Sviridova. Caractéristiques de la créativité et principales caractéristiques du style de M. Sviridov Un message sur Georgy Sviridov

Créativité de G. V. Sviridov

Vie et chemin créatif

Georgy Vasilyevich Sviridov est né le 3 décembre 1915 dans la petite ville de Fatezh, située dans la province steppique de Koursk. Le père de Sviridov était un paysan. Au début de la révolution, il rejoint le Parti communiste et meurt en 1919 en défendant le pouvoir soviétique.

Dès l'âge de neuf ans, Georgy Sviridov a vécu à Koursk. Ici, il a commencé à apprendre à jouer du piano. Mais bientôt les cours s'arrêtent. Bien plus que le piano, le jeune mélomane est attiré par la balalaïka. Sviridov a appris à en jouer et a rejoint un orchestre amateur d'instruments folkloriques russes.

En 1929, il entre dans la classe de piano d'une école de musique locale. Trois ans plus tard, Sviridov est diplômé de l'école et est venu à Leningrad pour poursuivre ses études musicales. Il a commencé à étudier au département de piano du Central Music College.

À Leningrad, un garçon de dix-sept ans a appris beaucoup de choses nouvelles. Pour la première fois de sa vie, il visite l'opéra et un concert symphonique. Mais la principale découverte, c'est qu'il s'avère qu'on peut apprendre à composer de la musique et qu'il existe même un département spécial de composition à l'école de musique. Sviridov a décidé de s'y rendre. Il écrivit deux pièces pour piano et, en mai 1933, fut accepté dans la classe de composition du professeur M.A. Yudin. Avec un zèle extraordinaire, le nouvel élève commença à rattraper le temps perdu. Après seulement un mois de travail acharné, leur premier essai leur a été présenté.
Fin 1935, Sviridov tomba malade et partit pour Koursk pendant un certain temps. Là, il écrit six romans basés sur les paroles de Pouchkine : « La forêt laisse tomber sa couverture contre le vent », « Route d'hiver », « À la nounou », « Soirée d'hiver », « Prémonition », « Approche d'Izhora ». Ce cycle apporte au jeune compositeur ses premiers succès et sa renommée.

Étonnamment simples, proches des traditions de la musique russe et en même temps originales, les romances Pouchkine originales de Sviridov sont immédiatement tombées amoureuses des interprètes et des auditeurs.

En 1936, Sviridov entre au Conservatoire de Leningrad, où il devient l'élève de D. D. Chostakovitch. Des années de travail persistant et intense ont commencé, maîtrisant les compétences de la composition. Il a commencé à maîtriser différents styles, à s'essayer à différents types de musique - pendant ses années de conservatoire, Sviridov a composé des sonates pour violon et piano, la Première Symphonie et la Symphonie pour orchestre à cordes.

En juin 1941, Sviridov est diplômé du conservatoire. Dès les premiers jours de la Grande Guerre patriotique, il fut enrôlé comme cadet dans une école militaire, mais fut bientôt démobilisé pour des raisons de santé.

Au tout début de la guerre, Sviridov écrit ses premières chansons pour le front. La comédie musicale « The Sea Spreads Wide », écrite à la même époque et dédiée aux marins baltes, est également étroitement liée aux thèmes militaires. Même avant la fin de la guerre, en 1944, Sviridov retourna à Léningrad. Pendant trois ans, il écrit plusieurs grandes œuvres instrumentales de chambre qui reflètent les événements et les expériences des années de guerre.

La chose la plus originale dans l'œuvre de Sviridov des années 1940 sont ses compositions vocales : le poème « Chants du vagabond », une suite basée sur les paroles de W. Shakespeare, de nouvelles romances et chansons basées sur les paroles de poètes soviétiques, parues dans 1948.

Sviridov travaille beaucoup au théâtre et au cinéma. Cette expérience lui permet de créer de nouvelles œuvres majeures, qui apparaissent au début des années 1950.

En 1949, Sviridov découvre l'œuvre du grand poète arménien Avetik Isahakyan et est choqué par sa poésie inspirée. L'un après l'autre, des romans basés sur les poèmes d'Isahakyan ont commencé à apparaître dans les traductions d'A. Blok et de poètes soviétiques. Bientôt, l'idée d'un grand poème vocal pour ténor et basse avec piano en onze parties intitulé « Pays des Pères » s'est formée. Le poème de Sviridov est une « chanson épique » de notre époque sur la persévérance et la sagesse du peuple, sur la grandeur de son esprit.

En 1955, Sviridov a écrit neuf chansons pour basse et piano basées sur des poèmes de Robert Burns dans une excellente traduction de S. Marshak. Contrairement au poème « Le pays des pères », ce cycle ne contient pas d'images ni de peintures monumentales reflétant des événements d'une grande importance historique. En même temps, ces deux œuvres ont beaucoup en commun : le sérieux du concept, la capacité du compositeur à voir derrière des phénomènes particuliers leur grande signification universelle.

Si dans le poème « Country of Fathers », chaque partie était une image, alors les chansons basées sur les paroles de Burns sont une galerie de portraits musicaux de gens ordinaires, une série de scènes de leur vie autour d'une image - un jeune homme, « le le meilleur gars de notre âge.
En novembre 1955, Sviridov, emporté par la poésie de Sergei Yesenin, écrit plusieurs chansons basées sur ses poèmes. Ils ont été suivis par un certain nombre d'autres et, dans un élan de grande inspiration créatrice, en seulement deux semaines, le poème en plusieurs parties « À la mémoire de Sergei Yesenin » est né. La première a eu lieu le 31 mai 1956 à Moscou.

Les vers de Yesenin, avec leur beauté et leur mélodie magique, semblent demander à être mis en musique. Mais le compositeur peut les lire de différentes manières. Parfois, à Yesenin, seul le parolier « pur », le « chanteur d'amour » avec une guitare est apprécié. Sviridov voyait en lui un grand poète national qui aimait la Russie comme son fils.

Comme toujours, la musique de Sviridov n’est pas seulement une illustration musicale de ses poèmes préférés. Le compositeur sait vraiment « lire » la poésie ; il est toujours très attentif et sensible aux caractéristiques uniques de tel ou tel auteur.

L'axe principal de l'œuvre du compositeur est clairement apparu : la création de musique vocale, même si les œuvres instrumentales ne disparaissent pas de la sphère de ses intérêts. Au début, les genres de chambre prédominaient dans l'œuvre de Sviridov - chant, romance ; mais peu à peu il passe à des formes plus larges, notamment aux oratorios. Et chacune de ses œuvres est empreinte de spiritualité.

Une place particulière dans l’œuvre de Sviridov est occupée par « Pathetic Oratorio » (1959) pour solistes, chœur et orchestre basé sur des poèmes de V. Mayakovsky. De nombreux compositeurs soviétiques ont écrit des œuvres de genres variés basées sur les poèmes de Maïakovski. Mais peut-être que « l’Oratorio pathétique » de Sviridov est le plus significatif et le plus intéressant d’entre eux.
« Pathetic Oratorio » est une toile artistique monumentale, tissée de nombreuses intonations. La dernière et dernière partie de l'oratorio est particulièrement impressionnante, qui utilise des extraits du poème « L'aventure extraordinaire de Vladimir Maïakovski pendant l'été à la datcha ». Cette partie s'appelle « Le Soleil et le Poète ». Une musique lumineuse et solennelle et jubilatoire est accompagnée du tintement des cloches, comme pour transmettre les sons flamboyants des « cent quarante soleils ».

La ligne de romance révolutionnaire issue du « Pathetic Oratorio » s’est poursuivie dans la musique très dynamique du film « Time, Forward ! » (1977), qui fut pendant de nombreuses années le thème musical de l'émission de télévision d'information « Time », ainsi que de l'oratorio « Les Douze » basé sur le poème de A. Blok.
Après l'oratorio, la "Cantate du printemps" a été écrite sur les vers de N. Nekrasov, la cantate "Wooden Rus'" sur les vers de S. Yesenin, plusieurs œuvres chorales non accompagnées sur ses poèmes "Dans la soirée bleue", "Troupeau". , « L'âme est triste du ciel », cantate « Il neige » d'après les poèmes de B. Pasternak.

Ces œuvres sont certes matures, marquées par un grand professionnalisme, remplies d'images poétiques. Quant au style, le flux de la chanson urbaine y est devenu plus brillant et plus important.

Cependant, le compositeur ne s'est pas séparé de l'écriture paysanne. Dans les années 1960, la passion du compositeur pour ce principe fondamental de la musique folklorique russe s’accentue encore. Ainsi fut créé le cycle vocal « Chants de Koursk », qui fut l'apogée de la créativité de Sviridov à cette époque et l'un des chefs-d'œuvre de la musique soviétique.
La base du cycle était constituée de chansons folkloriques de la région de Koursk, enregistrées par un groupe de folkloristes et publiées à la fin des années cinquante. Le résultat du travail créatif du compositeur est cette merveilleuse œuvre de notre temps. Dans les « Chansons de Koursk », les caractéristiques d’une époque particulière n’apparaissent pas. Cependant, la vie du peuple russe avec toutes ses caractéristiques se reflète dans la musique de cette œuvre.

Tel un Bayan prophétique, lentement, le compositeur déroule devant nous cette vie, en montrant ses diverses facettes. Il raconte avec enthousiasme, vivacité et en même temps strictement, sublimement, avec la retenue objective d'un chroniqueur.

Les sept chansons comportent une seule ligne dramatique avec un point culminant et une conclusion. De plus, le résultat est une scène folk vibrante, de nature optimiste.

Une compréhension sensible du matériel des chansons folkloriques a permis au compositeur de créer une structure harmonique particulière d'accompagnement musical qui, par sa capacité et son expressivité, équivaut à la ligne mélodique principale et aide à identifier le sens et le contenu de l'ensemble.

Dans sa dernière période de créativité, Sviridov semble synthétiser l'harmonie de l'être et la subtilité des sentiments, ce qui crée une sorte de spiritualité et de sublimité encore plus légères.

Des exemples en sont la « Cantate du printemps » selon les paroles de Nekrasov (1972), avec sa légèreté étonnante, fraîche comme les gouttes de printemps, la première partie et l'une des œuvres les plus marquantes de Sviridov - Trois chœurs de la musique à la tragédie d'A. K. Tolstoï « Tsar Fiodor Ioannovich " (1973). Ici, les intonations d’anciens chants cultes acquièrent une sonorité moderne et une émotion poignante. Cette musique est peut-être proche des anciens hymnes du christianisme primitif avec leur tristesse solennelle et leur profond sentiment de l'imperfection de l'existence humaine.

Il convient également de noter "Concert in Memory of A. A. Yurlov" (1973) - une sorte de requiem en trois parties lentes et lugubres avec une texture chorale très raffinée et complexe, évoquant les souvenirs tristes et lumineux d'un musicien hors du commun. C'est un service funèbre passionné, lent et douloureux, venant du plus profond d'un cœur agité.
Dans le poème « Rus' Set Away » (1977), au contraire, il y a beaucoup de contrastes, et il y a aussi des moments d'une nature tragique majestueuse. Mais ce ne sont pas des images de batailles sociales. Toute « l’action » s’élève, pour ainsi dire, à des hauteurs cosmiques. D'où le caractère légendaire des images du bien et du mal, du Christ et de Judas.
Le monde figuratif de la poésie de Pouchkine attire à nouveau le compositeur et l'inspire à créer une belle musique. La musique du téléfilm « Blizzard » (1974), basé sur Pouchkine, est particulièrement poétique. Même sans regarder l'écran, mais seulement en écoutant de la musique, on peut « voir » des images de la nature, des scènes de genre, et un bal, qui se déroule sur fond de valse, à la lumière des intonations « volantes » des prémonitions tragiques se font sentir. Une vigilance sombre se fait sentir dans la musique de la scène « Mariage ». Et «Romance», qui est immédiatement devenue populaire et souvent interprétée, ressemble superficiellement aux romances de l'époque de Pouchkine, mais le fait qu'elle soit remplie d'une sorte de pressentiment fatal la rapproche d'un long poème symphonique.

En juin 1979, à l’occasion de la célébration du 180e anniversaire de la naissance d’A.S. Pouchkine, la nouvelle œuvre de Sviridov « La Couronne de Pouchkine » – un concert pour chœur – fut jouée pour la première fois. Ce sont dix nombres qui forment un tout. Les dix poèmes pour lesquels les chœurs sont écrits ne sont pas liés les uns aux autres dans leur contenu - ils sont transformés en un tout par la musique, sublime dans l'ambiance et en même temps concrète dans son imagerie, et parfois même dans son pittoresque.

En 1980, Sviridov a écrit un petit poème choral « Ladoga » basé sur les poèmes d'Alexandre Prokofiev, dont la première représentation a eu lieu dans la Grande Salle du Conservatoire - la composition est lumineuse, juteuse et festive. Cet élément toujours vivant du peuple, sans lequel aucun artiste véritablement national ne peut s'imaginer.

Sviridov apporte sa compréhension du peuple, dans lequel se conjuguent si naturellement pureté et chasteté des sentiments, audace et rudesse, humour fort. La vie populaire tire sa sagesse et sa force de la nature, dont elle fait elle-même partie.

Les compositions remarquables basées sur les poèmes de Blok sont la cantate « Night Clouds » (1979) et le cycle choral « Songs of Timelessness » (1980). Sviridov révèle un poète fantaisiste, avec une dialectique particulière de formation et de croissance du nouveau. Des prières passionnées pour la perfection de la vie, des images d'un printemps clair et lumineux, d'une nuit instable, d'un amour secret et de tout ce qui grandit dans l'obscurité au milieu de l'instabilité et de l'inconfort d'une existence qui coule rapidement, tout cela est recouvert d'un sentiment de mystère solennel et l'éternelle bizarrerie de la vie.

Ainsi, progressivement, le chemin principal de Sviridov émerge - de l'ardeur de la jeunesse à travers des problèmes difficiles jusqu'à la clarté et l'illumination philosophiques, mais partout Sviridov est sublime et son héros est grand et beau, Sviridov met toujours l'accent sur le meilleur et le plus élevé d'une personne, tout est pathétique élevé en lui !

Dans la musique moderne, le langage musical devient de plus en plus complexe et la dissonance des sons devient plus aiguë. Par conséquent, l’apparente simplicité de Sviridov, combinée à de nouvelles intonations, générant une clarté de pensée et une transparence du son, semble particulièrement précieuse. Les recherches du compositeur dans cette direction lui ont valu un profond sentiment de gratitude - pour l'attention qu'il a portée à ce qu'il y a de meilleur dans notre art national, dans l'élément de la chanson folklorique russe.

Pour ses grands services dans le développement de la musique soviétique, G.V. Sviridov a reçu le titre d'Artiste du peuple de l'URSS, héros du travail socialiste. Il est lauréat des prix Lénine et d'État de l'URSS.

Georgy Vasilyevich est décédé à l'été 1997 à Saint-Pétersbourg.

Thème et structure figurative des œuvres

Musique de Georgy VasilievichSviridovane peut être confondu avec aucun autre - son monde imaginaire, ses intonations émouvantes et son accessibilité captivent les auditeurs dès les premiers sons. Cette musique est simple et naïve. Mais cette simplicité est la conséquence d’une compréhension profonde de la complexité de la vie et du désir, ainsi que de la capacité d’en parler simplement.Cette simplicité, sur fond de quêtes les plus complexes de la plupart des compositeurs modernes, semble phénoménale et incompréhensible..

Le héros des œuvres de Sviridov est un poète, un citoyen, un patriote amoureux de sa terre natale. Son patriotisme et sa citoyenneté - sans paroles bruyantes, mais remplissent les œuvres du compositeur d'une lumière douce et tamisée, dégageant une chaleur et une énorme puissance conquérante. Toutes les pensées, toutes les aspirations du héros de Sviridov sont concentrées sur l’intérêt pour la patrie, le peuple, la culture et la tradition russes. Et ses sentiments ne se manifestent jamais superficiellement, mais toujours profondément, chastement, purement, sincèrement à la manière russe.

Le thème de la Patrie, la Russie traverse toutes les œuvresSviridovaune variété de genres : dans l'« Oratorio pathétique » monumental-héroïque, dans le « Poème lyrique-épique à la mémoire de Sergei Yesenin », dans des cycles vocaux basés sur des poèmes d'A.S. Pouchkine, S.A. Yesenina, A.A. Bloc. Mais quels que soient les poèmes qui constituent la base des chants et des chœurs de Sviridov, ils sont toujours traduits en musique à la manière unique et originale de Sviridov.

Une grande place dans la musique de G.V.Sviridovaoccupé par des images de la nature russe, tantôt lumineuses, juteuses, peintes comme à gros traits (comme dans « Poème à la mémoire de Sergei Yesenin »), tantôt tendres, comme floues, « aquarelle » (« En automne », « Ces pauvres villages" sur des poèmes de F.I. Tyutchev), puis strict, sévère ("Wooden Rus'" sur des poèmes de S.A. Yesenin). Et ce qui est représenté est toujours passé par le cœur, chanté avec amour. La nature est indissociable, indissociable de la vision du monde du héros lyriqueSviridova. Elle est animée, mystérieusement incompréhensible. Une telle perception exacerbée de la nature vient de la profondeur de la nature du héros, de sa subtilité spirituelle et de sa sensibilité poétique.

G.V. Sviridov s'efforce de refléter dans son œuvre les événements et phénomènes les plus significatifs de notre histoire et de notre vie moderne, par exemple la bataille de Koulikovo (« Chanson de la Russie » sur les vers de A.A. Blok), les événements révolutionnaires (« Poème à la mémoire de Sergueï Essénine», «Pathétiqueoratorio"aux poèmes de V. Mayakovsky).

Mais non seulement les phénomènes historiques ont trouvé leur incarnation dans la musique de Sviridov, mais elle reflète également la vie simple et quotidienne des gens. Et en cela, le compositeur, s'élevant à de grandes généralisations sociales, crée des images inhabituellement multiformes, et parfois des destins tragiques entiers.

La vie populaire en créativitéSviridova– c’est à la fois un mode de vie particulier et un monde particulier de croyances et de rituels ; c'est aussi une haute moralité, un principe éthique élevé qui a aidé les gens à survivre et à préserver leur identité ; c’est finalement une vie vivante, ininterrompue pendant des siècles, des millénaires – malgré toute peste, invasion ou bouleversement. Les vérités de la vie populaire s'incarnent dans une musique très diverse : un sentiment lyrique intense - et une tendresse tranquille, une passion cachée - et une stricte solennité, une tristesse sublime - et une audace téméraire, une espièglerie.

Caractéristiques du genre vocal-oratorio

Sviridov figure dans la musique russeXXsiècle, un lieu très atypique, sa voix est unique, très différente des autres musiciens contemporains. Sviridov a révélé l'originalité de son don principalement en tant qu'auteur de musique vocale - romances, chœurs, oratorios. Dans cette préférence de genre, il est clairement allé à contre-courant, soulignant la nature purement chantée de sa créativité par opposition à la vague complexe d'instrumentalisme, richement représentée dans la musique des meilleurs maîtres soviétiques. Les œuvres de Sviridov sont principalement chantées. Ils sont facilement accessibles aux non-initiés. Dans son penchant pour la musique de la parole chantée, il s’inscrit dans la continuité directe de la tradition Glinka-Mossorgski, l’une des plus démocratiques de l’art russe du passé.

C'est grâce à Sviridov que le mouvement du genre oratorio dans la musique soviétique des années 50-70 s'est largement développé, un genre dans lequel il était une sorte de pionnier qui lui a insufflé de nouvelles idées. Pour Sviridov, le genre oratorio est une expression concentrée de pensées intenses sur la patrie, sur les événements vécus de l'histoire nationale, pensées exprimées dans l'unité indissoluble de la musique et de la plus haute poésie classique. Au centre de ses quêtes d'oratorio se trouve une série d'anthologies musicales-portraits de poètes marquants : Yesenin, Mayakovsky, Pouchkine, Blok, Pasternak. Les oratorio-portraits sont également accompagnés d'anthologies de chants solos, dont chacune contient les poèmes les plus caractéristiques de ses poètes préférés : Burns, Yesenin, Isahakyan. C'est ainsi qu'est née dans la musique soviétique la tradition Sviridov des monuments de chants et d'oratorios dédiés aux plus grands poètes classiques.

Une autre tradition précieuse, rendue vivante grâce à l'initiative de Sviridov, s'est révélée tout aussi contagieuse : un oratorio de type folklorique sous la forme d'une couronne de chants folkloriques, enrichis par l'imagination d'un artiste moderne et unis danstoile vocale-symphonique intégrale.

Et dans une autre direction importante, le compositeur évolue à contre-courant - dans le domaine des moyens d'expression musicale : à une époque de complexité continue des moyens harmoniques, timbraux et polyphoniques, Sviridov n'a pas peur d'être extrêmement simple et clair, atteignant parfois le point d’une sorte d’exagération polémique dans cette simplification. Parfois, il semble que sa musique soit motivée uniquement par une mélodie vocale, soutenue par un accord ascétique ou un point d'orgue résonnant. Pas de combinaisons contrapuntiques, de superpositions, d'imitations ou de plans de modulation complexes. Seulement un chant plastique impressionnant ou une phrase de discours déclamatoire, inextricablement fusionné avec le mot, avec la pensée poétique.

L'écriture de Sviridov est clairement originale, elle se distingue sans équivoque dès les premières mesures, à partir de quelques sons - qu'il s'agisse de mélodie, d'harmonie ou de texture. Des caractéristiques générales du style telles que l'originalité nationale dans toutes ses manifestations ou le recours aux traditions classiques reçoivent de sa part une mise en œuvre individuelle.

Tout d'abord, ce qui frappe et frappe, c'est l'étonnante retenue dans le choix des moyens d'expression musicale avec leur application d'une précision indubitable, créant l'impression d'une déclaration aphoristique.

Cette nouvelle grande simplicité apparaît, qui est une conséquence de la complexité du traitement etCela semble paradoxal et mystérieux dans le contexte de la créativité musicale moderne. À bien des égards, il est créé grâce à une combinaison inhabituelle et à une fusion organique de traits stylistiques disparates, parfois distants, grâce à la concentration accrue de détails expressifs, individuellement élémentaires, mais évoquant collectivement un sentiment de richesse inépuisable.

Presque toutes les œuvres de Sviridov révèlent les résultats du croisement de la romance et du chant, qui se produit sur la base et avec la prédominance constante de cette dernière. De la romance découle une sensibilité accrue au mot, à l'intonation, une réaction instantanée aux changements du texte, une flexibilité des transitions, des nuances subtiles - en un mot, une tendance à l'individualisation, au détail du langage musical. Il est également associé à une soif de lyrisme intellectuel, de philosophie et d'attention au principe psychologique. Mais tout cela est superposé et absorbé - mais pas au point de disparaître - par la tendance à la généralisation, un puissant courant épique, la démocratie - qualités issues de la chanson.

L'âme de la musique de Sviridov est la mélodie. Dans ses meilleures œuvres, la mélodie se confond et grandit tellement avec le mot qu'il semble impossible de dire le contraire, encore moins de chanter. Cela se produit tout à fait naturellement, sans la moindre pression, grâce à une audition subtile de la structure émotionnelle du texte dans son ensemble et d'une phrase individuelle, ses hauts et ses bas, ainsi que la capacité d'appréhender avec sensibilité le genre, la couleur ou autre possible. associations suggérées par celui-ci. Ces qualités, organiquement combinées avec l'interprétation chantée du vers, forment une mélodie de déclamation de chant « parlante » expressive, qui surgit chez Sviridov comme le résultat de « l'intégration » de nombreuses « caractéristiques » différentes du poème et est leur incarnation concentrée. Souvent, la concentration est si grande que la mélodie de la toute première phrase s'avère être une sorte de thèse musicale-figurative, au cours du développement de laquelle la formation des modèles mélodiques réels est cohérente avec toutes les tournures sémantiques de le texte.

"Oratorio pathétique"

« Pathetic Oratorio » est l’une des œuvres les plus significatives de la musique soviétique. Il se compose de sept parties développées, chacune étant une page indépendante de notre histoire. Et tous ensemble, ils présentent une épopée harmonieuse et monumentale dédiée à la révolution, à la guerre civile, puis à la construction pacifique de notre pays. Il a été écrit pour solistes, chœur et orchestre et est basé sur Les poèmes de Maïakovski, sélectionnés par le compositeur parmi ses différentes œuvres. Dans l'oratorio, deux personnages principaux apparaissent en pleine hauteur : les gens qui créent une nouvelle vie et le poète qui la loue. Et cela donne l’impression que l’ensemble de l’oratorio est un monument taillé dans un bloc monolithique de granit.

« Pathétique Oratorio » est l’une des œuvres audacieuses du maître, un test radical de son esthétique et de son style créatifs.

La contribution de « Pathétique » au développement du genre cantate-oratorio soviétique s'est avérée significative. Son renouveau décisif, comme on le sait, a été entrepris par Sviridov dans le remarquable « Poème à la mémoire de Sergei Yesenin », qui a marqué le début de toute une période dans l'histoire du genre. L'innovation du « Poème », cependant, est largement associée au déni ou à une refonte décisive du type d'imagerie qui s'est développé dans ce genre, avec la création d'une variété de genre fondamentalement différente (le titre même de l'œuvre est profondément justifié , comme c'est typique pour Sviridov). L'ambiguïté du système émotionnel, la force inhabituelle du drame, qui a donné une impulsion au mouvement interne intense des images - ces propriétés du « Poème » se sont poursuivies dans le « Pathétique Oratorio », mais sous un aspect différent. Voici les cadres de genre les plus habituels d’un oratorio monumental, traitant d’un sujet traditionnellement significatif. Si l'idée même et la source littéraire du « Poème à la mémoire de Sergueï Yesenin » assuraient déjà en grande partie l'originalité et la nouveauté du concept général, alors dans le « Pathétique Oratorio », le compositeur a dû briser l'anneau des solutions modèles et banales, « épuisé » signifie avoir cependant un puissant allié : la poésie de Maïakovski. Cependant, cet allié n'était pas non plus « flexible » : des efforts étaient nécessaires pour surmonter le « glossage des manuels » qui était déjà devenu familier. Il convient d'autant plus d'apprécier le courage artistique et les capacités créatrices de l'auteur, qui a remporté ici une victoire éclatante.

L'imagerie poétique des poèmes de Maïakovski, leur dynamisme ouvert, leur pathétique et leurs affiches bruyantes ont stimulé l'utilisation de techniques expressives qui n'ont jamais été utilisées de manière aussi concentrée par le compositeur nulle part ailleurs. Il était captivé par le « maximalisme romantique » du poète. Les conflits et les situations extrêmement tendues ont envahi la musique. Les images d'affiches et d'hymnes sont apparues au premier plan, et les images de la nature et du lyrisme émouvant (si typique de Sviridov) sont passées au second plan. Il fallait des moyens d’opposition forts et vifs. La part des débuts concrets-picturaux, intrigue-événementiels a augmenté. Le volume de l'ensemble de la toile musicale, composée cette fois de grandes fresques, est devenu plus grand. La dramaturgie de l’ensemble et la nature des relations entre les parties sont devenues plus complexes.

Les origines sonores multicouches, en tant que propriété la plus remarquable de la musique de Sviridov, acquièrent dans l’oratorio une ampleur particulière, un contraste des rangées constitutives et des formes plus riches de tendances synthétisées. Ici, sont mises en œuvre des techniques expressives qui proviennent non seulement des traditions de l'ancienne polyphonie chorale russe, mais aussi, pour ainsi dire, « copiées de la nature », caractérisant la vie sonore de l'ère révolutionnaire (marche, récitation oratoire, divers types d'onomatopées ). Dans la troisième partie, par exemple, le compositeur se concentre autant sur les traditions kantiennes que sur les chants quotidiens et de masse. La combinaison des origines donne naissance à une musique d'une puissance, d'une noblesse et d'une beauté sublimes extraordinaires - un chant majestueux en l'honneur des héros nationaux.

L’hétérogénéité des sources du matériau, la profondeur de la rangée verticale de leurs couches révèlent la nature de la richesse intonative de la musique de l’oratorio, qui est le plus facilement visible à travers le prisme de la composition de genre du matériau musical. Quels genres sont traduits en oratorios ? Quelles nouvelles possibilités d’expression artistique Sviridov découvre-t-il ici ?

Le noyau principal du genre de l'oratorio est la marche, un genre de masse des temps révolutionnaires, caché dans de nombreux poèmes de Maïakovski - « Marche de gauche », « Notre marche » (d'où la symétrie de la structure, la périodicité claire de la rime, la rythme syllabique frappé du texte). La marche, base d'un certain nombre de parties de l'oratorio, détermine le rythme interne unique de la musique et se révèle dans le cycle dans une large gamme de nuances expressives. Une marche-fond qui accompagne le pas de la procession, une marche-action qui accompagne la créativité ouvrière, une marche-hymne qui met tous les participants aux événements dans un état de liesse, une marche-apothéose... Et dans chaque cas, le compositeur met l'accent sur diverses techniques d'expression musicale, puis en soulignant la caractéristique primaire du genre, puis en l'ombrageant. En conséquence, la base musicale de la marche acquiert la capacité de décrire différentes situations et est visible dans des épisodes dont l'ambiance et le son diffèrent.

L'expressivité spécifique de nombreuses pages de l'oratorio est associée à une autre ligne de genre : la déclamation. C'est elle qui laisse une empreinte unique sur la musique de la composition. La signification intonationnelle du discours mélodique caractéristique de Sviridov a reçu de nouveaux stimuli forts de la poésie de Maïakovski dans l’oratorio. Les traits caractéristiques du vers de Maïakovski - dynamique d'intonation accrue, provoquant une décomposition en sous-lignes, rythmes strophiques complexes, forme dialogique, dramaturgie sémantique interne du développement de la pensée - sont dus à sa nature conversationnelle.

Sviridov a entendu avec précision et a répondu avec sensibilité à la tension intonative des poèmes de Maïakovski, a perçu leur forme poétique (commutation dialogique) et a transféré l'activité d'une telle composition poétique à la musique. La dramaturgie sémantique des poèmes de Maïakovski dicte le développement vectoriel orienté vers l’avenir des formes musicales des différentes parties de l’oratorio. Mais, constatant les contacts organiques entre la base poétique de l’oratorio et sa musique, la sensibilité du compositeur aux propriétés stylistiques expressives de la poésie de Maïakovski, il faut imaginer la frontière qui dessine les limites des contacts entre la musique et les mots. Ce jalon est déterminé par les différentes possibilités de solutions verbales et musicales aux images artistiques. Mais en outre, le style de Maïakovski contient des moments qui ne peuvent être reflétés par le langage musical. Par exemple – spécificité maximale, précision des concepts verbaux ; la fragmentation interne du vers, où parfois, notamment grâce à la division en sous-lignes, chaque mot sonne séparément. Le jeu avec les métaphores, si caractéristique du poète et constituant parfois le sens de l'œuvre, base de la composition et de la rime, est insaisissable en musique. L'élégance de sa création verbale et le sens des néologismes ne peuvent être recréés en musique. Tout cela aurait dû rester et rester en dehors des frontières de la musique.

Et, en outre, dans le système du style de Sviridov, qui ne change pas ses propriétés fondamentales dans l’oratorio, l’intonation et le pouls rythmique de nombreuses formes poétiques de Maïakovski, la structure du phrasé et la composition de l’ensemble sont reconstruits. La qualité la plus précieuse du style du compositeur - sa base mélodique - empêche de suivre exactement l'intonation fractionnée de Maïakovski. Par conséquent, Sviridov ne suit pas la voie de l'expression exclusivement récitative de prototypes poétiques. La base de la musique reste le chant, mais dans de nombreux cas, l'intonation devient plus nette, plus intense, les motifs deviennent laconiques, séparés par des pauses fréquentes et plus intermittents. Dans la réunification du chant mélodique, des lignes rondes, solides et amples et de la différenciation intonationale du récitatif, se concentrent les découvertes artistiques les plus précieuses du compositeur et révèlent l’originalité de la musique de l’oratorio.

Et enfin, Sviridov introduit un certain nombre de techniques sonores et visuelles dans l'oratorio. Recourant généralement rarement à un caractère illustratif spécifique, le compositeur utilise non seulement les possibilités de concrétisation sonore de l'action de diverses manières, mais leur attache également une grande importance dans la structure des images artistiques de l'oratorio. Surtout dans les deux premières parties, où la visualisation sonore (fanfare, plans, pas, etc.) crée le maximum de plausibilité du son. La visualisation sonore, bien entendu, n'entre pas dans le processus de synthèse avec les principales couches de genre de la composition, puisqu'il s'agit d'une technique musicale d'un autre ordre, mais elle enrichit les caractéristiques des images de touches supplémentaires et leur confère une dynamique active. arrière-plan.

« Pathetic Oratorio » est peut-être la seule œuvre de Sviridov où le compositeur utilise de manière aussi dynamique la méthode du contraste musical, l'appliquant lors de la combinaison de parties individuelles et de l'ensemble du cycle. L'impression de volume et d'ampleur des croquis figuratifs dans presque toutes les parties est associée à une comparaison contrastée des bords, des plans et des angles de vue de l'objet sélectionné. Les contours de l’ensemble sont esquissés par de larges traits en relief et des détails saillants. La poésie de Maïakovski, avec ses thèses accrocheuses semblables à des affiches, encourage également cela.

"Poème à la mémoire de Sergei Yesenin"

« Poème à la mémoire de Sergei Yesenin » est l'une des œuvres merveilleuses de la musique soviétique. Incarnant le thème lyrique de la poésie de Yesenin - l'amour pour la terre natale, Sviridov révèle également des facettes importantes de ce thème pour le poète : le poète et la patrie, le poète et le peuple, le poète et la révolution. Il les montre dans toute la complexité et l'incohérence caractéristiques de Yesenin, sans aplanir la gravité et la tragédie de ses expériences.

Lors de la création du poème, Sviridov s’est tourné vers les œuvres de Yesenin de différentes années : de 1910 à 1924. Leur regroupement est tout à fait remarquable. Les poèmes qui composent les six premiers numéros ont été créés par Yesenin entre 1910 et 1916. Ils reproduisent des images de la vie de la paysannerie russe avant la Révolution d'Octobre. Ce sont : « Tu es ma terre abandonnée... » (1914), « L'hiver chante... » (1910), « Dans cette terre... » (1915), « Battage » (1916), « Lumières ». brûlent de l'autre côté de la rivière » (1916), « Mère marchait à travers la forêt en maillot de bain » (1912). Les quatre poèmes suivants remontent à 1918-1924 et sont consacrés aux images de la jeune Russie soviétique. Il s'agit de deux fragments du poème « Le chant de la grande marche » (1924), intitulé par Sviridov : « 1919... » et « Les enfants des paysans » ; le poème "Je suis le dernier poète du village..." (1919) et un fragment du cycle "La Colombe du Jourdain" (1918) - "Le ciel est comme une cloche...", qui forme le final de le poème. Ce regroupement divise clairement l'ensemble de la composition, selon le contenu, en deux parties, qui peuvent être conditionnellement appelées « Departing Rus' » et « Soviet Rus' ».

Les poèmes sélectionnés par Sviridov sont parlés à la fois au nom du poète et contiennent un récit objectif. Des parties à tendance lyrique et épique alternent. Mais il n’y a pas de différence fondamentale entre eux. Yesenin – « le chanteur des villages russes » – apparaît partout comme un membre du peuple, de la Russie, comme un poète dont le destin complexe et difficile est indissociable du sort de son pays natal. Le héros lyrique du poème est représenté entouré d'images de la nature russe et de la vie populaire. Et en même temps, ces images sont présentées en musique comme à travers la perception de leur héros - un homme à l'âme douce et sublime.

Dans l'entrelacement et la fusion du subjectif avec l'objectif, du personnel avec le national, des paroles avec l'épopée et le genre, son idée philosophique se révèle dans le poème.

De toute évidence, la présence constante d'un élément personnel dans la musique et la présence d'un héros lyrique sont les raisons pour lesquelles Sviridov a appelé son œuvre non pas un oratorio ou une cantate, mais un poème. Cette désignation parle aussi d'autre chose - l'unité de l'ensemble, obtenue grâce à la connexion interne de toutes les parties, qui repose sur le développement cohérent non pas de l'intrigue, mais du thème et de l'idée de l'œuvre.

Les parties du poème sont reliées entre elles par des images « à travers » du poète et de la terre russe.

Une autre image fédératrice–la cloche sonne comme un symbole musical de la Rus' de Yesenin. C'est la sonnerie du monastère venant de loin (première partie), les cloches de traîneau (deuxième partie), le tintement des chaînes (troisième partie), les cloches de cristal !! (cinquième-sixième parties), cloches d'alarme (septième partie), cloches d'accordéon (huitième partie), coups funèbres (neuvième partie), majestueuse cloche « universelle »(dixième partie).

Enfin, la remarquable intégrité de son langage musical contribue à l’unité du poème. Revenant à son élément de chanson russe natal, Sviridov s'y consacre entièrement. Ce que fait un compositeur –Il ne s'agit pas d'un « traitement » du folklore ou d'une imitation de celui-ci, mais d'une créativité indépendante selon ses lois. Et les résultats sont tels que certaines des mélodies du poème sont dignes d'être comparables aux meilleurs exemples de russe. chanson populaire.

Sviridov élève de larges couches de l'écriture russe : paysanne (ancienne et nouvelle), urbaine, en partie militaire. Mais le style de sa musique reste uniforme tant au sein de chaque partie individuelle que tout au long du cycle. Des chansons du même type se retrouvent dans des parties différentes. Ce ne sont pas des leitmotivs traditionnels, mais plutôt des formations intonationnelles liées, des grains qui, dans de nouvelles conditions, donnent à chaque fois de nouvelles pousses et pousses. Deux groupes principaux de ces intonations peuvent être distingués. Un–chants lyriques en tonalité mineure, basés sur la cinquième tonique et chantés ou basés sur un mouvement descendant fluide du quatrième degré vers la tonique. On les retrouve dans les première, troisième, septième, neuvième parties.

De plus, dans les deux dernières parties du poème, les lignes de développement des deux groupes sont complétées : les cinquièmes campagnols mineurs et descendants, associés à des réflexions lyriques, avec des ambiances de mélancolie et de malheur, se révèlent le plus pleinement dans le monologue « Je suis le dernier poète du village », et la quatrième et les tricordes, basées sur des appels, des cris et des images héroïques de la nature ou de la vie populaire, sont résumées dans le finale.

En général, le poème de Sviridov est une œuvre originale, de genre inhabituel. Ce n’est pas un oratorio traditionnel car il n’a pas d’intrigue, pas d’action dramatique sans scène. Ce n'est pas une cantate traditionnelle, puisque le cycle est uni par l'image d'un héros.

L'absence d'épisodes symphoniques développés et indépendants dans une œuvre avec orchestre est également inhabituelle. Ce genre - un poème vocal-symphonique en plusieurs parties - n'existait en réalité pas auparavant.

La courte biographie de Georgy Vasilievich Sviridov vous racontera la vie et le parcours créatif du compositeur et pianiste russe. Le message sur Georgy Sviridov peut être complété par des faits intéressants.

Brève biographie de Georgy Vasilievich Sviridov

Sviridov Georgy Vasilievich est né dans la ville de Fatezh le 3 décembre 1915 dans la famille d'un postier et partisan actif des bolcheviks. La mère du futur compositeur était enseignante. Alors qu'il avait 4 ans, son père fut tué lors d'un affrontement entre les bolcheviks et l'opposition. Avec sa mère, il déménage à Koursk, où il fréquente l'école primaire. Dès son plus jeune âge, il manifeste un amour pour la littérature et commence même à écrire de la poésie. À l'âge de 8 ans, Georgy connaissait de nombreux auteurs étrangers et nationaux.

Son amour pour la musique a commencé après avoir joué dans une pièce de théâtre à l'école. Il devait exécuter un court passage à la balalaïka. Ayant appris à jouer de cet instrument, Sviridov a commencé à composer des mélodies et a essayé de repérer à l'oreille des motifs bien connus.

Sviridov entre au Conservatoire de Leningrad en 1936 et étudie les bases de l'art musical avec Riazanov et Chostakovitch. Un an plus tard, sur recommandation de ses professeurs, il est inscrit à l'Union des Compositeurs.

Plus près de la Seconde Guerre mondiale, je suis allé à l'École militaire de surveillance aérienne, d'alerte et de communication de Léningrad. En raison de sa mauvaise santé et de son inaptitude, il a déménagé à Novossibirsk, où Sviridov a composé des chansons et des mélodies pour les soldats, voulant leur remonter le moral. S'étant adapté à la nouvelle ville, il commence à écrire des œuvres pour les théâtres de Novossibirsk.

Initialement, l'œuvre de Georgy Sviridov était dédiée à Pouchkine, ou plutôt à ses poèmes. L'auteur a créé plusieurs romans et symphonies pour le grand poète. L'œuvre la plus célèbre est « Blizzard ». Le style du compositeur a changé tout au long de sa vie. De Pouchkine, il passe aux compositions romantiques et classiques, puis aux compositions russes. L'œuvre de Georgy Vasilyevich Sviridov comprend 7 romances pour les poèmes de Lermontov, 7 petites pièces pour piano, une sonate pour violon, un quintette avec piano, etc.

Sviridov est revenu à Leningrad en 1944 et depuis 1956, il s'est installé à Moscou. Il continue d'écrire des symphonies, des oratorios, des concerts, des cantates, des romances et des chansons. En 1957, il est accepté comme membre du conseil d'administration de l'Union des compositeurs de l'URSS. Entre 1962 et 1974, il occupe le poste de secrétaire, en 1968-1973, premier secrétaire du conseil d'administration de l'Union des compositeurs de la RSFSR. Il a été député du Conseil suprême de la RSFSR des 7e, 8e et 9e convocations consécutives. En France, en juin 1974, le compositeur est présenté comme « le plus poétique des compositeurs soviétiques modernes ».

• A été marié trois fois. Sviridov n'a jamais mentionné ses deux premiers mariages dans ses interviews. Sa première épouse était Valentina Tokareva, pianiste et camarade de classe à l'école technique. La deuxième épouse était Aglaya Kornienko, une artiste de 12 ans plus jeune que lui. Pour le bien d'Aglaya, Sviridov a quitté sa première femme et son fils Sergei, âgé de 4 ans. Lors de son deuxième mariage, un fils, Yuri, est né. En raison de circonstances tragiques, les fils du compositeur sont morts avant leur père. La troisième épouse était Sviridova Elza Gustavovna, 10 ans plus jeune que lui.
• Il y avait 20 autres personnes vivant dans le dortoir avec l'étudiant Sviridov.
• Il aimait souvent composer, ce qui lui a valu le surnom de « compositeur de génie ».
• J'ai adoré la pêche, mais il n'aimait pas chercher des vers - il était dédaigneux. Il s'est ensuite lavé les mains pendant des heures.
• Son appartement a été mis sur écoute parce que Sviridov n’était pas membre du parti, ce qui signifie « peu fiable ».
• J'ai gardé des notes toute ma vie.À cette fin, j'ai utilisé des blocs-notes, des cahiers, des cassettes, des marges de magazines et de livres, des ouvrages de référence, des bouts de papier, des annuaires téléphoniques et des notations musicales.

Dès le début de sa carrière, Georgy Vasilyevich Sviridov s'est intéressé à la musique vocale et chorale. Des romances sur les poèmes de Pouchkine de Lermontov Blok, des cycles de chansons sur les paroles de Béranger, Burns, Isaakyan Prokofiev ont été inclus dans le fonds d'or de la littérature vocale soviétique. Sviridov est original en tant que compositeur vocal et choral. La créativité vocale et chorale de Sviridov est unique par l'étendue de sa couverture de divers styles poétiques. Le compositeur s'est tourné vers la poésie de Shakespeare et Burns, Pouchkine et Lermontov, Nekrasov et Isaakyan, Mayakovsky et Pasternak, Prokofiev, Orlov, Tvardovsky et d'autres. Mais les favoris de Sviridov ont toujours été deux poètes véritablement russes, chez qui il a trouvé des thèmes éternels. à l'écoute d'aujourd'hui - A. Blok et S. Yesenin.

Sviridov avait un riche don mélodique. La mélodie est chantante, russe, émouvante - le « saint des saints » de la créativité de Sviridov. Les définitions du style de Sviridov sont caractéristiques : « L'œuvre de Sviridov est une chanson au sens littéral (intérêt pour les genres vocaux, attention au mot) et figuré (glorification infatigable de la Patrie) du mot », et « chant » au sens large. du mot, comme principe qui détermine les spécificités du thématicisme, devient l'une des principales qualités qui révèlent le national dans son œuvre.

La maîtrise de l’écriture chorale de Sviridov était particulièrement évidente dans ses « Cinq chœurs non accompagnés sur les paroles de poètes russes », créés en 1959 entre deux toiles chorales : « Poème à la mémoire de S. Yesenin » et « Pathétique Oratorio ». Cette œuvre révèle des traits stylistiques importants du compositeur. Ils témoignent à bien des égards du développement de l’une des directions de l’écriture chorale moderne. La meilleure étude de l'œuvre d'E. Sviridov est à juste titre considérée comme la monographie d'A. Sokhor, dont nous utilisons les matériaux lors de l'analyse des œuvres chorales.

"Cinq chœurs non accompagnés" (1959) a été écrit sur des poèmes de divers poètes, unis par le thème principal de l'œuvre de Sviridov - le thème de la Patrie, une image collective de la terre russe, de sa nature et de son peuple, belle dans sa sincérité et sa spiritualité. pureté. Ce n’est pas un hasard si la musique de Sviridov est perçue comme la « quintessence » de tout ce qui est russe : la nature, le paysage, l’âme humaine, la chanson, la poésie, la religion. Une pénétration profonde dans l'âme du peuple, une compréhension de la nature de la musique mélodique russe - dans les chants paysans et urbains, dans les chants Znamenny - évoquent des analogies avec la musique de Rachmaninov. Le compositeur sait combiner dans son œuvre des thèmes et des paroles socialement significatifs, des images de sa nature natale et des pages héroïques de l'histoire de la révolution et de la guerre civile. Mais le thème principal - patriotique -, le thème de l'amour pour la patrie, reçoit en lui une incarnation lyrique et philosophique. Le refrain «On Lost Youth» (basé sur un extrait en prose du deuxième volume de «Dead Souls» de N.V. Gogol) - souvenirs de l'enfance et de la jeunesse passées, sert d'introduction à la collection. Les deuxième et cinquième chœurs du recueil sont écrits sur des poèmes de S. Yesenin, le poète préféré du compositeur. Les troisième et quatrième, racontant la rencontre d'un fils avec son père et « la naissance d'une chanson poétique, sont écrits sur des poèmes de poètes de la période soviétique - A. Prokofiev et S. Orlov.

Dans le refrain « About Lost Youth », la narration est racontée du point de vue du soliste (auteur). Soulignant l'importance des détails sémantiques, la partie solo contraste avec le chant du chœur sans paroles. La mélodie du chœur est déterminée par l'intonation et le rythme du texte. La musique contient une tristesse élégiaque, caractéristique des romances quotidiennes (partie 1), et l'amertume de la perte (section 2). D'où la texture homophonique (parties solo et accompagnement). La forme strophique en deux parties est mise en valeur à la fois par le plan tonal et par la variabilité des fonctions en cadences. Les phrases mélodiques des cadences de ce chœur entrent dans le matériau principal du deuxième chœur suivant « In the Blue Evening », étant son point de départ et reliant les deux chœurs avec une unité thématique, comme l'a indiqué A. N. Sokhor. La connexion intonation-thématique de ces chœurs apparaît dans la similitude des thèmes et des intrigues de leur base de composition. Cependant, cette similitude est utilisée par le compositeur comme un préalable au contraste de leur opposition.

Dans le deuxième chœur, « Dans la soirée bleue », le récit est raconté au nom de l'auteur, mais est présenté par le chœur. Le pittoresque de l'image musicale est mis en avant, qui, selon la description de A. N. Sokhor : « tout est d'une beauté enivrante et coloré de rêverie ». « Quelle beauté intérieure, quelle sévérité et quelle retenue dans l'expression des sentiments cette musique véridique est. rempli de ! Seulement parfois, l'élégance majeure de la coloration générale est noyée par des notes perçantes de profond chagrin et de déception. Une impression indélébile est laissée par la transition du court « requiem » (quatuor masculin avec altos) au majeur « sans fin ». cadence, comme pour raviver les vieux rêves de la jeunesse dans un cœur fatigué. Dans ce chœur, Sviridov, semble-t-il, n'était pas inférieur à Yesenin : le poète des sons égalait le poète des mots », écrit O. Kolovsky.

« Un fils rencontre son père » est une chanson héroïque sur un épisode dramatique de la guerre civile, pleine d'intensité émotionnelle. Il est proche du thème du « Poème à la mémoire de Yesenin » (« Les baïonnettes et les ceintures de l’Armée rouge brillent, ici père et fils peuvent se rencontrer »). Un fragment de la chansonnette de S. Yesenin (extrait du « Chant de la Grande Marche ») se déroule dans le chœur (sur le texte de A. Prokofiev) dans une scène. Le concept lyrique du chœur reproduit l'esprit d'un conte épique et d'une légende. L'action ne révèle pas d'événements dramatiques ; elle est impliquée dans le sous-texte. Le refrain est écrit sous forme libre, composé de cinq épisodes. Le chœur énergique du chœur d'hommes avec des hauts et des bas mélodiques au rythme pointé rappelle les chants courageux des cosaques du Don. Dans une variabilité variée, non seulement la base intonation-rythmique et texturale de la musique change, elle se transforme en genre du chœur. La variation du refrain sert de moyen d'expression dramatique. La première partie est divisée en deux moitiés grâce à l'instrumentation chorale, dans laquelle alternent les chœurs d'hommes et de femmes. Le deuxième épisode, interprété par un chœur de femmes (« Au chemin des déchets »), sonne doucement comme une chanson lyrique de fille. Ensuite, les groupes choraux s'unissent, présentant une forme strophique en une seule partie. Le contraste dramatique et le point culminant sont les 3ème et 4ème épisodes (« Le vent marchait d'un pas instable » et « Le paon déployait sa queue… »). Le chœur mixte sonne compact, puissant, la tessiture monte, le tempo s'accélère, les déviations en parallèle mineur et tout s'interrompt. Après une longue pause, la dernière section commence par une mélodie majestueuse et lumineuse - un hymne au futur, affirmant la victoire de la vie sur la mort. Dans ce chœur, tout est construit sur des comparaisons contrastées : d'abord le chœur d'hommes chante, puis le chœur de femmes. Dans le premier tutti, la texture harmonique est en trois parties (il y a aussi un épisode d'unisson). Dans le dernier épisode, il y a une « modulation colorée et timbrale depuis les tons vifs d’une image de genre jusqu’aux demi-teintes d’un sentiment paisible ». La texture chorale rehausse la richesse harmonique avec des complexes (reproduisant partiellement la mélodie du chœur chantant sans paroles).

"Comment la chanson est née" - des paroles émouvantes. Derrière l'apparente monotonie mélodique et rythmique extérieure (forme de variation de vers) se cache la richesse des sentiments, la beauté de l'âme russe, la poésie. « Ici, une caractéristique du style de Sviridov a été particulièrement magistralement démontrée : la subvocalité dans toutes ses manifestations : tout commence par un modeste refrain à une voix, puis l'une des voix « reste coincée » sous la forme d'une pédale, l'autre commence à écho. La structure principale à trois voix de l'œuvre apparaît, qui devient plus tard plus complexe verticalement et horizontalement ; à partir de la seconde, un accord massif se développe, de la pédale - des lignes contrapuntiques élégantes, tout cela dans son ensemble forme un son inhabituellement mélodique et naturel. une texture chorale sonore, tout comme dans une chanson folklorique. Ce chœur peut être comparé à des exemples du style subvocal russe comme le chœur des villageois de Borodine, les chœurs d'opéra de Moussorgski, certains chœurs des « Dix poèmes pour chœur » de Chostakovitch. Ici, Sviridov ne procède pas seulement. du style général de la chanson folklorique, mais met également en œuvre dans son travail l'intonation individuelle et les modèles structurels de l'art de la chanson populaire, en les enrichissant des moyens de composition professionnels.

« Tabun » est une chanson sur la Russie. Dans le large chœur héroïque des voix masculines se dessine un panorama des espaces indigènes. L'amour pour la Russie, l'admiration pour sa nature, une image inhabituellement poétique d'un coucher de soleil, un troupeau de chevaux la nuit, les sons d'une corne de berger - remplissent le son de la chorale d'une révérence particulière. De beaux moments de prise de son laissent place à des réflexions philosophiques. La texture chorale est riche en techniques de présentation chorale (de l'unisson au tutti, chorale basse-pédale octaviste, chant bouche fermée), colorée (modulations, variabilité texturale) et émotionnelle. La conclusion sémantique est une fière mélodie semblable à un hymne avec les mots : « Aimer tes ténèbres du jour et de la nuit. Pour toi, ô Patrie, j’ai composé cette chanson ! La partition de ce chœur est riche en contrastes : changements fréquents de rythmes, de textures, de couleurs vocales et chorales : après deux épisodes à texture transparente par exemple, la voix lourde à sept voix sonne très impressionnante sur fond de pédale chorale - comme un «horizon», qui à son tour est remplacé par une section finale d'accords sonores et mélodieux.

Du point de vue compositionnel, l'unité poétique des « Cinq Chœurs » est similaire à la structure de l'un des cycles « Yesenin » du compositeur, « Mon père est un paysan ». Grâce au cadre « de l'auteur », tous les chœurs acquièrent une tonalité lyrique.

Ces chœurs a cappella reflétaient toutes les principales caractéristiques stylistiques de Sviridov : le chant (dans la mélodie du chœur et la direction de la voix), la diatonicité modale et la subvocalité avec sa variabilité texturale et harmonique des fonctions (la prédominance des relations tertiaires avec les vibrations majeures-mineures typiques) ; de la musique russe), les caractéristiques de la formation (le rôle des variations de vers et des formes strophiques), la diversité des compositions chorales, la richesse timbrale de l'orchestration chorale - de la mélodie à l'harmonie, l'utilisation du divisi dans toutes les parties, notamment dans les voix masculines, qui Sviridov apprécie pour sa force, sa densité, sa fondamentalité (trois parties de basse et une énorme importance de texture et d'harmonique).

Caractéristiques de l'écriture chorale :

1. La position dominante est occupée par la sphère des genres vocaux, le monde du compositeur est la voix humaine ;

2. Attirance pour la musique folklorique, ses intonations, ses modes, son esprit intérieur et son contenu ;

3. La base des chœurs est une couche mélodique basée sur l'accompagnement (instrument ou autres voix) ;

4. Mélodies diatoniques caractéristiques, luminosité ;

5. Harmonie tonale, longtemps immobile, une touche insaisissable - la superposition d'un accord ;

6. Retenue tonale. La plupart des chœurs ont une tonalité unique et immuable (même dans les parties adjacentes des cycles) ;

7. Rythme – caractérisé par la simplicité, mais il peut aussi être délicieusement fantaisiste (comme dans le refrain « By the Green Shore » de la cantate « Night Clouds ») ;

8. Types de texture chorale :

1) Expressivité des accompagnements de Sviridov. Dans les œuvres chorales, il y a toujours une stratification du tissu musical en deux couches - la principale et l'auxiliaire (accompagnement). Ainsi, les sons soutenus sont placés sous la mélodie, dans un timbre « différent » (ou un autre groupe d'un chœur mixte, solo, ou différentes méthodes de production sonore - bouche fermée, son de voyelle, etc.).

2) accord, type choral (« Dans la soirée bleue », « Tu me chantes cette chanson »). La texture polyphonique ne peut être trouvée dans la forme classique, car le mélange et l’entrelacement des lignes, selon le compositeur, interfèrent avec l’expression de la pensée poétique. Et Sviridov appréciait la plus grande clarté des mots.

9. Le principe le plus important est le lien entre les mots et la musique. Il ne subordonne jamais le mot à la musique, n'illustre pas le texte, il lit l'idée principale, l'ambiance principale du vers, et sa musique renforce le mot - c'est une forme d'expression du vers et de la pensée (« À propos de la jeunesse perdue »);

10. Utilise la poésie de Pouchkine, Yesenin, Lermontov, Blok, Mayakovsky, Prokofiev.

SVIRIDOV GEORGIE VASILIEVITCH

(1915-1998)

Le futur compositeur est né dans la petite ville de Fatezh, dans la province de Koursk. Son père était postier et sa mère enseignante. Alors que George n'avait que quatre ans, la famille devint orpheline : son père mourut pendant la guerre civile. Après cela, la mère et son fils ont déménagé à Koursk. Là, Yuri (c'était le nom de Sviridov dans son enfance) est allé à l'école, où ses capacités musicales se sont manifestées. C'est alors qu'il maîtrise son premier instrument de musique, la balalaïka ordinaire. Sviridov l'a pris à l'un de ses camarades et a vite appris à jouer à l'oreille, à tel point qu'il a été accepté dans un orchestre amateur d'instruments folkloriques russes. Le directeur de l'orchestre, un ancien violoniste Ioffe, organisait des concerts et des soirées musicales dédiées aux compositeurs classiques. En jouant dans un orchestre, Sviridov perfectionne sa technique et ne cesse de rêver de recevoir une éducation musicale. À l'été 1929, il décide d'entrer dans une école de musique. Lors de l'examen d'entrée, le garçon doit jouer du piano, mais comme il n'a alors aucun répertoire, il joue une marche de sa propre composition. La commission l'aimait bien et il fut accepté à l'école.

À l'école de musique, Sviridov est devenu l'élève de V. Ufimtseva, l'épouse du célèbre inventeur russe G. Ufimtsev. La communication avec ce professeur sensible et talentueux a enrichi Sviridov à bien des égards : il a appris à jouer du piano de manière professionnelle et est tombé amoureux de la littérature. Au cours de ses études, il était un invité fréquent dans la maison des Oufimtsev et c'est Vera Vladimirov qui conseilla à Sviridov de consacrer sa vie à la musique.

Après avoir terminé ses études, il poursuit ses cours de musique avec un autre professeur, M. Krutyansky. Sur ses conseils, en 1932, Sviridov se rend à Leningrad et entre dans une école de musique pour étudier le piano, dirigée par le professeur I. Braudo. A cette époque, Sviridov vivait dans une auberge et, pour se nourrir, jouait au cinéma et dans les restaurants le soir.

Sous la direction de Yudin, Sviridov a écrit son premier ouvrage de cours, des variations pour piano, en seulement deux mois. Ils sont toujours célèbres parmi les musiciens et sont utilisés comme matériel pédagogique. Sviridov est resté dans la classe de Yudin pendant environ trois ans. Pendant cette période, il a écrit de nombreuses œuvres différentes, mais la plus célèbre était un cycle de six romans basés sur des poèmes de Pouchkine.

Cependant, la malnutrition et le travail acharné ont miné la santé du jeune homme, il a dû interrompre ses études et partir pour un certain temps à Koursk, dans son pays natal. Ayant repris des forces et amélioré sa santé, à l'été 1936, Sviridov entra au Conservatoire de Leningrad et devint lauréat d'une bourse personnelle nommée d'après A. Lunacharsky. Son premier professeur fut le professeur P. Ryazanov, qui fut remplacé six mois plus tard par D. Chostakovitch.

Sous la direction de son nouveau mentor, Sviridov a achevé son travail sur un concerto pour piano, créé au cours de la décennie de la musique soviétique consacrée au vingtième anniversaire de la révolution, en même temps que la Cinquième Symphonie de Chostakovitch.

Une telle réussite au conservatoire promettait de brillantes perspectives au jeune compositeur: il eut enfin l'opportunité de s'adonner professionnellement à son activité préférée. Cependant, tous ces projets furent perturbés par la guerre. Dès les premiers jours, Sviridov fut inscrit comme cadet dans une école militaire et envoyé à Oufa. Cependant, déjà à la fin de 1941, il fut démobilisé pour des raisons de santé.

Jusqu'en 1944, Sviridov vécut à Novossibirsk, où la Philharmonie de Léningrad fut évacuée. Comme d'autres compositeurs, il a commencé à écrire des chants de guerre, dont le plus célèbre était peut-être « Le chant des braves », basé sur les poèmes de A. Surkov. En outre, il a écrit de la musique pour les représentations des théâtres évacués en Sibérie. C'est alors que Sviridov dut d'abord travailler pour le théâtre musical et créa l'opérette « La mer s'étend largement », qui racontait la vie et la lutte des marins baltes dans Leningrad assiégée.

En 1944, Sviridov retourne à Léningrad et en 1950, il s'installe à Moscou. Désormais, il n'avait plus à prouver son droit à une créativité indépendante. De plus, Sviridov est le créateur d’un genre musical intéressant, qu’il a appelé « l’illustration musicale ». Le compositeur semble raconter une œuvre littéraire à travers la musique. Il s’agit avant tout d’un cycle consacré au récit de Pouchkine « La Tempête de neige ». Mais le genre principal dont le compositeur ne s'est jamais séparé est la chanson et la romance. La musique vocale occupe la place principale dans la créativité. Il travaille avec des poèmes de poètes variés, révélant leur apparence d'une manière nouvelle.

Sviridov a développé et poursuivi les traditions de la musique vocale et vocale-symphonique et en a créé de nouvelles variétés de genre. En même temps, dans le domaine de l’harmonie et de la forme musicale, il montre quelque chose de nouveau, d’unique et d’individuel.

Le public connaît largement la musique de Sviridov pour les films « Time, Forward ! » (1965) et "Blizzard" (1974).

Les superbes cycles choraux de Sviridov lui ont valu une renommée mondiale (« Décembristes » selon les mots de A. Pouchkine et des poètes décembristes, « Poème à la mémoire de Sergei Yesenin », « Pathetic Oratorio » d'après V. Mayakovsky, « Cinq chansons sur la Russie » au paroles de A. Blok, etc.). Cependant, Sviridov a également travaillé dans des genres populaires, par exemple dans l'opérette (« Lights », « The Sea Spreads Wide »), au cinéma (« Resurrection », « The Golden Calf », etc.), dans le théâtre dramatique (musique pour les pièces de A. Raikin, « Don Cesarde Bazan », etc.).

Sviridov a été généreusement récompensé par des titres et des récompenses sous presque toutes les autorités : il a reçu à trois reprises les Prix d'État de l'URSS, le Prix Lénine en 1960, en 1970 il a reçu le titre d'Artiste du peuple de l'URSS, en 1975 - Héros de Travailliste socialiste.

La dernière année de la vie du compositeur fut tout simplement monstrueuse pour sa famille. Le 11 décembre, le frère cadet de Georgy Vasilyevich est décédé, le même jour, le brillant musicien est tombé malade et le 31 décembre, son plus jeune fils, un joueur japonais, est décédé au Japon. (Sviridov a perdu son premier fils encore plus tôt). Ils ont enterré Sviridov Jr., et bientôt l'aîné...

Le service commémoratif civil et les funérailles de G. Sviridov ont eu lieu le 9 janvier 1998 à Moscou. Après les funérailles dans l'église du Christ-Sauveur, les funérailles de G. Sviridov ont eu lieu. La dernière demeure du grand compositeur a été retrouvée au cimetière de Novodievitchi.

Ainsi, les œuvres de Sviridov sont largement connues en Russie et à l’étranger. Il écrivait avec la même aisance de la musique sérieuse et légère, c'est pourquoi les gens en sont tombés amoureux.

La musique de Sviridov allie originalité et précision, expressivité, simplicité exquise et profonde spiritualité. « Cette musique est éternelle. Il contient le pouls d’une vie sans agitation politique. Il contient du temps qui continue éternellement, malgré tous les désastres historiques, les coups du sort et les pertes irréparables. » C'est ce qu'a dit à son sujet le réalisateur M. Schweider. Il n’y a pratiquement personne dont le cœur ne battrait pas un battement d’admiration devant ses sons. Une courte biographie de Sviridov donne une idée de la vie et de l'œuvre du célèbre compositeur. Nous vous invitons à vous en familiariser dans cet article.

Le grand compositeur russe Georgy Sviridov

De son vivant, les admirateurs considéraient Georgy Vasilyevich Sviridov (12/03/1915-01/06/1998) comme un grand compositeur russe.

Le musicien a reçu le titre d'Artiste du peuple de l'URSS, héros du travail socialiste. En outre, il est lauréat de Lénine et trois fois lauréat des prix d'État, ainsi que propriétaire de nombreux prix d'État.

Brève biographie de Sviridov: enfance et jeunesse

La ville natale de Sviridov est Fatezh (région de Koursk). Le père du compositeur était postier, soutenait activement les bolcheviks et participait à la guerre civile. Sa mère travaillait comme institutrice et était plus libérale ; elle n’a jamais partagé les aspirations politiques de son mari.

Quand le garçon avait quatre ans, son père mourut dans l'un des affrontements bolcheviques avec l'ennemi. La mère et le fils se retrouvaient seuls, sans soutien de famille ni moyens de subsistance. Ils ont déménagé à Koursk, plus près des parents éloignés de leur mère. Ici, le futur compositeur est allé en première année.

Dès son plus jeune âge, il fait preuve de talent et de passion pour la littérature. Sviridov fréquente des clubs scolaires, participe activement à des productions théâtrales et écrit même de la poésie. L'enfant de huit ans connaissait de nombreux auteurs nationaux et étrangers et il était même capable d'analyser leur travail. Mais la littérature n'est pas devenue le seul passe-temps du jeune Sviridov.

Talent musical. Conservatoire

Une courte biographie de Sviridov raconte les premières manifestations de son talent musical. Un jour, il devait jouer dans une pièce de théâtre scolaire en tant que héros jouant de la balalaïka. Le futur compositeur a appris à jouer de cet instrument en peu de temps. C'est ainsi qu'est né son amour pour la musique. Bientôt, il commença à composer ses propres mélodies, sélectionnant à l'oreille des motifs bien connus.

En 1936, Georgy Sviridov devient étudiant au Conservatoire de Leningrad. Ici, il a étudié l'art musical avec Chostakovitch et Ryazanov. Un an plus tard, sur la recommandation de Riazanov, il fut admis à l'Union des compositeurs de Russie.

Guerre. Premières compositions musicales

Au début de la Seconde Guerre mondiale, Georgy Sviridov entre à l'école militaire de Léningrad, dont il est expulsé en raison de problèmes de santé. Il part pour Novossibirsk, où il compose diverses chansons et mélodies, écrit des œuvres pour les théâtres évacués et participe à de nombreuses productions locales.

Création

Tout au long de sa vie, Georgy Sviridov a idolâtré la poésie et la prose de Pouchkine. Les premières œuvres du compositeur ont été créées comme illustrations musicales des œuvres du grand poète. Le plus célèbre de ceux sur lesquels Sviridov a attiré l'attention est "Blizzard".

Il est difficile de lister toutes les œuvres créées par le compositeur. Ce sont des pièces pour piano, des romances, des sonates, des œuvres symphoniques. Il est connu du grand public comme l'auteur de la musique de plus d'une dizaine de films. Parmi eux : « Prjevalsky », « Sol vierge renversé », « Rimski-Korsakov », « Time, Forward », etc.

Selon les bibliographes et les critiques, l'influence de Sviridov sur la musique classique russe de cette époque est véritablement énorme. Dans son travail, comme personne d'autre, il a su souligner la largeur d'âme et l'originalité de la culture du peuple russe.

Vie privée

Une courte biographie de Sviridov contient des informations sur la vie personnelle du musicien. Son épouse Elsa Gustavovna a autrefois captivé le musicien par sa beauté et son bon goût. Ils se sont rencontrés lors d'un de ses concerts. Après la fin de la prestation du compositeur, la jeune fille s’est approchée de lui pour lui exprimer son admiration pour son travail. Les jeunes sont tombés amoureux les uns des autres au premier regard. Quelques mois plus tard, ils se sont mariés et ont vécu heureux pour toujours.

Le musicien est décédé en 1998. Il a été enterré au cimetière de Novodievitchi.

"Tempête De Neige"

Depuis le milieu des années 1950, le compositeur développe son propre style lumineux et original. Il essaie d'écrire des œuvres exclusivement de nature russe. Selon les biographes, de toutes les saisons, le compositeur aimait avant tout l'hiver. Il pensait que l'hiver était la période la plus appropriée pour exprimer de manière vivante la nature de la Russie. Il a illustré les beaux hivers nordiques dans ses œuvres avec une inspiration particulière. L'une des œuvres les plus frappantes dans lesquelles Sviridov reflète musicalement l'hiver russe est « Blizzard ».

« L’hiver se ressent d’une manière incompréhensible dans sa musique… »

La musique du film "Blizzard", basée sur l'histoire de Pouchkine, a été écrite par Georgy Sviridov en 1964. Les auditeurs l'ont beaucoup aimé, le travail était souvent joué dans des programmes de radio et de télévision.

En 1974, sur les conseils de sa femme, véritable experte et connaisseuse de son œuvre, Sviridov procède à une révision approfondie de la partition. La composition a reçu le statut d'œuvre indépendante et est devenue connue sous le nom d'« Illustrations musicales pour l'histoire d'A.S. Pouchkine "Blizzard" La renommée mondiale lui est venue après sa prestation par un orchestre symphonique dirigé par le célèbre V. Fedoseev. Les critiques ont noté que dans le déroulement de la « Troïka » de Sviridov (première partie) « la présence de l’hiver se fait sentir d’une manière incompréhensible... »

Parcelle

Tout le monde connaît l’intrigue de l’histoire de Pouchkine, selon laquelle, en réponse à la demande du réalisateur du film, V.P. Basov, a créé le « Blizzard » de Sviridov.

L'histoire est légèrement ironique et astucieuse. Il est considéré comme l’un des exemples classiques de la littérature russe. Pouchkine a raconté l'histoire anecdotique d'une jeune femme de province qui, par la volonté du destin, a épousé un inconnu au hasard parce que son fiancé s'était perdu dans une tempête de neige. L’histoire se termine pourtant bien : un nouvel amour est né.

Georgy Sviridov s'est éloigné du complot de Pouchkine. Sa musique, semble-t-il, n'a rien à voir avec l'intrigue de l'histoire. Elle est un personnage indépendant dans l'image, qui n'est qu'occasionnellement entrelacé avec quelques fragments. L'ironie de l'œuvre littéraire en a disparu. Mais quelque chose d'autre a émergé : la poésie, l'âme. Il est devenu un véritable chef-d’œuvre et a immédiatement pris sa propre vie. Les critiques ont souligné son étonnante tangibilité. Il est généralement admis que la musique de "Blizzard" ne peut pas seulement être entendue, mais aussi vue de ses propres yeux : des scènes de genre défilent devant l'auditeur, des images de la nature s'ouvrent et un bal se déroule sur fond de valse.

Refonte de la suite

En 1973, le compositeur se tourne à nouveau vers cette musique. Il a regroupé les fragments dispersés tout au long du film en un tout. La suite a été achevée en 1974.

La magnifique musique de Georgy Sviridov sera longuement discutée et interprétée. Elle a vraiment une grande qualité : les images qu’elle dessine semblent sortir des profondeurs de notre mémoire génétique.