Rembrandt lucrează. Rembrandt - tot ce trebuie să știi despre celebrul artist olandez

Rembrandt Harmens van Rijn – pictor celebru, gravor și desenator al „Epocii de Aur”. Recunoaștere universalăși glorie, un declin brusc și sărăcie - așa se poate caracteriza biografia marelui geniu al artei. Rembrandt a căutat să transmită sufletul unei persoane prin portrete, zvonuri și presupuneri încă circulă despre multe dintre lucrările artistului, învăluite în mister.

Începutul secolului al XVII-lea a fost calm pentru statul olandez, care și-a câștigat independența ca republică în momentul revoluției. Țara s-a dezvoltat productie industriala, Agriculturăși comerț.

În orașul antic Leidin, situat în provincia Olanda de Sud, Rembrandt, născut la 15 iulie 1607, și-a petrecut copilăria într-o casă de pe Vedesteg.

Băiatul a crescut în familie mare, în care era al șaselea copil. Tatăl viitorului artist Harmen van Rijn a fost om sanatos, care deținea o moară și o malțerie. Printre altele, proprietatea lui Rhein includea încă două case, iar el a primit și o zestre însemnată de la soția sa Cornelia Neltje, așa că familie mare trăit din belșug. Mama viitorului artist era fiica unui brutar și știa să gătească, așa că masa familiei era plină cu preparate delicioase.

În ciuda bogăției lor, familia Harmen a trăit modest, respectând reguli stricte catolice. Părinții artistului, chiar și după Revoluția olandeză, nu și-au schimbat atitudinea față de credință.

Autoportret al lui Rembrandt la 23 de ani

Rembrandt a fost amabil cu mama sa de-a lungul vieții. Acest lucru este exprimat într-un portret pictat în 1639, care înfățișează o bătrână înțeleaptă cu o privire blândă și ușor tristă.

Evenimentele sociale și viața luxoasă a oamenilor bogați erau străine familiei. Merită să presupunem că seara van Rijns se adunau la masă și citeau cărți și Biblia: asta au făcut majoritatea cetățenilor olandezi în timpul „Epocii de Aur”.

Moara de vânt pe care o deținea Harmen era situată pe malul Rinului: înaintea privirii băiatului o peisaj frumos un râu azuriu, luminat de razele soarelui, făcându-și drum prin fereastra mică a clădirii și trecând prin negura de praf de făină. Poate că, datorită amintirilor din copilărie, viitorul artist a învățat să stăpânească cu pricepere pictura, lumina și umbra.

În copilărie, Rembrandt a crescut pentru a fi un băiat observator. Spațiile deschise de pe străzile din Leidin au oferit surse de inspirație: în piețele comerciale se puteau întâlni oameni care erau diferiți unul de celălalt. naţionalităţi diferiteși învață să-și schițeze fețele pe hârtie.

Inițial, băiatul a mers la o școală latină, dar nu a fost interesat de studii. Tânărului Rembrandt nu-i plăcea științe exacte, acordând preferință desenului.

Copilăria viitorului artist a fost fericită, deoarece părinții lui au văzut hobby-urile fiului său, iar când băiatul a împlinit 13 ani, a fost trimis să studieze cu artistul olandez Jacob van Swanenburg. Se știe puțin din biografia primului profesor al lui Rembrandt, reprezentantul manierismului târziu nu a avut o moștenire artistică uriașă, motiv pentru care este aproape imposibil de urmărit influența lui Jacob asupra dezvoltării stilului lui Rembrandt.

În 1623, tânărul a plecat în capitală, unde al doilea său profesor a fost pictorul Peter Lastman, care l-a predat pe Rembrandt timp de șase luni în pictură și gravură.

Pictura

Antrenamentul său cu mentorul său a fost impresionat de picturile lui Lastman, tânărul a stăpânit rapid tehnica desenului. Culorile strălucitoare și saturate, jocul de umbre și lumini, precum și elaborarea meticuloasă chiar și a celor mai mici detalii ale florei - aceasta este ceea ce Peter i-a transmis elevului său eminent.

În 1627, Rembrandt s-a întors din Amsterdam în oras natal. Încrezător în abilitățile sale, artistul, împreună cu prietenul său Jan Lievens, își deschide propria școală de pictură, care timp scurt a câștigat popularitate printre olandezi. Lievens și Rembrandt au ținut pasul unul cu celălalt, uneori tinerii au lucrat cu atenție pe o singură pânză, punând în desen o parte din propriul stil.

Tânărul artist în vârstă de douăzeci de ani a atins faima prin lucrările sale timpurii detaliate, care includ:

• „Lapidarea Sfântului Apostol Ștefan” (1625),
• „Palamedea înaintea lui Agamemnon” (1626),
• „David cu capul lui Goliat” (1627),
• „Răpirea Europei” (1632),

Tânărul continuă să se inspire din străzile orașului, plimbându-se prin piețe pentru a întâlni un trecător întâmplător și a surprinde portretul său cu o daltă pe o scândură de lemn. Rembrandt a realizat și o serie de gravuri cu autoportrete și portrete ale numeroaselor rude.

Datorită talentului tânărului pictor, Rembrandt a fost remarcat de poetul Constantin Heygens, care a admirat picturile lui van Rijn și Lievens, numindu-i artiști promițători. „Iuda returnează treizeci de bucăți de argint”, pictat de un olandez în 1629, el compară cu picturi celebre ale maeștrilor italieni, dar găsește neajunsuri în desen. Datorită legăturilor lui Constantin, Rembrandt a dobândit în curând admiratori bogați de artă: datorită medierii lui Hagens, Prințul de Orange a comandat artistului mai multe lucrări religioase, precum Înaintea lui Pilat (1636).

Succesul real pentru un artist vine la Amsterdam. La 8 iunie 1633, Rembrandt a cunoscut-o pe fiica unui burghez bogat, Saskia van Uylenburch, și a câștigat o poziție puternică în societate. Artistul și-a pictat majoritatea picturilor în timp ce se afla în capitala Țărilor de Jos.

Rembrandt este inspirat de frumusețea iubitei sale, așa că adesea îi pictează portretele. La trei zile după nuntă, van Rijn a înfățișat o femeie cu un creion argintiu purtând o pălărie cu boruri largi. Saskia a apărut în picturile olandezului într-un confortabil mediu de acasă. Imaginea acestei femei plinuțe apare pe multe pânze, de exemplu, fata misterioasă din tabloul „Night Watch” seamănă foarte mult cu iubita artistului.

În 1632, Rembrandt a fost glorificat de pictura „Lecția de anatomie a doctorului Tulp”. Faptul este că van Rijn s-a îndepărtat de canoanele portretelor standard de grup, care erau înfățișate cu fețele întoarse spre privitor. Extrem portrete realiste Medicii și studenții săi l-au făcut celebru pe artist.

Scrisă în 1635 tablou faimos De poveste biblică„Sacrificiul lui Avraam”, care a fost apreciat în societatea seculară.

În 1642, van Rijn a primit o comandă de la Shooting Society pentru un portret de grup pentru a decora noua clădire cu pânză. Pictura a fost numită greșit „Night Watch”. Era pătată de funingine și abia în secolul al XVII-lea cercetătorii au ajuns la concluzia că acțiunea care se desfășura pe pânză avea loc în timpul zilei.

Rembrandt a descris cu meticulozitate fiecare detaliu al muschetarilor în mișcare: ca și cum la un moment dat timpul s-a oprit când miliția a ieșit din curtea întunecată, astfel încât van Rijn i-a capturat pe pânză.

Clienților nu le-a plăcut faptul că pictorul olandez s-a abătut de la canoanele care s-au dezvoltat în secolul al XVII-lea. Apoi portretele de grup au fost ceremoniale, iar participanții au fost înfățișați pe față, fără nicio statică.

Potrivit oamenilor de știință, acest tablou a fost motivul falimentului artistului în 1653, deoarece a speriat potențialii clienți.

Tehnica si picturile

Rembrandt credea că adevăratul scop al artistului era să studieze natura, așa că toate picturile pictorului s-au dovedit a fi prea fotografice: olandezul a încercat să transmită fiecare emoție a persoanei înfățișate.

La fel ca mulți maeștri talentați ai Epocii de Aur, Rembrandt are motive religioase. Pânzele lui Van Rijn înfățișează nu doar fețe capturate, ci scene întregi cu propria lor istorie.

În tabloul „Sfânta familie”, care a fost pictat în 1645, chipurile personajelor sunt naturale, olandezul pare să-și folosească pensula și pictura pentru a transporta privitorii în atmosfera confortabilă a unei simple familii de țărani. Nu se poate urmări vreo pompozitate în operele lui van Rijn. a spus că Rembrandt a pictat-o ​​pe Madona sub forma unei țărănci olandeze. Într-adevăr, de-a lungul vieții, artistul s-a inspirat din oamenii din jurul său este posibil ca pe pânză o femeie, copiată dintr-o servitoare, să leagăneze un copil.

Pictura lui Rembrandt „Sfânta familie”, 1646

La fel ca mulți artiști, Rembrandt este plin de mistere: după moartea creatorului, cercetătorii s-au gândit mult timp la secretele picturilor sale.

De exemplu, van Rijn a lucrat la pictura „Danae” (sau „Aegina”) timp de 11 ani, începând cu 1636. Pânza înfățișează o tânără fecioară după ce s-a trezit din somn. Intriga se bazează pe mit grecesc antic despre Danae, fiica regelui Argos și mama lui Perseu.

Cercetătorii pânzei nu au înțeles de ce fecioara goală nu semăna cu Saskia. Cu toate acestea, după o radiografie, a devenit clar că Danae a fost desenat inițial ca Eulenburch, dar după moartea soției sale, van Rijn s-a întors la pictură și i-a schimbat trăsăturile feței lui Danae.

Au existat și dispute între criticii de artă cu privire la eroina înfățișată pe pânză. Rembrandt nu a semnat titlul picturii, iar interpretarea intrigii a fost complicată de absența ploii de aur, conform legendei, în forma căreia i-a apărut Zeus lui Danae. Oamenii de știință au fost și ei confuzi verigheta pe degetul inelar al fetei, ceea ce nu era în concordanță cu mitologia greacă veche. Capodopera lui Rembrandt „Danae” se află muzeu rusesc Schit.

„Mireasa evreiască” (1665) – altul tablou misterios van Rijn. Pictura a primit acest nume la începutul secolului al XIX-lea, dar încă nu se știe cine este reprezentat pe pânză, deoarece o fată tânără și un bărbat sunt îmbrăcați în costume antice care amintesc de îmbrăcămintea biblică. De asemenea, popular este tabloul „Întoarcerea fiu risipitor„(1669), care a fost creat în 6 ani.

Fragment din pictura lui Rembrandt „Întoarcerea fiului risipitor”

Dacă vorbim despre stilul de pictură al lui Rembrandt, artistul a folosit un minim de culori, reușind totuși să facă picturile „vii”, grație jocului de lumini și umbre.

De asemenea, Van Rijn reușește cu succes să înfățișeze expresiile faciale: toți oamenii din picturile marelui pictor par să fie în viață. De exemplu, în portretul unui bătrân - tatăl lui Rembrandt (1639) este vizibilă fiecare ridă, precum și o privire înțeleaptă și tristă.

Viata personala

În 1642, Saskia a murit de tuberculoză, îndrăgostiții au avut un fiu, Titus (alți trei copii au murit în copilărie), cu care Rembrandt a întreținut relații de prietenie. La sfârșitul anului 1642, artistul s-a întâlnit cu domnișoara Gertje Dirks. Părinții Saskiei au fost supărați de modul în care văduvul a dispărut de zestre în timp ce trăia în lux. Mai târziu, Dirks își dă în judecată iubitul pentru că și-a încălcat promisiunea de a se căsători cu ea. Din a doua femeie artista a avut o fiică, Cornelia.

Pictura lui Rembrandt „Saskia ca zeița Flora”

În 1656, Rembrandt, din cauza dificultăților financiare, s-a declarat falimentar și a plecat într-o casă retrasă la periferia capitalei.

Viața lui Van Rijn nu a progresat, ci, dimpotrivă, a intrat în declin: o copilărie fericită, bogăția și recunoașterea au fost înlocuite cu clienții plecați și o bătrânețe cerșetoare. Starea de spirit a artistului se vede în pânzele sale. Așa că, în timp ce locuia cu Saskia, a pictat picturi vesele și însorite, de exemplu, „Autoportret cu Saskia în genunchi” (1635). Pe pânză, van Rijn râde cu un râs sincer, iar o lumină radiantă luminează camera.

Dacă înainte de pictură artistul a fost detaliat, apoi la scenă creativitate târzie Rembrandt folosește linii mari, iar razele soarelui sunt înlocuite de întuneric.

Tabloul „Conspirația lui Julius Civilis”, pictat în 1661, nu a fost plătit de clienți, deoarece fețele participanților la conspirație nu au fost elaborate cu atenție, spre deosebire de lucrările anterioare ale lui van Rijn.

Pictura lui Rembrandt „Portretul fiului lui Titus”

Cu puțin timp înainte de moartea sa, trăind în sărăcie, în 1665, Rembrandt a pictat un autoportret după imaginea lui Zeuxis. Zeukis este un pictor antic grec care a murit de o moarte ironică: artistul a fost amuzat de portretul pe care l-a pictat Afroditei sub forma unei bătrâne și a murit de râs. În portret, Rembrandt râde artistul nu a ezitat să pună o doză de umor negru în pânză.

Moarte

Rembrandt și-a îngropat fiul Titus, care a murit de ciume, în 1668. Acest eveniment trist a înrăutățit brusc starea de spirit a artistului. Van Rijn a murit pe 4 octombrie 1669 și a fost înmormântat în biserica olandeză Westerkerk din Amsterdam.

Monumentul lui Rembrandt în Piața Rembrandt din Amsterdam

În timpul vieții sale, artistul a pictat aproximativ 350 de pânze și 100 de desene. I-au trebuit omenirii două secole pentru a-l aprecia pe deplin pe acest mare artist.

Creare Rembrandt Harmens van Rijn(1606-1669) marchează cea mai mare înflorire a olandezilor art XVII secolului și unul dintre vârfurile artei mondiale în general. Democrat și cu adevărat uman, pătruns cu credință arzătoare în triumful principiilor drepte ale vieții, ea întruchipa cele mai avansate și afirmatoare idei ale timpului său. Artistul a crescut artă la un nou nivel, îmbogățindu-l cu o vitalitate și o profunzime psihologică fără precedent. Rembrandt a creat un nou limbaj pictural în care rol principal a jucat tehnici fin dezvoltate de clarobscur și colorare bogată, intensă din punct de vedere emoțional. Viața spirituală a omului a devenit acum accesibilă descrierii prin artă realistă.

Rembrandt a fost un inovator în multe genuri. Ca portretist, a fost creatorul unui gen unic de portret-biografie, în care viața lungă a unei persoane și lumea sa interioară au fost dezvăluite în toată complexitatea și contradicțiile sale. Ca pictor istoric, a transformat legendele antice și biblice îndepărtate într-o poveste despre adevărate evenimente pământești, încălzite de înalt umanism. sentimente umane ah și relații.

Mijlocul anilor 1630 este momentul celei mai mari apropieri a lui Rembrandt de stilul baroc paneuropean, luxuriant și zgomotos, plin de patos teatral și mișcare furtunoasă, contraste de lumină și umbră, juxtapunerea contradictorie a momentelor naturaliste și decorative, senzualitate și cruzime.

ÎN Perioada baroc scris „Coborârea de pe cruce”(1634). Pictura ilustrează legenda Evangheliei despre cum Iosif din Arimateea, Nicodim și alți ucenici și rude ale lui Hristos, după ce au primit permisiunea lui Pilat, au doborât trupul lui Hristos noaptea, l-au învelit într-un giulgiu bogat și l-au îngropat.

Legenda este spusă de Rembrandt cu un adevăr uimitor, asemănător cu viața. Moarte tragică profesorul și fiul i-au cufundat pe participanții la eveniment într-o durere profundă. Artistul se uită la fețe, încercând să pătrundă în sufletele oamenilor, să citească reacția tuturor la ceea ce se întâmplă. El transmite emoționat leșinul Mariei, mama lui Hristos, plânsul și geamătul femeilor, suferința și tristețea bărbaților, frica și curiozitatea adolescenților.

În această lucrare, Rembrandt s-a bazat pe faimoasa pictură omonimă a lui Rubens, folosind motive compoziționale individuale ale marelui flamand și încercând să-l depășească în expresie. mișcări emoționale eroii.

Pentru alții realizare importantă această imagine, împreună cu individualizarea sentimentelor personaje, a fost utilizarea luminii pentru a obține integritatea unei compoziții cu mai multe figuri. Cele trei momente principale ale legendei - coborârea de pe cruce, leșinul Mariei și răspândirea giulgiului - sunt iluminate de trei surse de lumină diferite, a căror intensitate scade în funcție de semnificația descrescătoare a scenei.

Începutul unei noi perioade în viață și activitate creativă maeștrii au fost premiați cu doi evenimente importante care a avut loc în 1642: moartea prematură a lui Saskia, iubita sa soție, care i-a lăsat un fiu de un an, și crearea tabloului „Night Watch” - un mare portret de grup al pușcașilor din Amsterdam, cea mai faimoasă lucrare. a maestrului.

O tragedie de familie și finalizarea unei comisii responsabile l-au confruntat pe Rembrandt cu personal și complex complex viata creativa. Artistul iese din această criză matur și înțelept. Arta lui devine mai serioasă, mai adunată și mai profundă și, cel mai important, interesul lui pentru viața interioară a unei persoane, la ceea ce se întâmplă în sufletul său.

În strânsă legătură cu evoluția operei lui Rembrandt în anii 1640, unul dintre cele mai importante lucrări artist - "Danae", deși există o dată pe imagine 1636. Rembrandt a fost inspirat de prima sa iubire, Saskia, pentru a crea imaginea lui Danae, legendara prințesă greacă întemnițată de tatăl ei pentru a evita moartea lui prezisă de către nepotul său. Dar zece ani mai târziu, după cum au arătat cercetările recente, artistul, nemulțumit de decizia inițială, reproșează semnificativ imaginea personajului principal. Se pare că modelul pentru versiunea finală a picturii a fost Gertje Dirks, o tânără văduvă care s-a stabilit în casa lui Rembrandt după moartea lui Saskia, mai întâi ca dădacă pentru Titus, în vârstă de un an, și apoi ca amantă completă. Astfel, capul, mâna dreaptă și, în mare măsură, trupul lui Danae, așteptând în închisoarea ei iubitul ei (conform legendei, Zeus, care s-a îndrăgostit de Danae, a intrat în ea sub forma unei ploaie de aur) , precum și figura bătrânei servitoare, au fost pictate din nou, într-o manieră îndrăzneață, largă, la mijlocul și a doua jumătate a anilor 1640. Aproape toate celelalte detalii ale tabloului au rămas aceleași, deoarece au fost pictate în 1636, cu o contur elegantă, caracteristică perioadei precedente.

Colorarea picturii a suferit, de asemenea, modificări semnificative. Versiunea originală a fost dominată de tonuri reci, tipice pentru mijlocul anilor 1630. După ce a înlocuit ploaia aurie a primei versiuni cu lumină aurie, ca și cum ar prefigura apariția unui zeu iubitor, Rembrandt pictează acum partea centrală a tabloului într-un ton cald, cu ocru auriu și cinabru roșu ca dominante.

În cea de-a doua versiune, adică în 1646-1647, Danae a primit o descriere psihologică aprofundată, datorită căreia i s-a dezvăluit cea mai interioară lume interioară a unei femei, întreaga gamă complexă și contradictorie a trăirilor și experiențelor ei. „Danae” este astfel vizual exemplu concret formarea faimosului psihologism Rembrandt.

Opera lui Rembrandt din anii 1650 este marcată în primul rând de realizări în domeniul portretului. În exterior, portretele acestei perioade se disting, de regulă, prin dimensiunile mari și formele monumentale. ipostaze calme. Modelele stau de obicei în fotolii adânci, cu mâinile pe genunchi și cu fața către privitor. Fața și mâinile sunt evidențiate cu lumină. Aceștia sunt întotdeauna oameni în vârstă, înțelepți din experiență îndelungată de viață - bătrâni și femei cu pecetea gândurilor sumbre pe față și munca grea pe mâini. Astfel de modele i-au oferit artistului oportunități strălucitoare de a arăta nu numai semnele exterioare ale bătrâneții, ci și aspectul spiritual al unei persoane. În colecția Ermitaj, aceste lucrări sunt bine reprezentate de portrete necomandate:

„Bătrânul în roșu”, „Portretul unei bătrâne doamne” și „Portretul unui evreu bătrân”.

Nu știm numele persoanei care a servit drept model pentru portret „Bătrânul în roșu” Rembrandt l-a pictat de două ori: într-un portret din 1652 (National Gallery, Londra) el este înfățișat stând pe un scaun cu cotiere, plecând capul în gând adânc. mana dreapta; versiunea Ermitage interpretează la fel subiect - omul singur cu gândurile tale. De data aceasta artistul folosește o compoziție strict simetrică, înfățișând un bătrân care stă nemișcat din față. Dar cu atât este mai vizibilă mișcarea gândului, schimbarea subtilă a expresiei feței: pare acum severă, când mai blândă, când obosită, acum luminată brusc de un val de forță și energie interioară. Același lucru se întâmplă și cu mâinile: par să fie fie strânse convulsiv, fie zac epuizate. Artistul realizează acest lucru în primul rând datorită măiestriei strălucitoare a clarobscurului, care, în funcție de puterea și contrastul său, introduce în imagine relaxare elegiacă sau tensiune dramatică. Modul de aplicare a vopselei pe pânză joacă, de asemenea, un rol important. Fața șifonată și mâinile uzate ale bătrânului dobândesc expresivitate artistică datorită unui amestec vâscos de vopsele, în care împletite linii groase transmit structura formei, iar glazurele subțiri îi dau mișcare și viață.

Bătrânul fără nume în roșu, cu demnitate, forță și noblețe accentuate, a devenit o expresie a noii poziții etice a artistului, care a descoperit că valoarea unui individ nu depinde de poziția oficială a unei persoane în societate.

La mijlocul anilor 1660, Rembrandt și-a finalizat cea mai plină de suflet opera sa - „Întoarcerea fiului risipitor” Poate fi văzută ca o mărturie pentru Rembrandt bărbatul și Rembrandt artistul. Aici este ideea iubire iertatoare omului, celor umiliți și suferinzi – ideea că Rembrandt i-a slujit toată viața – își găsește cea mai înaltă, cea mai perfectă întruchipare. Și tocmai în această lucrare întâlnim toată bogăția și varietatea picturii și tehnicilor tehnice pe care artistul le-a dezvoltat de-a lungul multor decenii de creativitate.

Zdrențuit, epuizat și bolnav, risipindu-și averea și părăsit de prieteni, fiul apare în pragul casei tatălui său și aici, în brațele tatălui său, găsește iertarea și consolarea. Bucuria imensă strălucitoare a acestor doi - bătrânul, care și-a pierdut orice speranță de a-și întâlni fiul, și fiul, copleșit de rușine și remușcări, ascunzându-și fața pe pieptul tatălui său - constituie principalul conținut emoțional al operei. Martorii involuntari ai acestei scene au stat în tăcere, șocați.

Artistul se limitează extrem de la culoare. Imaginea este dominată de tonuri de ocru auriu, roșu scorțișoară și negru-maro, cu o bogăție nesfârșită de tranziții subtile în această gamă slabă. O perie, o spatulă și un mâner de pensulă sunt implicate în aplicarea vopselei pe pânză; dar chiar și acest lucru i se pare insuficient lui Rembrandt - el aplică vopsea pe pânză direct cu degetul (așa este pictat, de exemplu, călcâiul piciorului stâng al fiului risipitor). Datorită unei varietăți de tehnici, se realizează o vibrație crescută a suprafeței vopselei - vopselele fie ard, fie scânteie, fie mocnesc, sau ca și cum ar străluci din interior, și nici un singur detaliu, nici măcar cel mai nesemnificativ. , colțul pânzei lasă privitorul indiferent.

Doar cel înțelept experienta de viata un om și un om mare care a făcut cale mare artistul a putut crea această lucrare strălucitoare și simplă.

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) cel mai mare artist, pictor, gravor și desenator olandez. Născut într-o familie de morar din Leiden, unde a lucrat până în 1632, după care s-a mutat la Amsterdam. În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu o fată dintr-o familie bogată, Saskia van Uylenburch, a cărei imagine a fost imortalizată de el în multe portrete cu tandrețe și dragoste extraordinare.

Începând cu anii 1640, în opera lui Rembrandt, în special în picturile pe teme religioase, clarobscurul a devenit important, creând o atmosferă emoțională tensionată. Artistul este interesat de esența ascunsă a fenomenelor, de lumea interioară complexă a oamenilor reprezentați.

În 1642, soarta îi dă o lovitură grea lui Rembrandt - Saskia moare. În același an și-a scris cel mai remarcabil și tablou faimos Veghea de noapte, soluție compozițională care nu are nimic în comun cu un portret de grup tradițional.

Ultimele sale lucrări uimesc prin precizia măiestriei sale. În ultimele autoportrete ale lui Rembrandt, care au devenit punctul culminant al galeriei sale de portrete de neegalat, privitorului i se prezintă un bărbat care îndura cu stoicitate. încercări severeși amărăciunea pierderii (în 1668 și-a pierdut iubitul Hendrickje Stoffels, iar în 1668 pe fiul său Titus).

Rembrandt a creat lucrări minunate în aproape toate genurile și a folosit o varietate de tehnici de scriere (pictură, desen, gravură). Cel mai mare maestru, i-a influențat pe mulți artiști celebri. Aureola faimei din jurul numelui lui Rembrandt nu a dispărut și, după moartea sa, a primit adevărata recunoaștere ca unul dintre pictorii remarcabili ai tuturor timpurilor.

Picturile lui Rembrandt:

		Danae 1636-1647

Marele olandez Rembrandt Harmens van Rijn s-a născut în 1606 în orașul Leiden. După ce a studiat ca ucenic, la vârsta de 19 ani a început să lucreze ca artist independent.

În primele sale compoziții biblice se remarcă influența barocului italian: în contrastele ascuțite ale clarobscurului și dinamica compoziției. Dar Rembrandt și-a găsit în curând propriul stil în utilizarea clarobscurului pentru a exprima emoțiile în portrete.

În 1632, pictorul s-a mutat la Amsterdam și s-a căsătorit cu un patrician bogat. În această perioadă a avut un succes deosebit, celebru și fericit. Iar lucrările lui sunt saturate de culori bogate și respiră bucurie. Pictează mari compoziții religioase, multe portrete și autoportrete împreună cu iubita sa soție.

Rembrandt a devenit faimos în special ca portretist, pictând peste o sută de portrete și zeci de autoportrete în timpul carierei sale. În prezentarea lui însuși, artistul a experimentat cu îndrăzneală în căutarea expresivității deosebite a feței.

Rembrandt a fost primul care a rezolvat problema portretelor de grup plictisitoare unind oamenii înfățișați acțiune generală, care a dat chipurilor și figurilor o ușurință firească.

Artistul a fost glorificat de un portret de grup numit „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” (1632), care înfățișează nici măcar șiruri de chipuri pompoase, ci eroi ai unei povești fascinante, parcă surprinși de artist în mijlocul acțiunii.

Cercetătorii consideră că gloria supremă a talentului lui Rembrandt ca pictor portretist este „The Night Watch” (1642), un portret comandat al unei societăți de pușcași. Cu toate acestea, clienții nu au acceptat tabloul, respingând ideea inovatoare, unde în loc de trăgători aliniați, a fost înfățișată o compoziție eroică pe tema luptei de eliberare. Pentru trăgători, printre care se numărau nobili, aceste imagini li s-au părut străine și intempestive din punct de vedere politic.

Această respingere a devenit primul acord tragic din viața artistului. Și când iubita lui soție a murit, opera lui Rembrandt și-a pierdut notele vesele. Anii 1640 au devenit o perioadă a motivelor biblice calme, în care artistul a dezvăluit din ce în ce mai subtil nuanțele experiențelor emoționale ale eroilor. În grafica sa, clarobscurul joacă și mai grațios, creând o atmosferă dramatică.

În „Danae” (1647) artistul și-a dezvăluit al lui vederi estetice pe frumusețea feminină, sfidând Renașterea. Nudul lui Danae este departe de idealurile clasice, dar senzual și cald, ca o femeie vie.

Perioada de maturitate creativă a lui Rembrandt a avut loc în anii 1650 - o perioadă de încercări dificile ale vieții. Proprietatea sa a fost vândută la licitație pentru datorii, dar pictorul practic nu a onorat comenzile. A pictat portrete ale celor dragi, ale oamenilor obișnuiți și ale bătrânilor. Atenția deosebită a artistului, cu ajutorul petelor de lumină difuză, s-a concentrat asupra fețelor cu emoții bogate, dar subtile, și a mâinilor uzate.

Rembrandt a interpretat imaginile biblice în felul său, în mod clar legende religioase „cu picioarele pe pământ”, lipsindu-le de ceilalți. El dădea adesea chipurilor sfinților trăsăturile unor oameni anume care pozau pentru el pentru picturi.

Pe la mijlocul anilor 1650, pictorul devenise un adevărat maestru, cucerind cu pricepere lumina și culoarea de dragul expresivității emoționale a imaginilor. Dar și-a trăit viața în sărăcie și singurătate, după ce și-a îngropat a doua soție și fiul. Ultimele lucrări artistul este dedicat reflectării asupra ciocnirii în suflet uman răul cu binele. Coarda finală a fost capodopera principala maestru - „Întoarcerea fiului risipitor”, scris în 1669, anul morții artistului. Fiul pocăit, îngenuncheat, a exprimat toată tragedia drumul vietii o persoană, iar în imaginea unui tată se poate vedea iubirea însăși și iertarea nesfârșită.

Atribuirea picturilor lui Rembrandt se face conform celor mai recente cercetări ale unui grup de oameni de știință reputați asupra lucrării sale și este actualizată în cursul cercetărilor în curs de desfășurare. " Proiect de cercetare Rembrandt" a fost înființată în 1968 și și-a propus să verifice autenticitatea și proprietatea picturilor maestrului, pe baza unui studiu detaliat al fiecărei picturi, folosind cele mai recente istorii a artei și realizările tehnice în acest domeniu.

Aspect și traducere album - Konstantin (koschey)

Iar munca lui, prezentată în articol, vă va prezenta unul dintre cei mai mari artiști din toate timpurile. Rembrandt Harmens van Rijn (viața - 1606-1669) - celebru pictor olandez, gravor și desenator. Opera sa este pătrunsă de dorința de a înțelege esența vieții, precum și lumea interioară a omului. Rembrandt era interesat de bogăția experiențelor spirituale inerente oamenilor. Opera acestui artist este apogeul artei olandeze din secolul al XVII-lea. De asemenea, este considerată una dintre cele mai importante pagini cultura artisticaîn toată lumea. Chiar și oamenii departe de a picta îi cunosc lucrările. Rembrandt este un artist uimitor a cărui viață și opera te vor interesa cu siguranță.

Moștenirea artistică a lui Rembrandt

Excepțional de divers moștenire artistică pe care ne-a lăsat-o. Rembrandt a pictat portrete, peisaje, naturi moarte și scene de gen. A realizat picturi pe teme mitologice, biblice, istorice, precum și alte lucrări. Rembrandt este maestru desăvârșit gravura si desenul.

Viața în Leiden

Viața lui Rembrandt în 1620 a fost marcată de o scurtă perioadă de studiu. Apoi a decis să-și dedice viața în întregime artei. În acest scop, a studiat mai întâi la Leiden cu J. van Swanenburch (în jurul anilor 1620-23), iar apoi la Amsterdam cu P. Lastman (în 1623). Între 1625 și 1631 artistul a lucrat la Leiden. Rembrandt și-a creat primele lucrări aici.

Trebuie remarcat faptul că lucrările sale care datează din perioada Leiden sunt caracterizate de căutarea independenței creatoare a autorului, în ciuda faptului că influența lui Lastman, precum și reprezentanții caravagismului olandez, este vizibilă în ele. Un exemplu este lucrarea „Aducerea la templu”, creată în jurul anilor 1628-29. În „Apostolul Pavel” (circa 1629-30), precum și în „Simeon în templu” (1631), artistul a recurs pentru prima dată la clarobscurul ca mijloc menit să sporească expresivitatea emoțională și spiritualitatea imaginilor. În același timp, Rembrandt a lucrat din greu la portret. A studiat expresiile faciale.

1630 de ani în viața lui Rembrandt

Un eveniment important din viața maestrului a avut loc în 1632. Biografia artistului Rembrandt a fost marcată de mutarea la Amsterdam. Biografia sa legată de această perioadă este următoarea.

La Amsterdam, artistul de care ne interesează s-a căsătorit curând. Aleasa lui a fost Saskia van Uylenburgh, un patrician bogat (portretul ei este prezentat mai sus). Această femeie era orfană. Tatăl ei a fost membru al consiliului Friesland, primarul din Leeverden. Cei doi frați ai lui Saskia erau avocați. Printre rudele acestei femei se numără mulți oficiali guvernamentali și oameni de știință. Ea a adus o rază de fericire în casa singuratică a artistului. Rembrandt și-a mobilat casa cu multe obiecte rare, drept urmare a devenit un adevărat muzeu. Maestrul a petrecut mult timp în magazine de vechituri, vânzări și licitații. A cumpărat imprimeuri și picturi, bibelouri sculptate indiene și chinezești, arme vechi, statui, cristal și porțelan valoros. Toate aceste lucruri au servit drept fundal pentru picturile pe care le-a creat. Ei l-au inspirat pe artist. Rembrandt îi plăcea să-și îmbrace soția în catifea, brocart și mătase. El a acoperit-o cu perle și diamante. Viața lui s-a desfășurat ușor și cu bucurie, plină de creativitate, muncă și dragoste. În general, 1630 este un timp fericirea familieiși un mare succes artistic.

Portrete ale anilor 1630

Toate portretele datând din anii 1630 demonstrează subtilitatea și puterile de observație ale lui Rembrandt. Acest lucru îl aduce mai aproape de Keyser, van der Helst, Rubens și Van Dijk. Aceste picturi sunt de obicei realizate pe un fundal plat, gri deschis. Lucrările sale sunt adesea ovale în format. Rembrandt a creat portrete care uimesc prin enorma lor putere plastică. Se realizează prin simplificarea clarobscurului și a armoniei alb-negru, precum și prin direcționarea privirii modelului. Toate lucrările sunt pline de demnitate, atrăgând atenția cu compoziție și ușurință dinamică. Picturile din perioada Amsterdam, comparativ cu cele din Leiden, au o textură mai fină. Ritmul mâinilor are o semnificație simbolică (artista nu arată în mod deliberat o mână). Aceasta, precum și întoarcerea capului figurii, amintește de variabilitatea și efemeritatea barocului.

Caracteristicile unor portrete din 1630

Descriind viața și opera lui Rembrandt în această perioadă, nu se poate să nu se îndrepte spre portretele pe care le-a creat. Sunt destul de numeroase. „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” a lui Rembrandt (foto sus) a fost creată în 1632. În ea, autorul a adoptat o abordare inovatoare pentru rezolvarea problemei unui portret de grup, rezultând o compoziție relaxată. Rembrandt a unit toți oamenii reprezentați în tablou printr-o singură acțiune. Această muncă i-a adus o mare faimă.

În alte portrete, create după numeroase comenzi, artistul a transmis cu atenție îmbrăcăminte, trăsături faciale și bijuterii. Un exemplu este lucrarea „Portretul unui Burgrave”, care a fost pictată în 1636 de Rembrandt Garmens van Rijn. Viața și opera oricărui artist sunt strâns legate între ele. De exemplu, portretele oamenilor apropiați de Rembrandt, precum și autoportretele acestuia (unul dintre ele, creat în 1634, este prezentat mai sus), sunt mai variate și mai libere în compoziție. În ele, artistul nu i-a fost frică să experimenteze, luptă pentru expresivitate psihologică. Aici trebuie amintite și autoportretul realizat în 1634 și „Saskia zâmbitoare”, pictat în 1633.

Celebrul tablou „Societatea veselă” sau „Autoportret cu Saskia” (fotografie a acestei lucrări este prezentată mai sus), a completat căutarea acestei perioade. A fost pictat în jurul anului 1635. Viața și opera artistului se dezvăluie într-un mod deosebit în această lucrare. În ea, el rupe cu îndrăzneală de canoanele care existau la acea vreme. Pictura se remarcă prin maniera liberă de a picta, spontaneitatea vie a compoziției, precum și paleta plină de lumină, majoră, colorată.

Compoziții biblice și scene mitologice 1630

În anii 1630, artistul a creat și compoziții biblice. Una dintre cele mai faimoase este „Sacrificiul lui Avraam”. Datează din 1635. Compozițiile biblice din acest timp sunt marcate de influența picturii barocului italian. Impactul său se manifestă în dinamica compoziției (oarecum forțată), contrastele de lumină și umbră și claritatea unghiurilor.

În opera lui Rembrandt din acest timp, un loc special aparține scenelor mitologice. Artistul nu i-a urmărit traditii clasice iar canoanele, provocându-le cu îndrăzneală. Una dintre lucrările care pot fi remarcate aici este Răpirea lui Ganymede (1635).

"Danae"

Compoziția monumentală intitulată „Danae” a întruchipat pe deplin concepțiile estetice ale lui Rembrandt. În această lucrare, el pare să intre într-o ceartă cu marii artiști ai Renașterii. Figura nudă a lui Danae înfățișată de Rembrandt nu corespunde idealurilor clasice. Artista a finalizat această lucrare cu o spontaneitate realistă, foarte îndrăzneață pentru vremea respectivă. El a contrastat frumusețea ideală, senzual-fizică a imaginilor create maeștri italieni, frumusețea spirituală, precum și căldura sentimentului uman.

Alte locuri de muncă

Tot în anii 1630, Rembrandt a dedicat mult timp lucrului în tehnicile de gravură și gravură. Se pot observa lucrările sale precum „Cuplul rătăcitor” și „Vânzătorul de otravă de șobolani”. Artistul a creat și el desene in creion, generalizat în manieră și foarte îndrăzneț.

Opera lui Rembrandt în anii 1640

Acești ani au fost marcați de conflicte între lucrări inovatoare Rembrandt și exigențele foarte limitate ale contemporanilor săi. Acest conflict s-a manifestat în mod clar în 1642. Apoi lucrarea lui Rembrandt „Night Watch” a provocat proteste violente din partea clienților. Nu au acceptat ideea principală a artistului. Rembrandt, în locul portretului obișnuit de grup, a înfățișat o compoziție eroic optimistă în care, la alarmă, breasla trăgătorilor face un pas înainte. Adică a fost, s-ar putea spune, Ea a trezit amintirile contemporanilor despre războiul de eliberare purtat de poporul olandez.

După această lucrare, afluxul de comenzi pentru Rembrandt a scăzut. Viața lui a fost, de asemenea, întunecată de moartea lui Saskia. În anii 1640, opera artistului și-a pierdut eficiența exterioară. Au dispărut și notele majore care l-au caracterizat mai devreme. Rembrandt începe să picteze gen calm și scene biblice, pline de intimitate și căldură. În ele dezvăluie cele mai subtile nuanțe de experiențe, sentimente de familie, apropiere spirituală. Printre aceste lucrări, este de remarcat „Sfânta Familie” din 1645, precum și pictura „David și Ionatan” (1642).

Atât în ​​grafica, cât și în pictura lui Rembrandt, un joc foarte subtil de clarobscur devine din ce în ce mai important. Se creează o atmosferă specială – emoțional intensă, dramatică. De remarcat sunt monumentala fișă grafică a lui Rembrandt „Hristos vindecând bolnavii”, precum și „Foaia cu o sută de florin”, creată în jurul anilor 1642-46. Ar trebui să numiți și peisajul din 1643 „Trei Copaci”, plin de dinamică a luminii și a aerului.

1650 în lucrările lui Rembrandt

Acest timp a fost marcat de încercări grele de viață care s-au întâmplat pe artist. În 1650 a început perioada maturității sale creatoare. Rembrandt începe să se orienteze din ce în ce mai des către portrete. Îi înfățișează pe cei mai apropiați. Printre aceste lucrări, merită remarcate numeroasele portrete ale lui Hendrikje Stoffels, a doua soție a artistului. De asemenea, destul de remarcabil este „Portretul unei bătrâne” creat în 1654. În 1657, artistul a pictat un altul al său lucrare celebră- „Fiul Titus citind”.

Imagini cu oameni obișnuiți și bătrâni

Imaginile oamenilor obișnuiți, în special bătrânilor, îl atrag din ce în ce mai mult pe artist. Ele sunt întruchiparea în operele sale bogăție spiritualăși înțelepciunea vieții. În 1654, Rembrandt a creat „Portretul soției fratelui artistului”, iar în 1652-1654 – „Portretul unui bătrân în roșu” (foto sus). Pictorul devine interesat de mâini și față, care sunt iluminate lumina slaba. Parcă au fost smulse din întuneric. Fețele figurilor sunt caracterizate de expresii faciale abia vizibile. Aceasta arată mișcarea complexă a sentimentelor și gândurilor lor. Rembrandt alternează lovituri de lumină și impasto, ceea ce face ca suprafața picturii să strălucească de lumină și umbră și nuanțe colorate.

Situație financiară dificilă

În 1656, artistul a fost declarat debitor în insolvență, drept urmare toată proprietatea sa a fost vândută sub ciocan. Rembrandt a fost nevoit să se mute în cartierul evreiesc al orașului Amsterdam. Aici și-a petrecut restul vieții în condiții extrem de înghesuite.

Lucrările lui Rembrandt Harmensz van Rijn 1660

Compozițiile biblice create în anii 1660 rezumă reflecțiile lui Rembrandt asupra sensului vieții. În opera sa din acest timp există picturi dedicate ciocnirii principiilor luminii și întunericului din sufletul uman. O serie de lucrări pe această temă au fost create de Rembrandt Harmens van Rijn, a cărui biografie și listă de picturi ne interesează. Printre astfel de lucrări, este de remarcat lucrarea „Assur, Haman și Esther”, creată în 1660; și, de asemenea, „David și Urie”, sau „Căderea lui Haman” (1665). Se caracterizează printr-un stil de pensulă flexibil, culori calde bogate, textura complexă a suprafeței și joc intens de lumini și umbre. Toate acestea sunt necesare pentru ca artistul să dezvăluie experiențe emoționale complexe și conflicte, să afirme victoria binelui asupra răului.

Pictura istorică a lui Rembrandt intitulată Conspirația lui Julius Civilis, cunoscută și sub numele de Conspirația Batavilor, a fost creată în 1661. Este impregnat de eroism și dramă dură.

„Întoarcerea fiului risipitor”

ÎN Anul trecutÎn timpul vieții sale, artistul a creat lucrarea „Întoarcerea fiului risipitor”. Datează din 1668-69. Această pictură monumentală este principala capodopera a lui Rembrandt. Ea întruchipează toate aspectele morale, estetice și probleme artistice, caracteristic de perioadă târzie creativitatea lui. Artistul cu cea mai înaltă pricepere recreează în această imagine o întreagă gamă de sentimente umane profunde și complexe. Medii artistice el se subordonează dezvăluirii frumuseții iertării, compasiunii, înțelegerii. Punctul culminant al trecerii de la tensiunea sentimentelor la rezolvarea cu succes a pasiunilor este întruchipat în gesturi de rezervă și ipostaze expresive. Puteți vedea asta în fotografia de mai sus ultima bucata Rembrandt.

Moartea lui Rembrandt, semnificația operei sale

Celebrul pictor, gravor și desenator olandez a murit la Amsterdam la 4 octombrie 1669. Harmens van Rijn Rembrandt, ale cărui lucrări sunt cunoscute și iubite de mulți, a avut o influență uriașă asupra dezvoltării ulterioare a picturii. Acest lucru se observă nu numai în munca elevilor săi, dintre care Carel Fabricius s-a apropiat cel mai mult de a-l înțelege pe Rembrandt, ci și în lucrările fiecărui artist olandez, mai mult sau mai puțin semnificative. Picturile multor maeștri reflectă influența unor artiști precum Rembrandt van Rijn. Lucrarea „Mlaștina”, scrisă de Jacob van Ruisdael, este probabil una dintre aceste lucrări. Prezintă o parte deșertică a pădurii inundată cu apă. Această imagine poartă o semnificație simbolică.

Ulterior, marele Rembrandt a avut o influență puternică asupra dezvoltării artei realiste în general. Picturile și biografia lui sunt încă de interes pentru mulți oameni. Acest lucru sugerează că munca lui este într-adevăr destul de valoroasă. Capodoperele lui Rembrandt, dintre care multe au fost descrise în acest articol, încă inspiră artiști.