Lista celor mai buni artiști din Renaștere. Pictura renascentista italiana

Italia este o țară care a fost întotdeauna renumită pentru artiști. Marii maeștri care au trăit cândva în Italia au glorificat arta în întreaga lume. Putem spune cu siguranță că dacă nu ar fi artiștii, sculptorii și arhitecții italieni, lumea de astăzi ar arăta cu totul diferit. Desigur, este considerată cea mai semnificativă din arta italiană. Italia în timpul Renașterii sau Renașterii a atins o creștere și o prosperitate fără precedent. Artiști talentați, sculptori, inventatori, adevărate genii care au apărut în acele vremuri sunt încă cunoscuți de fiecare școlar. Arta, creativitatea, ideile și evoluțiile lor sunt astăzi considerate clasice, nucleul pe care se construiesc arta și cultura mondială.

Unul dintre cele mai cunoscute genii ale Renașterii italiene este, desigur, marele Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci era atât de înzestrat încât a obținut un mare succes în multe domenii, inclusiv în artele plastice și știința. Un alt artist celebru care este un maestru recunoscut este Sandro Botticelli(1445-1510). Picturile lui Botticelli sunt un adevărat cadou pentru umanitate. Astăzi, multe dintre ele se află în cele mai faimoase muzee din lume și sunt cu adevărat neprețuite. Nu mai puțin faimos decât este Leonardo da Vinci și Botticelli Rafael Santi(1483-1520), care a trăit 38 de ani și în acest timp a reușit să creeze un întreg strat de pictură uluitoare, care a devenit unul dintre exemplele izbitoare ale Renașterii timpurii. Un alt mare geniu al Renașterii italiene, fără îndoială, este Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Pe lângă pictură, Michelangelo s-a angajat în sculptură, arhitectură și poezie și a obținut rezultate deosebite în aceste tipuri de artă. Statuia lui Michelangelo numită „David” este considerată o capodopera de neîntrecut, un exemplu al celei mai înalte realizari a artei sculpturii.

Pe lângă artiștii menționați mai sus, cei mai mari artiști ai Renașterii Italiei au fost maeștri precum Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi și alții. Toate erau exemple strălucitoare ale încântătoarei școli venețiane de pictură. Următorii artiști aparțin școlii florentine de pictură italiană: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Pentru a enumera toți artiștii care au lucrat în timpul Renașterii, precum și în timpul Renașterii târzii și secole mai târziu, care au devenit celebri în întreaga lume și au glorificat arta picturii, a dezvoltat principiile și legile de bază care stau la baza tuturor tipurilor și genurilor de arte plastice, Poate că va fi nevoie de mai multe volume pentru a scrie, dar această listă este suficientă pentru a înțelege că Marii artiști italieni sunt însăși arta pe care o cunoaștem, pe care o iubim și pe care o vom aprecia pentru totdeauna!

Picturi ale marilor artiști italieni

Andrea Mantegna - Fresca în Camera degli Sposi

Giorgione - Trei filozofi

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin - Magnanimitatea lui Scipio

Paolo Veronese - Bătălia de la Lepanto

Renaștere (Renaștere). Italia. secolele 15-16. Capitalismul timpuriu. Țara este condusă de bancheri bogați. Sunt interesați de artă și știință.
Cei bogați și puternici adună în jurul lor pe cei talentați și înțelepți. Poeții, filozofii, artiștii și sculptorii au discuții zilnice cu patronii lor. Pentru o clipă, părea că oamenii sunt conduși de înțelepți, așa cum dorea Platon.
Ei și-au amintit de vechii romani și greci. Care a construit și o societate de cetățeni liberi. Unde valoarea principală sunt oamenii (fără a număra sclavii, desigur).
Renașterea nu înseamnă doar copierea artei civilizațiilor antice. Acesta este un amestec. Mitologia și creștinismul. Realismul naturii și sinceritatea imaginilor. Frumusețea fizică și frumusețea spirituală.
A fost doar un fulger. Perioada Înaltei Renașteri este de aproximativ 30 de ani! Din anii 1490 până în 1527 De la începutul perioadei de glorie a creativității lui Leonardo. Înainte de jefuirea Romei.

Mirajul unei lumi ideale a dispărut rapid. Italia s-a dovedit a fi prea fragilă. Curând a fost înrobită de un alt dictator.
Cu toate acestea, acești 30 de ani au determinat principalele trăsături ale picturii europene pentru 500 de ani de acum înainte! Pâna la impresionişti.
Realismul imaginii. Antropocentrism (când o persoană este personajul principal și erou). Perspectivă liniară. Vopsele de ulei. Portret. Decor…
Incredibil, în acești 30 de ani au lucrat simultan mai mulți maeștri geniali. Care alteori se nasc o dată la 1000 de ani.
Leonardo, Michelangelo, Rafael și Tițian sunt titanii Renașterii. Dar nu putem să nu amintim de cei doi predecesori ai lor. Giotto și Masaccio. Fără de care nu ar exista Renaștere.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment din tabloul „Cinci maeștri ai Renașterii florentine”. Începutul secolului al XVI-lea. Luvru, Paris.

secolul al XIV-lea Proto-Renaștere. Personajul său principal este Giotto. Acesta este un maestru care de unul singur a revoluționat arta. Cu 200 de ani înainte de Înalta Renaștere. Dacă nu ar fi fost el, cu greu ar fi venit epoca de care umanitatea este atât de mândră.
Înainte de Giotto existau icoane și fresce. Au fost create conform canoanelor bizantine. Fețe în loc de fețe. Cifre plate. Nerespectarea proporțiilor. În loc de peisaj există un fundal auriu. Ca, de exemplu, pe această pictogramă.

Guido da Siena. Adorarea Magilor. 1275-1280 Altenburg, Muzeul Lindenau, Germania.

Și deodată apar frescele lui Giotto. Au figuri voluminoase. Chipuri de oameni nobili. Trist. Dolitor. Uimit. Batran si tanar. Diferit.

Giotto. Plângerea lui Hristos. Fragment

Giotto. Sărutul lui Iuda. Fragment

Giotto. Sfânta Ana

Frescuri de Giotto în Biserica Scrovegni din Padova (1302-1305). Stânga: Plângerea lui Hristos. Mijloc: Sărutul lui Iuda (fragment). Dreapta: Buna Vestire a Sfintei Ana (Maica Maria), fragment.
Opera principală a lui Giotto este ciclul frescelor sale din Capela Scrovegni din Padova. Când această biserică s-a deschis pentru enoriași, mulțimi de oameni s-au revărsat în ea. Pentru că nu au văzut niciodată așa ceva.
La urma urmei, Giotto a făcut ceva fără precedent. Era ca și cum ar fi tradus poveștile biblice într-un limbaj simplu și ușor de înțeles. Și au devenit mult mai accesibile oamenilor obișnuiți.

Giotto. Adorarea Magilor. 1303-1305 Fresca din Capela Scrovegni din Padova, Italia.

Acesta este tocmai ceea ce va fi caracteristic multor maeștri ai Renașterii. Imagini laconice. Emoții vii ale personajelor. Realism.
Între icoană și realismul Renașterii”.
Giotto era admirat. Dar inovațiile sale nu au fost dezvoltate mai departe. Moda pentru goticul internațional a venit în Italia.
Abia după 100 de ani va apărea un maestru, un demn succesor al lui Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportret (fragment din frescă „Sf. Petru pe amvon”). 1425-1427 Capela Brancacci din Biserica Santa Maria del Carmine, Florența, Italia.

Începutul secolului al XV-lea. Așa-numita Renaștere timpurie. Un alt inovator intră în scenă.
Masaccio a fost primul artist care a folosit perspectiva liniară. A fost proiectat de prietenul său, arhitectul Brunelleschi. Acum lumea înfățișată a devenit asemănătoare cu cea reală. Arhitectura jucăriilor este de domeniul trecutului.

Masaccio. Sfântul Petru vindecă cu umbra lui. 1425-1427 Capela Brancacci din Biserica Santa Maria del Carmine, Florența, Italia.

A adoptat realismul lui Giotto. Cu toate acestea, spre deosebire de predecesorul său, el cunoștea deja bine anatomia.
În loc de personaje blocate, Giotto a construit oameni frumos. La fel ca grecii antici.

Masaccio. Botezul neofiților. 1426-1427 Capela Brancacci, Biserica Santa Maria del Carmine din Florența, Italia.

Masaccio. Expulzarea din Paradis. 1426-1427 Fresca din Capela Brancacci, Biserica Santa Maria del Carmine, Florența, Italia.

Masaccio a trăit o viață scurtă. A murit, ca și tatăl său, pe neașteptate. La 27 de ani.
Cu toate acestea, a avut mulți adepți. Maeștrii generațiilor următoare au mers la Capela Brancacci pentru a studia din frescele sale.
Astfel, inovațiile lui Masaccio au fost preluate de toți marii titani ai Înaltei Renașteri.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Auto portret. 1512 Biblioteca Regală din Torino, Italia.

Leonardo da Vinci este unul dintre titanii Renașterii. Ceea ce a avut un impact extraordinar asupra dezvoltării picturii.
El a fost cel care a ridicat statutul artistului însuși. Datorită lui, reprezentanții acestei profesii nu mai sunt doar artizani. Aceștia sunt creatori și aristocrați ai spiritului.
Leonardo a făcut o descoperire în primul rând în portrete.
El credea că nimic nu ar trebui să distragă atenția de la imaginea principală. Privirea nu trebuie să rătăcească de la un detaliu la altul. Așa au apărut celebrele sale portrete. Laconic. Armonios.

Leonardo da Vinci. Doamnă cu hermină. 1489-1490 Muzeul Czertoryski, Cracovia.

Principala inovație a lui Leonardo este că a găsit o modalitate de a face imagini... vii.
Înaintea lui, personajele din portrete arătau ca manechine. Liniile erau clare. Toate detaliile sunt desenate cu grijă. Desenul pictat nu putea fi viu.
Dar apoi Leonardo a inventat metoda sfumato. A umbrit liniile. A făcut trecerea de la lumină la umbră foarte moale. Personajele lui par a fi acoperite de o ceață abia perceptibilă. Personajele au prins viață.

Leonardo da Vinci. Mona Lisa. 1503-1519 Luvru, Paris.

De atunci, sfumato-ul va fi inclus în vocabularul activ al tuturor marilor artiști ai viitorului.
Există adesea o părere că Leonardo, desigur, este un geniu. Dar nu știa cum să termine nimic. Și adesea nu terminam picturile. Și multe dintre proiectele lui au rămas pe hârtie (în 24 de volume, de altfel). Și în general a fost aruncat fie în medicină, fie în muzică. Și la un moment dat chiar m-a interesat arta de a servi.
Totuși, gândește-te singur. 19 tablouri. Și este cel mai mare artist al tuturor timpurilor. Și unii nici măcar nu sunt aproape de măreție. În același timp, a pictat 6.000 de pânze în viața sa. Este evident cine are eficiența mai mare.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (fragment). 1544 Muzeul Metropolitan de Artă, New York.

Michelangelo se considera sculptor. Dar era un maestru universal. Ca și ceilalți colegi ai săi din Renaștere. Prin urmare, moștenirea sa picturală nu este mai puțin grandioasă.
El este recunoscut în primul rând după personajele sale dezvoltate fizic. Pentru că a portretizat un bărbat perfect. În care frumusețea fizică înseamnă frumusețe spirituală.
De aceea toți eroii săi sunt atât de musculoși și rezistenți. Chiar și femeile și bătrânii.

Michelangelo. Fragment din frescă „Judecata de Apoi”

Michelangelo. Fragmente din fresca Judecății de Apoi din Capela Sixtină, Vatican.
Michelangelo a pictat adesea personajul gol. Și apoi a adăugat haine deasupra. Pentru ca corpul sa fie cat mai sculptat.
El a pictat el însuși tavanul Capelei Sixtine. Deși acestea sunt câteva sute de cifre! Nici măcar nu a permis nimănui să frece vopsea. Da, era un singuratic. Posedă un caracter rece și certăreț. Dar mai ales era nemulțumit de... el însuși.

Michelangelo. Fragment din frescă „Crearea lui Adam”. 1511 Capela Sixtină, Vatican.

Michelangelo a trăit o viață lungă. După ce a supraviețuit declinului Renașterii. Pentru el a fost o tragedie personală. Lucrările sale ulterioare sunt pline de tristețe și tristețe.
În general, drumul creator al lui Michelangelo este unic. Lucrările sale timpurii sunt o sărbătoare a eroului uman. Liber și curajos. În cele mai bune tradiții ale Greciei antice. Cum îl cheamă David?
În ultimii ani de viață acestea sunt imagini tragice. Piatră cioplită în mod intenționat. Parcă ne uităm la monumentele victimelor fascismului secolului XX. Uită-te la Pietatea lui.

Michelangelo. David

Michelangelo. Pieta Palestrina

Sculpturile lui Michelangelo la Academia de Arte Frumoase din Florența. Stânga: David. 1504 Dreapta: Pietatea Palestrinei. 1555
Cum este posibil acest lucru? Un artist într-o singură viață a trecut prin toate etapele artei de la Renaștere până în secolul al XX-lea. Ce ar trebui să facă generațiile următoare? Ei bine, mergi pe drumul tău. Dându-și seama că ștacheta este foarte sus.

5. Rafael (1483-1520)

Rafael. Auto portret. 1506 Galeria Uffizi, Florența, Italia.

Rafael nu a fost niciodată uitat. Geniul lui a fost întotdeauna recunoscut. Și în timpul vieții. Și după moarte.
Personajele sale sunt înzestrate cu o frumusețe senzuală, lirică. Madonele sale sunt considerate pe bună dreptate cele mai frumoase imagini feminine create vreodată. Frumusețea lor exterioară reflectă și frumusețea spirituală a eroinelor. Blândețea lor. Sacrificiul lor.

Rafael. Madonna Sixtina. 1513 Galeria Vechilor Maeștri, Dresda, Germania.

Fiodor Dostoievski a spus celebrele cuvinte „Frumusețea va salva lumea” în special despre Madona Sixtină. Acesta era tabloul lui preferat.
Cu toate acestea, imaginile senzuale nu sunt singurul punct forte al lui Rafael. S-a gândit foarte atent la compozițiile picturilor sale. A fost un arhitect de neîntrecut în pictură. Mai mult, a găsit întotdeauna cea mai simplă și armonioasă soluție în organizarea spațiului. Se pare că nu poate fi altfel.

Rafael. Școala din Atena. 1509-1511 Fresca în Strofele Palatului Apostolic, Vatican.

Rafael a trăit doar 37 de ani. A murit brusc. De la o răceală și o eroare medicală. Dar moștenirea lui este greu de supraestimat. Mulți artiști l-au idolatrisit pe acest maestru. Multiplicându-și imaginile senzuale în mii de pânze.

6. Tizian (1488-1576).

Titian. Autoportret (fragment). 1562 Muzeul Prado, Madrid.

Titian a fost un colorist de neegalat. De asemenea, a experimentat mult cu compoziția. În general, a fost un inovator îndrăzneț și strălucit.
Toată lumea l-a iubit pentru atât de strălucirea talentului său. Numit „Regele Pictorilor și Pictorul Regilor”.
Vorbind despre Tizian, vreau să pun un semn de exclamare după fiecare propoziție. La urma urmei, el a fost cel care a adus dinamica picturii. Patos. Entuziasm. Culoare aprinsa. Strălucirea culorilor.

Titian. Înălțarea Mariei. 1515-1518 Biserica Santa Maria Gloriosi dei Frari, Veneția.

Spre sfârșitul vieții, a dezvoltat o tehnică de scriere neobișnuită. Loviturile sunt rapide. Gros. Pastos. Am aplicat vopseaua fie cu o pensula, fie cu degetele. Acest lucru face imaginile și mai vii și mai respirabile. Și intrigile sunt și mai dinamice și mai dramatice.

Titian. Tarquin și Lucreția. 1571 Muzeul Fitzwilliam, Cambridge, Anglia.

Asta nu-ți amintește de nimic? Desigur, aceasta este tehnica lui Rubens. Și tehnica artiștilor din secolul al XIX-lea: Barbizoni și impresioniști. Titian, ca și Michelangelo, ar trece prin 500 de ani de pictură într-o singură viață. De aceea este un geniu.

***
Artiștii Renașterii sunt artiști de mare cunoaștere. Pentru a lăsa o astfel de moștenire, trebuia să știi multe. În domeniul istoriei, astrologiei, fizicii și așa mai departe.
Prin urmare, fiecare imagine a lor ne pune pe gânduri. De ce este înfățișat asta? Care este mesajul criptat aici?
Prin urmare, aproape niciodată nu au făcut greșeli. Pentru că s-au gândit temeinic la munca lor viitoare. Folosind toate cunoștințele tale.
Erau mai mult decât artiști. Erau filozofi. Explicându-ne lumea prin pictură.
De aceea, vor fi întotdeauna profund interesante pentru noi.

Cu completitudine clasică, Renașterea s-a realizat în Italia, în cultura Renașterii căreia există perioade: Proto-Renașterea sau vremurile fenomenelor pre-renascentiste, („era lui Dante și Giotto”, în jurul anilor 1260-1320), parțial coincide cu perioada Ducento (secolul al XIII-lea), precum și cu Trecento (secolul al XIV-lea), Quattrocento (secolul al XV-lea) și Cinquecento (secolul al XVI-lea). Perioade mai generale sunt Renașterea timpurie (secolele 14-15), când noile tendințe interacționează activ cu goticul, depășindu-l și transformându-l creativ.

La fel și Renașterea înaltă și târzie, a cărei fază specială a fost manierismul. În epoca Quattrocento, școala florentină, arhitecții (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino și alții), sculptorii (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), pictorii (Masaccio) au devenit în centrul atenției. de inovare în toate tipurile de artă, Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli) care au creat un concept integral plastic al lumii cu unitate internă, care s-a răspândit treptat în toată Italia (opera lui Piero della Francesca în Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa la Ferrara, Andrea Mantegna la Mantua, Antonello da Messina și frații Gentile și Giovanni Bellini la Veneția).

Este firesc ca timpul, care a acordat o importanță centrală creativității umane „divine”, a adus în față personalități în artă care, cu toată abundența de talente ale vremii, au devenit personificarea unor ere întregi ale culturii naționale („titani” personali, cum au fost numite romantic mai târziu). Giotto a devenit personificarea Proto-Renașterii, aspectele opuse ale Quattrocento-ului - severitatea constructivă și lirismul sufletesc - au fost, respectiv, exprimate de Masaccio, Angelico și Botticelli. „Titanii” Renașterii mijlocii (sau „înalte”) Leonardo da Vinci, Rafael și Michelangelo sunt artiști – simboluri ale marii întorsături a New Age ca atare. Cele mai importante etape ale arhitecturii renascentiste italiene - timpurie, mijlocie si târzie - sunt întruchipate monumental în lucrările lui F. Brunelleschi, D. Bramante și A. Palladio.

În timpul Renașterii, anonimatul medieval a fost înlocuit cu creativitatea individuală, autorală. Teoria perspectivei liniare și aeriene, proporțiile, problemele de anatomie și modelarea luminii și umbrelor are o mare importanță practică. Centrul inovațiilor renascentiste, „oglinda epocii” artistică a fost pictura iluzorie, realistă, în arta religioasă înlocuiește icoana, iar în arta seculară dă naștere unor genuri independente de peisaj, pictură cotidiană și portret (; acesta din urmă a jucat un rol primordial în afirmarea vizuală a idealurilor virtuţii umaniste). Arta gravurii pe lemn și metal, care a devenit cu adevărat răspândită în timpul Reformei, își câștigă valoarea intrinsecă finală. Desenul dintr-o schiță de lucru se transformă într-un tip separat de creativitate; stilul individual de stroke, stroke, precum și textura și efectul incomplet (non-finito) încep să fie apreciate ca efecte artistice independente. Pictura monumentală devine, de asemenea, pitorească, iluzorie și tridimensională, câștigând o mai mare independență vizuală față de masa zidului. Toate tipurile de artă plastică încalcă acum într-un fel sau altul sinteza medievală monolitică (unde domina arhitectura), câștigând independență comparativă. Se formează tipuri de statui absolut rotunde, monumente ecvestre și busturi portrete (în multe feluri reînvie tradiția antică) și se formează un tip complet nou de piatră funerară sculpturală și arhitecturală solemnă.

În timpul Înaltei Renașteri, când lupta pentru idealurile umaniste ale Renașterii a căpătat un caracter intens și eroic, arhitectura și arta plastică au fost marcate de amploarea sunetului social, generalitatea sintetică și puterea imaginilor pline de activitate spirituală și fizică. În clădirile lui Donato Bramante, Rafael, Antonio da Sangallo, armonia perfectă, monumentalitatea și proporționalitatea clară și-au atins apogeul; plinătatea umanistă, zborul îndrăzneț al imaginației artistice, lărgimea realității sunt caracteristice operei celor mai mari maeștri ai artei plastice ai acestei epoci - Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Tițian. Din al doilea sfert al secolului al XVI-lea, când Italia a intrat într-o perioadă de criză politică și de dezamăgire față de ideile umanismului, opera multor maeștri a căpătat un caracter complex și dramatic. În arhitectura Renașterii târzii (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi), a crescut interesul pentru dezvoltarea spațială a compoziției și subordonarea clădirii unui plan larg de urbanism; în clădirile publice, templele, vilele și palatele bogat și complex dezvoltate, tectonica clară a Renașterii timpurii a fost înlocuită de conflictul intens al forțelor tectonice (cladiri de Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Pictura și sculptura Renașterii târzii au fost îmbogățite de o înțelegere a naturii contradictorii a lumii, un interes pentru înfățișarea acțiunii dramatice de masă, în dinamica spațială (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); Caracteristicile psihologice ale imaginilor din lucrările târzii ale lui Michelangelo și Titian au atins o profunzime, complexitate și tragedie internă fără precedent.

scoala de la Venetia

Școala Venețiană, una dintre principalele școli de pictură din Italia, cu centrul său în orașul Veneția (parțial și în orașele mici Terraferma - zone de pe continent adiacente Veneției). Școala venețiană se caracterizează prin predominanța principiului pictural, atenție deosebită la problemele culorii și dorința de a întruchipa plinătatea senzuală și coloratul vieții. Strâns legată de țările Europei de Vest și din Orient, Veneția a extras din cultura străină tot ce putea servi la decorarea ei: eleganța și strălucirea aurie a mozaicurilor bizantine, împrejurimile de piatră ale clădirilor maure, natura fantastică a templelor gotice. În același timp, și-a dezvoltat propriul stil original în artă, gravitând spre culoarea ceremonială. Școala venețiană se caracterizează printr-un principiu secular, care afirmă viața, o percepție poetică a lumii, a omului și a naturii și colorism subtil.

Școala venețiană a atins cea mai mare înflorire în epoca Renașterii timpurii și înaltei, în opera lui Antonello da Messina, care a deschis pentru contemporanii săi posibilitățile expresive ale picturii în ulei, creatorii imaginilor ideal armonioase ale lui Giovanni Bellini și Giorgione, cel mai mare colorist Titian, care a întruchipat în pânzele sale veselia și culoarea inerente multitudinii picturii venețiane. În lucrările maeștrilor școlii venețiene din a doua jumătate a secolului al XVI-lea, virtuozitatea în transmiterea lumii multicolore, dragostea pentru spectacole festive și o mulțime diversă coexistă cu dramatismul evident și ascuns, un sentiment alarmant al dinamicii și infinitatea universul (tablouri de Paolo Veronese și Jacopo Tintoretto). În secolul al XVII-lea, interesul tradițional pentru problemele culorii pentru școala venețiană în lucrările lui Domenico Fetti, Bernardo Strozzi și alți artiști a coexistat cu tehnicile picturii baroce, precum și cu tendințele realiste în spiritul caravagismului. Pictura venețiană a secolului al XVIII-lea se caracterizează prin înflorirea picturii monumentale și decorative (Giovanni Battista Tiepolo), a genului cotidian (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), a peisajului arhitectural documentar - vedata (Giovan Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) și liric, transmite subtil atmosfera poetică a vieții cotidiene a peisajului orașului Veneției (Francesco Guardi).

scoala din Florenta

Școala Florentina, una dintre cele mai importante școli de artă italiene ale Renașterii, cu centrul orașului Florența. Formarea școlii florentine, care a prins în cele din urmă contur în secolul al XV-lea, a fost facilitată de înflorirea gândirii umaniste (Francesco Petrarh, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola etc.), care s-a îndreptat către moștenirea antichității. Fondatorul școlii florentine în timpul Proto-Renașterii a fost Giotto, care a oferit compozițiilor sale persuasivitate plastică și autenticitate reală.
În secolul al XV-lea, fondatorii artei renascentiste la Florența au fost arhitectul Filippo Brunelleschi, sculptorul Donatello, pictorul Masaccio, urmați de arhitectul Leon Battista Alberti, sculptorii Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano. si alti maestri. În arhitectura școlii florentine din secolul al XV-lea, a fost creat un nou tip de palat renascentist și a început căutarea tipului ideal de clădire a templului care să îndeplinească idealurile umaniste ale epocii.

Arta plastică a școlii florentine din secolul al XV-lea se caracterizează printr-o fascinație pentru problemele de perspectivă, o dorință pentru o construcție clară din punct de vedere plastic a figurii umane (lucrări de Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno) și pentru mulți a maeștrilor săi - spiritualitate deosebită și contemplare lirică intimă (pictură de Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi,). În secolul al XVII-lea, școala florentină a căzut în decădere.

Datele de referință și biografie ale „Small Bay Planet Art Gallery” au fost pregătite pe baza materialelor din „Istoria artei străine” (editat de M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), „Enciclopedia de artă a artei străine clasice”, „Marea Rusă”. Enciclopedie".

Sandro Botticelli(1 martie 1445 - 17 mai 1510) - un om profund religios, a lucrat în toate bisericile majore din Florența și în Capela Sixtină a Vaticanului, dar a rămas în istoria artei în primul rând ca autor de lucrări poetice de format mare. pânze pe subiecte inspirate din antichitatea clasică - „Primăvara” și „Nașterea lui Venus”. .

Multă vreme, Botticelli a fost în umbra giganților Renașterii care au lucrat după el, până când a fost redescoperit la mijlocul secolului al XIX-lea de către prerafaeliții britanici, care venerau liniaritatea fragilă și prospețimea primăverii a pânzelor sale mature ca fiind cel mai înalt punct în dezvoltarea artei mondiale.

Născut în familia unui oraș bogat, Mariano di Vanni Filipepi. A primit o educație bună. A studiat pictura cu călugărul Filippo Lippi și a adoptat de la el acea pasiune pentru înfățișarea motivelor emoționante care distinge picturile istorice ale lui Lippi. Apoi a lucrat pentru celebrul sculptor Verrocchio. În 1470 și-a organizat propriul atelier..

A adoptat subtilitatea și precizia liniilor de la al doilea frate al său, care era bijutier. A studiat o vreme cu Leonardo da Vinci în atelierul lui Verrocchio. Caracteristica originală a propriului talent al lui Botticelli este înclinația lui către fantastic. El a fost unul dintre primii care au introdus mitul și alegoria antice în arta timpului său și a lucrat cu deosebită dragoste pe subiecte mitologice. Deosebit de impresionantă este Venus-ul lui, care plutește goală pe mare într-o scoică, iar zeii vântului o plouă cu trandafiri și aduc coaja până la țărm.

Frescele pe care le-a început în 1474 în Capela Sixtină a Vaticanului sunt considerate cea mai bună creație a lui Botticelli. A finalizat multe picturi comandate de Medici. În special, a pictat steagul lui Giuliano de' Medici, fratele lui Lorenzo Magnificul. În anii 1470-1480, portretul a devenit un gen independent în opera lui Botticelli („Omul cu medalie”, c. 1474; „Tânăr”, anii 1480). Botticelli a devenit faimos pentru gustul său estetic subtil și pentru lucrări precum „Vestirea” (1489-1490), „Abandonat” (1495-1500), etc. În ultimii ani ai vieții, Botticelli a părăsit pictura.

Sandro Botticelli este înmormântat în mormântul familiei din Biserica Ognisanti din Florența. Conform testamentului său, a fost înmormântat lângă mormântul Simonettei Vespucci, care a inspirat cele mai frumoase imagini ale maestrului.

Leonardo di Ser Piero da Vinci(15 aprilie 1452, satul Anchiano, lângă orașul Vinci, lângă Florența - 2 mai 1519 - mare artist italian (pictor, sculptor, arhitect) și om de știință (anatomista, naturalist), inventator, scriitor, unul dintre cei mai mari reprezentanți ai Înaltei Arte Renașterii, un exemplu strălucitor al „omului universal”.

Contemporanii noștri îl cunosc pe Leonardo în primul rând ca artist. În plus, este posibil ca da Vinci să fi fost și sculptor: cercetătorii de la Universitatea din Perugia - Giancarlo Gentilini și Carlo Sisi - susțin că capul de teracotă pe care l-au găsit în 1990 este singura lucrare de sculptură a lui Leonardo da Vinci care a venit. până la noi. Cu toate acestea, da Vinci însuși, în diferite perioade ale vieții sale, s-a considerat în primul rând inginer sau om de știință. Nu a dedicat mult timp artei plastice și a lucrat destul de încet. Prin urmare, moștenirea artistică a lui Leonardo nu este mare în cantitate și o serie de lucrări ale sale au fost pierdute sau grav deteriorate. Cu toate acestea, contribuția sa la cultura artistică mondială este extrem de importantă chiar și pe fondul cohortei de genii pe care le-a produs Renașterea italiană. Datorită lucrărilor sale, arta picturii a trecut într-o etapă calitativ nouă a dezvoltării sale. Artiștii Renașterii care l-au precedat pe Leonardo au respins în mod decisiv multe dintre convențiile artei medievale. Aceasta a fost o mișcare către realism și multe s-au realizat deja în studiul perspectivei, anatomiei și o mai mare libertate în soluțiile compoziționale. Dar în ceea ce privește pictura, lucrul cu vopsea, artiștii erau încă destul de convenționali și constrânși. Linia din imagine a conturat clar obiectul, iar imaginea avea aspectul unui desen pictat. Cel mai convențional a fost peisajul, care a jucat un rol secundar. .

Leonardo a realizat și a întruchipat o nouă tehnică de pictură. Linia lui are dreptul să fie neclară, pentru că așa vedem noi. Și-a dat seama de fenomenul de împrăștiere a luminii în aer și de apariția sfumato-ului - o ceață între privitor și obiectul reprezentat, care atenuează contrastele și liniile de culoare. Ca urmare, realismul în pictură a trecut la un nivel calitativ nou. . pictura renascentista Botticelli Renaissance

Rafael Santi(28 martie 1483 - 6 aprilie 1520) - mare pictor, grafician și arhitect italian, reprezentant al școlii din Umbria.

Fiul pictorului Giovanni Santi a urmat o pregătire artistică inițială la Urbino împreună cu tatăl său Giovanni Santi, dar deja la o vârstă fragedă a ajuns în atelierul remarcabilului artist Pietro Perugino. Limbajul artistic și imaginile picturilor lui Perugino, cu atracția lor pentru o compoziție simetrică, echilibrată, claritatea soluțiilor spațiale și moliciune în culoare și iluminare, au avut o influență primordială asupra stilului tânărului Rafael.

De asemenea, este necesar să se stipuleze că stilul creativ al lui Rafael a inclus o sinteză a tehnicilor și descoperirilor altor maeștri. La început, Rafael s-a bazat pe experiența lui Perugino, iar mai târziu, la rândul său, pe descoperirile lui Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. .

Lucrările timpurii („Madonna Conestabile” 1502-1503) sunt impregnate de grație și lirism blând. El a glorificat existența pământească a omului, armonia forțelor spirituale și fizice în picturile din încăperile Vaticanului (1509-1517), realizând un impecabil simț al proporției, ritmului, proporțiilor, eufonia culorii, unitatea figurilor și maiestuos. fundal arhitectural..

La Florența, după ce a intrat în contact cu lucrările lui Michelangelo și Leonardo, Rafael a învățat de la ei reprezentarea corectă din punct de vedere anatomic a corpului uman. La 25 de ani, artistul ajunge la Roma, iar din acel moment începe perioada de cea mai înaltă înflorire a creativității sale: realizează picturi monumentale în Palatul Vatican (1509-1511), inclusiv capodopera de necontestat a maestrului - fresca. „Școala din Atena”, scrie compoziții de altar și picturi de șevalet, remarcate prin armonia conceptului și execuției, lucrează ca arhitect (de ceva vreme Rafael a regizat chiar construcția Catedralei Sf. Petru). Într-o căutare neobosită a idealului său, întruchipat pentru artist în imaginea Madonei, el creează cea mai perfectă creație a sa - „Madona Sixtina” (1513), simbol al maternității și tăgăduirii de sine. Picturile și picturile murale ale lui Rafael au fost recunoscute de contemporanii săi, iar Santi a devenit curând o figură centrală în viața artistică a Romei. Mulți oameni nobili ai Italiei au vrut să se înrude cu artistul, inclusiv prietenul apropiat al lui Rafael, cardinalul Bibbiena. Artistul a murit la vârsta de treizeci și șapte de ani din cauza unei insuficiențe cardiace. Picturile neterminate de la Vila Farnesina, loggiile Vaticanului și alte lucrări au fost finalizate de studenții lui Rafael în conformitate cu schițele și desenele sale.

Unul dintre cei mai mari reprezentanți ai artei Înaltei Renașteri, ale cărei picturi se caracterizează printr-un echilibru accentuat și armonie a întregului, compoziție echilibrată, ritm măsurat și utilizarea delicată a capacităților de culoare. Stăpânirea impecabilă a liniei și capacitatea de a generaliza și evidenția principalul lucru l-au făcut pe Raphael unul dintre cei mai remarcabili maeștri ai desenului din toate timpurile. Moștenirea lui Rafael a servit drept unul dintre pilonii formării academicismului european. Adepții clasicismului - frații Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov și mulți alți artiști - au lăudat moștenirea lui Rafael ca fiind cel mai perfect fenomen din arta mondială...

Titian Vecellio(1476/1477 sau 1480-1576) - pictor italian renascentist. Numele lui Tizian se plasează printre artiști renascentistes precum Michelangelo, Leonardo da Vinci și Rafael. Tițian a pictat picturi pe subiecte biblice și mitologice a devenit celebru și ca portretist. A primit ordine de la regi și papi, cardinali, duci și prinți. Titian nu avea nici treizeci de ani când a fost recunoscut drept cel mai bun pictor al Veneției.

După locul său de naștere (Pieve di Cadore în provincia Belluno), el este numit uneori da Cadore; cunoscut și sub numele de Tițian cel Divin...

Titian s-a născut în familia lui Gregorio Vecellio, om de stat și lider militar. La vârsta de zece ani a fost trimis împreună cu fratele său la Veneția pentru a studia cu celebrul mozaicist Sebastian Zuccato. Câțiva ani mai târziu a intrat ca ucenic în atelierul lui Giovanni Bellini. A studiat cu Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) și alți artiști care mai târziu au devenit celebri.

În 1518, Tițian a pictat pictura „Înălțarea Maicii Domnului”, în 1515 - Salomeea cu capul lui Ioan Botezătorul. Din 1519 până în 1526 a pictat o serie de altare, inclusiv retabloul familiei Pesaro.

Titian a trăit o viață lungă. Până în ultimele sale zile nu a încetat să lucreze. Tizian și-a pictat ultimul tablou, Plângerea lui Hristos, pentru propria sa piatră funerară. Artistul a murit de ciuma la Veneția la 27 august 1576, fiind infectat de fiul său în timp ce avea grijă de el.

Împăratul Carol al V-lea l-a chemat pe Tițian la locul său și l-a înconjurat cu onoare și respect și a spus de mai multe ori: „Pot să creez un duce, dar de unde pot obține un al doilea Tițian?” Când într-o zi, artistul și-a scăpat pensula, Carol al V-lea a luat-o și a spus: „Este o onoare chiar și pentru împărat să-l slujească pe Tizian”. Atât regii spanioli, cât și francezi l-au invitat pe Tizian să locuiască la curtea lor, dar artistul, după ce și-a îndeplinit ordinele, s-a întors întotdeauna la Veneția natală. Un crater pe Mercur a fost numit în onoarea lui Tizian. .

Pentru europeni, perioada întunecată a Evului Mediu s-a încheiat, făcând loc Renașterii. A făcut posibilă reînvierea moștenirii aproape dispărute din Antichitate și crearea unor mari opere de artă. Oamenii de știință din Renaștere au jucat, de asemenea, un rol important în dezvoltarea omenirii.

Paradigmă

Criza și distrugerea Bizanțului au dus la apariția a mii de emigranți creștini în Europa, care au adus cu ei cărți. Aceste manuscrise conțineau cunoștințe despre perioada antică, pe jumătate uitată în vestul continentului. Au devenit baza umanismului, care a plasat omul, ideile lui și dorința de libertate în prim plan. De-a lungul timpului, în orașele în care rolul bancherilor, artizanilor, comercianților și meșteșugarilor a crescut, au început să apară centre seculare de știință și educație, care nu numai că nu se aflau sub autoritatea Bisericii Catolice, dar luptau adesea împotriva dictaturilor acesteia.

Pictură de Giotto (Renaștere)

Artiștii din Evul Mediu au creat opere cu conținut predominant religios. În special, pentru o lungă perioadă de timp principalul gen de pictură a fost pictura cu icoane. Primul care a decis să înfățișeze oameni obișnuiți pe pânzele sale și, de asemenea, să abandoneze stilul canonic de pictură inerent școlii bizantine, a fost Giotto di Bondone, care este considerat un pionier al Proto-Renașterii. Pe frescele Bisericii San Francesco, situată în orașul Assisi, a folosit jocul clarobscurului și s-a îndepărtat de structura compozițională general acceptată. Cu toate acestea, capodopera principală a lui Giotto a fost pictura Capelei Arena din Padova. Interesant este că imediat după această comandă artistul a fost chemat să decoreze primăria. În timp ce lucra la una dintre picturi, pentru a obține cea mai mare autenticitate în reprezentarea „semnului ceresc”, Giotto s-a consultat cu astronomul Pietro d’Abano. Astfel, datorită acestui artist, pictura a încetat să mai înfățișeze oameni, obiecte și fenomene naturale după anumite canoane și a devenit mai realistă.

Leonardo da Vinci

Multe figuri ale Renașterii aveau un talent versatil. Cu toate acestea, niciunul dintre ei nu se poate compara cu Leonardo da Vinci în versatilitatea sa. S-a remarcat ca un pictor remarcabil, arhitect, sculptor, anatomist, om de știință naturală și inginer.

În 1466, Leonardo da Vinci a plecat să studieze la Florența, unde, pe lângă pictură, a studiat chimia și desenul și a dobândit, de asemenea, abilități în lucrul cu metalul, pielea și tencuiala.

Deja primele picturi ale artistului l-au remarcat printre colegii săi de muncă. În timpul vieții sale lungi, la acea vreme, de 68 de ani, Leonardo da Vinci a creat capodopere precum „Mona Lisa”, „Ioan Botezătorul”, „Doamna cu hermină”, „Cina cea de taină”, etc.

Ca și alte figuri proeminente ale Renașterii, artistul era interesat de știință și inginerie. În special, se știe că încuietoarea pistolului pentru roți pe care a inventat-o ​​a fost folosită până în secolul al XIX-lea. În plus, Leonardo da Vinci a creat desene cu o parașută, o mașină zburătoare, un reflector, un telescop cu două lentile etc.

Michelangelo

Când se discută despre ce au dat lumii figurile Renașterii, lista realizărilor lor conține în mod necesar lucrările acestui arhitect, artist și sculptor remarcabil.

Printre cele mai cunoscute creații ale lui Michelangelo Buonarroti se numără frescele din tavanul Capelei Sixtine, statuia lui David, sculptura lui Bacchus, statuia de marmură a Madonei din Bruges, pictura „Chinul Sfântului Antonie” și multe alte capodopere ale artei mondiale.

Rafael Santi

Artistul s-a născut în 1483 și a trăit doar 37 de ani. Cu toate acestea, marea moștenire a lui Raphael Santi îl plasează în fruntea oricărui rating simbolic de „Personaje remarcabile ale Renașterii”.

Capodoperele artistului includ „Încoronarea Mariei” pentru altarul Oddi, „Portretul lui Pietro Bembo”, „Doamna cu unicorn”, numeroase fresce comandate pentru Stanza della Segnatura etc.

Punctul culminant al operei lui Rafael este considerat a fi „Madona Sixtină”, creată pentru altarul bisericii mănăstirii Sf. Sixta din Piacenza. Această imagine face o impresie de neuitat oricui o vede, deoarece Maria înfățișată pe ea într-un mod de neînțeles combină esența pământească și cea cerească a Maicii Domnului.

Albrecht Durer

Personalitățile celebre ale Renașterii nu au fost doar italiene. Printre acestea se numără pictorul și gravorul german Albrecht Dürer, care s-a născut la Nürnberg în 1471. Cele mai semnificative lucrări ale sale sunt „Altarul Landauer”, un autoportret (1500), pictura „Sărbătoarea coroanelor de trandafiri” și trei „Grafuri de atelier”. Acestea din urmă sunt considerate capodopere ale artei grafice din toate timpurile și popoarele.

Titian

Marile figuri ale Renașterii din domeniul picturii ne-au lăsat imagini ale celor mai cunoscuți contemporani ai lor. Unul dintre portretiștii remarcabili ai acestei perioade a artei europene a fost Tizian, care provenea din celebra familie Vecellio. I-a imortalizat pe pânză pe Federico Gonzaga, Carol al V-lea, Clarissa Strozzi, Pietro Aretino, arhitectul Giulio Romano și mulți alții. În plus, pensulele sale includ pânze pe subiecte din mitologia antică. Cât de mult a fost apreciat artistul de contemporanii săi este dovedit de faptul că, într-o zi, împăratul Carol al V-lea s-a grăbit să ridice o pensulă căzută din mâinile lui Tizian .

Sandro Botticelli

Artistul s-a născut în 1445. Inițial, urma să devină bijutier, dar apoi a ajuns în atelierul lui Andrea Verrocchio, care a studiat cândva cu Leonardo da Vinci. Alături de lucrări de teme religioase, artistul a realizat mai multe tablouri cu conținut laic. Capodoperele lui Botticelli includ picturile „Nașterea lui Venus”, „Primăvara”, „Pallas și Centaurul” și multe altele.

Dante Alighieri

Marile figuri ale Renașterii și-au lăsat amprenta de neșters asupra literaturii mondiale. Unul dintre cei mai importanți poeți ai acestei perioade este Dante Alighieri, născut în 1265 la Florența. La 37 de ani, a fost expulzat din orașul natal din cauza opiniilor sale politice și a rătăcit până în ultimii ani ai vieții.

Încă din copilărie, Dante s-a îndrăgostit de colega sa Beatrice Portinari. După ce s-a maturizat, fata s-a căsătorit cu un alt bărbat și a murit la vârsta de 24 de ani. Beatrice a devenit muza poetului și ei și-a dedicat lucrările, inclusiv povestea „Viață nouă”. În 1306, Dante a început să creeze „Divina Comedie”, la care a lucrat timp de aproape 15 ani. În ea, el expune viciile societății italiene, crimele papilor și cardinalilor și își plasează Beatrice în „paradis”.

William Shakespeare

Deși ideile renascentiste au ajuns oarecum târziu în Insulele Britanice, acolo au fost create și opere de artă remarcabile.

În special, unul dintre cei mai cunoscuți dramaturgi din istoria omenirii, William Shakespeare, a lucrat în Anglia. Piesele sale au fost jucate pe scenele de teatru din toate colțurile planetei de mai bine de 500 de ani. Stilul său include tragediile „Othello”, „Romeo și Julieta”, „Hamlet”, „Macbeth”, precum și comediile „Twelfth Night”, „Much Ado About Nothing” și multe altele. În plus, Shakespeare este renumit pentru sonetele sale dedicate misterioasei Doamne Întunecate.

Leon Battista Alberti

Renașterea a contribuit și la schimbarea aspectului orașelor europene. În această perioadă au fost create mari capodopere arhitecturale, inclusiv Catedrala Romană Sf. Petru, scara Laurentiană, Catedrala din Florența etc. Alături de Michelangelo, celebrul om de știință Leon Battista Alberti este unul dintre celebrii arhitecți ai Renașterii. A adus contribuții enorme la arhitectură, teoria artei și literatură. Domeniile sale de interes au inclus și probleme de pedagogie și etică, matematică și cartografie. A creat una dintre primele lucrări științifice despre arhitectură, intitulată „Zece cărți despre arhitectură”. Această lucrare a avut o influență imensă asupra generațiilor ulterioare ale colegilor săi.

Acum cunoașteți cele mai cunoscute personalități culturale ale Renașterii, datorită cărora civilizația umană a intrat într-o nouă etapă a dezvoltării sale.