Compozitorii japonezi sunt moderni. Muzică japoneză contemporană

Istoria dezvoltării Muzica japoneză clar împărțit în mai multe etape, corespunzătoare perioade importante economice şi dezvoltare culturală Japonia. În timpul săpături arheologice pe insule japoneze au fost descoperite o ocarina si un fluier de piatra. Aceste instrumente datează din perioada Jomon. Nu este exclus ca acesta să poată fi folosit și ca instrumente de percuție vase ceramice. Societatea de atunci este caracterizată ca o societate de pescari, culegători și vânători, a căror viață spirituală era dominată de magie. Muzica, desigur, făcea parte din ritualurile magice.

ÎN perioada Choi muzica a însoțit riturile funerare și riturile agricole. Întărirea proceselor de unificare, asimilare și integrare etnică a condus la formarea Perioada de confuzie(secolul al III-lea – începutul secolului al V-lea) stat Educație Yamato, sistem mitologic Shinto, precum și misterele folclorice kagura, care a sintetizat diverse cântece și dansuri rituale.

Cultura muzicală de palat a statelor medievale ale continentului a reflectat un alt aspect nivel muzical gândirea era strâns legată de doctrinele budiste și confucianiste.

În cultura urbană, împreună cu muzica de palat, cântecele în stil modern interpretate de cântăreți și dansatori profesioniști, scenete distractive și spectacole au fost populare în rândul diferitelor segmente ale populației. dengaku, strâns legată de ritualurile agricole. ÎN Perioada Ashigaka (1336-1573) diverse muzicale tradiții teatraleîncepe să sintetizeze într-un fel de complex cultural -. Spectacolele de folclor se țineau la biserici și aveau un caracter ilustrativ și narativ. După căderea shogunatului Tokugawa a devenit disponibil publicului. La cumpăna dintre secolele XVI-XVII. a apărut un teatru de păpuși.

După revoluția burgheză Meiji a început un proces activ de asimilare a culturii muzicale europene, pentru care s-au folosit inițial instituțiile tradiționale, în special Departamentul Gagaku. Cu toate acestea, deja în 1872, predarea cântului în stil european a fost introdusă în școli, iar în 1887 Şcoala de muzică din Tokyo, unde predarea se desfășura cu ajutorul personalităților culturale invitate din Europa și America. A început activitate de concert un număr de interpreți europeni. Din secolul al XX-lea au început să devină activi compozitori japonezi.

După încheierea primului război mondial au fost stăpânite principii artistice diverse tendințe europene, au fost folosite elemente ale muzicii tradiționale japoneze. Cea mai mare organizație de muzicieni japonezi a devenit.

După încheierea celui de-al Doilea Război Mondial stăpânirea rapidă a avut loc muzicieni japonezi diverse tipuri de tehnici interpretative și de compunere. A fost restaurat în 1946 Liga compozitorilor contemporani din Japonia. Au fost organizate orchestre și trupe de operă, s-au deschis noi școli de muzică și colegii și au apărut multe asociații mici de compozitori. Compozițiile au fost create în tradițiile muzicii europene din secolul al XIX-lea - timpuriu. secolele 20 și tehnica dodecafonică. În 1955, s-a deschis un studio de muzică electronică. Au început festivalurile muzica modernă.

Surse de cunoștințe despre muzica tradițională japoneză

Printre sursele de cunoaștere despre muzica tradițională a Japoniei este necesar să se numească situri arheologice, cronici dinastice chinezești, cronici ale curții imperiale, înregistrări religioase budiste și șintoiste, monumente literare, opere dramatice, coduri legislative. Fără îndoială, notațiile muzicale sunt surse valoroase, al căror studiu prezintă un interes deosebit, fie și doar pentru că sunt complet diferite de sistemul de notație european. Doar în sfârşitul XIX-lea secolul, muzica japoneză a început să fie scrisă în notație europeană, iar înainte de aceasta a fost folosit un sistem împrumutat din China de semne, linii și diferite figuri la dreapta sau la stânga textului pentru a indica coarde, tablatură, ritm, tempo și nuanțe. Mai mult, întrucât, spre deosebire de sistemul european, nu era desemnată o notă specifică, ci o coardă sau aranjarea degetelor pe flaut, iar ritmul nu era prescris în totalitate, ci doar un model ritmic era specificat, atunci, fără cunoscând dinainte melodia, era imposibil să cânte notele. În plus, insignele și figurinele diferă în funcție nu numai de instrumentul muzical, ci și de școala din cadrul aceluiași gen. De aceea Cercetare muzicală japoneză De notatii muzicale are limitări și necesită cunoștințe detaliate ale unui anumit sistem de notație. De asemenea, multe opere de cântece și povești au fost transmise din generație în generație după ureche și nu au fost înregistrate, prin urmare, din păcate, o parte semnificativă muzica populara pierdut.

Cunoașterea muzicii antice în Japonia bazat aproape exclusiv pe dovezi arheologice, de ex. Figurine din lut Haniwa dați o idee despre instrumentele acelei vremuri: flautul de bambus Yamato-bue, lăută veche transport sau yamato-gotoși alte instrumente primitive.

Primele mențiuni scrise apar în cronicile chinezești. Astfel, cronicile secolului al III-lea ale dinastiei chineze Wei Zhi vorbesc despre o călătorie în Japonia și despre cântecele și dansurile ritului ritual.

Există o poveste care datează din secolul al III-lea despre muzicienii coreeni care i-au instruit pe japonezi să păstreze lemnul navelor, deoarece era ideal pentru fabricarea de instrumente.

Muzica este menționată în continuare în cronicile japoneze Kojiki (712) și Nihon Shoki (720). Astfel, Nihonshoki relatează că în 454, 80 de muzicieni coreeni au fost trimiși în capitala japoneză pentru a interpreta muzică cu ocazia morții împăratului Ingyo.

În „Shoku Nihongi” cronica istorica Secolul al VIII-lea, vorbește despre muzica pentru inițieri rituale în templele budiste și șintoiste.

Înregistrările religioase sunt o sursă importantă, deoarece muzica a fost invariabil asociată cu ritualuri și.

Manyoshu, cea mai mare antologie de poezie a secolului al VIII-lea, conține mai mult de 4 mii de poezii, dintre care multe sunt considerate cântece populare, remodelat într-un stil aristocratic. Tema muzicii apare atât în ​​Povestea lui Genji, cât și în altele opere literare a unui timp ulterior.

Codurile și actele legislative reflectă cadrul instituțional dezvoltare muzicala: Astfel, codul de legi Taihoryo stabilește managementul.

Muzica japoneză în timpul războiului și în anii postbelici

Din 1941, interpretarea muzicii occidentale a fost realizată în principal de. În 1945 a fost redenumit Orchestra Simfonică Toho Noua orchestră simfonică a devenit orchestra NHK (Japan Broadcasting Corporation) și au început să apară multe alte asociații simfonice.

Există, de asemenea, o mișcare a muncitorilor Roon pentru a introduce oamenii muncitori în cultura muzicală.

compozitori japoneziÎn acest timp, când compuneau opere, au luat ca bază legendele budiste.

În 1951, la NHK s-a deschis un studio de muzică electronică.

Sunt create Asociația Japoniei de Muzică Contemporană, care exista înainte de război sub alte denumiri și organiza festivaluri în fiecare an, Asociația Compozitorilor Contemporani (1946), Shinseikai (1946), Chijinkai(1948) și studio experimental Jikken Kobokai (1949).

În anii 60 au apărut grupurile Ongaku și New Direction, care pledează pentru improvizație, dar multe formații au compus muzică pentru Orchestra Nipponia, formată din instrumente tradiționale.

Muzicienii străini au început să viziteze din nou Japonia de la mijlocul anilor '50 și și-au câștigat faima și în străinătate.

În prezent, muzica occidentală este înfloritoare în Japonia. Predarea, interpretarea, literatura muzicala, fabricarea de scule - toate acestea nu sunt acum inferioare Europei. Există șase orchestre simfonice și toate tipurile de muzică occidentală sunt interpretate și compuse în Japonia: de la renaștere și baroc până la jazz, rock și multe altele. tendinte moderne. Confruntarea dintre muzica occidentală și cea tradițională rămâne, dar nu este exprimată la fel de clar ca înainte.

Muzica occidentală în Japonia

Istoria muzicii occidentale în Japoniaîncepe în secolul al XVI-lea, când orga a fost adusă în Japonia de către iezuiții portughezi. Chiar mai devreme, occidentalul antic instrumente cu coarde violă și rebec, la care se înfăptuiau lucrări religioase și laice. Rebek a devenit prototipul instrumentului japonez kokyu.

La sfârșitul secolului al XVI-lea, o școală de muzică a fost fondată de portughezul Aires Sanchez, iar în 1591 un ansamblu portughez de clavier, lăută, harpă și rebec a cântat în fața acesteia. Din 1606 până în 1613, în Arima au fost produse organe.

Dezvoltarea muzicii occidentale în acest moment poate fi reconstruită în principal din înregistrările iezuiților până în momentul în care a fost întreruptă de persecuția misionarilor creștini și de închiderea țării. Influența muzicală a așezărilor olandeze de pe insula Dejima (o insulă creată artificial în perioada închiderii Japoniei, a fost folosită ca port comercial cu Olanda, singurul loc în care comercianții olandezi aveau voie să trăiască) a devenit vizibilă doar în 1830, când acolo a fost organizat un ansamblu de percuție și suflat.

Odată cu începutul Restaurației Meiji în cultura muzicala Muzica occidentală a început să fie introdusă activ în Japonia. Primul profesor de muzică occidentală din Marea Britanie a predat la Yokohama și a fondat acolo o fanfară. Studenții japonezi au mers în Europa pentru a studia muzica, iar în anii 1880. unul dintre ei, Shuji Izawa, a fondat Tokyo School of Music, care este acum Universitatea de Muzică și Artă din Tokyo. Muzica occidentală a fost interpretată pentru prima dată la curte în 1881, la Tokyo scoala de muzica atât occidental cât şi Muzică tradițională japoneză, dar s-a dat preferinta celui occidental. Au existat încercări de a combina ambele direcții: yogaku– Muzică europeană și hogaku– Muzică japoneză, de exemplu în cântece pentru copii, cântece de război gunka și muzica shamisen. Cu toate acestea, amestecarea completă nu a avut loc și ar fi mai corect să spunem că ambele direcții s-au dezvoltat în paralel.

După crearea Școlii de Muzică din Tokyo, au fost create alte instituții muzicale orientate spre vest: Asociația Muzică Meiji, Asociația Muzică Imperială etc.

Cu toate acestea, până în epoca Taisho (1912-1926), cea mai mare parte a populației nu a avut acces la concerte ale muzicienilor occidentali: muzica occidentală era interpretată în principal de profesori de muzică sau de studenții acestora. După Primul Război Mondial și Revoluția Rusă, această situație s-a schimbat. Mulți refugiați, inclusiv cei din Rusia, au venit în Japonia în drum spre America, iar printre ei se numărau muzicieni care au interpretat muzica țărilor lor. După 1917, au început să fie invitați interpreți străini.

Prima și singura orchestră simfonică a fost Orchestra Şcolii de Muzică din Tokyo, în 1914 s-a format Asociația de muzică filarmonică din Tokyo, dar a părăsit rapid scena. În plus, muzică clasică a fost interpretată de multe trupe militare. În 1922 a fost creat Orchestra Simfonică din Tokyo, iar în 1925 - Asociația japonezilor muzica simfonica sub conducerea lui Yamada Kosaku, fondatorul muzicii simfonice moderne japoneze, un compozitor și dirijor celebru. În 1927, a fost creată Noua Orchestră Simfonică.

Pătrunderea muzicii occidentale s-a produs și prin radiodifuziune: în 1926 au început să fie difuzate concerte clasice. Japonia a devenit cea mai mare piață din lume pentru discuri de gramofon: acestea au fost create de filiale japoneze din cele străine. În anii 1920-1930. Interesul pentru opera occidentală a crescut și mulți interpreți japonezi au excelat în acest domeniu.

În perioada Taisho, un gen numit ryukoka, sau „melodii populare” - cântece strălucitoare, vesele din anii de dinainte de război, care încorporează multe elemente ale muzicii occidentale cu acompaniament. Influențele occidentale pătrund și în muzica tradițională, în special muzica koto. © osin-music.ru

Desigur, acum servesc în mare parte tendințelor populare și, deși destul de des lucrările lor au o aromă națională pronunțată, ei sunt totuși mai concentrați pe crearea de melodii în genuri care aparțin sectorului divertismentului, mai degrabă decât celei. cultura traditionala. Acest lucru nu este surprinzător în era tehnologiei înalte, a dezvoltării televiziunii și a internetului. Crearea muzicii pentru lungmetraje, diverse emisiuni de televiziune și, bineînțeles,

Konichiwa!(din japoneză こんにちは - Buna ziua!)

Atât muzica japoneză clasică, cât și cea modernă este un mister, un spațiu de sunete în care nu trebuie doar să asculți, ci și să asculți. Sunetele naturii, sunetele lumii în care coexistăm cu natura.

Gustați muzica japoneză de la artiști contemporani, atât pian clasic, cât și muzică instrumentală japoneză în genul electronic. De ce vă sfătuiesc acest lucru se datorează faptului că natura și muzica Japoniei sunt un mister.

Muzică instrumentală japoneză de către interpreți contemporani:

O japoneză fermecătoare cu o voce plăcută, este și compozitoare și inginer de sunet. Muzica este predominant instrumentală, cu o ușoară atmosferă de mister și uneori tranziții neașteptate.

Un tânăr muzician talentat din Japonia care folosește în muzica sa un laptop și o întreagă orchestră de instrumente tradiționale: pian, chitară, vioară, violoncel, bas, saxofon, clarinet.

Tobe electronice cântate live pe o tastatură de laptop aduc o aromă specială muzicii sale instrumentale.

Un tânăr compozitor extrem de neobișnuit. Ceea ce face acest japonez este dincolo de orice descriere.

În muzica sa, el amestecă multe instrumente care sună, transformând sunetul instrumentelor live în unul electronic și făcând electronicele vii și imprevizibile.

Mamă! Lapte! Aceasta este cea mai imprevizibilă și neobișnuită muzică într-o combinație de doar două instrumente - acordeon și contrabas. Cunoscut de mulți obișnuiți ai cafenelelor, teatrelor și muzeelor ​​de artă din Japonia, duetul de acordeonistul Yuko Ikoma și contrabasistul Kosuke Shimizu. Muzica lor a fost descrisă de „Japanese New Exotica” drept „cinema pentru urechi”.

Muzician japonez, scrie muzică instrumentală ușoară mai degrabă în genul modern clasic/ambient, deși cu o dispoziție japoneză caracteristică. Acestea sunt uneori treceri neașteptate de la o armonie la alta, dar în general este destul de calmă și reținută, spre deosebire de muzica altor compozitori japonezi.

(din duet)
Unicitatea muzicii solo a lui Yuko Ikoma este că toate părțile muzicale sunt interpretate pe o cutie muzicală. Cum sună această muzică de jucărie în imaginația copiilor a unei japoneze talentate? Aceasta este cutia ei cu un secret?

Muzică experimentală cu sunete mediuîn genul ambiental. Sunetele neobișnuite mult eșantionate dau loc unei melodii netede cu armonii previzibile.

Previzibilitate - doar se pare că nu trece nici măcar un minut înainte ca întreaga structură a melodiei să fie dezasamblată în piese separate, unde fiecare sunet îi aparține și, din nou, ca și cum ar fi din Lego, melodia este asamblată.

(muzică clasică modernă a Japoniei)

Doi frați din Japonia interpretând muzică clasică japoneză modernă în stilul lui Tsugaru-jamisen. Muzica lor este un amestec de tempo-uri care se schimbă rapid interpretate pe instrumente tradiționale japoneze.

Au câștigat popularitate datorită interpretării muzicii rock occidentale în jocul lor.

Olga Viktorovna Tișcenko

MBOU DOD „Școala de muzică pentru copii nr. 4 din Khabarovsk”

Scenariul lecției-concert

„Piese pentru pian ale compozitorilor japonezi contemporani”

Această lecție-concert este concepută pentru publicul copiilor de la o școală de muzică sau o școală de artă. Scopul lecției de concert este un tur de vizitare a Japoniei; si mai mult sarcină specifică este o introducere în muzica pentru copii de către compozitori japonezi contemporani, scrisă pentru pian. Piesele interpretate în concert sunt interpretate de elevi de gimnaziu și gimnaziu la secția pian.

Profesor: „Irassyai mase!” - „Bine ați venit!” pentru lecția noastră - un concert dedicat muzicii japoneze. Privește în jur. Sala noastră este decorată cu mare dragoste desene și obiecte de artizanat ale copiilor, atribute ale vieții japoneze (bonsai, evantai, umbrelă, kimono), precum și reproduceri de picturi ale artiștilor japonezi contemporani: Kansike Morioka, Tahaki Tanaka și alții. Și toate acestea sunt dedicate unei singure țări - Japonia.

Înainte de a începe concertul, permiteți-mi să vă povestesc puțin despre asta tara uimitoare. Japonia este vecinul nostru apropiat. Arhipelagul japonez se întinde într-un arc de aproximativ 4000 km. si consta din cantitate mare insule. Patru dintre ele sunt principale: Honshu, Hakaido, Kyushu și Shikoku și aproximativ 4.000 de insule mici. Japonia este situată într-o zonă cu climă temperată, ceea ce creează condiții favorabile pentru creșterea pădurilor și a vegetației abundente. Cu toate acestea, există foarte puțin teren potrivit pentru cultivare - doar o șapte parte din întregul teritoriu, iar restul este în munți. In tara sunt 77 de vulcani iar cel mai important este Muntele Fuji - 3776 m.

Peisajul bizar al Țării Soarelui Răsare este caracterizat de splendoarea și frumusețea care captează imaginația - lacuri de munte, chei stâncoase, râuri învolburate, vârfuri ascuțite și cascade pitorești alimentate de apa de topire.

Japonia este una dintre cele mai dezvoltate țări din lume, cu tehnologie înaltă, aplicarea celor mai recente realizări în domeniul electronicii, calculatoarelor și altor domenii ale științei. Dar ne interesează în primul rând cultură.

Yamato este numele antic al țării. Simbolurile Japoniei sunt Muntele Fuji și o ramură de flori de cireș - sakura. Există multe sărbători naționale în această țară, de exemplu:

1. Setsubun - începutul tradițional al primăverii (21 martie).

6. Ziua Sănătății și Sportului (10 octombrie) și alte sărbători.

Ar fi frumos să împrumutăm cele mai bune tradiții ale japonezilor.

Cultura țării este neobișnuită și multifațetă. Aici este „Tyanoyu” - o ceremonie a ceaiului, care este mod original prepararea și servirea „matcha” (măcinată în pulbere ceai verde). Ceremonia japoneză a ceaiului este o curățare a sufletului prin unitatea cu natura. În țară, pentru aceste ceremonii au fost construite ceainări speciale. Arta ceremoniei ceaiului a avut mare influență despre dezvoltarea arhitecturii japoneze, a grădinăritului peisagistic, a artei ceramice și a ikebana. În general, rolul naturii și manifestările sale joacă un rol uriaș în viața japonezilor. Și acest lucru este confirmat de ikebana - arta de a face buchete de flori și ramuri. Compoziția se bazează pe 3 linii, simbolizând cerul, pământul și omul.

O altă tendință Bansai este creșterea copacilor pitici în ghivece de flori.

Dar kabuki este național teatru clasic Japonia, unde toate rolurile sunt jucate de bărbați.

Japonia este o țară exotică. Și numai acesta este caracterizat de clădiri ușoare, elegante, cu un etaj, cu pereți despărțitori (shoji) în interior. Într-o astfel de casă veți vedea cu siguranță un „tokonoma” - o nișă pentru o vază decorativă sau ikebana.

Japonia este alcătuită din temple uriașe și magnifice, cu acoperișuri curbate din țiglă, zgârie-nori în oglindă și o colecție de străzi și alei mici, împletite.

Îmbrăcămintea națională a japonezilor - kimano - uimește prin grația și bogăția sa de culori. Și cine nu știe judo și karate, sumo sau aikido? Aceste sporturi sunt practicate acum nu numai în Japonia.

Putem vorbi mult timp despre asta frumoasa tara, dar vă voi povesti despre principalul lucru, pentru care ne-am adunat astăzi. O să vă povestesc despre muzica japoneză.

Concertul nostru constă în piese de compozitori japonezi contemporani scrise pentru copii. Piesele sunt izbitoare prin melodia, simplitatea formei și a prezentării și sunt accesibile copiilor. Titlurile multora dintre ele dezvăluie imediat interpretului sensul piesei, de exemplu: „După-amiază de vară” sau „Iarna în munți”, sau „Sărbătoarea japoneză”. Aromă neobișnuită națională japoneză este dată muzicii de accente bruște, structură armonică interesantă, originalitate a loviturilor și dinamică. Pentru toate piesele jucate astăzi, elevii mei și cu mine am ales un fel de epigrafe haiku - poezii din trei strofe de cinci și șapte silabe.

Acest gen de poezie japoneză se bazează pe capacitatea de a spune multe în câteva cuvinte. Cristalele Haiku reflectă lumea mare din jurul lor și strălucesc cu toate culorile sale. Fiecare haiku este o poezie mică. Haiku se bazează pe o imagine specifică aleasă cu pricepere. Observație precisă, îmbogățită cu imaginație, gândire profundă și sentiment din inimă - așa se naște haiku. Poetul pare să lase cute în crengile de pe poteca de munte (termen al poeticii japoneze el nu termină de vorbit, dar pare să-l cheme să-l urmeze); Haiku clasic a atins apogeul în secolul al XVII-lea. Un reprezentant strălucit stilul este Matsuo Basho - un poet iubit al multor japonezi. Astăzi va fi interpretat haiku-ul poeților: Matsuo Basho (1644-1694), Hattori Rantssesu (1654-1707), Yosa Buson (1716-1783), Chiyo (1703-1775), Kobayashi Issa (1763-1827). Nu întâmplător am decis să luăm piesele compozitorilor moderni ca epigrafe la haiku vechi de 400 de ani. Așa se realizează legătura dintre timpuri, valoarea durabilă a capodoperelor poetice este și mai clar vizibilă și se formează un lanț închis: muzica ca poezie și poezia ca muzică. Vom face această legătură în felul următor: fiecare participant la concertul nostru, înainte de a cânta o piesă, citește haiku-ul unui poet clasic japonez special selectat pentru această lucrare. Și asta, cred, îi va ajuta pe ascultătorii noștri să vadă cu viziunea lor interioară o imagine poetică și să audă cum această imagine se îmbină cu muzica. Lăsați fiecare să gândească și să simtă pentru sine.

Deci iată-ne:

eu. compozitorul Yasushi Yakutagawa „Piece” (re major)

haiku Basho

Din ramură în ramură

Picăturile curg în liniște...

Ploaie de primăvară.

II. compozitorul Ryohei Nakagawa „Lullaby” (la major)

haiku Chiyo Molie adormită!

Ce a văzut în visul lui?

A bătut din aripi.

III. compozitorul Bin Kaneda „After-noon in Summer” (do major)

haiku Chiyo

Peste valul pârâului

Libelula prinde, prinde

propria ta umbră

IV. compozitor Kazuo Yamada „Beautiful Little Prelude” (la minor)

haiku Basho

Florile s-au stins.

Semințele se împrăștie și cad,

E ca lacrimile...

V. compozitor Bin Kaneda” Noapte bună toamna” (fa major)

haiku Ransetsu

luna de toamna

Pictând un pin cu cerneală

Pe cerul albastru

VI. compozitor Hiroko Asakawa „Eleganță” (la minor)

haiku Basho

Petale de camelie...

Poate că privighetoarea a căzut

O pălărie din flori?

VII. compozitor Yoshinao Nakada „Fie ca vremea să fie frumoasă mâine” (la minor)

haiku Buson

E doar luna?

Și lupta azi din cauza ploii

Nu am putut vedea.

VIII. compozitor Bin Kaneda „Iarna în munți” (fa major)

haiku Basho

Câtă zăpadă a căzut!

Dar pe undeva oamenii se plimbă

Prin Munții Hakone...

IX. compozitor Bin Kaneda „Vreau să dorm primăvara” (re minor)

haiku Basho

Primăvara pleacă.

Păsările plâng. Ochi de pește

Plin de lacrimi.

X. compozitor Hideko Oki " Vacanta de toamna” (minor)

haiku Issa

Luna a ieșit

Și fiecare tufiș mic

Invitat la sărbătoare.

XI. compozitor Yoshinao Nakada „Povestea văzută într-un vis” (E major)

haiku Buson

Vis sau realitate?

Fâlfâitul unui pumn strâns

Fluturi...

XII. compozitor Akihiro Tsukatani „Bagatelle” (do diesis minor)

haiku Buson

Noaptea de vară este scurtă!

Sclipit pe omida

Picături de rouă în zori.

XIII. compozitor Koji Taku „Serenade” (mi minor)

haiku Issa

O, nu călca iarba în picioare!

Erau licurici strălucind

Ieri seara uneori!

XIV. compozitor Bin Kaneda „A fost odată ca niciodată” (do major)

haiku Buson

Miros trist!

Ramura de floare de prun

Într-o mână încrețită.

XV. compozitor Hidehiko Hagihara „Povestea” (fa major)

haiku Basho

Povestea călugărițelor

Despre serviciul anterior la tribunal...

În jur este zăpadă adâncă.

XVI. compozitor Yoshinao Nakada „Sărbătoarea japoneză” (sol major)

haiku Issa

În țara mea natală

Flori de cireș

Și iarbă sălbatică!

XVII. compozitorul Yoshinao Nakada „Quick Etude” (do major)

Epigraf din basmul japonez „Taro leneșul”

Sună peste tot

Ud de lacrimile nevărsate

Stropind prin ramurile prunelor înflorite.

Sau este ploaie de primăvară?

Profesor: Terminăm lecția-concert. Participanții la eveniment speră că v-a plăcut interpretarea unei muzici atât de frumoase și a celui mai poetic haiku și v-au făcut să vă gândiți la valorile durabile ale vieții.

„Shiawase” - Fericire pentru tine!

„Oh isogashii tokoro” - vă mulțumim că ne-ați onorat cu prezența dumneavoastră, în ciuda programului dumneavoastră încărcat!

Referințe:

1. Piese de teatru pentru copii ale compozitorilor moderni japonezi (partituri) pentru pian. Editura „Music”, Leningrad, 1979, compilat de G. Mitchell.

2. „Sounds of the World” (partitură) numărul 9, 1982, numărul 12, 1985, numărul 9, 1986, piese pentru pian, M., compozitor sovietic, întocmit de A. Bakulov.

3. Tsvetov V. I „A cincisprezecea piatră a lui Ryoanji”, M., 1991.

4. Ovchinnikov V. În „The Sakura Branch Thirty Years Later” editura AST Astrel, 2001.

5. „Rouă pe o floare”. tercete japoneze. Editura Phoenix Rostov-on-Don 2000

6. Goreglyad V. N “ Cultura clasică Japonia." St. Petersburg, Petersburg Oriental Studies, 2006.

Miercuri, 5 februarie, compozitorul Mamoru Samuragochi, cunoscut drept „Beethovenul japonez”, a spus că altcineva i-a scris muzica în ultimii 18 ani. Acest autor a creat toate lucrările majore ale lui Beethoven, inclusiv Simfonia de la Hiroshima și Requiem-ul în memoria victimelor cutremurului și tsunami-ului din 2011. Înainte de aceasta, Samuragochi a spus că în 1999 și-a pierdut complet auzul și scrie muzică doar datorită „simțului său intern al sunetului”.

A doua zi, adevăratul autor al lucrărilor a susținut o conferință de presă. S-a dovedit a fi profesorul de muzică Takashi Niigaki, care nu numai că s-a declarat, dar l-a și acuzat pe „Beethovenul japonez” că este fals surd. Potrivit lui Niigaki, Samuragochi, care de obicei citea pe buze și comunica prin gesturi, uneori uita de sine și începea să se angajeze într-un dialog normal. Avocații lui Mamoru Samuragochi neagă acest lucru: se presupune că clientul lor are un certificat de handicap certificat de o comisie de stat. Compozitorul autoexpus nu ia legătura cu jurnaliştii - a făcut o mărturisire prin avocaţi, care notează că Samuragochi se află într-o stare extrem de deprimată şi nu este încă în stare să-şi ceară scuze ascultătorilor de unul singur.

Se pare că Samuragochi va trebui să-și ceară scuze întregii țări. Istoria operei sale ultimii ani- de fapt, istoria Japoniei, care a cunoscut o serie de războaie și dezastre naturale. „Hiroshima”, înregistrată de Orchestra Simfonică din Tokyo în 2011, a fost numită popular „Simfonia Speranței”. Înregistrările lucrărilor lui Samuragochi sunt vândute în cantități uriașe pentru muzica clasică; lucrările sale sunt cunoscute în întreaga lume. În 2013, canalul de televiziune NHK a realizat chiar și un film documentar „Melody of the Soul” despre călătoria lui Samuragochi în regiunea Tohoku afectată de accidentul Fukushima-1.

Viața lui Mamoru Samuragochi însuși este direct legată de unul dintre principalele dezastre din istoria Japoniei. Mama și tatăl lui sunt ambii hibakusha, victime ale bombardamentelor atomice de la Hiroshima și Nagasaki. Acești oameni din Japonia primesc toate beneficiile și beneficiile necesare, dar societatea încă îi evită până în prezent - hibakusha sunt reticente în a angaja și se căsătoresc mai ales între ei. Copiii din astfel de familii se nasc adesea cu dizabilități.

În copilărie, boala lui Samuragochi nu s-a manifestat în niciun fel. Potrivit site-ului oficial al companiei Samon Promotion, cu care a colaborat compozitorul, a început să învețe să cânte la pian la vârsta de patru ani. Până la vârsta de zece ani, mama lui a lucrat cu băiatul; apoi ea a decis că nu mai era „nimic de învățat pe fiul ei”, iar el a început să compună muzică. În adolescență, Samuragochi a început studiul independent al teoriei muzicii. După absolvire liceu a refuzat să se înscrie la o universitate de specialitate pentru că credea că nu acordă suficientă atenție muzicii clasice a secolului al XX-lea.

Compozitorul autodidact și-a dat seama că își pierde auzul când a împlinit șaptesprezece ani. Primele simptome de surditate au fost însoțite de dureri de cap severe, dar Samuragochi a continuat să studieze muzica. În 1988, i s-a oferit să devină vocalist într-o trupă rock, dar a refuzat, deoarece fratele său a murit tragic în același an.

Samuragochi a devenit faimă la sfârșitul anilor 1990 - se pare că atunci când îl angajase deja pe Niigaki. Compozitorul a devenit celebru în primul rând ca creator de coloane sonore pentru jocuri video populare - Resident Evil în 1996 și Onimusha în 1999. „Symphonic Suite of the Rising Sun” din jocul Onimusha a atras atenția nu numai jucătorilor, ci și iubitorilor de muzică clasică modernă asupra lucrării lui Samuragochi. După lansarea jocului, Samuragochi a spus publicului că în capul său, în timp ce lucra la lucrare, „era un vuiet constant, ca într-un cazan zgomotos”. El a subliniat că nu și-ar dori să fie un compozitor cu dizabilități ale cărui lucrări nu sunt criticate din milă. Prin urmare, și-a ascuns boala până când munca sa a fost apreciată separat de personalitatea sa.

Japonia a apreciat atât creativitatea, cât și personalitatea compozitorului. Porecla măgulitoare Samuragochi - „Beethovenul japonez” - a devenit larg răspândită în presă. Compozitorul a spus că, în ciuda zgomotelor constante în cap și a migrenelor, nu și-a pierdut absolutul ureche muzicală. De asemenea, nu a ascuns faptul că suferea de depresie nevrotică și nevroză de anxietate. Imagine tragică Apariția compozitorului a fost completată de înfățișarea sa - păr lung și negru, costume formale închise la culoare și întotdeauna ochelari de soare. Nu e de mirare că în 2000 a anunțat că renunță la toată muzica pe care a scris-o înainte să-și piardă auzul și să plece de la zero – o mișcare care se potrivea perfect cu imaginea lui mohorâtă. Prima lucrare pe care compozitorul a creat-o în „noua sa viață” a fost o simfonie despre o explozie nucleară.

În 2008, premiera Simfoniei nr. 1, Hiroshima, a fost interpretată de Orchestra Simfonică din Hiroshima. În același timp, orașul i-a oferit lui Samuragochi un premiu pentru contribuția sa la artă, care timpuri diferite Yoko Ono și designerul Issey Miyake au fost premiați. În 2011, această simfonie a fost înregistrată de Orchestra Simfonică din Tokyo, înregistrarea a vândut 100 de mii de discuri pentru muzică clasică.

În urma succesului unei lucrări despre o tragedie, Samuragochi a început să scrie muzică despre alta. După cutremur, tsunami și accident de la centrala nucleară Fukushima-1, el și echipa de filmare au călătorit la locurile dezastrelor. Mass-media occidentală descrie o fotografie emoționantă din film documentar: Un compozitor surd joacă cu o fată a cărei mamă a murit în accidentul de la Fukushima și decide să-i dedice un recviem. Apropo, el a dedicat și „Hiroshima” unei fetițe japoneze dintr-un centru pentru copii cu dizabilități, pe care l-a vizitat în 2000.

În timp ce Samuragochi a primit premii și a dat dedicații, angajatul său din 1996, Takashi Niigaki, a lucrat ca profesor cu jumătate de normă la Școala de Muzică Toho Gakuen. În plus, a scris toate lucrările publicate sub numele compozitor celebru fără a spune nimănui despre asta. Potrivit lui Niigaki, el a început să-și facă griji cu mult timp în urmă că a fost complice la escrocherie. În timp ce conștiința autorului secret îl chinuia, Samuragochi a continuat să-l plătească în mod regulat pentru munca sa. În doar 18 ani de colaborare, compozitorul surd și-a plătit colegului său aproximativ 7 milioane de yeni (69.000 de dolari). Niigaki a fost tentat să-și părăsească activitățile secrete, dar „angajatorul” său a spus că într-un astfel de caz se va sinucide.

Destul de ciudat, Jocurile Olimpice de la Soci l-au ajutat pe Niigaki să iasă din umbră. Compozitorul a aflat că Japonia va fi reprezentată la Jocurile Olimpice de iarnă de medaliatul olimpic cu bronz de la Vancouver și campionul mondial de patinaj artistic Daisuke Takahashi. Sportivul va trebui să patineze pe muzica scrisă de Samuragochi. Niigaki a decis că trebuie să se deschidă acum. „Nu puteam suporta gândul că întreaga lume îl va vedea pe Takahashi ca un complice al fraudei noastre”, a spus el la o conferință de presă pe care a susținut-o joi. În aceeași zi, 6 februarie, în presa japoneză a apărut un interviu detaliat cu Niigaki.

Aparent, Samuragochi a aflat că adevăratul autor al „Hiroshima” a vorbit cu jurnaliştii şi, dintr-un motiv oarecare, a decis să înainteze mărturisirea lui. Declarația urgentă, făcută prin avocați cu o zi înainte de apariția ziarului, pare a fi fapta unei persoane disperate. „Samuragochi îi pare foarte rău că și-a trădat fanii și i-a dezamăgit pe toți ceilalți. El înțelege că nu există nicio justificare pentru ceea ce s-a făcut”, au anunțat avocații pe 5 februarie. Cu toate acestea, numele lui Niigaki nu a fost niciodată menționat în această mărturisire grăbită.

Chiar a decis Niigaki să vorbească despre escrocheria de 18 ani de la dragoste curată la patinaj artistic în general și Daisuke Takahashi în special este necunoscut. Este foarte posibil ca șapte milioane de yeni, în absența completă a faimei, să nu fi fost de ajuns pentru umilul profesor de muzică. Samuragochi nu a comentat încă despre performanța fostului său „coleg”.

Între timp, membrii industriei muzicale japoneze au început să boicoteze Samuragochi. Compania de discuri Nippon Columbia intenționează să nu mai vândă discuri ale muzicii sale, orchestrele de top îi scot lucrările din repertoriu și anulează concertele viitoare; Orchestra Simfonică a Insulei Kyushu a anunțat chiar că intenționează să dea în judecată pentru a compensa ascultătorii pentru biletele la toate concertele cu muzica lui Samuragochi. Autoritățile din Hiroshima îl vor priva pe „Beethoven” de premiul acordat în 2008. Se pare că acum nimeni nu ține cont de nevroza și depresia compozitorului. De când surditatea lui Samuragochi a fost pusă sub semnul întrebării, stare mentală fost erou national nimănui nu-i mai pasă.

Patinatorul artistic Takahashi, care a provocat fără să știe un scandal în lumea muzicii, a spus că va interpreta în continuare un singur program scurt pentru „Sonatino pentru vioară”, scris în urmă cu doi ani. Atlet în declarație oficială a subliniat că pur și simplu nu are timp să pregătească un alt program - turneul personal masculin va avea loc pe 13 februarie. El și-a exprimat speranța că mărturisiunile făcute de ambii compozitori nu vor interfera cu prestația sa la Olimpiada.

„Sonatino pentru vioară”, care va fi interpretat în curând la Soci, ar putea deveni un recviem pentru întreaga operă a „Beethoven japonez” dezmințit sau un început zgomotos al carierei muzicale oficiale a lui Niigaki, în vârstă de 43 de ani. Dar, din păcate, frumosul gest nu va funcționa de data aceasta - autorul compoziției „Sonatino pentru vioară” nu este listat în profilul lui Takahashi pe site-ul Uniunii Internaționale de Patinaj.

Printre aceste melodii există o melodie pentru orice stare de spirit: romantică, pozitivă sau tristă, pentru a te relaxa și a nu te gândi la nimic sau, dimpotrivă, pentru a-ți aduna gândurile.

twitter.com/ludovicoeinaud

Compozitorul și pianistul italian lucrează în direcția minimalismului, apelează adesea la muzica ambientală și combină cu pricepere muzica clasică cu altele. stiluri muzicale. Este cunoscut unui cerc larg pentru compozițiile sale atmosferice care au devenit coloane sonore pentru filme. De exemplu, probabil că recunoașteți muzica din filmul francez „1 + 1”, scris de Einaudi.

themagger.net

Sticla este una dintre cele mai controversate personalități din lumea clasicilor moderni, care este fie lăudată până la cer, fie criticată până la sfârșit. Cântă în propria sa trupă, Philip Glass Ensemble, timp de o jumătate de secol și a scris muzică pentru peste 50 de filme, printre care The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life și Fantastic Four. Melodiile compozitorului minimalist american estompează linia dintre muzica clasică și cea populară.

latimes.com

Autor a numeroase coloane sonore, cel mai bun compozitor de film din 2008 conform Academiei Europene de Film și post-minimalist. A cucerit criticii cu primul său album Memoryhouse, în care muzica lui Richter a fost suprapusă lecturilor de poezie, iar albumele ulterioare au folosit și proză literară. Pe lângă scrisul propriilor compoziții ambientale, el aranjează lucrări de clasice: „Anotimpurile” de Vivaldi în aranjamentul său a ajuns în fruntea topurilor de muzică clasică iTunes.

Acest creator muzica instrumentala din Italia nu este asociat cu cinematograful senzațional, dar este deja cunoscut ca compozitor, virtuoz și profesor de pian cu experiență. Dacă descrii muzica lui Marradi în două cuvinte, acestea ar fi „senzuale” și „magice”. Creațiile și copertele sale vor atrage cei care iubesc clasicele retro: notele secolului trecut sunt evidente în motive.

twitter.com/coslive

Celebrul compozitor de film a creat acompaniament muzical pentru multe filme de box-office și desene animate, inclusiv „Gladiator”, „Pearl Harbor”, „Inception”, „Sherlock Holmes”, „Interstellar”, „Madagascar”, „The Lion King”. Steaua lui se află pe Hollywood Walk of Fame, iar pe raftul lui se află Oscarurile, Grammy-urile și Globurile de Aur. Muzica lui Zimmer este la fel de variată ca aceste filme, dar indiferent de ton, atinge stringurile inimii.

musicaludi.fr

Hisaishi este unul dintre cei mai cunoscuți compozitori japonezi, care a primit patru premii ale Academiei de Film japoneze pentru cea mai buna muzica la film. A devenit celebru pentru că a compus coloana sonoră pentru anime-ul lui Hayao Miyazaki, Nausicaä of the Valley of the Wind. Dacă ești fan al lucrărilor Studio Ghibli sau al filmelor lui Takeshi Kitano, atunci probabil că admiri muzica lui Hisaishi. Este în mare parte lumină și lumină.

twitter.com/theipaper

Acest multiinstrumentist islandez este doar un băiat în comparație cu maeștrii enumerați, dar până la vârsta de 30 de ani devenise un neoclasicist recunoscut. A înregistrat acompaniamentul pentru un balet, a primit un premiu BAFTA pentru coloana sonoră a serialului britanic „Murder on the Beach” și a lansat 10 albume de studio. Muzica lui Arnalds amintește de un vânt aspru pe malul mării pustiu.

yiruma.manifo.com

Cel mai mult lucrări celebre Lee Ru Ma - Sărută ploaia și râul curge în tine. Compozitorul și pianistul coreean New Age scrie clasice populare care sunt pe înțelesul ascultătorilor de pe orice continent, cu orice gust muzical si educatie. Melodiile sale ușoare și senzuale au devenit începutul iubirii pentru muzica de pian pentru mulți.

Dustin O'Halloran

fracturedair.com

Compozitorul american este interesant pentru că nu are educație muzicală, dar în același timp scrie cea mai plăcută și destul de populară muzică. Melodiile lui O'Halloran au fost folosite în Top Gear și în mai multe filme. Poate cel mai de succes album de coloană sonoră a fost pentru melodrama „Like Crazy”. Acest compozitor și pianist știe multe despre arta dirijorului și cum să creeze muzica electronica. Dar domeniul lui principal este clasice moderne. Cacciapaglia a înregistrat numeroase albume, trei dintre ele cu Royal Philharmonic Orchestra. Muzica lui curge ca apa, este o modalitate grozavă de a te relaxa cu ea.

Ce alți compozitori contemporani merită ascultați?

Dacă vă place epicul, adăugați în lista dvs. de redare Klaus Badelt, care a lucrat la Pirates with Zimmer. Marea Caraibelor" De asemenea, nu puteți rata Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore și John Williams - trebuie să scrieți un articol separat pentru a enumera toate lucrările, meritele și premiile lor.

Pentru un neoclasicism mai gustos, consultați Nils Frahm și Sylvain Chauveau.

Dacă nu vă săturați, amintiți-vă de creatorul coloanei sonore pentru „Amelie” Yann Tiersen sau descoperiți-l pe compozitorul japonez Temmon: el scrie melodii aerisite, de basm.

Ce muzică de compozitori vă place și care nu? Pe cine altcineva ai mai adauga la aceasta lista?