Nadejda Obydennova
Introduction aux arts et métiers populaires russes dans la créativité artistique des enfants

Sujet: « Introduction aux arts et métiers populaires russes dans la créativité artistique des enfants».

"La vue la plus haute art,

Le plus talentueux, le plus brillant

Est art folklorique, c'est,

Qu'est-ce qui est sauvegardé, quoi personnes porté à travers les siècles. »

M. I. Kalinine

Actuellement, divers changements sociaux se produisent dans la vie, qui ont littéralement fait irruption dans la vie de chacun de nous. Et parmi eux, il y a ceux qui affectent négativement le monde de l’enfant. Jeux folkloriques, amusants, les jouets sont remplacés par les écrans de télévision et les jeux informatiques.

Élever un citoyen et un patriote qui connaît et aime sa patrie est une tâche particulièrement pertinente aujourd’hui et ne peut être résolue avec succès sans une connaissance approfondie de la richesse spirituelle de sa patrie. personnes, développement culture populaire.

Il est impossible d'imaginer la culture russe sans art folklorique, qui révèle les origines primordiales de la vie spirituelle les Russes, démontre clairement ses valeurs morales et esthétiques, artistique goûts et fait partie de son histoire. Art folklorique préserve et transmet aux nouvelles générations les traditions nationales et développées par les gens formes d'attitude esthétique envers le monde.

l'artisanat est l'un des facteurs du développement harmonieux de la personnalité. Vivre la beauté art folklorique l'enfant éprouve des émotions positives, sur la base desquelles des émotions plus profondes surgissent sentiments: joie, admiration, ravissement. L'imagerie, la pensée et l'imagination se forment.

Tout cela provoque enfants le désir de transmettre la beauté perçue, de capturer ces objets arts décoratifs populaires ce qu'ils ont aimé, leur activité créatrice s'éveille et se développe, des sentiments esthétiques se forment et goût artistique, évaluation esthétique des objets russe. U enfants diverses capacités se forment - comment artistique, tellement intelligent. Contact avec l'art populaire enrichit l'enfant, favorise la fierté de soi personnes, maintient un intérêt pour son histoire et sa culture.

Dans mon travail, j'utilise le programme "Joie la créativité» O. A. Solomennikova, dont le but est: "développement capacités artistiques et créatives des enfants à travers le folk et

l'artisanat».

Pour atteindre cet objectif, les principales tâches sont mises en œuvre éducation artistique:

Développer un intérêt pour diverses espèces art, formation des premières idées sur art, la capacité de le percevoir ;

Formation artistiquement- idées et pensées figuratives, attitude émotionnelle-sensuelle envers art, éducation au goût esthétique ;

Développement créatif capacités en dessin, modelage, appliqué;

Développement de la motricité fine des mains enfants;

Développement des capacités de perception sensorielle, sens de la couleur, du rythme, de la composition ;

Communion les enfants aux meilleurs exemples d'art.

Après avoir étudié les objectifs d'apprentissage enfants avec art populaire, j'ai élaboré un plan à long terme pour initier les enfants à l'artisanat populaire, qui indique des objectifs d'apprentissage spécifiques, des sujets pour les cours de dessin, de modelage, d'appliqué et de travaux connexes avec les enfants.

Afin de résoudre les tâches définies, j'ai commencé par organiser le développement

environnement. Matériel pratique et méthodologique sélectionné

manuels, qui incluent des éléments authentiques

artisanat populaire - Khokhloma, Gjel, jouets Dymkovo,

Zhostovo, poupées gigognes, jouet Filimonovskaya, produits Gorodets ; illustrations, albums pour chaque type art folklorique. De nombreux supports pédagogiques ont été créés par eux-mêmes mains: jeux éducatifs- "D'où vient cet oiseau?", "Nommez les éléments du motif",

tableaux avec des éléments peintures folkloriques, dossier avec des silhouettes en papier.

Dans les groupes, un environnement de développement de matières pour des activités visuelles a été créé, où se trouve du matériel accessible pour la créativité, la présence de différents types - peintures, gouaches, crayons de couleur, cire, huile, pinceaux, cotons-tiges, tampons, etc. Conformément au sujet des cours, les centres ont été réapprovisionnés créativité artistique en groupe avec des objets, des manuels l'artisanat.

L'ensemble du processus éducatif est divisé en deux scène:

1. Étape – Préparatoire

Tâches:

- Faire découvrir aux enfants des exemples d'artisanat populaire;

Développer la capacité de voir, de comprendre et d’apprécier la beauté de l’artisanat artisanat artistique;

Percevoir le contenu du motif, les caractéristiques de ses moyens visuels et expressifs ;

Former un sentiment de rythme, de symétrie, d'harmonie.

2. Étape – Pratique

Tâches:

Transférez indépendamment vos impressions et vos idées sur populaire plastique de différents types activité artistique: modélisation et dessin ;

Construire indépendamment une composition de motifs sur différents produits, en tenant compte de leur forme ;

Composer indépendamment des compositions de motifs, utiliser des combinaisons de couleurs basées sur la connaissance des caractéristiques des peintures ;

Utiliser des techniques traditionnelles et non traditionnelles pour effectuer le travail.

Après avoir soigneusement étudié les matériaux concernant l'histoire du développement de divers métiers, elle a clarifié les méthodes et techniques utilisées en peinture. Les méthodes suivantes sont utilisées - examen, visualisation, verbale, motivationnelle, pratique, techniques - créer une situation de jeu, montrer des manières de représenter de nouveaux éléments, nommer les éléments du motif, relier l'examen du produit de l'artisan avec le élaboration ultérieure de modèles, "geste de la main".

Pour le developpement capacités créatives des enfants J'ai utilisé une technique de dessin non conventionnelle - peinture au doigt, impression avec un bouchon, un capuchon et la méthode du piquage. Cette technique est utilisée dans la peinture de Dymkovo, Khokhloma et Gjel.

Faire découvrir aux enfants les produits folkloriques J'ai essayé d'enseigner les métiers enfants voir les propriétés esthétiques des objets, la variété et la beauté des formes, la combinaison des couleurs et des nuances, car en regardant, en regardant attentivement et en réfléchissant, les enfants apprennent à comprendre, ressentir, aimer.

Dans un but d'éducation émotionnelle, l'examen des objets était accompagné de mots artistiques(contes de fées, légendes, poèmes, comptines, blagues, musique folklorique, Chansons russes. De brèves caractéristiques figuratives aident les enfants à se souvenir de tel ou tel personnage et à adopter une attitude amicale à son égard.

J'ai choisi les formes de cours de direction différent: un voyage à travers l'Antiquité villes russes, célèbre dans le monde entier pour son l'artisanat, transformation en maîtres - artistes, excursions vers un conte de fées. J'ai essayé de donner des cours de manière ludique, tout le monde invente titres: «Écharpe pour Mashenka», "Serviette pour un lapin", "Cuillère pour Zhiharka" et d'autres. Les enfants se voient confier une tâche de jeu visuel intéressante et motivée ; la leçon comprend un ensemble de jeux Actions: peindre une tasse ou un plat, offrir un foulard, habiller une poupée gigogne. Utilisation de matériel visuel mot artistique, musique - tout cela m'aide à aider les enfants à entrer dans un monde insolite art, attacher à culture artistique. Cela rend l’activité vivante et intéressante. Par conséquent, les enfants s'avèrent brillants, des œuvres colorées.

Consolider les connaissances sur populaire dans les domaines, nous organisons des cours intégrés qui aident à résoudre des problèmes de divers Régions: musique, lecture fiction, cognition, communication et autres. Dans de telles classes, la relation entre les éducateurs, le directeur musical et les enseignants de l'enseignement complémentaire est clairement visible.

Travaux finaux sur familiarisation avec tout type de gens la peinture se reflète dans les œuvres collectives enfants, qui servent à décorer les salles de groupe ou les vestiaires.

Des expositions communes sont organisées créativité des enfants et de leurs parents sur l'artisanat populaire"Motifs indigènes".

Parallèlement, un travail est mené avec les enseignants, qui comprend des conversations et des consultations sur le développement de créatif capacités et l'utilisation de techniques de dessin non traditionnelles, montrant des cours ouverts sur dessin décoratif.

Le travail effectué se reflète dans le comportement de la vie enfants: ils sont devenus plus indépendants, plus travailleurs, et respectent le travail de leurs aînés.

Les connaissances se sont approfondies les enfants à propos du matériel, à partir duquel les maîtres créent des œuvres art, vocabulaire élargi. Et surtout les enfants compris: la richesse de l'original l'art est dans son peuple, dont les mains talentueuses se multiplient, se développent et sauvent de l'oubli ancienne culture russe de la Russie.

Dans un sens large art populaire (folklore) - ce sont la poésie (légendes, contes de fées, épopées), la musique (chansons, airs, pièces de théâtre), le théâtre (drame, théâtre de marionnettes, pièces satiriques) créés par le peuple sur la base de l'expérience créatrice collective, des traditions nationales, de la danse, de l'architecture, beaux-arts et décoratifs - arts appliqués. Les œuvres d'art populaire ont une valeur spirituelle et matérielle et se distinguent par leur beauté et leur utilité. Les maîtres des arts et métiers populaires créent leurs œuvres à partir d’une variété de matériaux. Les plus courants sont : la céramique artistique, le tissage de dentelles, la broderie, la peinture, la sculpture sur bois ou sur pierre, la gravure, la ciselure, etc. On peut utiliser de la vaisselle peinte, des serviettes en dentelle, des planches de bois sculptées, des serviettes brodées dans la vie de tous les jours.

17. Types d'art populaire. Il y a deux directions : artisanat d'art urbain Et arts et métiers populaires. A titre d'exemple d'artisanat artistique traditionnel, on peut citer : la peinture sur bois Khokhloma, Gorodets, Dvina du Nord) et sur porcelaine (Gjel), les jouets en argile (Dymka, Kargopol, Filimonovo), les poupées gigognes (Sergiev Posad, Polkhov - Maidan), plateaux (Zhostovo), miniatures en laque (Fedoskino, Palekh, Kholuy), foulards (Pavlovsky Posad), jouets en bois sculpté (Sergiev Posad, Bogorodskoye), bijoux (Kubachi).

18. Décoratif. La décoration dans les arts populaires et décoratifs est le principal moyen d'expression de la beauté, et en même temps elle est une caractéristique des œuvres d'autres types d'art. L'image décorative n'exprime pas l'individu, mais le général - « l'espèce » (feuille, fleur, arbre, oiseau, cheval, etc.). Une image décorative nécessite une pensée artistique et imaginative. Par conséquent, dans l'art populaire, il est d'usage de mettre en évidence des types d'images de produits de l'artisanat artistique traditionnel, qui reflètent les idées mythologiques et esthétiques du peuple. Par exemple, l'image d'un oiseau, d'un cheval, de l'arbre de vie, d'une femme, des signes-symboles de la terre, de l'eau, du soleil peuvent être vus dans divers matériaux artistiques : broderie, tissage, dentelle, peinture sur bois et métal, sculpture sur bois, céramique, etc. La durabilité et le caractère traditionnel de ces images et leur nature archétypale déterminent en grande partie la haute valeur artistique et esthétique des œuvres d'art populaire. Dans le même temps, l'universalité des types d'images dans l'art des différents peuples du monde montre leur unité, associée à la communauté des approches du processus de cognition esthétique des phénomènes naturels et sociaux. Les images des arts décoratifs professionnels reflètent également les idées d’un peuple particulier sur la beauté. Ils sont aussi souvent créés à partir de motifs naturels ou géométriques, mais ici une grande liberté est laissée dans l'interprétation des images. Les sujets historiques ou les thèmes de la vie moderne sont activement utilisés dans les œuvres d’art appliqué.

19. Traditions artistiques populaires. Les auteurs d'études modernes dans le domaine de l'histoire de l'art considèrent les traditions comme un phénomène dialectique associé non seulement au passé, mais aussi au présent et au futur. Selon S.B. Rozhdestvenskaya, la tradition est un trésor de tout ce qui est esthétiquement parfait qui a été transmis de génération en génération, un complexe de moyens visuels à la fois stables et changeants. La formation et le développement des traditions artistiques populaires d'une région particulière ont eu lieu sous l'influence de facteurs naturels, géographiques, culturels et socio-économiques. M. Nekrasova considère l'art populaire comme un système créatif, culturel et historique qui s'affirme à travers la continuité des traditions et des fonctions comme un type particulier de créativité artistique dans les activités collectives du peuple. Et chaque nation porte sa propre culture de traditions poétiques, figuratives et artisanales. Ils ont mis des siècles à se développer et ont été peaufinés par de nombreuses générations de personnes. Avec les traditions de l'art populaire, non seulement le savoir-faire est transmis, mais aussi les images, les motifs appréciés du peuple, les principes et techniques artistiques. Les traditions constituent les principales couches de la culture artistique populaire - écoles et en même temps déterminent la vitalité particulière de l'art populaire. Il est impossible de sous-estimer le pouvoir de la tradition pour le développement de l’art populaire. M.A. Nekrasova justifie à juste titre la richesse artistique des images, des formes, des moyens et des techniques sur cette base même. Elle croit que seulement particulièrement particulier dans les systèmes nationaux, dans les systèmes régionaux, dans les systèmes d'écoles d'art populaire, la vie de l'art populaire en tant que centre culturel peut être déterminée ; seule une tradition vivante permet son développement. Loi de la tradition il s'avère que la principale force du développement.

20. Caractère national. Dans l'art populaire le tempérament national et le caractère national sont exprimés. Ils déterminent en grande partie la variété des formes d'art populaire. L'intégrité de l'art populaire en tant que structure artistique est la clé de sa compréhension. Tradition dans ce cas - méthode créative. Le traditionnel apparaît dans l'art populaire sous la forme d'un système pour lequel les aspects suivants sont importants : le lien entre l'homme et la nature, l'expression du national, les écoles d'art populaire (nationales, régionales, régionales, école des métiers individuels). Dans l'art populaire, les compétences artistiques, la dextérité technique, les méthodes de travail et les motivations sont transmises de maître à élève. Le système artistique se développe collectivement. Après les avoir maîtrisés, les élèves ont la possibilité de varier leurs motifs picturaux préférés. Et ce n'est que sur la base de l'expérience acquise qu'ils passent à l'improvisation basée sur la peinture et à la composition de leurs propres compositions. Si chacun passe sans faute par l'étape de répétition et de variation, alors seuls les étudiants les plus talentueux capables de devenir de véritables maîtres dans leur métier se mettent au travail au niveau de l'improvisation.

21 . Composition comment une relation significative entre les parties d'une œuvre d'art dans les arts populaires et décoratifs peut être construite selon divers schémas. Classiquement, on distingue les éléments actifs suivants d'une composition décorative : couleur, ornement, intrigue (thème), solution plastique planaire ou volumétrique. Pour comprendre les modèles de composition, il est nécessaire de percevoir l'image d'un objet artistique ou d'une composition spatio-volumétrique dans son ensemble.

22. Couleur- l'un des moyens d'expression des arts populaires et décoratifs - est considéré comme l'élément le plus important d'une image décorative. Il n’est pas associé à des caractéristiques spécifiques de l’objet ou du phénomène représenté. Chaque centre d'art populaire crée ses propres solutions coloristiques pour les objets artistiques, associées à la technologie traditionnelle de traitement des matériaux, de préservation des archétypes et d'autres conditions de créativité collective. Atteindre l'expressivité dans le travail décoratif est associé à des contrastes de tons et de couleurs. Dans les travaux décoratifs, les artistes veillent également à la relation harmonieuse des couleurs, et les couleurs réelles des objets peuvent être remplacées par des couleurs symboliques. L'unité coloristique de tous les éléments des ornements est obtenue à l'aide de contrastes ou de nuances de couleurs. Lors du choix des relations de couleurs dans les travaux de décoration, la taille des parties du motif, leur disposition rythmique, la fonction de l'objet et le matériau à partir duquel il est fabriqué sont pris en compte.

23. Sujet. Dans la sculpture décorative ou sur des récipients en céramique, le thème et le sujet peuvent être exprimés de diverses manières. Par exemple, dans les céramiques de Gjel, une scène de goûter est représentée sur des plats ou sculptée dans du petit plastique. Et le récipient se transforme facilement en animal ou en oiseau. Une composition décorative thématique a ses propres motifs, son propre langage artistique. Comme toute œuvre d’art, elle raconte des personnes, des choses ou des événements. Mais en même temps, l'histoire picturale est subordonnée à des fins décoratives, en règle générale, elle sert à décorer l'objet. Par conséquent, la composition décorative est également liée à l’ornement. Ses options sont innombrables en fonction de tâches spécifiques, et les possibilités artistiques peuvent être élargies en utilisant une variété de matériaux et de techniques, en modifiant le but et l'échelle de l'image. Le thème d’une composition décorative peut être exprimé d’une manière qui le distingue fondamentalement de la composition d’un tableau. Les relations spatiales de la nature réelle peuvent être complètement absentes. L'image d'un paysage peut se déployer non pas en profondeur, mais vers le haut ; dans ce cas, les plans lointains sont placés au-dessus des plans proches.

MANGER DES ARTS

© L.A. Kouznetsova

LA. KUZNETSOVA, candidate en sciences pédagogiques, professeure agrégée du Département des arts décoratifs et appliqués et du graphisme technique, Université d'État d'Orel

Tél. 89065717982

ART FOLKLORIQUE

L'article révèle l'histoire de l'étude de l'art décoratif populaire, son rôle dans le développement et la formation des inclinations artistiques et esthétiques des étudiants. L'article traite de l'artisanat populaire et de son rôle dans l'éducation des jeunes générations. La question du rôle du collectif dans le processus de création de produits décoratifs par les maîtres des arts appliqués populaires est posée, et le rôle du patrimoine des arts décoratifs et appliqués pour les artistes modernes est révélé.

Mots clés : art populaire, arts décoratifs et appliqués, artisanat, artisan populaire, culture populaire.

« ... L'art populaire est le passé vivant dans le présent, tourné vers l'avenir avec son rêve d'inédit. Il crée son propre monde de Beauté, vit selon son idéal de Bonté et de Justice et se développe selon ses propres lois. C’est la mémoire culturelle du peuple, indissociable des aspirations les plus profondes de notre époque. »1

L’étude de l’art populaire a commencé à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Les œuvres des critiques d'art A.V. ont reçu une reconnaissance universelle. Bakouchinski, V.S. Voronova. Des contributions significatives ont été apportées par les travaux d'A.B. Saltykova, V.M. Vasilenko (années 50, 70 du 20e siècle). ET MOI. Boguslavskaya, T.M. Razina, A.K. Chekalov dans ses œuvres a révélé divers aspects de l'art populaire. Une place particulière est occupée par les recherches de M.A. Nekrasova, dans ses œuvres, le rôle de l'art populaire dans la culture est défini au niveau méthodologique, les lois de son développement sont révélées et un système de concepts liés aux spécificités de l'art populaire en tant que type particulier de créativité artistique est identifié.

La recherche scientifique sur l’art populaire fait aujourd’hui partie de la théorie de l’art. La science de l'art populaire s'est formée en émergeant progressivement du contexte des questions de culture, d'ethnographie, de vie matérielle et d'histoire de l'art. Le travail que les chercheurs en art populaire ont réalisé et sont en train de faire n'est pas seulement important en tant que méthode de résolution de problèmes scientifiques. L’étude de la culture populaire au XVIIIe siècle était étroitement liée au renforcement de l’État. Les matériaux ethnographiques obtenus à la suite d'expéditions à la fin du XVIIIe siècle sont devenus la base des méthodes ultérieures d'étude de l'art populaire. Le début du XIXe siècle a été marqué par la confrontation entre « Occidentaux » et « slavophiles », dont la discussion a contribué à la formation d'idées diverses sur la culture populaire. Au milieu du XIXe siècle, l’ethnographie est devenue une science. Il reçoit une reconnaissance officielle et pour la première fois, la Société géographique russe nouvellement créée (1845) proclame clairement ses principales dispositions. Dans les années 1950, avant la réforme, et dans les années 1960 et 1970, des changements de gouvernement se sont produits, entraînant de grands changements dans la société russe. Enjeux de l'art populaire

La « Société d'art ancien » et la « Société archéologique » commencent à travailler à Moscou et à Saint-Pétersbourg. Au cours de cette période, les questions du développement de l'art populaire ont été abordées par des scientifiques tels que V.I. Dahl, P.A. Bessonov, P.I. Yakushkin et autres.

Le milieu du XIXe et le début du XXe siècle sont caractérisés par l'émergence d'idées sur le contenu et la grande valeur de la culture populaire. L'intérêt économique pour l'artisanat devient d'une grande importance. Le problème de la représentation apparaît parallèlement à une compréhension de l’hétérogénéité sociale de l’art russe. La première expérience d'étude systématique de l'artisanat paysan remonte au début des années 50 du XXe siècle. Au nom du ministère des Domaines de l'État, des commissions spéciales ont été créées, chargées de la collecte d'informations la plus complète sur l'artisanat paysan et les industries artisanales. Durant cette période, une contribution inestimable a été apportée par V.S. Voronov, A.I. Nekrassov, A.V. Bakouchinski, N. Shcheko-tov. Les recherches de V.S. Gorodtsov (1926), repris par L.A. Dintses (1951), V.Ya. Propp (1963). Les recherches de ces scientifiques ont révélé l’importance de la sémantique pour la critique d’art. Lorsque la base sémantique, la base rituelle et rythmique, la signification des compositions ornementales d'une image artistique sont claires, alors elle se révèle plus clairement et plus pleinement.

L'art populaire présente un intérêt non seulement du point de vue artistique, mais aussi du point de vue historique, ethnographique, sociologique et scientifique. La connaissance des origines de l'art populaire, de sa nature artistique et de ses valeurs spirituelles devrait devenir partie intégrante de la culture spirituelle d'un étudiant étudiant dans un domaine artistique. L'art populaire permet de cultiver en eux une certaine culture de perception du monde matériel, de développer les qualités créatives de l'individu, d'être prêt à hériter des valeurs spirituelles de l'art populaire, d'être prêt à mener un dialogue entre les cultures de différentes époques et peuples du monde.

L'art et la culture populaires, créant constamment, donnant expérience et sagesse à la culture des artistes professionnels, les aident à démontrer leur capacité à s'installer et à ressentir le monde. La synthèse du naturel et du populaire peut être identifiée comme la principale source d’expériences esthétiques dans l’art russe. Le monde de l'art populaire est le monde d'une personne holistique. Il pousse et se développe dans le milieu naturel. L'homme, utilisant les bienfaits de la nature obtenus par le travail

sur terre, on se sent dans la nature. Ainsi, un artiste populaire se sent particulièrement impliqué dans la culture de son pays natal, conservant une ampleur universelle dans son œuvre. Un artiste qui se tourne vers l'art populaire comprend le monde grâce à la connaissance de lui-même. La participation au tout crée dans chaque culture sa propre image nationale du monde, ses propres images, types. L'essence de l'idéal populaire a toujours été l'opposition du bien - du mal, de la beauté et de l'ordre - du chaos mondial, des forces transformatrices de la créativité - la décadence, la mort, l'éternel - le fini, le temporaire.

Folk désigne le plus souvent sa forme décorative, visuelle et appliquée, associée aux articles ménagers et à l'architecture populaire. D'autres types d'art populaire ont leurs propres noms, par exemple : le folklore, la danse folklorique, la créativité orale, les contes de fées et autres arts populaires en tant que phénomène social remontent à la vision du monde de la période de développement social préchrétienne ou même pré-païenne . Après l’adoption du christianisme par la Russie, l’art populaire s’est largement inspiré de la culture gréco-byzantine.

En tant que forme d'expérience historique et artistique, l'art populaire prend fin dans les années 20-30 du 20e siècle. Aujourd'hui, l'art populaire russe ne reste que la source de nos idées sur l'histoire de la vision du monde. Le changement de conscience populaire dans le premier tiers du XXe siècle a été associé à la reconstruction sociale, lorsque les valeurs de la paysannerie et de l'artisanat ont été reléguées au second plan par le développement de la société industrielle. Mais l’art populaire revêt toujours une grande importance, en raison de ses diverses fonctions. L’une des plus importantes est l’expérience esthétique, qui reste aujourd’hui très demandée malgré les nouvelles réalités. Il entrelace étroitement les caractéristiques de la forme artistique et le concept de base idéologique nationale. Tout cela constitue un matériau pratique pour les programmes éducatifs dans lesquels la nature figurative du savoir est liée à l'expérience technologique, aux techniques et aux méthodes d'expérience sensorielle et sensible inhérentes aux arts fins et décoratifs. En matière d'éducation humanisée, le recours à l'art populaire offrira l'occasion de former l'intelligence culturelle générale de l'individu, le rapprochant de la nature en tant que commencement de l'âme humaine.

L’art populaire exprimait une vision holistique du monde, la vision du monde du peuple russe. L'essentiel n'était pas momentané, il était basé sur l'éternel, le général, qui déterminait la connexion du temps.

Myon et à chaque segment de son développement ont créé quelque chose qui leur est propre, nouveau. Malgré la diversité de ses manifestations, l'art populaire russe se distingue par son grand amour pour les formes naturelles. L'art populaire, comme tout artisanat populaire, est le résultat de la créativité d'une équipe qui perfectionne et améliore constamment la culture de l'artisanat et le langage artistique. L'artisanat unit non seulement les gens autour d'une cause commune, mais oriente également l'activité créatrice de différents individus vers un seul objectif. Le profond esprit de collectivité de la vie du village a eu une grande influence sur l’ensemble de la culture populaire. Dans l'art populaire, il confère à l'image une échelle universelle et constitue l'essence même de la créativité, sa base spirituelle et morale, ces principes de collectivité sur lesquels l'art de l'artisanat populaire naît et se développe.

La valeur pédagogique de la connaissance des arts populaires et décoratifs réside dans le fait que les œuvres de ces types d'art permettent de cultiver une certaine culture de perception du monde matériel, contribuent à la formation d'une attitude esthétique face à la réalité et aident à mieux comprendre les aspects artistiques et expressifs de l’environnement. Sur la base des connaissances sur l'art populaire, des programmes nationaux régionaux pour la renaissance de l'artisanat des peuples de Russie sont en cours d'élaboration. Les programmes éducatifs dans lesquels des matériaux d'art populaire ont été introduits ont eu l'occasion d'aborder les racines du patrimoine historique et artistique qui déterminent le vaste contexte social de l'art populaire.

Le monde objectif qui nous entoure évolue très rapidement. Il est nécessaire de guider pratiquement les penchants artistiques des étudiants afin de les aider à organiser leur logement, à choisir leurs vêtements et à révéler la signification esthétique des œuvres d'art décoratif et appliqué des époques passées et présentes. Initier les étudiants à l'imagerie décorative, notamment dans les œuvres d'artistes populaires, contribue au développement de leur attitude esthétique face à la réalité. Les origines de l'expressivité décorative et de l'art décoratif résident dans la capacité des maîtres à appréhender esthétiquement la nature. L'importance des œuvres d'art décoratif et appliqué pour la formation du goût artistique est également déterminée par le fait qu'elles réfractent spécifiquement les moyens d'expression d'autres types d'art.

arts - peinture, graphisme, sculpture, architecture. Par exemple, dans les vernis artistiques russes, des techniques de peinture telles que la sous-couche et le glaçage sont préservées, conférant une sonorité et une expressivité particulières à la palette de couleurs. Dans d'autres types d'art décoratif et appliqué - céramique, traitement artistique du bois, de la pierre, de l'os, de la corne - les qualités sculpturales prédominent. Dans les œuvres des artisans populaires, on peut voir une compréhension profonde du lien organique entre la perception esthétique de la forme d'un objet et sa fonction. Le processus de généralisation dans la créativité décorative, la création de forme, est indissociable de l'identification des propriétés du matériau. Le matériau dicte ses conditions. Considérez le sifflet jouet folklorique. La base du jouet est une image décorative d'un oiseau, mais elle est interprétée différemment en argile et en bois. Fabriquer des sifflets en argile nécessite de la douceur, de la souplesse de l'argile, la capacité de révéler la texture différemment, brillante sous glaçure et mate, rugueuse lorsqu'elle est simplement peinte. La forme d'un jouet tourné en bois a des lignes strictes, le volume du jouet est créé sur la base de la rotation avec la surface du bois, lisse jusqu'à briller. Les différentes formes des sifflets pour oiseaux ne sont pas seulement dues à la différence de matériau, tous les jouets en argile sont différents par leur forme, leur caractère et leur expressivité. Le même matériau se comporte différemment entre les mains des différents maîtres des jouets Dymkovo, Filimonov, Kargopol et Pleshkov. A l'exemple des maîtres anciens, les artisans modernes apprennent à comprendre le caractère décoratif du matériau : texture, couleur, texture.

Il est difficile d'imaginer des objets d'art décoratif et appliqué sans motif. Au fil du temps, une étonnante harmonie de contenu et de forme, d'ornement et de moyens de mise en œuvre est née, qui nous ravit encore aujourd'hui dans tout produit de l'art populaire. Des exemples de compositions ornementales réalisées par des artisans populaires dans différents matériaux, utilisant diverses technologies de traitement de la forme d'un objet, permettent de familiariser simplement et clairement les étudiants avec l'unité de l'esthétique et du fonctionnel dans la création d'un objet artistique, mettent en valeur le techniques de généralisation décorative, et montrent que chaque chose est créée pour une personne et vit en relation étroite avec les choses qui l'entourent.

L'art populaire nous montre un exemple de la véritable grandeur du pouvoir artistique, créé par un collectif populaire, il est brillant, il continue de vivre et de se développer.

PÉDAGOGIE ET ​​PSYCHOLOGIE

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Cet article expose l'histoire de la recherche sur les arts décoratifs populaires, son rôle dans le développement et la formation des tendances artistiques et esthétiques des étudiants. Cet article examine l'artisanat populaire et son rôle dans l'éducation des générations montantes. Le rôle du collectif dans le processus de création des produits décoratifs par les maîtres de l'art populaire appliqué est mentionné. Le rôle du patrimoine artisanal pour les artistes modernes est révélé dans l'article.

Mots clés : art populaire, arts et métiers, artisanat, maître folklorique, culture populaire.

Arts populaires et décoratifs - dans le cadre de la culture artistique

Il existe de nombreux types de traitement artistique des matériaux. Cependant, tous ne peuvent pas faire partie intégrante du contenu des cours dans les écoles d'enseignement général, en tant que moyen pédagogique. Ils doivent répondre à certaines exigences pédagogiques. Les types d'arts décoratifs et appliqués utilisés dans le travail éducatif devraient être accessibles aux écoliers en termes de caractéristiques artistiques et technologiques, en termes d'efforts et de temps. Outre l'accessibilité et la faisabilité, ces cours doivent disposer d'une marge potentielle de complexité pour que chaque tâche soit réalisée selon le principe didactique de l'apprentissage. À un niveau de difficulté qui permet de révéler plus pleinement les capacités spirituelles et physiques des écoliers. De tels types d'arts décoratifs et appliqués se généralisent, dans le processus de maîtrise du programme, des liens interdisciplinaires sont établis, ainsi que des liens entre l'application pratique et le développement ultérieur des connaissances et des compétences acquises par les écoliers. Parce que c'est une chose d'étudier théoriquement un cours dans une matière et une autre de mettre en pratique les connaissances acquises. L'expérience montre que les connaissances consolidées dans les activités pratiques sont absorbées depuis longtemps et fermement.

Chaque enfant est naturellement doté de sentiments dont le développement et l'éducation déterminent sa capacité à percevoir esthétiquement la réalité.

Les arts populaires et décoratifs font partie intégrante de la culture artistique. Les œuvres d'art appliqué reflètent les traditions artistiques de la nation, la vision du monde, la vision du monde et l'expérience artistique du peuple et préservent la mémoire historique.

Au sens large, l'art populaire désigne la poésie, la musique, le théâtre, la danse, l'architecture, les beaux-arts et les arts décoratifs créés par le peuple sur la base de l'expérience créative collective, des traditions nationales et existant parmi le peuple.

Un autre domaine des arts décoratifs et appliqués est associé à la décoration de la personne elle-même - la création d'un costume artistiquement exécuté qui constitue un ensemble avec une coiffe, des chaussures et des bijoux. Mais depuis peu, le costume est de plus en plus considéré À conception de vêtements.

Les œuvres d'art populaire ont une valeur spirituelle et matérielle et se distinguent par leur beauté et leur utilité. Les maîtres des arts et métiers populaires créent leurs œuvres à partir d’une variété de matériaux. Les plus courants sont la céramique artistique, le tissage, la dentelle, la broderie et la peinture. Ainsi que la sculpture sur bois ou sur pierre, le forgeage, le moulage, la gravure, la ciselure, etc. Nous pouvons utiliser des plats peints, des serviettes en dentelle, des planches de bois sculptées, des serviettes brodées et de nombreuses autres œuvres d'art populaire dans la vie quotidienne.

Une grande importance dans l'art populaire est accordée à l'ornement qui décore un objet ou qui en constitue l'élément structurel. Les motifs de l'ornement ont d'anciennes racines mythologiques.

L'art populaire vit depuis des siècles. Les compétences techniques et les images trouvées sont transmises de génération en génération, préservées dans la mémoire des artistes populaires. Pour cette raison, la tradition établie au fil des siècles sélectionne uniquement les meilleures réalisations créatives.

Les arts décoratifs et appliqués sont un domaine de l'art décoratif : la création de produits artistiques qui ont une utilité pratique dans la vie quotidienne et se distinguent par une imagerie décorative (vaisselle, meubles, tissus, vêtements, bijoux, jouets, etc.). Tous les objets entourant une personne doivent être non seulement confortables et pratiques, mais aussi beaux. L'usage et la beauté sont toujours à proximité lorsque les artistes se mettent au travail et créent des objets ménagers qui sont des œuvres d'art à partir de matériaux variés.

Un autre domaine des arts décoratifs et appliqués est associé à la parure de la personne elle-même - la création d'un costume artistiquement exécuté qui constitue un ensemble avec une coiffe, des chaussures et des bijoux. Mais depuis peu, le costume est de plus en plus considéré À conception de vêtements.

Cependant, les produits décoratifs ne démontrent pas seulement le goût esthétique et l'imagination de l'artiste. Comme les œuvres d’autres types d’art, elles reflètent les intérêts matériels et spirituels des personnes. Et même si aujourd’hui les produits des arts appliqués sont créés par l’industrie de l’art, ils conservent dans une large mesure des caractéristiques nationales. Tout cela nous permet de dire que dans l'art décoratif d'une certaine époque historique, les traits de l'unité stylistique s'expriment clairement, par exemple la période du gothique, de l'Art nouveau, du classicisme, etc.

Comment déterminer si un produit donné est une œuvre d’art décoratif ? Parfois, ils argumentent ainsi : si un vase a une belle forme, mais qu'il n'est décoré de rien, alors ce n'est pas une œuvre d'art décoratif, mais si vous y mettez une sorte de motif, il se transformera immédiatement en une œuvre . C'est faux. Parfois, les ornements décorant un vase en font un artisanat insipide et le transforment en kitsch. À l’inverse, un récipient en argile pure ou en bois peut être si frappant par sa perfection que sa valeur artistique devient évidente.

Quelles sont les similitudes et les différences entre les œuvres des arts et métiers populaires et professionnels ?

Parfois, sur la base de la méthode de fabrication d'une chose, de la part du travail manuel dans ce processus et de la circulation massive des œuvres d'art appliqué, ils tentent de classer les œuvres d'art appliqué comme art populaire. C'est extrêmement difficile à faire, car les produits d'art populaire sont parfois créés dans des usines et les œuvres décoratives d'artistes professionnels sont parfois créées en un seul exemplaire.

La chose la plus importante, probablement, pour déterminer quel type d'art classer telle ou telle chose, est de déterminer dans le cadre de quelle tradition artistique elle a été créée, si les caractéristiques du type d'image d'un artisanat particulier et la technologie de traitement du matériau sont observés.

Les créations des artisans populaires et des artistes appliqués sont unies par la réflexion des formes, l'opportunité des proportions et l'unité stylistique de tous les éléments. L'expressivité de la ligne, de la silhouette, du rythme, de la couleur, des proportions, de la forme, de l'espace dans chaque type d'art décoratif dépend en grande partie des matériaux utilisés et de la technologie de leur traitement.

Un artisan populaire ou un artiste des arts décoratifs et appliqués s'efforce dans son travail de montrer de la meilleure façon possible les qualités esthétiques des matériaux. La décoration dans les arts populaires et décoratifs est le principal moyen d'exprimer la beauté, en même temps qu'elle est une caractéristique qualitative des œuvres d'autres types d'art.

Il faut tenir compte du fait que dans chaque type d'art l'image artistique a sa propre structure, déterminée, d'une part, par les particularités de l'expression du contenu spirituel, d'autre part, par la technologie, la nature du matériel dans lequel ce contenu est incorporé. L'image artistique dans les arts populaires et décoratifs présente des caractéristiques communes et distinctives.

L'image décorative n'exprime pas l'individu, mais le général – « spécifique », « générique » (feuille, fleur, arbre, oiseau, cheval, etc.). Une image décorative nécessite une pensée artistique et imaginative, une attitude mythopoétique envers la réalité.

Par conséquent, dans l'art populaire, il est d'usage de mettre en évidence des types d'images de produits d'idées artistiques traditionnelles, qui reflètent les idées mythologiques et esthétiques du peuple. Par exemple, l'image d'un oiseau, d'un cheval, de l'arbre de vie, d'une femme, des signes et symboles : la terre, l'eau, le soleil peuvent être vus dans divers matériaux artistiques. Broderie, tissage, dentelle ; peintures sur bois et métal; sculptures sur bois; céramiques, etc. La stabilité et la traditionalité de ces images, leur caractère archétypal déterminent en grande partie la haute valeur artistique et esthétique des œuvres d'art populaire.

En même temps, l'universalité des types d'images dans l'art des différents peuples du monde montre leur unité. Associé au point commun des approches du processus de cognition esthétique des phénomènes naturels et sociaux.

Les images des arts décoratifs professionnels reflètent également les idées d’un peuple particulier sur la beauté. Ils sont aussi souvent créés à partir de motifs naturels ou géométriques, mais ici une grande liberté est laissée dans l'interprétation des images. Les sujets historiques ou les thèmes de la vie moderne sont activement utilisés dans les œuvres d’art appliqué.

Lors de l'analyse des mérites artistiques d'une œuvre particulière d'art décoratif populaire ou professionnel, il est nécessaire de prêter attention à sa solution figurative, en tenant compte des caractéristiques du matériau, de l'expressivité de la forme et des proportions, de la palette de couleurs, de la connexion des l'ornement avec la forme du produit, les mérites plastiques, picturaux ou graphiques de la chose. Dans le même temps, il est important de noter comment les répétitions rythmiques, les caractéristiques compositionnelles de la construction de l'ornement et la chose dans son ensemble influencent sa solution figurative.

Les arts et métiers populaires et professionnels sont interprétés comme des arts qui répondent aux besoins de l'homme et satisfont en même temps ses besoins esthétiques, donnant vie à la beauté.

L'art populaire est avant tout un vaste monde d'expérience spirituelle du peuple, ses idées artistiques font partie intégrante de la culture. L'art populaire est basé sur l'activité créatrice du peuple, reflétant sa conscience de soi et sa mémoire historique. La communication avec l’art populaire, avec ses idéaux moraux et esthétiques développés au fil des siècles, joue un rôle éducatif important.

Les fondements théoriques de l'art populaire, son essence et sa signification en tant que système artistique dans son ensemble ont été étayés par d'éminents scientifiques nationaux : , etc. Dans leurs travaux, les principales lois du développement de l'art populaire ont été définies comme « le principe collectif » et « nationalité".

L’art de l’ornement est un phénomène complexe et significatif qui nécessite une étude approfondie, une compréhension théorique et une maîtrise pratique.

Ornement- Il s'agit d'un motif construit sur une alternance rythmique et un agencement organisé des éléments.

Le terme « ornement » est lié au mot « décoration ». Selon la nature des motifs, on distingue les types d'ornements suivants : géométriques, floraux, zoomorphes, anthropomorphes et combinés.

Géométrique l'ornement peut être constitué de points, de lignes, de cercles, de losanges, d'étoiles, de croix, de spirales, etc. Des motifs complexes tels que les méandres, que l'on retrouve dans l'art de la Grèce antique, peuvent également être classés comme motifs géométriques. Les motifs géométriques des pays de l’Est étaient particulièrement diversifiés. 3

Légume l'ornement est composé de feuilles stylisées, de fleurs, de fruits, de branches, etc. Dans les ornements végétaux de la Grèce antique, on utilisait souvent des images d'acanthe, de lotus, de papyrus, de palmier, etc.. Et parmi les peuples orientaux, un motif végétal populaire était l'ornement « islimi » - un liseron en spirale. Les compositions de ces ornements sont très diverses.

Zoomorphe l'ornement représente des figures stylisées ou des parties de figures d'animaux réels et fantastiques. Les images décoratives d’oiseaux et de poissons appartiennent également à ce type d’ornement.

Anthropomorphe L'ornement utilise comme motifs des figures stylisées masculines et féminines ou des parties du visage et du corps humain. Cela inclut diverses créatures fantastiques telles que la jeune fille aux oiseaux, le cavalier, etc.

Souvent, dans les motifs, il existe des combinaisons de motifs variés : géométriques et végétaux, anthropomorphes et zoomorphes. Un tel ornement peut être appelé combiné.

L’ornement est la partie la plus importante des arts populaires et décoratifs. Il est utilisé pour décorer des bâtiments, des vêtements, des articles ménagers, des armes et est largement utilisé dans les livres et les graphiques appliqués, les affiches, etc. L'ornement peut être dessiné avec du matériel graphique et peint, brodé ou tissé à partir de fil, sculpté sur bois ou gaufré. sur métal, etc. Un ornement peut devenir un objet s'il est tissé sous forme de dentelle (serviettes, col, nappe, etc.), de natte, ou forgé à partir de métal. L'ornement peut être multicolore ou uni, réalisé à la surface de l'objet de manière convexe, en relief ou, au contraire, approfondi.

Les caractéristiques stylistiques générales de l'art ornemental sont déterminées par les caractéristiques et les traditions de la culture visuelle de chaque nation, présentent une certaine stabilité sur une longue période historique et ont un caractère national prononcé. On peut donc dire que l'ornement est le style de l'époque, signe fiable que l'œuvre appartient à une certaine époque et à un certain pays (gothique, baroque, Art nouveau, etc.).

Pendant de nombreux siècles, les gens ont cru au pouvoir protecteur de l’ornement, estimant qu’il protégeait des ennuis et apportait bonheur et prospérité. Peu à peu, la fonction de l'amulette a été perdue, mais le but principal de l'ornement est resté : rendre l'objet plus élégant, plus attrayant et artistiquement expressif.

Les propriétés d'un ornement dépendent de la fonction de la forme, de la structure et du matériau de la chose qu'il apprivoise. L’ornement permet de mettre en valeur les caractéristiques plastiques et conceptuelles d’un objet, d’améliorer son design figuratif et de mieux révéler la beauté naturelle du matériau. Tout cela est possible à condition de combiner harmonieusement l’ornement et la forme de l’objet.

En fonction de la nature des schémas de composition, on distingue les types d'ornements suivants : ruban (frise, bordure, bordure), présentant sept types de symétrie différents, maillé et fermé (en cercle, carré, rectangle, triangle, etc. ).

Le rythme est très important en ornementation. Le rythme dans un ornement est l'alternance d'éléments de motif dans une certaine séquence. La construction rythmique dans une composition ornementale peut être réalisée grâce à diverses techniques ; la répétition en rapport d'un motif crée un rythme varié. Les éléments répétés d’un ornement sont appelés répétitions. Il existe différents types de compositions de rapports.

Un thème spécial est l’ornement et la symétrie. La symétrie dans l’art est le modèle précis d’agencement d’objets ou de parties d’un tout artistique.

Un ornement créé dans un cercle en le divisant en parties égales par diamètre est appelé rosace ou rosace. La symétrie contribue à créer un certain rythme dans l'ornement. Les compositions ornementales non seulement symétriques, mais aussi asymétriques sont très diverses.

La stylisation est une généralisation décorative et une mise en valeur des traits caractéristiques d'objets à l'aide d'un certain nombre de techniques conventionnelles.

Les ornements folkloriques sont généralement créés sur la base de la stylisation de formes naturelles. L'exemple de l'ornement est bien visible. Comment les formes des plantes, des animaux et même des figures humaines peuvent être transformées en éléments géométriques.

En sélectionnant l'essentiel, le maître transforme l'objet, subordonnant sa forme et sa couleur à la structure rythmique de l'ornement. Le travail d'un artiste populaire est basé sur une perception émotionnelle et associative, sa solution figurative peut différer considérablement de la nature.

Une fleur, une feuille, une branche peuvent être traitées presque comme des formes géométriques ou les contours naturels et lisses peuvent être préservés. A partir d'images réelles, l'artiste crée de nouveaux ornements basés sur l'imagination créatrice.

Dans l'art décoratif, en train de généraliser une forme, l'artiste, tout en conservant son expressivité plastique, met en valeur l'essentiel et le typique, abandonnant les détails secondaires. Toutes les nuances observées sous forme réelle sont réduites à plusieurs couleurs. Un rejet complet de la vraie couleur est également possible.

Le style général de l'ornement, sa composition linéaire et colorée sont basés sur une refonte créative de la nature.

Les ornements font partie inextricable des arts appliqués. Il témoigne clairement du niveau de culture matérielle et spirituelle du peuple ; la profondeur de ses pensées, de son imagination créatrice et de ses compétences artistiques y sont concentrées.

En broderie, les artisanes combinaient des motifs floraux et géométriques. Rectangle, carré, losange, triangle, trapèze - ce sont les formes géométriques les plus simples que l'on retrouve souvent dans les appliques en tissu. Les vêtements de fête sont richement décorés d'ornements dont les principaux motifs sont le tilleul et les chevrons. L'artisane décore ses produits de rayures ornementées et de plaques à la mode.

De plus, dans les œuvres d'art appliqué de Yakut, outre les ornements, diverses intrigues avec des significations héraldiques sont représentées : cavalier - licorne, lion, cheval, arbre sacré du folklore - Aal Luuk mas, etc.

Le langage de l’ornement était utilisé pour créer des images artistiques compréhensibles par le grand public. Au fil du temps, le contenu de nombreux ornements a été oublié et la recherche moderne nécessitera un travail minutieux pour résoudre le mystère du contenu d'au moins une partie d'entre eux. Certains ornements sont devenus traditionnels sans aucune explication. Les motifs géométriques des vêtements yakoutes se retrouvent dans les décorations des bordures des coiffes, des vêtements d'épaule et des chaussures. Par la suite, les contours des ornements deviennent plus complexes. Des motifs curvilignes apparaissent - vagues, arcs arqués, figures courbes.

Les détails des ornements dans leurs contours ressemblent à des yeux, des cornes, des têtes et des figures d'animaux. Souvent, les ornements comprennent des images stylisées de motifs d'animaux individuels, reflétés dans les formes et les noms : « tanalai oyuu » (motif du ciel), « buer oyuu » (motif des reins), « surekh oyuu » (motif du cœur).

Le motif ornemental des vêtements folkloriques de Yakut constitue toute une couche de la culture spirituelle et matérielle du peuple Sakha, qui nécessite une étude minutieuse : clarification de son identité ethnique, de ses caractéristiques plastiques de composition, coloristiques, constructives et de connexion. L'imagerie artistique de l'ornement est étroitement liée aux rituels populaires, aux coutumes ethnographiques, à la mythologie et à l'épopée.

Toute la vie des Yakoutes était étroitement liée à la nature environnante : ils en tiraient tout, nourriture, vêtements et outils. Selon leurs conceptions, la chose la plus importante dans notre Univers était la Nature. Par conséquent, les vêtements du peuple Sakha, en tant que partie de la culture matérielle, étaient indissociables de leurs croyances, rituels, nature et divinités.

Les motifs et les tissus étaient brodés selon un dessin préliminaire avec des fils, des perles et des perles et décorés de plaques métalliques, de plaques et d'appliques de mosaïques en tissu multicolores.

Les artisanes savaient comment coordonner le dessin de l'ornement avec la taille et la forme des produits et la technique d'exécution, et le motif de la broderie yakoute lui-même est le résultat de la créativité de nombreuses générations. Les artisanes ont apporté beaucoup d'imagination créatrice personnelle dans leur travail, mais même en créant de nouveaux modèles, elles ne se sont pas écartées des traditions et n'ont pas violé le style artistique établi.

Dans l'histoire (culture) de toute nation, les motifs ont une signification mystique et servent à leur propriétaire d'amulettes et même de sorte de « passeport ». Ainsi, dans la Russie antique, en examinant attentivement le col brodé d'une chemise, ils déterminaient à quelle tribu appartenait son propriétaire. Autrefois, en Yakoutie, en jetant simplement un petit coup d'œil aux vêtements et aux bijoux d'une femme, on pouvait connaître avec précision son âge, sa situation financière et même le nombre d'enfants, ainsi que les vaches, les chevaux et les cerfs. Aujourd'hui encore, une artisane yakoute, après avoir examiné le motif, sera en mesure de dire dans quel ulus habite le maître qui l'a réalisé.

Les motifs sur les vêtements étaient disposés en stricte conformité avec l'emplacement des... chakras. Par exemple, une ligne à motifs le long de la colonne vertébrale (n'importe quel yogi vous dira que c'est le long de la colonne vertébrale que monte l'énergie du kundami) masque non seulement la couture des vêtements, mais remplit également une fonction protectrice, protégeant le noyau vital de influences extérieures négatives. Il peut être présent aussi bien sur les vêtements pour hommes que sur les vêtements pour femmes.

Mais les ourlets brodés et les motifs sur les hanches sont typiques des vêtements pour femmes. Ils représentent rarement le nid de la déesse Aiyyyt (la patronne des femmes, de l'accouchement et de la maternité), qui protège l'utérus du mauvais œil non pas sur le nid, mais sur un cœur aux bords ouverts. Souvent, un schéma fermé est répété trois fois afin de protéger les trois âmes d'une personne - salgyn kut, buor kut, c'est-à-dire kut (âme aérienne, terrestre et maternelle). Sur les décorations de tête bastyn ou les casquettes d'été, le symbole solaire (décor symbolisant le cercle solaire) est généralement situé au milieu de la partie supérieure du front à la place du troisième œil. Deux autres cercles des deux côtés des tempes couvrent également les chakras.

Un motif continu le long de l'ourlet des vêtements, qui éloigne les mauvais esprits du monde inférieur, était considéré comme obligatoire pour les vêtements pour hommes et pour femmes. Souvent, ce motif noir et blanc est tangalat, signifiant le chemin de la vie et un obstacle sur le chemin du mal. Pour comprendre à quoi cela ressemble, il suffit de regarder un poste frontière ordinaire.

Désignations de couleurs pour les Yakoutes.

L'ensemble du mode de vie et de l'activité économique des Yakoutes était étroitement lié à Mère Nature. Par conséquent, les couleurs de leurs vêtements reflètent la palette naturelle - les couleurs de la terre, du ciel, des plantes, du soleil et de la neige, des couleurs toujours harmonieuses et agréables à l'œil avec fraîcheur et beauté. L'éveil de la nature, l'arrivée de l'été, la floraison printanière et le flétrissement automnal des plantes, le lever et le coucher du soleil - tout cela se reflétait dans les motifs brodés par nos ancêtres, où le blanc, le noir, le bleu - le bleu, le vert et les couleurs rouges prédominaient.

Depuis l'Antiquité, la couleur rouge est associée à la religion - c'est la couleur du sang, la couleur de la force, de la vie, du lien avec la mère, c'est pourquoi l'amulette de la croyance de la mère - l'âme (c'est-à-dire - kut) la protégeait ; Couleur verte (herbe verte); bleu (ciel bleu); bleu (étendues bleues, bleu) – la couleur de la nature.

Nos ancêtres dans leurs chants et olonkho chantaient de manière très colorée toutes ces couleurs et leurs nuances, par exemple, la couleur verte personnifiait le lien avec la vie de la faune, et le symbole bleu de Salgyn Kut (âme de l'air), elle représentait l'espace bleu sans fond avec un souffle bleu (kuoh tyyn). Et c'était un signe de développement, d'épanouissement de la vie.

Jaune, blanc, couleurs du soleil, de la neige, elles sont associées à l'environnement et sont symbole de vie, de bonheur, de tout ce qui est lumineux et bon.

Noir, gris foncé, marron - la couleur de la terre, personnifiée Buor kut (âme de la terre), Mère - la terre.

Lors de l'étude de la littérature spéciale, il a été confirmé que le peuple Sakha vénérait tout ce qui nous entoure et y attachait une grande importance, ce qui était véhiculé par des motifs, des signes et des symboles.

Nous, Yakoutiens modernes, commençons à comprendre que notre culture est l'une des plus anciennes, qui combine avant tout l'amour de notre nature natale, des animaux, de la foi et du culte des divinités. Aussi le culte d’une femme, ancêtre d’un clan, d’une tribu, continuatrice de la vie des gens.

De nos jours, les anciens symboles et signes disparaissent, se transformant en simples éléments d’un motif, répété de manière stéréotypée de génération en génération par inertie. Par conséquent, de nombreux chercheurs de la culture populaire et artisans restaurent les styles oubliés des anciens vêtements Sakha.

2.1. L'applique est l'un des types d'art décoratif et appliqué pour réaliser des travaux ornementaux.

L'applique appartient aux arts et à l'artisanat et est un type de broderie utilisé pour décorer des vêtements, des articles ménagers et pour créer des panneaux décoratifs.

Qu’est-ce que les arts décoratifs et appliqués ? C'est ainsi que ce concept est défini dans un petit dictionnaire de l'esthétique (éd. - M., 1964. - pp. 73-74) : art décoratif et appliqué - « un type d'art (proche des beaux-arts), les œuvres de qui sont des objets possédant certaines propriétés artistiques et esthétiques, mais ayant en même temps une utilité pratique directe dans la vie quotidienne, le travail ou spécialement destinés à la décoration... »

De par son origine, l’art décoratif et appliqué est l’une des formes d’art les plus anciennes.

Depuis longtemps, les gens s’efforcent de rendre leur maison, leurs vêtements et leurs articles ménagers non seulement confortables, durables, mais aussi beaux. La principale source d'inspiration des gens était le monde naturel étonnant qui les entourait. Les peuples du Nord représentaient des cerfs, des morses et des épicéas dans leurs dessins (Fig. 2). Dans les steppes infinies du Kazakhstan, le principal motif de composition des motifs était les diverses cornes de béliers ramifiées.

La richesse des formes et les couleurs vives des fleurs des champs d'Ukraine ont été transformées par les maîtres en éléments décoratifs de l'ornement.

Le peuple azerbaïdjanais a investi tout son art dans des motifs floraux et géométriques complexes entrelacés.

Les motifs de la dentelle de Vologda, les tissages complexes des décorations ornementales des minarets de Samarkand, les illustrations de livres arméniens anciens et la broderie biélorusse évoquent le ravissement.

Les styles nationaux de modèles ont été améliorés au fil de nombreuses générations, devenant laconiques et faciles à imiter.

Pendant les cours à l'école, les enfants se familiarisent avec les produits de l'artisanat populaire bien connu pour le traitement de divers matériaux : Palekh, Mstera, Fedoskina (peinture miniature sur papier mâché) ; Khokhloma, Gorodets (peinture sur bois) ; Kubachi (gravure sur métal) ; Vologda, Yelets (tissage de dentelle) ; Gjel (peinture artistique sur céramique) ; Azerbaïdjan (tapis) ; Ouzbékistan (ornements architecturaux sur plâtre) ; Ukraine (incrustations Hutsul avec différentes essences de bois), etc.

L'enseignant doit apprendre aux enfants à comprendre et à être fiers du travail des artisans populaires de toutes les nationalités de notre pays. Et cela, à son tour, contribue au développement du goût artistique, à la compréhension des caractéristiques de la construction du motif, en tenant compte du but du produit, de sa forme et du matériau utilisé.

L'arrêté du ministère de l'Éducation de l'URSS du 1er janvier 2001 « Sur les mesures visant au développement ultérieur de l'artisanat artistique populaire » permet, dans la mesure du possible, d'organiser l'étude des techniques techniques de fabrication de produits artistiques dans les cours de travail. Les résultats montrent que les arts et l'artisanat à l'école ont connu un nouveau développement ces dernières années. Aujourd'hui, les écoles utilisent de plus en plus de motifs ornementaux pour décorer les objets de travail. Les étudiants aiment étudier dans des clubs le gaufrage et la gravure, la broderie et le tricot, la sculpture sur bois et sur os, la marqueterie et la peinture. La formation préprofessionnelle des étudiants aux métiers populaires est dispensée dans des usines d'enseignement et de production. Le rôle de l’école primaire est donc important, car elle pose les bases de l’activité visuelle chez les enfants en âge d’aller à l’école primaire. Pendant les cours, les écoliers étudient non seulement l'art des peuples de l'URSS, mais apprennent également les techniques du travail artistique. Dans les activités extrascolaires, des activités intéressantes et captivantes se poursuivent pour les enfants.

La technique d'application offre d'excellentes opportunités d'enseignement et d'éducation. Au cours de l'activité artistique et professionnelle, l'enfant maîtrise un certain nombre de compétences graphiques (utiliser un crayon, une règle, une équerre, un compas), apprend à analyser les phénomènes et les objets du monde environnant, à utiliser des ciseaux, à appliquer correctement la colle avec un pinceau, coller soigneusement les pièces, etc.) Il développe son imagination, son attention volontaire, sa mémoire visuelle, son œil, son sens de la forme, du rythme, la perception des concepts spatiaux, la couleur et sa transformation ; un amour de la beauté, de la précision et de l'exactitude est favorisé ; la patience, la persévérance et le désir d'achever le travail commencé se forment. Les étudiants peuvent ensuite transférer l'art de fabriquer des appliqués en papier au travail sur du tissu, du bois, du cuir, du métal, etc.

Les fondateurs de l'art, écrit-il, étaient des potiers, des forgerons et des orfèvres, des tisserands et des tisserands, des maçons, des charpentiers, des sculpteurs sur bois et sur os, des armuriers, des peintres, des tailleurs, des couturières et en général - des artisans, des gens dont les choses étaient artistiquement faites, ravissant vos yeux. remplir les musées » (A Brief Dictionary of Aesthetics/Ed., M., 1964.- P. 74).

Les œuvres d'art décoratif et appliqué diffèrent par le type de produits créés (meubles, dentelles, bijoux, jouets, etc.), par le matériau à partir duquel le produit est créé (métal, bois, verre, porcelaine, bronze, céramique, etc. ). ), selon la technique de transformation des matériaux (sculpture artistique, peinture, gaufrage, moulage artistique, etc.). Les arts décoratifs et appliqués vivent autour de nous dans les tapis, les tissus, les vêtements, la vaisselle en céramique, la conception de livres, les billets de banque et dans la décoration des structures architecturales. Les affiches, les journaux muraux et les affiches à texte ornemental sont décorés de motifs ornementaux. Les enfants commencent très tôt à percevoir leur environnement, mais pour qu'ils apprécient ce qu'ils voient, distinguent ce qui est vraiment beau du hétéroclite et du vulgaire, cela doit être enseigné, et le plus tôt sera le mieux. Le travail visant à développer le goût artistique de l’enfant commence dans la famille et dans les établissements préscolaires.

Lorsque vous travaillez avec des enfants d'âge scolaire, à l'aide d'applications, vous pouvez organiser un processus d'apprentissage amusant et éducatif.

L'éducation sensorielle donne aux enfants la possibilité de comparer des figures en réalisant des applications. En composant et en construisant divers objets et éléments de la flore et de la faune à partir de rectangles, carrés, triangles, cercles, les enfants se familiarisent avec les bases de l'activité créative.

Sur la base des candidatures complétées, des conversations sont organisées qui favorisent le développement de la parole orale.

Le travail d'application dans les classes moyennes est inclus dans le programme de formation professionnelle. Dans les classes élémentaires, les travaux d'appliqués sont généralement réalisés sur des feuilles de papier, et dans les classes intermédiaires, ils sont principalement utilisés pour décorer des produits ayant une signification socialement utile. Les appliques sont utilisées pour décorer des signets, des boîtes, des dossiers, des modèles de voitures et d'autres objets ; elles sont utilisées dans la réparation de livres, de tableaux, dans la production d'aides visuelles et dans les travaux de conception. Les œuvres d'appliques décorent la vie quotidienne. Et cela ne diminue en rien l'importance de l'application, mais souligne une fois de plus son caractère appliqué.

Les activités extrascolaires continuent de nourrir l'intérêt profond et durable des enfants pour le travail artistique. Les cours dans les clubs de design technique et artistique élargissent les intérêts cognitifs individuels des écoliers. Les enfants utilisent dans leur travail les connaissances et les compétences acquises dans les cours de mathématiques, d'histoire naturelle et de beaux-arts. Dans des classes en cercle, utilisant divers matériaux artificiels et naturels, ils réalisent des travaux d'appliqués plus complexes et intéressants ; ils disposent de plus d'autonomie dans le choix des sujets ou des motifs de décoration. Non limités par un temps de cours rigide, les enfants font preuve de plus de créativité et d'imagination. Les dirigeants des clubs doivent identifier délibérément les inclinations des enfants et, en tenant compte des exigences pédagogiques, leur proposer des sujets de travail en fonction de leurs intérêts et de leurs capacités.

Dans les groupes à journée prolongée, dans les cours en clubs, l'enfant a la possibilité de travailler simultanément avec du papier de couleur, du carton, du tissu, de la pâte à modeler et, par modelage, de créer divers bricolages (voir : Travaux périscolaires sur le travail / Comp. - M., 1981).

Des cours intéressants sont organisés sur la fabrication d'équipements pour salles de jeux, la décoration de théâtres de marionnettes, les costumes de carnaval, divers travaux de conception, des concours pour le meilleur exemple de carton d'invitation, des emblèmes pour les noms d'un astérisque, d'un cercle et d'une équipe. Les œuvres réalisées avec des appliqués sont publiées pour une visualisation et une discussion générales. À partir d'échantillons d'appliqués, les lycéens peuvent découper certaines œuvres dans du contreplaqué ou les réaliser d'une autre manière.

Les clubs d'art appliqué fonctionnent avec succès dans les internats, les ateliers d'art, les camps pour enfants et ils sont faciles à organiser dans les établissements d'enseignement pour enfants. Les organisateurs et les dirigeants de ces cercles peuvent être des enseignants, des parents et des lycéens.

Un enseignant ou un animateur de cercle doit non seulement enseigner aux jeunes écoliers certaines techniques de travail, sa tâche principale est de développer leur capacité à être créatif, d'éveiller l'intérêt pour le travail et d'inculquer des compétences dans une culture de travail et d'entraide amicale.

Les produits dont la mise en œuvre est prévue dans leur conception, leur technologie et leur conception artistique doivent être à la portée des collégiens. Le travail doit non seulement être visuellement attrayant, mais, surtout, il doit être réalisé avec une grande qualité par chaque étudiant. Il est très important de former chez un enfant un sentiment constant d'intérêt pour le processus de travail quotidien, afin qu'il fasse tout travail avec plaisir, de manière créative, se réjouisse du succès et essaie constamment de corriger les défauts, atteignant la précision et la beauté en tout.

Dans le même temps, la planification de tâches simplifiées entraîne une diminution de l'intérêt des enfants pour le travail. Par conséquent, peu importe la difficulté pour le leader, il doit sélectionner les tâches des étudiants individuellement. différencié, afin que chaque enfant puisse appliquer toutes ses connaissances et compétences lors de l'exécution de tel ou tel travail.

Lors du choix de certains produits à fabriquer en classe, il est nécessaire de déterminer avec précision dans quels éléments spécifiques de connaissances et de compétences les enfants progresseront ; ce qu'ils apprendront à faire de nouveau ; ce qu'ils mettent simplement en pratique, comment ils utilisent les idées et les compétences existantes pour créer un nouveau produit.(67)

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17 des plus beaux types d’art populaire de Russie.

L’artisanat populaire est exactement ce qui rend notre culture riche et unique. Les touristes étrangers emportent avec eux des objets peints, des jouets et des produits textiles en souvenir de notre pays.

Presque tous les coins de la Russie ont leur propre type de travaux d'aiguille, et dans ce document, nous avons rassemblé les plus brillants et les plus célèbres d'entre eux.

Jouet Dymkovo

Le jouet Dymkovo est un symbole de la région de Kirov, soulignant son histoire riche et ancienne. Il est moulé en argile, puis séché et cuit au four. Il est ensuite peint à la main, créant à chaque fois un exemplaire unique. Il ne peut pas y avoir deux jouets identiques.

Peinture de Zhostovo

Au début du XIXe siècle, les frères Vishnyakov vivaient dans l'un des villages moscovites de l'ancien volost de la Trinité (aujourd'hui district de Mytishchi) et peignaient des plateaux en métal laqué, des sucriers, des palettes, des boîtes en papier mâché, des cigarettes. étuis, théières, albums et autres choses. Depuis lors, la peinture artistique du style Zhostovo a commencé à gagner en popularité et à attirer l'attention lors de nombreuses expositions dans notre pays et à l'étranger.

Khokhloma

Khokhloma est l'un des plus beaux métiers russes, né au XVIIe siècle près de Nijni Novgorod. Il s'agit d'une peinture décorative de meubles et d'ustensiles en bois, appréciée non seulement des connaisseurs de l'antiquité russe, mais également des résidents de pays étrangers.

Les motifs végétaux finement entrelacés de baies écarlates vives et de feuilles dorées sur fond noir peuvent être admirés à l’infini. Par conséquent, même les cuillères en bois traditionnelles, présentées à l'occasion la plus insignifiante, laissent au destinataire le souvenir le plus aimable et le plus long du donateur.

Peinture de Gorodets

La peinture de Gorodets existe depuis le milieu du XIXe siècle. Les motifs lumineux et laconiques reflètent des scènes de genre, des figurines de chevaux, des coqs et des motifs floraux. Le tableau est réalisé d'un trait libre au contour graphique blanc et noir ; il décore des rouets, des meubles, des volets et des portes.

Filigrane

Le filigrane est l'un des types les plus anciens de traitement artistique des métaux. Les éléments d'un motif en filigrane peuvent être très divers : sous forme de corde, de dentelle, de tissage, de chevrons, de chemin, de point bourdon. Les tissages sont réalisés à partir de fils d'or ou d'argent très fins, ils paraissent donc légers et fragiles.

Malachite de l'Oural

Des gisements connus de malachite se trouvent dans l'Oural, en Afrique, en Australie du Sud et aux États-Unis. Toutefois, en termes de couleur et de beauté des motifs, la malachite provenant de pays étrangers ne peut être comparée à celle de l'Oural. C’est pourquoi la malachite de l’Oural est considérée comme la plus précieuse sur le marché mondial.

Cristal Gusev

Les produits fabriqués à la cristallerie Gus-Khrustalny se trouvent dans les musées du monde entier. Les souvenirs russes traditionnels, les articles ménagers, les sets pour la table de fête, les bijoux élégants, les boîtes et les figurines faites à la main reflètent la beauté de notre nature natale, ses coutumes et ses valeurs primordiales russes. Les produits en cristal coloré sont particulièrement populaires.

Matriochka

Une fille joyeuse, potelée et ronde, portant un foulard et une robe folklorique russe, a conquis le cœur des amateurs de jouets folkloriques et de beaux souvenirs du monde entier.

Désormais, la poupée gigogne n'est pas seulement un jouet populaire, gardien de la culture russe : c'est un souvenir mémorable pour les touristes, sur le tablier duquel sont finement dessinés des scènes de jeu, des intrigues de contes de fées et des paysages avec des attractions. La poupée gigogne est devenue un objet de collection précieux qui peut coûter des centaines de dollars.

Émail

Les broches, bracelets, pendentifs vintage, qui sont rapidement « entrés » dans la mode moderne, ne sont rien de plus que des bijoux réalisés selon la technique de l'émail. Ce type d'art appliqué est né au XVIIe siècle dans la région de Vologda.

Les maîtres représentaient des motifs floraux, des oiseaux et des animaux sur de l'émail blanc en utilisant diverses peintures. Puis l'art de l'émail multicolore a commencé à se perdre et l'émail monochrome a commencé à le supplanter : blanc, bleu et vert. Désormais, les deux styles sont combinés avec succès.

Samovar de Toula

Pendant son temps libre, Fiodor Lisitsyn, un employé de l'usine d'armes de Toula, aimait fabriquer quelque chose en cuivre et fabriquait autrefois un samovar. Puis ses fils ouvrirent un établissement de samovars où ils vendirent des produits en cuivre, qui connurent un énorme succès.

Les samovars de Lisitsyn étaient célèbres pour leur variété de formes et de finitions : tonneaux, vases ciselés et gravés, samovars en forme d'œuf, avec des robinets en forme de dauphin, avec des poignées en forme de boucle et peints.

Miniature Palekh

La miniature Palekh est une vision particulière, subtile et poétique du monde, caractéristique des croyances et des chansons populaires russes. La peinture utilise des tons brun-orange et vert bleuâtre.

La peinture Palekh n’a pas d’analogue dans le monde entier. Il est réalisé sur du papier mâché et ensuite transféré sur la surface de boîtes de différentes formes et tailles.

Gjel

La brousse de Gjel, une zone de 27 villages située près de Moscou, est célèbre pour son argile, exploitée ici depuis le milieu du XVIIe siècle. Au XIXe siècle, les artisans de Gjel commencèrent à produire de la semi-faïence, de la faïence et de la porcelaine. Les objets peints d'une seule couleur restent particulièrement intéressants - la peinture bleue surglacée appliquée au pinceau, avec des détails graphiques.

Châles Pavlovo Possad

Lumineux et légers, les châles féminins Pavloposad sont toujours à la mode et pertinents. Cet artisanat populaire est apparu à la fin du XVIIIe siècle dans une entreprise paysanne du village de Pavlovo, à partir de laquelle s'est ensuite développée une manufacture de châles. Elle produisait des châles en laine aux motifs imprimés, très populaires à cette époque.