„Iaz cu nuferi (podul japonez)”, Claude Monet - descrierea picturii. Povești cu picturi ale unor mari artiști: „Nuferi” de Monet - piromanul „O căsătorie inegală” aproape a distrus o prietenie

Iaz cu nuferi - Claude Monet. Ulei pe pânză, 90,5 x 89,7 cm

Această lucrare în stilul „impresionismului” aparține lucrării târzii a artistului. În 1883, Claude Monet a cumpărat o casă în orașul Giverny din Normandia de Nord. După ce a cumpărat un teren învecinat, artistul a creat în locul său o grădină pitorească cu flori, copaci exotici, un iaz cu nuferi și un pod în stil japonez. În acest colț umbros, misterios, Monet a petrecut 30 de ani pictând o serie întreagă de tablouri cu nuferi.

Datorită expoziției de succes a lucrărilor lui Monet, organizată de patronul impresioniștilor, Paul Durand-Ruel la Paris în 1909, picturile artistului din această serie s-au epuizat rapid. Inclusiv americanii, care au manifestat un mare interes pentru impresioniști.

Claude Monet a preferat să picteze din viață, urmărind jocul lumina soarelui pe suprafața netedă a iazului. El a putut picta aceeași vedere în diferite condiții de vreme și timp, urmărind reacție emoțională la natură. Prin urmare, a lucrat adesea la mai multe povești deodată. Deci, are o serie întreagă de tablouri cu un iaz și un pod japonez, pictate în diferite moduri.

Monet a aplicat linii mari pe pânză. A folosit vopsele pure, amestecându-le pe pânză.

Tabloul este pictat în tonuri de albastru-verde și produce o impresie liniștitoare. Această gamă este diluată cu stropi albe și roz de nuferi pe apă. Pictura se bazează pe contrastul de lumină și umbră. Artistul folosește multe nuanțe de verde, albastru, galben.

În prim-plan vedem suprafața îngroșată a iazului. Apa reflectă rogozul și copacii care cresc pe mal. Sunt vizibile și în fundal. Un pod elegant în stilul lui Hokusai împarte vizual pânza în două părți. Un reflex din apă este reflectat în fundul acesteia. Este atât la umbră, cât și luminată de soare în același timp. Podul amintește de prezența umană în acest tablou idilic. Vrei să mergi de-a lungul ei, să stai în mijloc și să admiri priveliștea.

Suprafața apei creează perspectivă, conducând ochiul spre pe fundal. Acolo adâncimea este creată de copacii denși. De asemenea, iazul și desișurile de nuferi dau un sentiment de orizontalitate, care se repetă de arcul podului. Și copacii cu iarbă extind spațiul în sus cu liniile lor verticale. Acest contrast se repetă în reflexia pe apă – între blocuri mari de nuferi orizontale, artistul pictează în mici mișcări verticale reflexia copacilor și a ierbii în apă. Datorită acestei tehnici, tabloul se simte spațios și aerisit, în ciuda dimensiunilor sale mici.

Numeroși nuferi sunt reprezentați cu linii albe, roz și albastre. Ele aduc picturii un sentiment de viață. Artistul a reușit să transmită un sentiment de pace și liniște. Privind pânza, auziți păsări ciripit și insecte bâzâind. Simți briza ușoară și căldura soarelui. Imaginea lasă efectul prezenței complete. Lumea, în absența omului, își trăiește propria viață deplină.

Această imagine este stocată în Muzeul de Artă Universitatea Princeton. A fost donat muzeului de către moștenitorii administratorului său pe termen lung instituție de învățământ William Church Osborne în 1972.

La sfârșitul secolului trecut, medicul oftalmolog britanic Richard Marmore a publicat informații senzaționale. Un medic englez a descoperit că trăsăturile stilului de pictură al „părintelui impresionismului” Claude Monet nu sunt de fapt asociate cu tehnologie nouă pictură, dar cu vederea lui slabă!

Claude Monet este unul dintre fondatorii impresionismului. Pe vremuri, un grup de tineri artiști, care includea Manet, Monet, Degas, Pissarro, Renoir, Sisley și alții - doar treizeci de oameni, au prezentat o tehnică de pictură complet nouă, spre deosebire de cea clasică general acceptată. Principalul lor postulat a fost reprezentarea unui scurt moment al realității, care se schimbă în fiecare minut. Impresioniştii au încercat să transmită impresia acestui moment în picturile lor. Picturile lor păreau să fie inundate de lumină: un joc bizar de lumini și umbre, stropi de vopsea transmiteau mișcare, făcând obiectele familiare noi și interesante. Subiectele pentru artiști aveau o importanță secundară; viata de zi cu zi care era bine cunoscut: peisaje rurale, străzile orașului, oameni obișnuiți la munca lui.

„Nuferi” de Claude Monet

La expoziție a izbucnit un scandal. Artiștii noii abordări a picturii au fost ridiculizati. Celebrul reporter Charivari Louis Leroy i-a numit cu dispreț impresioniști. Nici nu-și putea imagina că a botezat o regie întreagă sfârşitul XIX-lea- începutul secolului XX, care a schimbat întreaga istorie ulterioară a picturii.

Artiștii se întâlneau adesea în cafenele și discutau despre noi forme de pictură. Ei au simțit că, după apariția fotografiei, pictura academică nu va putea satisface nevoile publicului. Sunt necesare noi abordări tehnologie nouă. Și apoi impresioniștii au părăsit studiourile înfundate în care fuseseră pictate peisaje înaintea lor și au ieșit în aer liber. Un bărbat scund, îmbrăcat în haine de pânză gri, mânjit cu vopsele, cocoșat sub greutatea unui șevalet, a rătăcit în căutarea unui loc pitoresc - o imagine atât de minunată putea fi văzută acum de țăranii din Provence Franceză. Tinerii pictori erau supranumiți excentrici, iar când unul dintre ei a cerut să meargă la o colibă ​​țărănească pentru a face o schiță a bucătăreței sau a spălătorului, tot satul a venit în fugă să o vadă.

Impresioniștii amestecau rar vopsele, aplicându-le pe pânză într-o formă „pură”, în mișcări separate. Numai privind imaginea de la distanță se putea convinge că aceste tușe au fost adunate într-o singură imagine - un car de fân, un câmp de maci, o vază de floarea soarelui, o figurină elegantă a unei balerine sau a unei tahitiance gânditoare. Compoziția pentru artiști își pierde semnificația, atenția principală este acordată fragmentului. Picturile lor par a fi împărțite în părți egale - personaj central iar un obiect aparent inclus accidental în cadru au aceeași semnificație. De asemenea, impresioniștii neagă genul: unde este portretul, unde este peisajul, unde este natura moartă - este imposibil de spus. Totul era amestecat, la fel ca în viață.

Inițiatorul asociației artiștilor pentru a-și prezenta lucrările la Salonul din 1874 a fost Claude Oscar Monet (1840–1926). Tinerii maeștri pictau în acest fel de șase până la opt ani, dar ideea lui Monet a fost următoarea: lucrările lor au fost respinse individual, dar dacă se adunau, nu puteau fi ignorate. Și așa s-a întâmplat. Monet a creat „Societatea anonimă a pictorilor, artiștilor și gravorilor”, formând o opoziție față de maeștri pictura clasică. Peste șapte expoziții impresioniste au fost organizate între 1876 și 1886. Adevărat, după expoziția din 1886, doar Monet a continuat să urmeze cu strictețe idealurile impresionismului.

Claude Oscar Monet, în tinerețe, a început să picteze caricaturi, care erau expuse pentru bani într-un magazin de artă și erau la cerere. Cunoștința cu artistul Eugene Boudin a deschis Monet pictură adevărată. „Mi-am realizat scopul!” – a scris tânărul încântat în jurnalul său. Și-a implorat tatăl său niște bani și a plecat la Paris, unde a făcut cunoștință cu viața boemă a artiștilor locali. După ce și-a cheltuit toți banii, Claude, în vârstă de nouăsprezece ani, s-a alăturat armatei și a plecat în Algeria, dar în curând a fost externat din cauza unei boli.

Rudele s-au îndepărtat de Monet, renunțând la el. Numai că mătușa nu și-a pierdut încrederea în nepotul ei, dar nici nu a aprobat munca lui. Într-o scrisoare adresată artistului Aman Gautier, ea s-a plâns: „Când vrea să termine ceva și să facă un tablou, totul se transformă într-un pămînt îngrozitor, iar el îl admiră și găsește idioți care îl felicită!

În noiembrie 1862, Monet s-a întors la Paris, unde a început să studieze pictura cu Charles Gleyre. Doi ani mai târziu, când Gleyre a fost forțat să-și închidă atelierul sub amenințarea de a-și pierde vederea, Monet, împreună cu prietenii săi Renoir și Sisley, au început să stăpânească activ pictura în aer liber.

În 1865, Monet și-a făcut debutul la Salon: două dintre ele peisaje marine au fost expuse și acceptate de public. Pentru a învăța tehnicile picturii academice și a le uita imediat - aceasta a fost sarcina și și-a propus Monet. Prima sa lucrare semnificativă este „Breakfast on the Grass”. Din păcate, tabloul nu a ajuns la noi - Claude l-a folosit pentru a plăti proprietarul camerei din satul Chailly, unde a locuit în timp ce picta tabloul. Printre cele mai multe lucrări celebre„Splash Pool” de Claude Monet (1869), „Boulevard des Capucines” (1873), seria „Haystacks”, „Plopi” și „Catedrala din Rouen”, „Nuferi albi” (1899).

În 1865, Monet a cunoscut-o pe Camille Doncier, care a devenit modelul său preferat pentru următorii paisprezece ani, iar în 1870, prima sa soție. Ea i-a născut artistului doi fii, pe care Monet i-a înfățișat adesea pe pânzele sale. Spre deosebire de alți impresioniști, Monet era fericit în dragoste. Soția sa, Camille, a fost o tovarășă minunată pentru Monet, iar când a murit pe 5 septembrie 1879, pentru artist au început cele mai grele zile din viața lui, reflectate în picturile sale cu o paletă sumbră.

În 1883, împreună cu prietenul său Hoschede și soția sa Alice, Monet și-a cumpărat o casă în Giverny și și-a împlinit visul de mult timp. Poza principală de-a lungul vieții, a depășit planul pânzei: lângă casa lui, Monet a amenajat o grădină și a plantat-o ​​cu flori, astfel încât acestea să formeze o compoziție întreagă. „Natura însăși devine un tablou, iluminat de ochiul atent al artistului. Această grădină minunată și armonioasă este prima schiță sau o paletă gata de lucru”, a scris Marcel Proust despre grădina lui Monet. Pentru a crea o „grădină de apă” - un iaz cu nuferi, peste care este aruncat un pod curbat în stil japonez, artistul a obținut permisiunea autorităților pentru a devia apele râului Ept către moșia sa. Lui Monet îi plăcea să picteze o grădină și un lac cu crini care plutesc pe suprafața lui.

După moartea lui Hoschede, Monet se căsătorește cu Alice - cea de-a doua căsătorie este la fel de reușită ca și prima. Cu toate acestea, nu a mai primit satisfacție din pictură: încercând să atingă perfecțiunea, a respins o schiță după alta. În cele din urmă, după ce a abandonat în cele din urmă principiile impresionismului, a încercat să picteze ceea ce era imposibil de transmis cu o pensulă și vopsele. Mai mult, în ultimii ani Monet dezvoltă cataractă la ambii ochi - o boală insuportabilă pentru artist. A stabilit din memorie unde avea ce culori de vopsea. Operația a redat vederea, dar percepția culorilor a fost afectată. Ultimele lucrări Monetilor le lipsește luminozitatea culorilor lor: toate tonurile de pe ele au o nuanță ușor gălbuie.

La începutul acestui secol, oftalmologul englez Richard Marmore a demonstrat științific că îndepărtarea lui Monet de la principiile impresionismului către pictura abstractă a fost asociată cu viziunea afectată a artistului. Marmor a studiat modul în care pacienții cu vedere scăzută văd lumea și a corelat rezultatele cu picturile „încețoșate” ale lui Monet. Încețoșată artificial folosind program de calculator o fotografie a unui iaz cu nuferi din Giverny coincide cu „Nuferii” lui Monet. Dar oricum ar fi, a spune că o mișcare atât de uriașă și influentă a picturii precum impresionismul a apărut doar din cauza bolii oculare a lui Claude Monet ar echivala cu a spune că până la momentul scrierii „Pătratul Negru” Malevici a rămas fără toate celelalte. vopsele.

(Pe baza materialelor de la T. Sukhoterina)

Ciclul Nuferi, care l-a ocupat pe Monet timp de 37 de ani, din 1889 până în 1926, cuprinde peste 250 de lucrări, variate ca compoziție și culoare. „Ciclul” în sine poate fi considerat un indicator evoluție creativă Monet, care a urmat sistematic calea abandonării peisajului clasic către „pictura de impresie”. Întorcându-se în mod repetat în grădina sa de apă, Monet a dezvăluit pe deplin posibilitățile coloristice și compoziționale ale unei pete de culoare pură. Se epuizează carieră creativă, Monet s-a apropiat de abstractionism ca un joc pur de forme și culori, dar nu a depășit niciodată această linie.

Analiza diversității lucrărilor din seria „Nuferi” ne permite să le clasificăm în funcție de cinci caracteristici principale: timpul de creație, spațiul și profunzimea, tehnica de scriere, formatul de lucru și schema de culori.

Prin timpul de creație Picturile ciclului „Nuferi” pot fi împărțite în trei perioade:

• 1. 1889-1901 - anii creării grădinii din Giverny și lucrări la alte serii de picturi. Această perioadă acoperă cel mai mic număr de lucrări. „Nuferii” din 1889-1901 se disting printr-un realism mai mare în reprezentarea detaliilor și un strat de vopsea multicolor.
• 2. 1901-1913. Începând cu 1908, Monet a început să dedice mult timp picturilor din grădina sa. Lucrările acestei perioade sunt bogate într-o varietate de subiecte. Artistul creează numeroase imagini ale unui pod „japonez”, un arc împletit cu trandafiri și un iaz cu nuferi. La începutul anilor 1900, el lucrează la un grup de imagini ale podului. În total, ciclul cuprinde 18 tablouri pictate pe pânze pătrate. Ulterior, Monet s-a concentrat pe imaginea nuferilor dintr-un iaz, surprinzându-i timpuri diferite zi si an.

O trăsătură distinctivă a picturilor din această perioadă este reprezentarea frecventă a reflexiilor pe suprafața apei, care este practic absentă în lucrările sale ulterioare. „În picturile scrise spre sfârșitul primului deceniu al secolului XX, tema înfățișată pare să fie învăluită într-o ceață care se îngroașă, contururile devin mai neclare, fluxurile de lumină se estompează și devin mai puțin tangibile, din ce în ce mai greu de localizat. Culoarea și valorile sunt atât de apropiate de aceste forme aproape nesubstanțiale care amenință să se dizolve într-un amestec special format din molecule și particule ale unui fascicul de lumină” O. Reutersvärd. Claude Monet. M, 1963. - p. 136.

3. Majoritatea picturilor din ciclul „Nuferi”, pictate în 1914-1926, se remarcă prin absența unei linii de orizont și prin schimbări generale în limbajul figurativ și expresiv al lui Monet, care a adoptat multe elemente de artă abstractă. În lucrările din 1914-1926, Monet a abandonat din ce în ce mai mult perspectiva și elaborarea realistă a detaliilor în favoarea efectului unei percepții holistice, imaginative a obiectului imagine, rezolvată prin intermediul unei pete de culoare contrastante.

Pe baza principiului interpretării picturale spațiu și adâncime, picturile ciclului „nuferii” pot fi, de asemenea, împărțite în trei grupe.

• 1. Tablouri cu o linie de orizont clar definită. Acest grup include aproape toate lucrările create înainte de 1901, inclusiv toate imaginile podului. Monet creează compoziții complete de peisaj cu perspectivă, linie de orizont și planuri de desen (primul plan înfățișând nuferi și fundalul înfățișând un țărm acoperit cu copaci și tufișuri).
• 2. A doua grupă cuprinde lucrări care au adâncime realizată prin desenarea planurilor, dar nu au o linie de orizont. Acest tip include picturi realizate în principal în anii 1901 - 1914 și reprezentând mișcarea artistului către o organizare decorativă mai abstractă a suprafeței picturale a pânzei. Artistul se concentrează pe imaginea suprafeței apei, punctată cu frunze de nimfe, și conturează doar linia orizontului. Păstrând reflexiile obiectelor de la suprafața apei, artistul pare să sugereze privitorului prezența unei anumite lumi în afara grădinii de apă, care lucrează pentru a crea un sentiment de profunzime și corelare spațială a spațiului pictural.
• 3. A treia grupă include lucrările târzii, care se remarcă prin designul lor plat, decorativ, lipsa de perspectivă, linia orizontului și planurile. Lucrările de acest tip (care includ pânzele gigantice create pentru pavilionul Orangerie) reflectă căutarea lui Monet pentru relațiile lumină-umbră, care au ocupat complet atenția artistului. Monet exclude totul din pictura sa, cu excepția joc provocator lumina si umbra, care servesc impresiei, perceptiei unei stari trecatoare mediu. Picturi perioadă târzie Ele se disting și prin totala lor irelevanță spațială. Monet nu arată nici malul, nici podul, nici reflectarea malului în oglinda iazului, cu atât mai puțin linia orizontului. Lumea picturală a imaginii este limitată la nuferi de pe suprafața apei.

Tehnică. Clasificarea ciclului „Nuferi” după tehnica picturii este foarte arbitrară. Toate lucrările lui Monet, inclusiv cele mai abstracte, tablouri decorative, scrisă la sfârșitul vieții, aparțin fără îndoială picturii impresioniste. Cu toate acestea, diferența de tehnică dintre lucrările timpurii și cele târzii este încă mare. Analizând varietatea picturilor din seria „Nuferi” bazate pe tehnica imaginii, se pot distinge trei grupuri principale.

• 1. Tradițional compoziția peisajului. Lucrările acestui grup se disting printr-o prezentare mai realistă. Ele se disting prin prezența unei linii de orizont, desenul mai atent al detaliilor, tranzițiile de culoare mai clare și un contrast mai mare în comparație cu lucrările din perioada ulterioară. Aceasta este tehnica unică și preferată a lui Monet, la care a lucrat toată viața, dar de la care a început să se îndepărteze în perioada târzie a creativității sale către o reprezentare mai puțin clară și o încercare de a transmite nu ceea ce a văzut, ci cum a văzut-o. . A încercat să exprime o nouă percepție asupra lumii vizibile în toată bogăția ei colorată. Și, deși picturile din seria „Nuferi de apă” pot fi clasificate condiționat în această categorie, aceasta nu este totuși aceeași tehnică pe care Monet a folosit-o în anii 60 și 70, unde compoziția tindea spre verticale și orizontale stabile, pe care le-a introdus în centrul sau la marginea anterioară a pânzei. În lucrările perioadei târzii nu mai este cazul, aici rămâne o predilecție pentru forme agitate, haotice.
• 2. Impresionism creativitate târzie- un grup care acoperă majoritatea tablourilor din serie și reprezintă noua rundaîn evoluţia picturii lui Monet. „În pânzele cu nuferi, apar vestigii a ceva nou, care anterior nu era inerent lui Monet - unele senzații vagi și ciudate care nu pot fi surprinse și transmise imediat Un model vag, apos, în imaginea crinilor poate părea cu ușurință monoton spectator care vede multe variații similare Dar pentru Monet, această formă de rezervă, schematică, a reprezentat oportunitatea de a concentra atenția asupra a ceea ce el considera cel mai esențial” O. Reutersvärd. Claude Monet. M, 1963. - p. 136. Compoziția păstrează încă contururile clare ale subiectului descris. Privitorul poate determina cu ușurință ce este descris exact pe pânză, dar, totuși, metoda de transmitere a imaginii se îndepărtează din ce în ce mai mult de la pictura de contur spre siluete neclare și tranziții de culoare blânde.

Refuzul de a detalia volumele de imagine, contur și model ale imaginii cu clarobscur a fost cauzat de dorința de a surprinde starea momentană a vieții și în mișcare. lume vizibilă. „Înstrângându-și viziunea pentru a observa cele mai mici schimbări, a pierdut adesea simțul întregului ducându-și disprețul pentru complot la extrem, Monet a abandonat în cele din urmă forma și a încercat să păstreze numai minunea lumii în țesătura informe a celor mai fine. nuanțe” D. Rewald. Istoria impresionismului. M: AST, 2009. - p.388. Monet și-a petrecut ultimii 37 de ani din viață în căutarea unei „impresii vii”.

3. „Pictură abstractă”. În perioada de exacerbare a glaucomului, Monet aproape că și-a pierdut vederea, dar a continuat să picteze. În acest moment, lucrările sale au devenit foarte apropiate de pictura abstractă, non-obiectivă. Formele obiectelor se dizolvă complet în culori luxuriante, orizontul dispare sub presiune efecte de culoare, iar tehnica picturii, în general, devine atât de nefigurativă încât uneori devine dificil să se determine exact ce este reprezentat pe pânză. Aceste lucrări, pictate în timpul unei boli, l-au determinat pe cercetătorul american Alfred Barr cel Tânăr la concluzia că Monet este unul dintre fondatorii artei abstracte. Este puțin probabil ca maestrul să-și fixeze astfel de sarcini, mai ales că după restaurarea viziunii sale a început să picteze în același mod și a rămas în tabăra impresionismului până la sfârșit. Experimentând cu tehnologia, Monet însă nu s-a gândit la artă în afara naturii. Pe de altă parte, se poate presupune că, cu cât artistul s-a apropiat mai mult de sfârșitul carierei sale creative, cu atât percepția sa asupra naturii s-a schimbat de la obiectele reale ale lumii la lumina pură reflectată de obiecte. lumea realăși a trecut prin prisma percepției lumea interioara artist.

Forma picturilor. Analizând opera ulterioară a lui Claude Monet, nu se poate ignora un astfel de factor precum forma pânzelor sale. Se știe că pentru genul peisaj forma cea mai reușită și comună este un dreptunghi cu orientare orizontală. Cu toate acestea, Moneworked și în alte formate.

• 1. Dreptunghi cu orientare verticală. Cele mai multe lucrările pictate pe pânze verticale sunt incluse în compozițiile compozite și nu sunt lucrări independente. Acest grup include, în special, picturile pe care Monet le-a creat pentru proiectul său „Nymphaeas” la o comandă de stat pentru Muzeul Orangeriei din Paris. În alte cazuri, artistul a folosit rar pânze orientate vertical, care nu erau potrivite pentru genul peisajului.
• 2. Dreptunghi cu orientare orizontală a pânzei. Majoritatea picturilor din serie au forma unui dreptunghi orizontal, care este considerat cel mai de succes format pentru genul peisajului. Lucrând cu o pânză orizontală, artistul a avut ocazia să compună toate detaliile imaginii, inclusiv iazul, podul, ramurile de sălcii plângătoare care atârnă deasupra apei și nuferi pictați separat. Unele dintre panourile proiectului „Nymphaeas” au fost scrise în acest format.
• 3. Pătrat. Monet a folosit pânze pătrate pentru seria „Podul Japonez”, a cărei compoziție se potrivește bine în acest format Podul ocupă locul central al picturilor. Linia orizontului trece clar chiar sub mijlocul pânzei, împărțind spațiul în trei zone orizontal. Locul central este ocupat de pod, în partea superioară sunt coroane de copaci, iar în partea inferioară sunt nuferi care plutesc pe suprafața apei. Ritmicitatea compoziției închide reflexia coroanelor copacilor pe suprafața apei, combinând toate componentele într-o singură compoziție integrală. Imaginea nuferilor fără linie de orizont în acest format pare mai puțin reușită. Închise într-o formă pătrată, precum și într-un dreptunghi cu orientare verticală, obiectele înfățișate par a fi mai degrabă un fragment din întreg decât o lucrare independentă.
• 4. Oval. În rare ocazii, ca experiment, Monet a folosit pânze ovale care machiază cel mai mic grup lucrări – cea mai rară formă pentru această serie.. Subiectul prezentat pe pânze de formă ovală este uniform: aceștia sunt nuferi, pictați în tehnica impresionistă a creativității târzii, fără linie de orizont și în principal în culori deschise, blânde. Conform timpului creației, acest grup de picturi datează din anii 1907-1908. Se poate observa că artistul a încercat, ca experiment, să-și înglobeze subiectul preferat în formă de oval, dar și-a pierdut rapid interesul pentru acest lucru.

Culoare. Culoarea este, fără îndoială, un element cheie al tehnicii lui Monet, care a obținut un deosebit expresie artistică jucând pe contrastul dintre loviturile de impasto ușoare, transparente și mai mate, creând un contrast de culori vibrant de linii filigranate care creează o iluzie spațială. Monet a fost un maestru al picturii valerie, care transmitea variabilitatea nuanțelor de culoare și mișcarea vieții. Artista a știut să înfățișeze obiectele în relația lor cu mediul lumină-aer, ceea ce creează o profunzime deosebită și o bogăție de culoare, subtilitate a relațiilor de culoare și tranziții. În plus, Monet nu și-a lăcuit niciodată pânzele și nici nu a lucrat la marginile acestora, motiv pentru care multe dintre lucrări par neterminate sau „ușor deteriorate”.

Picturile din seria „Nuferi” sunt variate soluții de culoare, acest lucru este firesc, pentru că a fost efectul de moment al luminii, schimbarea culorii naturii, asta l-a interesat în primul rând pe artist. Culoarea era principala lui preocupare și obsesia lui. Datorită experimentelor sale, Monet a putut să arate cât de frumoasă și diversă este lumea în orice vreme și orice iluminare. Cu toate acestea, analiză detaliată picturile din seria „Nuferi” ne permite să identificăm mai multe combinații de culori de bază.

• 1. Multicolore, culori strălucitoare. Monet folosește întreaga paletă pentru a transmite sentimentul momentului prezent. Relațiile de culoare contrastante transmit bogăția culorilor naturale într-o zi însorită. Clar cerul albastru, nuferi sclipind cu diferite culori, copaci pe mal, suprafata apei reflectand strălucirea soarelui. Privitorul absoarbe cu nerăbdare bogăția schemei de culori, reflexele multicolore ale soarelui răspândite pe întreaga suprafață a pânzei, simțind starea de spirit a unei zile calde și însorite.
• 2. Tonuri ușoare, delicate, atenuate. Culorile moi, atenuate transmit tandrețea și liniștea momentului, creând o senzație de ceață ușoară a dimineții. O stare de calm, liniște și liniște umple privitorul care stă în fața acestor lucrări. Autorul folosește blând culori pastelate: albastru deschis, roz deschis, violet deschis. Intercalate cu pete strălucitoare roșii și galbene de nuferi creează accentele necesare, astfel încât tranzițiile moi între culorile paletei să nu se contopească într-un loc indistinguibil fără rost. Galbenîn partea din stânga sus a compoziției, ilustrând reflexia frunzișului de toamnă sub razele soarelui, nu pare strălucitor datorită conexiunii și întrepătrunderii cu generalul schema de culori iaz. Toate liniile curg foarte ușor și lin una în alta, practic nu există contrast.
• 3. Tonuri întunecate, profunde. Tonurile întunecate și bogate transmit atmosfera de amurg sau vreme înnorată. Liniile sunt mai clare și mai contrastante. Tunurile sunt mai groase și mai saturate, culorile sunt mai strălucitoare și mai profunde. Pictura transmite senzația de adâncire a amurgului și măreția frumuseții naturii în lumina serii.

Poza unui celebru artist francez, unul dintre fondatorii impresionismului, Claude Monet, „Nuferi” a fost pictat în 1916.

Tabloul este pictat în ulei pe o pânză pătrată de doi metri. Artistul a pictat un tablou lângă iazul său preferat, unde a petrecut ore întregi admirând suprafața apei și nuferii jucându-se cu reflexe colorate.

Compoziţie

Pânza înfățișează o parte dintr-un iaz, apa în care strălucește cu nuanțe albastru-verde-violet. Nuferii volumetrici plutesc pe suprafața apei, roz cu o nuanță galbenă. Unele dintre ele sunt tăiate la margini, astfel încât spectatorii au senzația că poza este ceva mai mult decât ne-a arătat autorul. Acesta ar putea fi un iaz mare situat într-o grădină pitorească sau un lac pitoresc uriaș fără orizont.

Tehnica de performanță

Datorită liniilor verticale de verde și violet Monet a reușit să dea picturii dinamică, reflecție și senzație cantitate mare alge și rădăcini sub apă. Autorul a obținut natura multistratificată vizibilă a apei prin aplicarea de noi lovituri de apă pe frunzele de nufăr deja ilustrate. Zonele separate de pânză nevopsită dau picturii un sentiment de spontaneitate și incompletitudine.

Nuferii nu sunt neobișnuiți în picturile lui Claude Monet. Autorul a descris aceste uimitoare plante acvatice care își populează propriul iaz - de mai multe ori. După operația de îndepărtare a cataractei, percepția culorii artistului s-a schimbat, drept urmare a început să vadă culoarea ultravioletă invizibilă pentru lumină. Între 1914 și 1918, artistul a pictat aproximativ șaizeci de tablouri înfățișând nuferi. Claude Monet a construit un nou atelier dotat cu iluminat special special pentru lucrul pe pânze mari. Artistul a lăsat moștenire toate lucrările care înfățișează un iaz cu nuferi iubitei sale Franțe.

Cu toate acestea, astăzi picturile din seria „Iaz cu nuferi” decorează cele mai mari muzee pace. Picturile de Claude Monet ocupă un loc al treilea onorabil în clasamentul celor mai scumpe tablouri din lume. Pe 24 iunie 2008, unul dintre aceste tablouri a fost vândut de liderul pieței de artă, casa de licitatii Christie's pentru 41 de milioane de lire sterline. Tabloul „Nuferi” descris mai sus este în Muzeul National arta occidentala, situat în Tokyo.