発達教育の音楽教育学の概念。一般的な音楽教育の現代教育学における主要な方法論的ガイドラインとしてのイントネーションアプローチ Alefyeva A.S.

04.03.2020

ヴォルゴグラード州立社会教育大学

キーワード

イントネーション、イントネーションアプローチ、一般音楽教育、イントネーションアプローチの原則

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記事の要約

この記事は、現代の一般的な音楽教育の内容を実施するための主要な方法論的ガイドラインとして、イントネーションのアプローチに目を向ける必要性を実証しています。「イントネーション」の概念を歴史と現代の視点から考察します。イントネーションアプローチの原則は、全体的な教育プロセスで実装される方法論的なガイドラインとして提示されます。

科学論文のテキスト

現代の社会文化的状況により、現代の一般音楽教育を近代化する必要が生じており、技術主義から人道主義のパラダイムへの移行が求められていますが、これは現代の一般音楽教育に生じた問題によるものです。このような問題を解決するには、現代の一般的な音楽教育システムで開発された他の方法論的アプローチに目を向ける必要があります。このようなアプローチには、文体、ジャンル、およびイントネーションのアプローチが含まれます。もちろん、これらのアプローチにはそれぞれ独自の特徴があります。現代の一般的な音楽教育の内容を実践するための最も適切なアプローチはイントネーションです。音楽の意味はイントネーションに固有であり、演奏する音楽家が音楽作品の内容を理解するのに役立つのはイントネーションだからです。イントネーションアプローチの本質を理解するには、歴史的および現代的な視点からイントネーションの概念を考察する必要があります。音楽のイントネーションの性質に関する最初の研究は、B.V. の作品で強調されています。アサフィエフとB.L. ヤヴォルスキー。ロシアの音楽学におけるイントネーション理論の発展の基礎を築いたのは、これらの研究でした。 B.V.を理解するアサフィエフのイントネーションは、音声のイントネーションの詳細に関連しています。アサフィエフは、音楽のイントネーションを、口頭でのスピーチの表現力豊かなイントネーションと共通の意味論的源を持つものと考え、常に言語、スピーチ、単語の現象と比較していました。音声から音楽のイントネーションを推測したのは研究者だけではありませんでした。彼のアイデアは L.L. によって引き継がれました。 1923年に出版された本「スピーチの音楽」のサバニーエフ。 B.L. ヤヴォルスキーはまた、イントネーションを音声音声であると考えましたが、それは特定の様相的な側面でした。彼は、「音楽のイントネーションは音声を構成する細胞であり、それ自体、各民族の文化的発展の特定の段階で組織化される」と述べました。音楽のイントネーションへの関心に対する新たな波が国内の科学思想に生じ、その解釈が哲学、美学、記号論、言語学、心理学、生理学、その他多くの関連科学の立場からアプローチされ始めた。たとえば、音楽のイントネーションと言葉やスピーチとの相関関係は、A.S. の作品で示されています。ソコロワ。彼は、音楽のイントネーションを、語彙素、音素、イントネーション、および音素などの口頭言語およびスピーチの要素と相関させます。研究者は、口頭のイントネーションと音楽のイントネーションを比較し、そこから、両方の現象は特定の内容の類似性によって関連しているが、音楽のイントネーションの独立性と区別性、および音声イントネーションの補助的な付随的な意味論的な意味によって基本的に区別されることがわかります。ソコロフはまた、音楽と音声のイントネーションのピッチ構成の根本的に異なる性質を強調しています。科学者は、音楽と口頭音声の主な違いは、後者には離散的な音とピッチの組織が存在しないことと、そのための音声パラメータの滑らかな変化の規範的な性質であると指摘しています。言語の主要な要素の 1 つとしてのイントネーションに関する外国人研究者の研究に特に注目が集まっています。したがって、B. アイケンバウムは、イントネーションを詩と音楽の類似性の主なパラメータとして定義しています。「詩と音楽の融合は、その結果として歌詞の「歌モード」が生まれ、イントネーション要素の優位性によって表現されます。音声のイントネーションは旋律的な性格を獲得し、リズミカルなリズムと接触することで旋律的な動きを形成します。」例えば。エトキンドは、「詩の生命、音のダイナミクスが凝縮されるのはイントネーションである」と主張した。エトキンド氏は、詩をある言語から別の言語に翻訳する際、詩の拍子ではなく、そのイントネーションを維持するよう求めています。現代ロシア音楽学では、音楽のイントネーション理論の発展が V.V. によって引き継がれました。メドゥシェフスキー。「イントネーション形式」に特化した多くの論文の中で、研究者は音楽のイントネーションの自然さと生き生きとした性質に興味を持っていました。 V.V. メドゥシェフスキーはイントネーションを作曲家の思想の表現として特徴付けました。研究者によれば、イントネーションは文化全体の経験を「変換」することができ、音楽芸術の社会的および美的機能をすべて含むことができるという。 V.Vの作品でメドゥシェフスキーは、イントネーションの最も幅広い内容を概説し、その中であらゆる種類の動きを再現する可能性と、音楽と音声のイントネーションの真に無限の分野に注目しています。これらは、特定の詳細なタイプのイントネーションコンテンツです。 V.V. メドゥシェフスキーは、音楽を聴くこと、プロの音楽創造性、作曲、演奏の実践において発達した異質なタイプを含む音楽イントネーションの理論システムを定義しました。 2）客観的 - 動きのイメージ（外界の現象と芸術の描写）を通じて一時的な芸術として音楽で伝達される視覚的なイントネーション。 3) ミュージカル - ジャンルのイントネーション。 4) 音楽的および文体のイントネーション。 5) 音楽に代表される個々の手段のイントネーション - 和声、リズミカル、メロディー、音色など。スケールの観点から、それらは次の点を区別します。 1) 作品全体の一般的なイントネーション。 2) 個々のセクション、構造、テーマのイントネーション。 3) 個々の瞬間のイントネーションを詳しく説明する。演奏者の創造性によって、あらゆる種類のイントネーションの演奏バリエーションが生み出されることを強調しておく必要があります。 V.V.の役職メドゥシェフスキーは、V.N. のような現代の音楽学者によって研究が続けられました。ホロポワ、E.A.ルチェフスカヤらは、音楽におけるイントネーションは、非言語的なサウンドで存在し、直接影響を与える形式であり、音楽内容の経験と音楽以外の連想表現の参加によって機能する、表現的および意味論的な統一であると指摘しています。」したがって、音楽学では、「イントネーション」というカテゴリーはさまざまなレベルで考慮されます。楽音の高度な組織として。音楽表現の方法として。音楽などの意味単位として。この点に関して、イントネーション理論のいくつかの側面が積極的に開発されています。つまり、イントネーションの共通性と相違点の特定に基づいた音楽と音声の関係です。音楽特有の特徴としての音楽のプロセス性。歴史的進化における音楽のイントネーションの意味論など。しかし、国内および現代の最も有名な研究者によってイントネーションのさまざまな定義が提示されているにもかかわらず、この概念の本質は同じままです。芸術作品の創造性、パフォーマンス、知覚の三位一体の組み合わせを表す複雑な三次元概念としてのイントネーションの概念の優先的な基本定義は、B.V. に割り当てられました。アサフィエフ。音楽心理学もこのカテゴリーを無視しませんでした。イントネーションは、E.V. などの研究者によって研究の対象となっています。ナザイキンスキーとA.L. ゴッツディーナー。有名な心理学者A.L.ゴッツダイナーは、イントネーションの出現の問題の歴史に目を向け、イントネーションは音声に先立ち、人の最も安定した深い感情状態（喜び、喜び、恐怖、絶望など）を示すために形成されたと指摘しています。。次に、E.V. ナザイキンスキーは、音楽学と心理学の交差点でイントネーションを研究し、言語音声と音楽の共通性を強調しました。 E.V. の本の中のエッセイ「スピーチと音楽のイントネーション」は主にこの問題に焦点を当てています。ナザイキンスキー「音楽認識の心理学について」ここでナザイキンスキーは、音声のイントネーションが音楽のイントネーションに及ぼす影響について言及しているが、音楽のイントネーションの認識に対する人間の経験全体の影響についても語っている。研究者は、音楽のイントネーションに対する理解の多様性と、この言葉の意味が単一ではないことを正しく指摘しています。彼は、音声と音楽のイントネーションの両方の特徴を明らかにしています。 E.V.が指摘したように、ナザイキンスキー「狭義の音声イントネーションは、音声のピッチ曲線にすぎません。広義には、声調の動き、リズム、テンポ、音色、ダイナミクス、調音要素などの下位要素のシステムです。」音楽教育の教育学では、イントネーションというカテゴリーもさまざまな意味論的な観点から考慮されます。彼らの選択は、イントネーションアプローチが使用される活動の種類、どのような音楽素材の音楽が研究されるか、そして教師兼音楽家がどのような特定のタスクに直面するかによって異なります。ほとんどの場合、イントネーションは音楽形式の発展の「粒子」として解釈されます。このアプローチは、D.B. によって最初に提案されました。カバレフスキーは、音楽のイントネーションの理解が音楽の育成と教育の優先方向であると特定し、音楽と芸術活動のイントネーションと聴覚と実践の領域をその全体と完全性においてカバーできるようにしました。音楽教育の教育学では、イントネーションのアプローチは、音楽を「生きた芸術」として認識し、音楽に「入る」という問題の解決に関連して使用されます。このアプローチは、音楽作品の芸術的知識のスキルを開発するために必要であり、その結果、イントネーションのアプローチが特に重要になります。すでに述べたように、音楽演奏活動ではイントネーションのプロセスが注目されており、その性質上、楽器または声で音楽を意味のある音で再現するプロセスが目的とされています。現代の一般的な音楽教育の方法論的ガイドラインとして考えられているイントネーションのアプローチは、全体的な教育プロセスで実装されています。このプロセスでは、一般教育的な原則と特別な原則の 2 種類の原則があります。アブドゥリンによって提案された一般的な教育原則の体系に基づいて、以下の点に焦点を当てます。 - 人間主義的方向性。 - 科学的な性格。 - 継続性、一貫性、体系性。 - 視認性。 - 教育と訓練の美化。 - 生徒の個性の長所に依存する。 - 生徒の個々の特性を考慮します。次に、E.V. ニコラエワは次のような特別な原則を特定しています。 1. 教育プロセスの内容を、研究対象の音楽のイントネーションの詳細と調整する。 2. 音楽学的カテゴリーとしてのイントネーションへの依存。 3. イントネーションの心理的側面を考慮する。 4. 教育プロセスの個人的な方向性。これらの特別な原則のそれぞれの内容をさらに明らかにしましょう。 1. 教育プロセスの内容を、研究対象の音楽のイントネーションの詳細と調整する原則。この原則は、音楽イメージへの浸透から必要な演奏動作の発見に至るまで、作品の演奏開発のあらゆる段階で見られ、技術的な作業のレベルでも機能します。この原則は、中等学校の音楽の授業で広く使用されている「類似点と相違点」法と相関しています。このような類似点と相違点の例としては、ショパンとシューマン、スクリャービンとブラームスの文体のイントネーションなどが挙げられます。これらの古典作品は、同じ様式に属しているため似た特徴を持ちながらもイントネーションが異なり、それぞれに特別な学習方法が必要です。 2. 音楽学的カテゴリーとしてのイントネーションに依存する原則。音楽学的カテゴリーとしてのイントネーションの基本的な特性は、イントネーションアプローチの文脈で行われる音楽教育プロセスの中でその位置を見つけます。イントネーションの本質を理解するための主なアプローチを分析したので、この原則を音楽教育プロセスに実装する際には、基本的な音楽学的カテゴリーとして、イントネーションに基づいた音楽の全体的な認識を形成する必要があることを強調します。 3. イントネーションの心理的側面を考慮する原則。この原則は、生徒の思考のタイプ (合理的または非合理的)、認識、個人の感情状態に関連しており、それがさまざまなタイプの演奏イントネーションにつながります。この原則に従うことで、教師は自分の性格の個々の特性に応じて生徒への取り組み方を調整することができます。 4. 教育プロセスの個人指向の原則。この原則は、イントネーションアプローチの教育上および発達上の問題を解決する際の基本です。それは、その文脈の中で行われる教育プロセスが直面する目標に対応します。この原則は、上記の特別な原則の論理的な継続です。上記の原則を、生徒の個人的な活動を実現するために内在する可能性の観点から考えてみましょう。したがって、「教育プロセスの内容を研究対象の音楽の特定のイントネーションに合わせて調整する」という原則を更新するとき、個人のスタイルとイントネーションに注目が集まり、それが教育プロセスの個人的な方向性を最も完全に明らかにします。それはスタイルとイントネーションに基づいて、作曲家と学生演奏家の 2 つの人格を結びつける、両面的なものであることが判明したと言えます。この場合、スタイルとイントネーションは 2 つの個人的な構造の対話における仲介者であり、サウンドの実現の過程で適切な演奏イントネーションを生み出します。上記のことから、一般的な教育原理は特別な原理をサポートして機能すると結論付けることができます。特別な原則の作用は、一般的な教育原則を通じて実行されます。したがって、一般音楽教育におけるイントネーションアプローチの開発は、現代の一般音楽教育の内容を徐々に更新する基礎となる可能性があります。

音楽教育における現代の芸術的および教育的アプローチ

N.N.グリシャノビッチ、

現代知識研究所にちなんで名付けられました。 A.M. シロコバ (ベラルーシ共和国、ミンスク)

注釈。この記事では、価値意味論、イントネーション活動、対話的、体系的、多芸術的など、現代の芸術教育学のパラダイムに関連する音楽教育プロセスを組織するための芸術的および教訓的アプローチを定義および実証しています。このアプローチは、教育プロセスにおいて音楽教育の原則を実装するためのツールキットとして機能し、特定のテクノロジーの使用を必要とすることが示されています。中心的で強調された原則であるため、音楽を教える他の原則や方法も組み込まれています。

キーワード: 芸術的・教訓的なアプローチ、価値、意味、イントネーション、活動、対話、システム、ポリイントネーション、動機、開発、方法。

まとめ。この記事では、音楽教育プロセスを組織するための 5 つの芸術的・教訓的なアプローチが定義され、実証されています。それらは、価値観に敏感で、イントネーションが活発で、対話的で、体系的で、多芸術的であるという、現代の芸術教育学のパラダイムにとって現実のものです。このアプローチは、音楽教育の原則を実施する際に手段としての機能を果たし、新しいテクノロジーの適用を必要とすることが示されています。中心的で強調された原則であるこのアプローチは、他の芸術的、教育的原則やその他の多数の原則を集約しています。音楽を教える方法。

キーワード: 芸術的・教育的アプローチ、価値、感覚、イントネーション、活動、対話、システム、ポリイントネーション、動機、開発、方法。

教訓的アプローチは、教育の内容を構築し、その目標を達成するための方法を選択する中心的な原則であり、他の多くの原則をグループ化し、それらに基づいています。音楽教育は芸術的教訓の特定の原則に基づいているため、音楽教育へのアプローチは芸術的かつ教訓的でなければなりません。下-

このコースは、教育プロセスにおける音楽教育の原則の実装におけるツール（テクノロジー）の機能を実行します。

教育学的研究では、教育の文化パラダイムには人格指向で活動ベースのアプローチが必要であることが強調されています。文化は創造性と生きた相互作用に基づいており、規範に従って発展します

コミュニケーションと協力。したがって、文化的に適切な学校では、子供たちは文化情報の同化に基づいてではなく、特別に組織された独自の創造的活動の過程で文化に紹介されます。音楽認知プロセスの法則とその実践に依存するという原則には、学生に適切な音楽教育を開発する組織に対する芸術的および教訓的アプローチの選択が必要です。

価値意味論的アプローチの中心は、生徒の音楽認知活動の動機付け面と音楽を精神的に理解する能力の開発です（V.V. メドゥシェフスキー）。子どもの魂の主な仕事は、普遍的な人間の価値観を流用することです。人は自分の精神的な本質を獲得し、人類の一部となり、文化を理解し、それを創造します。したがって、文化の震源地としての精神的な人、その最高の精神的価値（P. A. Florensky）は、教育の結果であり、教育の質を評価するための主な基準でもあります（E. V. Bondarevskaya）。これらの立場から、音楽教育の中心は生徒です。その音楽性の発展、個性と精神性の形成、音楽的ニーズ、興味、創造的可能性の満足です。個人の音楽教育は、その特別な発達、社会の音楽文化と相互作用する能力だけでなく、世界観の形成のプロセスでもあります。

真剣な音楽の芸術的内容は、人間の崇高で美しい人生を体現しています。

チェリックな精神。したがって、音楽の精神的な真実、価値、美しさを理解することは、音楽教育の意味論的な核心です。音楽知識の目標は、音楽学的知識を獲得することではなく、人間の崇高な本質、世界の調和、自分自身と世界との関係を理解することへの深さへの浸透です。音楽教育の主要な方法としての音楽作品のイントネーション意味分析は、教師と生徒の両方が美と真実の認識、そして人間の魂の精神的な高みに上昇することを必要とします。学生の音楽活動や認知活動において、音楽は美的評価の対象であるだけでなく、生活、文化、人々の精神的、道徳的評価の手段としても機能します。

芸術的な組織化

生徒たちが音楽作品に出会ったとき、教師は一貫して生徒たちの注意を、作品の公理的側面と芸術的およびコミュニケーション的状況の認識に向けなければなりません。価値意味論的なアプローチにより、優れた音楽の道徳的および美的意味を過小評価することはできません。より高次のスピリチュアルな意味は、「低次」の生命との結びつきを打ち消すものではなく、認識と理解のための意味論的な視点を設定します。

音楽教育の主な役割は、生徒のイントネーション聴覚とイントネーション音楽的思考能力の発達です。音楽を教える内容と方法に精神的なアクセントを置くには、生徒の「啓発と音楽耳の高揚」が必要であり、その「崇高な美の探索と認識の器官」としての音楽耳の形成が必要である。

彼の独特の能力の開発だけではありません（V.V.メドゥシェフスキー）。

科目の内容は、さまざまなジャンルや方向性の古典音楽や高度に芸術的な現代音楽と対話しながら、学生が国の音楽文化を習得できるように構成されています。しかし、音楽教育は価値観を押し付けるべきではなく、その役割は、彼らの認識、理解、選択のための条件を作り、その選択を刺激することです。

生徒の音楽活動に対する動機の発達には、生徒の音楽的および認知的興味を教育学的に刺激することが含まれ、そこでは特定の音楽行為と音楽教育一般の個人的な意味が明らかになります。学生の個人的な経験の双方向の活動が刺激されます。生活と芸術の結びつきは、音楽イメージの内容と表現手段の認識を助けます。音楽作品の解釈と個人的な芸術的意味の探求は、さまざまな作者、さまざまな時代、芸術の種類の作品に具体化された、人生の同じ現象に対するさまざまな見方への共感と受容を通じて、生徒の世界観を豊かにします。

開発的学習、問題ベースの学習、芸術的および教訓的なゲーム、対話的で個人的な意味論に基づいた教育プロセスの構築など、価値指向の性質を持つテクノロジーと方法が優先されます。

社会の音楽文化との対話に生徒を参加させることによって、教師は生徒に自分の道徳的、美的評価やイデオロギー的立場を押し付ける権利を持たない。それは、音楽作品に必要な社会的および芸術的文脈を作成し、調和と不調和、崇高と基礎の観点からの比較分析を刺激することができます。それは、芸術における「永遠のテーマ」の特定と、それらの永続する精神的な関連性の理解を促進することができます。しかし同時に、芸術的なイメージの意味解釈は生徒自身の創造性であり、イントネーション感覚、イントネーション語彙、イントネーション意味分析と芸術的一般化のスキル、そして新たな道徳的および美的感情に基づいています。

教師は、音楽イメージの芸術的秘密を常に洞察し、刺激的な創造的問題の解決策として生徒が音楽イメージを「発見」し、作曲家、演奏者、リスナーの創造的なプロセスをモデル化する方法を構築します。

アクティビティアプローチは音楽教育において最も伝統的であると考えられています。これまで、活動の種類ごとに音楽教育の内容を構築することを提唱したカリキュラムや教材が作成されてきました。このアプローチにより、生徒は合唱、音楽鑑賞、基本楽器の演奏、音楽に合わせた動き、即興演奏、音楽リテラシーをセクションごとに習得します。各セクションには独自の目標、目的、内容があり、

メソッド。基礎科目「音楽」の授業では、これらのセクションが組み合わされて、伝統的な授業の特徴的な構造が形成されています。

このアプローチの際立った特徴は、モデルによると、トレーニングの優先順位と、知識、スキル、能力を既製の形で同化することが優先されることです。しかし、現代の音楽教育の教育学は、モデルに基づいて行動を習得したり、既製の形で知識を吸収したりすることは、活動ベースの教育アプローチの本質ではありえないと主張しています。これらは、外部から生徒に活動を与える説明図解アプローチの伝統的な特徴です。教師は、生徒が暗記できるように設計された既製のコンテンツをブロードキャストし、その同化を監視し、評価します。

アクティビティアプローチは発達教育の特徴です。拡張された教育活動は、教師が生徒に実験を通じて主題に関する知識を「発見」することを要求する条件を体系的に作成することで実行されます（V.V. Davydov）。音楽認知活動は、生徒が音楽イメージの誕生のプロセスそのものを再現し、表現手段を独自に選択し、イントネーションの意味、作者と演奏者の創造的意図を明らかにするときに行われます。そのような活動の基礎は、統合された音楽文化の伝達特性、作曲家、演奏者、聴取者の個人的で創造的な対話をモデル化する過程での学童のイントネーション音楽的思考の発展です。

イントネーションのアプローチの中心は、生徒たちが自分の「初級」音楽を聴き、演奏し、作成する過程で生のイントネーションのある音楽スピーチを習得し、イントネーションの聴覚、知覚理解、音楽的思考を発達させることです。作曲家、演奏者、聴衆の活動をモデル化することは、音楽スピーチを習得するための方法論の基礎です。アクティブなアクション、ボーカル、プラスチック、スピーチ、楽器のイントネーションを通じて、生徒は音楽イメージへの道を旅し、そのイントネーションの意味を発見します。レッスンの内容と主題全体は、音楽に関する理論的知識の吸収としてではなく、生きたイントネーションで作成された芸術との芸術的コミュニケーションとして設定されています。音楽学的アイデアはイントネーションと実際の経験に基づいて形成され、学生の音楽的および創造的な発展の手段です（D.B.カバレフスキー、E.B.アブドゥリン、L.V.ゴリュノワ、E.D.クリツカヤ、E.V.ニコラエワ、V.O.ウサチェワなど）。

イントネーションは不可欠な特性であり、音楽プログラムにおけるすべての教育トピックの中核であり、したがって、学童の重要な音楽的能力の実存的な形式です。イントネーション活動のアプローチは、生徒が音楽の音形式とその精神的な内容の分離を克服するのに役立ちます。「イントネーションの背後には常に人間がいる」（V.V. メドゥシェフスキー）ため、音楽における人間とその問題の発見により、音楽教育は人道的、道徳的、美的という高いレベルの人間研究を達成することができます。

対話的アプローチでは、類似点と対照性に基づいて音楽教育の内容と方法を対話する必要があります。音楽作品のマスタリングは、常に対話的な共同創造です。作曲家によって作成された作品は、イントネーション分析、演奏、解釈スキル、対話者である学生と教師（リスナーとリスナー、出演者）。

音楽文化は、「近くて遠い」対話者（作曲家、演奏家、聴衆、芸術家、詩人など）に宛てられた一連の作品（テキスト）として理解されます。一般に、音楽および芸術文化の対話的に関連したテキストは、教育ポリローグにおいて、学生にとって個人的な理解と個人の創造性の望ましい主題となるはずです。

音楽テキストの特殊性は、リスナーに向けた比喩的な内容の不完全性、公開性、無尽蔵さによって現れます。作曲家のアイデアは完成された形で音楽テキストの背後に隠されているだけでなく、演奏者や聴き手の対立する意識によってその解釈の過程で復活し具体化されるため、意味解釈は音楽における対話の中心的な問題の1つになります。教育。多くの科学者（M. M. バフチン、M. S. ケーガン、D. A. レオンチェフ）は、芸術性という現象は、芸術作品の作者とその通訳兼共同創作者との間の相互作用を理解する過程でのみ生じると信じています。

心理学者によると、対話主義は意識の基本構造に「組み込まれ」ており、その主要な特性の1つです。人間の意識は、想像上の対話者との、自分自身との、推論の過程における特定の意味論的立場との内部対話によって特徴付けられます。音楽認知プロセスの構築に対する対話的アプローチは、現代音楽学の立場に基づいており、音楽耳は言語聴覚およびすべての知覚能力（可塑的、視覚、触覚など）と相互作用して発達し、音楽から意味を抽出すると主張しています。人生と混合的な芸術的背景（B.V.メドゥシェフスキー、A.V.トロポワ）。

音楽作品を個人的に習得することは、対話的な共同創造、意味論的な共同著作なしには不可能です。理解と認識のプロセスは、同じ価値観についてのいくつかの見解が出会う境界点で、個々の意味の成熟のプロセスに関連する 27 の共鳴現象が生じる緊張した対話空間が形成されることを示唆しています。この対話スペースは、他の種類の芸術作品、伝記資料、個人的な経験などを含む、研究対象の作品の芸術的および生活的背景の助けを借りて作成されます。

作曲家によって作成されたイメージは、音楽作品の生命を構築する核となります。作者はコミュニケーションの発信者として、聴き手との対話の中で、自らの意図に従って音楽テクストを形成していきます。試してみると

音楽教育のさまざまな年齢段階で作曲家の世界に入る前に、さまざまな内容の個人間の対話が行われ、その対話では作曲家の伝記のさまざまな作品や側面に目を向けることが含まれます。

音楽教育の対話的な性質により、レッスンの生徒たちは作曲家、演奏者と聴衆、芸術家、詩人と画家、カメラマン、サウンドエンジニア、脚本家などの積極的な役割を担うことになります。音楽のイントネーション言語の理解は、ポリイントネーションの過程で起こります。

放浪、集団解釈、芸術的遊び、音楽イメージのモデリングまたは作成。

教師の最も重要な仕事は、生徒を惹きつけ、友好的な関係を築く、芸術的および教育的コミュニケーションの興味深い雰囲気を作り出すことです。学生間の交流を組織するために、教育プロセスを組織するグループ、ペア、および集合的な方法、および創造的な活動のゲーム形式が広く使用されています。

音楽教育過程における対人コミュニケーションのシステム

芸術的および教育的コミュニケーションの過程で、生徒は少なくとも 3 つの段階を経ます。最初の段階は、音楽および教師との内部対話、内省です。 2 つ目は、生徒や教師との対人コミュニケーションの中で印象を深め、思考を熟成させることです。 3つ目は、彼がすでに自分自身の価値判断を確立しているときの、拡張された独り言のステートメントです。したがって、個人的な独白（口頭または書面）は、対話の自然かつ実りある結果です。音楽教育における対話的アプローチの利点は、教師だけでなく、インスピレーションを受けた内容にも魅力があることです。

各学生をユニークな個人としてメタ化します。

発達教育を組織するには体系的なアプローチが不可欠の条件です。この本は、方法論者や教師が、生徒の音楽教育の完全性と、この完全性を確保するすべての要素の多様なイントネーション創造的なつながりを明らかにし実現し、音楽教育の内容と方法の階層構造の中にシステムを形成する要素を見つけるよう導きます。音楽教育プロセス。

コンポーネントの内部接続により、以下に対応する新しい統合プロパティが作成されます。

システムのタイプであり、これまでどのコンポーネントにも存在しなかったものです。したがって、主題の内容のテーマ別組織（D.B.カバレフスキー）は、その基本的な意味論的な枠組みを形成し、音楽のイントネーション意味論的な認識と認識において生徒のあらゆるタイプの音楽活動を統合します。小学生の創造性を通じて音楽言語を習得すること（K. Orff）は、子どもたちの芸術的探求活動においてリズム、言葉、音、動きを統合します。生徒の音楽的発達におけるシステム形成要素として音楽的思考を決定すると、すべての初歩的な音楽能力（音楽耳の種類）は、音楽的思考の特性として相互に関連して発達します（N. N. グリシャノヴィッチ）。

人間の音楽教育は、その構造内に秩序あるつながりを持つ複雑でダイナミックなシステムです。このシステムの各要素は、内容、活動、能力開発、方法などのサブシステムと考えることができます。音楽のレッスン、あらゆる芸術的およびコミュニケーションの状況も、音楽教育のサブシステムです。

システムの完全性は基本的に、その構成要素の特性の合計に還元できません。システムの各要素は、その構造、機能、全体内の他の要素との接続が占める場所に依存します。たとえば、D.B. カバレフスキーのシステムは、合唱、音楽読み書き能力、その他の知識とスキルを排除していませんが、教育プロセスにおけるそれらの機能と位置は根本的に変化しており、それらは個人的な学習目標ではなく、個人の音楽文化を発展させる手段となっています。

体系的なアプローチには、音楽教育プロセスの完全性に関する特定のメカニズムの探索と、その内部接続のかなり完全な全体像の特定、およびそれを可能にするシステム形成要素の特定が必要です。システム全体の機能の成功または失敗に関する「分析の運用単位」を構築します。

多芸術的なアプローチ

芸術的影響の統合、統合が含まれます。そして統合とは、芸術的イメージの抑揚的な関係を明らかにすることです。さまざまなイントネーション言語の助けを借りながら表現力を同時に習得することで、生徒は表現力のニュアンスをよりよく認識し、自分の経験や理解をより完全に表現できるようになります。

イントネーションは芸術全般のカテゴリです。これは芸術の素材やイメージに具現化された精神的なエネルギーです。あらゆる種類の芸術の一般的なイントネーション比喩的な性質は、それらの相互作用、統合、統合の基礎です（B.V.アサフィエフ、V.V.メドゥシェフスキー）。さまざまな種類の芸術作品を比較し、独自の方法で具現化することで、生徒は芸術的なイメージの精神的な意味を発見することができます。

表現力豊かなイントネーションとイントネーションコミュニケーション（スピーチ、音楽、プラスチック、色）の経験は、ポリイントネーション技術の助けを借りて、また芸術サイクルの分野を並行して習得する過程で学生によって蓄積され、教育的表現に反映されます。総合的なタイプの芸術活動のプロセス：「音声描画」、「プラスチック描画」、詩や絵画の採点、

文学テキストのイントネーションスコアの作成、リズミカルな宣言、文学および音楽の作曲、オノマトペ（音の絵の作成）、音声およびプラスチックゲーム。

音楽を含む芸術的思考の最も重要な特性の 1 つは結合性であることを考慮する必要があります。あらゆる芸術を教える際、他のすべての種類の芸術は必要な連想的・比喩的な雰囲気を作り出し、生徒の生活と文化的経験を広げ、想像力を養い、芸術的思考の最適な発達のための条件を作り出すのに役立ちます。さまざまなタイプの芸術作品の助けを借りて、芸術的認識の感情的かつ美的雰囲気がレッスンで作成され、感情的な「調整」、芸術的イメージに応えるための適切な知覚的および美的態度の作成を提供します。

関連する種類の芸術作品は、類似性と対照性によって音楽の授業の内容に取り入れられ、研究対象の作品の芸術的文脈を作成し、主題の内容の対話、および問題のある創造的な状況の創造に貢献します。開発テクノロジーの使用は、ポリイントネーション、つまり、さまざまな芸術言語の表現要素の助けを借りて芸術的なイメージと創造的なプロセスをモデル化することに基づいています。

芸術教育への多芸術的アプローチは理論的に正当化され、B.P.ユソフはこのアプローチが次のように信じていた。

感覚システムのあらゆるパラメータが根本的に変化した現代の生活と文化が原因です。現代文化は、多芸術的、多言語的、多声的な性格を獲得しました。あらゆる種類の芸術の統一された性質は、それらの統合と各児童の多芸術的能力の実現を前提としています。

このアプローチは、人生に対するさまざまな種類の芸術的認識、そしてその結果としてさまざまな種類の芸術が、さまざまな年齢で優位性を持つという考えによって特徴付けられます。芸術の種類は、教育分野「芸術」の単一の芸術的空間のモジュール（交互に連続するブロック）として機能し、ジュニアクラスから中級クラス、上級クラスに進むにつれて順番に支配的になります。特定の年齢段階における芸術活動の主な種類と生徒の興味に応じて、ポリアート複合施設内で主流となる芸術の種類は、スライド式モジュール方式に従って入れ替わります。統合された芸術的および教育的エコシステムでは、さまざまな芸術言語と芸術活動の種類をそれらの相互関係においてより完全に理解するための条件が作成され、芸術的アイデアをある種類の芸術から別の種類の芸術に伝達する能力が保証されます。個人の芸術的才能の普遍化に向けて。

美術教育への多芸術的アプローチは、次の 2 種類のプログラムで実施できます。1) あらゆる種類の芸術の研究を統合するプログラム。 2) 授業用プログラム

別の種類の芸術を、他の種類の芸術活動と統合する。授業内容の重点は、知識の理論的体系を習得するという美術史の伝統から、子供たち自身のさまざまな種類の芸術的および創造的な活動の発展へと移行しています。教育は、生徒と「生きた芸術」、つまり生きた音、生きた色、個人の動き、表情豊かなスピーチ、生きた創造性との相互作用に基づいています。学生との統合的でインタラクティブな形式の作業が培われ、芸術的思考、創造的な想像力、研究能力、コミュニケーション能力が養われます。

音楽教育の特定の原則を一緒に実装することで、考慮された芸術的アプローチと教育的アプローチを相互に関連させて使用することができ、教育プロセスにおける互いの有効性を高め、現代芸術教育学の文化的および人格指向のパラダイムへの準拠を決定します。

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メソジスト、ピアノ教師

市立教育機関「第4中等学校」児童学校「カマートン」

G.メギオン

報告

音楽教育システムにおける開発トレーニング

初等音楽教育システムにおいて発達教育の原則を活用することの重要性を評価するには、国内の音楽教育システム全体を特徴づける必要がある。一般教育制度との類似点を指摘する。伝統的な教育と開発教育の原則を比較します。

一般的な音楽教育システムにはいくつかの連続した段階が含まれており、それぞれの段階が基本的に重要です。どの教育レベルも複数のレベルで構成されており、これにより、マルチレベルの一般的な音楽トレーニングとマルチレベルの音楽教育トレーニングの両方について話すことができます。

一般的な音楽教育の最初の段階は、2歳から始まる幼児施設での音楽の授業です。就学前の教育学の理論と実践は、子供の音楽活動を組織する次の形式を決定します：授業、休日や娯楽、遊びや自主的な仕事での音楽の使用。あらゆる形式で、共同音楽活動を通じて子供たちの教育と発達を提供します。しかし、主な課題である音楽、歌、動き、楽器の演奏を知覚する動作、スキル、能力の実践的な開発と習得は、ほとんど解決されません(5, 56)。

一般的な音楽訓練は、現在の「音楽」プログラム内でさらに中等学校で継続されます。しかし、音楽教育を継続していくためには、児童音楽学校や児童美術学校において、特定の専門分野（楽器）を持った音楽分野を深く学ぶ必要があります。

ロシアの音楽および音楽教育教育のシステムはいくつかのレベルで構成されています。

レベル	教育機関	主な目標
レベル1	こどもアートスクールとこども音楽スクール	幅広い子供たちの音楽と美的教育、最も能力のある生徒を特定し、特殊教育機関への入学の準備をする
レベル2	音楽学校と音楽教育大学	音楽教育技術の基礎を習得する
レベル3	教育大学（教育機関）の音楽学部	教職の基礎と基礎的人道教育（一般高等教育）の向上
レベル4	教育大学（教育機関）の音楽学部、音楽院	幅広い専門性と高度な資格取得
レベル5	大学院	科学的および教育的資格の向上

この意見によると、「伝統的な教育形態は、第一に、要求の権威主義的な教育法であり、そこでの学習は、生徒の内面生活や生徒の多様な要求やニーズと非常に弱く結びついており、学習を促進するための条件はありません。」個性の創造的な表現を明らかにします。学習プロセスの権威主義は、活動の規制や強制的な訓練手順に現れています。制御の集中化。平均的な学生をターゲットにしています。

伝統的な教育学の観点から見た学生の立場：学生は教育的影響の従属的な対象であり、学生はまだ一人前ではありません。教師の立場: 教師は指揮官であり、主導権を持つ唯一の人物です。したがって、知識を同化する方法は、既成の知識の伝達、モデルからの学習、特定から一般への帰納的論理、機械的記憶、口頭による表現、生殖に基づいている。」(7, 36)。

「このような状況下では、教育目標を実現する段階は、あらゆるマイナスの影響（子供を学校から遠ざけたり、怠惰を植え付けたりするなど）を伴うプレッシャーの下での労働に変わる」(4, 50)と付け加えています。

伝統的な教育には権威主義的として完全には分類できないテクノロジーが含まれているため、私たちは彼らの発言に完全に同意するわけではなく、物議を醸すものであると考えています。

教育辞典には次のように書かれています。「権威主義（ラテン語の autoritas から - 影響力、権力）とは、人間の社会心理学的特徴であり、相互作用やコミュニケーションにおいてパートナーを自分の影響力に最大限従属させたいという欲求を反映しており、権威、権力という形で表れます。」命令、指示、指示などの形で他人に影響を与える非民主的な方法を使用する人の傾向。これらすべての特性は、多くの場合、権威主義的な教師の特徴です。権威主義的なスタイルの教育的リーダーシップは、力関係に基づいたストレスの多い教育システムであり、生徒の個々の特性を無視し、生徒との人間的な関わり方を無視しています(2、5)。

は音楽教育学におけるパラドックスの存在について語り、次のように明確にしました。矛盾しているのは、権威主義とは、生徒の意識の内容を自分の行動によって置き換えたいという願望であり、生徒の意識の内容を抑圧したいという欲求であるということです。 本当の無関心学生の意見に応じて、これらすべてが民主的な（外見上の）形で現れます」（6、82）。

したがって、権威主義の度合いは教師の性格に大きく依存すると私たちは考えており、伝統的な教育実践には、生徒と協力する民主的なスタイル、オープンなコミュニケーション能力、前向きな自己概念を備えた教師の活動の例が数多くあります。、継続的な改善への欲求、公平性、そして優しさ。

現代の評価では、伝統的な教育技術には次のような特徴があります。 ポジティブとネガティブ辺 (8、42):

ポジティブな側面	マイナス面
トレーニングの体系的な性質	テンプレートの構築、単調さコンテンツのテクノクラシー
教材を秩序正しく論理的に正しく提示する	レッスン時間の不合理な配分学生から目標設定・計画・評価の機能を奪うレッスンでは教材の最初のオリエンテーションのみが提供され、高度な習熟度の達成は宿題に移されます。
組織の明確性	学生の自主性の欠如
教師の人格が常に感情に与える影響	生徒の受動性または目に見える活動フィードバックが弱い。
集団トレーニング中のリソースの最適な支出	年齢による差別伝統的な教育には教育の余地がほとんどない評価方法の否定性

その性質上、伝統的な教育の目標は、特定の文化サンプルを生徒に伝達し、所定の特性を備えた人格を形成することを表しています。内容に関して言えば、伝統的な教育の目標は主に知識、スキル、能力の習得に焦点を当てており、個人の成長には焦点が当てられていません（包括的な個人開発は宣言でした）（8、40）。

もちろん、現代の学校では課題が多少変化していることに注目することが重要です。イデオロギー化は排除され、道徳教育には変化が生じていますが、計画された一連の資質の形で目標を提示するというトランスレーショナルパラダイムが導入されています。学習基準）は変わりません。

したがって、伝統的な教育は依然として「知識の学校」であり、文化に対する個人の意識の優位性、感覚的・感情的側面に対する認識の合理的・論理的側面の優位性を維持しています(7, 35)。

次に、発達教育は人間中心主義、人文主義的および心理療法的方向性を特徴とし、その目標は子供の多用途で自由で創造的な発達です。

この問題における重点の変化は、さまざまな理由によって説明されます。

第一に、民主主義社会における教育は、知識や技能の形成のみを目的とするものではないということです。

2番目の理由は、科学の発展、知識の充実、増加のプロセスに関連していますが、一般訓練や専門訓練の期間を常に増やすことは不可能であるため、教育機関はそれに追いつくことができません。学生の自主的かつ継続的な自己教育の方法を開発することを目的とすべきです。

3番目の理由は、長い間、年齢特性を考慮することが教育の優先事項であり、不変の原則であると考えられていたという事実によるものです。もし本当にそうなら、いくら訓練しても、特定の年齢の能力の限界を克服することはできないでしょう。

4 番目の理由は、発達教育の原則の優先性の認識に関連しています。人格理論の発展により、さまざまな段階での個人の変容のプロセスをより完全に想像できるようになります。個人の成長と個人の変化を決定する要因を理解する。発達教育の概念を作成する（など）（10、21）。

音楽教育学の分野で発達学習の理論に目を向けることは決して偶然ではありません。事実は、ご存知のとおり、「音楽芸術は美的喜びの手段であるだけでなく、重要な知識の優れた手段でもあり、人間の魂、人間の知性の最も深い層を動かすことができるということです」」（）。そして、学習プロセス自体には、生徒の全般的および音楽的発達にとって大きな余地があります。

発達教育の基本的な教訓原則: 教育および教育活動で使用される資料の量を増やす。教育的および教育的資料の配布のペースを加速する。知識の理論的能力の尺度を高める。生徒の創造的な自発性と自主性を育みます。

ヒューマニズム、継続性、一貫性、可変性、適応性、民主主義、健康を守る性質など、教育の優先事項を実行する上で無尽蔵の可能性を秘めている初等音楽教育のシステムをさらに詳しく考えてみましょう。

音楽的な育成と教育は、人間の人格の形成と発達を目的としたプロセス全体の不可欠な部分です。したがって、それらを別の知識分野として考えることはできません。「音楽に優れた学童は一般教育科目でもうまく勉強しており、才能ある音楽家が一般的に並外れた能力を持っていることは人生で繰り返し確認されている」ことが確立されています（3、5）。

しかし、人口減少、未就学児における精神物理的障害や運動器疾患の蔓延、調和のとれた発育環境の欠如、さらには健康な学齢期の子どもの数の急激な減少、一般的な人口増加などの現象が起きています。中等学校での教育負荷、人格形成と発達の最も重要な手段の一つとしての芸術の役割の過小評価、芸術教育に対する親の関心の低下、子供の音楽学校と子供の音楽学校の生徒数の異質性の増大芸術学校は、能力のレベル、形成された好み、ニーズの点で異なり、教育プログラムを習得するプロセスを複雑にします。

多くの場合、競争がないため、学生団体への参加を希望するほぼ全員を受け入れることを余儀なくされているため、近年では、優れているだけでなく最低限の音楽的能力を備えた学生が子供音楽学校で学んでいます。

心理学者は、あらゆる能力は開発可能であり、特定の種類の活動を教える方法が、この分野における能力の発現に決定的な役割を果たすと主張しています。音楽を学ぶ過程で、子供は特定の音楽的能力を発揮しながら、必要なスキル、知識、能力を習得します。そのため、それらを最大限に発揮できる指導方法を見つけることが望ましいです。

教育プロセスにおいて、教師は生徒と教科の内容を構成する教材との間の仲介者として機能します。彼の仕事は、生徒が内容を習得しながら、首尾よく有能に成長できるような方法で学習を組織することです。オーストリアのピアニストで教師のアルトゥール・シュナーベルは、「教師の役割は扉を開けることであり、生徒を押し通すことではない」と書いています（11、63）。教師が教育の目的、教科の内容、教育課題を実行するための方法論的手段を明確に理解している場合、教育プロセスは適切に管理されます。

発達教育は、蓄積された知識、スキル、能力と、認知のプロセス自体およびその困難を克服する過程、それに付随する感情や感情、それを強化し改善する実践的な活動との関係の中で実施されます。現代の教育学では、注意、知覚、記憶、想像力、感情的および意志の発現といった、生徒の積極的な精神活動を教育過程に含めることが必要です。現代の教育と育成は、子どもの精神の新しい知的資源を特定することに基づいています。子どもたちと関わる教師の主な仕事の 1 つは、音楽の研究への興味を育み、維持することですが、これは発達教育の観点から総合的なアプローチによって完全に促進されます。

I. エヴァードは記事の中で興味深いデータを提供しており、今日ではミュージシャンという職業はかつての威信を失い、ミュージシャンは専門外の仕事をすることが多いが、驚くべきことは彼らのほとんどが成功しているということです。そのミュージシャンは労働市場で非常に競争力があることが判明した。音楽学校で何年もの努力を費やし、ミュージシャンが人気のある成功した人々に成長したことは無駄ではなかったことがわかりました。ここの秘密は何ですか？この楽観的なパラドックスを分析した結果、音楽心理学者で教師でもあるこの音楽教師は、教育は決して「販売」できる有用な知識を蓄積する方法ではないと結論付けています。教育とは、自分自身、心、さまざまな現象へのアプローチ、新しいアイデアや行動方法を認識し習得する能力を教育する方法です。変化を恐れず、常に状況に応じて行動し、良い結果を得る鍵となるのが教育です。これはまさに音楽教育そのものであり、これらの目標の達成に他の教育よりも貢献します。

20世紀、つまり狭い専門家の世紀は、専門家の流動性の世紀に取って代わられています。労働市場の発展には古い固定概念を放棄することが必要です。新しいスキルを簡単に習得し、習慣を変えることができる人が最初の役割に昇進します。科学的データは、人間のこれらの資質が音楽教育によって最もよく発達することを裏付けています。音楽は子供の全体的な発達を包括的に促進し、全体としての知性を高めるだけでなく、人が一度に必要とする複数の方向に取り組む能力も発達させます。たとえば、言語記憶の制御により、12歳以前に音楽訓練を受けた人は外来語を他の人よりも一桁よく覚えていることが示されました。

音楽は社会的スキルを養うのにも重要です。最も調和のとれたタイプの人はミュージシャンであることが判明しました。ミュージシャンはまったく攻撃的ではありません。テストステロンホルモンは正常の下限値にあります。犯罪と音楽活動の関係を研究したアメリカの研究者マーティン・ガーデナーによる統計情報の分析から得られた興味深いデータ。彼は、音楽を演奏する人は犯罪行為に関与する可能性が最も低いことを発見しました。さらに、楽器を演奏する人が犯罪組織に巻き込まれることはほとんどなく、音楽を知っていて視力が読める人はまったく犯罪者になりません。そして、私たちが攻撃性と反対意見に対する不寛容の世界で生きたくないのであれば、クラシック音楽教育を新たに見つめ、音楽が一般的な教育プログラムの不可欠な部分となるべきであることを理解する必要があります。子どもたちにとって音楽教育は、まず第一に、音楽家になるためではなく、専門的活動のあらゆる分野で自立心、分析能力、美的感覚、競争力を養うために必要です。

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目標、目的、原則、内容、方法、形式が合わさって、音楽教育の何らかの概念を形成します。それぞれの概念（ラテン語のconceptio（知覚）に由来し、特定の現象についての見解の体系、特定の現象を考察する方法、何かを理解する方法）には著者がいます。このコンセプトは、指定された領域での研究活動の結果です。それを開発するとき、教育音楽家は前のトピックの研究の過程で述べた方法論に基づいています。

作曲家、教師、社会活動家 DBカバレフスキー作成した 大衆音楽教育の教育学的概念、芸術としての音楽と教育科目としての音楽を有機的に結びつけます。

D.B.カバレフスキーは音楽教育の目標を宣言した 学生の音楽文化を精神文化全体の一部として育成します。

子どもたちを音楽で魅了し、子どもたちの中に音楽への愛情を呼び起こし、音楽の美しさを理解することを教えること。

生徒の人格の発達、精神世界の豊かさ。見る、聞く、感じる、考える能力の発達。

音楽に関するスキルと具体的な知識をその過程で形成する

音楽的なイメージとその精神的な内容に取り組む。

独立した創造的思考の発達。

つながりや関係を把握する生徒の能力を開発する

音楽芸術の個々の現象。

美学教育の分野における学生の要件の基準を確立する。

原則:

音楽活動と生活のつながり。

音楽番組のテーマ構造。

学生が本格的な音楽の最高の例にアクセスできるようにすることと、学生の精神世界の例についての教育を行うこと。

民族音楽と詩の創造性に訴えます。

即興演奏（教師、子供たち、音楽の間のあらゆる形式のコミュニケーションに導入されます）。

比喩的で遊び心のある音楽への入り込み。

芸術性、楽しさ、教育上の便宜性

学校の音楽の授業で楽曲を選ぶとき。

音楽レッスンの誠実さ。

リュドミラ・アレクサンドロヴナ・ベズボロドワとユリー・バギロヴィッチ・アリエフのコンセプトで芸術、歴史のあらゆる時代における現実の芸術的理解は、人間の文化、世界における人間の存在方法の不可欠な部分であったことが強調されます。

12 年間教育に関する新しい概念の草案には、1 年生から 10 年生まで学校で音楽を教えることが含まれています。音楽教師は、自分の裁量でカリキュラムを選択したり、オリジナルのプログラムに従って仕事をすることができます。

最も重要な原理音楽教育の構造化は、 2 つの原則の統一: 音楽の性質に関する知識音楽芸術の最良の例のさまざまな形を通じて、即興的な個人的な経験とそれを積極的に認識することによって。いかなる状況においても、音楽は子どもの人生、内面の世界、個人的な経験、周囲の現実から切り離されてはなりません。

学校音楽教育の最高の目標は、貴重な精神的経験を世代を超えて伝えていくことであり、最も完全かつ包括的な形式の音楽芸術と、これに基づいた各子供の前向きな特性と個性の発達に集中しています。

タスク音楽教育と現代の学校の音楽授業における教育は次のとおりです。

学生の音楽文化の形成。

子供による音楽活動の基本的な知識、スキル、および方法の体系の習得。

音楽能力、歌声、音楽リテラシーの分野における知識とスキルの開発。

精神的な自律性を獲得し、顔のない「私たち」から精神を発展させ、個人の芸術文化の基礎としての精神的自由の形成を目指します。

子供の感情的領域の改善、音楽的および美的センスの教育。

音楽の好みの「全国的な広がり」の形成。

子どもたちに民謡、クラシック、現代歌の「黄金基金」を紹介する。

現代音楽の例を使ってコミュニケーションする能力を開発します。

音楽活動の社会的に有用な方向性の活性化。

子どもたちが自主的に音楽に親しむ中で、さまざまな技術的手段を使用するための知識とスキルを習得します。

原則:教育訓練、音楽研究と生活の結びつき、音楽教育における感情と意識、芸術と技術の統一、基本的な教訓原則。ただし、学校の授業中にこれらの原則を実際に開示するには、これまでとは少し異なるアプローチが必要です。

一貫した複雑な内容で、各児童の総合的な音楽教育の課題を継続的に実施する ある年齢層の子どもから別の子ども層への音楽教育。

歌ったり、音楽を聴いたり、楽器を演奏したりするための基本的なレパートリーはもちろんのこと、最も初歩的な歌でも生徒を豊かにするものを音楽監督や教師が理解すること。

大人が子供たちに求める音楽レパートリーの要件を実践すること：芸術的価値（この現象を考慮する必要がある場合には、反芸術性）、意義、近いだけではないそれらの現象の音楽への反映子どもたちにも理解できるものであるだけでなく、「子どもたちの音楽的発達が子どもたちの全般的な視野を豊かにし、芸術的な興味、好み、ニーズを形成することを促進する」ものでもあります。

子供の音楽教育のこの概念の特徴は、音楽教育学の基本原則の実践に焦点を当てていることです。だからこそ、その方法論的および方法論的基礎は、ロシアのあらゆる地域だけでなく、国境を越えて使用できるのです。

同時に、この概念の基本的な規定とガイドラインは模範的かつ典型的なものであるため、特定の地域条件で音楽作品を編成する際に多くのことを考慮することが可能になります。

この概念が実践されている大小さまざまな国の民族音楽の伝統。

ロシアの特定地域の伝統。

主権国家、つまりソ連の旧連邦および自治共和国におけるロシア語学校の取り組み。

ニーナ・アレクサンドロヴナ・ベルガーによる音楽教育のコンセプト。著者は自身のコンセプトを「みんなの音楽」と呼び、すべての人が音楽の有益な効果を感じ、音楽を演奏する意味、まず個人的なハーモニーを獲得できるようにすることに重点を置いていると強調しています。

目標 N.A. バーガーの作品 - 「音楽演奏と音楽教育への道で人を待ち受ける困難についての神話を払拭するため」。

タスク（内で 一般的な音楽教育):

1. 楽譜の自由な方向性 （次のようなメモを読んでください

本を読んでいる）急速な学習と記憶への長期保存。

2. 簡単な音楽素材を音符で書き留める能力。

3. すべての調性 - 音の色 - どのように習得するか

等しい;

4. 創造的な音楽制作のプロセスにおける直接的な表現を通じて、自分自身の「私」を明らかにする可能性。

5. 特別音楽教育はまた、楽器や声を専門的に（名人として）習得することを前提としています。この場合、保存する必要があります健康子供と彼の まさに子供時代へ。

原則音楽言語と音楽ライティングをマスターする:

1. 個人およびグループ形式のクラスの開発。

2. 楽譜の学習プロセスの合理化。

3. 楽譜の改善。

創造的な形式の仕事の優位性。

5. 比較的安価な TSO 手段の開発と使用。

N.A. ベトルギナによる音楽教育のコンセプト。ナタリア・アレクセーエヴナ・ベトルギナ教授は音楽教育の概念を開発しました 6歳児彼女が作成した音楽カリキュラムのために (「Music at School」1985. No. 1. P. 6-10)。

目標学校の音楽の授業 - 若い世代の精神文化の一部としての音楽文化の形成。

タスク 6歳児の音楽レッスン～子どもたちの生活と音楽経験の蓄積と体系化～さらなる音楽レッスンへのサポート。

プログラムは以下に基づいています 主題原理（D.B. カバレフスキーによって提唱）、これは、6 歳児向けのプログラムの内容とその後の学年のプログラムの連続性を確立するための本当の基礎として機能し、幼稚園と幼稚園の準備グループのプログラムの統一を達成します。学校の準備クラス。

最初のクラスと準備クラスのカリキュラムを統合する共通点は、テーマの道徳的および美的方向性、発達への依存です。感知レッスンのすべての活動の基礎として音楽を使用します。違いは、6歳児は音楽経験を積んでいるだけだということです。彼らに与えられる音楽に関する情報は主に実践的な活動に関連したものです。

番組のトピックは一般的な形式でまとめられています。特別な概念や用語を習得するプロセスを強化すべきではありません。主なタスクは区別することです。作品による キャラクターそして 気分。

音楽のレッスンは週に1回35分間行われます。さまざまな方法で構築されています。通常、子供たちはレッスン中に 2 ～ 3 曲を聴き、歌を歌い、1 ～ 2 曲を学び、ダンスや音楽ゲームを行います。レッスンの初めに、音楽やリズミカルな小さな課題が与えられることがよくあります。それから子供たちは音楽を聴いたり、歌ったり、子供用の楽器を演奏したりします。 6歳児のレッスンには、ゲーム、ダンス、ラウンドダンスが含まれます。子どもたちは音楽の特徴を動きで表現することが必要です。

人の音楽への愛はどこから始まるのでしょうか？そして、すべての人がこの文化領域に参加することがなぜそれほど重要なのでしょうか? これらの質問に対する答えは、未就学児の音楽教育の理論と方法論に含まれています。

子どもたちは喜んで音楽を聴きます

芸術における音楽の位置

芸術と芸術表現の最も神秘的で謎に満ちた形式の 1 つである音楽は、常にすべての人の生活に不可欠な部分を占めてきました。

そして、その普遍性のおかげで、異なる文化、時代、世界観を持つ人々を結び付けました。親の仕事は、子供が自分の素晴らしい世界を発見できるよう手助けすることです。

どんな音楽があるの？おそらく、誰もがおそらく遭遇したことがあるこの種の芸術の最も一般的な特徴は、善と悪に分けられることです。しかし、これらの各カテゴリーにはどのような音楽が当てはまるのでしょうか? 結局のところ、人は自分の好みや好みを持っており、評価において非常に主観的であることを誰もが知っています。したがって、音楽現象をよりよく理解するには、別の、より科学的な資格に目を向ける必要があります。

音楽ジャンル表

幼児の音楽教育の理論と方法論では、音楽を次のように分類します。

クラシック - 時間と空間の外側に存在し、標準的な音楽芸術の例が含まれます。
民族音楽には特定の作者が存在しないことがほとんどで、その文化を代表する人々全体がその創造と世代から世代への伝達に参加しました。口承民芸品です。
ポピュラー音楽は最も広く流通しており、現在に関連しています。

このような分類は非常に厳密であるという事実にもかかわらず、音楽の種類間の境界は非常に恣意的なものであることに注意する必要があります。

そして、特定の誰かが作った作品が作者を失い、人気を博すこともよくあります。古典的に大量生産されると人気が高まり、一般の人々に愛されます。さまざまなスタイルの多くの曲が、そのジャンルの古典になります。

子供の音楽的発達の特徴

子どもの音楽発達と教育の理論にはどのような情報が含まれていますか? 子どもと音楽との積極的な交流の過程で、適切な育成と発達が起こります。

音楽文化 - 定義

それは次のような方向で実行されます。

感情の発達とは、音楽に積極的に反応し、その意味内容、つまりリスナーに伝わるメッセージに反応する能力です。
子どもたちの感覚と認識の発達は、作品内の個々の音だけでなく、その全体の構造を知覚するスキルを磨くことになります。音色、ダイナミクス、リズム、テンポによって音を区別する能力。
人間関係の分野では、一般的な関心分野、未就学児の音楽教育の必要性を特定します。
独立した行動の分野では、音楽作品を独立して実行し、音楽と積極的に対話する能力。

子どもの音楽に対する正しい認識と芸術的センスの発達には何が必要でしょうか?

子どもたちの音楽能力とその発達

子供の音楽能力は、才能の独立した要素として考えられることが多く、子供が効果的に音楽スキルを開発し、それに対応する活動を実行できるようになります。さらに、音楽性により、作品を適切に知覚および体験し、認識することができます。

音楽の授業でリズム感が養われます

また、音楽能力には 3 つの基本的な要素が含まれます。

モーダル感覚とは、個々の音のモーダル機能を認識する能力です。
メロディーの聴覚表現。
リズム感。移動しながら再生される音楽を体感できる。

音楽の発達と子供の教育の理論と方法論は重要な役割を果たします

音楽に感情的に反応する能力。
音楽の記憶。
音楽的思考。
音楽のメロディー、ハーモニー、音色の要素を区別する能力。

したがって、音楽的能力により、子供は特定の楽器を演奏するスキルを身につけるだけでなく、音楽作品を体験し、自分自身の音楽作品を作成することもできます。

音楽的能力 - 定義

子どもたちの音楽能力は何が決まり、その能力を伸ばすためには何をする必要があるのでしょうか?

まず、音楽性がどのように幼い頃から知られるのかを見てみましょう。このような資質を備えた子供には、

音楽的な感受性を示し、サウンド作品に感情的に反応します。
音楽を聴きながら集中しようとしたり、音楽を聴きながら特定の動作を実行したりする
音楽の必要性を感じている
特定の音楽の好みを持っています（これは、特定のジャンル、スタイル、アクションなど、および一般的な子供の好みに関連している可能性があります）

これらのスキルは、生後 3 年目までに最も多く気づくことを考えると、この時期は音楽の能力やスキルの発達にとって理想的な時期です。

音楽的才能の定義

どこから始めればよいでしょうか? 誕生から約 7 歳までの子供の音楽的発達の主な流れをたどってみましょう。

1歳くらいまでは、子供は耳でのみ音楽作品を知覚することを学びます。すでに生後6か月で、彼は積極的に音に反応し、その音源を特定しようとし、音量、イントネーションなどの特徴を認識します。彼は復活コンプレックスを経験し始めたり、逆に、音楽を聴くと落ち着き、時には眠ってしまうこともあります。

2年目に、子供はすでに音楽に非常に鮮やかに反応し、その気分や感情的な色を捉えています。彼は音楽に対する運動反応、つまりビートに合わせた動きなどを示し始めます。

早ければ1年から音楽を聴き始めることができます

3歳になると、子どもの一般的能力と特別な能力の両方を発達させ始めるのが最善です。これを行うには、音楽を聴くだけでなく、演奏することにも参加して、最も簡単なリズムとメロディーを覚えておく必要があります。

4歳の時点で、子供の記憶の中にすでにある程度の音楽のイメージがあることを確認する必要があります。さまざまな楽器を耳で区別し、音量や速度などのパラメータによってメロディーを比較できることが望ましいです。

5年生までに、子供はすでに音楽の性質とその感情的な色合いをよく理解しています。彼の細かい運動能力はすでに十分に発達しており、最も簡単な楽器を演奏できるほどです。そして声は擬音語や歌唱に必要な機動性を獲得します。

音楽の授業で能力開発

7 歳までに、子供はすでに音楽を独自に特徴づけ、その主要な特徴を示すことができるようになります。彼は、かなり発達した芸術的センスを用いて、作品を総合的に認識します。

音楽教育の目的

音楽的聴覚、感性、芸術的センスを刺激することで、音楽への興味とその必要性を育みます。
お子様の音楽の視野を広げ、さまざまな音楽スタイルやジャンルを紹介します。
初歩的な音楽の知識とアイデアの助けを借りて、子供の概念装置を豊かにします。
音楽作品に対する子供の感情認識スキルの開発。
創造的な音楽活動の展開（楽器の演奏、簡単な声楽の歌唱、ダンスなど）。

楽器の演奏を学ぶことは、子供の希望があった場合にのみ行われるべきです。

音楽教育の基本的な方法

視覚聴覚法 – 思考、感情、感情などを通じて総合的に分析する目的で音楽を聴くこと。
口頭による方法 - 学習過程において親、教師、その他の人によって提供される説明、指示。
芸術的かつ実践的 - 知覚だけでなく、歌ったり、踊ったり、楽器を演奏したりすることを通じて、音楽作品を積極的に反映することも含まれます。

音楽教育方法の別の分類では、その過程における関係者の活動に応じて分類されます。

直接影響法では、明確に定義されたサンプルの存在を前提とし、子供は大人から与えられたすべての指示に従ってサンプルを再現する必要があります。これは、曲を聴くこと、楽器で演奏すること、または曲の一部を歌うことなどです。
問題ベースの学習方法は、子供が創造的な能力とスキルを活用して、独自の解決策を見つけるよう刺激します。

音楽教育の方法 - リスト

音楽教育の方法の選択は、主に、年齢、知的発達の特徴、音楽活動の経験など、子供の個人的な心理的特性に依存します。

最良の結果を達成するには、音楽教育と未就学児の発達のさまざまな方法を組み合わせることが最善です。

子どもの発育に最大限貢献する音楽を選択するには、次のような特徴を考慮して音楽を選ぶことが重要です。それはすべきです：

人間的な考えに基づいて、子供の中にポジティブな感情だけを目覚めさせてください。
芸術的価値が高い。
感情豊かでありながら、楽しくてメロディックであること。
子どもの認識にアクセスしやすく、子どもが理解できるものであること。

子供の音楽教育の原則

就学前の子供の音楽教育の発達方法は、創造的な意味での子供の完全な発達には、次のことが必要であると主張しています。

いくつかの教育問題を同時に解決したいという願望を表現した統合的なアプローチ。
漸進主義。
繰り返し;
系統的;
子どもの発達の特性を考慮して。

子供の教育と発達のために使用される音楽活動の種類

音楽を聴くことはおそらく、人生の最初の日から彼が利用できる子供の発達の最も単純な形式です。さまざまなジャンルやスタイルの作品を聴くことで、お子さまの視野を大きく広げるとともに、真に質の高い演奏や音楽の響きなど、芸術的センスの基礎を養うことができます。子供は芸術について選択することに慣れ、自分に影響を与えるすべてのものを慎重に「フィルタリング」します。

コンサートで音楽の幅を広げる

もちろん、音楽を積極的に聴くスキル（耳で曲を認識するだけでなく、特定の方法で分析することも可能）は、子供たちにすぐに身につくわけではありません。

しかし、まさにこれこそが、作品の多様性をナビゲートし、個人の成長と成長のための強力なツールとして音楽を使用する彼の能力の基礎を形成するでしょう。

クリエイティブなパフォーマンス活動。子供がすでに音楽作品を能動的に知覚する経験と必要な量の知識を持っている場合、直接音楽の演奏に進むことができます。最も単純なリズミカルなパターンから始めて、時間が経つにつれて、彼はモデルに従って作品を演奏するだけでなく、質的に新しいものを作成し始めます。創造的なパフォーマンス活動には、歌（個人および合唱）やダンスも含まれます。

幼少期の音楽的能力が人間の一般的な能力の一つであることを考えると、子供の総合的な発達がなければ音楽性の発達は不可能です。だからこそ、子どもを知的活動に参加させることが、子どもの音楽的発達を引き起こす「引き金のメカニズム」となることが多いのです。さらに、そのようなアプローチは、子供の最も正確かつ全体的な発達を保証します。

子供の音楽教育における最も重要なステップの 1 つは、音楽に対する主観的な態度を育むことです。したがって、彼が積極的に反省し、作品に対して何らかの感情的な反応を示し、それに関する自分の見解を表現するように促すことが非常に重要です。