L'image la plus étrange du monde. Les tableaux les plus absurdes vendus pour des millions de dollars

Des faits incroyables

Aucun d’entre nous ne sera capable d’apprécier ce genre de peinture à sa juste valeur et de lire entre les lignes le sens voulu par l’auteur. Mais néanmoins, le coût des peintures artistes contemporains parfois c'est juste hors échelle, et les collectionneurs et connaisseurs d'art du monde entier viennent aux enchères pour acheter leur création préférée.

Parfois, ils paient de telles sommes d’argent pour une photo qu’ils aiment qu’ils Les auteurs des tableaux eux-mêmes restent extrêmement surpris.

Vous trouverez ci-dessous une liste des peintures modernes les plus étranges vendues pour des millions de dollars.

1. "Concept spatial" - Lucio Fontana

Ce tableau a été vendu pour une somme incroyable lors d'une vente aux enchères à Londres. Il semble que l'auteur ait simplement peint la toile avec de la couleur et "déchiré" l'image avec des lignes obliques. La question à un million de dollars se pose bien sûr : si l’artiste veut obtenir plus pour un tel tableau ? plus d'argent, devrait-il juste faire une autre coupe ?

Ou peut-être que plus les lignes de coupe sont plissées, plus la qualité de l'image est élevée ?

2. "Miroir rouge sang" - Gerhard Richter

Vendu pour 1 100 000 $ .

« Le tableau est un miroir » a été adjugé pour 1,1 million. Bien entendu, cet artiste est l'auteur de nombreux et beaux travaux, cependant, pour comprendre cela, apparemment, il suffit de naître artiste.

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Il est difficile, voire impossible, de discerner dans ce chef-d'œuvre quelque chose comme un miroir. Peut-être que le collectionneur qui l’a acheté voulait simplement se voir sous plus de lumière en se regardant dans le miroir.

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3. "Vert et blanc" - Ellsworth Kelly

Les œuvres de cet artiste sont très controversées, les critiques ont des opinions divergentes quant à leur valeur, mais, bien sûr, ce tableau est le plus un vrai bijou.

Il s'agit d'une toile très ordinaire avec un cercle déformé au milieu, et il y a des gens prêts à payer pour avoir le droit d'ajouter cette création à leur collection autant qu'un petit prix. île thaïlandaise .

4. "Sans titre" - Mark Rothko

Beaucoup de gens ont parlé méchamment de cette image, mais elle est plutôt ennuyeuse. Si votre enfant, après avoir obtenu son diplôme d'école d'art, vous apportait un tel dessin, alors il y aurait deux scénarios possibles pour le développement des événements :

a) tu serais terriblement fier et accrocherais un tableau au lieu d'une télé

b) ils lui disaient : "Bon travail, gamin. Dessinons quelque chose de différent la prochaine fois !"

5. "Sans titre" - Blinky Palermo

Vendu pour 1 700 000 $.

Ce tableau, comme beaucoup d'autres créations de cet artiste, est une superposition de toiles colorées les unes sur les autres. Un critique a noté qu'il une heure entière J'ai regardé cette photo, mais je n'y ai rien trouvé.

Un autre critique l’a exprimé plus profondément : "Les peintures de Palerme invitent le spectateur à voir des changements de tons aux multiples facettes, alors qu'il n'y a absolument aucune trace de nuances et d'excès picturaux à la surface des toiles, mais on peut plutôt contempler de belles couleurs non diluées."

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Des images étranges

6. "Chien" - Joan Mira

En fait, le monde en a beaucoup de bons, mais celui-ci se démarque vraiment et pas du côté le plus positif.

Ou peut-être que le collectionneur qui l’a acheté voulait simplement posséder une partie de l’héritage d’un artiste talentueux ?

7. "Feu blanc I" - Barnett Newman

Évidemment, les gens qui achètent ce genre de tableaux sont extraordinairement riches. Mais les gens riches deviennent riches grâce à leur intelligence.

Si tel est le cas, pourquoi un collectionneur intelligent a-t-il acheté une telle œuvre lors d’une vente aux enchères en ligne, sur la seule base de la maigre description affichée sur le site ?

Le titre du tableau est un terme mystique directement lié à Déchiré. La Torah elle-même vise une profonde unité spirituelle, que Newman tente, selon lui, d'inculquer au spectateur à travers ses œuvres.

Mais est-ce vraiment le cas ? Ou peut-être est-il simplement difficile pour une personne inexpérimentée de retracer la relation entre deux lignes sur une toile vierge et la Torah ?

8. "Sans titre" - Cy Twombly

Ce travail a été réalisé sur une solution rapideà la maison sur du papier ordinaire à l'aide d'un crayon de cire ordinaire, c'est-à-dire du même matériau que celui un enfant l'utilise pour apprendre à écrire à la maternelle.

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Si vous baissez un peu les yeux et regardez l'image, ne vous sembleriez-vous pas que ce chef-d'œuvre est extrêmement similaire à la tentative d'un enfant d'apprendre à écrire la lettre « e » ?

9. "Cowboy" - Ellsworth Kelly

Kelly a étudié l'art pendant plus de quatre ans dans des institutions culturelles à Boston et à Paris avant de décider de l'orientation du style de son travail. Après ses recherches, il conclut que son travail sera "bloc".

Pour un œil non averti, le choix peut paraître erroné, car quelle est la valeur de ces blocs réalisés sur papier ? Cependant, cela vaut la peine d'admettre l'erreur, car d'un point de vue économique, le choix est très correct, mais d'un point de vue esthétique, il est peu probable que l'auteur ait pris la bonne décision.

10. "Le fou bleu" - Christopher Wool

On peut imaginer à quel point Christopher, spécialisé dans la peinture de mots, était heureux lorsque cette œuvre particulière a été vendue pour une somme aussi énorme. Je me demande, lorsqu'il a peint son tableau, aurait-il pu penser qu'il serait capable de persuader quelqu'un de l'acheter ?

Bravo Christophe !

Les tableaux les plus chers des artistes

Certaines œuvres d'art semblent frapper le spectateur par-dessus la tête, stupéfiantes et étonnantes. Certains vous entraînent dans la réflexion et dans la recherche de couches de sens, de symbolisme secret. Certaines peintures sont entourées de mystère et énigmes mystiques, et certains vous surprennent avec un prix exorbitant.

La « bizarrerie » est un concept plutôt subjectif, et chacun a ses propres peintures étonnantes qui se démarquent des autres œuvres d'art.

Edvard Munch "Le Cri"

1893, carton, huile, détrempe, pastel. 91×73,5 cm

Galerie nationale, Oslo

Le Cri est considéré comme un événement expressionniste marquant et l’une des peintures les plus célèbres au monde.
"Je marchais le long d'un chemin avec deux amis - le soleil se couchait - tout à coup le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé contre la clôture - j'ai regardé le sang et les flammes sur le fjord noir bleuâtre et le ville - mes amis sont partis et je me suis tenu debout, tremblant d'excitation, sentant les cris sans fin perçants de la nature », a déclaré Edvard Munch à propos de l'histoire du tableau.
Il existe deux interprétations de ce qui est représenté : c'est le héros lui-même qui est saisi d'horreur et crie silencieusement, pressant ses mains contre ses oreilles ; ou le héros ferme ses oreilles au cri du monde et de la nature qui résonne autour de lui. Munch a écrit 4 versions de "Le Cri", et il existe une version selon laquelle ce tableau est le fruit de la psychose maniaco-dépressive dont souffrait l'artiste. Après un traitement à la clinique, Munch n'est pas retourné travailler sur la toile.

Paul Gauguin « D'où venons-nous ? Qui sommes nous? Où allons-nous?"

1897-1898, huile sur toile. 139,1 × 374,6 cm

Musée des Beaux-Arts, Boston

La peinture profondément philosophique du post-impressionniste Paul Gauguin a été peinte par lui à Tahiti, où il a fui Paris. Une fois le travail terminé, il a même voulu se suicider, car «je crois que ce tableau non seulement surpasse tous mes précédents, et que je ne créerai jamais quelque chose de meilleur ou même de similaire». Il a vécu encore 5 ans, et c’est ce qui s’est passé.
Selon Gauguin lui-même, le tableau doit être lu de droite à gauche : trois groupes principaux de personnages illustrent les questions posées dans le titre. Trois femmes avec un enfant représentent le début de la vie ; groupe intermédiaire symbolise l'existence quotidienne de la maturité; dans le groupe final, selon le plan de l'artiste, « la vieille femme, proche de la mort, semble réconciliée et livrée à ses pensées », à ses pieds « un étrange oiseau blanc...représente la futilité des mots.

Pablo Picasso "Guernica"

1937, huile sur toile. 349×776 cm

Musée Reina Sofia, Madrid

L'immense fresque « Guernica », peinte par Picasso en 1937, raconte l'histoire d'un raid d'une unité de volontaires de la Luftwaffe sur la ville de Guernica, à la suite de laquelle la ville de six mille habitants fut complètement détruite. Le tableau a été peint littéralement en un mois - les premiers jours de travail sur le tableau, Picasso a travaillé pendant 10 à 12 heures et déjà dans les premiers croquis, on pouvait voir l'idée principale. C'est l'une des meilleures illustrations du cauchemar du fascisme, ainsi que cruauté humaine et le chagrin.
Guernica présente des scènes de mort, de violence, de brutalité, de souffrance et d'impuissance, sans préciser leurs causes immédiates, mais elles sont évidentes. On raconte qu'en 1940, Pablo Picasso fut convoqué à la Gestapo de Paris. La conversation s’est immédiatement tournée vers le tableau. "Est-ce que c'est toi qui as fait ça?" - "Non, tu l'as fait."

Jan van Eyck "Portrait des époux Arnolfini"

1434, bois, huile. 81,8×59,7 cm

Galerie nationale de Londres, Londres

Le portrait supposé de Giovanni di Nicolao Arnolfini et de son épouse est l'un des plus travaux complexesÉcole occidentale de peinture de la Renaissance du Nord.
Le célèbre tableau est entièrement rempli de symboles, d'allégories et de références diverses - jusqu'à la légende « Jan van Eyck était ici », qui en a fait non seulement une œuvre d'art, mais aussi un document historique confirmant un événement réel au cours duquel le l'artiste était présent.
En Russie dernières années Le tableau a acquis une grande popularité en raison de la ressemblance du portrait d’Arnolfini avec Vladimir Poutine.

Mikhaïl Vrubel "Le démon assis"

1890, huile sur toile. 114×211cm

Galerie Tretiakov, Moscou

Le tableau de Mikhaïl Vrubel surprend par l'image d'un démon. Le gars triste aux cheveux longs ne ressemble pas du tout à l'idée humaine commune de ce à quoi devrait ressembler un mauvais esprit. L'artiste lui-même a parlé de son tableau le plus célèbre : « Le démon n'est pas tant un esprit mauvais qu'un esprit souffrant et douloureux, à la fois un esprit puissant et majestueux. » C'est une image de la force de l'esprit humain, de la lutte interne, du doute. Joignant tragiquement ses mains, le Démon est assis avec de grands yeux tristes dirigés au loin, entouré de fleurs. La composition souligne la contrainte de la figure du démon, comme coincée entre les traverses supérieure et inférieure du cadre.

Vasily Vereshchagin « Apothéose de la guerre »

1871, huile sur toile. 127×197cm

Galerie nationale Tretiakov, Moscou

Vereshchagin est l'un des principaux peintres de batailles russes, mais il n'a pas peint les guerres et les batailles parce qu'il les aimait. Au contraire, il essayait de transmettre aux gens son attitude négativeà la guerre. Un jour, Vereshchagin, dans le feu de l'émotion, s'est exclamé : « Je ne peindrai plus de tableaux de bataille, c'est tout ! Je prends trop à cœur ce que j’écris, je pleure (littéralement) pour le chagrin de chaque blessé et tué. Le résultat de cette exclamation fut probablement le tableau terrible et envoûtant «L'Apothéose de la guerre», qui représente un champ, des corbeaux et une montagne de crânes humains.
L'image est écrite avec tant de profondeur et d'émotion que derrière chaque crâne posé dans cette pile, vous commencez à voir des gens, leur destin et le destin de ceux qui ne reverront plus jamais ces gens. Vereshchagin lui-même, avec un triste sarcasme, a qualifié la toile de « nature morte » - elle représente une « nature morte ».
Tous les détails de l’image, y compris la couleur jaune, symbolisent la mort et la dévastation. Le ciel bleu clair souligne la mort de l’image. L’idée de « l’apothéose de la guerre » s’exprime également par les cicatrices de sabres et les impacts de balles sur les crânes.

Grant Wood "Gothique américain"

1930, pétrole. 74×62cm

Institut d'art de Chicago, Chicago

"American Gothic" est l'une des images les plus reconnaissables de art américain XXe siècle, le mème artistique le plus célèbre des XXe et XXIe siècles.
La photo avec le père et la fille sombres est remplie de détails qui indiquent la sévérité, le puritanisme et le caractère rétrograde des personnes représentées. Des visages en colère, une fourche en plein milieu de l'image, des vêtements démodés même selon les normes de 1930, un coude exposé, des coutures sur des vêtements de paysan qui reprennent la forme d'une fourche, et donc une menace qui s'adresse à tout le monde. qui empiète. Vous pouvez regarder tous ces détails sans fin et grincer des dents à cause de l'inconfort.
Fait intéressant, les juges du concours de l'Art Institute of Chicago ont perçu le « gothique » comme une « Saint-Valentin humoristique », et les habitants de l'Iowa ont été terriblement offensés par Wood pour les avoir représentés sous un jour aussi désagréable.

René Magritte "Les Amoureux"

1928, huile sur toile

Le tableau « Lovers » (« Lovers ») existe en deux versions. Dans l’une, un homme et une femme, dont la tête est enveloppée dans un tissu blanc, s’embrassent, et dans l’autre, ils « regardent » le spectateur. L'image surprend et fascine. Avec deux personnages sans visage, Magritte véhicule l’idée de l’aveuglement de l’amour. De la cécité dans tous les sens : les amoureux ne voient personne, on ne les voit pas vrais visages et nous, et d'ailleurs les amants, sommes un mystère même les uns pour les autres. Mais malgré cette apparente clarté, on continue à regarder les amants de Magritte et à penser à eux.
Presque toutes les peintures de Magritte sont des énigmes qui ne peuvent être complètement résolues, car elles soulèvent des questions sur l’essence même de l’existence. Magritte parle toujours de la tromperie du visible, de son mystère caché, que l'on ne remarque généralement pas.

Marc Chagall "Marche"

1917, huile sur toile

Galerie nationale Tretiakov

Habituellement extrêmement sérieux dans sa peinture, Marc Chagall a écrit un délicieux manifeste de son propre bonheur, rempli d'allégories et d'amour. « Walk » est un autoportrait avec sa femme Bella. Sa bien-aimée s'élève dans le ciel et va bientôt entraîner dans la fuite Chagall, qui se tient au sol de manière précaire, comme s'il ne la touchait qu'avec le bout de ses chaussures. Chagall a une mésange dans l'autre main - il est content, il a à la fois une mésange dans les mains (sans doute son tableau) et une tarte dans le ciel.

Jérôme Bosch "Le jardin des délices terrestres"

1500-1510, bois, huile. 389×220cm

Prado, Espagne

« Le Jardin des Délices » est le triptyque le plus célèbre de Jérôme Bosch, qui tire son nom du thème de la partie centrale, dédiée au péché de volupté. À ce jour, aucune des interprétations disponibles du tableau n'a été reconnue comme la seule correcte.
Le charme durable et en même temps l'étrangeté du triptyque réside dans la manière dont l'artiste exprime l'idée principale à travers de nombreux détails. Le tableau est rempli de figures transparentes, de structures fantastiques, de monstres, d'hallucinations devenues chair, de caricatures infernales de la réalité, qu'il regarde avec un regard scrutateur et extrêmement aiguisé. Certains scientifiques voulaient voir dans le triptyque une image de la vie humaine à travers le prisme de sa futilité et des images de l'amour terrestre, d'autres - un triomphe de la volupté. Cependant, la simplicité et le certain détachement avec lesquels les figures individuelles sont interprétées, ainsi que l'attitude favorable à l'égard de cette œuvre de la part des autorités ecclésiales, font douter que son contenu puisse être la glorification des plaisirs corporels.

Gustav Klimt "Les trois âges de la femme"

1905, huile sur toile. 180×180 cm

Galerie nationale d'art moderne, Rome

« Les Trois Âges d'une Femme » est à la fois joyeux et triste. L’histoire de la vie d’une femme y est écrite en trois chiffres : l’insouciance, la paix et le désespoir. La jeune femme s’inscrit organiquement dans le schéma de vie, la vieille femme s’en démarque. Le contraste entre l'image stylisée d'une jeune femme et l'image naturaliste d'une vieille femme devient signification symbolique: la première phase de la vie apporte des possibilités et des métamorphoses infinies, la dernière - une constance immuable et un conflit avec la réalité.
La toile ne lâche pas, elle pénètre dans l’âme et fait réfléchir à la profondeur du message de l’artiste, ainsi qu’à la profondeur et à la fatalité de la vie.

Egon Schiele "Famille"

1918, huile sur toile. 152,5×162,5 cm

Galerie Belvédère, Vienne

Schiele était un élève de Klimt, mais, comme tout excellent élève, il ne copiait pas son professeur, mais cherchait quelque chose de nouveau. Schiele est bien plus tragique, étrange et effrayant que Gustav Klimt. Dans ses œuvres, il y a beaucoup de ce qu'on pourrait appeler de la pornographie, des perversions diverses, du naturalisme et en même temps un désespoir douloureux.
La "famille" est à lui dernier travail, dans lequel le désespoir est poussé à l'extrême, bien que ce soit son tableau le moins étrange. Il l'a peint juste avant sa mort, après la mort de sa femme enceinte Edith de la grippe espagnole. Il est décédé à 28 ans, trois jours seulement après Edith, après l'avoir peinte, lui-même et leur enfant à naître.

Frida Kahlo "Deux Frida"

Histoire vie compliquée Artiste mexicain Frida Kahlo s'est fait connaître après la sortie du film "Frida" avec Salma Hayek dans rôle principal. Kahlo peint principalement des autoportraits et l'explique simplement : « Je me peins parce que je passe beaucoup de temps seul et parce que je suis le sujet que je connais le mieux. »
Dans aucun autoportrait, Frida Kahlo ne sourit : un visage sérieux, voire triste, des sourcils épais fusionnés, une moustache à peine perceptible au-dessus de lèvres serrées. Les idées de ses peintures sont cryptées dans les détails, l'arrière-plan, les personnages apparaissant à côté de Frida. Le symbolisme de Kahlo est basé sur traditions nationales et est étroitement liée à la mythologie indienne de la période préhispanique.
Dans l'un des meilleures peintures- "Deux Fridas" - elle a exprimé le masculin et féminin, relié en lui par un système circulatoire unique, démontrant son intégrité.

Claude Monet "Pont de Waterloo. Effet brouillard"

1899, huile sur toile

Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Lorsqu'il regarde le tableau de près, le spectateur ne voit que la toile, sur laquelle de fréquents traits d'huile épais sont appliqués. Toute la magie de l’œuvre se révèle au fur et à mesure que l’on s’éloigne de la toile. Tout d'abord, des demi-cercles incompréhensibles commencent à apparaître devant nous, passant par le milieu de l'image, puis nous voyons les contours clairs des bateaux et, en s'éloignant d'une distance d'environ deux mètres, tous les ouvrages de liaison sont nettement dessinés devant nous et alignés dans une chaîne logique.

Jackson Pollock "Numéro 5, 1948"

1948, panneaux de fibres, huile. 240×120cm

L'étrangeté de ce tableau est que la toile du leader américain de l'expressionnisme abstrait, qu'il a peinte en renversant de la peinture sur un morceau de panneau de fibres posé au sol, est la plus peinture chère dans le monde. En 2006, lors des ventes aux enchères de Sotheby's, ils l'ont payé 140 millions de dollars. David Giffen, producteur et collectionneur de films, l'a vendu au financier mexicain David Martinez.
«Je continue de m'éloigner des outils habituels d'un artiste, comme le chevalet, la palette et les pinceaux. Je préfère les bâtons, les pelles, les couteaux et la peinture qui coule ou un mélange de peinture avec du sable, du verre brisé ou autre. Quand je suis à l’intérieur d’un tableau, je n’ai pas conscience de ce que je fais. La compréhension vient plus tard. Je n'ai pas peur des changements ou de la destruction de l'image, puisque l'image vit d'elle-même. propre vie. Je suis juste en train de l'aider. Mais si je perds le contact avec le tableau, il devient sale et salissant. Sinon, c’est une pure harmonie, la facilité avec laquelle vous prenez et donnez.

Joan Miró "Homme et femme devant un tas d'excréments"

1935, cuivre, huile, 23×32 cm

Fondation Joan Miró, Espagne

Réputation. Et qui aurait pensé que cette image nous raconte les horreurs des guerres civiles.
La peinture a été réalisée sur feuille de cuivre au cours de la semaine du 15 au 22 octobre 1935. Selon Miro, c'est le résultat d'une tentative de dépeindre une tragédie Guerre civile en Espagne. Miro a dit qu'il s'agit d'une image d'une période d'anxiété. Le tableau montre un homme et une femme qui se tendent pour s'embrasser, mais ne bougent pas. Les organes génitaux élargis et les couleurs sinistres ont été décrits comme « pleins de dégoût et de sexualité dégoûtante ».

Jacek Yerka « Érosion »

Le néo-surréaliste polonais est connu dans le monde entier pour son peintures étonnantes, dans lequel les réalités s'unissent, en créant de nouvelles. Il est difficile de considérer une à une ses œuvres extrêmement détaillées et, dans une certaine mesure, touchantes, mais c'est le format de notre matériel, et nous avons dû en choisir une pour illustrer son imagination et son savoir-faire. Nous vous recommandons de le lire.

Bill Stoneham "Les mains lui résistent"

Bien entendu, cette œuvre ne peut pas être classée parmi les chefs-d'œuvre de la peinture mondiale, mais son étrangeté est un fait.
Il existe des légendes autour du tableau représentant un garçon, une poupée et ses mains pressées contre la vitre. De « des gens meurent à cause de cette image » à « les enfants qui y figurent sont vivants ». L'image a l'air vraiment effrayante, ce qui suscite beaucoup de craintes et de spéculations parmi les personnes au psychisme faible.
L'artiste a assuré que le tableau le représente à l'âge de cinq ans, que la porte est une représentation de la ligne de démarcation entre monde réel et le monde des rêves, et la poupée est un guide qui peut guider le garçon à travers ce monde. Les mains représentent des vies ou des possibilités alternatives.
Le tableau a gagné en notoriété en février 2000 lorsqu’il a été mis en vente sur eBay avec une histoire disant que le tableau était « hanté ». "Hands Resist Him" ​​a été acheté pour 1 025 $ par Kim Smith, qui a ensuite été simplement inondé de lettres de histoires effrayantes et exige de brûler le tableau.

L’art peut non seulement inspirer, mais aussi charmer et même effrayer. Création artistes insolites incarnent les images les plus secrètes, et parfois elles se révèlent très étranges. Cependant, ces créations ont presque toujours de nombreux fans.

Quelles sont les images les plus insolites du monde, qui les a créées et de quoi peuvent-elles parler ?

"Les mains lui résistent"

Cette image étrange commence son histoire en 1972. C'est alors de Californie que je l'ai retrouvé dans mes archives vieille photo. Il représentait des enfants : Bill lui-même et sa sœur, décédée à l'âge de quatre ans. L’artiste a été surpris que la photographie ait été prise dans la maison acquise par la famille après la mort de la jeune fille. Un incident mystique a inspiré Bill à créer cette peinture inhabituelle.

Lorsque la toile fut présentée au critique d'art, celui-ci mourut bientôt. Il est difficile de dire si cela peut être qualifié de coïncidence, car l'acteur John Marley, qui a acheté le tableau, est décédé peu de temps après. La toile a été perdue puis retrouvée dans une décharge. La petite fille des nouveaux propriétaires du tableau a immédiatement commencé à remarquer quelque chose d'étrange : elle a insisté sur le fait que les enfants peints se battaient ou se présentaient à la porte de sa chambre. Le père de famille a placé une caméra dans la pièce où se trouvait le tableau qui aurait dû réagir au mouvement, et cela a fonctionné, mais à chaque fois il n'y avait que du bruit sur le film. Lorsque le tableau a été mis aux enchères en ligne au début du nouveau millénaire, les utilisateurs ont commencé à se plaindre mauvais pressentiment après l'avoir regardé. Néanmoins, ils l'ont acheté. Kim Smith, petite propriétaire galerie d'art, a décidé d'acheter quelque chose d'inhabituel comme exposition.
L'histoire du tableau ne s'arrête pas - le mal qui en émane est désormais constaté par les visiteurs de l'exposition.

"Garçon qui pleure"

Mentionner des peintures insolites artistes célèbres, on ne peut s’empêcher de mentionner celui-ci. A propos de la toile « maudite » intitulée « Garçon qui pleure"Le monde entier le sait. Pour le créer, il a utilisé son propre fils comme modèle. Le garçon ne pouvait pas pleurer comme ça, et son père l'a délibérément bouleversé en lui faisant peur avec des allumettes allumées. Un jour, un enfant a crié à son père : « Brûlez-vous ! », et la malédiction s'est avérée efficace : le bébé est rapidement mort d'une pneumonie et son père a été brûlé vif dans la maison. L'attention sur le tableau a été attirée en 1985, lorsque des incendies ont commencé à se déclarer dans tout le nord de l'Angleterre. Des gens sont morts dans des immeubles résidentiels, et seule une simple reproduction représentant bébé qui pleure est resté intact. La notoriété hante toujours le tableau – beaucoup ne prennent tout simplement pas le risque de l’accrocher chez eux. Ce qui est encore plus inhabituel, c'est que l'on ignore où se trouve l'original.

"Crier"

Des peintures inhabituelles attirent constamment l'attention du public et provoquent même des tentatives de répétition du chef-d'œuvre. L'une de ces peintures, devenue emblématique en culture moderne, est "Le Cri" de Munch. Il s’agit d’une image mystérieuse et mystique qui, pour certains, ressemble au fantasme d’un malade mental, pour d’autres, à la prédiction d’un désastre environnemental, et pour d’autres encore, au portrait complètement absurde d’une momie. D'une manière ou d'une autre, l'atmosphère de la toile vous attire et ne vous permet pas de rester indifférent. Les peintures inhabituelles sont souvent pleines de détails, mais "Le Cri", au contraire, est résolument simple - il utilise deux nuances principales et la représentation de l'apparence personnage central simplifié jusqu’au primitivisme. Mais c’est précisément ce monde déformé qui rend l’œuvre particulièrement attractive.

Son histoire est également inhabituelle : l'œuvre a été volée plus d'une fois. Néanmoins, il a été préservé et reste au musée, inspirant les cinéastes à créer des films émotionnels et les artistes à rechercher des histoires non moins expressives que celle-ci.

"Guernica"

Picasso a peint des tableaux très inhabituels, mais l'un d'eux est particulièrement mémorable. Le très expressif « Guernica » a été créé comme une protestation personnelle contre les actions nazies dans la ville du même nom. Il regorge d’expériences personnelles de l’artiste. Chaque élément du tableau est plein d'un symbolisme profond : les personnages fuient le feu, un taureau piétine un guerrier dont la pose ressemble à une crucifixion, à ses pieds se trouvent des fleurs écrasées et une colombe, un crâne et une épée brisée. dans le style d’un journal, l’illustration est impressionnante et a un fort impact sur les émotions du spectateur.

"Mona Lisa"

Créant des peintures inhabituelles de ses propres mains, Léonard de Vinci a conservé prénom dans l'éternité. Ses peintures n'ont pas été oubliées depuis le VIe siècle. La plus importante d'entre elles est « La Gioconda » ou « Mona Lisa ». Étonnamment, dans les journaux du génie, il n'y a aucune trace de travail sur ce portrait. Non moins inhabituel est le nombre de versions sur qui y est représenté. Certains pensent qu’il s’agit d’une image féminine idéale ou de la mère de l’artiste, certains y voient un autoportrait et d’autres y voient une élève de Léonard de Vinci. Selon l'opinion « officielle », Mona Lisa était l'épouse d'un marchand florentin. Quelle que soit la réalité, le portrait est véritablement insolite. Un sourire à peine perceptible dessine les lèvres de la jeune fille et ses yeux sont magnifiques - il semble que cette image regarde le monde et non le public qui le regarde. Comme beaucoup d’autres peintures insolites du monde, « La Gioconda » a été réalisée à l’aide d’une technique particulière : les couches de peinture les plus fines avec les plus petits traits, si insaisissables que ni un microscope ni une radiographie ne peuvent identifier les traces du travail de l’artiste. Il semble que la fille sur la photo soit vivante et que la lumière légère et enfumée qui l'entoure est réelle.

"La tentation de saint Antoine"

Bien entendu, les images les plus insolites du monde ne peuvent être étudiées sans se familiariser avec l'œuvre de Salvador Dali. Avec lui excellent travail"La Tentation de Saint Antoine" est liée à l'histoire suivante. Au moment de sa création, il y avait un concours pour choisir un acteur pour l’adaptation cinématographique de « Biélorussie Ami » de Guy de Maupassant. Le gagnant était censé créer l'image d'un saint tenté. Ce qui se passait a inspiré à l'artiste un thème qui a également été utilisé par ses maîtres préférés, par exemple Bosch. Il a créé un triptyque sur ce sujet. Cézanne a également représenté une œuvre similaire. Ce qui est inhabituel, c’est que saint Antoine n’est pas seulement un homme juste qui a eu une vision pécheresse. Il s'agit d'une figure désespérée d'un homme, confronté à des péchés sous la forme d'animaux sur de fines pattes d'araignées - s'il succombe à la tentation, les pattes des araignées se briseront et le détruiront sous elles.

"La Ronde de nuit"

Les peintures inhabituelles des artistes disparaissent souvent ou se retrouvent au centre d'événements mystiques. Rien de tel ne s’est produit avec « La Ronde de nuit » de Rembrandt, mais de nombreux mystères sont encore associés à la toile.

L'intrigue n'est évidente qu'à première vue - les milices partent en campagne, emportant des armes avec elles, chaque héros est plein de patriotisme et d'émotions, chacun a une individualité et un caractère. Et des questions se posent immédiatement. Qui est cette petite fille qui ressemble à un ange brillant dans la foule militaire ? Une mascotte symbolique pour l’équipe ou un moyen d’équilibrer la composition ? Mais ce n’est même pas important. Auparavant, la taille du tableau était différente - les clients ne l'aimaient pas et ils coupaient la toile. Il a été placé dans une salle de fêtes et de réunions, où la toile a été recouverte de suie pendant des décennies. Il est désormais impossible de savoir quelles étaient certaines de ces couleurs. Même la restauration la plus minutieuse ne peut pas éliminer la suie des bougies de suif, de sorte que le spectateur ne peut que deviner certains détails.

Heureusement, le chef-d’œuvre est désormais en sécurité. Et au moins lui look moderne soigneusement gardé. Une salle séparée lui est dédiée, ce dont ne peuvent pas se vanter toutes les peintures insolites célèbres.

"Tournesols"

La liste, qui comprend les peintures insolites les plus célèbres du monde, est complétée par Van Gogh. Ses œuvres sont remplies d'une profonde émotivité et cachent derrière elles l'histoire tragique d'un génie méconnu de son vivant. L’une des peintures les plus mémorables est la toile « Tournesols », dans laquelle se concentrent les nuances et les traits caractéristiques de l’artiste.

Mais ce n’est pas la seule raison pour laquelle c’est intéressant. Le fait est que le tableau est constamment copié et que le nombre d'exemplaires vendus avec succès dépasse ceux dont peuvent se vanter d'autres tableaux inhabituels. Dans le même temps, malgré une telle popularité, l’image reste unique. Et personne n’a vraiment réussi à part Van Gogh.

2. Paul Gauguin « D'où venons-nous ? Qui sommes nous? Où allons-nous?"

897-1898, huile sur toile. 139,1 × 374,6 cm
Musée des Beaux-Arts, Boston

Le tableau profondément philosophique du post-impressionniste Paul Gauguin a été peint à Tahiti, où il a fui Paris. Une fois le travail terminé, il a même voulu se suicider, car il pensait : « Je crois que ce tableau non seulement surpasse tous mes précédents, mais que je ne créerai jamais quelque chose de meilleur ou même de similaire. »

L'été de la fin des années 80 du siècle dernier, de nombreux artistes français se réunissaient à Pont-Aven (Bretagne, France). Ils se sont réunis et se sont presque immédiatement divisés en deux groupes hostiles. Un groupe comprenait des artistes qui se sont engagés sur le chemin de la quête et étaient unis sous le nom commun d'« impressionnistes ». Selon le deuxième groupe, dirigé par Paul Gauguin, cette appellation était abusive. P. Gauguin avait alors déjà moins de quarante ans. Entouré de l'aura mystérieuse d'un voyageur ayant exploré des terres étrangères, il avait une grande expérience de la vieà la fois fans et imitateurs de son travail.

Les deux camps étaient divisés en fonction de leur position. Tandis que les impressionnistes vivaient dans des greniers ou des mansardes, d'autres artistes occupaient les meilleures chambres de l'hôtel Gloanek et dînaient dans la salle la plus grande et la plus agréable du restaurant, où les membres du premier groupe n'étaient pas admis. Cependant, les affrontements entre factions non seulement n'ont pas empêché P. Gauguin de travailler, bien au contraire, ils l'ont dans une certaine mesure aidé à prendre conscience de ces caractéristiques qui lui ont valu une violente protestation. Refus méthode analytique les impressionnistes étaient une manifestation de leur refonte complète des tâches de la peinture. Le désir des impressionnistes de capturer tout ce qu'ils voyaient, leur principe artistique- donnant à leurs tableaux l'apparence de quelque chose de repéré accidentellement - ne correspondait pas à la nature impérieuse et énergique de P. Gauguin.

Il est encore moins satisfait des recherches théoriques et artistiques de J. Seurat, qui cherche à réduire la peinture à l'usage froid et rationnel de formules et de recettes scientifiques. La technique pointilliste de J. Seurat, son application méthodique de la peinture avec des coups de pinceau croisés et des points irritaient Paul Gauguin par sa monotonie.

Le séjour de l’artiste en Martinique au milieu d’une nature qui lui apparaissait comme un tapis luxueux et fabuleux finit par convaincre P. Gauguin de n’utiliser dans ses tableaux que des couleurs non décomposées. Avec lui, les artistes qui partageaient ses réflexions proclamaient comme principe la « synthèse », c'est-à-dire la simplification synthétique des lignes, des formes et des couleurs. Le but de cette simplification était de donner l’impression d’une intensité de couleur maximale et d’omettre tout ce qui affaiblissait une telle impression. Cette technique constituait la base de l'ancienne peinture décorative fresques et vitraux.

P. Gauguin s'est beaucoup intéressé à la question des rapports entre la couleur et les peintures. Dans sa peinture, il a essayé d'exprimer non pas l'accidentel ni le superficiel, mais le constant et l'essentiel. Pour lui, seule la volonté créatrice de l'artiste était la loi, et il voyait sa tâche artistique dans l'expression de l'harmonie intérieure, qu'il comprenait comme une synthèse de la franchise de la nature et de l'humeur de l'âme de l'artiste, alarmé par cette franchise. . P. Gauguin lui-même en parlait ainsi : "Je ne prends pas en compte la vérité de la nature, visible extérieurement... Corrigez cette fausse perspective, qui déforme le sujet par sa véracité... Il faut éviter le dynamisme. Que tout respirez avec vous paix et tranquillité d'esprit, évitez de bouger les poses... Chacun des personnages doit être dans une position statique." Et il raccourcit la perspective de ses tableaux, la rapproche du plan, déploie les personnages en position frontale et évite les raccourcis. C'est pourquoi les personnages représentés par P. Gauguin sont immobiles dans les tableaux : ils sont comme des statues sculptées au gros ciseau sans détails inutiles.

La période de maturité créative de Paul Gauguin commence à Tahiti, et c'est ici que le problème de la synthèse artistique prend pour lui tout son développement. À Tahiti, l'artiste a abandonné une grande partie de ce qu'il savait : sous les tropiques, les formes sont claires et définies, les ombres sont lourdes et chaudes et les contrastes sont particulièrement nets. Ici, toutes les tâches qu'il s'est fixées à Pont-Aven ont été résolues d'elles-mêmes. Les peintures de P. Gauguin deviennent pures, sans coups de pinceau. Ses peintures tahitiennes donnent l'impression de tapis ou de fresques orientales, tant les couleurs y sont harmonieusement portées à un certain ton.

L’œuvre de P. Gauguin de cette période (c’est-à-dire la première visite de l’artiste à Tahiti) semble un merveilleux conte de fée, qu'il a vécu au milieu de la nature primitive et exotique de la lointaine Polynésie. Dans la région de Mataye, il trouve un petit village, s'achète une cabane, d'un côté de laquelle éclabousse l'océan, et de l'autre, une montagne avec une immense crevasse est visible. Les Européens n'en étaient pas encore arrivés là, et la vie semblait à P. Gauguin un véritable paradis terrestre. Elle obéit au rythme lent de la vie tahitienne, s'imprègne des couleurs vives de la mer bleue, parfois recouverte de vagues vertes s'écrasant bruyamment sur les récifs coralliens.

Dès les premiers jours, l'artiste noue des relations simples et humaines avec les Tahitiens. L'œuvre commence à captiver de plus en plus P. Gauguin. Il réalise de nombreux croquis et croquis d'après nature, en tout cas il essaie de capturer sur toile, papier ou bois les visages caractéristiques des Tahitiens, leurs figures et poses - en cours de travail ou pendant le repos. Durant cette période, il crée des œuvres de renommée mondiale de célèbres tableaux "Esprit des morts est réveillé », « Oh, tu es jaloux ? », « Conversation », « Pastorales tahitiennes ».

Mais si en 1891 le chemin vers Tahiti lui parut radieux (il voyageait ici après quelques victoires artistiques en France), alors la deuxième fois il se rendit sur son île bien-aimée en malade qui avait perdu la plupart de ses illusions. Tout le long du chemin l'irritait : les arrêts forcés, les dépenses inutiles, les désagréments routiers, les arguties douanières, les compagnons de voyage intrusifs...

Il n'était pas venu à Tahiti depuis seulement deux ans et tant de choses avaient changé ici. Le raid européen a détruit la vie originelle des indigènes, tout semble à P. Gauguin un insupportable fouillis : l'éclairage électrique à Papeete - la capitale de l'île, et les insupportables manèges près du château royal, et les bruits d'un phonographe troublant le silence d'antan. .

Cette fois l'artiste s'arrête dans la région de Punoauia, sur la côte ouest de Tahiti, et construit une maison sur un terrain loué avec vue sur la mer et les montagnes. Dans l'espoir de s'établir solidement sur l'île et de créer des conditions de travail, il n'épargne aucune dépense pour organiser son logement et bientôt, comme c'est souvent le cas, il se retrouve sans argent. P. Gauguin comptait sur des amis qui, avant que l'artiste ne quitte la France, lui empruntèrent au total 4 000 francs, mais ils ne furent pas pressés de les lui rendre. Malgré le fait qu'il leur ait envoyé de nombreux rappels de son devoir, il s'est plaint de son sort et de son extrême situation...

Au printemps 1896, l’artiste se retrouve en proie au plus grand besoin. À cela s’ajoute la douleur de sa jambe cassée, qui se couvre d’ulcères et lui cause des souffrances insupportables, le privant de sommeil et d’énergie. La pensée de la futilité des efforts dans la lutte pour l'existence, de l'échec de tous les projets artistiques lui fait de plus en plus penser au suicide. Mais dès que P. Gauguin éprouve le moindre soulagement, la nature de l’artiste prend le dessus en lui, et le pessimisme se dissipe devant la joie de vivre et la créativité.

Mais c’étaient des moments rares, et les malheurs se succédaient avec une régularité catastrophique. Et la nouvelle la plus terrible pour lui fut la nouvelle de France concernant la mort de sa fille bien-aimée Alina. Incapable de survivre à la perte, P. Gauguin prit une énorme dose d'arsenic et partit dans les montagnes pour que personne ne puisse l'arrêter. La tentative de suicide l'a amené à passer la nuit dans d'atroces souffrances, sans aucune aide et complètement seul.

Pendant longtemps, l'artiste était complètement prosterné et ne pouvait pas tenir un pinceau dans ses mains. Sa seule consolation était une immense toile (450 x 170 cm), peinte par lui avant sa tentative de suicide. Il a intitulé le tableau "D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ?" et dans une de ses lettres il écrit : « Avant de mourir, j'y ai mis toute mon énergie, une passion si douloureuse dans ma terrible situation, et une vision si claire, sans correction, que les traces de hâte disparaissaient et toute vie était visible. dedans.

P. Gauguin a travaillé sur le tableau dans une tension terrible, même s'il en avait longtemps nourri l'idée dans son imagination, lui-même ne pouvait pas dire exactement quand l'idée de ce tableau est née pour la première fois. Il a écrit des fragments individuels de cette œuvre monumentale au cours de différentes années et dans d'autres œuvres. Par exemple, la figure féminine des « Pastorales tahitiennes » est répétée dans ce tableau à côté de l'idole, la figure centrale d'un cueilleur de fruits a été retrouvée dans le croquis doré « Un homme cueillant des fruits sur un arbre »...

Rêvant d'élargir les possibilités de la peinture, Paul Gauguin cherche à donner à sa peinture le caractère d'une fresque. A cet effet, il laisse les deux coins supérieurs (l'un avec le titre du tableau, l'autre avec la signature de l'artiste) jaunes et non remplis de peinture - « comme une fresque abîmée aux angles et superposée sur un mur d'or ».

Au printemps 1898, il envoie le tableau à Paris et, dans une lettre au critique A. Fontaine, précise que son objectif n'est « pas de créer une chaîne complexe d'allégories ingénieuses qu'il faudrait résoudre. Le contenu allégorique du tableau est extrêmement simple - mais pas dans le sens d'une réponse aux questions posées, mais dans le sens de la formulation même de ces questions. Paul Gauguin n'allait pas répondre aux questions qu'il posait dans le titre du tableau, car il croyait qu'elles étaient et seraient un mystère terrible et le plus doux pour conscience humaine. L'essence des allégories représentées sur cette toile réside donc dans l'incarnation purement picturale de ce mystère caché dans la nature, l'horreur sacrée de l'immortalité et le mystère de l'existence.

Lors de sa première visite à Tahiti, P. Gauguin regardait le monde avec les yeux enthousiastes d'un grand peuple-enfant, pour qui le monde n'avait pas encore perdu sa nouveauté et sa richesse d'originalité. À son regard enfantin exalté, des couleurs invisibles aux autres se révélaient dans la nature : herbe émeraude, ciel saphir, ombre du soleil améthyste, fleurs rubis et or rouge de la peau maorie. Les peintures tahitiennes de P. Gauguin de cette période brillent d'une noble lueur dorée, comme les vitraux des cathédrales gothiques, scintillent de la splendeur royale des mosaïques byzantines et sont parfumées de riches débordements de couleurs.

La solitude et le profond désespoir qui l'ont envahi lors de sa deuxième visite à Tahiti ont contraint P. Gauguin à tout voir uniquement en noir. Cependant, le flair naturel du maître et son œil de coloriste n’ont pas permis à l’artiste de perdre complètement son goût pour la vie et ses couleurs, bien qu’il ait créé une toile sombre, la peignant dans un état d’horreur mystique.

Alors, que contient réellement cette image ? Comme les manuscrits orientaux, qui doivent être lus de droite à gauche, le contenu de l'image se déroule dans la même direction : pas à pas, le flux se révèle vie humaine- de son origine à la mort, qui véhicule la peur de la non-existence.

Devant le spectateur, sur une grande toile tendue horizontalement, est représentée la rive d'un ruisseau forestier, dans les eaux sombres de laquelle se reflètent des ombres mystérieuses et indéfinies. Sur l’autre rive, il y a une végétation tropicale dense et luxuriante, des herbes émeraude, des buissons verts denses, d’étranges arbres bleus, « poussant comme si ce n’était pas sur terre, mais comme au paradis ».

Les troncs d'arbres se tordent et s'entrelacent étrangement, formant un réseau de dentelles, à travers lequel on aperçoit au loin la mer avec les crêtes blanches des vagues côtières, une montagne pourpre foncé sur une île voisine, ciel bleu- "un spectacle d'une nature vierge qui pourrait être le paradis".

Dans le plan rapproché de la photo, au sol, exempt de toute plante, un groupe de personnes se trouve autour d'une statue en pierre représentant une divinité. Les personnages ne sont unis par aucun événement ou action générale, chacun est occupé avec ses propres affaires et immergé en lui-même. La paix du bébé endormi est gardée par un gros chien noir ; "trois femmes accroupies, comme si elles s'écoutaient, figées dans l'attente de quelque chose joie inattendue. Un jeune homme debout au centre cueille à deux mains un fruit d'un arbre... Un personnage, volontairement immense, contrairement aux lois de la perspective... lève la main, regardant avec surprise les deux personnages qui osent réfléchir. leur sort. »

À côté de la statue, une femme seule, comme machinalement, marche sur le côté, plongée dans un état de réflexion intense et concentrée. Un oiseau se dirige vers elle au sol. Sur le côté gauche de la toile, un enfant assis par terre porte un fruit à sa bouche, un chat lape d'un bol... Et le spectateur se demande : « Qu'est-ce que tout cela veut dire ?

À première vue, il semble vie courante, mais, en plus du sens direct, chaque image porte une allégorie poétique, un indice de la possibilité d'une interprétation figurative. Par exemple, le motif d’un ruisseau forestier ou d’une eau de source jaillissant du sol est la métaphore préférée de Gauguin pour décrire la source de la vie, le mystérieux début de l’existence. Le bébé endormi représente la chasteté de l’aube de la vie humaine. Un jeune homme cueillant un fruit sur un arbre et des femmes assises par terre à droite incarnent l'idée de l'unité organique de l'homme avec la nature, le naturel de son existence en elle.

Un homme avec la main levée, regardant ses amis avec surprise, est la première lueur d'inquiétude, l'impulsion initiale pour comprendre les secrets du monde et de l'existence. D’autres révèlent l’audace et la souffrance de l’esprit humain, le mystère et la tragédie de l’esprit, qui sont contenus dans l’inévitabilité de la connaissance par l’homme de sa destinée mortelle, la brièveté de l’existence terrestre et l’inéluctabilité de la fin.

Paul Gauguin lui-même a donné de nombreuses explications, mais il a mis en garde contre le désir de voir dans sa peinture des symboles généralement admis, de déchiffrer les images trop simplement, et plus encore de chercher des réponses. Certains historiens de l’art estiment que l’état dépressif de l’artiste, qui l’a poussé à tenter de se suicider, s’est exprimé de manière stricte et laconique. langage artistique. Ils constatent que l'image est surchargée petits détails, qui ne clarifient pas le concept général, mais ne font que dérouter le spectateur. Même les explications contenues dans les lettres du maître ne peuvent dissiper le brouillard mystique qu’il a mis dans ces détails.

P. Gauguin lui-même considérait son œuvre comme un testament spirituel, c'est peut-être pour cela que le tableau est devenu un poème pictural, dans lequel des images spécifiques se transformaient en une idée sublime et la matière en esprit. L'intrigue de la toile est dominée par une ambiance poétique, riche en nuances subtiles et en sens intérieur. Cependant, l'ambiance de paix et de grâce est déjà enveloppée d'une vague anxiété de contact avec le monde mystérieux, donnant lieu à un sentiment d'anxiété cachée, d'insolvabilité douloureuse des mystères cachés de l'existence, du mystère de la venue d'une personne au monde. et le mystère de sa disparition. Sur la photo, le bonheur est assombri par la souffrance, le tourment spirituel est lavé par la douceur de l'existence physique - "une horreur dorée recouverte de joie". Tout est indissociable, comme dans la vie.

P. Gauguin ne corrige délibérément pas les proportions incorrectes, s'efforçant à tout prix de préserver son style d'esquisse. Il appréciait particulièrement ce caractère sommaire et inachevé, estimant que c'est précisément cela qui apporte un flux vivant dans la toile et confère au tableau une poésie particulière qui n'est pas caractéristique des choses finies et trop finies.

Les artistes sont imaginatifs et tentent de créer des peintures inhabituelles, en leur ajoutant un caractère unique et une diversité. Certaines peintures enchantent et inspirent, tandis que d'autres effrayent par les images représentées.

Vénus avec un miroir

La toile a été peinte par Diego Velazquez lors d'un voyage en Italie. Cela se faisait en secret, car à cette époque en Espagne, représenter une figure nue était strictement interdit.

Il existe de nombreuses histoires désagréables associées au travail. Le premier propriétaire était un marchand espagnol, qui a soudainement fait faillite après avoir acheté le chef-d'œuvre. Au début, le commerce a commencé à se détériorer, puis des problèmes plus graves sont survenus : les marchandises ont été capturées par des pirates, les navires ont coulé. Le marchand a commencé à vendre sa propriété pour récupérer ses pertes et a vendu le tableau. « Vénus avec un miroir » a été achetée par une autre personne également impliquée dans le commerce. Presque immédiatement, ses entrepôts ont brûlé à cause de la foudre. Il a également vendu la toile.

Le troisième propriétaire a été poignardé à mort dans sa propre maison trois jours plus tard. Ensuite, pendant longtemps, personne n’a voulu acheter « Vénus avec un miroir ». Le tableau a été transmis d'un musée à l'autre jusqu'à ce qu'une folle nommée Mary Richardson le vandalise et le coupe avec un couperet à viande. La toile a été restaurée et renvoyée à Londres galerie nationale, où il se trouve encore aujourd'hui.

Crier

Edvard Munch, l'auteur de l'ouvrage, souffrait de psychose maniaco-dépressive. Il souffrait souvent de troubles dépressifs et était tourmenté par des cauchemars nocturnes. Sur la toile de Munch se trouve l'image mystique d'une créature glabre à la bouche ouverte.

La plupart des critiques affirment qu'Edward s'est représenté lui-même sur la toile. Mais l’artiste dit quelque chose de complètement différent : il s’agit simplement d’un « cri de la nature ». Il se promenait avec des amis et a vu un coucher de soleil, ce qui l'a inspiré à peindre un étrange tableau.

Si vous en croyez la légende, alors tous ceux qui sont entrés en contact avec "Scream" ont été blessés d'une manière ou d'une autre. Un employé du musée a été impliqué dans un accident et un autre s'est suicidé.

Femme de pluie

L'une des peintures les plus insolites au monde a été peinte par l'artiste de Vinnitsa Svetlana Taurus à la fin des années 90 du siècle dernier. Avant elle, elle n’était inconnue de personne. Quelques mois avant que Tilets ne commence sa création, elle commence à avoir des visions. Parfois, Svetlana avait l'impression d'être observée de côté. Malgré le fait que l'artiste ait tenté de chasser les pensées dérangeantes, elles sont réapparues. Après un certain temps, Taureau a eu l’idée de dresser le portrait d’une femme mystérieuse. Elle se mit au travail, la main guidée par une force invisible. Le portrait a été prêt en un temps record : cinq heures seulement.

Quelques mois plus tard, des rumeurs ont commencé à circuler dans la ville selon lesquelles une malédiction pesait sur le tableau. Tous les clients se sont empressés de le rapporter au magasin d'art, sans même récupérer leur argent. Chacun d’eux affirmait que la toile prend vie la nuit. Les gens ont commencé à souffrir de maux de tête et d’autres maux et n’arrivaient plus à dormir.

« Rain Woman »─ très atmosphérique et image impressionnante. Il combine parfaitement le fond, la perspective et les proportions. C'est peut-être ce fait qui a un tel impact sur état émotionnel les propriétaires.

Dernière Cène

La toile montre une image de la dernière fête pascale de Jésus-Christ et de ses disciples-apôtres. On pense que le Christ parle de la future trahison de l'un de ses proches. L'artiste a essayé de représenter la réaction de chaque élève à la phrase prononcée. Le nom même du tableau parle déjà de sa signification sacrée. Le travail montre vraiment personnages cachés et des messages.

Le duc de Milan a demandé que l'œuvre soit réalisée sur commande. On sait que Léonard cherchait depuis longtemps des modèles pour son œuvre. Difficulté particulière représentait l'image du Christ. Finalement, il s'inspire d'un jeune chanteur d'une chorale d'église, qui lui apparaît comme la personnification de la pureté et de la spiritualité. Le plus étonnant, c'est que trois ans plus tard, Léonard trouva un ivrogne dans un fossé et en tira l'image de Judas. Il s’est avéré que c’était toujours le même chanteur. " Dernière Cène" fut complètement achevé en 1498.

Durant la Seconde Guerre mondiale, l’église où se trouvait l’œuvre fut touchée par un obus. Le bâtiment a été complètement détruit, mais le mur avec la fresque a miraculeusement survécu.

Métamorphoses de Narcisse

L'un des tableaux les plus étranges de Salvador Dali a été peint en 1937. C'est une œuvre belle et symbolique, pour laquelle Dali a utilisé peintures spéciales et des pinceaux. L'artiste a également essayé nouvelle technologie appliquer des traits.

Le tableau montre un homme admirant sa beauté. Au premier plan, il est assis au bord d'un étang et admire son reflet, à côté de lui se trouve l'image d'une main de pierre avec un œuf. Ce dernier est un symbole de renaissance et de vie nouvelle.

Aujourd'hui, "Métamorphoses de Narcisse" se trouve à Londres, à la Tate Gallery.

Baiser

Le chef-d'œuvre a été peint par l'artiste autrichien Gustav Klimt à l'aide de véritables feuilles d'or. Il a travaillé à sa création pendant un an. La toile représente deux amoureux s'embrassant dans une prairie fleurie. Il n'y a rien ni personne autour, seulement un fond doré.

Une version dit que le tableau a été commandé par un certain comte. Il voulait être photographié avec sa bien-aimée. Lorsque la jeune fille a vu le tableau, elle l’a tellement aimé qu’elle a immédiatement accepté de devenir l’épouse du comte. Selon la deuxième version, « Le Baiser » présente une image de Gustav lui-même et de sa femme bien-aimée Emilia.

Danse

Le tableau a été peint par Henri Matisse en utilisant seulement trois couleurs - vert, bleu et rouge. Il ne représente que des personnages figés dans la danse et la nature. Il n'y a pas de détails inutiles. La toile semble vivante et transmet très bien les vibrations.

La danse se distingue par sa noblesse et séduit par son naturel. L'idée de l'artiste était de capturer ce moment où une personne s'unit à la nature et est remplie d'extase.

Nénuphars

Le paysage est la création du talentueux impressionniste de son temps, Claude Monet. Lorsqu'il eut fini de travailler sur son œuvre, il décida de célébrer cet événement avec ses amis. Un petit incendie s'est déclaré dans l'atelier de l'artiste, qui a été immédiatement éteint. Personne n'attachait d'importance à l'incident, mais il s'est avéré que le chef-d'œuvre portait un fantôme de feu invisible.

Des « Nymphéas » ont été accrochés dans un restaurant situé à Montmartre. Étonnamment, l’établissement a brûlé en une seule nuit. Mais le tableau a miraculeusement survécu. Il a ensuite été acheté par le mécène Oscar Schmitz. Un an après l'achat, sa maison a également brûlé. D’ailleurs, l’incendie s’est déclaré dans le bureau avec la toile. Et encore une fois, le chef-d’œuvre est resté sain et sauf. La prochaine victime du paysage est le Musée de New York arts contemporains. Des « nénuphars » y furent transportés et quelques mois plus tard, un incendie se déclara. Le chef-d'œuvre était partiellement carbonisé. Après restauration, le paysage ne présentait plus de propriétés « dangereuses pour le feu ».

Il existe également de nombreuses peintures intéressantes peintes par les plus artistes talentueux. Il existe de nombreux créateurs dans le monde qui inventent et créent constamment des œuvres nouvelles et inhabituelles.

Peintures insolites d'artistes

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