Что такое символизм в живописи. Краткие описания картин

Символизм - идеалистическое литературно-художественное направление в искусстве второй половины XIX в. Сам термин «символизм» идет от греческого слова simbolon - знак. В этом необычном искусстве выразилось разочарование части европейской интеллигенции в современной действительности, страх перед миром шагающей вперед науки и техники, где нет места духовным идеалам ушедших эпох. Эти настроения вылились в полную пессимизма и ностальгических обращений к прошлому живопись художников-символистов.

Идеи и принципы символизма были провозглашены французским поэтом Шарлем Бодлером, считавшим, что реальность в искусстве должна выражаться посредством символов. По теории Бодлера художественные средства (краски, линии и т. п.), применяемые живописцами, - условные знаки, с помощью которых мастер может передать свои мысли, чувства и настроения. Символизм в изобразительном искусстве опирался на литературный и живописный романтизм (особенно немецкий с его страстью ко всему таинственному и мистическому).

Художественные средства символисты заимствовали из официального, академического искусства (строгость композиционного построения, четкость линий) или модерна (плоскостная композиция, декоративность, изощренность контуров, выгтянутость фигур).

Близка символизму мечтательная живопись романтиков Ф. О. Рунге и К. Д. Фридриха, искусство прерафаэлитов, графика О. Бёрдсли.

Символизм во Франции, очень разнообразным по формам выражения, представлен в утонченных произведениях Г. Моро,
в мистической живописи и графике О. Редона, в гармоничных и спокойных композициях П. Пюви де Шаванна, в пронизанных чувствами любви и дружбы работах Э. Каррьера.

Крупнейшими художниками-символистами были: в Германии - М. Клингер, в Швейцарии - А. Бёклин и Ф. Ходлер, в Бельгии - Дж. Энсор, в Голландии - Я. Тоороп.

Гюстав Моро

Французский художник Гюстав Моро родился в 1826 г. В его раннем творчестве заметно влияние таких художников, как Т. Шассерио, Ж. О. Д. Энгр, Э. Делакруа. В 1857-1859 гг. художник посетил Италию, где большое впечатление на него произвело искусство мастеров болонской школы. Моро подолгу копировал произведения итальянских художников, что не могло в какой-то мере не отразиться на его стиле. В то же время яркий колорит картин Моро, глубокий драматизм и живость образов идут от искусства Т. Шассерио и Э. Делакруа, а изысканность линий и ясность композиционного строя - от живописи Ж. О. Д. Энгра.

Моро использовал для своих картин мифологические и библейские сюжеты (акварель «Ночь»; «Гесиод и Муза», 1891). Нередко в его живописи появляются необычные образы, навеянные античными легендами или восточными сказаниями («Химеры», 1884).

С начала 1850-х гг. Моро постоянно выставляет картины в Салоне, но популярность приходит к нему лишь в 1860-е гг., после возвращения из Италии. Публика быта в восторге от показанных в Салоне в 18 64 и 1865 гг. композиций Моро «Эдип и Сфинкс», «Юноша и смерть» и «Язон и Медея».

«Эдип и Сфинкс» - одна из самых интересных работ Моро. Сюжет для картины художник заимствовал у Энгра, написавшего полотно с таким же названием. В то же время Моро трактует эту тему несколько по-иному. Если в произведении Энгра зритель видит полную динамики борьбу человека с фантастическим чудовищем, то в композиции Моро герой как будто сливается со Сфинксом в любовном объятии. Истолковать это произведение можно по-разному. Возможно, при создании картины художник хотел показать борьбу человека с собственными темными инстинктами или пытался разгадать какую-то загадку природы. А может быть, ее центральная мысль - это неотвратимость смерти, которой не могут противостоять ни слава, ни власть, ни богатство. Ну и конечно же, в композиции Моро нашла отражение тема борьбы добра и зла, которое олицетворяет женщина-сфинкс, лицо которой привлекает взгляд зрителя своей порочной красотой. Позднее эта идея в творчестве художников-экспрессионистов будет воплощена в образе роковой женщины.

Во второй половине 1870-х гг. живопись Моро становится несколько иной. Теперь его художественная манера более свободна, чем прежде. Композиционным строй усложняется, а цветовая гамма насыщается новыми оттенками. К мифологическим персонажам в картинах присоединяются образы, созданные фантазией художника.

Работы Моро этого периода отличаются тщательной проработкой деталей, богатством и звучностью колорита. Так же красочны и акварели, выразительность которых подчеркивается эффектами света и тени («Мертвым поэт и Кентавр»). Герои произведений Моро неподвижны и молчаливы, кажется, что они спят или погружены в транс. Персонажи картин не живут своей жизнью, они лишь дополняют таинственный и странный пейзаж, похожий на яркое декоративное панно, узоры для которого художник брал из журналов, книг и альбомов по орнаментальному искусству.

В таком ключе исполнена и известная картина Моро «Единороги» (ок. 1885), написанная по мотивам шпалеры 15 столетия. Глядя на это полотно, зритель наблюдает как будто растворяющиеся в пейзажном фоне фигуры женщин и необычных животных. Природа, окружающая людей и единорогов, - это красочный, изысканный орнамент, при создании которого Моро использовал иллюстрации из ежегодного издания «Magasin pittoresque» и двухтомника «Неизданные французские памятники».

Так же фантастичен и подводный мир морских растений и животных в картине «Галатея» (1880), изображающей чувственно-красивую женщцну-нереиду в глубинах моря.

Палитра художника богата разнообразными оттенками. Нередко мерцающие краски его композиций вызывают чувство тревоги, необъяснимого беспокойства. Такое ощущение создает сияющая золотом цветовая гамма картины «Танец Саломеи» (1876).

Иногда Моро использует в одной картине мотивы из разных мифологических контекстов. Например, в композиции «Орфей» (1865) он изобразил юную фракийскую девушку, печально глядящую на лиру с мертвой головой Орфея. Фантазия художника помещает героев в самые разные ситуации: его прекрасная Елена печально стоит над развалинами Трои или парит над миром мертвых и живых.

Среди работ Моро несколько картин, посвященных танцующей Саломее. В полотне «Явление» (ок. 1875) перед кружащейся в танце девушкой появляется отрубленная голова Иоанна Крестителя. Яркое сияние, исходящее от нее, символизирует конечное торжество добра и справедливости. Древний миф и фантазия автора переплетаются во многих произведениях Моро («Пери», 1865).

Одним из самых значительных произведений Моро стала большая композиция «Юпитер и Семела» (1894-1895). В основу картины положен древнеримский миф. Ревнивая жена Юпитера, Юнона, уговорила Семелу, ожидавшую от него ребенка, попросить бога показаться ей в своем настоящем обличье. Юпитеру, поклявшемуся ранее выполнить любое желание Семелы, пришлось исполнить просьбу своей возлюбленной. Он появился перед ней, сверкая молниями, убившими Семелу. Перед смертью она родила ребенка, ставшего богом виноделия Бахусом (у греков - Дионис).

В своей картине Моро придает античному мифу мистическое звучание, изобразив под троном Юпитера, скорбящего над телом возлюбленной, страшным чудовищ, символизирующих ночной мрак. У подножия трона сидит печальным Фавн (в греческой мифологии - Пан), воплощающий мощь земли, а также мрачные фигуры, олицетворяющие Страдание и Смерть.

Произведения Моро многозначны и недосказанны, кажется, что в них присутствует какая-то тайна, которую автор скрыл от зрителя. Фантазия художника, рождающая странные фигуры, сливающиеся с декоративным орнаментом фона, делает его композиции мрачными и пугающими.

Перед созданием своих живописным композиций Моро почти всегда делал карандашные наброски, зарисовки, масляные или акварельные эскизы. Его акварели, изображающие мрачные замки, величественные скалы, экзотические цветы и растения, поражают свободой исполнения, живостью и звучностью красок.

Акварель занимала важное место в творчестве Моро. Художник использовал ее не только для предварительных: набросков, но и для законченных, больших композиций. В этих произведениях ему удавалось передать блеск драгоценностей, фактуру тканей, самые тонкие световые и цветовые рефлексы. Фигуры на акварелях кажутся удивительно воздушными и невесомыми, пейзажи - радужными и сияющими.

В последние годы жизни художник полностью погрузился в мир фантазии. Он редко выходил из дома и занимался
тем, что по многу раз переписывал свои работы, вводя в уже законченные композиции новые детали и образы.

Умер Моро в 1898 г. Его искусство оказало большое влияние на французских художников. Из мастерской Моро вышли символист О. Редон, фовисты А. Матисс и А. Марке. Таинственными картинами и акварелями Моро восхищались художники-сюрреалисты.

Пьер Пюви де Шаванн

Французский художник Пьер Пюви де Шаванн родился в 1824 г. в Лионе в обеспеченной семье горного инженера. Как и его отец, Пюви де Шаванн собирался посвятить свою жизнь естественным наукам. Поездки в Италию в 1847 и 1848 гг. круто изменили его жизнь. Вернувшись на родину, Пюви де Шаванн увлекся живописью. Он учился сначала у А. Шеффера, затем - у Э. Делакруа, а позднее у Т. Кутюра и Т. Шассерио.

Хотя в 1850 г. Пюви де Шаванн выставил свои картины в Салоне, позднее, вплоть до 1859 г., жюри Салона отказывалось принимать его работы.

В 1854 г. Пюви де Шаванн расписывал стены дома своего брата («Времена года», «Возвращение блудного сына»). В 1861 г. он получил в Салоне медаль за монументальные композиции «Война» и «Мир», которые принесли художнику известность.

Большой интерес представляют две картины, созданные Пюви де Шаванном в годы франко-прусской войны - «Воздушным шар» (1870) и «Почтовый голубь» (1871). В основу произведений были положены реальные события: в то время голуби и воздушные шары были единственным средством связи осажденного Парижа с внешним миром. Несмотря на реальность сюжета, художник создает явно аллегорические произведения. В обеих картинах центральное место занимает фигура женщины в черном платье. Соотечественники увидели в этом образе олицетворение Парижа, сопротивляющегося прусским захватчикам, символом которым стал орел, угрожающий маленькому голубю в композиции «Почтовым голубь».

Символична и луврская картина «Надежда», написанная Пюви де Шаванном в 1871 г. Годом позднее художник выполнил второй вариант этого произведения, ныше хранящийся в галерее Уолтерса в Балтиморе. На полотне изображена юная девушка, сидящая на камнях. В ее руке - оливковая ветвь - символ мира. Пейзаж за спиной девушки уныл и мрачен. Ее окружают развалины и могильные памятники, среди которым кое-где пробиваются скромные цветы, возвещающие приближение весны и возрождение новой жизни.

Эта сентиментальная композиция была с интересом встречена соотечественниками художника, которые увидели в ней надежду на будущее процветание их родины.

Как и другие художники-символисты, Пюви де Шаванн обращается к мотиву смерти. Ярким примером этого стала картина «Девушки и смерть» («Жнец)», написанная в 1872 г. На полотне изображена стайка веселых девушек, собирающих цветы или танцующих. И лишь одна из них печальна, словно увидела притаившуюся в скошенной траве
Смерть с косой. Картину пронизывает мысль о скоротечности земного бытия и недолговечности счастья.

Важное место в творчестве Пюви де Шаванна занимают монументальные работы. В 1869 г. он пишет две композиции для
дворца Лоншан в Марселе - «Марсель - врата на Восток» и «Массилия - греческая колония».

В 1870-е гг. художник создает монументальное полотно на исторический сюжет для ратуши в Пуатье и цикл картин для парижского Пантеона, представляющих эпизоды из жизнеописания Св. Женевьевы. В этих работах Пюви де Шаванн использует традиции фресковой живописи Раннего Возрождения. Эти произведения мастера отличаются ясностью форм и гармоничностью цветовой гаммы. Тональность своих работ художник старается соотнести с цветом стены, на которой они будут располагаться его картины. Композиционный строй этих панно он также подчиняет плоскости стены.

Стремясь передать в своей живописи гармонию окружающего мира, Пюви де Шаванн обращается к искусству античности. Человеческие фигуры на картинах статичны, они как будто погружены в собственные мысли и сливаются с природой в единое целое. Ярким примером этого является декоративная композиция «Видение античности. Символ формы» (ок. 1887-1890). Художник обращается к золотому веку человечества, той эпохе, когда люди жили в согласии друг с другом и окружающим их миром животных и растений. Золотой век - это удивительно прекрасное царство разума, добра и справедливости. В нем нет места злобе, жестокости, отрицательным эмоциям. Ощущение покоя и тишины передают в картине выдержанная в спокойных и светлых оттенках цветовая гамма, величественный пейзаж, совершенные фигуры людей. В «Видении античности» нет никакого действия: герои кажутся неподвижными, они любуются красотой природы или мечтают.

В такой же манере исполнено декоративное панно «Священная роща, возлюбленная искусствами и музами» (1884-1889), предназначенное для лионского Дворца искусств. Основная мысль этой композиции - неразрывная связь наук и искусств. Центральное место в картине занимают аллегорические фигуры, олицетворяющие Живопись, Архитектуру, Скульптуру. Рядом стоят музы - Полигимния, Клио, Каллиопа. Недалеко от них, на берегу - Талия и Терпсихора, кружащаяся в танце. В воздухе застыти Эвтерпа и Эрато. Погружены в собственные мысли Мельпомена и Урания, сидящие у озера. Все в картине кажется застывшим: в Священной роще нет действия, отсутствует и время. Неподвижны не только музы, но и природа, окружающая их. Спокойна гладкая поверхность озера, не шелохнется ни один листочек на дереве. Все погружено в тишину: искусство и наука не терпят суеты и шума. Музы и лицом и фигурой похожи одна на другую (вероятно, Пюви де Шаванн писал их с одной модели).

В таком же ключе написаны и другие монументальные композиции художника (декоративные росписи для ратуши в Париже и панно для Публичной библиотеки в Бостоне).

Тема союза наук и искусств была продолжена в панно, получившем название «Между искусством и природой» (1888-1891), предназначенном для музея в Руане. Создавая картину, художник отказался от стилизации античности, свойственной «Священной роще». На полотне изображены одетые в современные одежды люди, занимающиеся живописью, археологическими раскопками, изготовлением керамики, или просто любующиеся природой, в которой зритель может узнать реальным французский пейзаж - холм Босенкур, с которого открывается прекрасным вид на Сену.

Интересно полотно Пюви де Шаванна «Бедным рыбак» (1881), вызвавшее множество споров среди современников художника. Герои картины кажутся разобщенными, как будто ничто не связывает их. Худой рыбак погружен в свои мрачные мысли, его дочь беззаботно собирает цветы на берегу, а крошечный ребенок, одинокий и беспомощный, лежит среди прибрежной травы. Печалью и одиночеством веет от унылого пейзажа: пустынного берега и гладкой речной поверхности. Ландшафт играет в полотне значительную роль - если поза рыбака сдержанно передает его эмоции, то картина природы полностью раскрывает владеющие человеком чувства и тягостные мысли.

Нередко живопись Пюви де Шаванна кажется непонятной и загадочной. Такова его известная картина «Девушки у моря» (1879). Образам девушек, расположившихся на берегу моря, свойственна многозначность: зрители и искусствоведы гадают, кого же изобразил художник - своих современниц, купающихся в море, прекрасных греческих богинь или морских сирен, заманивающих сладкозвучным пением простодушных моряков. Светлые, почти прозрачные
тела девушек, их контуры, как будто растворяющиеся в пейзажном фоне, делают изображение похожим на зыбкий и трепетный мираж.

Полна символики картина «Сон» (1883), навеянная старинной легендой. Сюжет композиции таков: к уснувшему страннику явились Богатство с золотыми монетами, Слава с лавровым венком, Любовь с лепестками роз. Герой должен сделать свой выбор, но он, погруженным в глубокий сон, бездействует. Так проблему выбора решает большинство художников-символистов. Состояние сна, отрешенности от действительности в их картинах является воплощением мечты об утраченных идеалах прошлого.

Пюви де Шаванн скончался в Париже в 1898 г.

Одилон Редон

Французский художник, живописец, рисовальщик и гравер Одилон Редон родился в 1840 г. Он обучался архитектуре в Париже (курса не окончил), затем в Бордо посещал Школу скульптуры, а в начале 1860-х гг. занимался в парижской мастерской Жерома. Его художественным стиль сформировался под влиянием искусства Леонардо да Винчи, Э. Делакруа, Ф. Гойи.

Большую роль в формировании творческого метода Редона сыграло знакомство с Арманом Клаво, ботаником по профессии. Клаво, имевший огромную библиотеку, познакомил молодого художника с произведениями Г. Флобера, Ш. Бодлера, Э. По, с немецкими философскими системами, индийской поэзией, а главное - с удивительным и прекрасным миром растений.

В 1863 г. произошло знакомство Редона с гравером Родольфом Бреденом, создававшим маленькие, напоминающие миниатюры, офорты с изображениями деревьев, фантастических растений, экзотических цветов и человеческих фигур. Эти наполненные мистицизмом произведения Бредена так увлекли Редона, что он поступил в мастерскую гравера и освоил под руководством своего учителя технику гравюры на металле и литографии.

В эти годы Редон пишет углем и занимается черно-белой литографией. В 1870-е гг. он посетил Голландию, где изучал творчество великого Рембрандта. В 1878 г., вернувшись во Францию, он предстает зрелым мастером, имеющим свой собственный, неповторимый художественным стиль.

В 1880-х гг. Редон создает несколько литографических альбомов («В мечте», 1879; «Эдгару По», 1882; «Истоки», 1883; «Памяти Гойи», 1885; «Ночь», 1886; «Гюставу Флоберу», 1889; «Цветы зла», 1890; «Сновидения», 1891). Художник не стремится передать реальную действительность, поэтому он почти не использует цвет, главное средство выразительности для него - линия, свет и тень.

Персонажи, наполняющие работы Редона, характерны для искусства символистов: скелеты, страшные демоны, падшие ангелы и очаровательные женщины. Вместе с ними в произведениях художника живут странные образы, рожденные его воображением. Это удивительное растение с человеческой головой или глазом, игрок, на плечах которого лежит огромная игральная кость - символ пагубной страсти, призрачно-бледные фантомы, чудовищные животные и цветы («Болотный цветок»). Наиболее часто встречающиеся в творчестве Редона символы - свет, глаз, человеческая голова как воплощение души, растение - знак жизни («Профиль света», 1881-1886; «Глаз с цветком мака», 1892).

Очень часто причудливая фантазия в произведениях Редона переплетается с реальностью (литография «Улыбающийся паук», 1881). Многие образы, несмотря на их странный или устрашающий вид, кажутся удивительно живыми.

При выполнении своих рисунков и литографий Редон часто обращался к библейским и мифологическим сюжетам, которые
могли соединяться в одном произведении. Например при создании рисунка «Голова мученика» (ок. 1894) художник использовал миф о смерти Орфея и евангельский мотив об Иоанне Крестителе.

Отрубленная голова пророка в этом произведении является символом бессмертия человеческой души, а также жертвенности.

Ярким примером объединения разных мотивов стал рисунок «Ворон» (1882), навеянный старинными легендами и стихотворением Эдгара По. В литографии «Книжник» (1892) образ гравера Бредена напоминает доктора Фауста.

Очень часто Редон заменял названия своих литографий краткими подписями, которые не всегда разъясняли, что хотел показать художник. Эти странные подписи: «Под крылом тени черное существо совершило тайный укус», «Стена открывается, и появляется череп», «Глаз, подобно странному шару, поднимается в бесконечность» заставляют зрителя бесконечно долго разгадывать тайну, рожденную изощренной фантазией автора.

Образ мирового зла преобладает в произведениях Редона, но в то же время во многих его графических работах, исполненных в конце XIX в., встречаются светлые фигуры молодых женщин, детей, стариков. Есть в них и образы, навеянные прекрасной музыкой Вагнера. Их одухотворенность и чистота передается художником с помощью утонченных и изящных линий, ярких потоков света.

Творчество Редона долго не имело успеха у современников. Его выставки в 1881 и в 1882 гг. прошли
незамеченными. Слава к художнику пришла только после выставки, организованной в 1886 г. «Обще-
ством двадцати», объединением, в которое кроме Редона вошли такие известные мастера, как В. Ван Гог, П. Гоген, Ж. Сёра, Дж. Энсор, Дж. Уистлер, Я. Тоороп, Л. Анкетен.

В технике черно-белой графики выполнены в начале XX в. портреты друзей Редона - художников П. Серюзье, П. Боннара, Э. Вюйара, М. Дени. В этот период Редон начинает писать пастелью и маслом. Он расписывает стены монастырей и особняков, выполняет картоны для гобеленов. Хотя в его творчестве большое место по-прежнему занимают мотивы мирового зла, во многих картинах появляются образы, не свойственные его ранним произведениям: погруженный в самосозерцание Будда, страдающий Иисус Христос, погибший Орфей и рождающаяся из морской пены Венера.

В живописи Редона присутствует свойственная творчеству большинства символистов отстраненность человека от окружающей его действительности. В картине «Закрытые глаза» (1890) молодая женщина, словно в воду, погружена в собственные мысли. Негромкая цветовая гамма сближает это произведение Редона с его графикой.

Та же отрешенность от жизни присутствует и в пастельной работе мастера «Размышление» (1893). Художник изобразил на фоне блекло-серой, пустынной земли задумавшегося о чем-то человека. Ярко-синее небо над его головой символизирует глубину и напряженность мысли героя.

Так же молчалив и далек от всего земного персонаж в картине «Будда» (ок. 1905). Ощущение отчуждения от реальности погруженного в нирвану Будды усиливает похожий на мираж призрачный пейзаж.

В 1895-1899 гг. материальные проблемы в жизни Редона, а также затянувшаяся болезнь привели к творческому кризису. Пытаясь найти выход, он обращается к религиозной тематике. К этому времени относится цикл литографий «Искушение», где образ Христа является олицетворением света и добра. Эта борьба со злом присутствуют в пастели «Христос святого сердца» (ок. 1895). Фигура Христа окружена ярким золотым сиянием, контрастирующим с угольно-черными красками фона.

Интересны пейзажи Редона с красной лодкой. Лодка, корабль для христиан - символ человеческой души. В своих первых работах с этой тематикой художник делает акцент на людях, сидящих в лодке. В дальнейшем человеческие фигуры становятся меньше - теперь все свое внимание художник сосредоточивает на лодке и море («Красная лодка», 1900). Изображение морской стихии, которая привлекала многих художников-романтиков, у Редона наполняется символическим смыслом. Огромные волны, угрожающие маленькому суденышку, темные тучи, несущие грозу - это сама жизнь, полная трудностей и опасностей.

В живописи Редона 1900-1910-х гг. преобладают изображения женщин среди цветов и яркие, разнообразные букеты. В этих картинах художник придает реальному миру фантастические черты, и помогает ему в этом тонкое чувство цвета. В гамме звучных, праздничных оттенков исполнены полотна с образами женщин («Женщина среди цветов», 1909-1910; «Мечта», ок. 1912; «Профиль женщины в окне»), с экзотическими цветами, причудливыми раковинами и яркими бабочками («Раковина», 1912; «Красный сфинкс», 1910-1912; «Красная сфера», 1910, частное собрание).

Во многих картинах Редона появляются те же фантастические образы, что присутствовали в его графике («Зеленая смерть», 1905-1910; «Человек со змеей», ок. 1907).

Миф о Циклопе и Галатее превращается у художника в красочную, фантастическую картину: одноглазое чудовище кажется огромным на фоне лазурного неба, а крошечная фигурка нимфы теряется в ярком орнаменте пейзажа («Циклоп», 1898).

Большую роль в живописи Редона играет свет. Он наполняет краски, которые переливаются и играют, словно драгоценные камни. Цвета предметов далеки от естественных красок природы, для художника цвет - такой же символ, как и образы его черно-белой графики.

По примеру М. Дени и П. Серюзье в 1890-е гг. Редон начинает заниматься прикладным искусством. К этому времени относятся созданные им панно для замка Домси в Бургундии, картоны для ковров и декоративные ширмы.

Умер Редон в 1916 г. Его искусство, полное мистических образов и странных фантазий, оказало большое влияние на художников-сюрреалистов.

Поэтические грезы, мрачные и тягостные видения, страшные маски, жуткие скелеты в живописи символистов в XX в. привлекли внимание сюрреалистов, продолживших творческие искания своих предшественников.

В конце XIX в. различные художественные направления могли смешиваться между собой и взаимодействовать друг с другом. Постимпрессионисты и символисты нередко брали выразительные средства для своих произведений у модерна. От символизма идет и некоторая таинственность в живописи многих представителей постимпрессионизма.

Одно из многочисленных направлений искусства, зарожденное во Франции и набравшее обороты в конце девятнадцатого века во всем мире, получило название «символизм». Что такое, каковы особенности этого стиля и чем он привлекает творческих личностей - попробуем разобрать дальше.

История возникновения

Ошибочно полагать, что символизм как направление в эстетике начал свое существование только к началу двадцатого века. Скорее наоборот, это один из древнейших стилей изображения, получивший достойное оформление только к этому времени. Обоснование данного утверждения берет свое начало с происхождения названия - «символизм» - от слова «символика» - использование иносказательных выражений, аллегорических иллюстраций и символов. Эти категории встречаются в искусстве с древнейших времен. Очень часто они употреблялись в религиозных целях, где все каноны имеют свою символичность и очень зависимы от восприятия конкретного человека, и передавали таким способом представления отдельных людей.

К концу девятнадцатого века символизм в искусстве обрел свою нынешнюю форму, и наибольшее проявление показал в России. Таким образом художники, поэты и музыканты выражали свое видение глубочайших проблем общества, протесты. Прямо говорить об этом было нельзя - грозило строгое наказание, поэтому именно передача мыслей через аллегории и символы стала наиболее доступным способом нахождения единомышленников.

Отличительные черты символизма

Использование символов в искусстве подразумевает собой воплощение и передачу мыслей, чувств и идей в общепринятой человеческой форме. Это течение развивается как противопоставление реализму и импрессионизму, выходивших на первый уровень в искусстве девятнадцатого-двадцатого веков.

Общими чертами, проявляющимися во всех видах искусства, для символизма являются загадочность, аллегория и глубокий внутренний смысл. Это исходит из самого понятия «символ» (знак) - его значение неоднозначно, и он может передавать своей сущностью абсолютно противоположные мысли, в то время как образ, использующийся в создании произведений до символики, - понятие единичное.

Идеи символизма и его эстетика

Символизм в живописи, театре, литературе и музыке подчинялся общим законам, передавал определенную идею, поскольку это направление в искусстве нельзя охарактеризовать конкретными чертами, как остальные виды. Шарль Бодлер (французский поэт) настаивал, что именно в живописи больше всего проявляется символизм - и этому способствовали основные моменты полотен - цвета, линии, сюжет. Все могло служить тонким намеком.

Эстетическим принципам этого течения дал начало романтизм, а также частичную долю вложили идеалистические теории великих мыслителей того времени - Шопенгауэра, Гартмана, Ницше - в результате и обрел свою нынешнюю форму символизм. Что такое необычное переняли его последователи у философов? Работы философов повлияли на осознание символистами того, что за видимым миром вещей существует и реальный, истинный мир, который только отражается через предметы. Из их работ, а также из принципов романтизма вытекал мир символизма - мир грез и видений.

Идеальным инструментом для сокрытия или же, наоборот, для передачи сокровенного - мыслей, чувств - стал символ. Таким способом происходит обращение символизма к духовной сфере. Так, последователи символизма радикальным образом изменили не только отдельные черты искусств, но и само отношение к ним.

Символизм в музыке

По мнению большинства последователей, символизм в искусстве наибольшее проявление получил в музыкальной сфере. Именно звуковое воспроизведение мыслей наиболее аллегорично и позволяет прочувствовать духовный мир создателя. Кроме того, слушатель способен вкладывать свои впечатления и собственный смысл в музыкальные гаммы.

Ярким представителем символизма стал известный композитор переходного периода - Скрябин. В его произведениях «читаются» порывы совмещения тонкого мира переживаний человеческой души и грандиозные порывы реальности. Основной мыслью его творчества стала божественная сущность творчества как кратчайшая дорога к простому человеческому счастью.

Живопись в стиле символизма

В живописи особенности символизма легко угадываются по чувствам, изображенным на картинах. Так, в этих полотнах практически невозможно обнаружить положительных эмоций. Это обусловлено внутренним требованием символизма о донесении до масс мыслей о несовершенстве окружающего мира.

Фон картин, как правило, размыт и выдержан в спокойных однотипных тонах, а само изображение - обобщенное и очень простое. При этом наблюдаются четкие контуры мелких элементов. Сюжет загадочен, каждая деталь представляет собой определенный символ, который требует изучения и догадки. Изображения в стиле символизма отсылают мысли созерцателя к другим источникам, требуют широкого кругозора и доверия своим чувствам.

Известными представителями, которые практиковали символизм в живописи, стали Васнецов, Юон, Климт и др.

Представители символизма в мировой литературе

Как уже повествовалось выше, использование символики в своей нынешней форме получило возрождение во Франции девятнадцатого века. Яркими представителями в литературе стали Бодлер, Верлен и Малларме, которые свои произведения основывали на стиле «символизм». Что такое загадочное они передавали читателям в зашифрованной форме?

Шарль Бодлер в своих произведениях передает с помощью знаков двойственность жизни - безумие и гениальность, любовь и ненависть, внешние и внутренние порывы. Все эти соответствия передаются в его стремлении объединить, синтезировать все известные виды искусства.

Стефан Малларме в обличии символизма передает важные мысли и чувства, которые, по его мнению, обязана донести до читателя литература. Это же практиковал и поэт Поль Верлен. По его мнению, музыка - вершина всего искусства, и в ней, как нигде больше, замечается присутствие символизма. Следовательно, и поэзия, ели она хочет достучаться до сердец, обязана быть музыкальной. И это ему удавалось передавать в совершенстве.

Литература в стиле символизма

Очень ярко и насыщенно представлен символизм в литературе Серебряного века. Последователи этого стиля воспроизводили действительность в прозе и поэзии как непрекращающийся поток ощущений, который трансформировался в единый образ только в сознании читателя. Большое значение для определения целостной картины имел мир чувственности и ощущений человека. Так из незначительных символов, знаков и намеков собирается истинный смысл произведений.

Большой вклад символизм в литературе серебряного века получил от русских поэтов переходного периода - конца девятнадцатого - начала двадцатого веков. Это Белый, Блок, Иванов, а также многие другие известные сочинители. Мир материи изображается ими как маска, через которую просвечивает истинный духовный мир. Все описываемые ситуации, явления и формы быта получают двойное значение и намерены передать условность реального мира.

Трансформация символизма во времени и направлениях

В современных формах, таких как модерн, академизм и постимпрессионизм, приобрел свое продолжение и развитие символизм. Что такое и какие основы он передал этим стилям? Модерн широко представлен в музыке и изобразительном искусстве. Мастера этого направления пытаются наполнить вполне привычную форму духовным содержанием, найти определенную символику в обычных предметах и явлениях, объединить и противопоставить цвет и форму в ритмике композиции и рисунка. Этим и представлена основа символизма.

Академизм часто встречается в литературных формах проявления творчества. Здесь «вечные» мотивы воплощаются посредством слова и передают сочетание банальности и глубокого душевного переживания. В таком виде ваятели искусства начала двадцатого столетия передавали зрителю зашифрованные послания, и для их прочтения требовалось не только знание истории создания этого произведения, но и понимание особенностей периода того времени, широкий кругозор и высокое чутье.

С течением времени символ из обычного знака превратился в одно из самых значимых понятий философии и искусства. Само направление символизм возникло в конце XIX века, как альтернатива реализму и импрессионизму. Именно в символизме художники выражали свой страх перед окружающим миром, перед техническим и научным прогрессом, перед будущим. Символисты черпали вдохновение в образах и темах смерти, болезней, страданий, порока, греха, любви. Нет смысла бесконечно описывать символизм, его надо видеть. Поэтому предлагаем вам ознакомиться с ярчайшими символистами этой эпохи.

5 самых известных художников - символистов

Джованни Сегантини

Джованни Сегантини – итальянский художник, воспевший альпийские горы. Известность великий мастер получил уже при жизни: его работы с успехом выставлялись в Вене, Милане, Париже. Несмотря на то, что символизм относится к позднему творчеству художника, он не только оставил достойной наследие, но и сумел стать одним из лидеров символизма.

Символизм остро ощущается в его картине «Злые матери», которая была написана на сюжет поэмы буддийского монаха XVII века – «Нирвана». В поэме описываются женщины, отказавшиеся от обязанностей материнства. Эта тема вдохновила Сегантини на создание полотна «Злые матери».

В картине изображены души женщин, которых наказывают за то, что они решились на аборт. Однако работа не так пессимистична. Деревья в этой картине символизируют древо жизни, которое способно возродиться весной. Так, Сегантини, путем изображения религиозного символа, предполагает возможность «возрождения» плохой матери, которая в конечном итоге придет к своим природным инстинктам.

Арнольд Беклин

Выдающийся швейцарский представитель символизма часто использовал образы нимф, морских чудовищ и других мифологических фигур при написании своих картин. Именно поэтому для его работ характерны таинственность, резкость и яркость по цвету, фантастическая символика. Интересно, что практически все полотна Беклина написаны темперой.

Позднее, в своем творчестве, Беклин все чаще и чаще обращается к теме смерти. Отвечая на вызовы времени, художник наполнял свои картины меланхоличностью, пессимизмом, мрачностью.

Его работа «Остров мертвых» принесла небывалую славу художнику и стала настоящей иконой символизма. Сюжет картины отражает античную мифологию, где души любимцев богов находили успокоение на уединенном острове. Полотно в точности отражало настроения эпохи: усталость от жизни, интерес ко всему потустороннему, непонятную тоску. Для современников картина символизировала прощание с целой эпохой, реквием культуре.

Арнольд Беклин, «Остров мертвых», 1880г

Альфред Кубин

Еще один признанный представитель символизма, известный своей «темной» символикой. В его работах ужас уживался с иронией, тревога и страх – с сарказмом. Постоянные галлюцинации, преследовавшие художника, только усиливали градус мрачности в его картинах. Изображения страха перед будущим, мотивов безысходности, безнадежности принесли художнику мировую славу.

Полотно Кубина «Дух воды» – одно из ярких отражений темной символичной фантазии художника. Путем слияния иррационального мира с реальным, Кубину удалось воплотить в картине свой главный мотив: бессилие человечества перед природной стихией.

Альфред Кубин, «Дух воды»

Эдвард Мунк

Сумрачная реальность, аллегории, цветовые контрасты, раздутые эмоции – все это символизм. И все эти черты можно встретить в работах яркого норвежского художника – Эдварда Мунка.

Сложная судьба художника наложила опечаток и на стиль его живописи. Мотивы одиночества, страха, смерти – его картины вызывают эмоции даже у тех, кто совершенно не знаком с биографией Мунка. Сам художника не раз говорил: «Болезнь, безумие и смерть – эти ангелы мрака стояли у моей колыбели и не оставляли меня всю жизнь».

Одним из ярких периодов в жизни Эдварда Мунка были 1890-е годы, в которые он создал самые значительные свои произведения. Он использовал одни и те же образы: пожилая женщина в черном, страдающий мужчина, молодая девушка со светлыми волосами, берег моря.

Так, например, в его полотне «Расставание» центральной фигурой является мужчина, который не может расстаться со своим прошлым. Как мы понимаем, что главному герою тяжело уйти от своего прошлого? Все дело в волосах девушки: длинные волосы развиваются, касаются головы мужчины, пытаясь удержать его. Девушка символизирует светлое прошлое, а мрачный мужчина – печальное настоящее.

Жизнь Мунк представлял, как вечное расставание со всем, что дорого человеку. А девушка на полотне – лишь часть того, с чем придется расстаться в своей жизни главному герою.

Эдвард Мунк, «Расставание», 1896г.

Михаил Врубель

Русский символизм – уникален. Символизм в России связывали с религией, мистикой, христианством. В живописи ярким представителем русского символизма является М. Врубель. Эпичность, монументальность, противоречия между реальным миром и внутреннем миром художника – все это чувствуется в его живописи. Работы Врубеля сказочны и фантазийны хотя бы потому, что художник часто изображал героев былин, древность и т.д.

Ярким примером символизма является одно из последних творений М. Врубеля – «Жемчужина». Здесь бесконечная галактика, целая вселенная отражается в крошечном жемчуге. Две девушки – античные богини, наблюдают из мира бессмертных. Создается ощущение чего-то неопознанного, неизвестного, а оттенки черного, белого и перламутровых тонов только усиливают этот эффект. Но, несмотря на такие смешанные чувства, от картины невозможно отвести взгляд.

Михаил Врубель, «Жемчужина», 1904г.

Картины выставленные в SarGallery

Изначально древнегреческое слово «символ» означало монетку, которая разделена надвое.

Двое людей, которые имели по половине этой монетки, при встрече могли узнавать друг друга, путем сложения обеих частей между собой. Тем не менее, с течением времени символ из обычного опознавательного знака стал одним из самых сложных глубоких и емких понятий мировой культуры философии и искусства. Тематику символизма в живописи нельзя уместить в рамки определенного направления, манеры, школы, стиля ….

Символизм, как направление изобразительном искусстве складывался в одно время с символизмом в литературе 60-70 годов XIX века, в эпоху «fin de siecle», называемую ее культурологом Максом Нордау, или декаданса. Тем не менее, характерные черты символизма обнаруживаются намного ранее: вся живопись и иконопись средневековья характеризовалась глубоко символическим характером.

Колоссальное влияние на возникновение символизма выразила романтическая эстетика к. XVIII - н. XIX столетия, которая основана на классической философии Германии и особенно, на идеализме И. Канта. Он утверждал, что нашему разуму приемлемы только феномены, то есть лишь то, как этот предмет представляется в восприятии нашими органами чувств. Непосредственно, природа предмета непостижима. Тут, человеческому разуму, блуждающему во тьме, и приходит на помощь символ. Он призван выразить умопостигаемый смысл явлений и порожденпрозрением художника.

Художники символисты

Развитие.

Любовь, смерть, страдание – так называемые вечные темы, главные мотивы символизма в изобразительном творчестве.

В произведениях Тома Ганса, к примеру, в его иллюстрации к «Кольцу Нибелунгов» Вагнера осуществился сам дух седой немецкой древности. Мы созерцаем Хагена, или же Брюнхильду в рогатых шлемах, латах и с развевающимися косами, пронзенного копьем Зигфрида… Тут все эпично, незыблемо, вечно, как и сама великая «Песнь о Нибелунгах», которую Гейне неспроста называл «свиданием готических соборов», но наряду с этим ощущается и какой то надлом, вычурность, стилизация, - так характерны особенности для символизма.

Ярко изображенное стремление к символизму можно наблюдать в конце 1880-х годов в полотнах известного импрессиониста П. Гогена и его «понт-авенской» школы: (Э. Бернар, Л. Анкетен и прочие). Теперь понт-авенцы созывали художника придерживаться «таинственных глубин мысли». Они старались воплотить необходимые символы в самом характере пластической формы, опираясь на живописную систему так называемого синтетизма, упрощающей и обобщающей формы и линии, которая также ритмически размещала крупные цветовые плоскости, прибегая к чёткой контурной линии, что впоследствии, начнет изображать неотъемлемые черты символизма в России.

Модерн.

Символизм в живописи в 1890-х годах получил надежное подтверждение в эстетике стиля «модерн». Как течение символизма модерн вырабатывали: группа «Наби» во главе с П. Серюзье и М. Дени (Франция), Ф. Холдер и Г. Климт (Австрия), Ф. фон Штук, М. Клингер (Германия), А. Муха в Чехии, Ф. Кнопф, и латемская школа во главе с Ж. Минне в Бельгии.

Основная особенность живописи модерна – это ее неотделимость от орнаментики.

Те же мучительно надломанные изгибы узоров моерна проявляются и в их извивающихся волосах, и в характере складок одежды персонажей полотен. Эта жанровая сцена как — будто записана в орнамент и продлевает и дополняет его. Зачастую благодаря уплощающей черной обводке объемно вырисованного изображения достигается эффект единения картины с орнаментом.

Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 08.08.2015 12:43 Просмотров: 5245

«Воображение, создающее аналогии или соответствия и передающее их образом – вот формула символизма» (Ренэ Гиль).

И действительно, всё «природное», реальное представлялось им лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.
Символизм как художественное явление был одним из крупнейших направлений в литературе, музыке и живописи на рубеже XIX и XX вв. Он возник во Франции в 1870-80-х гг., к концу столетия распространился в большинстве стран Европы. Но именно в России символизм реализуется как наиболее масштабное, значительное и оригинальное явление в культуре.

Смысл символизма

О сути символизма лучше всего сказал французский поэт Жан Мореас (он же был и автором термина «символизм» в искусстве): «Символическая поэзия – враг поучений, риторики, ложной чувствительности и объективных описаний; она стремится облечь Идею в чувственно постижимую форму, однако эта форма не самоцель, она служит выражению Идеи, не выходя из-под её власти. С другой стороны, символическое искусство противится тому, чтобы Идея замыкалась в себе, отринув пышные одеяния, приготовленные для неё в мире явлений. Картины природы, человеческие деяния, все феномены нашей жизни значимы для искусства символов не сами по себе, а лишь как осязаемые отражения перво-Идей, указующие на своё тайное сродство с ними... Символистскому синтезу должен соответствовать особый, первозданно-широкоохватный стиль; отсюда непривычные словообразования, периоды то неуклюже-тяжеловесные, то пленительно-гибкие, многозначительные повторы, таинственные умолчания, неожиданная недоговорённость – всё дерзко и образно...».
Существовал и другой термин для обозначения нового направления в литературе – декадентство. И поскольку основным настроением, культивируемым символистами, являлся доходящий до отчаяния пессимизм, а декадентство (от фр. décadent – упадочный) – модернистское направление в искусстве конца XIX - начала XX вв., характеризующееся извращённым эстетизмом, индивидуализмом, имморализмом, то между символизмом и декадентством никаких противоречий не было.
Но в Росси всё-таки эти два явления в искусстве различали: в символизме отмечали духовность, а в декадентстве – только безнравственность и увлечение внешней формой.
В связи с этим нам бы хотелось обратиться к двум картинам. Первая картина – финского художника Хуго Симберга «Раненый ангел». Поскольку сам автор не давал никаких интерпретаций этой картины, предоставляя зрителю самому делать выводы, то мы и воспользуемся этим и скажем, что картина олицетворяет символизм.

Хуго Симберг «Раненый ангел» (1903). Холст, масло. 127 х 154 см. Атенеум (Хельсинки)
А картина Рамона Касаса «Юная декадентка» (1899) олицетворяет декаданс.

Символисты старались отобразить жизнь каждой души. Но поскольку душа человеческая загадочна, то их произведения полны переживаний, смутных настроений, тонких чувств, мимолётных впечатлений. Поэты-символисты наполнили поэзию новыми выразительными образами, но часто уходили в бессмысленной игру слов и звуков. Символизм различает два мира: мир вещей и мир идей и соединяет эти миры в искусстве.
Основные принципы эстетики символизма выражены в творчестве французских поэтов Шарля Бодлера, Поля Верлена, Артюра Рембо, Стефана Малларме, Лотреамона.

Г. Курбе «Портрет Поля Верлена» (около 1866)

Поль Верлен «Осенняя песня»

Издалека
Льётся тоска
Скрипки осенней -
И, не дыша,
Стынет душа
В оцепененье.

Час прозвенит -
И леденит
Отзвук угрозы,
А помяну
В сердце весну -
Катятся слёзы.

И до утра
Злые ветра
В жалобном вое
Кружат меня,
Словно гоня
С палой листвою.

Неизвестно, какие осенние скрипки плачут у Верлена. Возможно, это печально шумят деревья. А может быть, это чувства уставшего от жизни человека? То же самое относится к удару часов – где, когда? Неясность образов утверждает скорбную мысль поэта о горьком одиночестве всякого существа, обречённого на гибель в холодном равнодушном мире.
Метод символизма предполагает воплощение основных идей произведения в многозначной и многоликой ассоциативной эстетике символов, т.е. таких образов, значение которых постижимо через их непосредственное выражение в слове, живописи, музыке и т.д. Основным содержанием символистичного произведения являются выраженные в образности символов вечные Идеи, т.е. обобщённые представления о человеке и его жизни, высший Смысл, постигаемый лишь в символе, а также Красота, в нём воплощённая.

Символизм в литературе

Символизм в литературе проявил себя во многих странах: приверженцами этого направления были Морис Метерлинк, Эмиль Верхарн (Бельгия); Шарль Бодлер, Стефан Малларме, Жюль Лафорг, Анри де Ренье, Поль Валери, Поль Клодель, Поль Фор, Сен-Поль Ру, Поль Верлен, Артюр Рембо, Лотреамон (Франция); Райнер Мария Рильке, Гуго фон Гофмансталь (Австрия и Германия; поздний Генрик Ибсен (Норвегия); Валерий Брюсов, Александр Блок, Фёдор Сологуб, Андрей Белый, Константин Бальмонт, Вячеслав Иванов, Зинаида Гиппиус, Дмитрий Мережковский, Максимилиан Волошин и мн. др. (Россия).

С. Маларме. Фотография 1896 г.
Стефан Малларме (1842-1898) – французский поэт, один из вождей символистов. Малларме считал, что поэзия не «показывает», а внушает. Видимое явление – это лишь внешняя сторона. Свое интуитивное познание поэт выражает символически. Символ Малларме понимает как систему аналогий. Его лирика субъективна, тематически неопределённа. Основные мотивы – одиночество и скорбь. Но чувства выражаются не непосредственно, а рядом иносказаний.

Малларме

Плоть опечалена, и книги надоели...
Бежать... Я чувствую, как птицы опьянели
От новизны небес и вспененной воды.
Нет - ни в глазах моих старинные сады
Не остановят сердца, плящущего, доле;
Ни с лампою в пустынном ореоле
На неисписанных и девственных листах;
Ни молодая мать с ребенком на руках...
Малларме «Лебедь»

Могучий, девственный, в красе извивных линий,
Безумием крыла ужель не разорвёт
Он озеро мечты, где скрыл узорный иней
Полётов скованных прозрачно-синий лёд?

И Лебедь прежних дней, в порыве гордой муки
Он знает, что ему не взвиться, не запеть:
Не создал в песне он страны, чтоб улететь,
Когда придёт зима в сиянье белой скуки.

Он шеей отряхнёт смертельное бессилье,
Которым вольного теперь неволит даль,
Но не позор земли, что приморозил крылья.

Он скован белизной земного одеянья,
И стынет в гордых снах ненужного изгнанья,
Окутанный в надменную печаль.
(Перевод М. Волошина)

Б. М. Кустодиев «Портрет Волошина» (1924)

Русский символизм

Как мы уже сказали ранее, в России символизм стал масштабным, значительным и оригинальным явлением в культуре, при этом он приобрел свои русские неповторимые черты.

В. Серов «Портрет К. Бальмонта»
Серебряный век русской литературы совпадает по времени с эпохой символизма. Но символизм в России был очень разнообразен и не являл собой какой-то единой школы.

М. Врубель «Портрет В. Брюсова»
В течении русского символизма усматривают два периода: старшие символисты (В. Брюсов, Д. Мережковский, З. Гиппиус, Н. Минский, К. Бальмонт и др.) и «младосимволисты» (второе поколение символистов – Сергей Соловьёв, А. Белый, А. Блок, Эллис, И. Анненский, Вячеслав Иванов).

К. Сомов «Портрет Вяч. Иванова»
На творчество русского символизма (особенно младшего поколения) сильно повлияла философия Вл. Соловьёва. Источником вдохновения для русских символистов часто служил образ Святой Софии. Святая София Соловьёва - одновременно ветхозаветная премудрость и платоновская идея мудрости, Вечная Женственность и Мировая Душа, «Дева Радужных Ворот» и Непорочная Жена – тонкое незримое духовное начало мироздания. Культ Софии восприняли А. Блок, А. Белый, С. Соловьёв. А. Блок называл Софию Прекрасной Дамой, М. Волошин видел её воплощение в легендарной царице Таиах. Младшим символистам была созвучна соловьёвская обращенность к незримому, «несказанному» как истинному источнику бытия. Стихотворение Соловьёва «Милый друг» воспринималось как свод их идеалистических настроений символистов:

Милый друг, иль ты не видишь,
Что все видимое нами –
Только отблеск, только тени
От незримого очами?
Милый друг, иль ты не слышишь,
Что житейский шум трескучий –
Только отклик искаженный
Торжествующих созвучий?

Символизм в живописи

К символизму относят творчество художников А. Бенуа, Л. Бакстa, М. Добужинского, В. Борисова-Мусатова, М. Врубеля и др. Но всегда следует помнить, что каждый представитель символистского течения имел свой путь к нему, поэтому творчество всех символистов невозможно объединить какой-то одной характерной чертой.

В. Борисов-Мусатов «Призраки» (1903)
«...С окончанием жизни опустевшего помещичьего дома – «всё уходило в прошлое», как изображены им на первом плане картины удаляющиеся призрачные фигуры женщин» (по воспоминаниям сестры художника Елены).

Символизм в музыке

Самый яркий представитель этого стиля – А.Н. Скрябин. Музыка Скрябина необычна и своеобразна: импульсивна, нервически тревожна, не чужда мистицизма. Композитора привлекали образы, связанные с огнём: в названиях его сочинений нередко упоминается огонь, пламя, свет и т. п. Это связано с его поисками возможностей объединения звука и света. Он является первым в истории композитором, использовавшим цветомузыку.

Соответствие цветов и тональностей по Скрябину
Одним из последних, неосуществлённых замыслов Скрябина была «Мистерия», которая должна была воплотиться в грандиозное действо: объединение звуков, красок, запахов, движений и даже звучащей архитектуры.
Посредством «Мистерии» А. Н. Скрябин собирался завершить нынешний цикл существования мира, соединить Мировой Дух с косной Материей в некоем космическом эротическом акте и таким образом уничтожить нынешнюю Вселенную, расчистив место для сотворения следующего мира. Его «Поэма Экстаза» и «Прометей» – предисловие («Предварительное Действо») «Мистерии».