien, vous ressentez la joie de l'apparence et le plaisir du processus de création.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1418

3. La sculpture est un type d’art décoratif et appliqué. Est l'un des types traitement artistique le bois ainsi que le sciage et le tournage.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1113

*Autres techniques autosuffisantes :
1. L'applique (du latin « attachement ») est une manière de travailler des pièces colorées de matériaux divers : papier, tissu, cuir, fourrure, feutre, perles colorées, perles de rocaille, fils de laine, plaques de métal en relief, toutes sortes de matériaux. (velours, satin, soie), feuilles séchées... Cette utilisation de matériaux et de structures variés afin de valoriser les capacités d'expression est très proche d'un autre moyen de représentation : le collage.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/364
Il y a aussi:
- Application de pâte à modeler - plasticineographie - un nouveau type d'art décoratif et appliqué. Il représente la création de peintures en stuc représentant des objets plus ou moins convexes et semi-volumineux sur une surface horizontale. À la base, il s’agit d’un type de peinture rarement vu et très expressif.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1243
- Application à partir de « paumes ». Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/612
- L'applique cassée est l'un des types de techniques d'applique aux multiples facettes. Tout est simple et accessible, comme poser une mosaïque. La base est une feuille de carton, le matériau est une feuille de papier de couleur déchirée en morceaux (plusieurs couleurs), l'outil est de la colle et vos mains. Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1346

2. Assemblage (assemblage français) - une technique d'art visuel liée au collage, mais utilisant des parties tridimensionnelles ou des objets entiers, disposés de manière applicative sur un plan comme une image. Permet des ajouts artistiques avec des peintures, ainsi qu'avec du métal, du bois, du tissu et d'autres structures. Parfois appliqué à d'autres œuvres, du photomontage aux compositions spatiales, puisque la terminologie des derniers arts visuels n'est pas complètement établie.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1412

3. Tunnel en papier. Le nom anglais original de cette technique est tunnel book, qui peut être traduit par livre ou tunnel papier. L'essence de la technique est clairement visible à partir du nom anglais tunnel - tunnel - through Hole. La nature multicouche des « livres » assemblés donne bien la sensation d’un tunnel. Une carte postale en trois dimensions apparaît. D'ailleurs, cette technique combine avec succès différents types de techniques, telles que le scrapbooking, l'applique, la découpe, la création de mises en page et de livres volumineux. Cela ressemble un peu à l'origami, parce que... vise à plier le papier d'une certaine manière.
Le premier tunnel en papier remonte au milieu du XVIIIe siècle. et était l'incarnation des scènes théâtrales.
Traditionnellement, les tunnels en papier sont créés pour commémorer un événement ou sont vendus comme souvenirs aux touristes.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1411

4. Couper est un terme très large.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/701
Découpé dans du papier, de la mousse plastique, du caoutchouc mousse, de l'écorce de bouleau, bouteilles en plastique, du savon, du contreplaqué (bien que cela soit déjà appelé sciage), des fruits et légumes, ainsi que d'autres matériaux divers. Divers outils sont utilisés : ciseaux, couteaux à planche à pain, scalpel. Ils découpent des masques, des chapeaux, des jouets, des cartes postales, des panneaux, des fleurs, des figurines et bien plus encore.
Types :
- La découpe de silhouette est une technique de découpe dans laquelle des objets de structure asymétrique, aux contours courbes (poissons, oiseaux, animaux, etc.), aux contours complexes de figures et aux transitions douces d'une partie à l'autre, sont découpés à l'œil nu. Les silhouettes sont facilement reconnaissables et expressives, elles doivent être sans petits détails et comme si elles étaient en mouvement. Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1416
- La coupe est symétrique. Avec une découpe symétrique, nous répétons les contours de l'image, qui doivent s'insérer exactement dans le plan d'une feuille de papier pliée en deux, compliquant systématiquement le contour de la figure afin de transmettre correctement les caractéristiques extérieures des objets sous une forme stylisée dans les appliqués.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/466
- Vytynanka - l'art de découper des motifs ajourés dans du papier coloré, blanc ou noir existe depuis l'invention du papier en Chine. Et ce type de coupe est devenu connu sous le nom de jianzhi. Cet art s'est répandu dans le monde entier : Chine, Japon, Vietnam, Mexique, Danemark, Finlande, Allemagne, Ukraine, Lituanie et bien d'autres pays.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/563
- Sculpture (voir ci-dessous).

5. Le découpage (du français découpage - nom, « ce qui est découpé ») est une technique de décoration, d'applique, de décoration utilisant des motifs en papier découpés. Paysans chinois au XIIe siècle. Ils ont commencé à décorer les meubles de cette manière. Et en plus de découper des images dans du papier fin coloré, ils ont commencé à le recouvrir de vernis pour le faire ressembler à un tableau ! Ainsi, avec de beaux meubles, cet équipement est également arrivé en Europe.
Aujourd'hui, le matériau le plus populaire pour le découpage est les serviettes à trois couches. D'où un autre nom - "technique des serviettes". L'application peut être absolument illimitée : vaisselle, livres, boîtes, bougies, récipients, instruments de musique, des pots de fleurs, des bouteilles, des meubles, des chaussures et même des vêtements ! Toute surface - cuir, bois, métal, céramique, carton, textiles, plâtre - doit être unie et légère, car... le motif découpé dans la serviette doit être clairement visible.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/722

6. La sculpture (de l'anglais carvу - couper, tailler, graver, trancher ; la sculpture - sculpture, travail sculpté, ornement sculpté, figure sculptée) en cuisine est la forme la plus simple de sculpture ou de gravure sur la surface de produits à base de légumes et de fruits, une telle table de décorations éphémères.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1339

7. Le collage est un genre créatif lorsqu'une œuvre est créée à partir d'une grande variété d'images découpées et collées sur papier, toile ou numériquement. Vient du fr. papier collée - papier collé. Très vite, ce concept a commencé à être utilisé dans un sens élargi - un mélange de divers éléments, un message lumineux et expressif provenant de fragments d'autres textes, de fragments collectés sur un seul plan.
Le collage peut être complété par tout autre moyen - encre, aquarelle, etc.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/324

8. Constructeur (du latin constructeur « constructeur ») est un terme à valeurs multiples. Pour notre profil, il s'agit d'un ensemble de pièces d'accouplement. c'est-à-dire des détails ou des éléments d'une mise en page future, dont les informations ont été collectées par l'auteur, analysées et incorporées dans un beau produit artistiquement exécuté.
Les concepteurs diffèrent par le type de matériau - métal, bois, plastique et même papier (par exemple, modules origami en papier). Lorsque différents types d’éléments sont combinés, des designs intéressants pour les jeux et le plaisir sont créés.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/984

9. Modelage - donner forme à une matière plastique (pâte à modeler, argile, plastique, pâte à sel, boule de neige, sable, etc.) à l'aide des mains et d'outils auxiliaires. C'est l'une des techniques de base de la sculpture, qui vise à maîtriser les principes premiers de cette technique.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/670

10. Une mise en page est une copie d'un objet avec un changement de taille (généralement réduit), réalisée en conservant ses proportions. La mise en page doit également transmettre les principales caractéristiques de l'objet.
Pour créer cette œuvre unique, vous pouvez utiliser divers matériaux, tout dépend de sa destination fonctionnelle (aménagement d'exposition, cadeau, présentation, etc.). Il peut s'agir de papier, de carton, de contreplaqué, de blocs de bois, de pièces en plâtre et en argile, de fil.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1397
Le type de mise en page - modèle - est une mise en page de travail qui représente (imite) toutes les caractéristiques importantes de l'original. De plus, l'attention se concentre sur certains aspects de l'objet modélisé ou, à un degré égal, sur ses détails. Le modèle est créé pour être utilisé, par exemple, pour l'enseignement sur modèle visuel des mathématiques, de la physique, de la chimie et d'autres matières scolaires, pour un club maritime ou aéronautique. Divers matériaux sont utilisés dans le modelage : ballons, masses légères et plastiques, cire, argile, gypse, papier mâché, pâte à sel, papier, mousse plastique, caoutchouc mousse, allumettes, fils à tricoter, tissu...
La modélisation est la création d'un modèle fiable et proche de l'original.
Les « modèles » sont les mises en page en vigueur. Et les modèles qui ne fonctionnent pas, c'est-à-dire "brin" - généralement appelé mise en page.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1353

11. Fabrication de savon. Les graisses animales et végétales, les substituts de graisses (acides gras synthétiques, colophane, acides naphténiques, tallol) peuvent être utilisés comme matières premières pour obtenir le composant principal du savon.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1631

12. Sculpture (latin sculptura, de sculpo - je coupe, sculpte) - sculpture, plastique - un type d'art dont les œuvres ont une forme tridimensionnelle et sont constituées de matériaux durs ou plastiques (métal, pierre, argile , bois, plâtre, glace, neige, sable, caoutchouc mousse, savon). Méthodes de traitement - modelage, sculpture, moulage, forgeage, gaufrage, sculpture, etc.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1399

13. Tissage - production de tissus et textiles à partir de fils.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1318

14. Feutrage (ou feutrage, ou feutrage) – laine à feutrer. Il y a « humide » et « sec ».
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/736

15. Le gaufrage à plat est l'un des types d'art décoratif et appliqué, en supprimant un certain relief ornemental, un dessin, une inscription ou une image ronde, parfois proche de la gravure, sur une plaque, une nouvelle œuvre d'art est créée .
Le traitement du matériau est effectué à l'aide d'une tige - un marteau placé verticalement et dont l'extrémité supérieure est frappée avec un marteau. Le déplacement de la monnaie apparaît progressivement nouvelle forme. Le matériau doit avoir une certaine plasticité et la capacité de se modifier sous l'influence de la force.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1421

En conclusion, il convient de noter que la division (combinaison selon n'importe quel critère) de la plupart des techniques est conditionnelle (subjective), et de nombreuses techniques de créativité appliquée sont multi-techniques, c'est-à-dire qu'elles combinent plusieurs types de techniques.

Bonne créativité à tous !
Votre Margarita.

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L'article examine deux types de créativité : les arts décoratifs et appliqués, basés sur les traditions, et le design, basé sur des activités de projet. Une brève description des arts décoratifs et appliqués et de l'approche conceptuelle de l'activité créative est donnée. Des exemples sont donnés à partir de l'histoire du développement du design dans fin XIX début du 20ème siècle. L'attention se porte sur des théoriciens et praticiens célèbres dans le domaine des arts appliqués et du design, tels que W. Morris et J. Ruskin. La relation entre les arts décoratifs et appliqués et les activités de design est considérée. Les traits caractéristiques des arts décoratifs et appliqués sont pris en compte : caractère collectif, continuité des générations, préservation des traditions. Les similitudes et les différences entre les arts appliqués et le design sont présentées. Les caractéristiques et le contenu de la formation des bacheliers en design dans le profil « Design Graphique » sont révélés à l'aide de l'exemple de l'Université Pédagogique Humanitaire de l'Amour. Le rôle des activités en classe et parascolaires est révélé, notamment la participation des bacheliers en design aux activités d'exposition. Certains sujets des travaux de qualification finale sont donnés. Diverses formes d'organisation de cours d'arts décoratifs et appliqués sont présentées sur la base de la Faculté de technologie, d'économie et de design pour la formation de designer professionnel.

l'artisanat

éducation au design

traits caractéristiques des arts décoratifs et appliqués

1. Aslanova E.S. Composante régionale dans l'enseignement du design. // Innovations dans l'espace socioculturel : matériaux de la VII Internationale. scientifique-pratique Conf., 24 avril 2014. Deuxieme PARTIE. – Blagovechtchensk : Maison d'édition de l'État de l'Amour. Univ., 2014. – pp. 86-92.

2. Voronov N.V. Essais sur l'histoire du design domestique : design russe / N.V. Voronov. – M. : « Union des designers de Russie », 2001. – 392 p.

3. Degtyarenko V.M., Bavykin V.S., Shumeiko A.A. Le rôle et l'importance de la créativité technique dans la formation technologique des bacheliers en enseignement technologique. // Actualités de l'Université d'État de Sotchi. – 2013. – N° 1-1. – p. 91-97.

4. Mazina Yu.I. Traditions nationales arts décoratifs et appliqués dans le design moderne : mémoire... candidat en histoire de l'art : 17.00.04 / Mazina Yu.I. – Barnaoul, 2012. – 211 p.

5. Marchenko M.N. L'influence des activités de design sur le développement des capacités créatives des étudiants. // Revue internationale d'éducation expérimentale. – 2013. – N° 11-3. – p. 201-203.

6. Shumeiko A.A. Mécanismes de mise à jour de l'enseignement professionnel et pédagogique supérieur / A.A. Choumeiko // Amourski bulletin scientifique. Vol. 2 : recueil d’ouvrages scientifiques. – Komsomolsk-sur-Amour : AmGPGU, 2009. – P. 6-12.

La richesse spirituelle du peuple réside dans les valeurs historiques et artistiques, qui sont constamment reconstituées avec de nouvelles œuvres d'art de maîtres modernes et agissent comme un processus holistique unique dans le développement de la culture russe. Une place particulière y est occupée par les arts décoratifs et appliqués, domaine d'activité humaine artistique et créative dans lequel sont créés des objets utilitaires originaux, uniques par leur forme et leur décor. Le patrimoine culturel de chaque nation contient des idées et des expériences qui enrichissent la vie de nombreuses générations. Dans l'histoire culture artistique Les arts décoratifs et appliqués occupent une place particulière. Il témoigne de la haute culture, des traditions et de la vision du monde de divers peuples.

L'art décoratif et appliqué contemporain des peuples de Russie et d'Extrême-Orient connaît une période de recherche créatrice active. Le processus de développement des arts décoratifs et appliqués favorise la création de conditions optimales pour la créativité par l'étude directe des traditions des peuples, la compréhension des bases de l'artisanat, l'éducation aux directives du goût, la conception de produits et de collections originaux.

Le développement des relations marchandes nécessite un grand nombre de professionnels capables d'organiser efficacement l'environnement concerné et de concevoir des produits nationaux compétitifs en améliorant leurs qualités esthétiques.

Actuellement, l'enseignement du design est l'un des domaines prioritaires de l'enseignement professionnel supérieur. Le métier de designer est prestigieux et recherché dans la société. Cette situation contribue à attirer l'attention sur les questions de formation professionnelle des designers dans une région particulière, sa structure, son contenu et l'organisation du processus éducatif.

Les recherches prédictives modernes dans le domaine de la philosophie du design et de la créativité artistique (Voronov N.V., Kagan M.S., Kozhukhovskaya S.M., V.F. Sidorenko, A.G. Ustinov, Kh.G. Thagapsoev, etc.) montrent que la nouvelle éducation doit concentrer son attention, ainsi que la formation professionnelle, sur le développement de l'individu et de ses capacités créatrices.

Le développement de l'approche du design dans l'activité créative a été souligné par le célèbre historien et théoricien de l'art et du design N.V. Voronov : « Une génération non seulement d'individus soucieux du design serait née, mais, en comprenant le problème plus largement, une génération d'individus, d'intellectuels, capables d'élever à un nouveau niveau non seulement l'industrie ou la machine d'État, mais aussi l'ensemble de l'économie. culture de la nation. Alors le chemin du progrès dans tous les domaines deviendrait imparable et ininterrompu, et la stagnation et la régression deviendraient impossibles.

L'émergence de nouveaux moyens visuels d'affichage de la réalité change la nature de l'activité de conception. A côté de ses types traditionnels (publicité, conception graphique, etc.), la conception Web, la conception de communications, la conception de systèmes d'apprentissage interactifs, etc. se développent activement. Les technologies informatiques modernes ont complété et enrichi les capacités visuelles des activités artistiques et de conception. Les types traditionnels d'activités de conception incluent des fonctions informationnelles et communicatives. Selon les scientifiques, les facteurs externes influençant le développement des capacités créatives comprennent les exigences de l'activité dans laquelle elles sont mises en œuvre.

Les types de créativité, y compris la créativité appliquée, sont étroitement liés aux activités de conception. Dans l’histoire du design, on trouve de nombreux exemples frappants démontrant l’influence du travail manuel de l’artisan sur le développement du design industriel. Ainsi, le philosophe et théoricien de l’art anglais John Ruskin (1819-1900) a donné à l’art le rôle d’un facteur moral dans la société. Il s’opposait à la production mécanique, soulignant son pouvoir destructeur. Ainsi, D. Ruskin et ses disciples ont attiré l'attention du public sur l'art appliqué aux objets de la vie quotidienne. Artiste anglais dans le domaine des arts appliqués, écrivain, personnalité publique - William Morris - fondateur du mouvement Arts and Crafts, a également apporté une contribution significative au développement du design au XIXe siècle. Ses idées sur l'entrée de l'esthétique dans la production, le lien entre le matériau et la fabrication d'un objet, la correspondance de la forme, de la décoration et de la finition d'un objet avec son objectif sont pertinentes dans la créativité du design moderne. Ainsi, la relation entre les arts décoratifs et appliqués et le design est évidente et réside dans la formation du monde des choses, une vision holistique culture matérielle société. Les différences résident dans le fait que les arts décoratifs et appliqués sont un art populaire qui présente des traits caractéristiques : caractère collectif, continuité des générations et préservation des traditions, et le design est une activité, avant tout le design, visant à créer des choses nouvelles et originales, c'est-à-dire , avenir.

Depuis 2008, Amour Pédagogique Humanitaire Université d'État assure la formation des bacheliers en design, et depuis 2011 - des bacheliers en design dans le profil « Design Graphique ». A noter que la formation des étudiants dans le cadre de la direction « Design » s'appuie sur l'expérience accumulée de la Faculté de Technologie, d'Économie, de Design dans le domaine de la créativité technique et appliquée.

Le domaine d'activité professionnelle d'un baccalauréat dans le domaine de préparation 54.03.01 « Design » comprend des activités créatives pour créer un environnement sujet-spatial esthétiquement expressif, intégrant des activités artistiques, d'ingénierie, de conception, scientifiques et pédagogiques visant à créer et à améliorer produits nationaux hautement esthétiques et compétitifs qui contribuent au développement de l'économie, en améliorant le niveau de culture et de vie de la population. Les principales activités du baccalauréat en design dans le profil « Design graphique », outre la recherche artistique, design, informatique, organisationnelle et managériale, scientifique, sont également activité pédagogique. La capacité d'exercer des fonctions pédagogiques dans le système d'organisations éducatives de divers types est associée au contenu de la formation psychologique et pédagogique des bacheliers en design.

Selon Shumeiko A.A., la tâche principale assignée au personnel enseignant de l'université est la création d'un système cohérent de formation et de recyclage du personnel visant à accroître son développement professionnel et personnel.

Les arts décoratifs et appliqués sont étroitement liés à la formation du goût artistique, des valeurs, des idées générales sur les lois de création d'un environnement sujet-spatial, stockent et transmettent les technologies traditionnelles de l'artisanat artistique populaire dans l'espace socioculturel moderne. Les arts décoratifs et appliqués ainsi que les arts et métiers populaires des peuples de Russie et d'Extrême-Orient occupent une place particulière dans formation professionnelle Baccalauréat en design. Le programme de la direction « Design », élaboré conformément à la norme éducative de l'État fédéral et au programme de formation générale de l'enseignement supérieur, comprend des disciplines qui sont incluses dans la partie variable de la norme : « Pratique pédagogique », « Atelier », « Fondamentaux des arts décoratifs et appliqués », « Ingénierie du design », « Exécution de projets en matière », etc. La liste des disciplines ci-dessus n'est pas fortuite, puisque les futurs bacheliers en design doivent être prêts à une activité créative dans un environnement en constante évolution et qualitativement environnement sujet-spatial changeant visant à créer et à améliorer des produits nationaux hautement esthétiques et compétitifs qui contribuent au développement économique de la région, en améliorant le niveau de culture et de vie de la population. Grâce à la maîtrise des disciplines, les bacheliers en design développent des compétences culturelles générales, professionnelles générales et professionnelles.

Les programmes de travail des disciplines sont conçus de manière à donner à chaque étudiant la possibilité d'étudier les cours proposés non seulement dans le cadre de cours magistraux et de travaux pratiques en laboratoire en classe, mais également d'étudier de manière indépendante des sujets en dehors des cours. Ce type travail indépendant active les activités des étudiants dans le sens de la sélection et de la systématisation du matériel via Internet, les bibliothèques électroniques et scientifiques situées dans les musées universitaires et municipaux.

Un élément obligatoire de la formation des bacheliers en design est l'organisation de cours sous la direction de membres des Unions des artistes de Russie. Ces cours visent à développer le potentiel créatif et à révéler les capacités cognitives des élèves. L'acquisition de compétences professionnelles dans le domaine de l'enseignement du design nécessite une formation à la recherche, l'approfondissement, l'expansion et la systématisation des connaissances, des aptitudes et des aptitudes acquises et l'amélioration des compétences acquises.

L'initiation aux arts décoratifs et appliqués traditionnels de Russie et d'Extrême-Orient s'effectue à travers des excursions dans des musées, des salles d'exposition, des galeries de la ville, des visites de master classes de maîtres et d'artistes, une participation directe à des concours, des expositions et des activités scientifiques. La concentration dans les musées d'expositions uniques, représentées par des collections d'art populaire et moderne de l'Amour, permet d'utiliser largement et pleinement les capacités de ces institutions dans processus éducatif université Les excursions virtuelles permettent de toucher à l'art traditionnel de la région de l'Amour, aux peuples vivant historiquement sur le territoire du territoire de Khabarovsk et appartenant à des peuples nomades et semi-sédentaires. La coexistence des peuples indigènes de l'Amour avec des colons russes, ukrainiens, biélorusses et coréens sur le territoire de l'Extrême-Orient permet de retracer les traditions, les besoins, les raisons, les conditions de la formation et du développement de la culture de l'Extrême-Orient. dans le cadre de la culture multinationale russe et mondiale.

L'élargissement et l'enrichissement de l'expérience des étudiants s'effectuent à travers des conférences et des cours pratiques, qui abordent des questions de théorie, d'histoire et de pratique de l'art en Russie et en Extrême-Orient, des sujets liés à la créativité, aux traditions culturelles et aux rituels des peuples, aux caractéristiques technologiques de l'art. transformation de divers matériaux : peau de poisson, textiles, matériaux naturels, conception et fabrication d'échantillons et de produits de style national.

Lors de la conduite des cours, des formes et méthodes de travail actives sont utilisées : cours pratiques intégrés, master classes, soutenance de projets de conception, excursions pédagogiques, séminaires, jeux d'entreprise et autres. L'apprentissage axé sur la pratique permet aux étudiants de transformer des connaissances créatives en croyances, de prendre une position active de l'individu dans le processus éducatif, de construire relations sociales dans les activités professionnelles d'un designer.

La maîtrise des arts et métiers populaires vise à approfondir les connaissances théoriques avec la formation ultérieure de compétences pratiques. L'art traditionnel de la région de l'Amour ouvre de grandes opportunités pour une large implication des étudiants dans les activités artistiques et la créativité du design moderne. L'ornement des peuples de Russie et de la région de l'Amour est l'une des principales composantes de l'art décoratif des peuples de l'Amour avec sa propre sémantique et son symbolisme. Sa structure, sa composition et son style contiennent les coordonnées de valeur de la créativité artistique, un modèle unique d'harmonisation du monde environnant, dans lequel les rêves d'harmonie de la nature et de l'homme s'expriment dans un langage graphique et pictural conventionnel.

L'étude de la technologie du traitement artistique des matières textiles est réalisée dans le cadre de cours pratiques sur l'exemple d'échantillons traditionnels et de produits de créateurs. Les vêtements traditionnels sont l’un des éléments les plus anciens et font partie intégrante de la culture de tout groupe ethnique. Les vêtements traditionnels des peuples de Russie et de la région de l'Amour constituent, au contact visuel, un critère permettant de classer celui qui les porte dans une communauté historique spécifique. Les étudiants se voient proposer les meilleurs exemples de produits avec broderie traditionnelle, réalisés avec des coutures à chaîne simple, à chaîne double, au point satin, en boucle et autres, qui démontrent clairement le respect des canons esthétiques et des approches créatives des maîtres. La connaissance des arts appliqués aide à consolider dans sa propre pratique les techniques de conception artistique de produits, de collections et d’ensembles de créateurs qui combinent de manière vivante les arts et l’artisanat du design traditionnels et modernes.

La gamme de produits fabriqués par les étudiants est variée et est représentée par les types de produits suivants : souvenirs (aimants, médailles d'anniversaire), échantillons de vêtements et broderies, accessoires (portefeuilles décoratifs, sacs à main, ceintures, colliers, bijoux), panneaux décoratifs, etc.

Depuis 2013, l'exposition internationale virtuelle des étudiants en art « Asie : Commonwealth des cultures » est organisée et tenue à l'université, dont l'un des domaines importants est l'art décoratif et appliqué. Sujets travaux de concours les étudiants de la Faculté de Technologie, d'Économie, de Design sont très diversifiés et constamment mis à jour : « Symbolisme de l'ornement russe », « Souvenir russe », « Monde russe », « Poupées traditionnelles », « Bonheur des femmes », « Bonheur de la famille » et autres .

La participation active des étudiants aux expositions et concours de différents niveaux organisés dans les villes de Moscou, Saint-Pétersbourg, Blagoveshchensk et autres leur permet d'améliorer constamment leurs activités de conception indépendantes.

Le travail final de qualification fait partie intégrante de la certification finale du diplômé, qui complète la formation de licence et démontre sa capacité à résoudre des problèmes théoriques et pratiques. Certains sujets du travail de licence en arts décoratifs et appliqués doivent être répertoriés : « L'émail à chaud en tant qu'élément de décoration intérieure de la salle du Conseil académique du FSBEI HPE « Université pédagogique d'État d'Amsk », « Développement d'un projet de décoration intérieure pour une salle de banquet avec l'introduction de produits utilisant la technique de l'émail à chaud », « Collection d'accessoires aux motifs nationaux », « Vitraux décoratifs à l'intérieur de l'université », « La sculpture du paysage comme élément de conception de l'environnement urbain » et d'autres. Sélection de thèmes papiers de fin d'études en raison de la pertinence, de la demande et de la mise en œuvre de projets de conception dans l'environnement. Recherche est basé sur le respect de la technologie et est réalisé selon les croquis de l’auteur développés en utilisant des techniques modernes. logiciels d'ordinateur Adobe Photoshop, Adobe Illustrator, Corel Draw, en tenant compte de l'analyse des tendances actuelles dans le développement des arts appliqués, du design et de leur lien avec l'environnement sujet-spatial.

Ainsi, en conclusion, nous pouvons conclure que les arts décoratifs et le design présentent à la fois des similitudes et des différences, et que la participation active des bacheliers en design dans différentes sortes et les formes d'activité créative traditionnelle, permettront la formation d'un designer professionnel capable de transmettre la culture originale du peuple dans l'environnement sujet-spatial environnant.

Lien bibliographique

Aslanova E.S., Shumeiko A.A. TRADITIONS DES ARTS DÉCORATIFS ET APPLIQUÉS DANS LES ACTIVITÉS DE CONCEPTION DES BACHELORS EN DESIGN // Problèmes modernes de la science et de l'éducation. – 2015. – n° 6. ;
URL : http://science-education.ru/ru/article/view?id=23863 (date d'accès : 04/06/2019). Nous portons à votre connaissance les magazines édités par la maison d'édition "Académie des Sciences Naturelles"