Artistes de la Renaissance Italie. Peinture de la Renaissance italienne

La peinture de la Renaissance constitue le fonds d’or de l’art non seulement européen mais aussi mondial. La période de la Renaissance a remplacé le sombre Moyen Âge, subordonné au noyau des canons de l’Église, et a précédé les Lumières et le Nouvel Âge qui ont suivi.

Il convient de calculer la durée de la période en fonction des pays. L’ère de l’épanouissement culturel, comme on l’appelle communément, a commencé en Italie au XIVe siècle, puis s’est répandue dans toute l’Europe et a atteint son apogée à la fin du XVe siècle. Les historiens divisent cette période artistique en quatre étapes : la Proto-Renaissance, la première, la haute et la fin de la Renaissance. La peinture italienne de la Renaissance présente bien sûr une valeur et un intérêt particuliers, mais les maîtres français, allemands et hollandais ne doivent pas être négligés. C'est à leur sujet dans le contexte des périodes de la Renaissance qu'il sera question plus loin dans l'article.

Proto-Renaissance

La période Proto-Renaissance s'étend de la seconde moitié XIII V. au 14ème siècle Elle est étroitement liée au Moyen Âge, en stade avancé qui est originaire. La Proto-Renaissance est le prédécesseur de la Renaissance et combine les traditions byzantine, romane et gothique. Avant toutes les tendances nouvelle ère est apparu en sculpture, puis seulement en peinture. Cette dernière était représentée par deux écoles de Sienne et de Florence.

La figure principale de l'époque était l'artiste et architecte Giotto di Bondone. Le représentant de l’école de peinture florentine devient réformateur. Il a décrit le chemin par lequel il s'est développé. Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance proviennent précisément de cette période. Il est généralement admis que Giotto a réussi à surmonter dans ses œuvres le style de peinture d'icônes commun à Byzance et à l'Italie. Il a rendu l'espace non pas bidimensionnel, mais tridimensionnel, en utilisant le clair-obscur pour créer l'illusion de profondeur. La photo montre le tableau « Le baiser de Judas ».

Les représentants de l'école florentine sont aux origines de la Renaissance et font tout pour sortir la peinture de la longue stagnation médiévale.

La période Proto-Renaissance était divisée en deux parties : avant et après sa mort. Jusqu'en 1337, les maîtres les plus brillants travaillèrent et les découvertes les plus importantes eurent lieu. L’Italie est ensuite frappée par une épidémie de peste.

Peinture de la Renaissance : bref aperçu de la première période

La Première Renaissance couvre une période de 80 ans : de 1420 à 1500. A cette époque, elle ne s'écarte pas encore complètement des traditions passées et est encore associée à l'art du Moyen Âge. Cependant, le souffle des nouvelles tendances se fait déjà sentir : les maîtres commencent à se tourner plus souvent vers des éléments de l'antiquité classique. En fin de compte, les artistes abandonnent complètement le style médiéval et commencent à utiliser avec audace les meilleurs exemples de la culture ancienne. Notez que le processus s’est déroulé plutôt lentement, étape par étape.

Représentants brillants du début de la Renaissance

L'œuvre de l'artiste italien Piero della Francesca appartient entièrement au début de la Renaissance. Ses œuvres se distinguent par la noblesse, la beauté et l'harmonie majestueuses, la perspective précise, les couleurs douces remplies de lumière. DANS dernières années Au cours de sa vie, en plus de la peinture, il a étudié en profondeur les mathématiques et a même écrit deux de ses propres traités. Son élève était un autre peintre célèbre, Luca Signorelli, et son style se reflétait dans les œuvres de nombreux maîtres ombriens. Sur la photo ci-dessus se trouve un fragment d'une fresque de l'église San Francesco d'Arezzo, « L'histoire de la reine de Saba ».

Domenico Ghirlandaio est un autre représentant éminent de l’école florentine de peinture de la Renaissance du début. Il fut le fondateur d'une célèbre dynastie artistique et le chef de l'atelier où commença le jeune Michel-Ange. Ghirlandaio était un maître célèbre et à succès qui s'occupait non seulement de la peinture à fresque (Chapelle Tornabuoni, Sixtine), mais aussi de la peinture sur chevalet (« Adoration des Mages », « Nativité », « Vieil homme avec petit-fils », « Portrait de Giovanna Tornabuoni »- photo ci-dessous).

Haute Renaissance

Cette période, au cours de laquelle le style s'est magnifiquement développé, se situe entre 1500-1527. A cette époque, le centre de l'art italien déménage de Florence à Rome. Ceci est lié à l'ascension au trône papal de l'ambitieux et entreprenant Jules II, qui a attiré le plus meilleurs artistes Italie. Rome est devenue un peu comme Athènes à l’époque de Périclès et a connu une croissance et un boom de la construction incroyables. En même temps, il existe une harmonie entre les branches de l’art : la sculpture, l’architecture et la peinture. La Renaissance les a réunis. Ils semblent aller de pair, se compléter et interagir.

L'Antiquité est étudiée pendant la période Haute Renaissance plus minutieusement et reproduits avec un maximum de précision, de rigueur et de cohérence. La dignité et le calme remplacent la beauté coquette, et traditions médiévales sont complètement oubliés. L'apogée de la Renaissance est marquée par l'œuvre de trois des plus grands maîtres italiens : Raphael Santi (le tableau « Donna Velata » dans l'image ci-dessus), Michel-Ange et Léonard de Vinci (« Mona Lisa" - sur la première photo).

Fin de la Renaissance

La fin de la Renaissance couvre la période des années 1530 aux années 1590 jusqu'aux années 1620 en Italie. Les critiques d'art et les historiens réduisent les œuvres de cette époque à dénominateur commun avec un grand degré de convention. L'Europe du Sud était sous l'influence de la Contre-Réforme qui y triomphait, qui percevait avec une grande prudence toute libre pensée, y compris la résurrection des idéaux de l'Antiquité.

À Florence, il y avait une domination du maniérisme, caractérisé par des couleurs artificielles et des lignes brisées. Cependant, il n'atteignit Parme, où travaillait Corrège, qu'après la mort du maître. La peinture vénitienne de la Renaissance a eu son propre chemin de développement période tardive. Palladio et Titien, qui y travaillèrent jusque dans les années 1570, en sont les plus brillants représentants. Leur travail n'avait rien à voir avec les nouvelles tendances de Rome et de Florence.

Renaissance du Nord

Ce terme est utilisé pour décrire la Renaissance dans toute l'Europe, en dehors de l'Italie en général et dans les pays germanophones en particulier. Il possède un certain nombre de fonctionnalités. La Renaissance du Nord n'était pas homogène et dans chaque pays elle se caractérisait par caractéristiques spécifiques. Les historiens de l'art le divisent en plusieurs directions : française, allemande, néerlandaise, espagnole, polonaise, anglaise, etc.

L'éveil de l'Europe a suivi deux voies : le développement et la diffusion d'une vision du monde humaniste et laïque, et le développement d'idées de renouveau. traditions religieuses. Tous deux se touchaient, parfois se confondaient, mais en même temps ils étaient antagonistes. L'Italie a choisi la première voie et l'Europe du Nord la seconde.

La Renaissance n'a eu pratiquement aucune influence sur l'art du Nord, y compris la peinture, jusqu'en 1450. À partir de 1500, elle s'est répandue sur tout le continent, mais par endroits l'influence du gothique tardif s'est maintenue jusqu'à l'avènement du baroque.

La Renaissance du Nord se caractérise par une influence importante du style gothique, moins attention particulièreà l'étude de l'Antiquité et de l'anatomie humaine, avec une technique d'écriture détaillée et soignée. La Réforme a eu sur lui une influence idéologique importante.

Renaissance française du Nord

Le plus proche de l'italien est peinture française. La Renaissance pour la culture française est devenue étape importante. A cette époque, la monarchie et les relations bourgeoises se renforcent activement, les idées religieuses du Moyen Âge passent au second plan, cédant la place aux tendances humanistes. Représentants : François Quesnel, Jean Fouquet (sur la photo, un fragment du "Melen Diptych" du maître), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, François Clouet.

Renaissance du Nord allemande et hollandaise

Des œuvres remarquables de la Renaissance du Nord ont été créées par des maîtres allemands et flamands-néerlandais. La religion continue de jouer un rôle important dans ces pays et influence grandement la peinture. La Renaissance a suivi un chemin différent aux Pays-Bas et en Allemagne. Contrairement aux œuvres des maîtres italiens, les artistes de ces pays n’ont pas placé l’homme au centre de l’univers. Pendant presque tout le XVe siècle. ils le représentèrent dans le style gothique : léger et éthéré. La plupart représentants éminents La Renaissance néerlandaise est Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, les Allemands sont Albert Durer, Lucas Cranach l'Ancien, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

La photo montre un autoportrait d'A. Durer de 1498.

Malgré le fait que les œuvres des maîtres du Nord diffèrent considérablement des œuvres des peintres italiens, elles sont en tout cas reconnues comme des expositions inestimables des beaux-arts.

La peinture de la Renaissance, comme toute culture dans son ensemble, se caractérise par un caractère laïc, un humanisme et ce qu'on appelle l'anthropocentrisme, ou, en d'autres termes, un intérêt primordial pour l'homme et ses activités. Durant cette période, il y a un véritable épanouissement de l'intérêt pour l'art ancien, et son renouveau s'opère. L’époque a donné au monde une galaxie de brillants sculpteurs, architectes, écrivains, poètes et artistes. Jamais auparavant ou depuis, l’épanouissement culturel n’a été aussi répandu.

Traits caractéristiques de l'art de la Renaissance

Perspective. Pour ajouter de la profondeur et de l'espace tridimensionnels à leur travail, les artistes de la Renaissance ont emprunté et élargi considérablement les concepts perspective linéaire, lignes d'horizon et points de fuite.

§ Perspective linéaire. La peinture en perspective linéaire, c'est comme regarder par une fenêtre et peindre exactement ce que vous voyez sur la vitre. Les objets sur la photo ont commencé à avoir leur propre taille en fonction de leur distance. Ceux qui étaient plus éloignés du spectateur sont devenus plus petits, et vice versa.

§ Horizon. Il s'agit d'une ligne à une distance à laquelle les objets sont réduits à un point aussi épais que cette ligne.

§ Point de fuite. C’est le point où les lignes parallèles semblent converger au loin, souvent sur la ligne d’horizon. Cet effet peut être observé si vous vous tenez sur la voie ferrée et regardez les rails au loin. l.

Ombres et lumière. Les artistes ont joué avec intérêt sur la façon dont la lumière tombe sur les objets et crée des ombres. Les ombres et la lumière peuvent être utilisées pour attirer l’attention sur un point spécifique d’un tableau.

Émotions. Les artistes de la Renaissance voulaient que le spectateur, en regardant l'œuvre, ressente quelque chose, vive une expérience émotionnelle. C’était une forme de rhétorique visuelle où le spectateur se sentait inspiré pour s’améliorer dans quelque chose.

Réalisme et naturalisme. En plus de la perspective, les artistes cherchaient à rendre les objets, en particulier les personnes, plus réalistes. Ils étudièrent l'anatomie humaine, mesurèrent les proportions et recherchèrent l'idéal. forme humaine. Les gens semblaient réels et montraient des émotions authentiques, permettant au spectateur de faire des déductions sur ce que pensaient et ressentaient les personnes représentées.

La Renaissance se divise en 4 étapes :

Proto-Renaissance (2e moitié du XIIIe siècle – XIVe siècle)

Début de la Renaissance (début XVe - fin XVe siècle)

Haute Renaissance (fin XVe - 20 premières années du XVIe siècle)

Fin de la Renaissance (milieu du XVIe - années 1590)

Proto-Renaissance

La Proto-Renaissance est étroitement liée au Moyen Âge ; en effet, elle est apparue dans Fin du Moyen Âge, avec des traditions byzantines, romanes et gothiques, cette période est annonciatrice de la Renaissance. Elle est divisée en deux sous-périodes : avant la mort de Giotto di Bondone et après (1337). Artiste et architecte italien, fondateur de la Proto-Renaissance. L'un des personnages clés de l'histoire Art occidental. Ayant surmonté la tradition byzantine de la peinture d’icônes, il devient le véritable fondateur de l’école de peinture italienne et développe une toute nouvelle approche de la représentation de l’espace. Les œuvres de Giotto ont été inspirées par Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange. Giotto devient la figure centrale de la peinture. Les artistes de la Renaissance le considéraient comme un réformateur de la peinture. Giotto a tracé le chemin par lequel s'est déroulé son développement : remplissage des formes religieuses avec un contenu profane, transition progressive des images plates aux images tridimensionnelles et en relief, augmentation du réalisme, introduction du volume plastique des figures dans la peinture et représentation de l'intérieur. en peinture.

À la fin du XIIIe siècle, le bâtiment principal du temple fut érigé à Florence - la cathédrale Santa Maria del Fiore, l'auteur était Arnolfo di Cambio, puis les travaux furent poursuivis par Giotto.

Les découvertes les plus importantes, les maîtres les plus brillants vivent et travaillent dans la première période. Le deuxième segment est associé à l’épidémie de peste qui a frappé l’Italie.

Les premiers arts de la proto-Renaissance sont apparus dans la sculpture (Niccolò et Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). La peinture est représentée par deux écoles d'art : Florence et Sienne.

Début de la Renaissance

La période de ce qu'on appelle Début de la Renaissance"couvre en Italie la période de 1420 à 1500. Au cours de ces quatre-vingts années, l'art n'a pas encore complètement abandonné les traditions du passé récent (le Moyen Âge), mais a tenté d'y mêler des éléments empruntés à l'Antiquité classique. Ce n'est que plus tard, sous l'influence de conditions de vie et de culture de plus en plus changeantes, que les artistes abandonnent complètement fondations médiévales et utilisent avec audace des exemples de l'art ancien, tant dans le concept général de leurs œuvres que dans leurs détails.

Alors que l'art en Italie suivait déjà résolument la voie de l'imitation de l'Antiquité classique, dans d'autres pays, il adhéra longtemps aux traditions. style gothique. Au nord des Alpes, ainsi qu'en Espagne, la Renaissance n'intervient qu'à la fin du XVe siècle, et son période au début dure jusqu'au milieu du siècle suivant.

Artistes de la première Renaissance

L'un des premiers et des plus brillants représentants de cette période est à juste titre considéré comme Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), le célèbre peintre italien, le plus grand maître de l'école florentine, réformateur de la peinture du Quattrocento.

Avec son œuvre, il a contribué au passage du gothique au nouvel art, glorifiant la grandeur de l'homme et de son monde. La contribution de Masaccio à l'art s'est renouvelée en 1988, lorsque sa création principale - fresques de la chapelle Brancacci de l'église Santa Maria del Carmine à Florence- ont été restaurés dans leur forme originale.

- Résurrection du fils de Théophile, Masaccio et Filippino Lippi

- Adoration des Mages

- Miracle avec stair

D'autres représentants importants de cette période furent Sandro Botticelli. grand peintre italien de la Renaissance, représentant de l'école de peinture florentine.

- Naissance de Vénus

- Vénus et Mars

- Printemps

- Adoration des Mages

Haute Renaissance

La troisième période de la Renaissance - l'époque du développement le plus magnifique de son style - est communément appelée la « Haute Renaissance ». Elle s'étend en Italie de 1500 environ à 1527. A cette époque, le centre d'influence de l'art italien de Florence s'installe à Rome, grâce à l'accession au trône papal de Jules II - un homme ambitieux, courageux et entreprenant qui attirait à sa cour les meilleurs artistes d'Italie, les occupait avec des œuvres nombreuses et importantes et a donné aux autres un exemple d'amour pour l'art. Avec ce Pape et avec ses plus proches successeurs, Rome devient pour ainsi dire la nouvelle Athènes du temps de Périclès : de nombreux bâtiments monumentaux, de magnifiques œuvres sculpturales sont créées, des fresques et des peintures sont peintes, qui sont encore considérées comme les perles de la peinture ; en même temps, les trois branches de l’art vont harmonieusement de pair, s’entraident et s’influencent mutuellement. L'Antiquité est désormais étudiée de manière plus approfondie, reproduite avec plus de rigueur et de cohérence ; le calme et la dignité remplacent la beauté enjouée qui était l'aspiration de la période précédente ; les souvenirs du Moyen Âge disparaissent complètement et une empreinte tout à fait classique tombe sur toutes les créations artistiques. Mais l'imitation des anciens n'étouffe pas leur indépendance chez les artistes, et avec une grande ingéniosité et une vivacité d'imagination, ils retravaillent et appliquent librement à leur travail ce qu'ils jugent approprié d'emprunter pour eux-mêmes à l'art gréco-romain antique.

L'œuvre de trois grands maîtres italiens marque l'apogée de la Renaissance, il s'agit de Léonard de Vinci (1452-1519) Léonard de Ser Piero da Vinci grand peintre italien de la Renaissance, représentant de l'école de peinture florentine. Artiste italien (peintre, sculpteur, architecte) et scientifique (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain, musicien, l'un des plus grands représentants de l'art de la Haute Renaissance, exemple brillant"l'homme universel"

Dernière Cène,

Mona Lisa,

-Homme de Vitruve ,

- Madone Litta

- Madone aux Rochers

-Madone au fuseau

Michel-Ange Buonarroti (1475-1564) Michel-Ange de Lodovico de Leonardo de Buonarroti Simoni. Sculpteur, artiste, architecte italien [⇨], poète [⇨], penseur [⇨]. . L'un des plus grands maîtres de la Renaissance [ ⇨ ] et du début du baroque. Ses œuvres étaient considérées comme les plus hautes réalisations de l’art de la Renaissance du vivant du maître lui-même. Michel-Ange a vécu près de 89 ans, soit toute une époque, depuis la période de la Haute Renaissance jusqu'aux origines de la Contre-Réforme. Durant cette période, il y eut treize papes – il exécuta les ordres de neuf d'entre eux.

Création d'Adam

Jugement dernier

et Raphaël Santi (1483-1520). grand peintre, graphiste et architecte italien, représentant de l'école ombrienne.

- Ecole d'Athènes

-Madone Sixtine

- Métamorphose

- Merveilleux jardinier

Fin de la Renaissance

La fin de la Renaissance en Italie s'étend des années 1530 aux années 1590 et 1620. La Contre-Réforme a triomphé en Europe du Sud ( Contre-Réforme(lat. Contre-réforme; depuis contra- contre et reformulation- transformation, réforme) - un mouvement politique ecclésial catholique en Europe au milieu des XVIe et XVIIe siècles, dirigé contre la Réforme et visant à restaurer la position et le prestige de l'Église catholique romaine.), qui regardait avec méfiance toute liberté- réfléchir, y compris chanter corps humain et la résurrection des idéaux de l’Antiquité comme pierres angulaires de l’idéologie de la Renaissance. Les contradictions de la vision du monde et un sentiment général de crise ont conduit Florence à l'art « nerveux » des couleurs artificielles et des lignes brisées - le maniérisme. Le maniérisme n’atteignit Parme, où Correggio travaillait, qu’après la mort de l’artiste en 1534. Les traditions artistiques de Venise avaient leur propre logique de développement ; Palladio (de son vrai nom) y travailla jusqu'à la fin des années 1570 Andrea di Pietro). grand architecte italien de la fin de la Renaissance et du maniérisme.( Maniérisme(de l'italien manière, manière) - Littéraire et artistique d'Europe occidentale style XVI- premier tiers du XVIIe siècle. Caractérisé par la perte de l'harmonie de la Renaissance entre le physique et le spirituel, la nature et l'homme.) Fondateur du palladianisme ( Palladianisme ou Architecture palladiée- une première forme de classicisme née des idées de l'architecte italien Andrea Palladio (1508-1580). Le style est basé sur le strict respect de la symétrie, la prise en compte de la perspective et l'emprunt des principes de l'architecture classique des temples. La Grèce ancienne et Rome.) et le classicisme. Probablement l'architecte le plus influent de l'histoire.

D'abord travail indépendant Andrea Palladio, en tant que talentueux designer et architecte doué, est la Basilique de Vicence, dans laquelle s'est révélé son talent original et inimitable.

Parmi maisons de campagne La création la plus remarquable du maître est la Villa Rotonde. Andrea Palladio l'a construit à Vicence pour un fonctionnaire retraité du Vatican. Il se distingue par le fait qu'il s'agit du premier édifice laïque et domestique de la Renaissance, érigé sous la forme d'un temple antique.

Un autre exemple est le Palais Chiericati, dont la particularité se manifeste dans le fait que le premier étage du bâtiment était presque entièrement consacré à l'usage public, ce qui était conforme aux exigences des autorités municipales de l'époque.

Parmi les célèbres édifices urbains de Palladio, il faut mentionner le Teatro Olimpico, conçu dans le style d'un amphithéâtre.

Titien ( Titien Vecellio) Peintre italien, le plus grand représentant de l'école vénitienne de la Haute et de la Fin de la Renaissance. Le nom de Titien se classe parmi les artistes de la Renaissance tels que Michel-Ange, Léonard de Vinci et Raphaël. Titien a peint des peintures sur des sujets bibliques et mythologiques ; il est également devenu célèbre comme portraitiste. Il recevait des ordres des rois et des papes, des cardinaux, des ducs et des princes. Titien n'avait pas trente ans lorsqu'il fut reconnu comme le meilleur peintre de Venise.

De son lieu de naissance (Pieve di Cadore dans la province de Belluno, République de Venise), il est parfois appelé oui Cadore; également connu sous le nom de Titien le Divin.

- Ascension de la Vierge Marie

- Bacchus et Ariane

- Diane et Actéon

- Vénus Urbino

- L'enlèvement d'Europe

dont l'œuvre avait peu de points communs avec la crise de l'art de Florence et de Rome.

Les premiers précurseurs de l’art de la Renaissance apparaissent en Italie au XIVe siècle. Artistes de cette époque, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) et (notamment) Giotto (1267-1337) lors de la création de peintures sur des thèmes religieux traditionnels, ils commencèrent à utiliser de nouveaux techniques artistiques: construire une composition tridimensionnelle, utilisant un paysage en arrière-plan, ce qui leur a permis de rendre les images plus réalistes et animées. Cela distinguait nettement leur travail de la tradition iconographique précédente, pleine de conventions dans l'image.
Le terme utilisé pour désigner leur créativité Proto-Renaissance (années 1300 - "Trecento") .

Giotto di Bondone (vers 1267-1337) - Artiste et architecte italien de l'époque Proto-Renaissance. L'une des figures clés de l'histoire de l'art occidental. Ayant surmonté la tradition byzantine de la peinture d’icônes, il devient le véritable fondateur de l’école de peinture italienne et développe une toute nouvelle approche de la représentation de l’espace. Les œuvres de Giotto ont été inspirées par Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange.


Début de la Renaissance (1400 - Quattrocento).

Au début du XVe siècle Filippo Brunelleschi (1377-1446), scientifique et architecte florentin.
Brunelleschi voulait rendre plus visuelle la perception des bains et des théâtres qu'il a reconstruits et a essayé de créer des peintures géométriquement en perspective à partir de ses plans pour un point de vue spécifique. Lors de cette recherche, il a été découvert point de vue direct.

Cela a permis aux artistes d’obtenir des images parfaites d’un espace tridimensionnel sur une toile de peinture plate.

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Aux autres étape importante Sur le chemin de la Renaissance, l’émergence d’un art laïque et laïque. Le portrait et le paysage s’imposent comme des genres indépendants. Même les sujets religieux ont acquis une interprétation différente : les artistes de la Renaissance ont commencé à considérer leurs personnages comme des héros dotés de traits individuels prononcés et d'une motivation humaine pour agir.

Les artistes les plus célèbres de cette période sont Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello de Messine (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - célèbre peintre italien, le plus grand maître de l'école florentine, réformateur de la peinture de l'époque du Quattrocento.

Fresque. Miracle avec stair.

Peinture. Crucifixion.

Piero Della Francesco (1420-1492). Les œuvres du maître se distinguent par une solennité majestueuse, la noblesse et l'harmonie des images, des formes généralisées, l'équilibre de la composition, la proportionnalité, la précision des constructions en perspective et une palette douce pleine de lumière.

Fresque. L'histoire de la reine de Saba. Église de San Francesco à Arezzo

Sandro Botticelli(1445-1510) - grand peintre italien, représentant de l'école de peinture florentine.

Printemps.

Naissance de Vénus.

Haute Renaissance (« Cinquecento »).
La plus grande floraison de l'art de la Renaissance a eu lieu pour le premier quart du XVIe siècle.
Travaux Sansovino (1486-1570), Léonard de Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michel-Ange Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Titien (1477-1576), Antonio Corrège (1489-1534) constituent le fonds d'or de l'art européen.

Léonard de Ser Piero da Vinci (Florence) (1452-1519) - Artiste (peintre, sculpteur, architecte) et scientifique italien (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain.

Autoportrait

Dame à l'hermine. 1490. Musée Czartoryski, Cracovie

Joconde (1503-1505/1506)

Léonard de Vinci a acquis une grande habileté dans la transmission des expressions faciales du visage et du corps humain, des méthodes de transmission de l'espace et de la construction d'une composition. En même temps, ses œuvres créent une image harmonieuse d'une personne qui répond aux idéaux humanistes.

Madone Litta. 1490-1491. Musée de l'Ermitage.

Madonna Benois (Madonna avec une fleur). 1478-1480

Madone à l'œillet. 1478

Au cours de sa vie, Léonard de Vinci a pris des milliers de notes et de dessins sur l'anatomie, mais n'a pas publié ses travaux. En disséquant les corps des personnes et des animaux, il a transmis avec précision la structure du squelette et les organes internes, y compris petites pièces. Selon le professeur d'anatomie clinique Peter Abrams, les travaux scientifiques de Léonard de Vinci étaient 300 ans en avance sur leur temps et, à bien des égards, supérieurs au célèbre Grey's Anatomy.

Liste des inventions, réelles et qui lui sont attribuées :

Parachute, pourChâteau d'Olestsovo, àvélo, tmerci, jeponts portables légers pour l'armée, pprojecteur, àatapulte, rles deux, dTélescope Vuhlens.

Ces innovations ont ensuite été développées Rafael Santi (1483-1520) - un grand peintre, graphiste et architecte, représentant de l'école ombrienne.

Autoportrait. 1483

Michel-Ange de Lodovico de Leonardo de Buonarroti Simoni(1475-1564) - sculpteur, artiste, architecte, poète, penseur italien.

Les peintures et sculptures de Michelangelo Buonarotti sont pleines d'un pathos héroïque et, en même temps, d'un sens tragique de la crise de l'humanisme. Ses peintures glorifient la force et la puissance de l'homme, la beauté de son corps, tout en soulignant sa solitude au monde.

Le génie de Michel-Ange a laissé sa marque non seulement sur l'art de la Renaissance, mais aussi sur toute la culture mondiale ultérieure. Ses activités sont principalement liées à deux villes italiennes - Florence et Rome.

Cependant, l'artiste a pu réaliser ses projets les plus ambitieux précisément dans la peinture, où il a agi comme un véritable innovateur de couleur et de forme.
Commandé par le pape Jules II, il peint le plafond de la chapelle Sixtine (1508-1512), représentant l'histoire biblique depuis la création du monde jusqu'au déluge et comprenant plus de 300 personnages. En 1534-1541, dans la même chapelle Sixtine, il peint la fresque grandiose et dramatique « Le Jugement dernier » pour le pape Paul III.
Chapelle Sixtine 3D.

Les œuvres de Giorgione et de Titien se distinguent par leur intérêt pour le paysage et la poétisation de l'intrigue. Les deux artistes ont acquis une grande maîtrise dans l'art du portrait, à l'aide duquel ils ont transmis le caractère et le riche monde intérieur de leurs personnages.

Giorgio Barbarelli de Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Artiste italien, représentant de l'école de peinture vénitienne.

Vénus endormie. 1510

Judith. 1504g

Titien Vecellio (1488/1490-1576) - Peintre italien, le plus grand représentant de l'école vénitienne de la Haute et de la Fin de la Renaissance.

Titien a peint des peintures sur des sujets bibliques et mythologiques ; il est également devenu célèbre comme portraitiste. Il recevait des ordres des rois et des papes, des cardinaux, des ducs et des princes. Titien n'avait pas trente ans lorsqu'il fut reconnu comme le meilleur peintre de Venise.

Autoportrait. 1567

Vénus d'Urbino. 1538

Portrait de Tommaso Mosti. 1520

Fin de la Renaissance.
Après le sac de Rome par les forces impériales en 1527, la Renaissance italienne entre dans une période de crise. Déjà dans l'œuvre de feu Raphaël, une nouvelle ligne artistique se dessinait, appelée maniérisme.
Cette époque se caractérise par des lignes gonflées et brisées, des figures allongées voire déformées, des poses souvent nues, tendues et peu naturelles, des effets inhabituels ou bizarres liés à la taille, à l'éclairage ou à la perspective, l'utilisation d'une gamme chromatique caustique, une composition surchargée, etc. le maniérisme des premiers maîtres Parmigianino , Pontormo , Bronzino- a vécu et travaillé à la cour des ducs de la maison Médicis à Florence. La mode maniériste s’est ensuite répandue dans toute l’Italie et au-delà.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - « habitant de Parme ») (1503-1540) artiste et graveur italien, représentatif du maniérisme.

Autoportrait. 1540

Portrait d'une femme. 1530.

Pontormo (1494-1557) - Peintre italien, représentant de l'école florentine, l'un des fondateurs du maniérisme.


Dans les années 1590, l’art remplace le maniérisme baroque (chiffres de transition - Le Tintoret Et Le Greco ).

Jacopo Robusti, mieux connu sous le nom de Le Tintoret (1518 ou 1519-1594) - peintre de l'école vénitienne de la fin de la Renaissance.

Dernière Cène. 1592-1594. Église de San Giorgio Maggiore, Venise.

Le Greco ("Grec" Domenikos Theotokopoulos ) (1541—1614) - artiste espagnol. D'origine - Grec, originaire de l'île de Crète.
El Greco n'avait pas d'adeptes contemporains et son génie fut redécouvert près de 300 ans après sa mort.
El Greco a étudié dans l'atelier de Titien, mais sa technique de peinture diffère considérablement de celle de son professeur. Les œuvres d'El Greco se caractérisent par la rapidité et l'expressivité de l'exécution, qui les rapprochent de la peinture moderne.

Christ sur la croix. D'ACCORD. 1577. Collection privée.

Trinité. 1579 Prado.

Les noms des artistes de la Renaissance sont depuis longtemps entourés d'une reconnaissance universelle. De nombreux jugements et évaluations à leur sujet sont devenus des axiomes. Et pourtant, les traiter de manière critique est non seulement un droit, mais aussi un devoir de l’histoire de l’art. C’est seulement alors que leur art conserve son véritable sens pour la postérité.

Parmi les maîtres de la Renaissance du milieu et de la seconde moitié du XVe siècle, il faut s'attarder sur quatre : Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Léonard de Vinci. Ils étaient contemporains de l'implantation généralisée des seigneuries et s'occupaient des cours princières, mais cela ne veut pas dire que leur art était entièrement princier. Ils prenaient aux seigneurs ce qu'ils pouvaient leur donner, payaient de leur talent et de leur zèle, mais restaient les successeurs des « pères de la Renaissance », se souvenaient de leurs ordres, augmentaient leurs réalisations, s'efforçaient de les surpasser, et parfois même les surpassaient. Au cours des années de réaction progressive en Italie, ils ont créé un art merveilleux.

Piero de la Francesca

Piero della Francesca était jusqu'à récemment le moins connu et le moins reconnu. L'influence des maîtres florentins du début du XVe siècle sur Piero della Francesca, ainsi que son influence réciproque sur ses contemporains et ses successeurs, notamment sur l'école vénitienne, a été à juste titre soulignée. Cependant, la position exceptionnelle et marquante de Piero della Francesca dans la peinture italienne n'est pas encore suffisamment prise en compte. Vraisemblablement, avec le temps, sa reconnaissance ne fera qu'augmenter.

Piero della Francesca (c. 1420-1492) artiste et théoricien italien, représentant du début de la Renaissance

Piero della Francesca possédait toutes les réalisations du « nouvel art » créé par les Florentins, mais ne resta pas à Florence, mais retourna dans son pays natal, dans la province. Cela l'a sauvé des goûts patriciens. Il est devenu célèbre grâce à son talent ; les princes et même la curie papale lui ont confié des missions. Mais il n'est pas devenu un artiste de cour. Il est toujours resté fidèle à lui-même, à sa vocation, à sa charmante muse. De tous ses contemporains, il est le seul artiste qui n'a pas connu la discorde, la dualité, ni le danger de glisser sur le mauvais chemin. Il n’a jamais cherché à rivaliser avec la sculpture ni à recourir à des moyens d’expression sculpturaux ou graphiques. Tout est dit dans son langage de peinture.

Son œuvre la plus grande et la plus belle est un cycle de fresques sur le thème « L'Histoire de la Croix » à Arezzo (1452-1466). Les travaux ont été réalisés selon la volonté du commerçant local Bacci. Peut-être qu'au cours de l'élaboration du programme, la participation a eu lieu pasteur, exécuteur testamentaire du défunt. Piero della Francesca s'est appuyé sur la soi-disant « Légende dorée » de J. da Voragine. Il a également eu des prédécesseurs parmi les artistes. Mais l’idée principale lui appartenait évidemment. La sagesse, la maturité et la sensibilité poétique de l'artiste transparaissent clairement en lui.

Ce n'est pas le seul cycle pictural en Italie à cette époque, « L'Histoire de la Croix », qui a un double sens. D'une part, tout ce qui est raconté dans la légende est présenté ici sur la façon dont a poussé l'arbre à partir duquel la croix du Calvaire a été fabriquée et comment son pouvoir miraculeux s'est manifesté plus tard. Mais comme les tableaux individuels ne vont pas bien séquence chronologique, ce signification littérale semble passer au second plan. L'artiste a disposé les tableaux de manière à ce qu'ils donnent une idée de différentes formes vie humaine: sur le patriarcal - dans la scène de la mort d'Adam et dans le transfert de la croix par Héraclius, sur le profane, la cour, l'urbain - dans les scènes de la reine de Saba et dans la découverte de la croix, et enfin sur l'armée, la bataille - dans la "Victoire de Constantin" et dans la "Victoire d'Héraclius". En substance, Piero della Francesca couvrait presque tous les aspects de la vie. Son cycle comprenait : histoire, légende, vie, œuvre, images de la nature et portraits de contemporains. Dans la ville d'Arezzo, dans l'église de San Francesco, politiquement subordonnée à Florence, se trouvait le cycle de fresques le plus remarquable de la Renaissance italienne.

L'art de Piero della Francesca est plus réel qu'idéal. En lui règne un principe rationnel, mais pas la rationalité, qui peut étouffer la voix du cœur. Et à cet égard, Piero della Francesca incarne les forces les plus brillantes et les plus fécondes de la Renaissance.

Andrea Mantegna

Le nom de Mantegna est associé à l'idée d'un artiste humaniste, amoureux des antiquités romaines, armé d'une connaissance approfondie de l'archéologie antique. Toute sa vie, il servit les ducs de Mantoue d'Este, fut leur peintre de cour, exécuta leurs instructions, les servit fidèlement (même s'ils ne lui donnèrent pas toujours ce qu'il méritait). Mais au fond de son âme et de son art, il fut indépendant, dévoué à son idéal de valeur antique, fanatiquement fidèle à son désir de donner à ses œuvres une précision de joaillier. Cela exigeait un énorme effort de force spirituelle. L'art de Mantegna est dur, parfois cruel jusqu'à l'impitoyable, et en cela il diffère de l'art de Piero della Francesca et se rapproche de Donatello.

Andréa Mantegna. Autoportrait dans la chapelle Ovetari

Premières fresques de Mantegna dans l'église des Eremitani de Padoue sur la vie de saint. Jacques et son martyre sont de merveilleux exemples de peinture murale italienne. Mantegna n'a pas du tout pensé à créer quelque chose de similaire à l'art romain (la peinture devenue connue en Occident après les fouilles d'Herculanum). Son antiquité n'est pas l'âge d'or de l'humanité, mais l'âge de fer empereurs.

Il glorifie la valeur romaine, presque mieux que les Romains eux-mêmes. Ses héros sont blindés et statuaires. Ses montagnes rocheuses sont sculptées avec précision par le ciseau d’un sculpteur. Même les nuages ​​qui flottent dans le ciel semblent être faits de métal. Parmi ces fossiles et moulages, des héros aguerris agissent, courageux, sévères, persévérants, dévoués au sens du devoir, de la justice et prêts au sacrifice de soi. Les gens se déplacent librement dans l'espace, mais, alignés en rangée, ils forment une sorte de reliefs en pierre. Ce monde de Mantegna n'enchante pas les yeux, il glace le cœur. Mais on ne peut s’empêcher d’admettre qu’elle a été créée par l’impulsion spirituelle de l’artiste. C’est pourquoi l’importance décisive ici était l’érudition humaniste de l’artiste, non pas les conseils de ses amis érudits, mais son imagination puissante, sa passion liée par la volonté et l’habileté confiante.

Nous avons devant nous un des phénomènes marquants de l'histoire de l'art : les grands maîtres, par la puissance de leur intuition, s'inscrivent dans la lignée de leurs lointains ancêtres et accomplissent ce qui ne peut être fait. plus tard aux artistes qui ont étudié le passé, mais ont été incapables de l'égaler.

Sandro Botticelli

Botticelli a été découvert par les préraphaélites anglais. Cependant, même au début du XXe siècle, malgré toute l'admiration pour son talent, ils ne lui ont pas « pardonné » ses écarts par rapport à règles généralement acceptées- perspective, clair-obscur, anatomie. Par la suite, il fut décidé que Botticelli était revenu au gothique. La sociologie vulgaire a résumé son explication : la « réaction féodale » à Florence. Les interprétations iconologiques ont établi les liens de Botticelli avec le cercle des néoplatoniciens florentins, particulièrement évidents dans ses célèbres tableaux « Printemps » et « Naissance de Vénus ».

Autoportrait de Sandro Botticelli, fragment de la composition d'autel "Adoration des Mages" (vers 1475)

L'un des interprètes les plus réputés du Printemps, Botticelli, a admis que cette image restait une mascarade, un labyrinthe. En tout cas, on peut considérer comme établi qu'au moment de sa création, l'auteur connaissait le poème « Tournoi » de Poliziano, dans lequel Simonetta Vespucci, l'amante de Giuliano de Médicis, est glorifiée, ainsi que poètes anciens, en particulier les premières lignes sur le royaume de Vénus dans le poème de Lucrèce « De la nature des choses ». Apparemment, il connaissait aussi les œuvres de M. Vicino, qui étaient alors populaires à Florence. Les motifs empruntés à toutes ces œuvres sont bien visibles dans le tableau acquis en 1477 par L. Médicis, cousin Laurent le Magnifique. Mais la question demeure : comment ces fruits de l’érudition sont-ils apparus ? Il n’existe aucune information fiable à ce sujet.

En lisant les commentaires des érudits contemporains sur ce tableau, il est difficile de croire que l'artiste lui-même ait pu approfondir autant histoire mythologique, afin de proposer toutes sortes de subtilités dans l'interprétation des figures, qui même aujourd'hui ne peuvent pas être comprises d'un seul coup d'œil, mais qui autrefois, apparemment, n'étaient comprises que dans le cercle des Médicis. Il est plus probable qu'ils aient été suggérés à l'artiste par un érudit et il a réussi à obtenir que l'artiste commence à traduire de manière interlinéaire la séquence verbale en séquence visuelle. Ce qu'il y a de plus charmant dans la peinture de Botticelli, ce sont les figures individuelles et les groupes, en particulier le groupe des Trois Grâces. Malgré le fait qu'il ait été reproduit un nombre infini de fois, il n'a pas perdu de son charme jusqu'à aujourd'hui. Chaque fois que vous la voyez, vous ressentez une nouvelle crise d'admiration. En réalité, Botticelli a réussi à conférer une jeunesse éternelle à ses créations. L'un des commentateurs érudits du tableau a suggéré que la danse des grâces exprime l'idée d'harmonie et de discorde, dont parlaient souvent les néoplatoniciens florentins.

Botticelli possède des illustrations inégalées pour " Comédie divine"Quiconque a vu ses feuilles s'en souviendra invariablement en lisant Dante. Lui, comme personne d'autre, était imprégné de l'esprit du poème de Dante. Certains des dessins de Dante ont le caractère d'une doublure graphique précise du poème. Mais le plus beau sont ceux où l'artiste imagine et compose dans l'esprit de Dante. Il y en a plus parmi les illustrations du paradis. Il semblerait que peindre le paradis ait été le plus difficile pour les artistes de la Renaissance, qui aimaient tant la terre parfumée et tout ce qui est humain. ne renonce pas à la perspective de la Renaissance, aux impressions spatiales dépendant de l'angle de vue du spectateur. Mais au paradis, il s'élève pour transmettre l'essence non-perspective des objets eux-mêmes. Ses figures sont en apesanteur, les ombres disparaissent. La lumière les pénètre, l'espace existe en dehors des coordonnées terrestres. Les corps s'inscrivent dans un cercle, comme s'il s'agissait d'un symbole de la sphère céleste.

Léonard de Vinci

Léonard est l'un des génies généralement reconnus de la Renaissance. Beaucoup le considèrent comme le premier artiste de cette époque, en tout cas, son nom vient avant tout à l'esprit lorsqu'il s'agit des personnages remarquables de la Renaissance. Et c’est pourquoi il est si difficile de s’écarter des opinions habituelles et de considérer son héritage artistique avec un esprit objectif.

Autoportrait où Léonard se présente comme un vieux sage. Le dessin est conservé à la Bibliothèque Royale de Turin. 1512

Même ses contemporains admiraient l'universalité de sa personnalité. Cependant, Vasari a déjà regretté que Léonard accorde plus d'attention à ses inventions scientifiques et techniques qu'à ses inventions scientifiques et techniques. créativité artistique. La renommée de Léonard atteint son apogée au XIXe siècle. Sa personnalité est devenue une sorte de mythe ; il était considéré comme l’incarnation du « principe faustien » de toute la culture européenne.

Léonard était un grand scientifique, un penseur perspicace, un écrivain, l'auteur du Traité et un ingénieur inventif. Sa globalité l'a élevé au-dessus du niveau de la plupart des artistes de l'époque et lui a en même temps imposé une tâche difficile : combiner une approche analytique scientifique avec la capacité de l'artiste à voir le monde et à s'abandonner directement au sentiment. Cette tâche occupa par la suite de nombreux artistes et écrivains. Pour Léonard, cela revêtait le caractère d’un problème insoluble.

Oublions pour un moment tout ce que nous murmure le merveilleux mythe de l'artiste-scientifique, et jugeons sa peinture comme nous jugeons la peinture des autres maîtres de son temps. Qu’est-ce qui différencie son travail du leur ? Tout d'abord, la vigilance de la vision et le grand talent artistique de l'exécution. Ils portent l’empreinte d’un savoir-faire exquis et du goût le plus raffiné. Dans le tableau «Le Baptême» de son professeur Verrocchio, le jeune Léonard a peint un ange de manière si sublime et sublime qu'à côté de lui, le joli ange Verrocchio semble rustique et vil. Au fil des années, « l’aristocratie esthétique » s’est encore intensifiée dans l’art de Léonard. Cela ne veut pas dire qu'à la cour des souverains son art est devenu courtois et courtois. En tout cas, ses Madones ne peuvent jamais être qualifiées de paysannes.

Il appartenait à la même génération que Botticelli, mais parlait de lui avec désapprobation, voire moquerie, le considérant comme arriéré. Léonard lui-même a cherché à poursuivre la recherche de ses prédécesseurs dans le domaine de l'art. Ne se limitant pas à l'espace et au volume, il se donne pour mission de maîtriser l'environnement lumière-air qui enveloppe les objets. Cela signifiait la prochaine étape dans la compréhension artistique monde réel, a ouvert dans une certaine mesure la voie au colorisme des Vénitiens.

Il serait faux de dire que sa passion pour la science a interféré avec la créativité artistique de Léonard. Le génie de cet homme était si énorme, son talent si élevé que même une tentative de « tenir tête à la gorge de sa chanson » ne pouvait pas tuer sa créativité. Son don d'artiste a constamment brisé toutes les restrictions. Ce qui captive dans ses créations, c'est la fidélité indubitable de l'œil, la clarté de la conscience, l'obéissance du pinceau et la technique virtuose. Ils nous captivent par leurs charmes, comme une obsession. Quiconque a vu La Gioconda se souvient combien il est difficile de s'en arracher. Dans l'une des salles du Louvre, où elle se retrouve à côté des meilleurs chefs-d'œuvre de l'école italienne, elle triomphe et règne fièrement sur tout ce qui l'entoure.

Les peintures de Léonard ne forment pas une chaîne, comme beaucoup d'autres artistes de la Renaissance. Dans ses premières œuvres, comme La Madone de Benoît, il y a plus de chaleur et de spontanéité, mais même là, l'expérience se fait sentir. "Adoration" aux Offices - et c'est une excellente sous-couche, une image capricieuse et vivante de personnes tournées avec révérence vers une femme élégante avec un bébé sur ses genoux. Dans "La Madone aux Rochers", l'ange, un jeune homme aux cheveux bouclés qui regarde hors de l'image, est charmant, mais l'idée étrange de transférer l'idylle dans l'obscurité de la grotte est répulsive. La célèbre « Cène » a toujours séduit par sa caractérisation pertinente des personnages : le doux Jean, le sévère Pierre et le méchant Judas. Cependant, le fait que des personnages aussi vifs et excités soient disposés trois à la suite, d'un côté de la table, ressemble à une convention injustifiée, à une violence contre la nature vivante. Cependant, ceci le grand Léonard de Vinci, et puisqu'il a peint le tableau de cette façon, cela signifie qu'il l'a voulu ainsi, et ce mystère restera pendant des siècles.

L'observation et la vigilance auxquelles Léonard appelle les artistes dans son Traité ne se limitent pas à son possibilités créatives. Il a délibérément essayé de stimuler son imagination en regardant les murs fissurés par l'âge, dans lesquels le spectateur pouvait imaginer n'importe quelle intrigue. Dans le célèbre dessin de Windsor de la sanguine "Orage" de Léonard, ce qui a été révélé à son regard depuis un sommet de montagne a été transmis. Une série de dessins de Windsor sur le thème du Déluge témoigne d'une vision vraiment brillante de l'artiste-penseur. L'artiste crée des signes qui n'ont pas de réponse, mais qui évoquent un sentiment d'étonnement mêlé d'horreur. Les dessins ont été créés par le grand maître dans une sorte de délire prophétique. Tout y est dit dans le langage sombre des visions de Jean.

La discorde interne de Léonard à l'époque de son déclin se fait sentir dans deux de ses œuvres : le Louvre « Jean-Baptiste » et l'autoportrait de Turin. Dans l'autoportrait de la fin de Turin, l'artiste, qui a atteint un âge avancé, se regarde dans le miroir avec un regard ouvert derrière ses sourcils froncés - il voit sur son visage les traits de la décrépitude, mais il voit aussi la sagesse, une signe de « l’automne de la vie ».

Renaissance, ou Renaissance - une étape historique dans culture européenne. Il s'agit d'une étape fatidique dans le développement de la civilisation mondiale, qui a remplacé l'obscurité et l'obscurantisme du Moyen Âge et a précédé l'émergence des valeurs culturelles des temps nouveaux. L'héritage de la Renaissance se caractérise par l'anthropocentrisme, c'est-à-dire une orientation vers l'Homme, sa vie et ses activités. S'éloignant des dogmes et des thèmes de l'Église, l'art acquiert un caractère laïc et le nom de l'époque fait référence à la renaissance de motifs anciens dans l'art.

La Renaissance, dont les racines sont originaires d'Italie, est généralement divisée en trois étapes : précoce (« quattrocento »), haute et ultérieure. Considérons les caractéristiques de la créativité des grands maîtres qui ont travaillé à cette époque ancienne mais significative.

Tout d’abord, il convient de noter que les créateurs de la Renaissance ne se sont pas seulement engagés dans les beaux-arts « purs », mais se sont également révélés être des chercheurs et des découvreurs talentueux. Par exemple, un architecte de Florence nommé Filippo Brunelleschi a décrit un ensemble de règles pour construire une perspective linéaire. Les lois qu'il a formulées ont permis de représenter avec précision le monde tridimensionnel sur toile. Parallèlement à l'incarnation d'idées progressistes dans la peinture, son contenu idéologique lui-même a changé - les héros des peintures sont devenus plus « terrestres », avec des qualités personnelles et des personnages prononcés. Cela s'appliquait même aux ouvrages sur des sujets liés à la religion.

Des noms marquants de la période du Quattrocento (seconde moitié du XVe siècle) - Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli et d'autres - ont à juste titre obtenu leur place d'honneur dans le trésor de la culture mondiale.

Durant la Haute Renaissance (première moitié du XVIe siècle), tout le potentiel idéologique et créatif des artistes se révèle pleinement. Un trait caractéristique de cette époque est la référence de l’art à l’époque de l’Antiquité. Cependant, les artistes ne copient pas aveuglément des sujets anciens, mais les utilisent plutôt pour créer et développer leurs propres styles. Ainsi art acquiert cohérence et rigueur, laissant place à une certaine frivolité de la période précédente. L'architecture, la sculpture et la peinture de cette époque se complètent harmonieusement. Les bâtiments, fresques et peintures créés pendant la haute période de la Renaissance sont de véritables chefs-d'œuvre. Les noms de génies universellement reconnus brillent : Léonard de Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarotti.

La personnalité de Léonard de Vinci mérite une attention particulière. On dit de lui qu'il est un homme très en avance sur son temps. Artiste, architecte, ingénieur, inventeur, cette liste n'est pas complète des incarnations de cette personnalité aux multiples facettes.

L'homme de la rue moderne connaît Léonard de Vinci avant tout en tant que peintre. Son œuvre la plus célèbre est La Joconde. À l’aide de son exemple, le spectateur peut apprécier l’innovation de la technique de l’auteur : grâce à son courage unique et à sa pensée détendue, Léonard a développé des façons fondamentalement nouvelles de « revitaliser » une image.

En utilisant le phénomène de diffusion de la lumière, il a obtenu une diminution du contraste des détails mineurs, augmentant ainsi le réalisme de l'image de nouveau niveau. Le maître a accordé une attention remarquable à la précision anatomique de l'incarnation du corps dans la peinture et le graphisme - les proportions de la figure « idéale » sont enregistrées dans « L'Homme de Vitruve ».

Seconde moitié du XVIe et première moitié XVII siècle est généralement appelé la fin de la Renaissance. Cette période a été caractérisée par des tendances culturelles et créatives très diverses, il est donc difficile de la juger sans ambiguïté. Les tendances religieuses du sud de l’Europe, incarnées par la Contre-Réforme, ont conduit à s’éloigner de la célébration de la beauté humaine et des idéaux anciens. La contradiction de ces sentiments avec l'idéologie établie de la Renaissance a conduit à l'émergence du maniérisme florentin. La peinture de ce style se caractérise par une palette de couleurs artificielles et lignes brisées. Les maîtres vénitiens de cette époque - Titien et Palladio - formèrent leurs propres directions de développement, qui avaient peu de points de contact avec les manifestations de la crise de l'art.

Outre la Renaissance italienne, il convient de prêter attention à la Renaissance nordique. Les artistes vivant au nord des Alpes étaient moins influencés par l’art ancien. Leur œuvre témoigne de l'influence du style gothique, qui perdura jusqu'à l'avènement de l'ère baroque. Les grandes figures de la Renaissance nordique sont Albrecht Dürer, Lucas Cranach l'Ancien, Pieter Bruegel l'Ancien.

Le patrimoine culturel des grands artistes de la Renaissance est inestimable. Le nom de chacun d’eux est soigneusement et respectueusement conservé dans la mémoire de l’humanité, puisque celui qui le portait était un diamant unique aux multiples facettes.