Peintures de la Galerie Tretiakov du Vatican. Au Vatican pendant une demi-heure

« Roma Aeterna » ou « Rome éternelle » regroupe quarante-deux œuvres de la première rangée, dont la plupart ont rarement quitté la Pinacothèque (et certaines œuvres n'ont jamais quitté la Pinakothek), reliant sept siècles de l'histoire du Vatican - du XIIe au le 18. Le commissaire du projet est un critique d'art, conservateur du département de gravure et un auteur qui repense les images de l'Italie dans ses livres (« Surtout la Lombardie. Images d'Italie XXI », « Seulement Venise. Images d'Italie XXI »),

— a sélectionné des chefs-d'œuvre incontestables pour l'exposition à Moscou : il n'y a vraiment pas une seule œuvre passable ici qui prenne la poussière dans les entrepôts depuis des années.

Caravage. Position dans le cercueil. D'ACCORD. 1602-1603

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L'exposition s'ouvre sur « Le Christ bénissant », une icône romaine du XIIe siècle, ainsi que l'une des premières images de François d'Assise interprétées par Margaritone d'Arezzo. Dans les deux cas, des traces de l'esthétique byzantine et du gothique naissant sont clairement visibles. visible. La série d'œuvres de Donato Creti « Observations astronomiques » du XVIIIe siècle, qui comprenait huit petites peintures avec des images des planètes du système solaire. La série a été commandée par l'artiste le comte Luigi Marsili, qui l'a offerte en cadeau. au pape Clément XI afin de le convaincre de la nécessité de parrainer l'ouverture du premier laboratoire astronomique à Bologne.

Nicolas Poussin. Le tourment de saint Érasme. 1628

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Entre elles se trouvent les œuvres qui composent la couleur de la collection papale : le manuel Lamentation du Christ, Le Rêve de Sainte-Hélène de Véronèse et La Mise au Tombeau du Caravage, de petites grisailles de Raphaël - Foi et Charité, une immense toile de Nicolas Poussin Le Tourment de Saint Érasme "de la Basilique Saint-Pierre, ainsi que les anges musiciens de Melozzo da Forli, qui ornent tous les souvenirs "papaux" - des billets d'entrée aux musées du Vatican aux coques souvenirs pour iPhone.

Melozzo de Forli. Ange avec luth

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Outre son attrait évident sur le plan du contenu, l'exposition est également devenue un geste diplomatique à grande échelle, présenté désormais comme

un résultat naturel du « lien spirituel vieux de plusieurs siècles entre Moscou et Rome ».

L'idée selon laquelle les principaux chefs-d'œuvre du Vatican seraient transférés dans le principal musée russe a été évoquée pour la première fois il y a trois ans - après une rencontre entre le président de la Russie et.

Paolo Véronèse. "Le rêve de Sainte-Hélène" 1580

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En 2017, une exposition de retour de peinture religieuse russe de la collection de la Galerie Tretiakov sera présentée au Vatican.

Contrairement aux expositions à succès précédentes, « Roma Aeterna » travaillera dans le bâtiment d'ingénierie de la galerie de Lavrushinsky Lane, et non dans la vallée de Krymsky. Le choix d'un espace d'exposition moins spacieux a été déterminé par la nécessité de maintenir les conditions d'humidité et climatiques nécessaires à la conservation des expositions - elles sont meilleures dans un bâtiment historique que dans un bâtiment moderne. La Galerie Tretiakov ne se fixe pas pour objectif de battre le record d’Aivazovsky, a déclaré le directeur de la Galerie Tretiakov. Cependant, pour éviter les files d'attente, la Galerie Tretiakov organise des séances d'une demi-heure lors de l'exposition. 90 personnes seront admises dans les salles. Elle durera jusqu'au 19 février 2017. Maintenant que les billets électroniques pour l'exposition, parus un mois avant son ouverture, ont déjà expiré avant la fin de l'année, la reprise des ventes est attendue d'ici peu.

Gentile de Fabriano. « Scènes de la vie de Saint-Nicolas le Wonderworker : Saint-Nicolas calme la tempête et sauve le navire », c. 1425

Photo © Musées du Vatican / Photo © Musées du Vatican

Musées du Vatican

Non seulement ils présentent pour la première fois les trésors de leur collection en Russie, mais ils les exportent également pour la première fois à l'étranger en si grande quantité. Les quarante-deux tableaux de la collection de la Pinacothèque représentent près d'un dixième de la collection totale, soit environ cinq cents toiles.

Décrire une œuvre d'art est une tâche ingrate, vouée à l'échec d'avance, car il est impossible de verbaliser la connexion subtile qui s'établit entre vous lorsque vous vous retrouvez face à face. Et peu importe le nombre de personnes présentes, car à ce moment-là, il ne parle qu'à vous.

Le langage des chefs-d’œuvre de la Pinacothèque vaticane est la musique. La conscience propose utilement des associations : polyphonie médiévale, madrigal de la Renaissance, concerto grosso baroque. En fait, ces peintures sonnent différemment. Leur musique est la musique du silence : des lignes, des couleurs, des gestes et des regards subtils.

Nul besoin d’être critique d’art pour comprendre – ou plutôt ressentir – l’œuvre d’un génie. Une image, avec toute son harmonie, ne reste qu’une empreinte si quelque chose de plus n’y est pas incorporé. Chacun de ces tableaux a une âme, toutes ces toiles sont vivantes.

"Christ bénissant", œuvre rare de l'école romaine du XIIe siècle. Il révèle les traits douloureusement familiers des icônes byzantines, qui sont devenues un modèle pour les peintres d'icônes russes antiques. Rome Aeterna. Rome première, deuxième, troisième... Éternelle. « La Bénédiction du Christ » ouvre l'exposition à la Galerie Tretiakov, vous croisez immédiatement son regard, dès que vous franchissez le seuil de la salle. Il est ici complètement seul, silencieux, calme et autonome. Et derrière lui se trouve tout un monde, enfermé dans l'espace d'une petite pièce, dans lequel saint François d'Assise (Margaritone d'Arezzo, XIIIe siècle), saint Nicolas le Wonderworker apaisant la tempête (Gentile da Fabriano, XVe siècle) , et des anges jouant du luth passent cérémonieusement devant vous (Melozzo da Forlì, XVe siècle).

Pietro Vannucci, surnommé Pérugin. "Saint Placis", 1495-1498. "Sainte Justine", 1495-1498.

Voici également la prédelle « Les Miracles de Saint Vincenzo Ferrer » - œuvre d'Ercole de Roberti, artiste de l'école de Ferrare, l'une des plus importantes de la Renaissance italienne. « Les prédelles étaient des peintures racontant une certaine histoire, situées au bas de l'autel,- explique le commissaire de l'exposition Arkady Ippolitov. - Bien que le tableau appartienne au pinceau d'un artiste ferrarais, il contient de nombreuses allusions à Rome, qui s'expriment, entre autres, dans le remaniement des poses des statues antiques des personnages centraux. Il est également remarquable en ce qu'il se lit comme une sorte de défilé de mode des mannequins les plus extravagants de la fin du XVe siècle : avec le duché de Bourgogne, Ferrare était un pionnier de la mode de cette époque..

Dans la deuxième salle se trouvent des peintures de la Haute Renaissance (XVIe siècle) et de l'époque baroque (XVIIe siècle). Leur musique est différente : passionnée, affirmée, stimulante. Malgré les sujets religieux, ces peintures semblent parfois anti-Dieu - en tout cas, leurs créateurs lui parlent sur un pied d'égalité.

Voici la "Vision de Sainte-Hélène" du Vénitien Paolo Véronèse. Un triomphe de couleurs et de vêtements luxuriants et un intérieur riche. L’héroïne du tableau est la mère de l’empereur Constantin, qui, selon la Chronographie de Théophane, reçut l’ordre en rêve de se rendre à Jérusalem « pour trouver la croix vivifiante du Seigneur ». Avec elle, le spectateur se retrouve ici à la limite précaire du sommeil et de la réalité, divine et terrestre, spirituelle et matérielle.

Et à côté se trouvent deux prédelles de Raphaël : « Foi » et « Charité » de 1507. Très petits, ils ressemblent à des planches de livres. Sur chacune d'elles figure une femme entourée de deux anges. Des personnages raphaéliens immédiatement reconnaissables avec un contour doux de leurs visages et une grâce raffinée dans leurs poses. Malgré leur taille modeste, ces peintures créent autour d'elles une atmosphère particulière, un espace pour une sorte de dialogue intime avec tous ceux qui y entrent.

Au XVIIe siècle, la Rome papale a atteint sa plus grande puissance et richesse ; c'est à cette époque que la collection de peintures du Vatican s'est considérablement reconstituée avec des œuvres de contemporains exceptionnels, de sorte que l'histoire artistique de ce siècle est la plus pleinement représentée dans la collection papale. (À propos, la salle correspondante de la Pinacothèque a été presque entièrement vidée, comme l'a déclaré Barbara Yatta, directrice adjointe des Musées du Vatican - la plupart des peintures de l'exposition permanente ont été transférées à Moscou pendant trois mois.)

La « Mise au Tombeau » du Caravage, l'un de ses principaux chefs-d'œuvre, qui a influencé toute l'histoire ultérieure de la peinture, de Rubens à Cézanne. Il a peint ce tableau vers 1603-1604 pour l'église de Santa Maria in Valicella à Rome, en tant qu'artiste italien le plus célèbre et le plus scandaleux de son temps, dont l'œuvre a invariablement suscité de vives controverses. Chaque élément de l'immense tableau de trois mètres sur deux est pensé dans les moindres détails, son effet dramatique incroyablement fort est en grande partie dû au fait que le corps du Christ semble briser les limites de la toile. Il est juste devant vous, il suffit de tendre la main pour palper sa chair aux muscles encore forts, mais déjà dépourvus de vie.

Une troisième salle séparée est consacrée à une série de peintures de l'artiste bolonais du XVIIIe siècle Donato Creti « Observations astronomiques ». Dans les personnages légèrement maniérés sur fond de paysages nocturnes, on ressent à la fois le côté ludique du rococo et l'esprit des temps nouveaux, le siècle des Lumières. Le pouvoir du pape s'affaiblit progressivement et très bientôt l'histoire des États pontificaux, qui occupaient la majeure partie de la péninsule des Apennins, prendra fin. L’univers deviendra une cause efficiente et non le résultat final d’un dessein divin. Celui qui a pris l'histoire en main commencera à rechercher l'essence des choses sur terre avec une énergie redoublée, mais lèvera toujours les yeux vers le ciel, confronté à des questions et des contradictions insolubles.

Arkadi Hippolitov

Conservateur, critique d'art. Conservateur du département de gravure de l'Ermitage. Auteur des livres « Surtout la Lombardie. Images d'Italie XXI" et "Seulement Venise. Images de l'Italie XXI". Commissaire de projets d'exposition - dont Ilya et Emilia Kabakov, Robert Mapplethorpe, Giovanni Piranesi.

© Igor Starkov

- À propos de l'exposition de l'année dernière « Palladio en Russie », dont vous avez été commissaire, vous avez dit qu'elle concentrait trois siècles d'architecture russe. Qu'est-ce qui est concentré dans le projet « Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque du Vatican », qui sera exposé à la Galerie Tretiakov en novembre ?

- Sept siècles de l'histoire de l'État pontifical sont concentrés dans la Pinacothèque du Vatican. Nous n’avons même pas besoin de parler de ce que Rome signifie pour la Russie. L'exposition est une sorte d'explication de l'idée « Moscou est la troisième Rome », avec laquelle nous vivons depuis le cinquième siècle. Notre projet a le sous-titre « Roma Aeterna » - « Rome éternelle ». L'institution de la papauté, fondée par l'apôtre Pierre au Ier siècle, relie la civilisation européenne au monde antique. C'est l'une des rares connexions qui ont survécu jusqu'à ce jour.

Les Musées du Vatican ressemblent aux anciennes collections royales du Louvre et de l'Ermitage, mais en même temps ils en sont très différents. Chaque grande collection présente l'histoire de l'humanité avec de nombreuses écoles et pays. Et les musées du Vatican sont un musée de l'histoire de Rome et de l'art romain. Cette collection pourrait être qualifiée de musée de la ville, mais quelle ville ! La Galerie d'art du Vatican est relativement petite - elle contient environ 500 œuvres - et n'a été ouverte qu'en 1932. De plus, presque toutes les peintures proviennent d'églises et de collections de Rome et des États pontificaux - il s'est avéré qu'il s'agissait d'une galerie régionale. Cependant, si l’on se souvient que cette région est l’État du chef du monde catholique, cela change immédiatement la donne.

L'exposition commence par le Christ bénissant, la première icône romaine du XIIe siècle, peinte sous une forte influence byzantine. Il préserve les souvenirs de l'unité de l'orthodoxie et du catholicisme, montre la racine commune à partir de laquelle naissent l'art italien et russe et explique pourquoi tout cela se déroule dans la galerie Tretiakov.

"St. François", Margaritone d'Arezzo, 1270-1280

© Pinacothèque du Vatican

- Quelle image sera la dernière dans une perspective historique ? Caravage?

Cette dernière est bien plus intéressante, elle remonte au XVIIIème siècle. Il s'agit d'une série d'œuvres de Donato Creti « Observations astronomiques » - huit peintures dans un seul cadre, images des planètes du système solaire connues à cette époque. Les tableaux ont été peints pour le pape Clément XI, afin de le convaincre de donner de l'argent pour un laboratoire astronomique à Bologne. C’est ainsi que nous voyons toute l’histoire de l’esprit européen : du Christ Pantocrator, maître de l’Univers, à l’Univers observé au télescope.

L'œuvre la plus importante - un chef-d'œuvre qui a influencé l'histoire de toute la peinture mondiale - est précisément le Caravage, sa « Mise au Tombeau ». Il y aura bien d’autres choses importantes. Par exemple, « Saint François » de Margaritone d'Arezzo du XIIIe siècle, sans lequel aucun manuel d'histoire ne peut se passer. L'œuvre est intéressante non seulement pour ses mérites artistiques, mais aussi pour sa signification historique : c'est l'une des premières images du saint qui a changé toute la pensée européenne. C'est peut-être son portrait.

Il y a quelque chose d'extraordinairement ésotérique et élégant - la prédelle d'Ercole de Roberti « Les Miracles de Saint Vincenzo Ferreri », reconnue comme l'une des œuvres les plus sophistiquées de la Renaissance. Il y a des anges que l'on peut appeler les anges les plus célèbres du monde - trois fresques de Melozzo da Forli. Ce sont des choses qui ne quittent presque jamais Rome, et Zelfira Tregulova et moi, lorsque nous avons réussi à les obtenir, étions absolument heureuses. Bien sûr, tout n’a pas été donné selon la liste préliminaire, mais c’est sur cela que je comptais : la Galerie Tretiakov, et avec elle Moscou et la Russie, ont reçu les choses les plus importantes.

- C'est intéressant de voir comment se construisent les relations entre musées - un peu comme une stratégie de poker.

- Dans une certaine mesure, c'est toujours comme ça. Nous partons de ce qui sera mieux, mais cela s'avère comme toujours. Dans ce cas, les choses les plus désirées ont été reçues, dont deux Lamentations grandioses - Crivelli et Bellini. N'importe quel Bellini est merveilleux, mais notre travail est tout simplement extraordinaire.

- En janvier, lors d'une conférence de presse, Mme Tregulova a déclaré de toutes les manières possibles que ce projet était devenu possible grâce à deux personnes : Poutine et le pape François. Faut-il y voir un geste politique ?

- Toute exposition peut être discutée comme un geste politique. Oui, ce n’est un secret pour personne que c’est le résultat de négociations entre des individus spécifiques, mais pour moi, l’essentiel ici est la valeur artistique. Moscou recevra pendant plusieurs mois quelque chose dont elle ne pouvait même pas rêver.

"Les Miracles de Saint Vincenzo Ferreri", 1473 (fragment), Ercole de' Roberti. Remarquable également pour sa représentation précise de l'architecture - majestueuse, mais pas écrasante

- Pourquoi tout cela est-il exposé dans la galerie Tretiakov, qui est encore connue comme musée d'art russe ?

- Moscou est la troisième Rome. La Galerie Tretiakov propose de l'art national de la même manière que la Pinacothèque propose de l'art romain. Ainsi, malgré toutes les différences, les deux musées présentent certaines similitudes. Lors de l’exposition, nous pourrons voir de nombreux parallèles : Rome et la Pinacothèque signifiaient beaucoup pour les artistes russes, les peintures du Vatican de Poussin étaient plus que connues en Russie, beaucoup étaient copiées.

- Comment comptez-vous exposer des chefs-d'œuvre dans un bâtiment complexe sur Lavrushinsky Lane ?

- Notre architecte était Sergei Choban, et il a construit l'espace en lui conférant une certaine sémantique. La première salle avec les premières peintures est octogonale, ce qui permet de tout montrer, en se concentrant sur des objets individuels ou des groupes entiers. La salle principale, qui abritera les œuvres les plus importantes - le "Martyre de Saint Erasme" de Poussin, la "Mise au Tombeau" du Caravage et deux petits Raphaël - est conçue comme la basilique Saint-Pierre.

- Vous êtes un employé de l'Ermitage, mais le projet du Vatican est exposé au musée de Moscou. Mikhaïl Piotrovsky a déclaré que Saint-Pétersbourg était une ville puritaine et que Moscou était plus adaptée, je cite, aux « œuvres difficiles de l'art contemporain et de l'érotisme ». Que penses-tu de cela?

- Tout ce que dit mon directeur est vrai a priori. Mais je pense que vous interprétez un peu mal ses propos. Il voulait dire que Saint-Pétersbourg est une ville incroyablement élégante, mais qu'à Moscou, on peut se sentir plus libre. La première exposition officielle de Kabakov en Russie a eu lieu en Russie en 2004 à l'Ermitage - pour une raison quelconque, tout le monde l'a oublié. Mapplethorpe a été exposé ici pour la première fois, et de nombreux autres projets radicaux ont eu lieu. Mais le côté branché a son influence, et d’autres villes voudront peut-être être un peu plus radicales.

Fresque "Ange à l'alto", Melozzo da Forli, 1480. A été peinte pour la basilique des Santi Apostoli à Rome. Après une reconstruction majeure de l'église, de nombreuses fresques de Forli ont été perdues, mais les anges ont été sauvés - et au début du XVIIIe siècle, ils sont allés au Vatican.

© Pinacothèque du Vatican

À mon avis, l’exposition du Vatican est autant une réalité de la vie moderne à Moscou que les expositions d’artistes contemporains. Ils essaient toujours d’imposer une sorte de cliché historique à l’art, mais, en général, cela nie le développement linéaire. Parce que chaque œuvre d’art s’échappe de son contexte, qui, bien entendu, la conditionne et, après s’être échappée, commence à acquérir de nombreux autres contextes. J'ai réalisé de nombreuses expositions qui se révèlent tout aussi contemporaines. Il faut connaître et prendre en compte le contexte – savoir ce qu'est la Renaissance, ce qu'elle signifie. Mais en tout cas, notre dialogue avec une œuvre d’art n’est que cela : un dialogue.

Vous travaillez à l'Ermitage depuis 1978. En Union soviétique, le musée avait une fonction édifiante ; dans les années 1990 est né le concept d'un supermusée servant d'attraction touristique, comme le Guggenheim de Bilbao ; Aujourd’hui, au 21e siècle, les avancées technologiques se poursuivent avec les iPhones et la réalité virtuelle. Qu’est-ce que ça fait d’être témoin de tels changements ?

À chaque fois, cela devient de plus en plus intéressant. Sokurov a inventé la métaphore de l'arche, et elle est tout à fait juste : à l'intérieur même des murs du Palais d'Hiver, il y a une certaine inviolabilité qui donne le même sentiment de l'arche. Mais le temps passé dans l’arche est le même, et il n’arrive pas qu’une époque semble meilleure et une autre pire.

Les musées sont nécessaires, et au cours du même XXe siècle, parallèlement au modernisme, s'est développée l'idée de conservation, qui s'est avérée beaucoup plus radicale qu'à l'époque la plus classique, qui traitait sans pitié du passé. Malgré toutes les déclarations qui restent essentiellement théoriques, le modernisme développe les musées. Il existe aujourd’hui de plus en plus de musées classiques, et plus ils avancent, plus ils sont forts. Les musées conserveront certainement leur structure et la protégeront. Si tous les musées s’efforcent d’être aussi ouverts que possible – aux idées, au public, aux opportunités – il existe également une certaine peur. Le musée veut être populaire. Qu’est-ce que la popularité ? Les lieux les plus populaires sont Disneyland et McDonald's, vers lesquels l'art moderne a depuis longtemps fait un pas. La prochaine question appartient aux musées.

« Observations astronomiques », Donato Creti, 1711. Le tableau a été peint pour encourager le pape Clément XI à construire un observatoire.

© Pinacothèque du Vatican

- Est-ce une certaine tentation ?

Certainement. Ce n’est pas qu’il faille le combattre, mais il faut en être conscient. Mais je pense que le musée classique restera à sa place. Même l’art contemporain le plus désespéré rêve toujours d’entrer dans un musée, et encore plus dans un musée classique.

- D'accord, que pensez-vous des expositions multimédias ?

Je n’aime pas quand la technologie est mélangée à des originaux dans le même espace – quand un tableau est accroché et que des photographies de son fragment sont affichées avec un énorme grossissement. Le public perd le sens de la réalité et est distrait par le fragment. Lors de l'exposition du Vatican, nous avons abandonné les explications approfondies, en essayant de réduire l'interférence d'objets tiers et en donnant la possibilité de parler aux œuvres elles-mêmes.

- Où pensez-vous qu'il y a une telle abondance de textes dans toutes les expositions aujourd'hui ?

J'ai remarqué depuis longtemps que dans les expositions, tout le monde aime lire, mais dans les livres, au contraire, on aime regarder des images. Le public le plus raffiné réagit de cette façon, et j’en profite souvent. Il y a des expositions qui impliquent la lecture ; dans notre exposition, les textes joueront un rôle purement auxiliaire. Zelfira Ismailovna et moi étions tout de suite d’accord sur ce point, et Choban était tout à fait d’accord avec nous. Nous imprimerons les textes séparément et fournirons des audioguides.

«Lamentation du Christ», Giovanni Bellini, 1478. En 1483, l'artiste reçoit le poste de peintre officiel de la République de Venise

© Peter Horree/Alay/Diomédia

Pour les touristes, aller au musée est un divertissement facile, au même titre que le shopping ou Disneyland. Et l'Ermitage ? Cela ne souffre-t-il pas des touristes ?

Il les gère très bien. Le musée ne peut exister sans le public et il a intérêt à avoir le plus grand public possible. En revanche, il y a parfois un point d’inflexion : si le musée ne peut pas accueillir l’ensemble de son public, alors il faut y réfléchir. L'Ermitage élargit ses frontières, même si le public n'a pas encore pleinement compris que l'état-major fait partie de l'Ermitage. Mais avec le temps, cela arrivera.

- Que pensez-vous actuellement du phénomène des files d'attente dans les musées en Russie ? Une tradition soviétique a-t-elle repris vie ?

Il n'y a rien d'incompréhensible à cela : je me souviens d'énormes files d'attente pour des expositions grandioses au Musée Pouchkine et à l'Ermitage dans les années soviétiques.

Oui, mais il s'agissait d'expositions importées, et la même « Fille aux pêches » de Serov est constamment présente dans l'exposition de la Galerie Tretiakov.

C’était grandiose : nombre de ses œuvres n’ont jamais été rassemblées ailleurs – et ne le seront probablement pas avant cent ans.

- Quelle est la raison de la popularité de l'exposition ?

Aivazovsky est, bien entendu, un goût et un phénomène spécifique du marché de l’art. Mais Serov est « notre tout intellectuel ». Peu importe à quel point ils le grondent, c'est un artiste merveilleux, et parler du fait qu'il est un moderniste européen moyen est vide et superficiel. Il est mort très tôt, d'ailleurs il avait un énorme talent et un instinct infaillible. C’est l’un des rares artistes à avoir créé un certain parallèle avec les logos et la littérature russes : la peinture de Serov présente tous les avantages de la prose de Tchekhov. Peut-être que Fedotov et Gogol ont encore un tel parallèle. Ce phénomène est absolument russe, compréhensible uniquement par ceux qui connaissent la Russie. De plus, Serov n'a jamais commis un seul acte répréhensible dans sa vie - son comportement pendant la révolution de 1905, son attitude envers la peinture moderne, une prémonition absolue de l'expressionnisme et de l'avant-garde... Ses dessins avec Pierre le Grand sont superbes et des œuvres grandioses, qui d'un point de vue formel sont des visions plus modernes et en phase avec notre époque que le futurisme.

- À quoi notre époque est-elle en accord ? D'un côté, tous les musées exposent désormais des classiques, de l'autre, il y a une réhabilitation de l'art soviétique officiel avec des précédents aussi controversés que dans le Manège ou le grand artiste léniniste Alexandre Gerasimov au Musée historique. S’agit-il de tentatives de correction d’une histoire déjà corrigée ? Qu'est-ce que tu en penses?

- L'histoire peut être annulée et corrigée, ce qui a été fait plus d'une fois, et pas seulement dans notre pays. Qu’est-ce que je ressens par rapport à ce qui se passe ? Que veux-tu que je réponde ? Comment dresser un tableau varié et fascinant de la vie artistique moderne.

"Mise au Tombeau", Caravage, 1600-1604. Beaucoup de ses tableaux ont été rejetés par les clients en raison du refus délibéré de l'artiste d'élever l'image. Il représente des saints parmi les gens ordinaires

© Pinacothèque du Vatican

Peut-être que l’histoire a besoin d’une sorte de point de départ – ce pourrait être un musée d’art moderne avec une collection permanente, mais cela n’existe toujours pas. Le projet promis sur Khodynka d'ici 2018 n'a pas été entendu depuis un certain temps...

Il existe de nombreux musées d’art moderne – à des degrés divers de laideur et de grandeur. L'art contemporain est également exposé ici, dans le projet Hermitage 20/21. À Moscou, il est présenté à la fois par Krymsky Val et MMSI sur Petrovka et Ermolaevsky Lane. Il n’y aura pas de musée idéal et beau : l’idéal ne peut tout simplement pas être lié à la modernité. Et si nous discutons de cela de manière plus spécifique, nous devrions alors simplement nous asseoir, nous mettre au travail et concevoir un bon musée d’art contemporain.

Revenons ensuite aux classiques : si vous pouviez acheter ou, disons, recevoir en cadeau l'un des tableaux de l'exposition « Roma Aeterna. Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque », que choisiriez-vous ?

Dieu merci, je ne me poserai pas une telle question, sinon je pourrais très bien me suicider par cupidité. Bien sûr, vous devez prendre Caravaggio. Mais vous ne pouvez pas l’expulser du Vatican ! C’est un dilemme totalement impossible, et cela ne m’apporterait aucun bien.

Je dis...
Ma femme et moi avons acheté des billets à l'avance via Internet pour le 25 novembre, entrée à 11h30. Nous sommes arrivés environ 10 minutes avant, sommes restés un moment avec les mêmes « détenteurs de billets » et sommes tous rentrés ensemble à l’heure. Ensuite, nous avons déambulé dans les couloirs autant que nous le souhaitions. Le matin, d'autres citoyens formaient une très longue file d'attente, à partir de laquelle ils laissaient entrer 10 personnes toutes les demi-heures.

L'exposition est très bien organisée. Les tableaux sont correctement accrochés et ont un bon fond. Les signatures méritent des éloges particuliers - elles sont écrites en grosses lettres, c'est donc très pratique pour les personnes malvoyantes : elles peuvent tout lire sans lunettes.

L'exposition occupe trois salles, et dans l'une d'elles - la troisième - se trouvent seulement huit œuvres d'un maître jusqu'alors inconnu : Donato Creti. Je vous en parlerai à la toute fin.

Ainsi, la partie principale et la plus intéressante de l’exposition s’intègre dans deux très petites salles. Et ça tombe bien : ce n'est pas fatiguant. Le public était principalement composé de personnes d'âge moyen et âgées, la plupart avec des bâtons et des béquilles... Il s'agit de mon intelligentsia soviétique bien-aimée, à laquelle j'appartiens moi-même et pour laquelle j'éprouve les sentiments les plus chaleureux et les plus respectueux. Ils sont les gardiens et les gardiens de la culture, des traditions, des normes morales et de la vie en général. Ces ordures qui, d’après ce que j’ai lu, constituent ou ont récemment tenu un coven appelé « Congrès de l’intelligentsia russe » ne viennent pas ici. Pour eux, le gouvernement, qui est détesté et insulté par eux, mais qui les sert et les sert, organise des spectacles séparés « fermés » avec des cartons d'invitation. Mais – que Dieu les bénisse ! Leur fin est dégoûtante et pas loin... (À ce stade, je considère ma ferveur politique complètement éteinte : allons à l'exposition !)

La photographie est interdite et est étroitement surveillée. Mais beaucoup de choses ont déjà été publiées sur Internet, dont j'ai profité.

Il y a 16 œuvres dans la première salle. L'exposition s'ouvre avec le Christ bénissant, XIIe siècle.

Il est évident qu'il s'agit d'une lettre byzantine, d'une école byzantine, etc. Attribué comme « école romaine ». Mais on sait d'où venaient toutes ces écoles au XIIe siècle...

La deuxième œuvre la plus ancienne est « Saint François » (Margaritone d’Arezzo).

Puis - cinq œuvres des XIV-XV siècles de différents maîtres.

Regardons-les "de près".

"Jésus devant Pilate" (Pietro Lorenzetti) :

"Noël" (Mariotto di Nardo) :

« Noël et la Bonne Nouvelle aux bergers » (Giovanni di Paolo) - charmant par son caractère fabuleux :

« Saint Nicolas calme la tempête et sauve le navire » (Gentile da Fabriano) :

« Des scènes de la vie de Saint Nicolas le Wonderworker (Fra Angelico) attirent l'attention avec une couleur étonnamment joyeuse et lumineuse (que, cependant, cette photographie ne transmet pas) :

Dans le tableau « Lamentation » de Carlo Crivelli, à ma grande surprise, j’ai vu presque toutes les techniques de peinture que les préraphaélites ont si efficacement adoptées. Il sera intéressant de savoir si cela est également arrivé à d’autres ?

La place centrale de la première salle est à juste titre occupée par La Lamentation du Christ de Giovanni Bellini. C'est bien sûr un chef-d'œuvre :

Je constate que dans l'ensemble de l'exposition, il n'y a pas tellement d'œuvres que je considère inconditionnellement comme de « véritables chefs-d'œuvre ». Malgré parfois de grands noms...

De plus, si vous continuez à regarder autour de la première salle « au soleil », il y a une longue œuvre d'Ercole de Roberti « Les Miracles de Saint Vincenzo Ferrara », qui se distingue par son intrigue vivante avec de nombreux personnages et une grande décoration dans général.

En voici un fragment agrandi.

Ensuite (et c'est d'ailleurs la première chose qui attire l'attention en entrant) les anges de Melozzo da Forli nous regarderont : deux jouant du luth, un jouant de la viole :

Ces anges ne peuvent pas être qualifiés d’incorporels. Oui, et être asexuel est également difficile. Très vifs, respectueux, émotifs, avouons-le : des visages, des lèvres, des yeux excitants... Ce n'est pas un hasard si ces anges sont reproduits dans des centaines d'objets artisanaux (cartes postales, aimants, etc.) destinés aux touristes visitant Rome.

L'exposition de la première salle se termine par deux petites œuvres du Pérugin, dont l'une que je classe inconditionnellement comme un chef-d'œuvre coloristique : « Sainte Justine » (jusqu'à récemment considérée comme « Sainte Flavie »). Je dirai encore que la photo ne transmet pas la plénitude des nuances. Cependant, cette phrase s'applique à toutes les illustrations :

Deuxième œuvre du Pérugin : "Saint Placido" :

Passons à la deuxième pièce. Il contient encore une douzaine d’œuvres et demie.

Et parmi eux se trouvent aussi de véritables chefs-d’œuvre. Un peu - mais il y en a. (Sans rien qualifier de « véritable chef-d'œuvre », je ne suis pas que subjectif : je suis aussi soumis à l'influence des humeurs du moment, des aléas de la météo, des fluctuations des prix des métaux rares, de l'actualité politique, des visiteurs qui se trouvent à proximité. ... En général, vous ne devriez pas prendre mes notes au sérieux.)

Je vais cependant énumérer toutes les œuvres - dans l'ordre dans lequel elles apparaissent en parcourant la salle de gauche à droite.

"Trinité avec le Christ mort" (Lodovico Carracci) :

« Judith et la servante à tête d'Holoferne » (Orazio Genileschi) :

"Le Reniement de Saint Pierre" (Pensionante del Saracene ?) :

A proximité se trouve l'un des tableaux centraux de l'exposition : « Mise au Tombeau » (Caravage) :

Vient ensuite « Saint Sébastien guéri par sainte Irène » attribué à Trophimus Bigot :

À sa droite se trouve le célèbre tableau « Saint Matthieu et l'Ange » de Guido Reni (un chef-d'œuvre incontestable) :

Une autre œuvre de Guido Reni et de son atelier est accrochée à proximité : « La fortune avec un sac à main ». Bien, mais "pas un chef d'oeuvre" :

Au centre de la deuxième salle se trouve une vitrine, faiblement éclairée par souci de préservation des œuvres, avec de petites œuvres presque monochromes de Raphaël : « Foi » et « Charité » :

À sa gauche se trouve « Le Christ en gloire » du Corrège :

À droite de la vitrine avec la « Vision de Sainte-Hélène » de Raphaël par Véronèse :

Viennent ensuite dans le cercle « La Madeleine pénitente » et « L'Incrédulité de saint Thomas » de Guercino :

Et puis - une immense toile de Poussin « Le Martyre de Saint Érasme », dans laquelle le malheureux Érasme a le ventre éventré et les intestins arrachés...

Moscou n’a jamais vu une telle exposition auparavant. DANS Galerie Tretiakov apporté 42 toiles du Vatican Pinacothèque. Et, selon le directeur adjoint Musée du Vatican Barbara Yatta, cela représentait 10% de la collection exposée au Musée du Vatican.

L'idée d'organiser une telle exposition est née il y a plusieurs années. Et comme le dit le réalisateur Galerie Tretiakov Zelfira Tregulova, elle vient du président russe Vladimir Poutine et du pape François.

« L'idée était de présenter deux expositions en Russie et au Vatican. La collection des musées du Vatican sera présentée à Moscou et une exposition de la collection des musées russes sera présentée au Vatican. Puisque l'exposition russe était composée de 90% des œuvres incluses dans la collection Galerie Tretiakov, alors l'exposition du Vatican aurait dû logiquement s'ouvrir entre ces murs », a expliqué Tregulova pour le choix du lieu de l'exposition. Elle a également noté que cette exposition n’aurait peut-être pas eu lieu.

Melozzo degli Ambrosi. "Ange jouant de l'alto"

Les fonds destinés à ce coûteux projet de musée devaient initialement être fournis par le Vatican. Mais au dernier moment, il a été décidé de donner de l’argent pour aider les enfants syriens. Puis l'entrepreneur Alisher Usmanov est venu à la rescousse. Dans sa fondation "Art, Sciences et Sports" Ils ne précisent pas le montant dépensé pour l'exposition, mais notent qu'il ne s'agit pas du premier projet de musée soutenu par Usmanov. Auparavant, le milliardaire avait parrainé des expositions sur William Turner et les préraphaélites à Musée Pouchkine im. A.S. Pouchkine, ainsi que des expositions "Whistler et la Russie" V Galerie Tretiakov.

Pour le bien de l'exposition « Rome Aeterna. Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque du Vatican. Bellini, Raphaël, Caravage" certaines peintures ont été abandonnées Pinacothèque d'abord. Et des peintures en si grande quantité n’avaient jamais été sorties des Musées du Vatican auparavant. Dans trois salles Galerie Tretiakov abrite des peintures réalisées du XIIe au XVIIIe siècle. "Nous sommes convaincus que, dans un monde de plus en plus polarisé et déchiré par les conflits, l'art, notamment sur des thèmes religieux, offre de l'espoir", a déclaré le cardinal Giuseppe Bertello, président du gouvernorat de l'État de la Cité du Vatican, arrivé à Moscou. .

Le commissaire de l'exposition Arkady Ippolitov a noté que, pour des raisons évidentes, apporter des fresques à Moscou "Chapelle Sixtine" et les Stances de Raphaël étaient impossibles. Mais sinon, « des chefs-d’œuvre, des super-chefs-d’œuvre et même des super-super-chefs-d’œuvre » sont arrivés à Moscou. La première salle de l'exposition s'ouvre avec une icône rare "Christ le Bénieur" XIIe siècle, qui est une analogie avec les anciennes images russes du Sauveur Tout-Puissant. Et à côté se trouve un tableau "Saint François d'Assise" Margaritone d'Arezzo, inclus dans tous les manuels d'histoire de l'art. Il s'agit de l'une des premières images du saint, réalisée après sa canonisation en 1228. Et c’est son nom qu’a choisi l’actuel pontife.

Icône "Christ le Bénieur" et Margaritone d'Arezzo "Saint François d'Assise"

service de presse de la Galerie Tretiakov

Exposition à Galerie Tretiakov décoré symboliquement - sous la forme d'un cercle rappelant la place Saint-Pierre. "Tout dans le projet a été pensé, jusqu'à la couleur des murs, si typique de Rome et en même temps attrayante pour les salles du Vatican", a noté Arkady Ippolitov. Et les mots étaient inclus dans le titre Rome Aeterna- « Rome éternelle ». Le triomphe de la ville éternelle consiste en ses chefs-d'œuvre.