Pictura renascentista pe scurt. Artiștii Renașterii și picturile lor

Popoarele Europei au căutat să reînvie comori și tradiții pierdute din cauza războaielor nesfârșite de exterminare. Războaiele au luat oameni și lucruri mărețe pe care oamenii le-au creat de pe fața pământului. Ideea de a reînvia civilizația înaltă lumea antică a adus la viață filosofia, literatura, muzica, ascensiunea științelor naturii și – mai ales – înflorirea artei. Epoca cerea oameni puternici, educați, care să nu se teamă de nicio muncă. În mijlocul lor a devenit posibilă apariția acelor puține genii care sunt numiți „titani ai Renașterii”. Chiar pe cei pe care îi numim doar pe nume.

Renașterea a fost în primul rând italiană. Prin urmare, nu este de mirare că în Italia arta a atins cea mai mare ascensiune și înflorire în această perioadă. Aici există zeci de nume de titani, genii, artiști mari și pur și simplu talentați.

MUZICA DE LEONARDO.

Ce tip norocos! – vor spune mulți despre el. Era înzestrat cu o sănătate rară, frumos, înalt și avea ochi albaștri. În tinerețe a purtat bucle blonde, silueta lui mândră semăna cu Sfântul Gheorghe al lui Donatell. Avea o putere nemaiauzită și curajoasă și o vitejie masculină. A cântat minunat și a compus melodii și poezii în fața publicului său. Jucat pe orice instrument muzical Mai mult, le-a creat el însuși.

Pentru arta lui Leonardo da Vinci, contemporanii și descendenții nu au găsit niciodată alte definiții decât „strălucitor”, „divin” și „mare”. Aceleași cuvinte se referă la revelațiile sale științifice: a inventat un tanc, un excavator, un elicopter, un submarin, o parașută, o armă automată, o cască de scufundări, un lift, a rezolvat cele mai complexe probleme de acustică, botanică, medicină, cosmografie. , a creat un proiect pentru un teatru circular, inventat cu un secol mai devreme, decât Galileo, pendulul cu ceas, a desenat schiurile nautice actuale, a dezvoltat teoria mecanicii.

Ce tip norocos! - mulți vor spune despre el și vor începe să-și amintească de prinții și regii săi iubiți, care au căutat cunoștință cu el, spectacole și sărbători, pe care le-a inventat ca artist, dramaturg, actor, arhitect și s-a distrat la ei ca un copil.

Cu toate acestea, a fost fericit iremediabilul centenar Leonardo, a cărui zi fiecare a dat oamenilor și lumii viziuni și perspective? El a prevăzut soarta teribilă a creațiilor sale: distrugerea Cinei celei de Taină, împușcarea monumentului lui Francesca Sforza, comerț scăzut și furturi josnice ale jurnalelor și caietelor de lucru. Doar șaisprezece în total tablouri a supraviețuit până în zilele noastre. Puține sculpturi. Dar au existat o mulțime de desene, desene codificate: la fel ca eroii science-fiction-ului modern, el a schimbat un detaliu în designul său, parcă pentru ca altul să nu-l poată folosi.

Leonardo da Vinci a lucrat diferite tipuriși genuri de artă, dar pictura i-a adus cea mai mare faimă.

Una dintre cele mai vechi picturi ale lui Leonardo este Madonna of the Flower sau Benois Madonna. Deja aici artistul acționează ca un adevărat inovator. El încalcă granițele complot tradiționalși dă imaginii un sens mai larg, universal, care sunt bucuria maternă și iubirea. În această lucrare, multe trăsături ale artei artistului s-au manifestat în mod clar: o compoziție clară a figurilor și volumul formelor, o dorință de concizie și generalizare, expresivitate psihologică.

Continuarea temei începute a fost pictura „Madonna Litta”, unde a fost dezvăluită în mod clar o altă caracteristică a operei artistului - un joc de contraste. Finalizarea temei a fost pictura „Madona în grotă”, care a remarcat soluția compozițională ideală, datorită căreia figurile reprezentate ale Madonei, Hristos și îngerii se contopesc cu peisajul într-un singur întreg, înzestrat cu echilibru calm și armonie. .

Unul dintre vârfurile operei lui Leonardo este fresca „Cina cea de Taină” din trapeza mănăstirii Santa Maria Della Grazie. Această lucrare nu este numai uimitoare compozitia de ansamblu, dar și precizie. Leonardo nu transmite doar stare psihologică apostoli, dar face acest lucru în momentul în care ajunge la un punct critic, se transformă într-o explozie psihologică și conflict. Această explozie este cauzată de cuvintele lui Hristos: „Unul dintre voi mă va trăda”. În această lucrare, Leonardo a folosit pe deplin tehnica de comparare specifică a figurilor, datorită căreia fiecare personaj apare ca o individualitate și o personalitate unică.

Al doilea apogeu al creativității lui Leonard a fost faimosul portret al Monei Lisei, sau La Gioconda. Această lucrare a marcat începutul genului portret psihologic V arta europeana. Când l-a creat, marele maestru a folosit cu brio întregul arsenal de mijloace de exprimare artistică: contraste ascuțite și semitonuri moi, liniște înghețată și fluiditate și variabilitate generală, cele mai fine nuanțe și tranziții psihologice. Întregul geniu al lui Leonardo constă în aspectul uimitor de plin de viață al Mona Lisei, misteriosul și zâmbet misterios, o ceață mistică care acoperă peisajul. Această lucrare este una dintre cele mai rare capodopere de artă.

Toți cei care au văzut „La Gioconda” adusă de la Luvru din Moscova își amintesc momentele de surditate completă din apropierea acestei mici pânze, tensiunea celor mai buni în ei înșiși. Gioconda părea a fi un „marțian”, un reprezentant al necunoscutului - probabil viitorul, și nu trecutul tribului uman, întruchiparea armoniei, despre care lumea nu este obosită și nu se va sătura niciodată să viseze.

Despre el se pot spune mai multe. Surprins că aceasta nu este ficțiune sau fantezie. De exemplu, vă puteți aminti cum a propus să mute Catedrala San Giovanni - o astfel de lucrare ne uimește pe noi, locuitorii secolului al XX-lea.

Leonardo a spus: " Artist bun trebuie să fie capabil să scrie două lucruri principale: o persoană și o reprezentare a sufletului său. Sau se spune asta despre „Columbine” de la Schitul Sankt Petersburg? Unii cercetători o numesc, și nu pânza Luvru, „La Gioconda”.

Băiat Nardo, acesta era numele lui în Vinci: fiul nelegitim al unui notar literar care a luat în considerare cele mai bune creaturi pe Pământul păsărilor și al cailor. Iubit de toată lumea și singuratic, care a îndoit săbii de oțel și a pictat pe spânzurați. A inventat un pod peste Bosfor și un oraș ideal, mai frumos decât cele ale lui Corbusier și Niemeyer. A cântat într-un bariton moale și a făcut-o pe Mona Lisa să zâmbească. Într-unul dintre ultimele sale caiete, acest norocos scria: „Mi se părea că învăț să trăiesc, dar învățam să mor”. Cu toate acestea, el a rezumat apoi: „O viață bine trăită este o viață lungă”.

Este posibil să nu fii de acord cu Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli s-a născut la Florența în 1445 într-o familie de tăbăcării de piele.

Primul în timp lucrare originală Opera lui Botticelli este considerată a fi „Adorarea magilor” (circa 1740), unde principalele proprietăți ale modului său original - visarea și poezia subtilă - au fost deja reflectate pe deplin. Era înzestrat cu un simț înnăscut al poeziei, dar o notă clară de tristețe contemplativă l-a străbătut literalmente în orice. Până și Sfântul Sebastian, chinuit de săgețile chinuitorilor săi, arată gânditor și detașat de el.

La sfârșitul anilor 1470, Botticelli s-a apropiat de cercul conducătorului de facto al Florenței, Lorenzo Medici, poreclit Magnificul. În grădinile luxoase ale lui Lorenzo s-a adunat o societate de oameni, probabil cei mai luminați și talentați din Florența. Erau acolo filozofi, poeți și muzicieni. Domnea o atmosferă de admirație pentru frumos și nu doar frumusețea artei a fost pusă în valoare, ci și frumusețea vieții. Ca prototip arta perfectaŞi viata ideala Antichitatea a fost considerată, percepută, însă, prin prisma straturilor filozofice de mai târziu. Fără îndoială, sub influența acestei atmosfere primul imagine de ansamblu Botticelli „Primavera (Primăvara)”. Aceasta este o alegorie de vis, rafinată, minunat de frumoasă a ciclului etern, a reînnoirii constante a naturii. Este pătruns de un ritm muzical complex și capricios. Figura Florei, decorată cu flori, gratii dansanteîn Grădina Edenului au reprezentat imagini ale frumuseții care nu fuseseră încă văzute la acea vreme și, prin urmare, au produs o impresie deosebit de captivantă. Tânărul Botticelli a ocupat imediat un loc proeminent printre maeștrii timpului său.

Reputația înaltă a tânărului pictor i-a asigurat o comandă de fresce biblice pentru Capela Sixtină a Vaticanului, pe care a creat-o la începutul anilor 1480 la Roma. El a scris „Scene din viața lui Moise”, „Pedeapsa lui Korah, Datan și Abiron”, demonstrând o uimitoare abilitate compozițională. Calmul clasic al clădirilor antice, față de care Botticelli a pus acțiunea, contrastează puternic cu ritmul dramatic al personajelor și pasiunilor descrise; mișcarea corpurilor umane este complexă, confuză, saturată de forță explozivă; se simte armonia zguduitoare, lipsa de apărare a lumii vizibile în fața presiunii rapide a timpului și a voinței umane. Frescele Capelei Sixtine au exprimat pentru prima dată neliniștea profundă care a trăit în sufletul lui Botticelli, care a devenit mai puternică în timp. Aceleași fresce reflectau talentul uimitor al lui Botticelli ca pictor portretist: fiecare dintre numeroasele fețe pictate este complet originală, unică și de neuitat...

În anii 1480, întorcându-se la Florența, Botticelli a continuat să lucreze neobosit, dar claritatea pașnică a Primerei era deja cu mult în urmă. La mijlocul deceniului a scris faimoasa sa „Nașterea lui Venus”. Cercetătorii notează în lucrări ulterioare maeștri ai unui moralism și exaltare religioasă neobișnuite pentru el înainte.

Poate mai semnificative decât pictura târzie sunt desenele lui Botticelli din anii '90 - ilustrații pentru „ Divina Comedie» Dante. A pictat cu o încântare vădită și nedisimulata; viziunile marelui poet sunt transmise cu dragoste și grijă de proporțiile perfecte ale numeroaselor figuri, de organizarea gândită a spațiului, de inepuizabilă ingeniozitate în căutarea echivalentelor vizuale ale cuvântului poetic...

În ciuda oricăror furtuni și crize mentale, Botticelli a rămas un mare artist, maestru al artei sale, până la sfârșit (a murit în 1510). Acest lucru este evident evidențiat de sculptura nobilă a feței din „Portretul unui tânăr”, o caracteristică expresivă a modelului care nu lasă îndoieli cu privire la înaltul ei. demnitatea umană, desenul solid al maestrului și privirea lui prietenoasă.

Renașterea este un fenomen fenomenal în istoria omenirii. Niciodată nu a mai existat un izbucnire atât de strălucitoare în domeniul artei. Sculptori, arhitecți și artiști ai Renașterii (lista lor este lungă, dar vom atinge cele mai celebre), ale căror nume sunt cunoscute de toată lumea, au dat lumii oameni de neprețuit Oameni unici și excepționali care s-au arătat nu într-un domeniu, ci în mai multe simultan.

Pictura renascentista timpurie

Epoca Renașterii are un interval de timp relativ. A început mai întâi în Italia - 1420-1500. În acest moment, pictura și toată arta în general nu sunt foarte diferite de trecutul recent. Cu toate acestea, elementele împrumutate din antichitatea clasică încep să apară pentru prima dată. Și numai în anii următori sculptorii, arhitecții și artiștii Renașterii (a căror listă este foarte lungă), sub influența condițiilor moderne de viață și a tendințelor progresive, au abandonat în cele din urmă fundațiile medievale. Ei iau cu curaj la bord cele mai bune mostre artă antică pentru lucrările lor, atât în ​​general, cât și în detalii individuale. Numele lor sunt cunoscute de mulți să ne concentrăm pe cele mai proeminente personalități.

Masaccio - geniul picturii europene

El a fost cel care a contribuit contribuție uriașăîn dezvoltarea picturii, devenind un mare reformator. Maestrul florentin s-a născut în 1401 într-o familie de artizani artistici, așa că simțul gustului și dorința de a crea erau în sânge. La 16-17 ani s-a mutat la Florența, unde a lucrat în ateliere. Donatello și Brunelleschi, mari sculptori și arhitecți, sunt considerați pe bună dreptate profesorii săi. Comunicarea cu ei și aptitudinile adoptate nu au putut decât să-l afecteze pe tânărul pictor. Din prima, Masaccio a împrumutat o nouă înțelegere a personalității umane, caracteristică sculpturii. Al doilea maestru are elementele de bază Cercetătorii consideră că „Tripticul San Giovenale” (în prima fotografie), care a fost descoperit într-o biserică din apropierea orașului în care s-a născut Masaccio, este prima lucrare de încredere. Lucrarea principală sunt frescele dedicate poveștii de viață a Sfântului Petru. Artistul a participat la crearea a șase dintre ele, și anume: „Miracolul Statirului”, „Expulzarea din Paradis”, „Botezul neofiților”, „Distribuirea proprietății și moartea lui Anania”, „Învierea fiului lui Teofil. ”, „Sfântul Petru vindecă bolnavii cu umbra Sa” și „Sfântul Petru în amvon”.

Artiștii italieni ai Renașterii au fost oameni care s-au dedicat în totalitate artei, fără a acorda atenție problemelor obișnuite de zi cu zi, ceea ce i-a condus uneori la o existență săracă. Masaccio nu face excepție: strălucitul maestru a murit foarte devreme, la vârsta de 27-28 de ani, lăsând în urmă lucrări mari și un număr mare de datorii.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Acesta este un reprezentant al școlii de pictori din Padova. El a primit elementele de bază ale meșteșugului său de la tatăl său adoptiv. Stilul s-a format sub influența lucrărilor lui Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello și pictura venețiană. Acest lucru a determinat maniera oarecum aspră și aspră a lui Andrea Mantegna în comparație cu florentinii. A fost un colecționar și un cunoscător al lucrărilor culturale din perioada antică. Datorită stilului său, spre deosebire de oricare altul, a devenit celebru ca inovator. Cele mai multe ale lui lucrări celebre: „Hristos mort”, „Triumful lui Cezar”, „Judith”, „Bătălia zeităților mării”, „Parnasul” (foto), etc. Din 1460 până la moartea sa a lucrat ca pictor de curte pentru ducii de Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli este un pseudonim, numele lui adevărat este Filipepi. Nu a ales imediat calea unui artist, ci a studiat inițial măiestria bijuteriilor. În primul rând munca independenta(mai multe Madone) se simte influenta lui Masaccio si Lippi. Mai târziu și-a făcut un nume ca portretist, cea mai mare parte a comenzilor a venit din Florența. Natura rafinată și sofisticată a lucrărilor sale cu elemente de stilizare (generalizarea imaginilor folosind tehnici convenționale - simplitatea formei, culorii, volumului) îl deosebește de alți maeștri ai vremii. Contemporan al lui Leonardo da Vinci și al tânărului Michelangelo, el a lăsat o amprentă strălucitoare asupra artei mondiale („Nașterea lui Venus” (foto), „Primăvara”, „Adorarea magilor”, „Venus și Marte”, „Crăciunul” , etc.). Pictura sa este sinceră și sensibilă, iar drumul său de viață este complex și tragic. Percepția romantică a lumii la o vârstă fragedă a făcut loc misticismului și exaltării religioase la vârsta adultă. Ultimii ani ai vieții sale Sandro Botticelli a trăit în sărăcie și uitare.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Pictor italian și un alt reprezentant al Renașterii timpurii, originar din Toscana. Stilul autorului s-a format sub influența școlii florentine de pictură. Pe lângă talentul său de artist, Piero della Francesca avea abilități remarcabile în domeniul matematicii și i-a dedicat ultimii ani ai vieții, încercând să-l conecteze cu arta înaltă. Rezultatul au fost două tratate științifice: „Despre perspectiva în pictură” și „Cartea celor cinci corpuri obișnuite”. Stilul său se distinge prin solemnitate, armonie și noblețe a imaginilor, echilibru compozițional, linii și construcție precise și o gamă moale de culori. Piero della Francesca avea o cunoaștere uimitoare a laturii tehnice a picturii și a particularităților perspectivei pentru acea vreme, ceea ce i-a câștigat o înaltă autoritate în rândul contemporanilor săi. Cele mai cunoscute lucrări: „Istoria reginei din Saba”, „Flagelarea lui Hristos” (foto), „Altar din Montefeltro”, etc.

Pictura înaltă renaștere

Dacă Proto-Renaşterea şi era timpurie a durat aproape un secol și jumătate, respectiv un secol, apoi această perioadă acoperă doar câteva decenii (în Italia de la 1500 la 1527). A fost un fulger strălucitor, orbitor, care a dat lumii o întreagă galaxie de oameni grozavi, versatili și străluciți. Toate ramurile artei au mers mână în mână, așa că mulți maeștri au fost și oameni de știință, sculptori, inventatori și nu doar artiști renascentistes. Lista este lungă, dar vârful Renașterii a fost marcat de opera lui L. da Vinci, M. Buanarotti și R. Santi.

Geniul extraordinar al lui Da Vinci

Poate că aceasta este cea mai extraordinară și remarcabilă personalitate din istoria lumii. cultura artistica. Era un om universal în sensul deplin al cuvântului și poseda cele mai versatile cunoștințe și talente. Artist, sculptor, teoretician al artei, matematician, arhitect, anatomist, astronom, fizician și inginer - toate acestea sunt despre el. Mai mult, în fiecare dintre domenii, Leonardo da Vinci (1452-1519) s-a dovedit a fi un inovator. Doar 15 dintre picturile sale, precum și multe schițe, au supraviețuit până în prezent. Deținând o energie vitală uimitoare și o sete de cunoaștere, era nerăbdător și fascinat de procesul de învățare în sine. La o vârstă foarte fragedă (20 de ani) s-a calificat ca maestru al Breslei Sf. Luca. Cele mai importante lucrări ale sale au fost fresca „Cina cea de taină”, picturile „Mona Lisa”, „Madona Benois” (foto sus), „Doamna cu hermină”, etc.

Portretele artiștilor Renașterii sunt rare. Au preferat să-și lase imaginile în tablouri cu multe fețe. Astfel, controversele în jurul autoportretului lui da Vinci (în imagine) continuă și astăzi. Există versiuni în care a făcut-o la vârsta de 60 de ani. Potrivit biografului, artistului și scriitorului Vasari, marele maestru era pe moarte în brațele sale prieten apropiat Regele Francisc I la castelul său din Clos-Lucé.

Rafael Santi (1483-1520)

Artist și arhitect originar din Urbino. Numele său în artă este invariabil asociat cu ideea de frumusețe sublimă și armonie naturală. Pentru destul viata scurta(37 de ani) a realizat multe picturi, fresce și portrete de renume mondial. Subiectele pe care le-a înfățișat erau foarte diverse, dar întotdeauna a fost atras de chipul Maicii Domnului. Absolut întemeiat, Rafael este numit „maestrul Madonelor”, în special al celor pictate de el la Roma. A lucrat la Vatican din 1508 până la sfârșitul vieții ca artist oficial la curtea papală.

Dotat cuprinzător, ca mulți alți mari artiști ai Renașterii, Rafael a fost și arhitect și a lucrat. săpături arheologice. Potrivit unei versiuni, cel mai recent hobby este în legătură directă cu moarte prematură. Probabil că a contractat febra romană la săpături. Marele maestru a fost înmormântat în Panteon. Fotografia este autoportretul lui.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Bătrânul lung de 70 de ani era strălucitor a lăsat urmașilor săi creații nepieritoare nu numai de pictură, ci și de sculptură. Ca și alți mari artiști renascentistes, Michelangelo a trăit într-o perioadă plină de evenimente istoriceși șocuri. Arta sa este o minunată notă finală a întregii Renașteri.

Maestrul a pus sculptura mai presus de toate celelalte arte, dar prin voința sorții a devenit un pictor și arhitect remarcabil. Lucrarea sa cea mai ambițioasă și extraordinară este pictura (în imagine) din palatul din Vatican. Suprafața frescei depășește 600 de metri pătrați și conține 300 de figuri umane. Cea mai impresionantă și familiară este scena Judecății de Apoi.

Artiștii Renașterii italieni aveau talente multiple. Deci, puțini oameni știu că Michelangelo a fost și un poet excelent. Această fațetă a geniului său s-a manifestat pe deplin spre sfârșitul vieții sale. Aproximativ 300 de poezii au supraviețuit până astăzi.

Pictura Renașterii târzii

Perioada finală acoperă perioada cuprinsă între 1530 și 1590-1620. Potrivit Encyclopedia Britannica, Renașterea ca perioadă istorică s-a încheiat cu căderea Romei în 1527. Cam în același timp, Contrareforma a triumfat în sudul Europei. Mișcarea catolică a privit cu prudență orice gândire liberă, inclusiv glorificarea frumuseții corpului uman și învierea artei din perioada antică - adică tot ceea ce a fost stâlpii Renașterii. Acest lucru a dus la o mișcare specială - manierism, caracterizată prin pierderea armoniei spiritualului și fizicului, omului și naturii. Dar chiar și în această perioadă dificilă, unii artiști celebri Renașterea și-a creat capodoperele. Printre aceștia se numără Antonio da Correggio (considerat fondatorul clasicismului și paladianismului) și Tizian.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

El este considerat pe drept un titan al Renașterii, alături de Michelangelo, Rafael și da Vinci. Chiar înainte de a împlini 30 de ani, Tizian și-a câștigat reputația de „rege al pictorilor și pictor al regilor”. Artistul a pictat în principal tablouri pe teme mitologice și biblice, în plus, a devenit celebru ca un excelent portretist. Contemporanii credeau că a fi capturat de pensula unui mare maestru înseamnă a câștiga nemurirea. Și acest lucru este adevărat. Ordinele lui Tițian veneau de la cele mai venerate și nobile persoane: papi, regi, cardinali și duci. Iată doar câteva dintre cele mai faimoase lucrări ale sale: „Venus din Urbino”, „Răpirea Europei” (foto), „Purând crucea”, „Coroana de spini”, „Madona din Pesaro”, „Femeia cu oglindă”. ”, etc.

Nimic nu se repetă de două ori. Epoca Renașterii a dat omenirii personalități strălucitoare, extraordinare. Numele lor sunt înscrise în istoria mondială a artei cu litere de aur. Arhitecți și sculptori, scriitori și artiști ai Renașterii - lista este foarte lungă. Am atins doar titanii care au făcut istorie și au adus în lume ideile iluminismului și umanismului.

Renaștere - tradus din franceză înseamnă „Renaștere”. Este exact ceea ce au numit o epocă întreagă, simbolizând înflorirea intelectuală și artistică a culturii europene. Renașterea a început în Italia la începutul secolului al XIV-lea, ducând la sfârșitul erei declinului cultural și al Evului Mediu), care s-a bazat pe barbarie și ignoranță și, dezvoltându-se, a atins apogeul în secolul al XVI-lea.

Pentru prima dată, un istoriograf, pictor și autor de lucrări despre viață de origine italiană a scris despre Renaștere artiști celebri, sculptori și arhitecți la începutul secolului al XVI-lea.

Inițial, termenul „Renaștere” a însemnat o anumită perioadă (începutul secolului al XIV-lea) de formare a unui nou val de artă. Dar, de-a lungul timpului, acest concept a căpătat o interpretare mai largă și a început să desemneze o întreagă eră de dezvoltare și formare a unei culturi opuse feudalismului.

Perioada Renașterii este strâns asociată cu apariția de noi stiluri și tehnici de pictură în Italia. Există un interes pentru imagini antice. Secularismul și antropocentrismul sunt trăsături integrante care umplu sculpturile și picturile din acea vreme. Epoca Renașterii înlocuiește asceza care a caracterizat epoca medievală. Un interes pentru tot ce este lumesc, frumusețea nemărginită a naturii și, desigur, omul vine. Artiștii Renașterii au abordat viziunea corpului uman cu punct științific viziune, ei încearcă să rezolve totul până la cel mai mic detaliu. Imaginile devin realiste. Tabloul este plin de un stil unic. Ea a stabilit canoanele de bază ale gustului în artă. Un nou concept de viziune asupra lumii numit „umanism” se răspândește pe scară largă, conform căruia omul este considerat cea mai înaltă valoare.

Perioada Renașterii

Spiritul de înflorire este exprimat pe scară largă în picturile acelei vremi și umple pictura cu o senzualitate aparte. Renașterea leagă cultura de știință. Artiștii au început să vadă arta ca pe o ramură a cunoașterii, studiind temeinic fiziologia umană și lumea înconjurătoare. Acest lucru a fost făcut pentru a afișa mai realist adevărul despre creația lui Dumnezeu și evenimentele care au loc pe pânzele lor. S-a acordat multă atenție reprezentării subiectelor religioase, care au dobândit conținut pământesc datorită priceperii unor genii precum Leonardo da Vinci.

Există cinci etape în dezvoltarea artei renascentiste italiene.

Gotic internațional (curte).

Originar la începutul secolului al XIII-lea, goticul de curte (ducento) se caracterizează prin colorat excesiv, fast și pretenție. Principalul tip de picturi este miniatura care înfățișează scene de altar. Artiștii folosesc vopsele cu tempera pentru a-și crea picturile. Renașterea este bogată în reprezentanți celebri ai acestei perioade, de exemplu, precum pictorii italieni Vittore Carpaccio și Sandro Botticelli.

Perioada pre-renascentista (protorenascentista)

Următoarea etapă, care se consideră că anticipează Renașterea, se numește Proto-Renaștere (trecento) și are loc la sfârșitul secolului al XIII-lea - începutul secolului al XIV-lea. În legătură cu dezvoltarea rapidă a viziunii umaniste asupra lumii, pictura acestei perioade istorice relevă lumea interioara o persoană, sufletul său, are o adâncime sens psihologic, dar în același timp are o structură simplă și clară. Comploturile religioase trec pe fundal, iar cele seculare devin conducătoare, iar personajul principal este o persoană cu sentimentele, expresiile faciale și gesturile sale. Apar primele portrete Renașterea italiană, luând locul icoanelor. Artiști celebri ai acestei perioade sunt Giotto, Pietro Lorenzetti.

Renașterea timpurie

La început începe etapa Renașterii timpurii (quattrocento), simbolizând înflorirea picturii cu absența subiectelor religioase. Chipurile de pe icoane capătă un aspect uman, iar peisajul, ca gen în pictură, ocupă o nișă separată. Fondatorul culturii artistice a Renașterii timpurii este Mosaccio, al cărui concept se bazează pe intelectualitate. Picturile sale au un realism ridicat. Marii maeștri au explorat liniare și perspectiva aeriana, anatomie și cunoștințe folosite în creațiile lor, în care puteți vedea spațiul tridimensional corect. Reprezentanții Renașterii timpurii sunt Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.

Înalta Renaștere sau „Epoca de Aur”

De la sfârșitul secolului al XV-lea a început etapa înaltei Renașteri (cinquecento) și a durat relativ scurtă, până la începutul secolului al XVI-lea. Veneția și Roma au devenit centrele ei. Artiștii își extind orizonturile ideologice și devin interesați de spațiu. Omul apare ca un erou, perfect atât spiritual, cât și fizic. Figurile acestei epoci sunt considerate a fi Leonardo da Vinci, Rafael, Titian Vecellio, Michelangelo Buonarrotti și alții. Mare artist Leonardo da Vinci era un „om universal” și era în căutare constantă adevăr. Fiind implicat în sculptură, dramă, diverse experimente științifice, a reușit să-și găsească timp pentru pictură. Creația „Madonna of the Rocks” reflectă în mod clar stilul clarobscur creat de pictor, unde combinația de lumină și umbră creează un efect tridimensional, iar faimoasa „La Gioconda” este realizată folosind tehnica „smuffato”, creând iluzia de ceață.

Renașterea târzie

În timpul Renașterii târzii, care cade pe începutul secolului XVI secolul, orașul Roma a fost capturat și jefuit de trupele germane. Acest eveniment a marcat începutul unei ere a dispariției. Centrul cultural roman a încetat să mai fie patronul celor mai cunoscute personalități, iar aceștia au fost nevoiți să plece în alte orașe din Europa. Ca urmare a inconsecvenței tot mai mari a opiniilor dintre credința creștină și umanism la sfârșitul secolului al XV-lea, manierismul a devenit stilul predominant care caracterizează pictura. Renașterea se apropie treptat de sfârșit, deoarece baza acestui stil este considerată a fi o manieră frumoasă care umbrește ideile despre armonia lumii, adevăr și atotputernicia rațiunii. Creativitatea devine complexă și capătă trăsăturile confruntării între diferite direcții. Lucrări strălucitoare aparțin unor artiști celebri precum Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).

Italia a devenit centru cultural pictează și a dăruit lumea cu artiști străluciți ai acestei perioade, ale căror picturi evocă încă încântare emoțională și astăzi.

Pe lângă Italia, dezvoltarea artei și picturii a avut un loc important în alte țări europene. Această mișcare a primit numele, în special de remarcat este pictura Franței în timpul Renașterii, care a crescut pe propriul pământ. Sfârșitul Războiului de o sută de ani a provocat o creștere a conștientizării universale de sine și dezvoltarea umanismului. Există realism, conexiune cu cunoștințe științifice, atracție pentru imaginile antichității. Toate caracteristicile enumerate îl apropie de italiană, dar prezența unei note tragice în picturi este o diferență semnificativă. Artiști celebri ai Renașterii în Franța sunt Enguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet cel Bătrân.

7 august 2014

Studenții universităților de artă și oamenii interesați de istoria artei știu că la începutul secolelor XIV-XV a avut loc o schimbare bruscă în pictură - Renașterea. În jurul anilor 1420, toată lumea a devenit brusc mult mai bună la desen. De ce imaginile au devenit dintr-o dată atât de realiste și detaliate și de ce au apărut lumina și volumul în picturi? Despre asta pentru o lungă perioadă de timp nimeni nu s-a gândit la asta. Până când David Hockney a luat o lupă.

Hai să aflăm ce a descoperit...

Într-o zi, se uita la desenele lui Jean Auguste Dominique Ingres, liderul școlii academice franceze din secolul al XIX-lea. Hockney a devenit interesat să-și vadă micile desene la scară mai mare și le-a mărit pe un fotocopiator. Așa a dat peste latura secretă a istoriei picturii încă din Renaștere.

După ce a făcut fotocopii ale desenelor mici ale lui Ingres (aproximativ 30 de centimetri), Hockney a fost uimit de cât de realiste erau. Și i se părea că replicile lui Ingres erau ceva pentru el
reaminti. S-a dovedit că i-au amintit de lucrările lui Warhol. Și Warhol a făcut asta - a proiectat o fotografie pe o pânză și a conturat-o.

Stânga: detaliu al desenului lui Ingres. Dreapta: desen de Warhol cu ​​Mao Zedong

Lucruri interesante, spune Hockney. Aparent, Ingres a folosit Camera Lucida - un dispozitiv care este o structură cu o prismă care este montată, de exemplu, pe un suport pe o tabletă. Astfel, artistul, privind desenul său cu un ochi, vede imaginea reală, iar cu celălalt - desenul propriu-zis și mâna lui. Se dovedește iluzie optică, permițându-vă să transferați cu precizie proporții reale pe hârtie. Și aceasta este tocmai „garanția” realismului imaginii.

Desenarea unui portret folosind o cameră lucida, 1807

Apoi Hockney a devenit serios interesat de acest tip „optic” de desene și picturi. În studioul său, el și echipa sa au atârnat pe pereți sute de reproduceri ale picturilor create de-a lungul secolelor. Lucrări care păreau „reale” și cele care nu. Aranjați pe timp de creație și regiune - nord în partea de sus, sud în jos, Hockney și echipa sa au văzut o schimbare bruscă în pictură la începutul secolelor XIV-XV. În general, toți cei care știu chiar și puțin despre istoria artei știe acest lucru - Renașterea.

Poate au folosit aceeași cameră-lucida? A fost brevetat în 1807 de William Hyde Wollaston. Deși, de fapt, un astfel de dispozitiv a fost descris de Johannes Kepler încă din 1611 în lucrarea sa Dioptrice. Atunci poate au folosit un alt dispozitiv optic - o camera obscura? Este cunoscută încă de pe vremea lui Aristotel și este o cameră întunecată în care pătrunde lumina printr-un mic orificiu și astfel în camera întunecată se obține o proiecție a ceea ce este în fața găurii, dar inversată. Totul ar fi bine, dar imaginea care se obține atunci când este proiectată de o cameră pinhole fără lentilă, ca să spunem ușor, nu este de înaltă calitate, nu este clară, necesită mult lumină strălucitoare, ca să nu mai vorbim de dimensiunea proiecției. Dar lentilele de înaltă calitate erau aproape imposibil de realizat până în secolul al XVI-lea, deoarece nu existau modalități de a obține o sticlă de înaltă calitate la acea vreme. Afaceri, se gândi Hockney, care în acel moment se lupta deja cu problema cu fizicianul Charles Falco.

Cu toate acestea, există un tablou de Jan Van Eyck, un maestru din Bruges, un pictor flamand al epocii renașterea timpurie, - în care indiciu este ascuns. Pictura se numește „Portretul cuplului Arnolfini”.

Jan Van Eyck „Portretul cuplului Arnolfini” 1434

Pictura pur și simplu strălucește cu o cantitate imensă de detalii, ceea ce este destul de interesant, deoarece a fost pictat abia în 1434. Iar un indiciu despre modul în care autorul a reușit să facă un pas atât de mare înainte în realismul imaginii este oglinda. Și, de asemenea, un sfeșnic - incredibil de complex și realist.

Hockney izbucnea de curiozitate. A luat o copie a unui astfel de candelabru și a încercat să o deseneze. Artistul s-a confruntat cu faptul că un lucru atât de complex este greu de desenat în perspectivă. încă unul punct important era materialitatea imaginii acestui obiect metalic. Când înfățișați un obiect din oțel, este foarte important să poziționați elementele evidențiate cât mai realist posibil, deoarece acest lucru oferă un realism deosebit. Dar problema cu aceste lumini este că se mișcă atunci când ochiul privitorului sau al artistului se mișcă, ceea ce înseamnă că nu sunt deloc ușor de surprins. ŞI imagine realistă metal și strălucire - și asta trăsătură distinctivă picturi ale Renașterii, înainte de asta artiștii nici măcar nu încercaseră să facă acest lucru.

Recreând un model 3D precis al candelabrului, echipa lui Hockney s-a asigurat că candelabru din Portretul Arnolfini a fost desenat cu precizie în perspectivă, cu un singur punct de fuga. Dar problema a fost că instrumente optice atât de precise precum o cameră obscura cu lentilă nu au existat decât la aproximativ un secol de la crearea picturii.

Fragment din pictura lui Jan Van Eyck „Portretul cuplului Arnolfini” 1434

Fragmentul mărit arată că oglinda din tabloul „Portretul cuplului Arnolfini” este convexă. Aceasta înseamnă că au existat și oglinzi, dimpotrivă - concave. Mai mult, în acele vremuri, astfel de oglinzi erau făcute în acest fel - a fost luată o sferă de sticlă, iar fundul ei a fost acoperit cu argint, apoi totul, cu excepția fundului, a fost tăiat. Partea din spate a oglinzii nu era întunecată. Aceasta înseamnă că oglinda concavă a lui Jan Van Eyck ar putea fi aceeași oglindă care este reprezentată în pictură, doar din verso. Și orice fizician știe că o astfel de oglindă, atunci când este reflectată, proiectează o imagine a ceea ce este reflectat. Aici, prietenul său, fizicianul Charles Falco l-a ajutat pe David Hockney cu calcule și cercetări.

O oglindă concavă proiectează o imagine a turnului în afara ferestrei pe pânză.

Partea clară și focalizată a proiecției măsoară aproximativ 30 de centimetri pătrați - care este exact dimensiunea capetelor din multe portrete renascentiste.

Hockney conturează proiecția unui bărbat pe pânză

Aceasta este dimensiunea, de exemplu, a portretului „Doge Leonardo Loredan” de Giovanni Bellini (1501), portretul unui bărbat de Robert Campin (1430), portretul propriu-zis al lui Jan Van Eyck „un bărbat în turban roșu”. ” și multe alte portrete olandeze timpurii.

Portrete renascentiste

Pictura era o muncă foarte bine plătită și, desigur, toate secretele de afaceri erau păstrate în cea mai strictă confidențialitate. Pentru artist a fost benefic ca toți oamenii neinițiați să creadă că secretele sunt în mâinile maestrului și nu pot fi furate. Afacerea era închisă străinilor - artiștii erau membri ai breslei și includea și o varietate de meșteri - de la cei care făceau șei până la cei care făceau oglinzi. Iar în Breasla Sfântului Luca, fondată la Anvers și menționată pentru prima dată în 1382 (atunci s-au deschis bresle similare în multe orașe din nord, iar una dintre cele mai mari a fost breasla din Bruges, orașul în care locuia Van Eyck) erau și maeștri care făceau oglinzi. .

Așa a recreat Hockney cum ar putea fi pictat un candelabru complex dintr-un tablou Van Eyck. Nu este deloc surprinzător faptul că dimensiunea candelabrului proiectat de Hockney se potrivește exact cu dimensiunea candelabrului din tabloul „Portret al cuplului Arnolfini”. Și, desigur, evidențierea metalului - pe proiecție stau nemișcate și nu se schimbă atunci când artistul își schimbă poziția.

Dar problema încă nu este complet rezolvată, deoarece apariția opticii de înaltă calitate, care este necesară pentru utilizarea unei camere obscure, a fost la 100 de ani distanță, iar dimensiunea proiecției obținute cu ajutorul unei oglinzi este foarte mică. Cum să pictezi tablouri mai mari de 30 de centimetri pătrați? Au fost create ca un colaj - din multe puncte de vedere, a fost ca o viziune sferică cu multe puncte de fugă. Hockney a înțeles asta pentru că el însuși a făcut astfel de poze - a făcut multe colaje foto care realizează exact același efect.

Aproape un secol mai târziu, în anii 1500 a devenit în sfârșit posibilă obținerea și prelucrarea bine a sticlei - au apărut lentilele mari. Și în cele din urmă puteau fi introduse într-o camera obscura, al cărei principiu de funcționare era cunoscut încă din cele mai vechi timpuri. Camera obscura cu un obiectiv a fost o revoluție incredibilă în arte vizuale, deoarece acum proiecția ar putea avea orice dimensiune. Și încă ceva, acum imaginea nu era „unghi larg”, ci aproximativ de aspect normal - adică aproximativ la fel ca și astăzi când este fotografiată cu un obiectiv cu distanta focala 35-50mm.

Cu toate acestea, problema cu utilizarea unei camere pinhole cu un obiectiv este că proiecția înainte de la obiectiv este o imagine în oglindă. Acest lucru a dus la un număr mare de pictori stângaci în primele etape ale utilizării opticii. Ca în acest tablou din anii 1600 de la Muzeul Frans Hals, unde un cuplu de stângaci dansează, un bătrân stângaci scutură degetul spre ei, iar o maimuță stângacă se uită pe sub rochia femeii.

Toți cei din această imagine sunt stângaci

Problema se rezolva prin instalarea unei oglinzi in care este indreptata lentila, obtinandu-se astfel proiectia corecta. Dar se pare că o oglindă bună, netedă și mare a costat mulți bani, așa că nu toată lumea o avea.

O altă problemă a fost concentrarea. Cert este că unele părți ale imaginii, la o poziție a pânzei sub razele de proiecție, erau nefocalizate și nu erau clare. În lucrările lui Jan Vermeer, unde utilizarea opticii este destul de evidentă, lucrările sale arată în general ca niște fotografii, puteți observa și locuri lipsite de „focalizare”. Puteți vedea chiar și modelul pe care îl produce obiectivul - notoriul „bokeh”. Ca aici, de exemplu, în tabloul „Lăptașa” (1658), coșul, pâinea din el și vaza albastră sunt nefocalizate. Dar ochiul uman nu poate vedea „în afara focalizării”.

Unele părți ale imaginii nu sunt focalizate

Și având în vedere toate acestea, nu este deloc surprinzător că un bun prieten al lui Jan Vermeer a fost Anthony Phillips van Leeuwenhoek, om de știință și microbiolog, precum și maestru unic, care și-a creat propriile microscoape și lentile. Omul de știință a devenit administratorul postum al artistului. Acest lucru sugerează că Vermeer și-a descris prietenul pe două pânze - „Geograf” și „Astronomer”.

Pentru a vedea orice parte în focalizare, trebuie să schimbați poziția pânzei sub razele de proiecție. Dar în acest caz au apărut erori de proporții. După cum puteți vedea aici: umărul uriaș al „Anthea” de Parmigianino (circa 1537), capul mic al „Lady Genovese” de Anthony Van Dyck (1626), picioarele uriașe ale unui țăran într-un tablou de Georges de La Tour .

Erori de proporții

Desigur, toți artiștii au folosit lentile în mod diferit. Unele pentru schițe, altele compilate din diferite părți- la urma urmei, acum a fost posibil să faci un portret și să termine totul cu un alt model sau chiar cu un manechin.

Aproape că nu există desene lăsate de Velazquez. Cu toate acestea, capodopera sa a rămas - un portret al Papei Inocențiu al X-lea (1650). Pe mantia papei este un joc minunat de lumini – evident mătase. Blikov. Și pentru a scrie toate acestea dintr-un punct de vedere, a fost nevoie de mult efort. Dar dacă faci o proiecție, atunci toată această frumusețe nu va fugi nicăieri - luminile nu se mai mișcă, poți picta cu acele mișcări largi și rapide ca ale lui Velasquez.

Hockney reproduce pictura lui Velazquez

Ulterior, mulți artiști și-au putut permite o cameră obscura, iar aceasta a încetat să mai fie mare secret. Canaletto a folosit în mod activ camera pentru a-și crea vederile despre Veneția și nu a ascuns-o. Aceste picturi, datorită acurateții lor, ne permit să vorbim despre Canaletto ca documentarist. Datorită Canaletto, puteți vedea mai mult decât doar frumoasa poza, dar și povestea în sine. Puteți vedea cum arăta primul pod Westminster din Londra în 1746.

Canaletto „Podul Westminster” 1746

Artistul britanic Sir Joshua Reynolds deținea o cameră obscura și se pare că nu a spus nimănui despre asta, deoarece camera lui se pliază și arată ca o carte. Astăzi se află în Muzeul de Știință din Londra.

Camera obscura deghizată în carte

În cele din urmă, la începutul secolului al XIX-lea, William Henry Fox Talbot, folosind o cameră lucidă - cea în care trebuie să privești cu un ochi și să desenezi cu mâinile, a înjurat, hotărând că un astfel de inconvenient trebuie pus capăt odată pentru o dată. toate, și a devenit unul dintre inventatorii fotografiei chimice, iar mai târziu un popularizator care a făcut-o în masă.

Odată cu invenția fotografiei, monopolul picturii asupra realismului unei imagini a dispărut acum fotografia a devenit un monopolist. Și iată, în cele din urmă, pictura s-a eliberat de lentile, continuând drumul din care a cotit în anii 1400, iar Van Gogh a devenit precursorul întregii arte a secolului XX.

Stânga: mozaic bizantin din secolul al XII-lea. Dreapta: Vincent Van Gogh, Portretul domnului Trabuc, 1889.

Invenția fotografiei este cel mai bun lucru care i s-a întâmplat picturii în întreaga sa istorie. Nu mai era nevoie de a crea exclusiv poze reale, artistul a devenit liber. Desigur, i-a luat publicului un secol să ajungă din urmă cu artiștii în ceea ce privește înțelegerea muzicii vizuale și să nu mai creadă că oameni precum Van Gogh sunt „nebuni”. În același timp, artiștii au început să folosească în mod activ fotografiile ca „ material de referință" Apoi au apărut oameni precum Wassily Kandinsky, avangarda rusă, Mark Rothko, Jackson Pollock. În urma picturii, arhitectura, sculptura și muzica s-au eliberat de asemenea. Adevărat, școala academică rusă de pictură este blocată în timp, iar astăzi în academii și școli este încă considerată o rușine să folosești fotografia ca ajutor, iar cea mai mare ispravă este considerată a fi capacitatea pur tehnică de a picta cât mai realist posibil. cu mâinile goale.

Datorită unui articol al jurnalistului Lawrence Weschler, care a fost prezent în timpul cercetărilor lui David Hockney și Falco, un alt fapt interesant: Portretul lui Van Eyck al cuplului Arnolfini este portretul unui negustor italian din Bruges. Domnul Arnolfini este florentin și, în plus, este un reprezentant al băncii Medici (practic maeștrii Florenței din perioada Renașterii, sunt considerați patroni ai artei de atunci în Italia). Ce înseamnă acest lucru? Că ar fi putut cu ușurință să ia secretul Breslei Sfântului Luca - oglinda - cu el la Florența, în care, după cum se crede, istoria traditionala, și a început Renașterea, iar artiștii din Bruges (și, în consecință, alți maeștri) sunt considerați „primitiviști”.

Există o mulțime de controverse în jurul teoriei Hockney-Falco. Dar există cu siguranță un sâmbure de adevăr în ea. În ceea ce privește criticii de artă, criticii și istoricii de artă, este greu de imaginat câte lucrări științifice despre istorie și artă s-au dovedit de fapt a fi un nonsens complet, dar asta schimbă întreaga istorie a artei, toate teoriile și textele lor.

Faptele de utilizare a opticii nu diminuează în niciun fel talentele artiștilor - la urma urmei, tehnologia este un mijloc de a transmite ceea ce își dorește artistul. Și invers, faptul că aceste picturi conțin cea mai reală realitate nu face decât să le adauge greutate - până la urmă, așa arătau oamenii din acea vreme, lucrurile, localurile, orașele. Acestea sunt actele reale.

Primii vestitori ai artei renascentiste au aparut in Italia in secolul al XIV-lea. Artiști ai acestui timp, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) și (mai ales) Giotto (1267-1337) la realizarea picturilor cu teme religioase tradiționale, au început să folosească noi tehnici artistice: construirea unei compoziții tridimensionale, folosind un peisaj în fundal, ceea ce le-a permis să facă imaginile mai realiste și mai animate. Acest lucru a distins clar opera lor de tradiția iconografică anterioară, plină de convenții în imagine.
Termenul folosit pentru a desemna creativitatea lor Proto-Renaștere (1300 - „Trecento”) .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - artist și arhitect italian al epocii proto-renascentiste. Una dintre figurile cheie din istorie arta occidentala. După ce a depășit tradiția picturii icoanelor bizantine, a devenit adevăratul fondator al școlii italiene de pictură și a dezvoltat o abordare complet nouă a descrierii spațiului. Lucrările lui Giotto au fost inspirate de Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo.


Renașterea timpurie (1400 - Quattrocento).

La începutul secolului al XV-lea Filippo Brunelleschi (1377-1446), om de știință și arhitect florentin.
Brunelleschi a dorit să facă mai vizuală percepția asupra băilor și teatrelor pe care le-a reconstruit și a încercat să creeze picturi în perspectivă geometrică din planurile sale pentru un anumit punct de vedere. În această căutare a fost descoperit perspectiva directa.

Acest lucru a permis artiștilor să obțină imagini perfecte ale spațiului tridimensional pe o pânză de pictură plată.

_________

Pentru alții pas important Pe drumul către Renaștere a fost apariția artei nereligioase, laice. Portretul și peisajul s-au impus ca genuri independente. Chiar și subiectele religioase au dobândit o interpretare diferită - artiștii Renașterii au început să-și vadă personajele ca eroi cu trăsături individuale pronunțate și motivație umană pentru acțiuni.

Cei mai cunoscuți artiști ai acestei perioade sunt Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - celebru pictor italian, cel mai mare maestru al școlii florentine, reformator al picturii din epoca Quattrocento.

Frescă. Miracol cu ​​statir.

Pictura. Răstignire.

Piero Della Francesco (1420-1492). Lucrările maestrului se remarcă prin solemnitate maiestuoasă, noblețe și armonie a imaginilor, forme generalizate, echilibru compozițional, proporționalitate, precizie a construcțiilor în perspectivă și o paletă moale, plină de lumină.

Frescă. Povestea reginei din Saba. Biserica San Francesco din Arezzo

Sandro Botticelli(1445-1510) - mare pictor italian, reprezentant al școlii florentine de pictură.

Primăvară.

Nașterea lui Venus.

Înalta Renaștere („Cinquecento”).
A avut loc cea mai mare înflorire a artei renascentiste pentru primul sfert al secolului al XVI-lea.
Fabrică Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Titian (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) constituie fondul de aur al artei europene.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florenta) (1452-1519) - artist italian (pictor, sculptor, arhitect) si om de stiinta (anatomista, naturalist), inventator, scriitor.

Autoportret

Doamnă cu hermină. 1490. Muzeul Czartoryski, Cracovia

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci a dobândit o mare abilitate în transmiterea expresiilor faciale ale feței și corpului uman, metode de transmitere a spațiului și construirea unei compoziții. În același timp, lucrările sale creează o imagine armonioasă a unei persoane care îndeplinește idealurile umaniste.

Madonna Litta. 1490-1491. Schit.

Madonna Benois (Madona cu o floare). 1478-1480

Madona cu garoafa. 1478

În timpul vieții sale, Leonardo da Vinci a făcut mii de note și desene despre anatomie, dar nu și-a publicat opera. În timp ce diseca corpurile oamenilor și animalelor, el a transmis cu precizie structura scheletului și organele interne, inclusiv mici detalii. Potrivit profesorului de anatomie clinică Peter Abrams, munca științifică a lui da Vinci a fost cu 300 de ani înaintea timpului său și în multe privințe superioară celebrei Anatomie a lui Gray.

Lista invențiilor, atât reale, cât și atribuite lui:

Parașuta, săCastelul Olestsovo, înbicicletă, tank, lpoduri portabile ușoare pentru armată, pproiector, laatapultă, rambele, dTelescopul Vuhlens.

Aceste inovații au fost dezvoltate ulterior Rafael Santi (1483-1520) - un mare pictor, grafician și arhitect, reprezentant al școlii din Umbria.

Autoportret. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - sculptor, artist, arhitect, poet, gânditor italian.

Picturile și sculpturile lui Michelangelo Buonarotti sunt pline de patos eroic și, în același timp, de un sentiment tragic al crizei umanismului. Picturile sale exprimă puterea și puterea omului, frumusețea corpului său, subliniind în același timp singurătatea lui în lume.

Geniul lui Michelangelo și-a pus amprenta nu numai asupra artei Renașterii, ci și asupra tuturor celor ulterioare cultura mondială. Activitățile sale sunt legate în principal de două orașe italiene - Florența și Roma.

Totuși, artistul și-a putut realiza cele mai ambițioase planuri tocmai în pictură, unde a acționat ca un adevărat inovator al culorii și al formei.
Comandat de Papa Iulius al II-lea, a pictat tavanul Capelei Sixtine (1508-1512), reprezentând povestea biblică de la crearea lumii până la potop și incluzând peste 300 de figuri. In 1534-1541 in acelasi Capela Sixtină pentru Papa Paul al III-lea a interpretat fresca grandioasă și dramatică „Judecata de Apoi”.
Capela Sixtină 3D.

Lucrările lui Giorgione și Titian se disting prin interesul pentru peisaj și poetizarea intrigii. Ambii artiști au obținut o mare măiestrie în arta portretului, cu ajutorul căreia au transmis caracterul și lumea interioară bogată a personajelor lor.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - artist italian, reprezentant al școlii venețiane de pictură.

Venus adormită. 1510

Judith. 1504 g

Titian Vecellio (1488/1490-1576) - pictor italian, cel mai mare reprezentant al școlii venețiane a Înaltei și Târzii Renașteri.

Tițian a pictat picturi pe subiecte biblice și mitologice a devenit celebru și ca portretist. A primit ordine de la regi și papi, cardinali, duci și prinți. Titian nu avea nici treizeci de ani când a fost recunoscut drept cel mai bun pictor al Veneției.

Autoportret. 1567

Venus din Urbino. 1538

Portretul lui Tommaso Mosti. 1520

Renașterea târzie.
În urma jefuirii Romei de către trupele imperiale în 1527, Renașterea italiană a intrat într-o perioadă de criză. Deja în opera regretatului Rafael s-a conturat o nouă linie artistică, numită manierism.
Această epocă se caracterizează prin linii umflate și întrerupte, figuri alungite sau chiar deformate, ipostaze adesea goale, tensionate și nenaturale, efecte neobișnuite sau bizare asociate cu dimensiunea, iluminarea sau perspectiva, utilizarea unei game cromatice caustice, compoziția supraîncărcată etc. primul stăpânește manierismul Parmigianino , Pontormo , Bronzino- a trăit și a lucrat la curtea ducilor casei Medici din Florența. Moda manieristă s-a răspândit mai târziu în toată Italia și nu numai.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - „locuitor din Parma”) (1503-1540) artist și gravor italian, reprezentant al manierismului.

Autoportret. 1540

Portretul unei femei. 1530.

Pontormo (1494-1557) - pictor italian, reprezentant al școlii florentine, unul dintre fondatorii manierismului.


În anii 1590, arta a înlocuit manierismul stil baroc (cifre de tranziție - Tintoretto Şi El Greco ).

Jacopo Robusti, mai cunoscut ca Tintoretto (1518 sau 1519-1594) - pictor al școlii venețiane a Renașterii târzii.

Cina cea de Taină. 1592-1594. Biserica San Giorgio Maggiore, Veneția.

El Greco („greacă” Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) - artist spaniol. După origine - grec, originar din insula Creta.
El Greco nu a avut adepți contemporani, iar geniul său a fost redescoperit la aproape 300 de ani de la moartea sa.
El Greco a studiat în atelierul lui Titian, dar, totuși, tehnica sa de pictură diferă semnificativ de cea a profesorului său. Lucrările lui El Greco se caracterizează prin rapiditatea și expresivitatea execuției, care le apropie de pictura modernă.

Hristos pe cruce. BINE. 1577. Colecție privată.

Treime. 1579 Prado.