Jusqu’à récemment, les beaux-arts russes étaient une fusion organique des cultures artistiques nationales. Parlant des écoles nationales, on pourrait citer les principales qualités de chacune d'elles. Par exemple, signalons le psychologisme traditionnel de l'école russe ; émotivité et lyrisme – ukrainien ; caractère dramatique et même, comme le notent les chercheurs, tragédie héroïque - biélorusse ; un sens élevé du monumentalisme – géorgien ; décoration joyeuse - écoles moldaves ou arméniennes ; une proximité particulière avec origines folkloriques– écoles lituaniennes, kirghizes, ouzbèkes ; esprit rationnel-intellectuel - école estonienne, etc. Mais il s’agirait bien entendu de caractéristiques très limitées, unilatérales et donc généralement incorrectes. Chacune des écoles nationales, avec sa spécificité figurative et stylistique complexe dans ses différentes formes, techniques et stylistiques, est restée fidèle aux principaux idéaux humains.
Il faut dire que malgré toutes les difficultés du développement historique de notre société : de la guerre civile à la Grande Guerre patriotique, de la famine de la fin des années 1920 - début des années 1930. à l'économie détruite d'après-guerre, des mensonges et des mensonges de la politique de l'État totalitaire - à la « révolution » du début des années 1990, dans le cadre de libertés strictement limitées " réalisme socialiste« - avec tout cela, nous l'admettons, des maîtres remarquables ont créé de nombreuses œuvres d'art merveilleuses (et combien d'autres auraient été créées par ceux qui ont sombré dans l'oubli pendant les années de répression ou ont brûlé dans le feu de la Grande Guerre patriotique !). Et cela doit être rappelé.
L'image montrée ici vie artistique reflète l’état de l’art avant la période dramatique de l’effondrement de l’URSS. Le créateur du manuel de l'auteur ne peut s'empêcher d'exprimer sa position concernant l'évolution ultérieure de la situation de la vie artistique de la Russie sur le territoire de ses anciennes républiques. On ne peut nier que l'incroyable essor de tous les arts dans les républiques nationales de l'URSS, l'émergence de couches entières de culture - de l'écrit au visuel - ont été possibles grâce au rôle culturel « nourricier » de la culture russe, grâce aux même les efforts sacrificiels des représentants de l'intelligentsia russe. Après l'effondrement de l'Union soviétique, certaines élites nationales des États nouvellement créés sur son ancien territoire ont généralement fait preuve d'égoïsme et d'ingratitude, essayant d'effacer le rôle du peuple russe et de sa culture dans la vie de leur pays, et dans certains livres et manuels scolaires, ils les appelaient même les occupants russes. Nous devons admettre que le projet communiste de créer une nation soviétique unique n’a pas abouti ; en fait, seuls les Russes ont été élevés dans les idéaux d’amitié entre les peuples, d’abnégation et de « devoir international » abstrait. Mais espérons que les « moulins de l’histoire » broyeront les calomnies et les falsifications et, au fil du temps, le rôle de la culture russe au XXe siècle. sera apprécié « des froides roches finlandaises aux ardentes Colchides ». Cela ne veut pas dire que cela fausserait le processus de développement de la culture artistique à l’avenir.
En raison de la perturbation et de la perturbation des liens culturels établis entre les républiques, nous ne pouvons pas juger des processus artistiques qui s'y déroulent actuellement, nous pouvons donc parler de l'art de la dernière décennie du 20e - début du 21e siècle. et – déjà seulement la Russie.
La dite art post-soviétique Le tournant du siècle s’inscrit dans un laps de temps trop restreint pour qu’il soit possible de sélectionner n’importe quel nom pour un tableau historique objectif (si possible). Seul l’avenir remettra chaque chose à sa place et permettra à l’historien de l’art de tirer les bonnes conclusions et de porter les bonnes appréciations. Mais il est déjà possible d’esquisser les principaux problèmes.
Et l'un de ces problèmes concerne peinture religieuse, qui, pour la première fois dans l’histoire moderne de notre État, s’est déclarée dans les années 1990. C'est alors, au cours des années de déclin rapide du niveau moral de la société, que l'ancienne génération d'artistes non seulement pleinement établis, mais aussi ceux au zénith de leur renommée, se tourna de plus en plus vers histoires chrétiennes V peinture sur chevalet(thèmes du Golgotha par E. Moiseenko et A. Mylnikov," Mémoire éternelle... " V. Ivanova, " L'Annonciation " (voir encart couleur) et " Judas " de G. Korzhev, " La Cène " et " Portant la Croix " du peintre d'une jeune génération N. Nesterova ; même le la "Chapelle Nord" antérieure de V. Popkova peut être mentionnée dans cette série). Mais il s'est avéré que le mot principal ici n'appartenait pas aux peintres de chevalet, mais aux monumentalistes.
La peinture religieuse orthodoxe russe, qui a connu son plus grand épanouissement au Moyen Âge, a poursuivi son développement dans le cadre de l'art académique et a trouvé des chercheurs sérieux au tournant des XIXe et XXe siècles, a cessé d'exister en 1917. La politique étatique de l'athéisme , ayant porté un coup dur à l'orthodoxie, interrompit ainsi à la fois le développement de la peinture d'icônes et la construction de temples. Néanmoins, de grands historiens de l'art russes (Olsufyev, Grabar, Lazarev, Alpatov, etc.) se sont engagés dans la recherche d'icônes anciennes (c'est ainsi que furent retrouvées, par exemple, les icônes Roublev de l'iconostase de la cathédrale de l'Assomption de Vladimir en 1922) et leur restauration.
Le dernier quart du XXe et la première décennie du XXIe siècle. – une nouvelle page dans le développement de la peinture orthodoxe en Russie. En 1989, la Fondation indépendante pour la renaissance de l’art religieux a été créée à Moscou. Dans le cadre de la célébration du millénaire du baptême de la Russie, une exposition a été organisée à Moscou " Icône moderne", en 1997 - à l'occasion du 850e anniversaire de Moscou - l'exposition "L'icône russe de la fin du XXe siècle", présentant différentes orientations dans le développement des icônes, à commencer par Byzance. Une attention particulière a été attirée sur le groupe d'icônes de la « direction populaire », issue de l'image populaire, lubka. D'importants peintres d'icônes avec leur propre école sont apparus, ayant du succès à l'étranger (par exemple, l'archimandrite père Zinon, mentionné précédemment, à Moscou, en 2000, il y en avait plus de 30). ateliers de peinture d'icônes. À Saint-Pétersbourg, les principales écoles étaient les ateliers de peinture d'icônes de l'Académie théologique et du séminaire (dirigé par l'abbé Alexandre) et l'atelier de peinture et de restauration d'icônes de la Laure Alexandre Nevski (dirigé par D. Mironenko). ), sans compter les nombreux ateliers dans les monastères et les fermes, la première galerie russe de peinture d'icônes moderne, « Icône russe » (2003), est apparue dans la capitale du Nord, avec des œuvres d'artistes de Moscou, Saint-Pétersbourg, Iaroslavl, Novgorod, Pskov, Tver, etc. L'école de Saint-Pétersbourg a généralement démontré une variété de tendances stylistiques. Expositions 1994, 1999, 2000, 2001 artistes unis non seulement de différentes générations et de différentes tendances stylistiques, mais aussi différents types et genres d'art : à côté des peintres d'icônes, il y avait des muralistes, des artistes de divers types d'art appliqué, comme les émailleurs, et, en règle générale, toujours d'un niveau professionnel élevé.
En 2002, outre les icônes de Saint-Pétersbourg, de Moscou, du Nord-Ouest, etc., au Musée des arts appliqués de l'Académie nationale des arts de Saint-Pétersbourg, du nom du baron A. L. Stieglitz, pour la première fois, des icônes de Saint-Pétersbourg Pétersbourg, Moscou, le Nord-Ouest, etc. fresques, mosaïques, copies de maîtres anciens et leurs propres œuvres. L’exposition a clairement démontré la profonde compréhension des artistes de l’icône, leur étude de son canon et la signification de l’espace du temple pour elle. Mais surtout, il a révélé deux grandes orientations de l'art religieux : l'une - depuis ses origines, Byzance et Rus antique, l'autre vient du soi-disant art période synodale. Cette direction de la peinture religieuse se distingue par son appel aux traditions de l'art d'Europe occidentale (« l'école de Bologne ») et aux traditions académiques nationales (un exemple est l'iconographie de Borovikovsky dans la cathédrale de Moguilev ou ses icônes dans la cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg). .Pétersbourg). Les travaux de V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, dans des centres de peinture d'icônes tels que Palekh et Mstera, sont particulièrement intéressants parmi les artistes de cette tendance, précisément parce qu'ils relient chacun à leur manière ces traditions (V. Lebedev. "Jean le théologien", icône de Mstera, début du XXIe siècle ; voir encart couleur). Quelle méthode est la plus correcte ? Il n'y a pas de réponse claire à cette question. Les peintres d'icônes recherchent leur propre expression moderne dans les deux cas : lorsqu'ils se tournent vers des sources russes anciennes et lorsqu'ils cherchent un terrain dans l'académisme. V. M. Vasnetsov lui-même, après avoir travaillé à la cathédrale Vladimir de Kiev, a écrit qu'il ressentait de l'insatisfaction et un «éloignement» de l'authentique, de sorte que les peintres d'icônes modernes ont encore de nombreux problèmes à résoudre.
Les peintres et restaurateurs d'icônes modernes ont commencé à acquérir une renommée à l'étranger (par exemple, E. Bolshakov, Yu. Bobrov ont travaillé sur le mont Athos, A. Chashkin, E. Maksimov - aux États-Unis, N. Mukhin - en Serbie). Les artistes travaillant aujourd'hui dans le domaine de la peinture religieuse se caractérisent, comme déjà mentionné, par une profonde compréhension de l'art religieux, tant sous forme de chevalet que monumental. Grand crédit maîtres modernes dans la création d'une nouvelle iconographie de Xenia de Pétersbourg (1988) ; Saint Jean de Cronstadt, l'image du Baptême de Rus' (icônes du Père Zinon, 1988, ou Natalia et Nikolai Bogdanov, 2000 ; voir encart couleur), ainsi que Saint Séraphin de Vyritsky, Veniamin de Petrograd et d'autres nouvellement déposé au Concile de 2000. De nombreux travaux sont en cours pour créer l'iconographie des « martyrs royaux », ils n'ont pas été achevés à ce jour. Cependant, même dans l’iconographie traditionnelle et établie de longue date, de nombreux peintres font preuve d’une forte créativité. Il suffit de citer, par exemple, un artiste tel que G. Tonkov. Dans son "Sainte Trinité" on peut voir l'empreinte de fortes traditions russes anciennes, et l'écriture picturale expressive du maître s'apparente aux peintures murales de Novgorod et directement de Volotovo (église de l'Assomption sur le champ de Volotovo), mais elle a été écrite par un artiste moderne, avec une compréhension moderne de ce que est illustré.
La restauration et la construction de nouvelles églises se sont généralisées au cours des 15 à 20 dernières années. En conséquence, la question de leur conception décorative est devenue aiguë. Rien qu’à Saint-Pétersbourg, depuis le milieu des années 1990. Plus de 100 temples et chapelles ont été restaurés et construits. Un exemple de l'interaction réussie de l'architecture et de la peinture d'icônes, des peintures murales et des mosaïques entièrement nouvelles nous est montré par le couvent Résurrection Novodievitchi de Saint-Pétersbourg sur la perspective Moskovski. Et à cet égard, il convient de noter que exactement mosaïque est devenu particulièrement demandé dans la construction de nouveaux temples.
L'art est venu en Russie de Byzance et a connu une nouvelle naissance au XVIIIe siècle. les efforts et le talent de M.V. Lomonosov et une nouvelle ascension au 19ème siècle. Tout d’abord, dans l’enceinte de l’Académie impériale des arts, la mosaïque n’est pas tombée dans l’oubli pendant les années du pouvoir soviétique. Nous avons déjà raconté comment dans les années 1930. dans le cadre de la construction du métro et d'autres bâtiments publiques ses capacités décoratives et, surtout, son caractère de propagande ont été largement utilisées. DANS années d'après-guerre et plus tard, les jardins d'enfants et les sanatoriums, les hôpitaux, les entreprises, les murs des écoles, etc. furent décorés de mosaïques. A Saint-Pétersbourg, outre l'atelier de mosaïque de l'Académie des Arts, des diplômés du Supérieur école d'art nommé d'après V.I. Mukhina (SPbVHPA, qui a aujourd'hui rendu à juste titre le nom de son fondateur, le baron A.L. Stieglitz).
Les chercheurs notent à juste titre que l'expérience des mosaïques de la période soviétique, avec toute son implication, a grandement aidé les jeunes artistes dans la nouvelle étape de son développement, qui a commencé dans les années 1990, à la fois dans la méthode de dactylographie, dans la compréhension des capacités du matériau, et dans l'utilisation des nouvelles technologies. Non plus à Moscou, mais dans le métro de Saint-Pétersbourg, diplômé de l'Académie des Arts, élève de A. A. Mylnikov, A. Bystrov, décore la station de métro Alexandre Nevski d'une scène de la célèbre bataille - et c'est le dernière œuvre créée à Saint-Pétersbourg avant l'effondrement de l'URSS. La dernière commande du 20ème siècle. pour les ateliers de mosaïque de l'Académie des Arts et le même maître a réalisé des panneaux de mosaïque pour la station Sportivnaya (1998-1999 ; voir encart couleur) sur " Thèmes olympiques", dans lequel l'artiste a montré des connaissances et une compréhension subtile de la mythologie antique et de l'art ancien. Plus tard, A. Bystrov (avec E. Bystrov et d'autres) a décoré les intérieurs des stations de métro Volkovskaya, Admiralteyskaya, etc.. Une autre équipe des célèbres muralistes de Saint-Pétersbourg : S. Repin, N. Fomin, I. Uralov, V. Sukhov sont les auteurs des mosaïques des stations de métro Ozerki, Dostoevskaya, Krestovsky Island, Sennaya, etc. Le même groupe d'artistes célèbres a créé mosaïques de l'église de la Nativité de la Vierge dans le village d'Aleksandrovskoye. Région de Léningrad(architectes A. Shreter, A. Golovin, G. Uralov).
Depuis le début des années 2000. il y a des changements notables dans la vie domestique art monumental dans le sens où l’État cesse d’être son seul client, un client privé apparaît. Quant à l’art du chevalet des dernières décennies, son développement au cours de cette période est assez diversifié. De nombreux artistes qui ont marqué les années 1970-1980 continuent de travailler, comme le même A. Kulinich (voir ses magnifiques lithographies en couleurs consacrées à l'histoire des monastères Kirillo-Belozersky et Spaso-Kamenny (région de Vologda), ses illustrations pour Gogol, toujours en attente de publication, et ses belles peintures colorées, pleines d'imagination populaire et d'humour). Et ce n’est qu’un exemple d’un artiste qui s’est fait un nom dans les années 1970-1980 ; parmi ceux qui travaillent avec succès aujourd’hui, la série peut être poursuivie. Et combien sont encore très jeunes, à peine entrés vie créative, avec audace et liberté, réflexion intéressante - le temps, nous l'espérons, mettra équitablement en valeur leurs noms.
Nous ne pouvons désormais tirer qu’une seule conclusion. Pour tout l’art domestique (figuratif) moderne de la seconde moitié du XXe – début du XXIe siècle. La propagation de l'influence d'un cercle de traditions russes - s'éloignant de l'avant-garde à travers l'art du tournant des XXe et XIXe siècles est particulièrement caractéristique. à l'art russe ancien, et en matériel étranger - depuis les expériences du début du siècle dernier en passant par le post-impressionnisme - l'impressionnisme - le romantisme jusqu'au grand art de la Renaissance. En d'autres termes, ils perpétuent les principales traditions qui se sont développées dans l'art du XXe siècle : l'académisme russe, l'impressionnisme russe, le « cézanneisme » russe, ainsi que les fantaisies postmodernistes sur les thèmes de la Renaissance et l'académisme purement de salon au tournant du XXe siècle. les XIXe-XXe siècles. De nombreuses expositions ces dernières années l’illustrent parfaitement.
Dans le même temps, on ne peut s'empêcher de remarquer qu'en l'absence d'idéologies d'État, la tendance au soutien aux plus hauts niveaux de mécénat est évidente et que dans l'organisation des expositions muséales elles-mêmes, la préférence est avant tout donnée aux Formes variées néo-avant-gardiste. Avec la disparition des directives gouvernementales claires en la matière politique culturelle Il y a eu un processus de légalisation de diverses associations informelles. « Underground » (terme emprunté au cinéma américain du début des années 1940) est non seulement entré dans la vie artistique nationale, mais est devenu presque un art d'élite, dont on parle « avec un souffle », mais qui nécessite encore une évaluation sérieuse et objective, ainsi que les activités de nombreuses galeries d'art qui ont ouvert récemment (maintenant appelées pour une raison quelconque seulement galeries d'art) et de nombreuses nouvelles publications artistiques différentes. De nos jours, alors que « les anciens points de référence se sont estompés et que les anciennes idoles sont remplacées par de nouvelles, lorsqu'apparaît un système de valeurs résolument nouvelles, en grande partie imaginaires, reflétant à leur manière la pensée post-totalitaire », c'est très difficile, mais nécessaire. . Sans aucun doute, comprendre le processus de développement de l’art n’est pas à l’abri d’erreurs de calcul, d’erreurs, de contradictions, et c’est une question de temps et de critique objective pour comprendre toute la diversité et la complexité de l’art moderne, « en séparant le bon grain de l’ivraie ».
L'une des questions difficiles semble être post-avant-garde. Au cours des années du pouvoir soviétique, tant d'œuvres du réalisme socialiste « pauvres en pensée et primitives en forme » (V. Vlasov) ont été créées que dans ce contexte, l'avant-garde russe des années 1920, en particulier aux yeux des jeunes artistes et les spectateurs, ont commencé à être perçus (quand, à leur tour, ils sont devenus accessibles au public) comme l’art le plus avancé (et pour d’autres, le seul possible) au monde. Réhabilitation des noms de véritables grands maîtres comme Π. N. Filonov et K. S. Malevich y ont contribué. Des critiques d'art talentueux déplorent son développement interrompu (« L'Avant-garde arrêtée en vol »). Et tout le monde a oublié qu’il s’agissait de l’avant-garde soviétique des années 1920. fut la force puissante qui commença la première à détruire les traditions classiques de l’art russe, et avec quelle force ! « Comment oses-tu te qualifier de poète // et, petit gris, gazouiller comme une caille ? // Aujourd'hui // tu dois // utiliser des coups de poing américains // pour trancher le crâne du monde ! (V.V. Maïakovski. « Nuage en pantalon »). Et ils ont « coupé » ! La révolution a fourni les opportunités les plus riches pour propager un art nihiliste, sans histoire, sans patrie, sans racines. La post-avant-garde moderne, avec son agressivité, le même pathétique familier de la destruction, mais aussi une sorte de manque profond de culture, est également secondaire et tautologique. Tout cela (cela s'applique cependant à tout le postmodernisme mondial) est délibérément construit sur des citations - que ce soit dans la littérature, le cinéma ou les beaux-arts. Ce n'est pas sans raison que les grands artistes se plaignent souvent que nous vivons à une époque de faux prophètes, de fausses idoles, de fausses idoles, et qu'aujourd'hui une personne est déclarée « grande », demain une autre, après-demain une autre. Et ce qu’il y a de mieux dans la post-avant-garde reste la moquerie et l’ironie, et parfois la réflexion familière à l’intelligentsia russe.
En même temps, pour les chercheurs en art, il est clair que tout cela n’est que de l’« art conceptuel », de l’op-pop social et d’autres « art », y compris le design artistique, avec leur départ de la figuration vers l’iconicité, la verbalité, après tout, mais le essence, non moins politisé et agitateur que le réalisme socialiste.
Au début du troisième millénaire, nous devons admettre que art de haute qualité s'est avéré vaincu par l'art de masse et le kitsch comme son expression extrême, avec son mauvais goût, sa violation du sens des proportions, de la proportion, de l'harmonie : il n'y a pas beaucoup de noms ici - du très célèbre au complètement inconnu. Et ce n'est pas seulement un phénomène russe, mais aussi mondial : le postmodernisme marque la fin de « l'ère de l'art classique » ; les idéaux du passé, comme on le dit à juste titre, ont été ridiculisés et de nouveaux n’ont pas été créés. C'est pourquoi il devient de plus en plus clair, aussi tragique que cela puisse paraître, que le XXe siècle est le siècle d'une catastrophe culturelle dont les racines remontent au siècle dernier, lorsque la conscience religieuse a commencé à s'effondrer et à mode de vie traditionnel la vie, et le bourgeoisisme n'a donné lieu à des protestations que sous la forme d'une révolte impie et d'une esthétisation du vice et du mal.
Prenons la liberté de citer les mots du grand musicien du siècle dernier, Georgy Sviridov (1915-1998) : « L'art de notre
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