絶妙なオランダの静物画 - 静かな生活の傑作。 17世紀オランダの静物画

05.05.2019

ジョン・カルビン ジョン・カルビン(1509-1564) - 教会改革者であり、プロテスタント運動の 1 つの創設者。カルビン主義教会の基礎は、いわゆる会衆、つまり信徒から選ばれた牧師、執事、長老によって統治される自治的な共同体です。カルヴァン主義は 16 世紀のオランダで非常に人気がありました。日常の出来事がそう教えている隠された意味そして、すべての画像の背後には道徳的な教訓があるはずです。静物画に描かれた物体には複数の意味があり、啓発的、宗教的、またはその他の意味合いが与えられています。たとえば、牡蠣はエロティックなシンボルと考えられていましたが、これは同時代人にとって明らかでした。牡蠣は性的能力を刺激するとされ、愛の女神ヴィーナスは貝殻から生まれました。一方では、牡蠣は世俗的な誘惑を暗示し、他方では、開いた殻は肉体を離れる準備ができている魂、つまり救いを約束することを意味しました。もちろん、静物画の読み方に厳密なルールはなく、鑑賞者はキャンバス上の見たいシンボルを正確に推測しました。さらに、それぞれのオブジェクトは構図の一部であり、文脈や静物画全体のメッセージに応じて、さまざまな方法で読み取ることができることを忘れてはなりません。

花の静物画

18世紀までは、地上の喜びは花の美しさと同じように一時的なものであるため、花束は原則として脆弱性の象徴でした。植物の象徴性は特に複雑かつ曖昧であり、16 ～ 17 世紀にヨーロッパで人気があった紋章の本は、寓意的なイラストや標語に説明文が添えられた、意味を理解するのに役立ちました。フラワーアレンジメントを解釈するのは簡単ではありませんでした。同じ花に多くの意味があり、時には真逆の意味もありました。たとえば、水仙は自己愛を示すと同時に神の母の象徴と考えられていました。静物画では、原則として、画像の両方の意味が保持され、見る人は2つの意味の1つを自由に選択するか、それらを組み合わせることができました。

フラワーアレンジメントには、果物、小さな物体、動物の絵が添えられることがよくありました。これらのイメージは作品の主なアイデアを表現し、儚さ、衰退、地上のすべての罪深さ、そして美徳の不朽性のモチーフを強調しました。

ヤン・ダヴィッツ・デ・ヘーム。花瓶の中の花。 1606年から1684年の間エルミタージュ国立美術館

ヤン・ダヴィッズ・デ・ヘームの絵の中 ヤン・ダビッツ・デ・ヒーム(1606-1684) は花の静物画で知られるオランダの芸術家でした。花瓶の底には、枯れて折れた花、崩れかけた花びら、乾燥したエンドウ豆のさやなど、死の象徴が描かれていました。これはカタツムリです - それは罪人の魂と関連していますこのようなネガティブなイメージには、爬虫類や両生類（トカゲ、カエル）、毛虫、ネズミ、ハエ、その他地面を這ったり泥の中に住んでいる生き物も含まれます。。花束の中心には、野生の花、スミレ、ワスレナグサなど、謙虚さと純粋さの象徴が描かれています。それらはチューリップに囲まれており、色褪せていく美しさと無意味な浪費を象徴しています（オランダでのチューリップ栽培は最も無駄な活動の1つであり、さらに高価であると考えられていました）。生い茂るバラやポピーが、人生のはかなさを思い出させます。構成の頂点は 2 つです大きな花持っている正の値。青い虹彩は罪の赦しを表し、美徳による救いの可能性を示します。赤いケシは伝統的に睡眠と死と関連付けられていましたが、花束の中での位置によって解釈が変わりました。ここではそれはキリストの償いの犠牲を意味しています。中世においてさえ、ケシの花はキリストの血によって潤された土地に生えると信じられていました。。その他の救いの象徴はパンの穂であり、茎に止まっている蝶は不滅の魂を表しています。

ヤン・バウマン。花と果物と猿。 17世紀前半セルプホフ歴史美術館

ヤン・バウマンの絵画 ヤン（ジャン＝ジャック）・バウマン(1601-1653) - 画家、静物画の巨匠。ドイツとオランダに住み、働いていました。「花と果物と猿」 - 良い例え静物画とその上のオブジェクトの意味論的な多層性と曖昧さ。一見すると、植物と動物の組み合わせはランダムに見えます。実際、この静物画は、私たちに人生のはかなさと地上の存在の罪深さを思い出させます。描かれたそれぞれのオブジェクトは、特定のアイデアを伝えます。この場合、カタツムリとトカゲは、地上のあらゆるものの死滅性を示しています。果物の入ったボウルの近くにあるチューリップは、急速な衰退を象徴しています。テーブルの上に散らばった貝殻は、賢明でないお金の無駄遣いを示唆している 17世紀のオランダでは、貝殻を含むさまざまな種類の「珍品」を収集することが非常に人気でした。; そして桃を持った猿は原罪と堕落を示しています。一方、羽ばたく蝶や果物、つまりブドウ、リンゴ、桃、梨の房は、魂の不滅性とキリストの贖いの犠牲を物語っています。別の寓意的なレベルでは、絵に描かれている果物、果実、花、動物は 4 つの要素を表しています。貝殻とカタツムリ - 水。蝶 - 空気。果物と花 - 地球。猿 - 火。

肉屋の静物画

ピーター・アールセン。精肉店、またはエジプトへの飛行シーンのあるキッチン。 1551年ノースカロライナ美術館

肉屋のイメージは伝統的に、肉体的な生命、地球の要素の擬人化、そして暴食の概念と関連付けられてきました。ピーター・アールセンが描いた ピーター・アールセン（ 1508-1575) - オランダの芸術家、ピーターザロングとしても知られています。彼の作品の中には、福音書の物語に基づいたジャンルのシーンや、市場や店のイメージなどがあります。ほぼ全体のスペースが食べ物を積んだテーブルで占められています。多くの種類の肉が見られます。殺された鳥枝肉、レバー、ハム、ハム、ソーセージ。これらのイメージは、節度のなさ、暴食、肉欲の快楽への執着を象徴しています。さて、背景に目を向けてみましょう。写真の左側、窓の開口部には、エジプトへの飛行の福音書の場面があり、前景の静物画とはっきりと対照的です。聖母マリアは最後のパンを物乞いの女の子に手渡します。窓は皿の上にあり、そこにはキリスト教とキリストの象徴である2匹の魚が横たわっていることに注意してください（十字架の象徴）。右奥に居酒屋があります。陽気なグループが暖炉のそばのテーブルに座り、私たちが覚えているように、欲望と関連付けられている牡蠣を飲み、食べます。テーブルの横には解体された死骸がぶら下がっており、死の必然性とこの世の喜びのはかない性質を示しています。赤いシャツを着た肉屋がワインを水で薄めます。このシーンは静物画の主なアイデアを反映しており、次のたとえ話を参照しています。放蕩息子放蕩息子のたとえ話にはいくつかの陰謀があることを思い出してください。そのうちの一人が話しているのは、最年少の息子彼は父親から財産を受け取ったので、すべてを売り払い、そのお金を自堕落な生活に費やしました。。居酒屋の情景や、料理が満載の肉屋の情景は、怠惰で自堕落な生活、この世の快楽への執着、身体にとっては心地よいが魂にとっては破壊的なものであることを物語っている。エジプトへの飛行のシーンでは、登場人物たちは事実上見る人に背を向け、精肉店から離れて画面の奥深くへと移動します。これは、官能的な喜びに満ちた自堕落な生活からの脱出の比喩です。それらを放棄することは魂を救う方法の一つです。

魚屋の静物画

魚の静物画は水の要素の寓意です。こういう作品って、例えば、精肉店、多くの場合、いわゆる元素サイクルの一部でしたで西ヨーロッパ複数の絵画で構成され、原則として 1 つの部屋に掛けられる大規模な絵画サイクルが一般的でした。たとえば、季節の循環 (夏、秋、冬、春が寓話の助けを借りて描かれている) や主要な要素 (火、水、土、空気) の循環です。そして、原則として宮殿の食堂を飾るために作られました。手前にあるのはフランス・スナイダースの絵画です。 フランス・スナイダース(1579-1657) - フランドルの画家、静物画やバロック様式の動物作品の作者。「魚屋」にはたくさんの魚が描かれています。ここにはスズキ、チョウザメ、フナ、ナマズ、サーモン、その他の魚介類が生息しています。すでに解体されたものもあれば、順番を待っているものもある。これらの魚の画像には何の意味も含まれておらず、フランダースの富を称賛しているのです。

フランス・スナイダース。魚屋。 1616

少年の隣には、聖ニコラスの日にもらったプレゼントが入ったバスケットが見えます。カトリックでは、聖ニコラスの日は伝統的に 12 月 6 日に祝われます。この祝日には、クリスマスと同様に、子供たちに贈り物が与えられます。。これは、バスケットに結び付けられた木製の赤い靴によって示されます。お菓子、フルーツ、ナッツに加えて、バスケットには「アメとムチ」の育成のヒントとしてロッドが含まれています。かごの中身は喜びも悲しみも語る人間の命、常に相互に置き換えられます。女性は子供に、従順な子供には贈り物が与えられ、悪い子供には罰が与えられると説明します。少年は恐怖に身をひるめた。お菓子の代わりに棒で殴られるのではないかと思った。右側には窓が開いており、そこから街の広場が見えます。子供たちのグループが窓の下に立って、バルコニーにいる人形道化師に嬉しそうに挨拶します。道化師は、民俗祝日のお祭りに欠かせない要素です。

セットテーブルのある静物

オランダの巨匠たちのキャンバスに描かれたテーブルセッティングのさまざまなバリエーションには、パンとパイ、ナッツとレモン、ソーセージとハム、ロブスターとザリガニ、牡蠣、魚、または空の殻を使った料理が見られます。これらの静物画は、オブジェクトのセットに応じて理解できます。

ゲリット・ウィレムス・ヘダ。ハムと銀製品。 1649年 州立博物館ファインアートにちなんで名付けられました。 A.S.プーシキナ

ゲリット・ウィレムス・ヘダの絵画の中で ゲリット・ウィレムス・ヘダ(1620-1702) - 静物画の作家であり、芸術家ウィレム・クラエス・ヘダの息子。皿、水差し、背の高いガラスのゴブレット、ひっくり返った花瓶、マスタードポット、ハム、しわくちゃのナプキン、レモンが見えます。これはHedaの伝統的なお気に入りのセットです。オブジェクトの配置とその選択はランダムではありません。銀製品はこの世の富とその無益を象徴し、ハムは肉欲の喜びを象徴し、魅力的に見えて内部が酸っぱいレモンは裏切りを象徴しています。キャンドルの火が消えると人間の存在のもろさとはかさを表し、テーブルの上の散らかりは破壊を表します。背の高いガラスの「フルート」グラス (17 世紀には、このようなガラスはマーク付きの計量容器として使用されていました) は人間の命と同じくらい壊れやすいものであると同時に、節度と衝動を制御する人の能力を象徴しています。一般に、この静物画では、他の多くの「朝食」と同様に、虚栄心と地上の楽しみの無意味さのテーマがオブジェクトの助けを借りて演じられます。

ピーター・クラエス。火鉢、ニシン、牡蠣のある静物画喫煙用パイプ。 1624年サザビーズ / 個人蔵

ピーター・クラエスの静物画に描かれたオブジェクトのほとんど ピーター・クラエス(1596-1661) - オランダの芸術家、多くの静物画の作者。彼はヘダとともに、幾何学的なモノクロ絵画によるハーレム派の静物画の創始者と考えられています。エロティックなシンボルです。牡蠣、パイプ、ワインは、つかの間の疑わしい肉欲の喜びを指します。しかし、これは静物画を読むための 1 つのオプションにすぎません。これらの画像を別の角度から見てみましょう。したがって、貝殻は肉のもろさの象徴です。彼らが吸うだけでなくシャボン玉を吹くこともあったパイプは、突然の死の象徴である。クラエスと同時代のオランダの詩人ウィレム・ゴッドシャルク・ファン・フォッケンボルヒは、詩「私の希望は煙だ」の中で次のように書いています。

ご覧のとおり、存在することはパイプを吸うことに似ています。
そして、違いが何なのか本当にわかりません:
1 つは単なるそよ風であり、もう 1 つは単なる煙です。あたり。エフゲニー・ヴィトコフスキー

人間の存在のはかなさというテーマは魂の不滅性と対比され、弱さの兆候が突然救いの象徴となることがわかります。背景のパンとワイングラスはイエスの体と血を連想させ、聖餐の秘跡を示しています。キリストのもう一つの象徴であるニシンは、断食と四旬節の食事を思い出させます。そして、カキの開いた殻は、その否定的な意味を正反対に変えることができ、人間の魂が体から切り離され、永遠の命に入る準備ができていることを示します。

オブジェクトのさまざまなレベルの解釈は、人は常に精神的な永遠のものと地上的な一時的なものの間で自由に選択できることを控えめに視聴者に伝えます。

ヴァニタス、または「科学者」の静物画

いわゆる「科学的」静物画のジャンルはヴァニタスと呼ばれていました。ラテン語から翻訳すると、「虚栄心の虚栄心」、言い換えれば「メメント・モリ」（「死を忘れるな」）という意味です。これは最も知的なタイプの静物画であり、芸術の永遠性、地上の栄光と人間の命のはかなさを寓話しています。

ジュリアン・ファン・ストレック。虚栄心。 1670年州立美術館にちなんで名付けられました。 A.S.プーシキナ

ジュリアン・ファン・ストレックの絵画に描かれた豪華な羽飾りが付いた剣と兜 ジュリアン・ファン・ストレック(1632-1687) - アムステルダムの芸術家、静物画と肖像画で有名。地上の栄光のはかない性質を示しています。狩猟笛は、他の人生に持ち込むことのできない富を象徴しています。「科学的な」静物画には、開いた本や、碑文が書かれた無造作に横たわっている紙のイメージがよくあります。これらは、描かれたオブジェクトについて考えるよう促すだけでなく、開いたページを読んだり、メモを書いたりするなど、意図された目的にそれらを使用することもできます。音楽ノート音楽。ヴァン・ストレックは少年の頭をスケッチし、開いた本: これはソフォクレスの悲劇『エレクトラ』をオランダ語に翻訳したものです。これらのイメージは、芸術が永遠であることを示しています。しかし、本のページは丸まっていて、絵にしわが寄っています。これらは腐敗の始まりの兆候であり、死後には芸術ですら役に立たなくなることを示唆しています。頭蓋骨も死の必然性を語りますが、その周りに絡みついた穀物の穂は復活と永遠の命の希望を象徴しています。 17 世紀半ばまでに、穀物の穂や常緑のツタに絡まった頭蓋骨は、ヴァニタス様式の静物画の必須の主題となりました。

情報源

ホイッパーB.R.静物画の問題と展開。
ズベズディナ・N.古代の静物画の世界の象徴。記号を読む問題について。
タラソフ・A. 17世紀のオランダの静物画。
シェルバチョワ M.I.オランダ絵画の静物画。
目に見える画像と隠された意味。フランダースとオランダの絵画における寓話と紋章 2 番目 16 世の半分- 17 世紀。展覧会カタログ。プーシキン美術館です。 A.S.プーシキン。

ピーター・クラエス。ワイングラスと銀のボウルのある静物画。 1630年代

あなたは教育を受けていますが、専門分野で働いていますか? 最初の仕事が最後の仕事ですか？初恋の人と結婚していますか？あなたは生まれたのと同じ都市に住んでいますか? 相続した家で？あなたは両親と同じ家宝の奉仕で食事をしていますか？同じヴィンテージのグラスでワインを飲みますか?

現代人はこれらすべての質問に答えます - いいえ。 17世紀のオランダ人 - はい。彼らは私たちほど変化することに積極的ではありませんでした。彼らは定住し、自分たちのルーツ、結婚の義務、ビジネスに忠実であり、ある時点で打ちのめされました。それを想像できますか現代アーティスト私は何年も、何十年も、生涯ずっと、同じテーマ、同じプロットを書き続けました。 17世紀の人ならそれができた。同じ川に何百回も入る。驚くべき結果を達成します。

ピーター・クラエス。頭蓋骨のある静物画。 1628年

ハーレム市の名誉住民である二人の有名な同時代人、ピーター・クラエスとウィレム・クラエス・ヘダは、生涯を通じて同じ静物画を描いただけでなく、同じワイングラスを描いたのです。さらに、ヘッドにはアーティストの息子がいて、ご想像のとおり、彼もこのグラスに熱中していました。すごいですね。これは、時間と自分の人生の充実感について、まったく異なるものになります。

ウィレム・クラエス・ヘダ。 1631年

彼らに何が起こったのだろうか？以下は、30 歳のクラスが自分のグラスについて書いたものです。 2年が経ち、彼は自分にこう言います - もう一度グラスを作るべきではないでしょうか？そして数年ごとに！右にグラス、左にグラス、立ったグラス、横たわったグラス。ジビエ、魚とともにグラスを。パイ、フルーツ、ドクロ…たぶんこれ精神疾患、17世紀には一般的でしたか？一種の強迫観念。そして今日、人類は回復しました...あるいは、逆に、私たちは病気になりすぎて何にも真剣に集中できなくなりました...

したがって、オランダの静物画、一杯のガラスの冒険は賞賛されますが、絵画の歴史の中でこれらの抑制されたほぼモノクロの傑作よりも美しいものを見つけるのは困難です。

ウィレム・クラエス・ヘダ。 1632年

ピーター・クラエス。牡蠣のある静物画。 1633年

ウィレム・クラエス・ヘダ。 1634年

ウィレム・クラエス・ヘダ。 1635年

ウィレム・クラエス・ヘダ。 1643年

ゲリット・ウィレムス・ヘダ（息子）。 1645年

ピーター・クラエス。 1647年

ウィレム・クラエス・ヘダ。 1648年

ウィレム・クラエス・ヘダ。 1650年代

ウィレム・クラエス・ヘダ。 1657年

ピーター・クラエス。 1660年

ウィレム・クラエス・ヘッダ。パイのある静物画、1627

静物画の「黄金」時代は 17 世紀で、特にオランダとフランドルの芸術家の作品において、静物画は最終的に独立した絵画ジャンルとして形を整えました。同時に、「静かで凍った生命」（オランダ語stilleven、ドイツ語Stilleben、英語still-life）という用語が静物を指すようになりました。最初の「Stilleven」はプロットが単純でしたが、それでもそこに描かれているオブジェクトは、セマンティックロード：パン、ワイングラス、魚 - キリストの象徴、ナイフ - 犠牲の象徴、レモン - 癒されない渇きの象徴。殻の中のナッツ - 罪によって束縛された魂。リンゴは秋を思い出させます。

徐々に、絵の象徴的な言語が豊かになってきました。

フランシスカス・ガイスブレヒト、17 世紀。

キャンバスに描かれたシンボルは、人間の人生のはかなさ、喜びや達成のはかなさを思い出させることを目的としていました。

頭蓋骨は死の必然性を思い出させます。

腐った果物は老化の象徴です。

熟した果実は豊饒、豊かさを象徴し、比喩的に富と繁栄。

多くの果物にはそれぞれ独自の意味があります。秋は梨、トマト、柑橘類、ブドウ、桃、サクランボ、そしてもちろんリンゴによって表されます。イチジク、プラム、サクランボ、リンゴ、桃にはエロティックな意味合いがあります。

穀物の芽、ツタや月桂樹の枝（まれに）は、再生と生命の循環の象徴です。

貝殻、時には生きたカタツムリ - 軟体動物の殻は、かつて生きていた動物の残骸であり、死と死を意味します。

忍び寄るカタツムリは、怠惰という大罪の化身です。

大きな貝は自然の二面性を表し、大罪のもう一つである欲望の象徴です。

シャボン玉 - 人生の短さと死の突然。ホモ・ブラ（homo bulla）という表現への言及 - 「人間はシャボン玉である」。

消えかけ、煙を出しているろうそく（燃え殻）または石油ランプ。キャンドルの火を消すためのキャップ - 燃えているキャンドルはシンボルです人間の魂、その色褪せは別れを象徴します。

カップ、トランプまたはサイコロ、チェス（まれに） - 間違いの兆候人生の目標、快楽の探求と罪深い人生。機会の平等ギャンブルそれはまた、非難すべき匿名性を意味しました。

喫煙パイプは、つかの間のとらえどころのない地上の楽しみの象徴です。

カーニバルのマスクは、その中に人が入っていないことの表れです。お祭りの仮面舞踏会、無責任な楽しみも目的としています。

鏡、ガラス（ミラー）ボール - 鏡は虚栄心の象徴であり、さらに、反射、影の兆候でもあり、実際の現象ではありません。

バイレン。ロブスターのある静物画、1667 年

割れた皿、通常はガラスのグラス。満杯のグラスと反対の空のグラスは死を象徴します。

ガラスは脆さを象徴し、純白の磁器は純粋さを象徴します。

乳鉢と乳棒は男性と女性のセクシュアリティの象徴です。

瓶は酩酊の罪の象徴です。

ナイフは人間の弱さと死を思い出させます。

砂と機械式時計- 時間のはかなさ。

楽器、音符 - 人生の短さと儚さ、芸術の象徴。

本と地理地図（マッパムンディ）、筆記用ペンは地球と星空の両方です。

ブラシ付きパレット、月桂冠（通常は頭蓋骨の頭に） - 絵画と詩のシンボル。

文字は人間関係を象徴します。

医療器具は人体の病気や弱さを思い出させます。

コインの入った財布、宝石の入った箱 - 宝石や化粧品は、美しさ、女性の魅力を生み出すことを目的としていますが、同時に虚栄心、ナルシシズム、そして傲慢という大罪と関連付けられています。彼らはまた、キャンバス上に所有者がいないことを示します。

武器と鎧は力と力の象徴であり、墓場まで持っていけないものの指定です。

王冠や教皇のティアラ、笏や宝珠、葉の花輪は、天上の世界秩序に反する一時的な地上の支配のしるしです。マスクと同様に、それらはそれを着用した人の不在を象徴します。

鍵 - 物資を管理する主婦の力を象徴します。

遺跡は、かつてそこに住んでいた人々の儚い人生を象徴しています。

静物画には昆虫、鳥、動物がよく描かれていました。たとえば、ハエやクモはケチと悪の象徴と考えられ、トカゲやヘビは欺瞞の象徴と考えられていました。ザリガニやロブスターは逆境や知恵を表していました。

ジャック・アンドレ・ジョセフ・アヴェド 1670年頃。

その本はソフォクレスの悲劇「エレクトラ」です。この場合、シンボルは多値です。それを作品の中に置くことによって、芸術家は、地上ではなく天国でのあらゆる犯罪に対する報復の必然性を思い出させます。なぜなら、まさにこの考えが悲劇に浸透しているからです。このような静物画のアンティークなモチーフは、芸術の継続性を象徴することがよくありました。の上タイトルページ翻訳者はオランダの有名な詩人、ヨースト・ファン・デン・フォンデルの名前です。聖書の物語あまりにも話題になったため、迫害さえ受けた。芸術家がフォンデルを偶然に置いたとは考えにくいです。世界の虚しさについて話して、権力の虚しさについて言及することにした可能性があります。

剣と兜は一時的な軍事的栄光の象徴です。

白と赤のプルームが写真の構成の中心です。羽は常に虚栄心と虚栄心を意味します。この絵は羽飾りのあるヘルメットに基づいて年代が特定されています。ロデウェイク・ファン・デル・ヘルストは、1670年のスターリングヴェルフ提督の死後の肖像画で、そのようなヘルメットをかぶった彼を描いた。提督のヘルメットは、ファンストレックによるさらにいくつかの静物画に登場します。

楽観的な人の肖像画。油とは異なり、キャンバスとは対照的に紙の場合と同様に、サンギンは保存状態が非常に悪いです。このシートは、アーティストの努力の無駄さを物語っています。ほつれや破れのある端は、この考えを強調することを目的としています。

ゴールドのフリンジは贅沢の象徴です。

スカル - で古代文化クロノス（土星）の属性、つまり時間の象徴。 Wheel of Fortune にはドクロも描かれていました。キリスト教徒にとって、それは世俗的な虚栄心、死についての心の中での熟考、隠者の人生の特質のしるしです。アッシジの聖フランシスコ、聖ヒエロニムス、マグダラのマリア、使徒パウロも彼と一緒に描かれています。髑髏も象徴です永遠の命伝説によれば、ゴルゴダの丘に十字架につけられたキリストは、アダムの頭蓋骨が埋葬されました。頭蓋骨の周りに巻き付けられた耳は、魂の不死性（「私は命のパンです」 - ヨハネ6:48）、永遠の命への希望の象徴です。

古い書類の束は虚しい知識です。

鎖につながれた火薬ホーンは、オランダの静物画の非常に特徴的な主題です。ここでは明らかに、それは宝庫とは対照的に、死をもたらすものとして解釈されるべきです

エイドリアン・ヴァン・ユトレヒト「ヴァニタス」。 1642年。

バラ、カーネーション、アネモネに囲まれたスズラン、スミレ、ワスレナグサ - 謙虚さと純粋さの象徴。

構図の中央にある大きな花は「美徳の冠」です。

花瓶の近くで崩れた花びらは虚弱さの兆候です。

枯れた花は感情の消滅を暗示します。

アイリスは聖母マリアのしるしです。

ホワイトローズ - プラトニックラブそして純粋さの象徴。

赤いバラは情熱的な愛の象徴であり、聖母マリアの象徴です。

赤い花はキリストの贖いの犠牲の象徴です。

白百合だけではない美しい花だけでなく、聖母マリアの純粋さの象徴でもあります。

青と青い花– 天国の紺碧を思い出させます。

アザミは悪の象徴です。

カーネーション - キリストの流された血の象徴。

ポピー - 睡眠、忘却の寓話、大罪の一つ - 怠惰の象徴。

アネモネ - 病気に役立ちます。

チューリップ - すぐに消え去る美しさの象徴;これらの花を育てることは最も無駄で無駄な活動の1つと考えられていました。チューリップは愛、同情、相互理解の象徴でもあり、白いチューリップは偽りの愛、赤いチューリップは情熱的な愛を表します（ヨーロッパやアメリカでは、チューリップは春、光、生命、色と関連付けられており、居心地の良い歓迎の花とみなされています） ; イラン、トルコ、その他の東方諸国では、チューリップは愛とエロティシズムの感情と関連付けられています。

ピーテル・クラエスの絵画「ハムの朝食」を例に、オランダの静物画について話しましょう。
白いテーブルクロスがかかったテーブルが描かれています。静物の中央にはピンク色のハムが入った皿があります。ハムは切りたての状態です。美しい彫刻が施されたハンドルを備えたナイフが同じ皿の近くにあります。皿の右側には、桃がついたオリーブの枝が見えます。果実の表面に黒い点が見られます。これらは虫の足跡です。皿の左側にはワインのグラスがあります。ガラスの壁に反射する光がイメージを活気づけます。グラスの隣には蓋が開いた銅製の水差しがあります。グラスと水差しの隣に描かれたブドウの枝は、両方の器を取り囲んでいるように見えます。テーブルの端に、芸術家はパンが載った金属板を描き、その金色の皮が目を引きました。白いテーブルクロスの上に散らばるクルミ, そのうちのいくつかはすでに分割されています。明らかな障害は、人間が最近存在したという感覚を示唆しています。

アーティストは素晴らしい技術で、それぞれのオブジェクトの色を伝えます。抑制されたグレイッシュゴールドのオリーブ色調パレットが作品を統一しています。それぞれのオブジェクトは、見る人がその質感、ボリューム、細部まで。アーティストは、桃のビロードのような質感、ブドウのマットでしっとりした表面、ガラスの透明感、ハムのジューシーさなど、それぞれのオブジェクトの質感を完璧に伝えます。皿、グラス、器の丸みを帯びた輪郭が交差し、その滑らかなリズムが調和と誠実さを感じさせます。写真を見るとバランスが不安定な感じがします。パンの皿が落ちそうになっています。構成の中心は間違いなくハムを使った料理です。これは写真の中で最も明るい場所です。画家はこの主題を写実的に描いている。テーブルクロスはテーブル全体を完全に覆うわけではありません。テーブルクロスが届かないところには、何の装飾も施されていないシンプルな木製のテーブルが見えます。色のコントラストを使用して、アーティストは現実を明らかにします。

世界美術史における驚くべき現象が北部で起きたヨーロッパ XVII世紀。オランダの静物画として知られ、油絵の最高峰のひとつとみなされています。

鑑定家や専門家は、ヨーロッパ大陸の狭い地域に住みながら、最高の技術を持ち、これほど多くの世界クラスの傑作を生み出した偉大な巨匠は美術史上かつて見たことがないと確信しています。

アーティストという職業の新しい意味

芸術家という職業がオランダで獲得した特別な重要性 XVII初期世紀は、新しいブルジョワ制度の始まりである最初の反封建革命の後の出現の結果であり、都市のブルジョアと裕福な農民の階級の形成でした。画家にとってはそうでした潜在的な顧客、芸術作品のファッションを形作り、オランダの静物画を新興市場で人気の高い商品にしました。

オランダの北の地では、カトリックとの闘争の中で生じたキリスト教の改革運動が最も影響力のあるイデオロギーとなりました。このような状況により、とりわけオランダの静物画が芸術ギルド全体の主要なジャンルとなり、プロテスタントの精神的指導者、特にカルビン派は、宗教的テーマにおける彫刻や絵画の魂を救う重要性を否定し、音楽をギルドから追放しました。教会は画家たちに新しい主題を探すことを強いた。

カトリックの影響下にあった隣国のフランドル地方では、美術異なる法律に従って発展しましたが、領土が近いため相互影響が避けられませんでした。科学者や美術史家は、オランダとフランドルの静物画を結びつける多くの点を発見し、それらの本質的な根本的な違いと独特の特徴に注目しています。

初期の花の静物画

17 世紀に登場した「純粋な」静物画のジャンルは、オランダで特別な形をとりました。象徴的な名前「静かな生活」 - まださえ。オランダの静物画は、さまざまな意味で、これまでヨーロッパでは見られなかった贅沢品を東洋からもたらした東インド会社の精力的な活動を反映していました。同社は後にオランダのシンボルとなる最初のチューリップをペルシャからもたらしました。絵画に描かれた花は、住宅、多くのオフィス、店舗、銀行の最も人気のある装飾となりました。

巧みに描かれたフラワーアレンジメントの目的はさまざまでした。家やオフィスを飾るそれらは、所有者の幸福を強調し、花の苗やチューリップの球根の販売者にとっては、ポスターや小冊子など、今でいう視覚的な広告商品でした。したがって、オランダの花のある静物画は、まず第一に、花と果物を植物学的に正確に描写していると同時に、多くのシンボルと寓意に満ちています。これらは、アンブロシウス・ボスシャールト長老、ヤコブ・デ・ゲイン小人、ヤン・バプティスト・ファン・フォルネンブルク、ヤコブ・ワウテルス・ヴォズマールらが率いるワークショップ全体の最高の絵画です。

テーブルのセッティングと朝食

17 世紀のオランダの絵画は、新しい芸術の影響を逃れることはできませんでした。広報、経済発展。 17世紀のオランダの静物画は、儲かる商品、絵画の「制作」のために大規模なワークショップが組織されました。厳格な専門分業と分業が現れた画家に加えて、絵画の基礎、つまり板やキャンバスを準備し、下塗りし、額縁を作る人たちもそこで働き、他の市場関係と同様に激しい競争が行われました。静物画の品質が非常に高いレベルに向上しました。

アーティストのジャンルの専門化も地理的な特徴を持ちました。花の構図はユトレヒト、デルフト、ハーグなどオランダの多くの都市で描かれましたが、提供されるテーブル、食べ物、そして食べ物を描いた静物画の発展の中心地となったのはハーレムでした。調理済み食品。このような絵画は、複雑で複数の主題を含むものから簡潔なものまで、規模や性格がさまざまです。「朝食」登場 - オランダの芸術家による静物画さまざまな段階食事。彼らは、パン粉、かまれたパンなどの形で人の存在を描いています。興味深い話、当時の絵画に共通したほのめかしと道徳的なシンボルで満たされています。ニコラス・ギリース、フロリス・ゲリッツ・ファン・ショーテン、クララ・ピーターズ、ハンス・ファン・エッセン、ロエロフ・オオツらの絵画は特に重要であると考えられています。

色調の静物画。ピーター・クラエスとウィレム・クラエス・ヘダ

同時代の人々にとって、伝統的なオランダの静物画に満ちていたシンボルは、関連性があり、理解できるものでした。絵画の内容は複数ページの本に似ており、その点で特に価値がありました。しかし、現代の愛好家と芸術愛好家の両方にとって、同様に印象的なコンセプトがあります。それは「調性のある静物画」と呼ばれ、その主なものは最高の技術スキル、驚くほど洗練された色彩、照明の微妙なニュアンスを伝える驚くべきスキルです。

これらの特質は、色調静物の最高の例の一つと考えられている 2 人の主要な巨匠、ピータークラエスとウィレムクラエスヒードの絵画と完全に一致しています。彼らは、少数のオブジェクトから構成を選択しました。明るい色そして特別な装飾性は、驚くべき美しさと表現力を備えたものを生み出すことを妨げず、その価値は時間の経過とともに減少しません。

虚栄心

人生のはかなさ、王と物乞いの死の前の平等というテーマは、過渡期の文学や哲学で非常に人気がありました。そして絵画においては、主な要素が頭蓋骨である場面を描いた絵画にその表現が見出されました。このジャンルは、ラテン語の「虚栄心の虚栄心」からヴァニタスと呼ばれています。哲学論文と同様に、静物画の人気は科学と教育の発展によって促進されましたが、その中心となったのがヨーロッパ中で有名なライデン大学でした。

ヴァニタスは、ヤコブ・デ・ゲイン・ザ・ヤンガー、デヴィッド・ゲイン、ハルメン・ステーンウェイクなど、当時の多くのオランダの巨匠の作品の中で重要な位置を占めています。最高のサンプル「ヴァニタス」は単純なホラーストーリーではなく、説明のつかない恐怖ではなく、最も重要なことについての考えに満ちた、穏やかで賢明な熟考を呼び起こします。重要な問題いる。

だまし絵

絵画はオランダのインテリアで最も人気のある装飾です。中世後期増加する都市人口がそれを買う余裕がある。バイヤーの興味を引くために、アーティストはさまざまなトリックに頼りました。彼らの技術が許せば、彼らはフランス語のだまし絵から「だまし絵」、または「だまし絵」を作成しました - 目の錯覚要点は、典型的なオランダの静物画 - 花や果物、死んだものであるということでした。鳥や魚、あるいは科学に関連した物体（本や光学機器など）には、完全に現実の幻想が含まれています。絵の空間から飛び出して今にも落ちようとしている本、絵に止まったハエ。叩きつけたくなる花瓶 - おとり絵の典型的な題材。

だまし絵スタイルの静物画の第一人者であるジェラール・ドゥーやサミュエル・ファン・ホーグストラテンなどの絵画には、壁に埋め込まれた棚のある龕が描かれており、その上にさまざまなものが大量に置かれていることがよくあります。質感や表面、光と影を伝える芸術家の技術力は非常に素晴らしく、手自体が本やガラスに伸びたほどでした。

全盛期と日没時間

17 世紀半ばまでに、オランダの巨匠の絵画における主な種類の静物画は頂点に達しました。「豪華な」静物画が人気になっているのは、市民の福利厚生が向上し、豊かな料理、貴重な織物、豊富な食料が都会の住宅や豊かな田舎の邸宅の内部に違和感を感じないからである。

絵画のサイズは大きくなり、さまざまなテクスチャーの数に驚かされます。同時に、作者は視聴者にとってエンターテイメント性を高める方法を模索しています。これを達成するために、果物や花、狩猟のトロフィーやさまざまな素材の料理を含む伝統的なオランダの静物画に、エキゾチックな昆虫や小動物や鳥が補完されています。通常の寓意的な関連付けを作成することに加えて、芸術家はプロットの商業的な魅力を高めるために、単にポジティブな感情のためにそれらを導入することがよくありました。