西ヨーロッパの中世美術。中世の絵画（簡単に）

15.04.2019

すべての女の子に捧げます
女の子、女性、そしておばあちゃん！

15 世紀の芸術家たちは、タペストリーを模倣して、キャンバスを植物の密なカーペットで覆い始めました。あなたの目の前には、捕らわれたユニコーンを描いたブルゴーニュのタペストリーが見えます。

さまざまな植物を描き、それらに象徴的な意味を与える伝統は古代に現れました。はい、葉ます アカンサス死の象徴と考えられていました。

タペストリーには、植物が驚くほど「植物的」に正確に描かれていますが、今のところは装飾としてのみ機能しているようです。

ユニコーン狩りのシーンの右下隅にあるのは、 オレンジの木。それはエキゾチックな植物であり、天国の象徴と考えられていました。

ヨーロッパ人は遠い国へ旅行することで新しい植物を知ることができました。 ナツメヤシ、例えば。

頻繁さまざまな種類植物は原稿の欄外を飾った。

についての伝説魔法の性質根 マンドレーク.

ヤシの木はこんな感じでした。

円錐 松の木（松）は生命の木の象徴でした。

いくつかの花は聖母マリアの象徴と考えられていました。

いくつかの植物は、さまざまな宗教にとって象徴的な意味を持っていました。この写真は、本枝の燭台の絵が描かれた古代ユダヤ人の本の葉を示しています。 オリーブの木、平和の象徴。 (スペイン、12世紀)

中世の写本の最初の手紙には、死が鏡の中の自分自身を賞賛しているのが見えます。 ツルニチニチソウ、若さと美しさの象徴。どうやら皮肉なのはこれだ。

古代神話はルネッサンス時代に人気がありました。コジモ・トゥーラの絵画（1465年）には、詩の守護者であるミューズ・カリオペが描かれています。彼女の手には枝があります さくらんぼ- ここでは豊饒の象徴 - 明らかに創造的です。

ラファエル・サンティ「騎士の夢」（1504年）。
隠された象徴性が文字通り寓意的なキャンバスを求めていたことは明らかです。この写真は「暗号化」されています難しい選択知恵と肉体の喜びの間。左側は知識の象徴である眠っている騎士に本を差し出す女神ミネルヴァ、右側は捧げ物をするヴィーナスです。 リンゴの木の花- 官能的な継承の象徴。

旧約聖書の物語には象徴的なものがたくさんあります。アルブレヒト・アルトドルファーの絵画「スザンナと長老たち」（1526年）では、ヒロインは手に物を抱えて法廷に出廷します（右側）。ユリ- 無邪気さの象徴。覚えていると思いますが、好色な長老たちが彼女の入浴を見た後、彼女に嫌がらせをし、敬虔な女性がそれを拒否すると、彼女を姦淫の濡れ衣で告発しました。賢明なダビデ王は正しい裁きを行い、放蕩者たちをきれいな水に導きました。スザンナが高い幹の前を歩いているのを見る モウズイカ、「王の笏」とも呼ばれ、力と正義の象徴です。

もう一つの美しい南フランドルのタペストリー「一角獣の殺害」。シンボルが追加されました。

左下隅に茂みが見えます ヘーゼル富と豊かさの象徴です。リスは勤勉の象徴です。

そしてもちろん、15〜16世紀の宗教画には秘密のシンボルがたくさんあります。特に北方ルネサンスの絵画に見られる、聖人たちの足元にある草の表紙は、まさに植物図鑑です。 btanicaの知識は当時の芸術家にとって必須のスキルだったようです。興味深いことに、ほとんどすべての植物には独自の意味がありました。

私はかつてヤン・ファン・エイク作のゲントの祭壇画について詳しくお話しました。ここには植物などのシンボルがたくさんあることを思い出してください。

たとえば、イブは知識の木の実を手に持っていますが、ここではそれはリンゴではなく、「アダムのリンゴ」、つまり食用ではありません。 イベリコユズ.

アップルとか レモン- 原罪の象徴。

マティアス・グリューネヴァルトによるこの素晴らしい絵画「Stuppach Madonna」(1517) では、白い花瓶の中にマリアのシンボルが描かれています。ユリ- 無邪気さと純粋さ、薔薇- 母の悲しみとキリストの傷、 マリーゴールド（またはマリーゴールド） - 「マリアの黄金」、貧しい人々や悲惨な人々に対する神の母からの慰めの贈り物。マリアが赤ちゃんにあげる クルミ～キリストの象徴（何の変哲もない貝殻～）人体、おいしいコア - 神聖なエッセンス）。

同じゲントの祭壇には、聖母マリアの花も見ることができます。薔薇- 悲しみ、ユリ- 純粋さ、 オダマキとスズラン-涙。

スズランロバート・カンピンの絵画の聖ベロニカの足元にも見ることができます。そしてもう一つ タンポポ: かわいい花 - 赤ちゃんキリスト、槍状の葉 - ロンギヌスの槍、キリストの受難。

ジャック・ダレ「禁断の園の聖母子と聖人」（1425年）。メアリーの足元には―― ヘレボルス、キリストと永遠の命の象徴。左側の角 - 虹彩、母性の悲しみと苦痛の象徴。

天使が聖母子をプレゼント ジャスミン。コジモロッシーニ (1440-1507)
ジャスミンは純粋さの象徴です。

フーゴ・ファン・デル・ゴエスの「クリスマス」は静物画の祖です。断片：

写真の前景には、すでに私たちに馴染みのある人々が見えます ユリ、アイリス（白は純粋さを象徴し、青は母の悲しみを象徴します）、 オダマキ。そしてまた クローブ- キリストの血と母の愛、そして スミレ- 謙虚さの象徴。小穂小麦- パン、主の肉。

レオナルド・ダ・ヴィンチの絵画「レダと白鳥」のベネチアの複製。古代では神話の陰謀花にはまったく異なる意味があります。 アネモネ- 風が強い、 オダマキ- 豊饒の象徴、 ツルニチニチソウレダの手の中 - 自然の力、情熱、若さ、 苛性キンポウゲ（「夜盲症」） - 不注意。 オークレダの頭上にはゼウスの象徴があり、通常はイタリア人の特徴ではないこのような細心の注意を払った装飾は、しばしば北部の画家によって「借用」されました。

メアリーが赤ちゃんを与える クローブ- 親の愛の象徴。（レオナルド・ダ・ヴィンチ「カーネーションのマドンナ」）。

ジェラルド・デイヴィッド「寄贈者、聖ヒエロニムスと聖レナードとの降誕」（1510-15）。

これは象徴的です タンポポ、あなたはすでにその意味を知っています:

ジェロラモ・ディ・ラブリ「聖母子と聖者」（1520年）。 月桂樹- 栄光、不滅。孔雀は永遠の命の象徴です（何らかの理由でその肉は不滅であると考えられていました）

マルティン・ショーンガウアー「薔薇の聖母」
実は、薔薇- キリストとマリアの苦しみと犠牲の象徴、「神の傷」。ここに描かれているのはバラではなく、木のようなものであることが興味深いです。牡丹。楽園のバラにはとげがないと信じられていたため、牡丹はこの役割に非常に適していました。

そしてこれらはショーンガウアーのスケッチ (1495 年) です。ペオン！

ステファン・ロクナー。またまたピンク色の藪。聖母の足元に スミレ、謙虚さの象徴。

ヨース・ファン・クレーベ（1513-15）。聖母子は果物を持って描かれることがよくありました。キリストが手に持っている オレンジ(極楽の木の実) または桃- 原罪の果物の象徴であるリンゴに対する反対。桃は三位一体の象徴です。 ザクロトレイの上には普遍教会のシンボルがあり、 グレープ- ワイン - キリストの血、ナッツ - あなたはすでに知っています、 チェリー- イエスの血、梨- 美徳の甘さ。

フィリッポ・リッピ（15世紀後半）。同じ ザクロ.

ジョヴァンニ・ベリーニ (1480)、ここにいます梨.

ヨース・ファン・クレーベ (1525)。明らかに手の中にある桃. レモン反抗的に横に横たわっています - これは煩悩の象徴です：外側は美しく、内側は信じられないほど酸っぱいです。キリストの象徴であるクルミとは明らかに対照的です。

カルロ・クリヴェッリ (1480)。赤ちゃんが手に持っている ゴシキヒワ、キリストの受難の象徴。左側には死と腐敗の象徴である目覚めた悪魔であるハエが座っています。時々 りんご救いの象徴として解釈され、 キュウリ- 純粋さと復活。

ルーカス・クラナハ。 グレープ- キリストの聖体の象徴、キリストの血。

マルティン・ショーンガウアー「聖家族」 グレープそしてカゴの中には、 ブラックベリー、聖母マリアの純粋さの象徴。

イーゼンハイムの祭壇画マティアス・グリューネヴァルト作、1510～1515年

扉の中の聖人たちは、絡み合った台座の上に立っています。 アイビー- 復活、永遠の命、献身の象徴。
今、私たちには聖人がいます。

エイドリアン・アイゼンブラント「風景のあるマグダラのマリア」。聖者の後ろに - スノードロップ、希望と浄化の象徴。

ルーカス・クラナハ。「聖ドロテア」聖人が処刑に導かれるとき、看守は嘲笑的に彼女に奇跡を起こすよう勧めた。バラ真冬の中に。バラのかごを持った少年がすぐに聖人に近づきました。現在では聖ドロテアのシンボルとなっています。

アントニオ・コレッジョ「聖カタリナ」。支店 ヤシの木- 殉教の象徴。

アルブレヒト・デューラー「マクシミリアン一世」。 ザクロ-あなたはすでに知っています。
いろいろな世俗的な人々行った。

ハンス・ズース・ファン・クルバッハ。女の子が花輪を編む 忘れな草- 愛する人への献身の象徴。これはテープの碑文によって確認されています。

「風景の中の若い騎士」（ウルビーノ公？）。ヴィットーレのカルパッチョ。どうやらこの肖像画は死後のものらしい。サギは空で水辺のタカに襲われ、すでにそれを食べてしまいます。犬は忠実、ユリは純粋さ、アイリスは悲しみ、オコジョは騎士が所属していた騎士団の象徴です。

女性の肖像画。かごの中には、これがおそらく花嫁であることを示す花があります：スミレ-謙虚、ジャスミン-純粋さ、カーネーション-愛。

アンドレア・ソラリオ「カーネーションを持つ男の肖像」。このような儀式的な「新郎」の肖像画は非常に人気がありました。彼らは主人公が恋をしていて結婚するつもりであることを示しました。あるいは、若い夫が愛のしるしとしてそのような肖像画を妻に贈りました。

他にもたくさん:

未知 1480年。

1490

ルーカス・クラナハ。ヨハン・クスピニアン医師と彼の婚約者（すでに妻？）アンナ・クスピニアンの肖像画。

ハンス・ホルバイン。ゲオルグ・ギースの肖像画。

ハンス・メムリンク

ダーク・ヤーコブス。ポンペウス・オッコの肖像 (1534)

ミヒャエル・ヴォルゲムース「ウルスラ・テュッヒャーの肖像」(1478)

ヤン・ファン・エイクのワークショップ

ピサネッロ、グィネヴィア・デステ伯爵夫人の肖像 (1447)
そしてこれは、作成された時点ではすでに亡くなっていた少女の肖像画です。彼女は21歳で亡くなり、夫はその死の責任を問われた（彼の2番目の妻も奇妙な死を遂げた）。写真には象徴的な花が描かれています。オダマキ - 涙、カーネーション - 愛（おそらく親の気持ち、絵を注文した人はわかりません）、蝶、そして松葉の小枝 - 愛する人の記憶の中の不滅。

ドメニコ・ジェルランダイオ「貴婦人の肖像」。どうやら彼女は花嫁だ、もうひとつの純潔の象徴はオレンジの花だ

アルブレヒト・デューラー、22歳の自画像。
この肖像画は若い妻を対象としており、彼女の手の中のヒイラギは夫婦の忠誠の象徴です。その写真がこの投稿を作成するきっかけになりました。

ノイズフ。ホーファー家の女性。忘れな草 - 忠誠心、献身。おそらく、女性の夫は亡くなっています。頭飾りのハエは、ここではそれが死、存在の弱さの象徴であることを示しているのかもしれません。

フィリッパ・キングスビー夫人。チェリー - 豊饒、豊かさ

貴婦人の肖像 (1576)。ここで、あなたの手のキンポウゲは富を意味し、サクラソウは結婚を意味します、どうやらあなたの叔母さん！

ミラベッロ・カヴァローリ「ヒヤシンスと桃を持つ少年」。ヒヤシンスは勇気、器用さ、遊び心の象徴でした。時々 - 知恵ですが、ここでは - ほとんどありません。そしてヒヤシンスは良い香りがします - 彼らは今日私にそれをくれました。

そして最後に、トビアス・スティーマーによるニコラウス・コペルニクスの肖像画。スズランは苦味と涙の象徴です。ご存知のとおり、科学者はこのようなものをたくさん持っていました。

そして、あなたが苦い思いをせずに、喜びだけで涙を流してほしいと思います。

大ローマ帝国の崩壊後、その東部であるビザンティウムは繁栄しましたが、西部は衰退していました。 5世紀以来。ローマは定期的に野蛮人による襲撃と略奪を受けていました。

敗北を知らなかった帝国はヴァンダル族によって打ち砕かれ、屈辱を与えられた。ひるむことのないアッティラ率いるフン族の侵略に抵抗するために、ローマ人は西ゴート族、フランク族、ブルゴーニュ族と同盟を結ぶ必要がありました。 451 年にアッティラは阻止されましたが、ローマ帝国はもはや荒廃と動乱から立ち直ることができませんでした。その西部は 476 年にその存在を終えました。

したがって、中世の歴史の始まりは、以前の文化の破壊とほぼ完全な破壊に関連しています。これはまさに、初期ヨーロッパ芸術の粗雑な原始主義を説明しているものです。しかし、古代の伝統が野蛮なマスターの仕事にまったく影響を与えなかったとは言えません。ローマの装飾品は、ローマの宗教的建造物の形式と同様に広く普及しました。これはまず第一に、征服者が敗北したローマ人からキリスト教の宗教を取り入れたという事実によるものです。

野蛮人はテーマを大幅に豊かにした芸術作品神話の考え方と独自の国家的モチーフを芸術に導入したローマの巨匠。彼らの部族は遠くモンゴルの出身で、ノイン・ウラ地区で行われた発掘調査（1924年から1925年）の結果、おそらく私たちの時代の初めにまで遡るフン族の貴族の埋葬地が発見されました。そこで発見された家庭用品や応用品の研究により、絵画的イメージの優れた例が明らかになりました。マウンドで発見された、幻想的な動物の間の戦いのシーンや馬や人の人物像が描かれた絨毯は、そのリアリズムと繊細な演出が印象的です。

有名な動物や四分の一のスタイルが生まれたのは草原の人々であり、それは数世紀にわたってヨーロッパの芸術において正当な位置を占めていました。

初期キリスト教の絵画

もちろん、この時代には絵画そのものは存在しませんでしたが、キリスト教の導入により、西ヨーロッパの精神生活の中心地となった修道院で生まれ発展した本の細密画について話すことができます。写本は修道院の作業場であるスクリプトリアで作成され、装飾されました。材料は羊皮紙、つまり子羊や子供のなめした皮でした。

一冊の本を作るプロセスは非常に長く、時には数十年、時には人間の一生を費やすこともありました。修道士たちは聖書やその他の宗教的な内容の本を熱心に書き写しました。赤い絵の具は書くために使用され、その名前 - ミニアム - 「ミニチュア」という言葉が由来しています。

クリスチャンにとって、この本は特別な価値があり、神の契約の象徴でした。これらの本は修道院に大切に保管されていたため、ほとんどがそのままの形で私たちに届けられています。写本は豊かに装飾されており、鳥や動物のイメージを伴う線を連続的に織り交ぜた抽象的な動物のパターンが広く使用されていました。

野蛮な部族は絶えず彼らの間で征服戦争を繰り広げ、その結果古い王国は崩壊し、新しい王国が創設されました。約5世紀（5世紀から10世紀半ばまで）にわたって存在した大規模なフランク王国は、衝撃に対して最も耐性があることが判明しました。

この時代の芸術は、V ～ VIII 世紀のメロヴィング朝時代に分けることができます。（伝説的な指導者メロヴェイを祖先とみなしたいわゆるフランク王）と8世紀から9世紀のカロリング朝時代。 (カール大帝にちなんで命名)

メロヴィング朝時代の絵画

メロヴィング朝時代には、私たちに伝わる初期キリスト教絵画の壮大な記念碑に代表される、アングロ・アイルランドの本の細密画が普及しました。当時、ヨーロッパで最も文化的に発展した地域の一つであったアイルランドの修道院では、素晴らしい装飾品で飾られた福音書が作成されました。アイルランドの芸術家はペンを使って、人々や動物の驚くほどダイナミックな絵を書きました。

文字の輪郭には細心の注意が払われ、あらゆる種類のカールで豊かに装飾されており、その線自体が装飾品のように見えました。装飾された大文字 (イニシャル) がページ全体を占めることもありました。

V ～ VIII 世紀のミニチュアを描く技法。カロリング朝の巨匠の作品に内在する完璧さにはまだ達していません。遠近感とボリュームの欠如、イメージの様式化と原始主義は、メロヴィング朝の絵画の特徴です。

カロリング朝時代の絵画

8世紀末から9世紀初頭。これはフランク王国の全盛期であり、統治者カール大帝の活動に関連しています。彼の力は領土を統一した現代のフランス、ドイツ南部および西部、イタリア北部および中部、スペイン北部、オランダ、ベルギー。

いる傑出した個性, チャールズは支配下の土地における教育の普及に貢献した。彼は、息子たちが貴族の子供たちとともに修辞学、詩、天文学、その他の科学の基礎を習得する学校を設立しました。カール自身はギリシャ語とラテン語を完璧に知っていましたが、若い頃に教育を受けていなかったので、成人してから読み書きをマスターしようとしましたが、うまくいきませんでした。

カールは自国から第二のローマを築こうと努力し、自分に属する土地を神聖ローマ帝国として宣言し、古代後期の芸術を人々に紹介することに貢献しました。そのため、彼の時代はしばしば「カロリング朝ルネサンス」と呼ばれます。」

カール大帝のもとでは、寺院の絵画は特に重要視され、一般の人々を教会に引き寄せるのは好奇心によることが多かったため、寺院の絵画は文盲の人にとって一種の聖書でした。国王の法令には、「文盲の人が本から学べないものを壁に読むことができるように、教会で絵を描くことは許可されている」と書かれている。

カロリング朝時代に開発された本のミニチュア。テキストはビザンチンおよびアングロ・アイリッシュのモデルに従って図示されています。技術の異なるいくつかの流派が出現しており、組成溶液そしてテーマ。しかし、どの学校にも例外なく固有の共通の特徴があります。これは、構図の構築における明確さと明確さ、写実的なイメージ、そして絵のような背景としての建築装飾の使用に対する欲求です。

エイダ派（別名、エイダ修道院派、エイダ写本派、ゴデスカルク派、カール大帝派）のミニチュアに描かれた主な対象は伝道者たちであった。特徴この学校の芸術家によって作成された作品 - 装飾の存在、金メッキ、紙の紫色の着色。ほとんどどこでも、背景は古代の建物です。マルコ、マシュー、ヨハネ、ルカのシンボルであるライオン、天使、子牛、鷲が伝道者の頭上にあります。描かれているものの信憑性を確信させるには、形のボリュームと光と影の巧みな使用が必要です。

この学校のマスターによって作成された本の顧客は、王室のメンバーであることが多かった（いくつかの情報源によると、修道院長エイダはカール大帝の妹であった）。

イエス・キリストの生涯からのエピソード。詩篇 15 篇へ。ユトレヒト詩篇。 9世紀

ランス派のミニチュアは、茶色のインクを使用してグラフィカルに作られています。不安定で振動しているように見える輪郭が、人物たちを驚くほど生き生きとダイナミックにしています。最も優れた記念碑美術この方向とカロリング朝の細密画全般 - ユトレヒト詩篇（ユトレヒトの大学図書館にある保管場所にちなんで名付けられました）。ごちそう、狩猟、戦闘、日常の話、風景だけでなく。ミニチュアの作者は、細部に至るまで重要視します。小さな家の窓には引かれたカーテンが見え、お寺ではわずかに開いたドアが見えます。

トゥール学校のミニチュアでは、君主の様式化されたイメージを見ることができます。これらの作品は人物の比率が不均衡であることが特徴であり、王は常に他の登場人物よりも著しく背が高い。

聖書の挿絵はトゥールの巨匠たちの直接の専門分野であり、アルクイン聖書、禿頭シャルルの聖書、ロタールの福音書の細密画を制作しました。

カロリング朝の文化は約 2 世紀続きましたが、短期多くの素晴らしい芸術作品が生み出され、現代の私たちは中世の芸術家の技術を賞賛します。

敵の壊滅的な侵略の結果、カール大帝帝国は滅び、それとともにカロリング朝文化の多くの美しい記念碑も失われました。

開発の次の段階西ヨーロッパの芸術新しい千年紀、つまり11世紀に始まります。

通常、「中世」というフレーズが発声されると、暗いゴシック様式の城が目の前に現れ、すべてが暗く、無視され、退屈です...これは何らかの理由で人々の心の中に形成された固定観念です。この時期の絵画はその逆を証明しています。鈍いだけではなく、非常にカラフルでもあります。

中世の芸術: 特徴と傾向

中世は、5 世紀から 17 世紀までの期間を表します。この用語自体はイタリアで生まれました。この時代は文化の衰退であると信じられており、中世は常に古代と比較されていましたが、その比較は前者に有利ではありませんでした。

中世の芸術にはいくつかの特徴があり、それらはすべて当時の社会に広まっていた基盤や伝統と密接に関連しています。このように、教会と宗教の教義は強固でした。それが、当時の文化において宗教がありふれたものになった理由です。さらに、その特徴は禁欲主義、古代の伝統の拒否であると同時に、古代へのこだわり、社会への関心でした。内なる世界人間とその精神性。

この時代は通常、次のようないくつかの時代に分けられます。中世初期（11世紀以前）、発展（15世紀以前）、そしてそれ以降（17世紀以前）。これらの間隔のそれぞれにも、やはり独自の傾向があります。例として - 中世初期古代の伝統を完全に拒否することで特徴づけられ、彫刻は忘却の中に沈み、繁栄しました木造建築そしていわゆるアニマルスタイル。原則として人物は描かれず、その芸術は「野蛮」なものでした。色には特に注意が払われました。

反対に、発展した中世は応用芸術に集中し、カーペット、鋳物、本のミニチュアが流行しました。

の時代に中世後期ロマネスク様式とゴシック様式が優勢になり始め、特にこの時代の主要な芸術形式である建築に普及しました。

一般に、中世の芸術については次のような時代区分が一般的に受け入れられています：ケルト、初期キリスト教、民族大移動時代の芸術、ビザンチン、ロマネスク以前、ロマネスク芸術そしてゴシック。次に、中世絵画のジャンル、スタイル、技法、主題について詳しく説明します。有名な巨匠を思い出してみましょう。

中世の絵画

で異なる期間中世には、彫刻、建築など、さまざまな種類の芸術が登場しました。絵画が傍観者に留まったとは言えません。時間の経過と社会の変化の影響を受けて、絵画もより現実的になり、芸術家は創造性のための新しい技術、テーマ、視点を出現させました。したがって、たとえば、宗教的なテーマをキャンバスに描く傾向は、どの時代の中世の絵画でも人気があったにもかかわらず（ただし、13世紀以降、その頻度ははるかに減り始めました）、教育の増加とともに、宗教的なテーマはより多くのことを行うようになりました。一般いわゆる世俗的な絵画 - 日常の内容、反映シンプルな生活一般人（もちろん貴族も含む）。このようにして、当時らしからぬ写実的な絵画が誕生しました。中世初期。絵画は精神的な世界ではなく、物質的な世界を描き始めました。

本のミニチュアが普及しました - このようにして、彼らは本を改良して装飾し、人々にとってより魅力的なものにしようとしました。潜在的な買い手。教会の外壁と内壁を飾るモザイクだけでなく、壁画も登場しました。これについては、同様の建造物を多数建設したフランシスコ会に感謝する必要があります。これらすべては 13 世紀以降に起こりました。以前は、絵画がこれほど細心の注意を払われていませんでしたが、むしろ絵画が注目されていました。端役、重要なこととは考えられていませんでした。絵は描かれたものではなく、「描かれた」ものであり、この言葉は絵に対する態度を完全に反映しています。この種その時代の芸術。

中世の絵画の全盛期により、芸術的なキャンバスに絵を描くのは、この工芸を本当に知り、愛する人だけであるという理解が広まりました。絵画はもはや「描かれた」ものではなくなり、彼らの創作物は誰もがアクセスできる娯楽として扱われなくなりました。原則として、それぞれの絵画には独自の顧客があり、これらの注文は特定の目的のためにのみ行われました - キャンバスは貴族の家や教会などのために購入されました。中世の多くの芸術家が自分の作品に署名していないのが特徴です。これは彼らにとって一般的な工芸であり、パン屋のためのパンの製造と同じでした。しかし、当時の画家たちは、キャンバスを見る人に感情的な影響を与えるという暗黙のルールを守ろうとしました。より大きな効果を与えるために、実際の寸法を無視します。絵の中の同じ主人公で異なる時代を描いています。

図像学

イコン絵画は当時の主要な芸術形式でした。中世初期。これらの絵画、あるいはむしろアイコンは、言葉なしで教える一種の説教と考えられていました。これは、誰もがアクセスできる神とのつながりでした。なぜなら、当時の多くの人々は文盲であり、祈りのテキストや一般的な教会の本を読むことができなかったからです。アイコンは紙では伝えられないものを一般の人々に伝えました。イコンの絵の特徴は胴体の変形であり、これは観客により感情的な印象を与えるために行われました。

ビザンチン美術

中世の文化について語るとき、絵画について少なくともいくつかの言葉を語らずにはいられません。真ん中のビザンチウムで世紀。ここは彼らがヘレニズム芸術の古き良き伝統に忠実であった唯一の場所でした。ビザンチン文化は、東洋から伝わったエンターテイメントとスピリチュアリズム（「肉体を超えた精神」）を調和して組み合わせることに成功しました。ビザンチウムの影響下で、その後、他の多くの国、特にロシアの文化が形成されました。

中世のビザンチウムの絵画における主要なアイデアは、世界を鏡として見るというアイデアでした。古代人の考えによれば、この「鏡」は反射するものとされていました。精神的な世界助けのある人特殊文字- これらのシンボルは絵画でした。光と色に細心の注意が払われました。キャンバスでは、原則として、フルハイト人間の姿が描かれていました - 中央にはイエス・キリストまたは神の母、さまざまな聖人、その後ろと隣に - 残りの周囲の人々。否定的なキャラクター（ユダなど）を表示する必要がある場合は、プロフィールに書かれていました。絵の中の人物の描写の特徴は、その大ざっぱさと意味深さでした。「太った」ように見えましたが、同時に平らになってしまいました。ビザンチンの芸術家の絵画にも遠近法は見られません。

しかし、ビザンチン人は中世絵画の規則の 1 つに非常に注意深く従った - より明確にするために、彼らのキャンバスに存在するすべての人物は描かれていない。実際のサイズそしてプロポーションに違反しており、時には非常に大きな頭と巨大な目を持ち、時には細長い首と細長い胴体を持ち、時には手足が欠けているなどです。

特徴的なのは、芸術家が人生から描いたものではないということです。ビザンチン絵画の一般的な主題の中で、苦しみの象徴である十字架に磔にされた人物、母親の象徴である腕を広げた女性の人物、神聖さの象徴である後光を持つ人物、翼を持つ天使の姿 - 純粋さと無邪気さの象徴。

スタイル西ヨーロッパの中世初期の主な絵画様式はロマネスク様式であると考えられています。少し遅れて登場ゴシック様式中世初期。しかし、両方が登場する前にも、絵画はまだ存在していました。前述したように、これはいわゆる野蛮な芸術であり、古代の文化とはほとんど共通点がありませんでした。人々は自然を恐れ、神格化し、それが絵画に反映されました。人間だけでなく自然のイメージも芸術に反映されています。

フレミングス

15 世紀はフランドル地方に栄光をもたらしました。新しいユニークな技法が登場したのはこの地域であり、すべての芸術に大きな影響を与え、一時は人気を博しました。私たちは油絵の具の発明について話しています。染料の混合物に植物油を加えたおかげで、色の彩度がより高まり、絵の具自体は画家が以前に使用していたテンペラよりもはるかに速く乾燥しました。何層にも重ねて適用しようとしたマスターたちは、自分たちに開かれた可能性と展望を確信しました - 色はまったく新しい方法で再生され、この方法で得られた効果は以前のすべての成果を完全に覆い隠しました。

油絵の具の発明者が誰なのかは正確にはわかっていません。多くの場合、それらの出現の原因はおそらく次のとおりです。自分自身有名なマスターにフランダース語学校 - ヤン・ファン・エイク。しかし、彼以前から、実際にはフランドル絵画の創始者と考えられているロベール・カンピンは非常に人気がありました。それにもかかわらず、それはファン・エイクのおかげでした油絵の具ヨーロッパ全土に広く普及しました。

著名なアーティスト

中世の絵画は世界に多くの素晴らしい名前を与えました。すでに上で述べたように、ヤン・ファン・エイクは優れた肖像画家であり、その作品は光と影の興味深い遊びにおいて他の作品とは異なります。彼の絵の特徴は、細部まで丁寧に描かれている点です。もう一人のフランドル人、ロジャー・ファン・デル・ウェイデンは、細部にはそれほど気を配っていませんでしたが、非常に明確な輪郭を描き、カラフルで明るい色合いに焦点を当てました。

イタリアの巨匠の中では、上記に挙げた人物に加えて、写実主義の創始者であるドゥッチョとチマブエ、そしてジョヴァンニ・ベッリーニも注目に値します。スペイン人のエル・グレコとオランダ人も芸術に大きな足跡を残したヒエロニムス・ボッシュ、ドイツのアルブレヒト・デューラーなど。

「ミニチュア」という言葉は、minium に由来しています。これは、中世のテキストで大文字を書くために使用されていた minium のラテン名です。
絵画のモデル」最後の晩餐「レオナルド・ダ・ヴィンチは普通の大酒飲みになった。
新しい世紀ごとに、静物画に登場する食べ物の量は増加しました。
ティツィアーノの絵画「地上の愛と天上の愛」は、そのような名前が与えられるまでにそれらを4回変更しました。
芸術家ジュゼッペ・アルチンボルドは、野菜、果物、花などをキャンバスに描きました。彼の作品はほとんど私たちに届いていません。

中世の絵画は、この時代の文化全体と同様、何世紀にもわたって研究できるユニークな層です。さらに、これはまさに遺産の傑作であり、後世に保存することが私たちの直接の責任です。

西ローマ帝国の滅亡（5世紀）からルネサンス初頭（15世紀）までの西ヨーロッパの文化と芸術の発展期は、イタリアの人文主義作家によって初めて「中世」と呼ばれました。彼らは、古代や当時の文化とは対照的に、この時代は野蛮で野蛮であると考えました。その後、科学者たちはこの否定的な評価を修正しました。芸術的記念碑、文書、文学作品の詳細な研究により、中世芸術は世界文化の発展において重要かつ重要な段階であるという結論に至りました。

中世の西ヨーロッパ美術の歴史では、3つの時代を区別するのが通例です - 芸術中世初期(V ～ IX 世紀)、ロマネスク芸術とゴシック様式。最後の 2 つの名前は条件付きです。 19世紀のロマネスク（ラテン語の「ローマ」-「ローマ」から）考古学者。彼らはローマ建築との類似点を発見した10世紀から12世紀の建物に名前を付け、その後その時代の芸術全体を総称するようになりました。すべての中世芸術はもともとゴシックと呼ばれていました。イタリアの人文主義者たちは、5世紀初頭に彼をゴート族の産物であると考えました。ローマを略奪した。「ロマネスク芸術」という用語が登場すると、ゴシックは 12 世紀半ばから 15 世紀にかけての建築、彫刻、絵画の作品として理解されるようになり、その顕著な独創性においてそれまでの芸術とは異なっていました。

メスのオドさん。アーヘンの宮殿礼拝堂の内部。わかりました。 798-805。

中世初期の時代 - 形成の時期新しい文化、異星人の部族によってヨーロッパの領土に作成されました。ローマ人は彼らを野蛮人と呼びました。かつて強大なローマを破った野蛮な人々は、征服した帝国の領土に独自の王国を形成しました。ヨーロッパの新しい支配者たちは、ローマ人ほど巧みに石造りの建物を建てる方法を知らなかったし、芸術の中で人物を描くことは非常にまれで、非常に慣例的でした。彼らにはるかに近かったのは、幻想的な動物の世界と、金属、木、骨、衣料品、武器、儀式用具などを装飾する複雑な模様の装飾品でした。

当初、征服者たちは征服した土地に住む建設業者や芸術家を惹きつけましたが、高度な建設技術は徐々に失われ、装飾品が人間を描く古代の伝統に永遠に取って代わられる恐れがありました。

ヨーロッパで封建関係が発展し、中央権力が強化されるにつれて、古代ローマの権力と偉大さの思想は、ローマのカエサルの栄光を夢見る新しい国家の支配者たちを魅了しました。巨大な権力の創設者であるフランク王カール大帝は、自らの権力を偉大さと輝かしさで包み込もうとし、ローマで戴冠し、宮廷でローマ文化の伝統を復活させようとしました。アーヘンのチャールズ邸には宮殿が建てられ、その隣に宮殿教会、礼拝堂が建てられました。良く保存されています。このモデルはラヴェンナのサンヴィターレ教会で、礼拝堂に設置されている大理石の柱はそこから持ち込まれました。しかし一般的に、フランク人の建築家の作品はビザンチンの寺院よりも重く、より巨大です。

カロリング朝時代（いわゆるフランク王朝、その最も著名な代表者はカール大帝）の石造り建築の中で宗教的建造物が優勢でした。それはその特別な役割によるものでした。

人生でどれをプレイしましたか？中世社会教会。最大の封建的所有者である彼女は、自らの教えによって既存の制度を正当化し、芸術作品の主要な顧客として、自分の利益に合わせて芸術の発展を尊大に指示しました。彼女の影響下で、神聖な主題を描くための厳格な規則が現れ始め、すべての芸術家に義務付けられました。

パレーユ・ル・モニアルの教会。わかりました。 1100年。フランス。

カロリング朝の教会や宮殿は絵画やモザイクで装飾され、寺院にも彫刻が見られました。しかし、多くの記念碑は消滅しており、カロリング朝の芸術家の作品は、私たちに伝わった象牙の彫刻板、宝飾品、手書きの本の貴重な額縁、そして主にこれらの本の挿絵、つまりミニチュアからのみ判断できます。中世初期には本は稀でした。それらは、皇帝、大領主、司教、修道院の修道院長の命令により、特別な工房であるスクリプトリアで作成されました。カロリング朝時代、写本は王宮と大規模な教会センターに存在しました。先代の 8 世紀から 9 世紀の芸術家とは異なります。彼はローマとビザンチンの巨匠の作品を注意深く研究し、彼らから多くのことを学びました。本の主なデザイン要素は、物語を描いたミニチュアでした。キャラクター% 風景、建築背景 (ミニチュアを参照)。

ロマネスク時代、建築は芸術の創造性において主導的な役割を果たしました。 11世紀までに。ヨーロッパ全土で大規模な石造りの建設が行われました。石造りの建物を建設するとき、中世の建築家は、特に天井を建設するときに多くの技術的困難に直面しました。木製の梁や天井はしばしば燃えましたが、石造りの建造物（アーチ、ドーム、丸天井）は半円形の輪郭を持ち、弓のように、建物の壁を側面に押し広げます。これを避けるために、ロマネスク様式の建築家は非常に厚い壁と巨大な柱や支柱を作りました。

X-XII世紀の断片化した戦争のヨーロッパ。建築物の主な種類は、騎士の城、修道院群、寺院でした。内戦や戦争の時代、石造りの建物は攻撃から身を守る役割を果たしました。したがって、ロマネスク様式の建物は要塞に非常に似ており、巨大な壁、狭い窓、高い塔があります。

使徒たちの姿。聖ペテロ教会のファサードの彫刻装飾の断片。アルルのトロフィーム。わかりました。 1180～1200年。フランス。

ロマネスク芸術は、教会の建物の建築、絵画や彫刻の装飾に最もはっきりと現れました。ロマネスク様式の教会は、厳格で勇敢な美しさを特徴とし、その印象的さと荘厳な力によって際立っています。西ヨーロッパでは、教会の中央部分が細長くなっていました。内部では、この部屋は支柱、柱の列、またはより多くの場合、アーケードによって狭い縦方向のホール、身廊に分割されていました。入口があった西側には塔が建てられ、あるいはその頂に塔が建てられていました。東側には神殿の聖域、つまり祭壇がありました。それは特別なニッチ、つまり後陣によって特徴づけられました。教会の祭壇部分の前には横長の身廊がありました。明るく照らされた祭壇の入り口からの距離、つまり夕暮れの身廊を通って続く道は、人間を神から隔てると当時信じられていた距離を強調していた。

ロマネスク様式の教会の内部はフレスコ画で描かれ、外部は聖書をテーマにした色鮮やかなレリーフで飾られていました。柱の頂部である首都は、プロットの彫刻イメージで装飾されていました。ロマネスク時代の芸術家たちは、装飾に対する好みを失うことはありませんでしたが、人間とその行動のイメージにはるかに惹かれました。当時の巨匠たちは、過去の遺産に頻繁に目を向けるようになり、ビザンチンの芸術家の作品を知っており、注意深く観察していました。彼らは、表情豊かなポーズや特徴的なジェスチャーに気づいて伝え、出来事についての楽しいストーリーを伝える方法を知っていました。この物語をより表現力豊かにするために、ロマネスクの巨匠たちは、人体の比率を破ったり、個々の細部を拡大したり、動きを誇張したりすることがよくありました。

多くの場合、画家や彫刻家は想像力を自由に働かせ、寺院の壁や写本のページに空想上の生き物、曲芸師、鳥や動物の像、一般的な信仰から借用したイメージを「埋め込み」ました。

ロマネスク時代から現存する世俗美術作品はほとんどありません。したがって、特に興味深いのは、フランスのバイユー大聖堂 (11 世紀) を飾った大きな刺繍の絨毯です。そこに描かれている場面は、ノルマン人によるイングランドの征服の物語を語っています。

12世紀まで。主要カルチャーセンター最も教育を受けた人々が集まる修道院があり、建設問題が議論され、本がコピーされました。 12世紀に優位性は新しい経済と文化の中心地である都市に移り始めました。中世の科学がここで生まれ、工芸品が栄え、芸術的創造性。都市は独立を求めて封建領主と戦った。町民の間には自由な発想と封建制度に対する批判的な姿勢が生まれました。この時代、騎士道の詩が栄え、都市階級の文学が形を整えました。十字軍はヨーロッパ人の地理的概念を変え、周囲の世界についての知識を広げました。大きくてダイナミックに見えました。

ランスのノートルダム大聖堂の内部。 13 世紀フランス。

この頃、王権が統一を目指して戦っていたフランスではゴシック芸術が生まれ始め、イギリス、ドイツ、スペイン、チェコなどヨーロッパ諸国に広がりました。

ゴシック時代においても建築は主要な芸術形式であり続けました。彼女は、自分の周りの世界についての新しいアイデアを最も鮮やかに具体化しました。他の種類の芸術、主に彫刻が独立した重要性を獲得し始めました。ゴシック様式の最高の創造物は、雄大な都市大聖堂です。ゴシック芸術の発祥の地であるフランスでは、都市の広場の 1 つに大聖堂が建てられました。壮大な建物の建設に携わった建設業者は、石工、大工、彫刻家、ステンドグラスの窓用の色ガラスを作るガラス吹き職人を含む特別な組織であるロッジに団結しました。建設は経験豊富で熟練した建築家である首席マスターが指揮しました。ゴシック様式の大聖堂の建築家は、大胆な実験家でした。彼らは、建物のフレームをボールトのサポートや追加の支持柱であるバットレスから区別できるようにする複雑なデザインを開発することができました。特別な接続アーチであるフライングバットレスは、側部のアーチよりも高い中央身廊のアーチの圧力を壁に沿って配置されたバットレスに伝達しました。さて、ボールトを支えていたのは壁ではなく、この構造全体だったので、ゴシック様式の巨匠たちは大胆に壁に窓を切り込み、支柱の間に軽くて高いアーケードを作りました。ゴシック様式は、上向きの尖ったアーチが特徴です。彼らはゴシック建築の軽さと上向きの願望を強調しました。フランスでは、職人たちは彫刻で豊かに装飾された西側のファサードのデザインに特別な注意を払いました。横身廊の側面にあるポータルにも彫刻像が配置されました。大聖堂の内部では、細い半柱に囲まれた細い柱が尖ったアーチまで急速に立ち上がり、アーケードが身廊の壮大な遠近感を作り出していました。

祭壇、側廊、中央身廊の上段には、多数の窓が色とりどりのステンドグラスで輝いていました。天候や時間帯、年によって、色ガラスを通した光が寺院内をさまざまに彩り、神秘的にも、あるいは歓喜に満ちたお祭りのようにも感じられます。

ロマネスクと比較すると、ゴシック彫刻は丸い彫像に似ています。柱や壁に寄りかかった人物像ですが、よりボリューム感が増し、より大胆に空間に突き出ています。実空間。映像のテーマも多様化しています。教会の主題に加えて、古代の哲学者、王の人物、さまざまな国の代表者の真実の姿、そして啓発的な寓話のイラストが登場しました。聖人のイメージは同時代の人々のイメージに似るようになり、世俗的な人物の肖像画を作成する最初の試みが現れました。以前は、そのような像は高貴な封建領主や教会の著名な代表者の墓石でのみ発見されていました。中世の巨匠は生涯をかけて仕事をしたわけではなく、理想的で代表的な肖像画のイメージを作成しました。ゴシック時代には、芸術家たちはすでにモデルに現実的な特徴を与えようとしていました。彫刻家たちは、1250年頃にドイツの都市ナウムブルクで寺院の建設に資金を寄付した封建領主の像12体を制作したが、描かれた人物たちはずっと前に亡くなっており、見ることができなかった。それにもかかわらず、マスターは彼らに個々の特徴、表情豊かな顔、特徴的なジェスチャーを与えました。

ゴシック時代の寺院とともに、市庁舎などの世俗的な建物の建設にも多くの注意が払われました。商店街、病院や倉庫など。城の広間は豪華に再建されました。都市では、大聖堂と市場という2つの広場が徐々に現れました。都市は入口の門のある高い城壁で守られていました。市庁舎は市治安判事の建物であり、市政府の象徴でした。都市が繁栄していた国では、市庁舎の壮大さが大聖堂に匹敵することもありました。

数十点の顔写本とは別に、10世紀までの中世絵画の生涯について。私たちは主に文学的証拠から知っています。しかし、後者を、絵画の本に保存されていたもの、後の時代に壁画の芸術で「生き残った」もの、最終的に彫刻装飾の関連分野に現れた色ガラスと組み合わせることで、私たちはある種のアイデアを形成することができます。この時代における西洋の探求。

すでに5世紀からのものであることは間違いありません。西洋の教会は壁の広い範囲に何らかの絵画で覆われ、少し後にはその窓が色ガラスのモザイクで装飾され始めました。さらに、西洋の法典によれば、当時の執筆ワークショップ（主に修道院）で、古典古代には知られていなかった、文字と絵画の統合を念頭に置いた新しい作業が本に基づいて行われたと確信しています。それ自体が「絵のように」なり、そこでは「絵」が定義フレームとしてイニシャルに従属し、テキストとそれに密接に関連するイニシャルの装飾的な装飾を作成することに創造的な努力が注がれます。

しかし、ドイツのオットー朝時代（10世紀）から、本のミニチュアの小さな芸術だけでなく、記念碑的な絵画の偉大な芸術も含め、より印象的な記念碑が保存されています。フレスコ画は 1888 年に聖ペテロ教会で除幕されました。ライヒェナウ島のオーバーツェルにあるジョージは、同じ修道院の写本のミニチュアとの完全な類似性を示し、強力な囲炉裏の多面的な芸術作品について語っています。彼だけではありませんでした。しかし、同時代の他の有名なドイツの学校（トリーア・エヒタナハ、ケルン）の穏やかでやや動きのない芸術は、創造的なコンセプトの特徴的な強さ、構成の独創的な調和、描画の堅固さと美しさを備えたライヒェナウの驚くべき開花によって影を落としています。カラフルな組み合わせ。 9世紀以降の「オーシャンアイランド」芸術の影響を受け、オットネスの下で復活したイタリアとビザンチウムとのつながり。ライン川とドナウ川の一部はイルス人とアングロサクソン人の移動ルートとなりました。これらすべてが 10 世紀のドイツにおける絵画の隆盛を説明しています。それは長くは続かなかった。そしてX世紀の場合。フランスはそれに相当するものに反対することはできませんが、次の世紀の記念碑（主にサン・ソーヴァン教会のフレスコ画）によって明らかにされた取り組みは、その歴史の中で長く実り豊かな時代を開きます。現在では、17 ～ 19 世紀に使用されていた石灰の灰色のカバーが取り外されています。埋もれた古代絵画は、フランスの最も多様性に富んだ地域にあるロマネスク様式のフレスコ画の美しさを明らかにします。さまざまな美術学校の作品が、どこにでも基本的な統一性を持ち込んでいます。

この時代の本の挿絵がページの表面や本文の分割に適応し、主に装飾的な問題を提起し、解決したのと同じように、その絵画はロマネスク様式の神殿の建築分割に適応しました。彼女は、建築的なラインの調和をかき消すことなく、それと調和して、装飾的なフレーム、デザイン、構成のスタイルでそれを強調し、豊かにしています。幅広くシンプルで、不必要な細部を一切排除し、シーンを最小限のアクションに抑えています。遠近感の奥行きも、光も影も知らず、いわば二次元の永遠の中で生きているギリシャ劇のようなものです。そして、魅惑された鑑賞者は思わず自問します。記念碑の装飾の法則をよりよく理解した時代を見つけることは可能でしょうか?

ロマネスク様式の画家は、「秩序の王国を混沌の目で見ている」世界に住んでいますが、シリアやビザンチンの東部の教師の近くまたは遠い生徒であり、彼らの生徒であるパーダーボルンの修道士テオフィラスの生徒です。、彼よりも、古代の伝統からは程遠い。テオフィルスの指示に従い、彼は自分のカラフルな範囲、「肉の絵の具」のレシピ、「絶対的な光」と「絶対的な影」の法則に忠実です。彼は引き下がらないビザンチンタイプベタつく服。一般に、東洋の図像的なスキームとタイプを繰り返します。

そして、しかし、ドイツやフランスの暖炉の最高の作品だけでなく、多くの場合、地元の中等学校でも、模倣を通じて独自の探求が進み、コンセプトの素朴な新鮮さ、創造的な独創性の中で、自分自身を明らかにします。画家は「彼女自身が彼女の美しさを読み取った」という自身の観察によって、人生の動きと親密な詳細を確立したと述べています。

壁、金庫室、地下室、さらには柱さえも覆ったロマネスク様式の絵画には、彫像も描かれていました。ロマネスク様式の彫刻時には、かつて活気を与えた色の痕跡がまだ残っていることもあります。この芸術的嗜好は、徐々に宗教的なテンプレートとなり、ゴシック都市の中世を経て、現代では手工芸品へと伝わり、今日に至るまでカトリックの店には彩色された人形が並んでいます。しかし、ルネッサンスからクリンガー時代までの芸術的な彫像は無色のままです。

ロマネスク様式のフレスコ画では、中世は記念碑的な絵画の芸術においてその力を最大限に発揮した最高のものを生み出しました。ゴシック建築ではそれは徐々に消えていきます。その中の2つの要因が彼女の人生にとって不利です。第一に、壁の平面を最小限に抑えることです。壁の平面も柱、コラムネット、装飾的なフリーズによって分割されています。第二に、色眼鏡の効果です。寺院を満たす明るい反射の下で、絵画の繊細な色は褪色し、変化しました。確かに、一部の芸術家は、絵画の致命的な影響を打ち消す方法を探して、その色調を明るくし、ガラスに合わせて金で描きます（「金は、ガラスの青と赤の反射によって消えない唯一の絵の具です。ガラス」）フレーム、境界線、巻きひげを追加し、金の杖、物、ベルト、手首、靴、天使の羽など、別個の金のディテールを導入します。これはサント・シャペルの色ガラスで織られた壁と、それを模倣したフランスの教会一帯を描いたものです。天井は青で覆われ、金の星が点在し始めました。これはイタリアのゴシック様式で愛された効果です。

しかし一般に、ロマネスク建築を保存し、一連の目に見えない変遷の中でそれをルネサンスの建築に移し、この時代に壁画をもたらしたイタリアを除くどこでも、ゴシック建築、特に教会の誇りは後者ではありませんでした。（城や宮殿は、壁の広い平面と内部の自然光を主に保存していました）。ここでは色ガラスの輝きが優勢です。

彼はローマ時代以前とローマ時代の両方ですべての西洋諸国、そして何よりもフランスで知られていました。しかし、その歴史の中で最も注目すべき時期は、エンドXIIそして13世紀初頭。パリ近郊のサンドニ大聖堂を完成させるために、この修道院の修道院長シュジェールの呼びかけで、輝かしい「ステンドグラス芸術家」の集団が大聖堂に設立されたとき、この芸術の真の学校がここに創設されました。その後完成しつつあった教会は、彼女の経験とアーティストを活かしました。ノートルダム大聖堂パリ、1210年から最高の力シャルトルの大聖堂近くに集中しています。半世紀後、中心は再びパリに移り、そこでのガラスの仕事は「シュトルム・アンド・ストレス」の時代の部分的に変更された技術と好みの影響を受けました。初期の青色の背景、豪華な装飾フレーム、ロマネスク様式の人物や群像の静かで美しい融合が、背景の小さなモザイクに取って代わられ、青と赤が近づきすぎると、楽しさの薄れたライラック色が与えられます。、フレームが貧弱になります。グループは、記念碑的なスタイルの単純さと集中から離れ、代わりに動きと生命に満ちています。予期せぬ親密で現実的な詳細が豊富に含まれる聖人の伝説は、標準的な主題を置き換え、芸術家に世界に目を開かせるよう促し、彼の芸術を現実に近づけます...

イタリアは比較的多くの兵士を保持していた。イタリアのフレスコ画の年代をルネッサンスの入り口まで遡り、ジョットだけでなくチマブエから始まる通常の資料の配布は、私たちのデフォルトを外部から正当化するものとなっています。この章は一言で扱うにはあまりにも内容が豊富です。これらの枠組みの中で、私たちが時代の独特の特徴をより長く保存していたフランス中世の絵画に捧げた線は、より自然で完全なものになります。ここでも、イタリアやライン川沿いの西ドイツと同様に、13 世紀から 14 世紀にかけての数多くの教科書、つまりイルミナディの芸術が、記念碑がないにもかかわらず、偉大な科学的、技術的、芸術的経験の証人となっていることがあります。西洋画家の経験、東洋とビザンチンのレシピから吸収し、彼自身の観察でそれらを豊かにしました。

11 世紀から 15 世紀にかけて続きました。ミニチュアの歴史の背後で、私たちはカノンが自由な観察、欠けたエナメルの背景、自然の風景、ヒエラルキーな条件グループ、そして自由とに満ちた生活のシーンにどのように取って代わられたかを見ていきます。人間の美しさ。間違いなく、毎日、そして毎時間、14 ～ 15 世紀のパリの「画家の通り」がそこにあります。技術的、芸術的な発見とイベントの劇場でした。今世紀に、金の背景の完成を目指す最後の言葉があったとしたら（まだ大量の金でコーティングされているような印象を与え、独特の金色の凸面を与えるページに本物の金の葉を重ねて磨くレシピは非常に重要です）西洋では洗練された）、それは世紀でした素晴らしいレシピエナメル効果の色彩、ジャックマールデスデンの繊細なグループが咲き誇り、あたかも沈まない太陽の中で生きているかのようです。このイラストには、彼の学校の礼拝堂から撮影された無色の写真のみが示されており、想像力の努力によってのみ、天使の柔らかいカールの繊細なブロンドの色、バラの花びらのように赤らんだ頬、そして天使の柔らかいピスタチオグリーンを想像することができます。雪のように白いアルバを背景にしたシャズル。同じ都市、同じ世紀にある他の工房では、明暗法という作業をさらに深く掘り下げ、白い形や人物がピンクや薄紫色の反射でわずかに触れられる、比類のないパリの職人技を生み出しています。（同じ礼拝堂の）埋葬シーンでアミクトの歌手が着ていた金糸が織り込まれたローブには、真珠や銀からネズミや暗い「もぐら」まで、9 つの灰色の色合いが数えられます。

世紀の終わりまでに、有望な発見はより大胆になり、人物の彫刻はより際立ち、風景の細部はより魅力的になりました。より重要なトピックそして気分。

登場人物たちは空気に囲まれています。緑の牧草地が青くなり、遠くの地平線に向かって伸び、明るい川が突き抜けています。山々を背景に城や都市が輪郭を描き、窓の外には遠くが見え、空には巻き毛のような雲が浮かび、グループは親密な生活によって結びつき、その顔やしぐさには個人の刻印が刻まれています。

XIV 世紀の終わりと XV 世紀の始まり。ミニチュアリストは商人や学生に劣らず活発で、芸術都市に国際的な植民地全体を形成しています。この当時の「画家の街」にはイタリア人やフランドル人が多く訪れ、見つけたものを貪欲に飲みました。リンブルフ兄弟の芸術は、パリの筆の計り知れない優雅さとともに、イタリアの魅力とフランドルの思慮深いリアリズムを融合させています。これらの特徴により、ペテルゴフ礼拝堂の最高のミニチュアが区別されます。

中世の終わりに隆盛を極めた挿絵の芸術において、すべてが真に芸術的であるわけではありません。需要の高まりにより、型にはまった低品質の製品が生み出されています。都会の貴族、普通の教授、医者、都会の女性だけが、カラフルに装飾された詩篇、教科書、小説、夢の本、時事集を持ちたいと思っています。フーケのような巨匠の次に、膨大な数の高等職人がイラストの芸術を始めました。

彼らの作品には興味がないわけではありません。私たちは、15 世紀半ばにパリの無名工房から生み出された、「15 世紀の遊びと作品」の 24 場面を保存する月の絵が描かれたこの時計の芸術的価値について誤解しません。しかし、これらの場面の多くでは、壮大な説教の伴奏に合わせて説教師の説教壇の下で安らかにいびきをかいている巡礼者の姿が描かれている（行進曲）。 4月のある日、かごを持った主婦と枝を持った少年たちでいっぱいの街の通り。干し草作りと6月の芝生でのピクニックを組み合わせた写真。展開が続く5月に。 7 月の川でカヌーが躍動し、12 月の雪合戦などで、中世の都市の生活が仕事と楽しみで生き生きと動き出します。職人技の質としては平均的で、これらの表面的に日常的でありきたりな陽気な場面は、描かれている人生に対する深刻な態度を無視しています。ここでは、都市、特に田舎の労働が、余暇に労働を賞賛するために出てきた裕福な芸術家の視点から牧歌的に解釈されています。彼の軽蔑の対象である「無礼な男たち」も、歴史と運命からあまり恵まれず、「青い爪」を持ち、「労働時間が長い」隣人たちも、この愉快な前夜の芸術にとって深刻な問題を引き起こすわけではない。ルネッサンスの。フランドル芸術に対する新たな洞察をもたらすために、12 世紀の「弁証法的思考」によってさらに深く設定されました。

私たちは誕生前夜にいます素晴らしい絵、そこで北朝鮮は新しい言葉を発するので、その特徴は誠実で、強い気持ち存在と芸術的具現化の悲劇的な謎について、ルネサンスヨーロッパの自己満足的で調和のとれた穏やかな感情を思い出させる人生。

私たちは、中世の都市生活を美化したさまざまな種類の「応用」芸術、つまりリモージュのエナメルや食器、象牙の工芸品、木の彫刻や象嵌、ドアやドアを飾った金属彫刻などについて詳しく考える機会がまったくありませんでした。中世の家の窓と後部、ゴシック家具の座席。

ルネサンス様式は、すでに異なるものを表現したものです。社会関係およびその他の労働組織。それによって、私たちは経済における大規模資本主義と政治における絶対主義体制との関係に入ります。

「外部秩序」の出来事の中でも、1348年のペストの流行と百年戦争は、西洋の日常的・精神的構造に深い溝を作り、それが「都市」の下限を部分的に決定した。ゴシック芸術、そして中世そのものの境界線。

西ヨーロッパの中世美術。 中世の絵画（簡単に）