Galeria Tretiakov pe Krymsky Val. Galeria Tretiakov

Din expoziția căreia am mers să facem cunoștință cu expoziția permanentă a galeriei, pur și simplu am parcurs primele câteva săli cu lucrări ale artiștilor primitivi de la începutul secolului XX... Poate în zadar, dar după Korovin primitivismul sincer al Natalia Goncharova și Niko Pirosmani arată cumva ciudat. În general, ne-am oprit doar la picturile fondatorilor societății de artă „Jack of Diamonds” Pyotr Konchalovsky și Ilya Mashkov. Și chiar și atunci - nu în portretele și naturile moarte preferate, ci în peisaje care evocă asocieri cu picturile lui Paul Cezanne. Nu este o coincidență că, în anii de maturitate, criticii l-au numit pe Jack of Diamonds „cezanneniști ruși”. Există un exemplu plăcut de progres creativ - de la primitivitate și rebeliune până la pictura cu drepturi depline...

Ilya Mashkov, „Italia. Nevri. Peisaj cu apeduct”, 1913

Ilya Mashkov, „Lacul Geneva. Glion”, 1914

Pyotr Konchalovsky „Siena. Piazza della Signoria”, 1912

Dar alți membri ai „Jack of Diamonds” - A. Lentulov, R. Falk, V. Rozhdestvensky - au intrat sub influența cubismului francez. Întrucât eu și Lena nu suntem fani ai acestei mișcări, ne-am plimbat prin aceste săli oarecum confuzi, deși se crede că „cubismul a jucat un rol extrem de important în autodeterminarea picturii rusești la începutul secolului XX, a influențat formarea avangardei ruse și a dat impuls noilor mișcări artistice. Cubismul reconstruiește natura, distrugând forma organică („aleatorie”) și creând una nouă, mai perfectă.” El, în cuvintele lui Malevich, a schimbat „viziunea despre lume a pictorului și legile picturii”.

Aici ne apropiem în mod logic de celebra „Pătrat Neagră”. Pentru: „Arta rusă, care a trecut dincolo Pe termen scurt toate etapele evoluției cubismului francez și după ce au învățat lecțiile celei mai recente picturi franceze, au depășit-o curând semnificativ în radicalitatea concluziilor artistice. Principalele concluzii ale cubismului pe pământ rusesc au fost suprematismul și constructivismul. Opera lui K. Malevich și V. Tatlin, două figuri centrale ale avangardei ruse care au determinat calea dezvoltării acesteia, s-a conturat sub influența profundă a conceptului cubist.”
„În 1915, crearea Pieței Negre de către Malevici a fost începutul suprematismului, una dintre cele mai radicale mișcări ale avangardei. „Piața Neagră” era semnul unui nou sistem de artă, nu înfățișa nimic, era liberă de orice legătură cu lumea pământească, obiectivă, reprezentând „forme zero”, în spatele cărora se află o inutilitate absolută. Suprematismul a eliberat complet pictura de funcția sa picturală.”
Este greu să comentezi istoria, esența dezvoltării este că totul își are locul și timpul lui. Dar „non-obiectivitatea” și pictura lipsită de „funcție picturală” din anumite motive nu ating sforile interioare ale sufletului nostru care sunt atrase de frumos... Iar Malevici însuși, ani mai târziu, a revenit la pictura mai puțin radicală...

Kazimir Malevich „Pătratul Negru”, 1915

Dar ce frumos este, după mai multe săli ale Suprematismului, să vezi culorile strălucitoare și formele magnifice ale lui Kustodiev, Kandinsky și iubitul nostru Bogaevsky! În sfârșit, o adevărată vacanță de pictură!

Boris Kustodiev „Marinarul și iubita”, 1921

Nikolai Kulbin „Baia de soare”, 1916

Wassily Kandinsky „Călărețul Sfântul Gheorghe Învingătorul”, 1915

Konstantin Bogaevsky „Memoria lui Mantegna”, 1910

Konstantin Bogaevsky „Peisaj cu copaci”, 1927

După aceasta, ne aflăm în sala imensă a celui mai luxos Alexander Deineka - păcat că anul trecut nu am putut ajunge la expoziția retrospectivă a lucrărilor sale din aceeași galerie Tretiakov, dar am ajuns la o modestă expoziție a lui. și grafica lui Nyssky la Muzeul de Artă din Sevastopol...

Alexander Deineka „Portar”, 1934

Alexander Deineka „Strada din Roma”, 1935

Alexander Deineka „Mama”, 1932

Peter Williams „Raliu cu motor”, 1930

Yuri Pimenov „Noua Moscova”, 1937

Nikolai Zagrekov „Fata cu bară transversală”, 1929

Georgy Nissky „Toamna. Semafore”, 1932

Konstantin Istomin „Vuzovki”, 1933

Konstantin Istomin „La fereastră”, 1928

În camera alăturată era o expoziție „Bucuria muncii și fericirea vieții” - un fel de pastilă colorată pe fundalul unor picturi destul de înfiorătoare din epoca lui Stalin. Doar câteva poze mi-au rămas în memorie - am vrut să uit de restul imediat după vizionare...

Georgy Rublev „Portretul lui I.V. Stalin”, 1935

„În ceea ce privește puterea sa acuzatoare”, scrie criticul de artă E. Gromov, „acest portret al lui Stalin este comparabil doar cu poemul lui O. Mandelstam („Trăim fără să simțim țara sub noi...”). Artistul Rublev, complet uitat la un moment dat, nu a intenționat ca acest portret să fie satiric. Dar mi-am dat seama că ar putea ajunge în Gulag. Stalinul lui Rublev nu are „pieptul lat al unui osetian”. Are un fel de figură de șarpe deșurubat, în care pare să fie ceva diabolic, este și teribil, insidios și rău. Artistul era atunci pasionat de Pirosmani, în felul căruia a pictat acest portret. Am scris-o și m-am speriat: s-a dovedit a fi o poză grotesc.” Portretul a fost găsit în pânzele vechi ale lui Rublev după moartea sa.

Robert Falk „Memorie”, 1930

Kazimir Malevich „Surorile”, 1930

Alexander Drevin „Gazelle”, 1931

Alexander Laktionov „Scrisoare din față”, 1947

Și așa am ajuns încet la realismul socialist cu tablouri uriașe de congrese și discursuri ale tovarășului Stalin. Și chiar am vrut să salvez ceva din această „sărbătoare a vieții” ca suvenir în camera mea, dar o îngrijitoare foarte aprigă s-a trezit în aceste săli - nu există nici un bilet pentru fotografie, nu-l lua! Și nu îi vei explica că muzeul încalcă „dreptul nostru constituțional de a căuta, primi, transmite, produce și distribui liber informații în orice mod legal” și că vânzarea „drepturilor de fotografiere” de către muzee este complet ilegală. De fapt, muzeul restricționează mai întâi ilegal drepturile vizitatorilor de a colecta informații, apoi elimină această restricție contra cost. Totuși, acesta este doar un vers ofensator - pur și simplu nu știam că fotografia a fost plătită și nu am cumpărat un bilet și nu am văzut rostul să ne întoarcem... Și de fapt, în acel moment, arta de a secolul al XX-lea ne obosise deja, iar priveliștea de la fereastră era îmbietoare la muzeul următor. Dar mai întâi a fost necesar să trecem prin labirint până la capăt... Și acest spectacol nu este pentru cei slabi de inimă - sălile sunt foarte arta contemporana ni s-a părut o concentrare de groază mohorâtă, o energie foarte întunecată, deznădejde. În general, am trecut prin ele destul de repede - ne-am dorit aer, și...! Ne-am uitat din nou la expoziția lui pentru a nu părăsi această clădire Tretiakov cu inima grea. Aceasta este o adevărată artă - strălucitoare și care afirmă viața! După ce ne-am înveselit, am mers mai departe pentru a ne umple de cultură - la vechea clădire, am vrut, știți, Vrubel, Levitan, ...

Galeria Tretyakov din Krymsky Val, 18 mai 2013, 10:00–0:00 - puteți vizita gratuit expoziția permanentă și expozițiile (de exemplu, Boris Orlov și Mihail Nesterov) toată ziua, în hol este așteptată o emoție specială. Va fi un magazin de suveniruri unde se vor vinde genți și caiete cu desene ale artiștilor din secolul XX, o bibliotecă unde te poți uita prin cataloage și reviste de artă și o zonă de creativitate pentru copii. În apropiere, artistul Proteus Temen va instala instalația „Balls”. Bucătăria restaurantului Delicatessen va fi amplasată în curtea muzeului, iar acolo va cânta muzică de la 19.00 la 0.00: Nikita Zeltser la pian și DJ Taras 3000.

Abilitățile mele profesionale nu au nimic de-a face cu lumea frumuseții și a artei. Nu am fost niciodată implicat în pictură sau ceva asemănător; Cunoștințele despre artă sunt cele mai elementare, culese din cele mai multe surse diferite V perioade diferite viaţă. Dar pentru mine, o pictură sau o sculptură este mai mult decât o simplă artă. Aceasta este o lume întreagă uriașă, cufundată în contemplarea căreia, uit de tot ce este în lume.

Mergi la Galeria Tretiakov- aceasta este o sărbătoare a sufletului. eu pentru o lungă perioadă de timp Am fost doar pe Lavrushinsky Lane, deși clădirea de pe Krymsky Val nu este atât de departe. Pe vreme buna se poate merge, distanta este de aproximativ 1,5 km.
Am vrut de mult să văd ce este acolo? Ce fel de artă din secolul XX este? Există o colecție mare acolo? Și întrebarea principală este, măcar îmi va plăcea?

Și așa m-am pregătit și am plecat. Galeria este situată chiar în centrul parcului de artă Muzeon, care în sine este foarte interesant. Ca structură arhitecturală, clădirea galeriei nu este remarcabilă și arată destul de dur.

La parter există un vestiar, o cafenea, o casierie și o toaletă. Așadar, după ce ați terminat cu formalitățile, puteți urca la etajul 4, unde se află expoziția permanentă.

Colecția muzeului este foarte diversă și interesantă. Unele picturi nu mi-au fost clare, de exemplu, binecunoscuta „Pătrat neagră” de K. Malevich. Alții reflectau străzile orașului cunoscute mie într-un mod atât de interesant încât puteam înțelege că ele erau doar din numele picturilor.

Galeria este pur și simplu uriașă, poți merge acolo câteva ore, sunt o mulțime de sculpturi.

După părerea mea, galeria va fi de interes pentru toată lumea, chiar și pentru cei cărora nu le place arta contemporană. După părerea mea, majoritatea tablourilor sunt interesante, nu frumoase. Dacă doriți să priviți picturi frumoase, acestea sunt adunate în Lavrushinsky Lane. Unele dintre picturi au adus zâmbete vizitatorilor, în timp ce altele au fost de puțin interes pentru nimeni. Dar cu cât era mai neclar ceea ce era înfățișat acolo, cu atât mai mulți oameni se adunau în jurul pânzei.

Este imposibil să transmit totul, mi-ar plăcea să merg din nou.

arta secolului XX

Zinaida Evghenievna Serebryakova. „În spatele toaletei. Autoportret." 1909

Kuzma Sergheevici Petrov-Vodkin (1861–1939). Scăldarea calului roșu 1912. Ulei pe pânză. 160x186

În 1912, la expoziția World of Art, a apărut pictura lui K. S. Petrov-Vodkin „Scăldarea calului roșu”, pe care publicul, artiștii și criticii l-au perceput ca un semn de reînnoire. La începutul anilor 1910, când ideile vechi despre artă deveneau învechite, iar în mediul artistic aveau loc aruncări violente, pictura „Scăldat calul roșu” părea multora a fi o idee care putea concilia vechiul și nou, „stânga”. și „dreapta”, academicieni și World of Art. Artistul a „construit” o lucrare monumentală, dându-i „programaticitate”, găsind o formă semnificativă, capabilă să exprime un conținut profund și încăpător. Pictura a devenit un exemplu de integritate artistică, întruchiparea absolută a unei decizii artistice, care la începutul secolului al XX-lea era un fenomen rar în pictura rusă. A combinat organic cel mai mult tradiții diferite- icoane antice rusești și picturi monumentale ale Renașterii, arte decorative, stil Art Nouveau și plasticitate aproape clasică în interpretarea figurilor.

Spațiul picturii este astfel organizat încât, datorită liniei înalte a orizontului, care se află parcă în afara compoziției în sine, se ridică și se îndreaptă efectiv către privitor, limitat la planul propriu-zis al tabloului. pânză. În același timp, adâncimea nu dispare: privitorul o simte datorită reducerii la scară mare a figurilor de fundal.

Autorul pare să polemizeze cu tehnicile de pictură impresionistă, sub vraja cărora se aflau mulți artiști la acea vreme, rămâne departe de principiul cubist al implementării formei și nu este interesat de experimentele futuriste.

O altă trăsătură a acestei imagini este caracteristică întregii opere a lui Petrov-Vodkin: în ciuda faptului că intriga lucrării este în mod deliberat de zi cu zi (scăldat un cal), nu conține o poveste despre eveniment. Și deși intriga este destul de evidentă, pictorul reușește să o ridice la o anumită imagine ideală. Una dintre tehnicile prin care își atinge scopul este interpretarea culorii, în primul rând figura principală (calul roșu). În același timp, nu există nici un „afiș” aici cu caracterul său deliberat. Mai degrabă, tradițiile artei antice rusești sunt prezente: un cal roșu este adesea găsit pe icoane (roșul este frumos). Patosul resimțit în mod clar al picturii, expresia spiritualității ca stare profund internă, o fac întruchiparea viziunii naționale rusești asupra lumii. Lucru de șevalet Datorită semnificației sale interne, conținutului spiritual și absenței detaliilor întâmplătoare, este percepută ca o creație monumentală.

Evgheni Evgenievici Lanceray (1875–1946). Împărăteasa Elizaveta Petrovna în Tsarskoe Selo 1905. Hârtie pe carton, guașă. 43,5x62

Contemporan mai tânăr al artiștilor „World of Art”, Lanseray stăpânește cu măiestrie limbajul figurativ al „visătorilor retrospectivi”, recreând în mod detașat și în același timp ironic stilul de viață al betelii de curte a secolului „de aur” al XVIII-lea. Ieșirea Elizavetei Petrovna cu alaiul ei este interpretată de artistă ca un fel de reprezentație teatrală, unde figura maiestuoasă a împărătesei este percepută ca o prelungire a fațadei palatului. Compoziția se bazează pe contrastul unui cortegiu magnific de curte, splendoare fantezică arhitectura barocși parterul pustiu al unui parc obișnuit. Artistul este fascinat de apelul nominal al elementelor decorative arhitecturale și a detaliilor de toaletă. Trenul împărătesei seamănă cu o cortină de teatru ridicată, în spatele căreia suntem prinși prin surprindere de actorii curții care se grăbesc să joace rolurile obișnuite. Ascuns în amestecul de fețe și figuri este un „personaj ascuns” - un tânăr negru, care transportă cu sârguință trenul imperial. Nici un detaliu curios nu a fost ascuns de privirea artistului - o cutie de tabat neînchisă în mâinile agitate ale domnului favorit. Pâlpâirea modelelor și a petelor de culoare creează senzația unui moment reînviat din trecut.

Konstantin Andreevici Somov (1869–1939). Lady in Blue 1897–1900. Ulei pe pânză. 103x103

„Lady in Blue” este un portret care îl înfățișează pe artistul E. M. Martynova, un prieten apropiat al autorului și colegul său de clasă la Academia de Arte. În fața noastră se află un parc antic stilizat și o femeie îmbrăcată într-o rochie luxoasă din secolul al XVIII-lea, cu propria ei lume spirituală complexă. Portretul retrospectiv creat de artist este un fenomen nou în arta rusă. Detaliile „epocii galante” și aspectul rafinat al unei doamne dornice sunt combinate în imagine. Epoca de argint Drept urmare, ele transmit spiritul unei epoci complexe și contradictorii.

Compoziția se bazează pe o comparație a planurilor și a soluției lor coloristice. Figura feminină zveltă se încadrează perfect în formatul pătrat al pânzei, ceea ce conferă portretului o anumită reprezentativitate. Sclipirea culorii albastre profunde a hainelor eroinei scoate în evidență transparența umbrelor albăstrui ale feței ei fin pictate, umerii fragili deschiși și subliniază expresivitatea gestului mâinilor ei frumoase. Toată plasticitatea modelului amintește de marii maeștri ai erelor trecute. Un parc antic cu un iaz și un cuplu care cântă muzică în depărtare contrastează clar cu starea de spirit a persoanei înfățișate. Aceasta este mai degrabă o amintire-parc, în care timpul a atenuat toate culorile, iar frunzele tufișului, care este fundalul figurii în albastru, sunt de o culoare ciudată „fără viață” (la fel ca frunzișul de pe vechiul decolorat). tapiserii). Legătura de legătură dintre trecut și prezent este aici o figură masculină, în a cărei înfățișare este ghicit autorul imaginii.

În opera lui Somov, portretul lui E. M. Martynova ocupă un loc aparte, nu va mai crea niciodată ceva echivalent cu „Doamna în albastru” în ceea ce privește sublimitatea, poezia și puritatea imaginii, în ceea ce privește puterea expresivității și a dobândit; „absolut” de întruchipare artistică.

Victor Elpidiforovici Borisov-Musatov (1870–1905). Rezervor 1902–1903. Ulei pe pânză. 177x216

Picturile lui Borisov-Musatov conțin invariabil un sentiment de mister incitant, inexplicabil. Motivul principal prin care se deschide artistului lumea ascunsă sub ceata culorilor este cuiburi nobile, în descompunere moșii vechi. Ritmurile muzicale netede ale compozițiilor lui Borisov-Musatov reproduc din nou și din nou temele sale preferate: acestea sunt colțurile parcului și figuri feminine, care par a fi imagini ale sufletelor umane rătăcind într-un tărâm semi-real de vis.

Pictura „Reservoir” a fost creată în parcul moșiei prințesei Prozorova-Golitsyn Zubrilovka în cel mai fericit moment pentru artist: Elena Vladimirovna Alexandrova a acceptat să devină soția sa. Sora sa, Elena Borisova-Musatova, și mireasa au pozat pentru artistă, întruchipând imaginile Eternei feminități.

În ciuda faptului că pânza a fost pictată din natură - un adevărat parc cu un iaz și femei adevărate, toată lumea a văzut în ea altceva decât această lume. Semi-realitatea misterioasă și atemporalitatea picturii au devenit cea mai poetică manifestare a viziunii simboliste asupra lumii viselor. Artistul înfățișează rezervorul, ale cărui contururi erau de fapt un cerc perfect, ca un oval mare, marginile sale extinzându-se dincolo de pânză. Această formă geometrică, atât de îndrăgită de Musatov, este redată de o fustă similară, dar mai mică, a uneia dintre eroine, așezată într-un oval frumos. Combinația lor stabilește imediat un anumit ritm muzical pentru întreaga lucrare. Construcția particulară a compoziției - excluderea liniei orizontului din imagine - este o tehnică importantă. Folosind-o, pictorul apropie în mod deliberat primul și al doilea plan, făcând pânza mai plată. Eroinele, situate în prim-plan, sunt situate sub iaz, iar suprafața apei în sine, senină și limpede ca cerul, atârnă literalmente peste ele. Rezultatul este iluzia unei oglinzi adevărate, ridicată și așezată vertical. Dintr-un peisaj obișnuit se naște o imagine complet diferită, o nouă realitate – care era foarte tipică artiștilor simboliști.

Filip Andreevici Malyavin (1869–1940). Vârtej 1906. Ulei pe pânză. 223x410

În munca sa către pictura tradițională rusă temă populară artistul a abordat-o în felul său, subliniind puternicul principiu elementar din imaginile feminine, dându-le monumentalitate. Pictura îndrăzneață a lui Malyavin cu fundalurile sale convenționale, figurile mari, spațiul puțin adânc și culoarea neobișnuit de sonoră este decorativ decorativ. Cu toate acestea, la începutul secolului al XX-lea, contemporanii îl priveau ca pe un fel de provocare.

În tabloul „Vârtej”, țărănele dansează ca și cum „ eroine de basm vechi epopee rusești”. Ei implică elementele naturii în dansul lor rotund. Hainele curgătoare formează șuvoaie spontane de mișcări colorate, care amintesc de bufeuri de flăcări, șuvoaie reci de apă, suflarea arzătoare a vântului sau pajiști acoperite cu flori. Picturii i se conferă un dinamism aparte mișcările libere ale pensulei, corespunzătoare ritmului dansului vârtejului. I. E. Grabar l-a sfătuit pe Malyavin să picteze cu vopsele speciale, cu uscare lungă. Drept urmare, pictura a început să semene cu lava vulcanică și a apărut efectul unui fel de mozaic în mișcare. Formele și culorile curg unele peste altele, creând tensiune internă. Acest lucru sporește expresivitatea imaginii, construită la intersecția diferitelor tendințe stilistice - impresionism și modernism. Lucrarea a fost creată în timpul primei revoluții ruse. În intriga sa, în culoarea roșie aprinsă, se pot vedea atât speranța pentru o renaștere spirituală, cât și o presimțire a forțelor de distrugere înflăcărate.

Alexandru Nikolaevici Benois (1870–1960). The King's Walk 1906. Hârtie pe pânză, acuarelă, guașă, vopsea bronz, vopsea argintie, creion grafit, stilou, pensulă. 48x62

Numele lui A. N. Benois este asociat cu apariția în 1898 a asociației World of Art, al cărei fondatori și lider ideologic a fost unul dintre fondatorii. Benois a fost un artist, teoretician și critic de artă, a fost autorul multor monografii și studii dedicate atât maeștrilor individuali ai picturii, cât și istoriei artei în general. Lucrarea artistului Benoit este dedicată în principal două teme: „Franța în epoca Regelui Soare” și „Sankt Petersburg în secolul al XVIII-lea - începutul secolului al XIX-lea”, care au fost întruchipate într-un anumit tip de pictură istorică, creând un. privire „retrospectivă” specială asupra trecutului. Artistul a abordat aceste teme în picturile sale istorice și lucrările peisagistice, executate din viața din Sankt Petersburg și palatele din jur, precum și în Franța, la Versailles, unde a vizitat adesea o lungă perioadă de timp.

Când a descris plimbările regelui, autorul nu a ignorat nimic: nici priveliști ale parcului cu arhitectură de grădină (au fost pictate din viață), nici spectacole de teatru, foarte la modă în cele mai vechi timpuri, nici scene cotidiene desenate după un studiu atent al materialului istoric. „The King’s Walk” este o lucrare foarte impresionantă. Privitorul îl întâlnește pe Ludovic al XIV-lea mergând prin creația lui. Este toamnă la Versailles: copacii și tufișurile și-au lăsat frunzele, ramurile lor goale se uită singuratic pe cerul cenușiu. Apa este calmă. Se pare că nimic nu poate tulbura iazul liniștit, în oglinda căruia se reflectă atât grupul sculptural al fântânii, cât și cortegiul decor al monarhului și anturajul său.

Reflectând la vremea lui Ludovic al XIV-lea, Benoit scria: „Nu am avut un cult special al personalității lui Louis Catorza... Dar oboseala senilă a epocii, începutul unui declin al gustului, care a înlocuit aroganța tinerească, nepăsarea și un sentiment de frumusețe maiestuoasă, au făcut dintr-o dată această lume lumea mea.”

Igor Emmanuilovici Grabar (1871–1960). Crizanteme 1905. Pânză, tempera, pastel. 98x98

I. E. Grabar este o figură universală în cultura artistică rusă: artist, istoric de artă, profesor, restaurator, muzeu și personaj public. Din 1913 până în 1925, a fost directorul Galeriei Tretiakov și a creat o nouă expoziție în muzeu, bazată științific și cu un concept atent gândit, care a devenit un fel de model pentru expozițiile muzeale ulterioare.

Grabar a acceptat căutarea maeștrilor francezi, folosind în mod activ tehnicile divizionismului - aplicarea separată a vopselelor pe pânză. „Crizanteme” este cea mai spectaculoasă natură moartă a artistului. Buchetele luxuriante de flori sunt prezentate într-o cameră bine luminată, parcă în aer liber. Spațiul este umplut cu aer în care este cald lumina soarelui exteriorul ferestrelor se leagă de răcoarea interiorului. Suprafața picturală este formată din lovituri de relief fracționate care transmit vibrația mediului lumină-aer. Culoarea este împărțită în tonuri calde și reci, de unde nuanța verzuie a crizantemelor galbene, jocul de nuanțe de galben și albastru, roz și verde pe suprafața feței de masă, strălucirea sidefată a vazei. Pâlpâirea liniilor colorate creează efectul unei atmosfere schimbătoare, în mișcare, care a absorbit reflexele de culoare, învăluind obiectele din cameră. Cu toate acestea, această tehnică îi permite artistului să transmită cu acuratețe tangibilă textura obiectelor: transparența sticlei, vasele prețioase din porțelan, albul orbitor al unei fețe de masă amidonate, tandrețea și catifelarea crizantemelor.

Serghei Timofeevici Konenkov (1874–1971). Nike 1906. Marmură. 32x19x12

S. T. Konenkov este un artist a cărui operă este dominată de profunzimea și înțelepciunea generalizărilor figurative largi, curaj, glorificarea frumuseții omului și a impulsurilor sale nobile, dorința sa de libertate. Capul de marmură „Nike” este una dintre cele mai bune lucrări ale lui Konenkov. Maestrul a fost capabil să exprime idei mari despre timp și simbolismul evenimentelor semnificative în lucrări de orice gen și dimensiune. Astfel, micul „Nike” captivează prin inspirația sa radiantă. Ideea Victoriei este întruchipată de sculptor în imaginea unei fete foarte tinere cu trăsături naționale rusești pronunțate. Modelul sculptorului a fost un lucrător al fabricii Trekhgornaya. Imaginea lui Nike, fără a-și pierde caracterul de portret, s-a transformat într-o întruchipare poetică a bucuriei, zborului și indestructibilității. Această regândire uimitoare, cu adevărat poetică, a naturii este una dintre cele mai puternice trăsături ale operei lui Konenkov.

Multe dintre cele mai bune lucrări ale maestrului sunt executate în marmură. Cel mai adesea acestea sunt lucrări în care, în cuvintele sculptorului, „frumoasele forme umane întruchipează cele mai bune caracteristici caracter uman"

Natalia Sergheevna Goncharova (1881–1962). Autoportret cu crini galbeni 1907. Ulei pe pânză. 58,2x77

N. S. Goncharova - una dintre primele „Amazone ale avangardei”, o femeie artistă noua formatie- a pictat un autoportret în atelierul ei din Moscova, în interior sunt expuse lucrările ei din perioada impresionistă; Pânza este pictată expresiv, cu lovituri rapide care amintesc de picturile lui Van Gogh. Imaginea este strălucitoare și lirică, florile îi conferă o calitate poetică deosebită - un buchet de crini care îl îmbrățișează pe Goncharov pentru sine. De asemenea, servește ca un accent coloristic, o pată roșie aprinsă iese în evidență pe fundalul general al pânzei.

Mihail Fedorovich Larionov (1881–1964). Primăvară. Anotimpuri (New primitive) 1912. Ulei pe pânză. 118x142

Liderul mișcării de avangardă rusă de la sfârșitul anilor 1900 - începutul anilor 1910, M. F. Larionov a atașat mare valoare sincer, naiv și aparent frivol creativitatea copiilor, deoarece este întotdeauna imediată și vine din adâncul conștiinței copilului. Imitând naivii desen pentru copii, artistul a căutat să creeze lucrări la fel de sincere și spontane. Privind lumea prin ochii unui copil, Larionov a scris un ciclu de picturi, „Anotimpuri”, în care fiecare anotimp este reprezentat de o simplă imagine a unei figuri feminine, urmată de o explicație scrisă în mod deliberat neglijent. Cu toate acestea, punerea în aplicare a planului s-a dovedit a nu fi copilăresc de profundă.

Primăvara este înconjurată de îngeri înaripați stângaci, o pasăre de primăvară îi aduce o crenguță cu boboci înfloriți; în dreapta, îngrădit de o dungă verticală, crește același copac care poate fi interpretat ca Arborele Cunoașterii biblic. În partea dreaptă a „registrului” inferior al imaginii, sunt reprezentate profiluri masculine și feminine, pe ambele părți cu fața către Arborele Cunoașterii - imagini ale Adamului și Evei primitivi, aparent experimentând trezirea sentimentelor tandre, la fel ca natura însăși. se trezește și, poate, după ce a gustat deja din fructe interzise. În același spațiu, destul de jos, altul poveste biblică- „Expulzarea din Paradis”. În câmpul din stânga aceluiași „registru” inferior urmează o descriere naivă a primăverii, parcă făcută de un copil: „Primăvara e limpede, frumoasă. Cu culori strălucitoare, cu nori albi”, în care se simte însă o anumită viclenie a artistului. Nu întâmplător în subtitlul titlului citim „New Primitive” și se încheie mental cu „...pe o temă eternă”.

Alexandru Iakovlevici Golovin (1863–1930). Portretul lui F. I. Chaliapin în rolul lui Holofernes 1908. Pânză, tempera, pastel. 163,5x212

„Portretul lui F. I. Chaliapin în rolul lui Holofernes” este unul dintre cele mai bune lucrări artist şi scenograf A. Ya Golovin. Reproduce punerea în scenă din opera lui A. N. Serov „Judith”. Chaliapin-Holofernes se întinde pe un pat luxos într-un cort decorat luxos, ținând o ceașcă în mâna dreaptă și arătând cu stânga cu un gest arogant înainte. Compoziția pânzei este construită după legile picturii de șevalet, iar unghiul modelului și iluminarea arbitrară a obiectelor conferă lucrării caracterul picturii în frescă. Figura lui Chaliapin în rolul liderului militar asirian aproape că se îmbină cu fundalul, ceea ce îl face să arate ca un fel de model decorativ. Pânza este pătrunsă cu o mișcare de tip val, care este principalul motiv plastic care exprimă personajul soluție muzicală imaginea unui comandant estic. Sunetul coloristic al lucrării este extrem de bogat. În acest portret de teatru, Golovin, cu culoarea bogată și strălucitoare a costumului și a coifului artistului, pare să sublinieze frumusețea vocii marelui cântăreț rus.

Konstantin Alekseevici Korovin (1861–1939). Trandafiri și violete 1912. Ulei pe pânză. 73,2x92

Numele lui K. A. Korovin este asociat cu apariția impresionismului în pictura rusă. În anii 1910, Korovin a devenit interesat de naturile moarte, care au întruchipat căutările sale inovatoare în domeniul decorațiunii teatrale. A pictat adesea trandafiri - luxoase și fragede, simboluri ale pasiunii și ale bucuriei de a fi. Cu mișcări mari, artistul creează un „portret” al fiecărei flori, iar trandafirii săi înfloresc pe pânză, izbind prin prospețimea nestingherită a culorilor lor.

O natură moartă cu trandafiri, un mic buchet de violete mov, o portocală roșie, un vas de zahăr și o cafetieră este înfățișată pe fundalul unei ferestre deschise cu vedere la un bulevard parizian de seară. Strada este transformată de lumina incertă a felinarelor într-o pâlpâire fantomatică de lumini; natura moartă este luminată din interiorul camerei și pare nefiresc de strălucitoare. Lumina pare să creeze joc de magie transformarea realității.

Nikolai Petrovici Krymov (1884–1958). Peisajul Moscovei. Curcubeu 1908. Ulei pe pânză. 59x69

Deja primele picturi ale tânărului Nikolai Krymov au demonstrat asta în rusă pictura peisajului a intrat un locuitor al orașului, capabil să vadă frumusețea lumii printre casele orașului și acoperișurile colorate, să simtă viața secretă a naturii printre agitația și zgomotul orașului. Pânză „Peisajul Moscovei. Rainbow” ocupă un loc special în opera lui Krymov. Combină viziunea simbolistă asupra lumii și căutarea impresionistă a artistului: curcubeul este literalmente aranjat în culori, iar peisajul însuși în ansamblu reprezintă în ochii simbolistului o corespondență mistică între lumile cerești și cele pământești.

Imaginea lumii pare fragilă și asemănătoare jucăriei, parcă ar fi văzută prin ochii unui copil. Un curcubeu umbrește spațiul, fragmentele lui alunecă pe acoperișuri și scânteie în ferestre; Un copil aleargă pe calea pieței cu o roată în mâini - un „prototip” de jucărie al curcubeului. În această lume plină de culoare, autorul și-a ascuns inițialele pe o placă de magazin.

Pictura simbolizează triumful unei lumi transformate, în care lumina curcubeului pătrunde în fiecare parte a existenței. Stilul pictural al lui Krymov contribuie la strălucirea suprafeței. Mijloacele în relief creează pe suprafața pânzei efectul unei glazură prețioasă, irizată de majolica.

Pavel Varfolomeevici Kuznetsov (1878–1968). Seara în stepă 1912. Ulei pe pânză. 96,7x105,1

Unul dintre principalii maeștri ai „Trandafirului albastru”, P. V. Kuznetsov a călătorit în jur Asia Centrală, aducând din călătorie amintiri din viața popoarelor răsăritene și lucrări care au surprins mult din ceea ce a văzut. În pictura „Seara în stepă”, artistul a descris o scenă din viața nomazilor kârgâzi. Femeile sunt ocupate cu activitățile de zi cu zi, oile pasc în liniște și pacea și liniștea sunt răspândite în jur.

Natura odihnitoare și omul sunt într-o unitate armonioasă. Nu există detalii inutile în compoziție: doar pământul, cerul, copacii subțiri, câteva oi și două siluete feminine, învăluite în lumină moale; Nu există aici caracteristici topografice sau etnice specifice, datorită cărora granițele a ceea ce este descris sunt extinse la o scară universală. Spațiul se apropie de convenție;

Vasili Vasilievici Kandinski (1866–1944). Improvizaţie 7 1910. Ulei pe pânză. 97x131

V. V. Kandinsky este considerat unul dintre fondatorii picturii abstracte. El a văzut calea artei noi în dorința de a transmite conținutul intern al formelor exterioare ale lumii și, ca urmare a acesteia, în respingerea reprezentării sale realiste. În opera sa, artistul a căutat să transmită sentimente personale nu cu ajutorul unor forme obiective (prin una sau alta complot), ci doar prin mijloace picturale. De exemplu, în loc de genurile obișnuite ale artei figurative, a folosit impresia, improvizația și compoziția.

Improvizația este o expresie a proceselor interne care se produce brusc, în principal inconștient. „Improvizația 7” este una dintre primele lucrări ale lui Kandinsky. Lumea obiectivă de aici se dizolvă în mișcarea planurilor și liniilor, complex armonizate în culoare.

Kazimir Severinovici Malevici (1878–1935). Portretul artistului M. V. Matyushin 1913. Ulei pe pânză. 106,5x106,7

Până în 1913, printre futuriștii ruși a apărut o mișcare artistică - cubo-futurismul. Creatorii săi au căutat să sintetizeze ideile de futurism și cubism. Sarcina principală a futurismului este de a transmite un sentiment de mișcare.

Malevici a compus portretul lui Matyushin din diferite planuri geometrice, ceea ce la prima vedere îl face similar cu stilul operelor cubiste ale lui Picasso și Braque. Dar există și o diferență semnificativă: fondatorii cubismului au scris în principal în tehnică monocromă, în timp ce Malevich folosește în mod activ schema de culori. O altă caracteristică a picturii: în ciuda întregului abstract, detaliile realiste sunt împrăștiate pe pânză. De exemplu, o parte a frunții cu părul pieptănat în mijloc, repetă exact coafura lui Matyushin, conform mărturiei oamenilor care l-au cunoscut. Acesta este poate singurul detaliu care indică faptul că acesta este un portret. Matyushin nu a fost doar un artist, ci și un compozitor, așa că nu este greu de ghicit că linia dreptunghiurilor albe care împarte imaginea în diagonală este o tastatură de pian (și fără taste negre - un indiciu la originalitatea sistemului muzical al lui Mihail Vasilyevich Matyushin). ).

Stanislav Iulianovici Jukovski (1875–1944). Mai vesel 1912. Ulei pe pânză. 95,3x131,2

S. Yu Zhukovsky, un artist rus de origine poloneză, a descris interiorul în pictura „Joyful May” casă de țară, prin fereastra deschisă a căreia izbucnește o zi caldă și însorită de mai, transformând întreaga încăpere cu jocul de lumină. Lucrarea continuă tradițiile picturii interioare ale epocii romantice, în primul rând școala lui A. G. Venetsianov. Interiorul plin de soare a fost pictat sub influența impresionismului, a cărui versiune rusă este caracterizată de o notă lirică.

Pereții vechi din lemn, scaunele Empire cu tapițerie albastră așezate de-a lungul lor între deschiderile ferestrelor și portretele locuitorilor acestei case, care au murit de mult, pot spune multe. Interiorul este plin de un motiv de profundă nostalgie. Totul aici respiră trecutul, dar lumina veselă care se răspândește peste tot în luna mai atenuează notele minore și face ca acest interior să prindă treptat viață. Flori albastre pe pervazul iluminat - ca simbol al celor care au venit la casa veche reînnoire caracteristică întregii naturi.

Boris Mihailovici Kustodiev (1878–1927). Maslenitsa 1916. Tempera pe pânză. 61x123

Pânzele pictorului, graficianului și artistului de teatru B. M. Kustodiev pe tema festivităților și sărbătorilor de iarnă sunt pline de bucurie și distracție. Printre acestea, locul central aparține imaginii rusoaicei Maslenița cu călărie, lupte cu pumnii și cabine. Pentru artist, această sărbătoare este ca un carnaval, în care totul este decorativ și frumos: se plimbă oameni îmbrăcați bogat în șaluri colorate și blană; caii se întrec, împodobiți cu panglici, clopoței și flori de hârtie; și chiar natura însăși părea să-și îmbrace cele mai bune ținute.

În numeroasele sale picturi dedicate Masleniței și altor festivaluri populare, a fost important pentru Kustodiev să sublinieze vârtejul amețitor al emoțiilor. Poate de aceea principalul motiv al mișcării în ei a fost întotdeauna troica curse incontrolabile. Dinamica acestor lucrări se bazează pe tehnici de compoziție ale artei teatrale și decorative: jocul contrastant de lumini și umbre, utilizarea „scenelor”. Aceste pânze sunt atât de decorative în culoarea lor și construcție compozițională, care seamănă cu cutii pictate ciudate. Cu atât mai surprinzător este faptul că majoritatea lucrărilor maestrului au fost scrise din memorie și reprezintă imagini generalizate ale lui Rus în ansamblu. Eroii lor sunt curățați de tot ce este negativ: sunt amabili, poetici, plini de demnitate și trăiesc în respectarea legilor și tradițiilor. Și există un sentiment involuntar că modul în care lumea patriarhală devine inevitabil un lucru al trecutului.

Robert Rafailovici Falk (1886–1958). Mobilier roșu 1920. Ulei pe pânză. 105x123

R.R. Falk a fost pictor, desenator, artist de teatru și membru al unor asociații precum „World of Art”, „Jack of Diamonds”, iar mai târziu OMH și AHRR. Pânzele acestui artist se disting prin volumul lor de formă frumos transmis. În unele lucrări maestrul a introdus o deformare ascuțită, ceea ce i-a permis să sublinieze tensiunea interioară în imagine.

Acest lucru poate fi remarcat și în pictura „Mobilier roșu”: în ciuda faptului că nu există personaje, schimbările de forme și expresia culorii sunt atât de saturate de emoții încât privitorul dezvoltă involuntar un sentiment de presimțire alarmantă. Impresia este sporită de modul de a scrie temperamental, chiar „emotionat”, subliniind tensiunea ritmului format de obiectele aflate în cameră și umbrele care cad din acestea. Scaunele cu spătar înalt și o canapea sunt „îmbrăcate” în huse roșii. Ele ascund adevăratele forme ale mobilierului și îi conferă contururi neclare. În centrul compoziției se află o masă, pe suprafața căreia are loc un fel de bătălie: negru și culorile albe- ca imagine a opoziției absolute și în același timp a unității eterne a lumii.

David Petrovici Shterenberg (1881–1948). Aniska 1926. Ulei pe pânză. 125x197

D. P. Shterenberg a fost unul dintre organizatorii activi și membrii Societății Pictorilor de șevalet. Lucrările maestrului sunt caracterizate de claritatea expresivă a imaginilor, compoziția laconică, generalitatea și claritatea desenului și construcția în mod deliberat a spațiului.

Cu toate acestea, eroina artistului nu este veselă, fericit cu viata un sportiv, dar o țărancă, în mintea căreia se păstrează pentru totdeauna amintirea foametei anilor ’20. Ea stă lângă masă, pe ea este o farfurie cu o crustă de pâine neagră. Masa este absolut goală, este un câmp gol cu ​​un singur obiect simbolic - pâinea. Shterenberg refuză să reproducă realitatea în detaliu, creând un spațiu condiționat iluzoriu albastru-maro.

Folosind mijloace rare, dar calibrate precis de culoare și compoziție, Shterenberg recreează tragedia epocii.

Serghei Alekseevici Luchișkin (1902–1989). Mingea a zburat în 1926. Ulei pe pânză. 69x106

S. A. Luchishkin - artist sovietic, s-a alăturat „al doilea val” post-revoluționar al avangardei ruse, a participat la o serie dintre cele mai radicale experimente artistice din anii 1920. Conținutul scenic și jucăuș, de obicei foarte dramatic, distinge cele mai bune lucrări de șevalet ale maestrului.

Imaginea realității pe care autorul a creat-o în pictura „The Ball Flew Away” vine în contradicție cu arta oficială sovietică a anilor 1920. Artistul a înfățișat clădiri înalte, parcă strângea spațiul dintre ele. Într-o curte goală, în fundal, delimitată de un gard, stă o fetiță. Ea se uită la mingea care zboară în spațiul gol nesfârșit. Ferestrele arată scene din viața de zi cu zi a locuitorilor clădirilor înalte. Artistul nu arată viitorul luminos și fericit al poporului sovietic, ci povestește despre viața de zi cu zi reală, departe de romantică. Prin naivitatea exterioară apar semne tragice: o figurină agățată a unei sinucideri în colțul tablou faimos stăpâni

Marc Zakharovich Chagall (1887–1985). Deasupra orașului 1914–1918. Ulei pe pânză. 141x197

Capacitatea de a combina înaltul cu obișnuitul este o calitate individuală a operei lui M. Z. Chagall, unul dintre cei mai cunoscuți reprezentanți ai avangardei artistice a secolului al XX-lea. Tabloul „Deasupra orașului” înfățișează doi îndrăgostiți - artistul și iubita sa Bella, care se învârt peste Vitebsk cu ușurință, grație și natural, ca și cum pur și simplu s-ar plimba pe potecile parcului. A iubi, a fi fericit și a zbura deasupra unui oraș de zi cu zi este la fel de firesc ca să te ții unul pe celălalt în brațe - aceasta este ideea pe care o afirmă eroii.

Acest tablou Chagall a fost destinat unei soarte ciudate. Fiind proprietatea Galeriei de Stat Tretiakov, a devenit poate cea mai mare lucrare populară artist în spațiul post-sovietic. Motivul pentru aceasta a fost în mare parte accesibilitatea sa pentru vizionare, spre deosebire de acele lucrări Chagall care au fost ascunse în mod sigur de privirile indiscrete. perdea de fier. Afundându-te în lumea caselor mici și a gardurilor șubrede, pictate atât de atent de maestru, începi să te surprinzi crezând că te afli în Vitebsk-ul tinereții lui Chagall - un oraș care, din păcate, nu mai există. „Wattels și acoperișuri, case din bușteni și garduri și tot ce se deschidea mai departe, în spatele lor, m-au încântat. Ce anume - puteți vedea în pictura mea „Deasupra orașului”. Și vă pot spune. Un lanț de case și gherețe, ferestre, porți, găini, o fabrică cu scânduri, o biserică, un deal blând (un cimitir părăsit). Totul este la vedere, dacă te uiți de la fereastra de la mansardă, cocoțată pe podea”, acesta este un citat din autobiografia „Viața mea”, pe care Chagall a scris după ce a părăsit Rusia.

Martiros Sergeevich Saryan (1880–1972). Munţi. Armenia 1923. Ulei pe pânză. 66x68

M. S. Saryan este cel mai mare maestru al picturii armene din secolul XX, care a continuat tradițiile simbolismului. În pictura artistului din anii 1920 „Munți. Armenia” a prezentat imaginea colectivă Armenia, și nu imagini specifice ale unor locuri individuale. Prin strălucirea și emoționalitatea lor, aceste lucrări sunt apropiate de lucrările pre-revoluționare ale lui Saryan, deosebindu-se de acestea din urmă doar prin monumentalismul lor mai mare. După ce a călătorit în toate cele mai remarcabile locuri din Armenia timp de aproape patru decenii, lucrând mult în natură, artistul a creat un număr mare de peisaje diverse. La sfârșitul anilor 1920, metoda lui Saryan de a lucra în domeniul peisajului s-a schimbat. În loc de vopsele cu tempera cu uscare rapidă, funcționează vopsele de ulei, făcând posibilă realizarea peisajelor direct din viață, și nu din memorie, ca înainte.

Piotr Petrovici Konchalovsky (1867–1956). Portretul lui V. E. Meyerhold 1938. Ulei pe pânză. 211x233

În perioada represiunilor în masă, cu puțin timp înainte de arestarea și moartea lui Meyerhold, P. P. Konchalovsky a creat un portret al acestui remarcabil. figură de teatru. Pentru regizorul-reformatorul Vsevolod Emilievich Meyerhold, 1938 a început dramatic: la 7 ianuarie, Comitetul pentru Arte a adoptat o rezoluție de lichidare a Teatrului de Stat numit după Meyerhold (GOSTIM).

Pentru a sublinia conflictul dintre individ și realitatea înconjurătoare, atunci când a realizat un portret al regizorului, artistul a folosit o soluție compozițională complexă. La prima vedere, se pare că pânza înfățișează un visător, ale cărui vise sunt întruchipate în modele colorate care acoperă întregul perete și canapeaua până la podea. Dar, aruncând o privire mai atentă, se poate discerne apatia dureroasă a modelului, detașarea de lumea din jurul ei. Prin juxtapunerea unui covor strălucitor, acoperit dens cu ornamente, și a figurii monocrome a regizorului, care se găsește în mod iluzoriu prinsă și încurcată în curbele bizare ale modelelor, Konchalovsky creează o imagine specială. stres emoțional, dezvăluind conținutul imaginii.

Ilya Ivanovici Mashkov (1881–1944). Mâncarea Moscovei 1924. Ulei pe pânză. 129x145

Unul dintre fondatorii asociației de artă „Jack of Diamonds”, I. I. Mashkov a vorbit despre pictura sa astfel: „Am vrut să demonstrez că sovietul nostru arta picturala Ar trebui să fie în concordanță cu timpul nostru și să fie înțeles, convingător și inteligibil pentru fiecare persoană care lucrează. Am vrut să arăt artă realistă în acest complot simplu. Natura moartă „Pâine” este brutăria noastră obișnuită din Moscova a vremii sale... iar compoziția este cam neglijentă, incomodă, dar a noastră, Moscova, locală, și nu pariziană... Pâinea este Mama noastră Rusia... dragă, pâine , orchestrală, orgă, corală.” Artistul, însă, este necinstit, tăce că și-a pictat natura moartă din memorie.

Imediat după apariția acestei lucrări la expoziție, a fost recunoscută ca fiind un clasic Pictura sovietică. Critica oficială sovietică a remarcat corespondența naturii moarte cu sarcinile picturii realismului socialist: într-adevăr, există foamete în țară, dar în artă există o abundență uimitoare! Cu toate acestea, această lucrare a dezvăluit darul extraordinar al artistului pentru pictură: compoziție dinamică, bogăție de culoare - toate aceste trăsături erau caracteristice artiștilor „Jack of Diamonds”.

Vera Ignatievna Mukhina (1889–1953). Julia 1925. Arbore. Inaltime 180

Sculptura maestrului remarcabil al secolului al XX-lea V.I Mukhina a fost achiziționată în 2006 pentru colecția Galerii de stat Tretiakov. Lucrarea este deja prezentată în expoziția permanentă a muzeului de pe Krymsky Val. Titlul lucrării este asociat cu numele balerinei Podgurskaya, care a fost modelul. Autorul a întruchipat un concept artistic complex într-o figură prezentată într-o mișcare în spirală. Acesta este un exemplu rar de sculptură în lemn care a păstrat unicitatea măiestriei realizate manual. Criticul de artă rus A. V. Bakushinsky a numit-o „o sculptură cu adevărat rotundă”.

Vera Ignatievna a iubit foarte mult această lucrare și a păstrat-o în atelierul ei până în ultimele ei zile. În 1989, sculptura „Julia” a fost inclusă în expoziția personală a lui V. I. Mukhina, organizată în pereții galeriei pentru centenarul ei. Mai târziu, capodopera din plastic a fost în familia fiului ei V. A. Zamkov, care a lăsat moștenire după moartea sa pentru a transfera lucrarea în colecția Galeriei de Stat Tretiakov.

Sarra Dmitrievna Lebedeva (1892–1967). Fata cu fluture 1936. Bronz. Inaltime 215

„Fata cu fluture” este o turnare în bronz a unei sculpturi de peisaj destinată decorarii Parcului Central de Cultură și Agrement din Moscova (a existat o versiune de ciment neconservată în parc). Plasticitatea statuii transmite mișcarea atentă a fetei, încercând să nu sperie fluturele care a aterizat pe mâna ei. În această lucrare, ca și în toate lucrările ei, sculptorul și artista Sarra Lebedeva apare ca un psiholog subtil care observă stare emoțională a modelului său încercând să „oprească momentul” și să țină fluturele.

Nikolai Konstantinovici Istomin (1886 (1887)-1942). Universități 1933. Ulei pe pânză. 125,5x141,5

Istomin, care a primit o educație artistică la München, membru al asociațiilor Makovets și Four Arts, după lichidarea acestora la începutul anilor 1930, s-a alăturat Asociației Artiștilor. Rusia revoluționară. În pictura „Vuzovki”, artistul abordează tema tinereții, viitorii constructori ai socialismului, care a fost relevant pentru arta epocii lui Stalin. Dar soluția acestei lucrări, atât din punct de vedere al pitorescului, cât și al conținutului, are puține în comun cu optimismul afișar al picturilor tematice din acei ani. Dezvăluie tehnicile picturale caracteristice lui Istomin, care s-au dezvoltat în perioada timpurie creativitatea sub influența fauvismului.

Cameră confortabilă, cu o fereastră pătrată mare într-un perete verde închis, în spate este roz-perlat (în contrast cu culoarea profundă și puternică din interior) oras de iarna. Împotriva luminii sunt siluetele grațioase a două fete în negru, ocupate cu lectura. Eroinele operei seamănă între ele ca niște surori gemene. La prima vedere, în fața noastră gen de zi cu zi, dar sensul acestei pânze mari, larg și îndrăznețe pictate nu este clar în detaliile poveștii și nu în personajele fetelor, nu în activitățile lor. Această imagine, obișnuită ca intriga, pare a fi o fereastră deschisă către un alt timp, demult dispărut, și pare să cufunde privitorul în atmosfera spirituală a anilor 1930. Pictura, cu schema sa cromatică strictă, aproape grafică, se remarcă prin lirismul său și se remarcă puternic printre operele de artă pompoase ale acestei perioade.

Pavel Dmitrievici Korin (1892–1967). Alexandru Nevski. Partea centrală a tripticului 1951. Ulei pe pânză. 72,5x101

Artistul a creat o pânză glorificatoare arme ruseștiîntr-o perioadă dificilă pentru țară, în timpul Marelui Război Patriotic. Imaginea centrală a tripticului îl înfățișează pe prințul Alexander Yaroslavich, care a primit porecla Nevsky pentru victoria sa asupra suedezilor în bătălia de la Neva în 1240 și canonizat de Biserica Ortodoxă Rusă în 1549. Prințul apare privitorului ca un intenționat, viteaz comandant. Un războinic cu umeri largi, îmbrăcat în armură, ținând o sabie mare în fața lui, stă pe fundalul nesfârșitelor întinderi rusești și își păzește vigilent pământurile natale. Alexander Nevsky personifică curajul și curajul poporului rus, care este gata să lupte până la ultima picătură de sânge pentru libertatea și independența lor. „Am vrut”, a amintit artistul, „să transmit caracterul poporului rus, să întruchipez spiritul curajului, care este o trăsătură integrantă a națiunii, care a încurajat poporul Rusiei să lupte până la moarte în bătălii și să se miște. redirecţiona. Acel spirit de nesupunere față de soartă, a cărui voință și perseverență răsună în „Povestea campaniei lui Igor” și în primele poezii ale lui Pușkin și în propriile noastre inimi.

Pe baza picturii, mai târziu au fost realizate mozaicuri pentru stația Komsomolskaya-Koltsevaya a metroului din Moscova.

Yuri (Georgy) Ivanovici Pimenov (1903–1977). Noua Moscova 1937. Ulei pe pânză. 140x170

De la mijlocul anilor 1930, Pimenov, unul dintre fondatorii Societății Pictorilor de șevalet, a lucrat la o serie de picturi despre Moscova, printre care pânza „Noua Moscova” a devenit deosebit de populară. Artiștii au lucrat cu entuziasm sincer pentru a crea o nouă mitologie sovietică, care a necesitat alte forme. Pictura „Noua Moscova” corespunde pe deplin spiritului vremurilor. Compoziția este concepută ca un cadru capturat de obiectivul unei camere. Autorul se concentrează pe figura unei femei care conduce o mașină, care a fost un fenomen fără precedent pentru anii 1930. Privitorul pare să stea în spatele ei și să privească noua dimineață Moscova dintr-o mașină deschisă. Grosimea monolitică a clădirii Gosplan recent ridicată, bulevardul liber și vastitatea piețelor, litera stacojie a metroului recent deschis - toate acestea sunt o Moscova reînnoită. Culoarea, jocul cu multe nuanțe și tonuri, mișcarea mișcării transmite mișcarea mașinii și vibrația mediului de lumină-aer. Stilul impresionist de pictură conferă lucrării prospețime și eleganță - exact așa ar fi trebuit să fie percepută noua capitală și, odată cu ea, noua viață sovietică. Cu toate acestea, anul în care a fost creată această pictură contrazice în mod clar tema optimistă a „calei strălucitoare”.

Alexandru Mihailovici Gerasimov (1881–1963). Portretul balerinei O. V. Lepeshinskaya 1939. Ulei pe pânză. 157x200

Talentul extraordinar al pictorului, stilul de pictură vesel, „delicios” - toate acestea pe măsură ce A. M. Gerasimov progresează scara carierei realismul socialist a căpătat un luciu ceremonial. Gerasimov a creat o întreagă galerie de portrete ale unor personaje marcante ale statului sovietic și Partidul Comunist Uniunea Sovietică, lideri militari Armata Sovietică, reprezentanți ai științei, literaturii, teatrului și artelor plastice sovietice. Pe fundalul fețelor oficialității de partid, artistul a găsit o ieșire în portretele inteligenței creative (balerina O. V. Lepeshinskaya, un portret de grup al celor mai vechi artiști I. N. Pavlov, V. N. Baksheev, V. K. Byalynitsky-Biruli, V. N. Meshkov) și alții .

posedând tehnica impecabila, Lepeshinskaya a fost priceput în fiecare imagine creată pe scena de balet, reflectă propriul tău caracter, plin de viață, strălucitor. Artistul o prinde pe balerina în momentul repetiției. Eroina a încremenit pentru o clipă în fața spectatorului într-un pas tipic de dans - stă pe pantofi vârfuri, mâinile sunt pe tutu, capul este ușor întors în lateral, de parcă s-ar fi pregătit pentru următoarea ei apariție în film. mijlocul sălii de repetiţii. Încă un moment - și balerina va continua să danseze. Ochii îi strălucesc, este plină de inspirație și dragoste pentru profesia ei. În film, reprezentarea tradițională este combinată cu o nouă privire asupra activității creative. Dansul în viața unei balerine este cel mai înalt sens al existenței ei.

Mihail Vasilievici Nesterov (1862–1942). Portretul sculptorului V. I. Mukhina 1940. Ulei pe pânză. 75x80

Pictura o înfățișează pe Vera Mukhina, o sculptoare sovietică, autoare a multor lucrări celebre, inclusiv celebrul grup „Femeie muncitoare și fermă colectivă”, prezentat la expoziție mondială la Paris în 1937. Vera Ignatievna face ultimele completări la prototipul viitoarei sculpturi. Într-o mână ține o bucată mică de lut, iar cu cealaltă crește volumul unuia dintre eroi. Ceea ce este surprins aici este actul direct al creativității, momentul în care ceva se naște dintr-o bucată informe de lut. munca adevarata artă.

Centrul compozițional al lucrării este o broșă roșu aprins care ține gulerul unei bluze albe. Nesterov pune în contrast concentrarea lui Mukhina cu dinamismul rapid și impulsul disperat pe care ea le transmite în creația sa. Datorită acestui contrast emoțional, „Portretul sculptorului V.I Mukhina” primește o expresivitate deosebită și o viață interioară activă, dezvăluind astfel caracterul complex al Verei Ignatievna.

Tair Teymurazovich Salakhov (născut în 1928). Portretul compozitorului Kara Karaev 1960. Ulei pe pânză. 121x203

În portretul remarcabilului compozitor azer Kara Garayev, artistul a căutat să arate procesul dificil al nașterii muzicii. O ipostaza concentrata, inchisa din punct de vedere psihologic de la privitor, vorbeste de concentrare extrema asupra vocea interioara. Procesul creativ poate fi intens și lung, timp în care viața exterioară pare să înghețe pentru o persoană cufundată în sine, sau se prelungește pentru un timp neobișnuit de lung într-o singură notă până când se găsește o soluție. Acesta este motivul pentru care pianul lung și negru pare atât de nesfârșit, față de care se arată figura șezândă a compozitorului? Poza cu asta instrument muzical stabilește ritmul măsurat al compoziției și servește drept contrast necesar pentru eroul îmbrăcat într-un jumper alb. Artistul aduce contururile rigide ale figurii lui Karaev și ale obiectelor de interior aproape într-un design grafic. Maestria interioară a compozitorului, talentul și tensiunea creativă sunt relevate de schema de culori.

Grigori Ivanovici Kepinov (Grigor Ovanesovich Kepinyan) (1886–1966). Trunchiul feminin 1934–1946. Marmură. Inaltime 71

Celebrul sculptor sovietic G. I. Kepinov, care a studiat la Academia Parisiană din Julien, a considerat de datoria lui să păstreze tradițiile academice în sculptură. A pictat portrete ale multora dintre contemporanii săi.

Marmura „Trupul feminin” este o întruchipare sculpturală frumoasă a frumuseții feminine, dar, spre deosebire de înțelegerea sa clasică, aceasta este o frumusețe eroică, în ton cu idealurile epocii. Frumosul corp gol este tensionat, mișcarea de eliberare a figurii din blocul de piatră amintește de lucrările neterminate ale lui Michelangelo.

Oleg Konstantinovici Komov (1932–1994). Sticla 1958. Bronz. Inaltime 60

Compoziția sculpturală din bronz „Glass” a fost creată de O. K. Komov cu un an înainte de sfârșitul Moscovei institut de artă ei. V. I. Surikova. Stilul autorului este definit ca un stil dur (sau realism dur), care a apărut în primul rând în pictura de la sfârșitul anilor 1950 - începutul anilor 1960 și a poetizat viața de zi cu zi. oameni obișnuiți, puterea și voința lor. Stilul auster a fost caracterizat de dorința pentru o imagine monumentală, care este dezvăluită și în compoziția sculpturală a lui Komov.

Eroina lui este un simplu tânăr muncitor al cărui mâini puternice– precum și cu mâinile a milioane de oameni ca ea – se construiește o țară. Viața dură și munca grea au supraviețuit grației și fragilității. „Barbarismul” nu este la modă: munca este onorabilă. Încrederea calmă a ipostazei muncitorului contrastează cu poziția precară a paharului, iar întreaga compoziție dă impresia unității acestor contrarii.

Spațiul devine una dintre componentele principale ale acestei lucrări. Relația sa cu figura feminină este complexă și ambiguă. Gestul larg al mâinilor eroinei este deschis către lumea exterioară, interacționând activ cu aceasta, dar spațiul ei este limitat de contururile paharului în care este strânsă, ca într-un cadru. Sticla este o prismă prin care ea percepe lumea, dar și un zid invizibil între ea și această lume.

Arkadi Alekseevici Plastov (1893–1972). Primavara 1954. Ulei pe panza. 123x210

Unul dintre reprezentanții de seamă ai școlii de pictură din Moscova, A. A. Plastov a continuat în munca sa tradițiile lui V. A. Serov, A. E. Arkhipov și maeștrii Uniunii Artiștilor Rusi. Fidelitatea față de tema țărănească, unde „carnea umană ar fi arătată cu toată fervoarea în cea mai mare tensiune și adevăr”, culoarea organică și spontaneitatea impresiei în tabloul „de ansamblu” sunt caracteristice lucrărilor artistului din anii 1940-1950.

În tabloul „Primăvara” pictorul a reușit să surprindă acel ideal de frumusețe feminină, fizică și spirituală, care trăiește în imaginația fiecărei persoane și, de regulă, nu găsește întruchipare în viata reala. Răceala, o oarecare detașare a scrisului, imaginea emoționantă a unui copil, simplitatea și naturalețea intrigii plasează această operă pe un piedestal de desfătare pură și iubire castă, inaccesibil percepției senzoriale. Plastov a numit lucrarea „Primăvara” (și nu „În vechea baie”), subliniind astfel natura sa metaforică și evocând întreaga serie asociativă de imagini ale artei mondiale asociate cu acest cuvânt.

SECOLELE XX-XXI 1922. „Marș pe Roma” de Benito Mussolini, Acest Duce („lider”) transformă Roma în centrul fascismului italian. Strada principală a Via dei Fori Imperiali este amenajată în 1943. După bombardarea devastatoare a Romei de către aeronavele aliate, Mussolini a fost arestat de serviciu

Din cartea lui Rodos. Ghid de Furst Florian

Secolele XX-XXI 1912. Italia cucerește Rodos și apoi restul insulelor Dodecanezului în 1923. Tratatul de la Lausanne asigură dominația Italiei asupra insulei din 1943. Germania ocupă Rodos și în 1944 îi deportă pe toți evreii din Rhodes în 1945. trupele grecești

Din cartea Ghid de cuvinte încrucișate autor Kolosova Svetlana

Artisti ai secolului XX 3 Rouault, Georges - pictor francez, Konstantin Fedorovich - pictor francez. Leger, Fernand – francez

Din cartea Război și pace [În termeni și definiții] autor Rogozin Dmitri Olegovich

CAPITOLUL 6 Arta militară. Arta operațională DOMINAnța AERIANĂ este superioritatea decisivă a aviației uneia dintre părți în spațiul aerian al unui teatru de operațiuni, a unei zone operaționale importante sau într-o anumită zonă. Permite Forțelor Aeriene, precum și Forțelor Terestre

Din cartea Budapesta și suburbiile ei. Ghid de Bergmann Jurgen

Secolele XIX-XX 1848. Organizația Tânăra Ungarie, condusă de poetul Sándor Petőfi, pledează pentru reforme burghezo-democratice în țară și ridică Revoluția din Martie. În toamnă, Habsburgii încep să înăbușe revolta. Sandor Petofi a murit în 1849 în lupta pentru

Din cartea Lisabona. Ghid de Bergmann Jurgen

Secolele XX și XXI 1908. O luptă brutală pentru răsturnarea monarhiei. Tentativa de asasinare a regelui Carlos I și a moștenitorului tronului Luis Filipe, 5 octombrie 1910. Proclamarea Republicii. Regele Manuel al II-lea fuge în Anglia în 1926. Dictatura militară: dizolvarea parlamentului, încetarea politicii

Din cartea Crimele secolului autor Blundell Nigel

Nigel Blundell Enciclopedia senzațiilor mondiale ale secolului al XX-lea VOLUMUL 1: Crime

Din cartea Miscellaneous Misfits. Ghid de Weeldoon

Căzut în secolele antice (înainte de secolul al XIX-lea) Nou pe 30.10.2014 Grinberg Oksana Koroleva. Pentru a supraviețui pentru a nu înnebuni Posnyakov Andrey Wild Field Korchevsky Yuri Atlant. Vânzătorul de timp Korchevsky Yuri Gold of the Dead. Nobilul Korchevsky Yuri Furtuna timpului

Din cartea Cum să devii scriitor... în vremea noastră autorul Nikitin Yuri

Artă și... falsuri de artă Nu toată lumea mai știe că în literatură, ca în orice formă de artă, există o împărțire în artă și falsuri de artă, deși acest lucru ar trebui să fie evident. De exemplu, dragostea este o artă, dar sexul este un fals

Din cartea Gânduri, aforisme, citate. Afaceri, carieră, management autor Duşenko Konstantin Vasilievici

Îmi place arta. Arta comunicării Vezi și „PR” (p. 178); „Lucrul cu oamenii. Munca în echipă” (p. 307) Cea mai utilă dintre toate artele este arta de a fi plăcut. Philip Chesterfield (1694–1773), diplomat și scriitor englez Trebuie să presupunem că, dacă o persoană rezonabilă nu are nicio dorință

Din cartea Galeria de stat Tretiakov autor Autor necunoscut

Arta secolului al XVIII-lea de Louis Caravaque. „Portretul împărătesei Anna Ioannovna”. 1730 Ivan Nikitich Nikitin (aproximativ 1680–1742) Portretul contelui G. I. Golovkin anii 1720. Ulei pe pânză. 73,4x90,9 Contele Gavriil Ivanovich Golovkin (1660–1734) - unul dintre asociații fideli ai lui Petru I, primul cancelar al Rusiei

Din cartea autorului

Arta din prima jumătate a secolului al XIX-lea Vasily Andreevich Tropinin. — Dantelaria. 1823 Orest Adamovich Kiprensky (1782–1836). Portretul contesei E. P. Rastopchina 1809. Ulei pe pânză. 61x77 Imaginile feminine create de maestrul recunoscut al portretului O. A. Kiprensky sunt o pagină neprețuită în

Din cartea autorului

Arta din a doua jumătate a secolului al XIX-lea Vasily Vladimirovich Pukirev. „Căsătorie inegală”. 1862 Konstantin Dmitrievich Flavitsky (1830–1866). Prințesa Tarakanova 1863. Ulei pe pânză. 187,5x245Istoria imposturii în Rusia este un subiect care a entuziasmat constant imaginația artiștilor ruși.

Din cartea autorului

Arta secolului al XX-lea Zinaida Evgenievna Serebryakova. „În spatele toaletei. Autoportret." 1909 Kuzma Sergheevici Petrov-Vodkin (1861–1939). Scăldarea calului roșu 1912. Ulei pe pânză. 160x186 În 1912, la expoziția World of Art, a apărut pictura lui K. S. Petrov-Vodkin „Bathing the Red Horse”, care

Nu vom vorbi despre neajunsurile expoziției anterioare de artă din secolul XX. Din cauza multor circumstanțe, noua expoziție a fost creată până la sfârșitul sărbătoririi a 150 de ani de existență a muzeului, până în mai 2007. Acum arta secolului XX începe la momentul potrivit, din anii 1900. Chiar și înainte de asta, artiștii „Jack of Diamonds” - N. Goncharova, M. Larionov, A. Kuprin, I. Mashkov, P. Konchalovsky, R. Falk - s-au mutat din Lavrushinsky Lane. Dar vizitatorul nu va mai putea vedea întreaga perspectivă a sălilor. Fiecare cameră are propriul design închis, astfel încât fiecare cameră ulterioară păstrează intriga. Lucrările artistului nu sunt întotdeauna adunate într-o singură cameră. În ambele camere 1 și 20 veți găsi lucrări de N. Goncharova.

Nu există prea multă sculptură printre picturi, dar într-una dintre săli este prezentată o nouă achiziție a muzeului - sculptura în lemn „Julia” de V. Mukhina.

V. Kandinsky și M. Chagall au propriile lor habitate înainte, lucrările acestor artiști erau aproape întotdeauna absente, erau la expoziții străine;

În sălile de grafică, spectatorii vor găsi mereu lucrări noi ale unor maeștri celebri ai secolului al XX-lea. Anterior, muzeul reprezenta pictura, grafica si sculptura. Acum varietatea este completată de vitrine cu obiecte de artă decorativă și aplicată și fotografie. Din păcate, muzeul nu a achiziționat fotografiile originale ale lui A. Rodchenko, muzeul expune acum printuri moderne din negativele autorului, un cadou de la familia fotografului.

Desigur, pe Krymsky Val ar trebui să existe un simbol al vieții noi și al artei noi, „Scăldarea calului roșu” de K. Petrov-Vodkin. Această lucrare are o puternică impresie emoțională asupra privitorului. Fanii „Scăldarea calului roșu”, grăbiți-vă și aruncați o privire, această fotografie este adesea trimisă și în străinătate. Apoi a fost expus P. Kuznetsov. Mă întreb ce s-a întâmplat cu sălile lui Goluborozovsky din Lavrushinsky?

Și observi că cele cincisprezecea săli sunt deja expuse, dar încă nu este nimic din expoziția anterioară. Și este chiar păcat. În ultimii 6 ani, vizitatorii nu numai că s-au uitat la expoziție, ci s-au și îndrăgostit de aceasta lucrări individuale. Au fost eliminate toate picturile anterioare? Mă grăbesc să te asigur. Muncitorii lui Pimenov din același loc dau industrializarea țării, iar „Portarul” A. Deineka prinde mingea. Abia acum opera artiștilor este reprezentată nu numai de lucrări oficiale, ci și de cele lirice - „Mama” de Deineka. Există și fete sportive ale lui A. Samokhvalov.

Din anumite motive, sculptura este colectată într-o cameră separată, în timp ce sălile de pictură expun o lucrare la un moment dat. Poate că în versiunea ulterioară a expoziției va exista o unificare mai completă a artelor.

Viața cetățenilor sovietici este acum arătată nu de pionieri și membri ai Komsomolului, ci de treburile zilnice obișnuite ale oricărei persoane. În muzeu, spectatorii vor vedea scene într-un salon de coafură, la o plimbare și un șlefuitor de podea. Și dragii noștri lideri Lenin și Stalin, imaginile lor sunt încă în muzeu? Portretul „V. I. Lenin în Smolny” de I. Brodsky a fost la începutul expoziției, acum în a doua jumătate, în sala 25. Acesta este un portret frumos în compoziție, schema de culori. E bine că și-a găsit un loc în noua versiune a expoziției. Calitățile artistice ale operei depășesc cu mult componenta sa politică.

Următoarea cameră este 26, așa-numita „camera cu fereastră”. Această sală și-a păstrat aproape complet patosul ideologic. Iată „I.V Stalin și K.E Voroshilov” de A. Gerasimov, un model de „Femeie muncitoare și fermă colectivă” de V. Mukhina, iar în afara ferestrei se poate vedea opera nepieritoare a lui Z. Tsereteli „Petru I”.

După sala jalnică, publicul se va cufunda din nou în ea viata simpla- „Primăvara”, „Fânarea”, „Cina șoferului de tractor” de A. Plastov, precum și fete țărănești, mame cu copii. Au fost depozitate lucrări dedicate Marelui Război Patriotic.

Expoziția este completată de sălile clasicilor vii - T. Salakhov și micuțul Aidan pe un cal alb de jucărie.

Ceva deosebit va fi prezentat mereu în ultima sală acum acolo sunt expuse „Anotimpurile picturii rusești” de A. Vinogradov și V. Dubosarosky. Un colaj îndrăzneț de tablouri celebre, unde vizitatorul, recunoscând intrigile și personajele, pare să verifice ceea ce își amintește din expoziție. Sala este deschisă pentru experimente în artă contemporană. Ai idei interesante? Contactați Galeria Tretiakov de pe Krymsky Val (N. Tregub)