Originea artei teatrale, premisele și caracteristicile ei. Teatrul antic grecesc

13.08.2019

Arta teatrală în lumea modernă este una dintre cele mai răspândite ramuri ale culturii. Există un număr imens de clădiri de teatru construite în întreaga lume, în care piese sunt jucate în fiecare zi. Odată cu dezvoltarea tehnologiilor inovatoare, mulți oameni au început să uite valori adevărate artă. În primul rând, teatrul oferă unei persoane posibilitatea de a se îmbunătăți și de a se dezvolta.

Teatrul în antichitate

Arta teatrală este una dintre cele mai vechi. Originile sale sunt departe de societatea primitivă. A apărut din jocurile agricole și de vânătoare de natură misterioasă și magică. Societatea primitivă credea că, dacă, înainte de a începe o anumită lucrare, s-ar juca o scenă care descrie o finalizare favorabilă a procesului, rezultatul ar fi pozitiv. De asemenea, au imitat animalele, obiceiurile și aspectul lor. Oamenii antici credeau că este posibil să influențeze rezultatul vânătorii în acest fel, ei puneau adesea dansuri purtând piei de animale. Și tocmai în aceste acțiuni au început să apară primele elemente ale teatrului. Ceva mai târziu, măștile au început să fie folosite ca atribute principale ale preotului-actor care intră în imagine.

Teatru în Egiptul Antic

Teatrul din Egipt și-a început dezvoltarea chiar de la începutul lumii antice. Aceasta a fost spre sfârșitul mileniului III î.Hr. În fiecare an, la temple erau organizate mici spectacole de teatru cu caracter dramatic și religios.

Teatrul în Grecia Antică

În Grecia Antică, teatrele erau construite în principal în aer liber și erau proiectate pentru zeci de mii de spectatori. Publicul s-a așezat pe bănci înalte de piatră, în fața unei scene circulare late, situată în centru, se numea „orchestră”. Cultul marelui zeu al fertilităţii Dionysos a jucat un rol major în dezvoltarea teatrului grecesc. Repertoriul a constat din trei tragedii și comedii. Actorii erau doar bărbați, care uneori interpretau femei. În comedie, au trebuit să facă publicul să râdă, pentru asta au folosit măști de casă, care înfățișau nasuri turtite, buze proeminente și ochi bombați. Măștile erau făcute din lemn uscat și apoi din pânză, după care au fost acoperite cu tencuială și vopsite cu o varietate de vopsele. Măștile le-au permis spectatorilor așezați departe de scena antică să vadă expresiile faciale corespunzătoare acțiunii. Gura larg deschisă sculptată în mască le-a permis actorilor să-și mărească volumul vocii s-ar putea spune chiar că a servit drept muștiucă.

Spectacolele au fost foarte populare în Grecia teatru popular, pe care grecii antici le numeau mimi. O mimă era considerată o mică scenă cu caracter cotidian sau satiric, în care eroi mitologici, viteji războinici sau simpli hoți de piață erau înfățișați de actori. Femeile puteau juca și în mimi nu au fost folosite măști în timpul spectacolului.

Teatrul în Roma Antică

În Roma antică, teatrul era în primul rând pentru distracția mulțimilor de spectatori. Iar actorii erau considerați una dintre clasele inferioare ale populației, puțini actori romani au obținut respect în arta teatrală. Cel mai adesea, liberi și sclavi au devenit actori. În teatrul roman, ca și în grec, locurile pentru spectatori erau amplasate în funcție de cercul principal. Pe lângă tragedii și comedii, actorii romani au jucat antonime, pirhicieni, mimi și attelani. Prezența la teatru era gratuită atât pentru femei, cât și pentru bărbați, dar nu și pentru sclavi. Pentru a atrage spectatorii și a-i surprinde cu lux, organizatorii jocurilor au decorat sala cu aur, au stropit în ea cele mai parfumate lichide și au împrăștiat podeaua cu flori.

Teatru în Italia

În teatrul italian al Renașterii, spectacolele erau mult mai vesele, pline de umor și satiră. Spectacolul de teatru a fost pus în scenă pe scene din lemn special realizate, în jurul cărora se aduna mereu o mulțime imensă de spectatori. Teatrele antice au început să se concentreze în marile orașe culturale și industriale. Arta teatrală a antichității a fost cea care a revoluționat teatrul în ansamblu și a împărțit teatrul în varietăți. Din acele vremuri, nu au fost observate schimbări fundamentale și inovații revoluționare până în prezent.

Teatrul în secolele XVII-XVIII

Arta teatrală a secolelor al XVII-lea și al XVIII-lea a fost din ce în ce mai plină de romantism, fantezie și imaginație. În acești ani, teatrul a fost cel mai adesea creat de trupe, care includeau actori și muzicieni călători uniți. În anii 1580, a fost vizitat de plebei, dar începând cu 1610, locuitorii mai bogați și mai eleganti ai Franței au început să se intereseze de această artă. Mai târziu, teatrul a fost considerat o morală instituție culturală, cel mai adesea a fost vizitat de aristocrați. Teatrul francez a jucat în principal piese de costume, comedii și balet. Peisajul a căpătat un aspect mai asemănător cu situația reală. Arta teatrală din secolele al XVII-lea și al XVIII-lea a devenit baza dezvoltării artei lumii viitoare. Multe teatre din acele vremuri au supraviețuit până în zilele noastre.

În Anglia

Arta teatrală engleză a secolului al XVIII-lea a jucat un rol semnificativ în istoria și dezvoltarea întregului teatru european. A devenit fondatorul dramaturgiei iluministe. Tot în acele vremuri, a apărut un nou gen dramatic, care s-a numit drama burgheză sau, așa cum o numea publicul, tragedie burgheză. Pentru prima dată, în Anglia au apărut spectacolele de dramă burgheză, au pătruns mai târziu în Germania, Italia și Franța.

Tranziția de la Renaștere la Iluminism

Trecerea de la Renaștere la Iluminism a fost foarte tulbure, lungă și destul de dureroasă atât pentru actori, cât și pentru spectatori. Teatrul Renașterii a murit treptat de la an la an, dar un asemenea miracol al gândirii umane precum arta muzicală și teatrală nu a reușit să moară chiar așa. Ultima și una dintre cele mai puternice lovituri i-a fost dat de Revoluția Puritană. Anglia, care tocmai de curând era plină de viață și bucurie, strălucitoare și colorată, a devenit brusc evlavioasă, îmbrăcată în haine întunecate și excesiv de evlavioasă. Nu era loc pentru teatru într-o viață atât de gri. Toate au fost închise, iar puțin mai târziu clădirile au fost arse. În 1688, în Anglia a avut loc revoluția mult așteptată, după care a avut loc trecerea de la Renaștere la Iluminism.

Reveniți la putere, soții Stuart au restaurat complet teatrele, dar acum erau semnificativ diferite de cele din epoca precedentă. În secolul al XVIII-lea, arta muzicală și teatrală a înflorit cu un buchet luxuriant de noi genuri. Opera de baladă, pantomima și repetiția încep să se bucure de o popularitate enormă. Din acel moment, teatrul englez a fost mai preocupat de profit decât de probleme. În 1737, guvernul englez a aprobat un act de control asupra vieții teatrale și, din acel moment, toate piesele scrise au fost supuse unei cenzuri stricte.

Teatru în Rusia antică

În teritoriile care au fost cândva Rusia Kievană, arta teatrală a apărut în secolul al XVII-lea. A început cu spectacole la școală și la curte. Primele studiouri artele teatrale au fost fondate la școli frățești și curți ale oamenilor bogați. Piesele au fost scrise de profesori și elevi. Ei au folosit în principal atât legende de zi cu zi, cât și povești ale Evangheliei. Apariţia teatrului de curte a fost cauzată de marele interes al nobilimii de curte pentru artă şi cultura occidentala. Nobililor le-au plăcut atât de mult spectacolele elevilor produse de primul studio de artă teatrală, încât le-au putut urmări de peste 10 ori. Inițial, teatrul de curte nu a avut loc permanent, toate costumele, decoratiunile si decoratiunile au fost transferate dintr-un loc in altul. De-a lungul timpului, mai aproape de secolul al XVIII-lea, spectacolele de teatru au început să se distingă prin mare fast și au fost însoțite de dans și interpretarea instrumente muzicale.

În secolul al XIX-lea, teatrul rus a fost împărțit pentru prima dată în trupe muzicale, grupuri de teatru și, de asemenea, au fost împărțite în grupuri de operă și balet. În acești ani s-a deschis una dintre primele scene dramatice, care în viitor se va numi Teatrul Maly. Deși s-a produs o împărțire între trupe, acestea au rămas nedespărțite mult timp. Curând, au început să apară instituții precum Academia de Artă Teatrală, iar actori au devenit nu cei săraci, ci mai degrabă oameni bogați și educați. De-a lungul timpului, numărul teatrelor a început să crească rapid, ele erau administrate de biroul de teatru al împăratului. Cât despre actori și muncitori, aceștia au început să se refere la toate teatrele, și nu în mod specific la orice trupă. În secolul al XX-lea a existat o îmbunătățire a artei într-o formă pe care o putem vedea până în prezent.

Unul dintre cei mai străluciți reprezentanți, dezvoltat la acea vreme, este Teatrul Bolșoi.

Rolul în lumea modernă

Teatrul ocupă un loc vital în lumea artei moderne și, prin urmare, este destinat unui public larg și atrage în fiecare zi din ce în ce mai mulți spectatori noi. Foarte des în teatrele moderne există piese dedicate operelor clasicilor celebri, acest lucru vă permite să obțineți noi cunoștințe și să vă familiarizați mai bine cu istoria. Astăzi există multe academii și școli în care poți deveni actor.

Dar, pe lângă marea academie, unde sunt pregătiți viitori actori, există și instituții mici, de exemplu, un studio de artă teatrală, la care poate frecventa orice persoană talentată care dorește să se dovedească și să învețe toate complexitățile actoriei. Unele teatre moderne ne uimesc prin frumusețea și plasticitatea formelor arhitecturale.

3. Teatru și spectacole de teatru în Grecia Antică.

4. Tragedii și comedii în teatrul antic grecesc.

5. Creatori de teatru.

6. Concluzie.

Apariția teatrului.
Teatrul a apărut în Grecia Antică în urmă cu aproximativ două mii și jumătate de ani.
Cuvântul „teatru” în sine este de origine greacă și înseamnă „loc pentru spectacol”.
Spectacolele de teatru erau spectacolele preferate ale grecilor antici.
Originea teatrului a fost asociată cu religia grecilor antici și anume
festivități în cinstea zeului Dionysos, patronul vinificatorilor. Într-una din
miturile spun că Dionysos rătăcește pe tot pământul împreună cu o mulțime
însoțitorii lor. Aceștia sunt satiri - zei păduri, jumătate oameni, jumătate capre. La satiri
cozi lungi, urechi ascuțite și copite. Când la sunetele flauturilor și țevilor
Dionysos vine în Grecia, apoi începe primăvara în această țară, este mai cald
soarele se încălzește, florile înfloresc, toată viața renaște.
La sfârșitul lunii martie, Grecia sărbătorește principala sărbătoare a zeului vinului - cel Mare
Dionisia. Când înfățișau satiri, grecii purtau piei de capră și legau
barbi lungi din frunze de stejar, le-au pictat fețele sau le-au acoperit
măști de capră. Un alai vesel de mumeri se mișca pe străzile orașului și
oprit undeva în piață. Cântăreața a venit în față. El cântă
a vorbit despre rătăcirile lui Dionysos, despre întâlnirea sa cu pirații și altele
aventuri, iar restul mummerilor au cântat împreună cu el în cor. L-am portretizat pe solistul
apoi unul dintre eroii mitului, apoi însuși Dionysos, apoi unul dintre satiri. Scene,
jucate de participanții sărbătorii și au fost primele teatru
Spectacole: cântăreața și mumerele erau actori, iar spectatorii erau totul
populatia orasului.

Teatru și spectacole de teatru în Grecia Antică.
În orașele grecești de la sfârșitul secolului al VI-lea. î.Hr e. construit pentru spectacole de teatru
clădiri speciale. În aproape fiecare oraș grecesc, inclusiv în colonii
malurile Mării Mediterane și ale Mării Negre, exista propriul teatru și uneori mai multe (deci,
erau mai mult de zece teatre în Attica). Fiecare dintre teatrele antice adăpostit
câteva mii de spectatori. De exemplu, Teatrul lui Dionysos din Atena avea aproximativ 17
mii de locuri.
Teatrul era un spectacol preferat în Grecia Antică, căutat toți locuitorii
ajung la festivalul lui Dionysos, dar aceste sărbători (din care au făcut parte
spectacole de teatru) nu aveau loc zilnic, ci doar de două ori pe an.
Nu existau spectacole de seară în Grecia Antică. Spectacole în teatrele grecești
a început pe la șapte dimineața și a continuat până la apus: s-au așezat pe rând
mai multe spectacole.
„Greaca veche bilete de teatru„: au perceput o mică taxă pentru a intra în teatru
(în Atena puterea îi aparținea oamenilor de rând, demonstrații, așadar
statul, având grijă de cei mai săraci cetăţeni, le-a dat bani să cumpere
bilete). Biletul era din plumb sau lut copt. Literele sunt vizibile pe bilet
„beta” (B) și „epsilon” (E). Scrisoarea indica una dintre „pene” la care
teatrul era împărțit prin scări, radiind raze. După cum este indicat pe bilet
„Pana” poate ocupa orice loc, începând cu al doilea rând. Ca să nu
stați în vârf, grecii au mers la teatru înainte de zori. Au luat cu ei un mănunchi de
plăcinte și un balon cu vin, o mantie caldă, o pernă care era pusă sub
pe o bancă de piatră. Teatrul era rareori pe jumătate gol.
Majoritatea spectatorilor erau bărbați - cetățeni și greci în vizită.
Femeile, ocupate constant cu treburile casnice, au participat semnificativ la teatru

mai rar decât bărbații. Sclavii intrau în teatru doar ca servitori însoțitori

stăpânii lor
Scaunele din primul rând nu erau doar marmură, ci și gratuite, alocate
sunt destinate spectatorilor de onoare (preoții lui Dionysos, câștigători ai Jocurilor Olimpice,
strategii).
A fost o audibilitate excelentă în teatru. Dacă arunci o monedă în centrul orchestrei,
sunetul ei se va auzi chiar în băncile din spate. Clădirea teatrului avea forma
un desiș uriaș, care, ca un megafon, amplifica toate sunetele vorbirii și ale muzicii.
Teatrul grec nu avea perdea. Acțiunea s-a desfășurat fără pauză,
aceste. fără pauze.
Teatrele erau amplasate în aer liber pe pârtii și găzduiau mii de oameni
spectatori. Clădirea teatrului era compusă din trei părți.
O parte a teatrului este reprezentată de scaune pentru spectatori. Ele au fost împărțite de pasaje în secțiuni,
asemănătoare cu pene.
O altă parte a teatrului este orchestra - o platformă rotundă sau semicirculară pe care
au jucat actori și cor. Nici un eveniment nu a avut loc fără cântece și dansuri.
performanţă. Membrii corului în funcție de conținutul spectacolului
înfățișați fie prieteni ai personajului principal, fie orășeni, fie războinici și
uneori animale - păsări, broaște și chiar nori.
A treia parte a teatrului se numea skene. Era adiacent orchestrei
construcție Scânduri sau panouri pictate au fost atașate de peretele său,
înfățișând intrarea în palat, porticul templului sau malul mării. În interiorul schenei
au fost depozitate costumele și măștile actorilor.
La spectacole au participat doar bărbați. Au jucat la masculin sau
măști de damă, purtând pantofi speciali cu talpă groasă pentru a părea mai înalți

înălţime. Deoarece trăsăturile faciale ale actorilor erau puțin vizibile din ultimele rânduri

teatru, actorii purtau măști mari pictate care acopereau nu numai
fata, dar si capul. Privind actorii, a devenit clar cine erau
descrie. Bătrânii au părul alb și obrajii subțiri și înfundați. Dacă eroul
mai tineri, părul și barba au devenit pe jumătate gri, bărbați tineri au fost portretizați
fără barbă. Sclavul putea fi recunoscut imediat - trăsăturile lui îl trădau pe negrec
origine. De obicei, la fiecare spectacol nu participau mai mult de trei persoane.
actori. Ar putea fi multe în piesă personaje, și apoi fiecare actor
a jucat mai multe roluri.
Tragedii și comedii în teatrul grec antic.
În Grecia Antică existau două tipuri principale de spectacole - tragedie și comedie.
Piesele cu conținut serios erau numite tragedii. De obicei în tragedii
au acționat eroii miturilor, au fost înfățișate isprăvile, suferința și adesea moartea.
Tragedia în greacă înseamnă „cântec al caprelor”. De la tragedienii greci la lume
Trei lumini ale dramei antice și-au câștigat faima: Eschil, Sofocle, Euripide.
Comediile erau piese amuzante sau cântece ale sătenilor veseli.
Personajele comediilor - spectacole amuzante și batjocoritoare -
Alături de eroii miturilor au fost contemporani ai publicului. În democrație
Atena, cu viața sa politică larg dezvoltată, oferă cel mai bogat material pentru
viața politică însăși a oferit comedie. Un maestru de neîntrecut
Aristofan (450-388 î.Hr.), originar din Atena, a fost considerat o comedie politică,
singurul scriitor de comedie politică ale cărui 11 piese au supraviețuit
zilele noastre. Proprietățile distinctive ale operei lui Aristofan sunt:
frumusețea artistică a formei, spiritul inepuizabil, combinația
stări dramatice, comice și lirice. În comediile lui

Aristofan exprimă interesele țărănimii atice și ale păturilor mijlocii

democrația urbană.

Spectacole de teatru împreună cu Jocurile Olimpice au fost iubiți
ochelarii elenilor.

Sofocle (n. c. 497 - d. 406 î.Hr.) este un mare dramaturg grec antic. Creat
în epoca celei mai mari înfloriri a democraţiei sclavagiste ateniene şi a acesteia
cultură. Împreună cu Pericle, Sofocle a fost ales strategos (440-439 î.Hr.), adică.
conducători militari. Alături de Eschil și Euripide, Sofocle a creat și dezvoltat
tragedie clasică atică antică; a crescut numărul de piese de teatru
actori de la 2 la 3, părți corale reduse față de dialog și acțiune,
a introdus decorațiuni și măști îmbunătățite. Dintre cele scrise de Sofocle, mai mult de 120
s-au păstrat piese de teatru, 7 tragedii și peste 90 de fragmente, inclusiv un fragment
drama satirică „Pathfinders”. Popularitatea lui Sofocle în Atena
confirmat de faptul că la concursurile dramatice a primit de 18 ori locul I
recompensă și niciodatănu a ocupat locul trei. Tema tragediilor lui Sofocle, îndeaproape
asociate cu subiecte mitologice. Dramele lui Sofocle se caracterizează prin
armonie compozițională, proporționalitate a părților, subordonare strictă a particularului
general - idee artistică. Sofocle dezvăluie sincer din punct de vedere psihologic
lumea interioară a eroilor lor. Opera lui Sofocle a avut mare influență pe
literatura mondială încă din Renaștere.
Concluzie.
Cea mai importantă etapă în dezvoltarea teatrului a fost cultura teatrală a antichității,
În Grecia Antică, a fost creat un teatru bazat pe tradiții populare și noi
ideologie umanistă. Teatrul a ocupat un loc important în viața publică
cetăți-state democratice grecești antice. Dezvoltarea lui a fost
indisolubil legată de ascensiunea dramei grecești. Spectacole de teatru grecesc
au făcut parte din sărbătorile publice organizate de stat,
reflecta cele mai importante probleme ale vieţii publice.

Istoria teatrului este lumea umanității

Teatrul Greciei Antice

Originile dramei și teatrului grecesc antic.

Apariția dramei în Grecia a fost precedată de o lungă perioadă, timp în care locul dominant a fost ocupat mai întâi de epopee și apoi de lirică. Cunoaștem cu toții bogatele poeme epice eroice „Illiada” și „Odiseea”, poemele epice didactice (instructive) ale lui Hesiod (sec. VII î.Hr.); Acestea sunt opere ale poeților lirici din secolul al VI-lea. î.Hr

Nașterea dramei și teatrului grecesc este asociată cu jocurile rituale care au fost dedicate zeilor patroni ai agriculturii: Demeter, fiica ei Kore și Dionysos. Din jocurile rituale și cântecele în cinstea lui Dionysos au crescut trei genuri ale dramei grecești antice: tragedia, comedia și comedia satirică (numită după corul format din satiri).

Tragedia a reflectat latura serioasă a cultului dionisiac.
Comedie - carnaval-satiric.
Drama Satirovskaya părea a fi un gen obișnuit. Caracterul său vesel jucăuș și finalul fericit i-au determinat locul la festivalurile în cinstea lui Dionysos: drama satirică a fost pusă în scenă ca o încheiere a prezentării tragediilor.

Rolul ideilor tragice în educația socio-politică și etică a fost enorm. Deja în a doua jumătate a secolului al VI-lea î.Hr. Tragedia a atins o dezvoltare semnificativă. Istoria antică relatează că primul poet tragic atenian a fost Thespis (sec. VI î.Hr.). Prima producție a tragediei sale (numele ei este necunoscut) a avut loc în primăvara anului 534 î.Hr. la Sărbătoarea Marelui Dionisie. Acest an este considerat a fi anul nașterii teatrului mondial.

Comedia este mult mai amplă decât tragedia motive mitologice s-au amestecat cele cotidiene, care treptat au devenit predominante sau chiar singurele, deși în general comedia era încă considerată dedicată lui Dionysos. Sketuri improvizate reprezentau o formă elementară de teatru de farsă populară și erau numiți mimi (tradus prin „imitație”, „reproducție”; interpreții acestor scene erau numiți și mimi). Eroii mimilor erau măști tradiționale de teatru popular: un viitor războinic, un hoț de piață, un om de știință șarlatan, un nebun care păcălește pe toată lumea etc.

Teatrul din Atena.

Arta teatrală greacă antică a atins cea mai mare înflorire în lucrările a trei mari tragediani ai secolului al V-lea î.Hr. - Eschil, Sofocle, Euripide și comediantul Aristofan, a cărui activitate se întindea la începutul secolului al IV-lea. î.Hr În același timp au mai scris și alți dramaturgi, dar au ajuns la noi doar mici fragmente din operele lor și uneori doar nume și informații slabe.

Teatrul epocii elenistice.

În epoca elenistică (secolele VI-I î.Hr.), teatrul grecesc din epoca clasică a suferit schimbări semnificative în ceea ce privește dramaturgia, actoria și arhitectura clădirii teatrului. Aceste schimbări sunt asociate cu noile condiții istorice. În teatrul epocii elenistice sunt încă puse în scenă comedii și tragedii. Dar din tragediile secolului al IV-lea. î.Hr Au supraviețuit doar mici fragmente și, se pare, meritele artistice ale tragediei elenistice au fost mici. Sunt disponibile mult mai multe date pentru a judeca comedia, deoarece doar o piesă și câteva fragmente din alte piese ale celui mai mare comedian al acelui timp, Menander, au supraviețuit.

Comedia epocii elenistice se numește comedie nouă attică (sau neo-attică). Motivul iubirii joacă un rol important în noua comedie. Autorii noii comedii attice au folosit pe scară largă teoria psihologică a studentului lui Aristotel Teofrast, conform căreia toate trăsăturile de caracter se manifestă în aspectul unei persoane și în acțiunile sale. Descrierile fizionomice ale lui Teofrast au influențat fără îndoială designul măștilor, ceea ce a ajutat publicul să recunoască cutare sau cutare personaj. Influența lui Euripide se remarcă în noua comedie. Apropierea multora dintre eroii săi de viață, revelația experiențelor lor emoționale - aceasta este ceea ce noua comedie a preluat de la Euripide.

Arhitectura teatrului antic grecesc.

Inițial, locul spectacolelor a fost amenajat extrem de simplu: corul, cu cântările și dansurile lor, a jucat pe o platformă-orchestră rotundă compactată (de la verbul orheomai - „Dansez”), în jurul căreia s-a adunat publicul. Dar ca importanţa artei teatrale în public şi viata culturala Grecia și, pe măsură ce drama a devenit mai complexă, au devenit necesare îmbunătățiri. Peisajul deluros al Greciei sugera cea mai rațională aranjare a scenei și a scaunelor spectatorilor: orchestra a început să fie amplasată la poalele dealului, iar publicul a fost amplasat de-a lungul pantei.

Toate teatrele grecești antice erau deschise și puteau găzdui cantitate uriașă spectatori. Teatrul Dionysos din Atena, de exemplu, ar putea găzdui până la 17 mii de oameni, teatrul din Epidaur - până la 10 mii. În secolul al V-lea î.Hr În Grecia s-a dezvoltat un tip stabil de structură de teatru, caracteristică întregii epoci a antichității. Teatrul avea trei părți principale: orchestra, theatron (scaune pentru spectatori, de la verbul teaomai - „mă uit”) și skene (skene - „cort”, mai târziu o structură de lemn sau piatră).

Mărimea teatrului a fost determinată de diametrul orchestrei (de la 11 la 30 m). Peretele frontal al skene-proskenium, care avea de obicei aspectul unei colonade, înfățișa fațada unui templu sau palat. Alături de skene se aflau două clădiri laterale numite paraskenia. Paraskenia a servit drept loc pentru depozitarea peisajelor și a altor proprietăți teatrale. Între scenă și scaunele pentru spectatori, care ocupau puțin mai mult de jumătate de cerc, erau pasaje de salon prin care spectatorii intrau în teatru înainte de începerea spectacolului, iar apoi corul și actorii intrau în orchestră. În teatrul epocii clasice, atenția publicului s-a concentrat pe dezvoltarea acțiunii, pe soarta eroilor și nu pe efectele externe. Dispunerea teatrului grec a asigurat o bună audibilitate. În plus, în unele teatre au fost amplasate vase cu rezonanță printre scaunele publicului pentru a amplifica sunetul. Nu exista cortină în teatrul antic grecesc, deși este posibil ca în unele piese unele părți ale proskenium să fi fost temporar închise publicului.

teatru roman

Originile teatrului roman.

Originile teatrului și dramei romane se întorc, ca și în Grecia, la jocurile rituale bogate în elemente de carnaval. Astfel, de exemplu, este sărbătoarea Saturnaliilor - în onoarea zeității italiene Saturn. Particularitatea acestei sărbători a fost „inversarea” de obicei relații publice: stăpânii au devenit temporar „sclavi”, iar sclavii au devenit „stăpâni”.

Una dintre originile teatrului și dramei romane au fost festivalurile recoltei rurale. Chiar și în vremuri îndepărtate, când Roma era o mică comunitate a Lațiului, satele celebrau sărbători în legătură cu sfârșitul recoltei. La aceste sărbători se cântau cântece-fescennine vesele, aspre. Ca și în Grecia, două semicoruri interpretau și schimbau de obicei glume, uneori de natură caustică.

Având originea în sistemul de clanuri, fesceninii au existat în secolele următoare și în ei, potrivit lui Horațiu, s-a reflectat lupta socială dintre plebei și patricieni. Așa au apărut saturas (tradus ca „amestec”). Satura au fost scene dramatice de natură cotidiană și comică, inclusiv dialog, cânt, muzică și dans.

Un alt tip de spectacol dramatic de natură comică au fost atellanii, care au fost împrumutați de la alte triburi care locuiau în Peninsula Apeninilor, cu care Roma a purtat războaie continue. Tinerii au devenit interesați de aceste jocuri și au început să le organizeze în vacanțe. Atellanul a prezentat patru personaje de benzi desenate permanente: Makk, Bukkon, Papp și Dossin. Atellanii nu aveau un text solid, așa că atunci când le interpretau, a existat un spațiu mare pentru improvizație. Mime se întoarce și la drama populară. Ca și în Grecia, mimul a reprodus scene din viata populara, și uneori a parodiat mituri, înfățișând zei și eroi ca un bufon. Astfel, la Roma existau aproximativ aceleași jocuri rituale ca și în Grecia Antică. Dar dezvoltarea teatrului popular nu a depășit începuturile slabe ale dramei. Acest lucru se explică prin modul conservator al vieții romane și prin rezistența puternică a preoților. Prin urmare, la Roma nu a existat o mitologie independentă, care în Grecia a servit drept „sol și arsenal” al artei, inclusiv al dramei.

Teatrul roman al epocii republicane.

Romanii au preluat drama literară în formă finită de la greci și au tradus-o în latină, adaptând-o la conceptele și gusturile lor. După încheierea victorioasă a primului război punic, la jocurile festive din 240 î.Hr., s-a hotărât organizarea unui spectacol dramatic. Producția a fost încredințată grecului Livius Andronicus, care a fost înrobit de un senator roman, care i-a dat numele latin Livius. După eliberare, a rămas la Roma și a început să predea greacă și latină fiilor nobilimii romane. Acest profesor a pus în scenă o tragedie și probabil și o comedie la jocuri, revizuită de el după modelul grecesc sau, poate, pur și simplu tradus din limba greacăîn latină. Această producție a dat primul impuls dezvoltării teatrului roman.

Din 235 î.Hr Dramaturgul Gnaeus Nevius începe să-și pună în scenă piesele. mai tânărul contemporan al lui Naevius, Titus Maccius Plautus. Opera sa datează din perioada în care Roma se transforma dintr-o comunitate agricolă într-un stat puternic - mai întâi al Peninsulei Apenini, apoi al întregului bazin mediteranean. Publius Terentius Afr, care, ca și Plautus, a lucrat în genul palliatei, aparținea următoarei generații de dramaturgi. Terence poate fi numit precursorul noii drame europene. Teatrul european s-a îndreptat în mod repetat către opera sa. Influența comediilor sale „Formion” și „Frații” se resimte în opera lui Moliere.

Teatrul roman al epocii imperiale.

În secolul I î.Hr., republica de la Roma a căzut. După asasinarea lui Cezar și victoria asupra lui Antonie în anul 31 î.Hr. Octavian a devenit împărat la Roma, iar ulterior a primit porecla de onoare Augustus („Sacru”). Augustus a înțeles bine semnificația socială a teatrului și a contribuit în orice mod posibil la dezvoltarea lui. În primul rând, Augustus a dorit să reînvie tragedia tipului grec de pe scena romană, văzând în ea un mijloc de îmbunătățire și educare a moravurilor cetățenilor săi. Aceste aspirații ale lui Augustus au fost susținute de unul dintre poeții romani remarcabili, Horațiu, și s-au reflectat în „Știința poeziei”. Cu toate acestea, toate eforturile lui Augustus de a reînvia genul serios pe scena romană au fost fără succes.

Din tragedia epocii imperiale, nimic nu a ajuns la noi în afară de tragediile filosofului Seneca. Lucius Annaeus Seneca a fost tutorele împăratului Nero, la un moment dat a ocupat cele mai înalte funcții din stat, dar apoi a fost acuzat de conspirație împotriva împăratului și, la ordinul lui Nero, s-a sinucis tăindu-și venele. Seneca a început să scrie tragedii în ultimii ani viața, când atitudinea lui Nero față de el s-a schimbat și a fost forțat să-și exprime mai atent părerile asupra ordinii existente.

Organizarea de spectacole de teatru.

Spectacolele au avut loc la Roma în diferite sărbători legale. Piesele au fost reprezentate la festivalul patricienilor - Jocurile Romane, desfășurate în septembrie în cinstea lui Jupiter, Juno și Minervei; la Jocurile Apollo - în iulie. Nu a existat o clădire permanentă a teatrului în Roma până la mijlocul secolului I. BC; Senatul conservator s-a opus construirii lui. Pentru spectacole, în forum era de obicei ridicată o platformă de lemn de jumătate de înălțime de bărbat. O scară îngustă de 4-5 trepte ducea în zona scenei, de-a lungul căreia actorii urcau pe scenă.

În tragedie, acțiunea a avut loc în fața palatului. În comedii, peisajul înfățișa aproape întotdeauna o stradă a orașului cu fațadele a două sau trei case îndreptate spre ea, iar acțiunea se desfășura în fața casei. Publicul s-a așezat pe bănci în fața scenei. Dar uneori Senatul a interzis amenajarea locurilor în aceste teatre temporare: ședința la spectacole, în opinia Senatului, era un semn de efeminație. Toate structurile construite pentru jocurile de teatru s-au stricat imediat după finalizare.

Un eveniment pentru Roma a fost apariția primului teatru permanent construit din piatră. Acest teatru a fost construit în anul 55 î.Hr. Gnaeus Pompei cel Mare și putea găzdui până la 40 de mii de oameni. La sfârşitul secolului I. î.Hr La Roma au mai fost construite două teatre de piatră: Teatrul lui Balbus și Teatrul lui Marcellus. Din acesta din urmă, rămășițele zidului exterior, împărțit în trei etaje, care corespund celor trei niveluri interne, au supraviețuit până astăzi.

Teatrul Evului Mediu

Dramă liturgică și semiliturgică.

Una dintre formele de artă teatrală din Evul Mediu timpuriu a fost drama bisericească. Luptând împotriva rămășițelor teatrului antic, împotriva jocurilor rurale, biserica a căutat să folosească eficiența propagandei teatrale în scopuri proprii.

Deja în secolul al IX-lea, Liturghia a fost dramatizată și s-a dezvoltat un ritual de citire a episoadelor din legende despre viața lui Hristos, înmormântarea și învierea lui. Din aceste dialoguri se naște drama liturgică timpurie. Au existat două cicluri ale unei astfel de drame - cel de Crăciun, care povestește despre nașterea lui Hristos, și cel de Paște, care transmite povestea învierii sale. În drama liturgică de Crăciun, în mijlocul templului era așezată o cruce, apoi era învelită în material negru, ceea ce însemna îngroparea trupului Domnului.

În timp, drama liturgică devine mai complexă, costumele „actorilor” sunt diversificate, iar „instrucțiunile regizorului” sunt create cu indicarea precisă a testului și a mișcărilor. Preoții înșiși au făcut toate acestea. Organizatorii spectacolelor liturgice au acumulat experiență în scenă și au început să arate oamenilor cu pricepere înălțarea lui Hristos și alte minuni ale Evangheliei. Apropiindu-se de viață și folosind efecte de producție, drama liturgică nu mai atrăgea, ci distragea enoriașii de la slujbă. Dezvoltarea genului și-a ascuns autodistrugerea. Nevrând să renunțe la slujbele teatrului și neputând face față acesteia, autoritățile bisericești mută drama liturgică de sub arcadele bisericilor în pridvor. Se naște o dramă semiliturgică. Și aici teatrul bisericesc, formal fiind în puterea clerului, a căzut sub influența mulțimii orașului. Acum îi dictează deja gusturile, forțându-l să dea spectacole în târguri, nu sărbători bisericești și să treacă complet la limba sa maternă, pe înțelesul mulțimii. Preocupat de succes, clerul a început să selecteze mai multe subiecte de zi cu zi, iar materialul pentru drama semi-liturgică a devenit povestiri biblice, supuse interpretării de zi cu zi. Legendele biblice sunt supuse unui tratament poetic de-a lungul timpului. Se introduc și inovații tehnice: se stabilește în sfârșit principiul decorului simultan, când sunt prezentate simultan mai multe scene de acțiune; numărul de trucuri crește. Cu toate acestea, cu toate acestea, drama bisericească a continuat să mențină o legătură strânsă cu biserica. Drama a fost pusă în scenă pe pridvor, cu fonduri bisericești, repertoriul ei a fost alcătuit de clerici (deși participanții la spectacole, alături de preoți și laici). Astfel, combinând în mod complex elemente care se exclud reciproc, drama bisericească a existat multă vreme.

Dramă seculară.

Începutul mișcării realiste

Primii vlăstari ale unei noi mișcări realiste sunt asociate cu numele trouvère-ului (trobadur) Adam de La Halle (circa 1238-1287) din oraș francez Goblen. De La Al era pasionat de poezie, muzică și teatru. A trăit la Paris și Italia (la curtea lui Carol de Anjou) și a devenit destul de cunoscut ca poet, muzician și dramaturg.

În secolul al XIII-lea, curentul comediei era deja înecat de teatrul miracolului, care avea și el ca temă. evenimente de viață, dar a apelat la religie.

Miracol.

Numele „miracol” în sine provine din cuvântul latin „miracol”. Și într-adevăr, toate conflictele, uneori reflectând foarte puternic contradicțiile din viață, din acest gen au fost rezolvate datorită intervenției puteri divine- Sf. Nicolae, Fecioara Maria etc. Timpul însuși - secolul al XIV-lea, plin de războaie, tulburări populare și masacre inumane - explică dezvoltarea unui gen atât de controversat precum miracolul. Nu întâmplător o minune, care începea de obicei cu o imagine incriminatoare a realității, se termina întotdeauna cu un compromis, un act de pocăință și iertare, care practic însemna împăcare cu atrocitățile doar arătate, căci presupunea o posibilă persoană dreaptă în fiecare. ticălos. Acest lucru se potrivea atât conștiinței burghești, cât și bisericii.

Mister.

Perioada de glorie a teatrului de mistere a fost secolele XV-XVI, o perioadă de creștere rapidă a orașelor și de agravare a contradicțiilor sociale. Orașul a depășit deja în mare măsură dependența feudală, dar nu a căzut încă sub stăpânirea unui monarh absolut. Misterul a fost o expresie a înfloririi orașului medieval și a culturii sale. A apărut din așa-numitele „mistere mimice” - procesiuni ale orașului în cinstea sărbătorilor religioase, în onoarea călătoriilor ceremoniale ale regilor. De la aceste festivități a luat contur treptat un mister pătrat, folosind experiența timpurie a teatrului medieval. Spectacole de mister nu au fost organizate de biserică, ci de bresle și municipalități ale orașului. Autorii au fost figuri de un nou tip - teologi, avocați, doctori. În ciuda faptului că spectacolele erau regizate de burghezia superioară a orașului, piesele de mister erau o artă amator publică de masă. La spectacole au participat sute de oameni.

Misterul a arătat crearea lumii, răzvrătirea lui Lucifer împotriva lui Dumnezeu și miracole biblice. Misterul a extins gama tematică a teatrului medieval și a acumulat o vastă experiență scenică, care a fost folosită de genurile ulterioare ale Evului Mediu. Interpretul misterului a fost oamenii orașului. Episoade individuale ale uriașei reprezentații teatrale au fost reprezentate de reprezentanți ai diferitelor ateliere ale orașului. În același timp, misterul a oferit fiecărei profesii posibilitatea de a se exprima cât mai deplin posibil. Misterele au dezvoltat tehnica teatrală, au stabilit gustul oamenilor pentru teatru și au pregătit unele dintre trăsăturile dramei renascentiste. Dar până în 1548, societăților de mister, în special răspândite în Franța, li sa interzis să prezinte piese de mister: linia de comedie critică a teatrului de mister devenise prea vizibilă. Motivul morții ei este, de asemenea, că nu a primit sprijin din partea noilor forțe progresiste ale societății.

Mișcarea de reformă

Caracter antifeudal

Reforma s-a desfășurat în Europa în secolul al XVI-lea. Era de natură antifeudală și a luat forma unei lupte împotriva sprijinului ideologic al feudalismului - Biserica Catolică.

Mișcarea de Reformă afirmă principiul „comunicației personale cu Dumnezeu”, principiul virtuții personale. În mâinile burgherilor bogați, morala devine o armă de luptă atât împotriva feudalilor, cât și împotriva maselor urbane sărace. Dorința de a conferi sfințenie viziunii burgheze asupra lumii dă naștere teatrului moral.

Moralitate.

Moralitul a eliberat moralizarea atât de subiectele religioase, cât și de distragerile cotidiene și, fiind izolat, a dobândit unitate stilistică și o mai mare orientare didactică.

Farsă.

Farsa pătrată a devenit un gen teatral independent încă din a doua jumătate a secolului al XV-lea. Cu toate acestea, el a trecut printr-o cale lungă de dezvoltare ascunsă înainte de aceasta. Numele în sine provine din latinescul farta („umplere”). Și într-adevăr, organizatorii misterelor scriau adesea: „Inserați o farsă aici”. Spectacole vesele de Maslenitsa si spectacole populare dau naștere la „corporații stupide” - o asociație de funcționari judiciari mărunți, boemia urbană diversă, școlari și seminariști. În secolul al XV-lea, societățile clovnești s-au răspândit în toată Europa. Au existat patru organizații mari la Paris și au fost organizate parade regulate ale spectacolelor lor farse. În aceste parade, discursurile episcopilor, dezbaterile judecătorilor și intrarea regilor în oraș erau ridiculizate. Ca răspuns la aceasta, autoritățile seculare și spirituale i-au persecutat pe Farseri, i-au alungat din oraș și i-au aruncat în închisoare. Farsa este îndreptată cu tot conținutul și structura artistică către realitate. Își ridiculizează soldații care rădăcină, călugării care vând indulgențe, nobili aroganți și negustori zgârciți. Trăsăturile de caracter bine observate și conturate poartă material de viață ascuțit satiric. Principalele principii ale actoriei pentru farcerii au fost caracterizarea, adusă până la parodie caricaturală, și dinamismul, exprimând activitatea și veselia interpreților înșiși. Autoritățile monarhice și bisericești au atacat din ce în ce mai mult libera gândire urbană și una dintre formele acesteia - teatrul fars.

Farsa a avut o mare influență asupra dezvoltare ulterioară teatrul Europei de Vest. În Italia, commedia dell'arte s-a născut din farsă; în Spania - opera „părintelui teatrului spaniol” Lope de Rueda; iar în Anglia John Heywood și-a scris interludiile ca o farsă în Germania, Hans Sachs; în Franța, tradițiile farsale au hrănit arta genialului Moliere și a marelui Shakespeare.

A fost farsa care a devenit legătura dintre teatrul vechi și cel nou.

Teatru nou

Teatru (de la grecescul theatron - loc de spectacol, spectacol). Conceptul generic de teatru este împărțit în tipuri de artă teatrală: teatru de teatru, operă, balet, teatru de pantomimă etc. Originea termenului este asociată cu teatrul antic grecesc, unde așa erau numite scaunele din auditoriu. Cu toate acestea, astăzi sensul acestui termen este extrem de divers.

În timpul Epocii Luminilor, trecerea la cultura modernă. Un nou mod de viață și de gândire lua contur, ceea ce însemna că se schimba și conștiința de sine artistică a unui nou tip de cultură. Denumirea „Iluminism” caracterizează bine spiritul general al acestei mișcări în domeniul vieții culturale și spirituale, care își propune să înlocuiască opiniile bazate pe autorități religioase sau politice cu cele rezultate din cerințele minții umane.

secolul al XVIII-lea a dat culturii lumii artiști și teoreticieni remarcabili ai artei teatrale precum Sheridan în Anglia, Voltaire, Diderot, Beaumarchais în Franța, Lessing, Goethe, Schiller în Germania, Goldoni în Italia. Dominația rațiunii a dus la faptul că arta iluminismului suferea de raționalitate o analiză rațională a vieții necesita forme ordonate;

Cu toate acestea, iluminatorii, care vedeau idealul omului într-o personalitate armonioasă, nu puteau neglija exigențele simțirii când era vorba de artă. Teatrul Iluminismului exprima remarcabil, atât prin conținut, cât și prin metodă, o nouă viziune asupra lumii, adecvată epocii.

Teatrul în epoca iluminismului în Anglia.

Publicul de teatru din secolul al XVIII-lea a devenit mult mai democratic. În tarabele au fost instalate bănci simple pentru orășeni. Rafturile erau pline de servitori, studenți și mici meseriași. În timpul spectacolelor, publicul a fost foarte activ, reacționând animat la ceea ce s-a arătat pe scenă.

Astfel, în Anglia, teatrul iluminismului a criticat viciile sistemului burghez în curs de dezvoltare. Apare o nouă doctrină ideologică a teatrului: publică şi educație morală privitor. Această doctrină se încadrează perfect în tradițiile puritane din Anglia - ulterior puritanii și-au înmuiat poziția în raport cu arta teatrală și nu au mai luptat împotriva teatrului ca atare, ci pentru reformarea acestuia: eradicarea imorității și transformarea teatrului într-un instituţie utilă social.

Documentul programului Reformarea teatrului a fost tratatul teologului puritan Jeremy Collier împotriva teatrului aristocratic. Scurtă prezentare generală imoralitatea și răutatea scenei engleze (1698). Acest tratat a determinat moralizarea și didacticismul emfatic al teatrului englez de-a lungul aproape întregului secol al XVIII-lea. Lucrările unor dramaturgi precum Joseph Addison (Cato, Toboșul), Richard Steele (Amantul mincinos sau Prietenia femeilor; Soțul fără griji), Samuel Johnson (Irene), Colley Cibber (Soțul fără griji; Ultima ofertă a soției; The Sotul Iritat) s-a dezvoltat in aceasta directie).

În 1731, în prefața piesei sale The London Merchant, or the History of George Barnwell, dramaturgul George Lillo a publicat un manifest al unui nou program estetic - o teorie realistă a dramei burgheze. El se opune restricțiilor de clasă ale tragediei, care a scos în evidență doar persoane de rang înalt drept eroi. Fără a-și ascunde ostilitatea față de aristocrație, el cere ca tragedia să devină un conducător al ideilor morale ale burgheziei. Zece ani mai devreme, în 1721, a apărut în Anglia piesa anonimă „Nebunia fatală”, scrisă pe una dintre temele preferate ale dramei burgheze - despre consecințele dezastruoase ale pasiunii jocurilor de noroc. Apoi piesa a trecut practic neobservată - timpul pentru un nou gen nu venise încă. Dar acum problemele burgheze au devenit la mare căutare în rândul telespectatorilor.

Tendințele satirice în dramaturgie au fost dezvoltate cu succes de Henry Fielding („Don Quijote în Anglia”; „Grabstreet’s Opera, or Under the Shoe of the Wife”; „ Calendar istoric pentru 1736"). Severitatea denunțului satiric a dus în 1737 la publicarea unei legi guvernamentale privind cenzura teatrală, care a pus capăt satira politică. Atenția dramaturgilor și educatorilor s-a concentrat asupra comediei de maniere, care a oferit prilejul pentru cel puțin satiră socială. Cele mai interesante lucrări de comedie de maniere din această perioadă aparțin stiloului lui Oliver Goldsmith (Bine; Noaptea erorilor) și Richard Sheridan (Rivals; School of Scandal).

Cel mai bun reprezentant al artei artistice engleze a fost celebrul David Garrick (1717-1779), umanist și educator pe scenă. A promovat cu succes dramaturgia lui Shakespeare, jucând rolurile lui Hamlet, Lear și alții.

Sfârșitul secolului al XVIII-lea marcat în Anglia de apariția unui nou gen – tragedia „coșmarurilor și ororilor”, care a fost predecesorul unei noi mișcări estetice – romantismul. Creatorul acestui gen a fost Horace Walpole. Deși a scris o singură piesă, „Mama misterioasă” (1768), înfățișând povestea pasiunii incestuoase, scriitorul a avut o mare influență asupra dramei preromantice și romantice.

Teatrul francez al secolului al XVIII-lea.

Procesul de democratizare a societății din perioada iluminismului a adus la viață un nou gen dramatic - drama burgheză, ai cărei creatori în Franța au fost D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier.

Neajunsurile dramei burgheze și ale „comediei pline de lacrimi” au fost depășite în comediile lui P. O. Beaumarchais „Bărbierul din Sevilla” (1775) și „Căsătoria lui Figaro” (1784), în care tradițiile lui Moliere au fost reînviate cu o vigoare reînnoită și cele mai bune trăsături ale esteticii educaționale au fost întruchipate.

Aspirațiile eroice și civice ale dramei educaționale au fost dezvăluite cu cea mai mare forță în timpul revoluției burgheze franceze de la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Tragediile lui M. J. Chenier, impregnate de patos antifeudal (Carol IX, 1789, Henric al VIII-lea, 1791, Jean Calas, 1791, Caius Gracchus, 1792), au fost exemple ale dramaturgiei clasicismului revoluționar.

În Franța, filozoful iluminist Voltaire, îndreptându-se în drama sa spre ardere probleme publiceși denunțând despotismul, a continuat să dezvolte genul tragediei.

În același timp, pe scena franceză s-a menținut tradiția comedio-satiric. Astfel, Lesage (1668-1747) în comedia „Turcare” a criticat nu numai nobilimea în decadență, ci și burghezia cămătărie. A căutat să creeze comedii pentru teatrul popular de masă.

Un alt educator și dramaturg, Denis Diderot (1713-1784), a apărat pe scenă adevărul și naturalețea. Pe lângă o serie de piese („Fiul rău”, „Tatăl familiei”, etc.), Diderot a scris un tratat „Paradoxul actorului”, unde a dezvoltat teoria actoriei.

În producțiile tragediilor educaționale ale lui Voltaire a apărut un nou tip de actori, capabili să exprime patosul civic al temelor eroice și acuzatoare.

Teatrele de târguri și bulevarde au ocupat un loc important în dezvoltarea teatrului în timpul iluminismului în Franța. Genul teatrului echitabil era pantomime, farse, piese de moralitate și fastachtspiels, ale căror spectacole se bazau pe arta improvizației. Erau spectacole adesea satirice, cu elemente de grotesc și bufonerie, pline de umor crud. La târguri au jucat și dansatori de frânghie, jongleri și animale dresate – prototipuri de actori de circ. Au folosit pe scară largă parodia și satira. Caracterul democratic al acestei arte a provocat atacuri asupra ei din teatrele privilegiate.

Formarea teatrului german.

Adevăratul creator al teatrului național german a fost cel mai proeminent scriitor iluminist german Gotthold-Ephraim Lessing (1729 -1781). A creat prima comedie națională germană „Minna von Barnholm”, tragedia antifeudală „Emilia Galotti” și o serie de alte lucrări dramatice. În tragedia educațională „Nathan cel înțelept”, autorul a vorbit împotriva fanatismului religios.

În celebra carte „Hamburg Drama”, Lessing și-a prezentat opiniile despre estetică și teoria dramei. G. E. Lessing este creatorul dramei sociale, comediei naționale și tragediei educaționale, teoreticianul teatrului și fondatorul mișcării realiste în teatrul german din secolul al XVIII-lea.

Ideile iluministe au avut o mare influență asupra actoriei germane, aducând-o mai aproape de realism. Cel mai proeminent actor din Germania în acești ani a fost Friedrich Ludwig Schröder (1744-1816), asociat cu ideile de „sturm și stres”. În anii 70 secolul al XVIII-lea V arta germană a apărut o nouă mișcare numită „furtună și stres”.

Ea reflecta mișcarea celor mai avansate cercuri ale burgheziei, cu minte revoluționară, care au luptat împotriva feudalismului și absolutismului. Cei mai mari poeți și dramaturgi germani, Goethe și Schiller, au participat la această mișcare. În 1777, a fost deschis Teatrul Național Mannheim, care a devenit unul dintre cele mai mari teatre germane din anii 80-90. În secolul al XVIII-lea s-a desfășurat acolo activitatea actorului, regizorului și dramaturgului A.V. A implantat dramaturgia burghezo-filistină pe scena de la Mannheim (piesele proprii, precum și piesele lui A. Kotzebue), ceea ce a determinat chipul creator al teatrului.

La sfârşitul secolului al XVIII-lea. Dezvoltarea teatrului german este asociată cu activitățile marilor dramaturgi germani J. W. Goethe și F. Schiller în teatrul din Weimar. Aici, pentru prima dată în Germania, au fost puse în scenă cele mai mari opere ale dramei clasice mondiale (Goethe, Schiller, Lessing, Voltaire și alții), au fost puse bazele artei regiei și principiul unui ansamblu actoricesc subordonat unui a fost implementat un singur concept artistic.

Goethe în programul său teoretic și practica artistică a afirmat principiile creării unui teatru monumental care să respecte standardele stricte ale artei antice. „Școala de actorie de la Weimar” era opusă școlii de la Mannheim și era mai apropiată de cea clasicistă.

teatru italian.

În ciuda înapoierii sale economice și politice, Italia s-a remarcat prin bogăția și diversitatea vieții sale teatrale. Prin secolul al XVIII-lea Italia avea cel mai bun teatru muzical din lume, în care se distingeau două tipuri - opera serioasă și opera comică (opera buffa). A existat un teatru de păpuși și peste tot se făceau spectacole de comedia dell'arte.

Cu toate acestea, reforma teatru de teatru se prepara de mult timp. În Epoca Luminilor, comedia improvizată nu mai îndeplinea cerințele vremii. Era nevoie de un teatru nou, serios, literar. Comedia măștilor nu putea exista în forma ei anterioară, dar realizările sale trebuiau păstrate și transferate cu atenție în teatru nou.

Pătrunderea ideilor iluminismului în teatrul italian a fost însoțită de o lungă luptă împotriva formalismului și a lipsei de idei pe scena teatrului. Un inovator în Italia a fost remarcabilul dramaturg Carlo Goldoni (1707 -1793). A creat o nouă comedie de personaje. În loc de improvizație, spectacolul s-a bazat pe un text literar.

A doua jumătate a secolului al XVIII-lea a intrat în istoria Italiei ca o perioadă de războaie teatrale. I s-a opus starețul Chiari, un dramaturg mediocru și deci inofensiv, dar principalul său adversar, egal cu el ca talent, a fost Carlo Gozzi. Gozzi a apărat teatrul măștilor, punându-și sarcina de a reînvia tradiția comediei improvizate. Și la un moment dat părea că a reușit. Și deși Goldoni a lăsat loc improvizației în comediile sale, iar Gozzi însuși a notat în cele din urmă aproape toate operele sale dramatice, disputa lor a fost crudă și fără compromisuri. Pentru că principalul nerv al confruntării dintre cei doi mari venețieni este incompatibilitatea pozițiilor lor sociale, viziuni diferite asupra lumii și a omului.

Carlo Gozzi (1720-1806) a fost un dramaturg talentat. În efortul de a-și contrasta repertoriul cu comediile lui Goldoni, Gozzi a dezvoltat genul basmelor teatrale. Acestea sunt piesele sale „Dragostea pentru trei portocale”, „Regele cerbului”, celebra „Prițesa Turandot”, „Femeia șarpe” și altele. Datorită ironiei lor bogate și umorului bogat, basmele talentate ale lui Gozzi pentru scenă sunt încă populare și astăzi.

Cel mai mare autor de tragedii a fost Vittorio Alfieri. Nașterea tragediei din repertoriul italian este asociată cu numele său. A creat o tragedie civilă aproape de unul singur. Patriot pasionat care visa să-și elibereze patria, Alfieri s-a opus tiraniei. Toate tragediile sale sunt impregnate de patosul eroic al luptei pentru libertate.

Alfieri a susținut că poporul ar trebui să primească libertatea din mâinile aristocrației el a afirmat libertatea persoanei umane, a cărei voință este supusă doar rațiunii și simțului datoriei; În tratatul său „Despre prinț și literatură” (1778-86), Alfieri a definit sarcina poeziei dramatice ca trezirea sentimentelor de virtute și dragoste de libertate. Tragediile lui Alfieri Saul, Filip, Virginia, Brutus I și Brutus II au contribuit la dezvoltarea teatrului italian.

Teatrul danez al Iluminismului.

Teatrul profesional din Danemarca a apărut în secolul al XVIII-lea, crearea lui a fost cauzată de economice și dezvoltare culturalăţări. Pe 23 septembrie 1722, teatrul de scenă danez a fost deschis la Copenhaga cu piesa „Avarul”, iar în curând a avut loc premiera primei comedii a lui L. Holberg „Omul de tinichea-politician”.

În 1728, reprezentanții cercurilor curții au realizat închiderea Scenei Daneze. Teatrul și-a reluat activitatea abia în 1748 (în localurile din Piața Regală). În 1770 a primit numele de Regal și a intrat în jurisdicția Ministerului Curții. În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. Teatrul a pus în scenă singspiele, comedii de J. Ewald, tragedii de Voltaire și epigonii săi danezi, dar baza repertoriului teatrului a continuat să fie dramaturgia lui Holberg.

Un rol proeminent în promovarea ideilor iluminismului în Danemarca l-a jucat opera lui I. X. Wessel, autorul tragediei parodie „Dragoste fără ciorapi” (1772), care a continuat tradițiile lui Holberg.

Teatrul Iluminismului este unul dintre cele mai izbitoare și semnificative fenomene din istoria culturii mondiale; aceasta este o sursă puternică de artă teatrală europeană - pentru toate timpurile. Noul teatru s-a născut din nevoia de a turna energia tânără în acțiune. Și dacă vă puneți întrebarea în ce sferă de artă ar fi trebuit să rezulte această acțiune, această mare de distracție, atunci răspunsul este clar: desigur, în sfera teatrului.

În secolul al XVIII-lea teatrul european a trăit o mare și viata grea. Normele estetice, considerate absolute, și-au pierdut sensul de odinioară în această perioadă. De-a lungul unui secol, opiniile și gusturile s-au aflat în conflict constant, iar sălile s-au transformat de mai multe ori într-o arenă de ciocniri publice. Autorii au fost oponenți politici care, pentru prima dată, au aflat că ar putea exista și o luptă acerbă în arta lor.

Teatrul ca formă de artă nu este păstrat în astfel de monumente materiale precum pictura și sculptura, precum și operele de literatură și muzică. Dar istoria teatrului povestește despre marii actori ai trecutului, cum au jucat, ce aspirații ale contemporanilor lor au întruchipat în actoria lor, ce cerințe ale timpului la care au răspuns.

Viața de teatru Rusia XIX secol.

La începutul secolului al XIX-lea s-a format o rețea de teatre imperiale rusești, care au fost administrate
„Ministerul Curții Majestății Sale Imperiale”. În subordinea curții existau trei teatre la Sankt Petersburg - Alexandrinsky, Mariinsky și Mihailovski - și două la Moscova - teatrele Bolșoi și Maly.

Odată cu apariția pieselor de teatru de A.N. Ostrovsky, I.S. Turgheniev, proză de F.M. Dostoievski, poezia lui Nekrasov, realismul a venit în cultura rusă.

Arta actoriei s-a schimbat odată cu dramaturgia, rupând vechile idei despre ce este adevărul pe scenă. 16 noiembrie 1859 a fost ziua premierei piesei lui Ostrovsky „Furtuna” la Teatrul Maly. O furtună a izbucnit în jurul spectacolului. Prima interpretă a rolului Katerinei a fost minunata actriță L.P. Nikulina - Kositskaya. Cu piesele lui Ostrovsky, elementele vieții rusești au izbucnit pe scenă, noi, suculente și limbaj modern. Actorii lui Maly au strălucit în piesele lui Ostrovsky de-a lungul deceniilor următoare. G.N. Fedotova, M.N. Ermolova este o actriță minunată a Teatrului Maly.

Artiștii ruși din prima jumătate a secolului al XIX-lea M.S. Shchepkin, P.S. Mochalov, V.A. Karatygin a rămas în memoria descendenților ca figuri din legendă. Șcepkin a jucat aproape 600 de roluri în piese de Shakespeare, Moliere, Gogol, Ostrovsky și Turgheniev. El a fost unul dintre primii care a afirmat realismul în teatrul rus, a creat adevărul pe scena rusă.

Mochalov este direct opusul lui Shchepkin. A jucat roluri principale în piese de teatru rusesc și occidental - Hamlet al lui Shakespeare, Karl Moor în drama lui Schiller The Robbers, Chatsky in Woe from Wit.

În producții de piese, actorii ruși au creat imagini care au intrat în istoria artei teatrale. Publicul i-a admirat pe Ekaterina Semyonova și Alexei Yakovlev. Acești actori s-au transformat complet în persoana pe care o reprezentau. Treptat, Teatrul Maly a început să se specializeze în producții dramatice, iar Bolșoi în operă și balet.

Teatrul Bolșoi Petrovsky 1825-1853

Deschiderea Teatrului Bolșoi Petrovsky la 6 ianuarie 1825 a fost foarte solemnă. Spectatorii care au vizitat noul teatru în acea seară au fost șocați de noblețea designului arhitectural și a implementării acestuia, de amploarea fără precedent a clădirii și de frumusețea decorului auditoriului său.

Scriitorul Serghei Aksakov își amintește: „Teatrul Bolșoi Petrovsky, care a ieșit din ruine vechi, carbonizate... m-a uimit și m-a încântat... Magnifica clădire imensă, dedicată exclusiv artei mele preferate, doar prin înfățișarea sa m-a adus într-o emoție veselă. ..”

Înainte de începerea spectacolului, publicul l-a chemat pe scenă pe constructorul de teatru Osip Bove și i-a acordat aplauze.

Într-o dimineață înnorată și geroasă de 11 martie 1853, dintr-un motiv necunoscut, în teatru a început un incendiu. Flăcările au cuprins instantaneu întreaga clădire, dar focul a izbucnit cu cea mai mare forță pe scenă și în sală. „A fost înfricoșător să privești acest uriaș cuprins de foc”, a descris un martor ocular „Când ardea, ni s-a părut că o persoană dragă nouă, care ne-a înzestrat cu cele mai frumoase gânduri și sentimente, moare. în fața ochilor noștri...”

Timp de două zile moscoviții s-au luptat cu flăcările, iar pentru a treia zi clădirea teatrului semăna cu ruinele Colosseumului roman. Rămășițele clădirii au mocnit aproximativ o săptămână. Costumele de teatru culese de la sfârșitul secolului al XVIII-lea, peisaje excelente pentru spectacole, arhivele trupei, o parte din biblioteca muzicală și instrumente muzicale rare s-au pierdut iremediabil în incendiu.

Proiectul noii clădiri a teatrului, întocmit de profesorul A. Mikhailov, a fost aprobat de împăratul Alexandru I în 1821, iar construcția ei a fost încredințată arhitectului Osip Bova.

Unul dintre cele mai mari teatre Europa, a fost construit pe locul unei clădiri de teatru ars, dar fațada era îndreptată spre Piața Teatralnaya...

Teatrul Bolșoi(1856-1917)

La 20 august 1856, Teatrul Bolșoi restaurat a fost deschis în prezența lui familia regalăși reprezentanți ai tuturor statelor cu opera lui V. Bellini „Puritanii” interpretată de o trupă italiană. Baletul din Moscova din această perioadă își datorează succesele talentului francezului Marius Petipa, care s-a stabilit la Sankt Petersburg. Coregraful a venit de mai multe ori la Moscova pentru spectacole. Cea mai semnificativă dintre lucrările sale de la Moscova a fost „Don Quijote” de L. Minkus, prezentată pentru prima dată în 1869. Petipa a transferat ulterior ediția de la Moscova a acestui balet pe scena din Sankt Petersburg.

Lucrarea lui P. Ceaikovski a fost de mare importanță pentru dezvoltarea culturii spectacolului. Debuturile compozitorului în muzica de operă - „Voevoda” (1869) și muzica de balet - „ Lacul Lebedelor„(1877) a avut loc pe scena Teatrului Bolșoi. Aici a luat naștere opera „Eugene Onegin” (1881), prima încercare pe scena mare după producția Conservatorului din 1879; Opera „Mazeppa” a fost lansată pentru prima dată (1884), unul dintre vârfuri creativitatea operistică compozitor; versiunea finală a operei „Blacksmith Vakula”, care a primit noul nume „Cherevichki” în reprezentația din 1887.

O reprezentație memorabilă în analele teatrului a fost prima reprezentație pe 16 decembrie 1888 a dramei populare a lui I. Mussorgsky „Boris Godunov”. Prima dintre operele lui N. Rimski-Korsakov care a văzut lumina scenei Teatrului Bolșoi a fost „Crăiasa zăpezii” (1893), iar apoi „Noaptea de dinainte de Crăciun” (1898). În același 1898, teatrul a prezentat pentru prima dată publicului opera lui A. Borodin „Prințul Igor”, iar doi ani mai târziu, iubitorii de artă coregrafică au făcut cunoștință cu baletul „Raymonda” al lui A. Glazunov.

Trupa de operă a teatrului de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea include mulți cântăreți remarcabili. Printre numele glorioase ale anilor trecuți se numără Eulalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Hokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov etc. Cântăreții au apărut pe scena teatrului în acești ani, ale căror nume au devenit curând cunoscute nu numai în Rusia, dar și în străinătate - Leonid Sobinov, Fyodor Chaliapin, Antonina Nezhdanova.

Activitatea în teatru a lui Serghei Rachmaninov, care s-a declarat și el însuși un muzician genial la standul dirijorului, a fost fructuoasă. Rachmaninov a îmbunătățit calitatea sunetului clasicelor operei rusești în teatru. Apropo, numele lui Rachmaninov este asociat cu transferul consolei dirijorului în locul în care se află anterior, dirijorul stătea în spatele orchestrei, cu fața la scenă.

În 1899, Frumoasa adormită a fost montată pentru prima dată la Teatrul Bolșoi. Producția acestui balet, care a stabilit parteneriatul dintre muzică și dans în teatrul de balet rus, a fost începutul unei lungi și fericite lucrări la Moscova pentru coregraful, libretistul și profesorul Alexander Gorsky. Un grup mare a lucrat cu el artiști talentați— Ekaterina Geltser, Vera Caralli, Sofia Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mihail Mordkin, dirijor și compozitor Andrei Arende etc. Pentru a proiecta o nouă producție a baletului „Don Quijote” (1900), Gorsky a invitat pentru prima dată tinerii artiștii Konstantin Korovin și Alexander Golovin, viitori mari maeștri ai picturii teatrale.

1911 Planul depus de Albert Kavos a câștigat concursul pentru restaurarea clădirii teatrului.

Kavos, menținând amenajarea și volumul clădirii Beauvais, a crescut înălțimea, a schimbat proporțiile și a reproiectat decorul arhitectural. În special, pe părțile laterale ale clădirii au fost construite galerii subțiri din fontă cu lămpi. Contemporanii au remarcat aspectul acestei colonade, deosebit de frumos seara, când o privești de la distanță, iar un șir de lămpi aprinse pare un fir de diamant care curge de-a lungul teatrului.

Grupul de alabastru al lui Apollo, care a decorat Teatrul Beauvais, a fost distrus într-un incendiu. Pentru a crea unul nou, Kavos l-a invitat pe celebrul sculptor rus Pyotr Klodt (1805-1867), autorul celebrelor patru grupuri ecvestre de pe podul Anichkov peste râul Fontanka din Sankt Petersburg.

Klodt a creat grupul sculptural acum faimos în întreaga lume împreună cu Apollo. A fost turnat în fabricile Ducelui de Lichtenberg dintr-un aliaj metalic placat cu cupru roșu.

La reconstrucția auditoriului, Kavos a schimbat forma sălii, îngustând-o spre scenă și a adâncit groapa orchestrei. În spatele tarabelor, unde era o galerie, a construit un amfiteatru. Dimensiunile auditoriului au devenit: adâncime și lățime aproape egale - aproximativ 30 de metri, înălțime - aproximativ 20 de metri. Sala a început să găzduiască peste 2000 de spectatori.

În această formă, Teatrul Bolșoi a supraviețuit până în zilele noastre, cu excepția unor reconstrucții minore interne și externe.

Teatrul este un miracol al lumii umane.

Teatru

substantiv, m., folosit adesea

Morfologie: (nu) ce? teatru, ce? teatru, (vezi) ce? teatru, Cum? teatru, despre ce? despre teatru; pl. Ce? teatre, (nu) ce? teatre, ce? teatre, (vezi) ce? teatre, Cum? teatre, despre ce? despre teatre

1. Teatru este o formă de artă, o reprezentație scenă a unor lucrări dramatice interpretate de actori în fața unui public.

Teatru amator și profesionist. | Teatru european, oriental. | Teatru de măști, miniaturi, pantomimă. | Implică-te în teatru. | Cunoaște bine teatrul și mai ales baletul.

2. Teatru numită organizație care organizează spectacole și pune în scenă spectacole.

3. Teatru numită clădirea în care au loc spectacolele.

Teatru de lux, confortabil. | Teatru cu o mie de locuri. | Construcția, reconstrucția teatrului. | Foyer, auditoriul teatrului. | Reconstruiți și reparați teatrul.

4. Teatru de vară numit foișor în parc, unde se fac spectacole de amatori în sezonul cald.

5. Teatru cu un singur om numită reprezentație dramatică care este jucată și interpretată de o singură persoană.

6. Home theater se numesc spectacole de amatori care sunt realizate de membrii aceleiași familii pentru rude, invitați etc.

7. Teatru de umbre numită pantomimă manuală, în care umbrele de pe un perete sau ecran reprezintă animale, oameni și mișcare.

O lumină de noapte ardea în spatele cortinei și un teatru de umbre cunoscut se juca pe ecran.

8. Teatrul anatomic este o unitate spitalicească care este folosită pentru a instrui studenții la medicină în tehnicile de autopsie și disecție a cadavrelor.

9. Teatrul de război- Aceasta este o zonă pentru operațiuni de luptă pe scară largă ale armatei în timpul războiului.

Părăsiți teatrul de operațiuni.

Dicţionar Limba rusă Dmitriev.

D. V. Dmitriev.:

2003.

Sinonime Vedeți ce înseamnă „teatru” în alte dicționare: teatru

- teatru... dicţionar Nanai-rusă- (de la grecescul theatron loc pentru spectacole, spectacol), un tip de clădire arhitecturală destinată spectacolelor de teatru. Primul clădirile teatrului

a apărut probabil în secolul al VI-lea. î.Hr e. în Grecia Antică. Erau deschisi si... Enciclopedie de artă

Dacă doi oameni vorbesc și un al treilea le ascultă conversația, acesta este deja teatru. Teatrul Gustav Holoubek este o secție din care poți spune mult bine lumii. Nikolai Gogol Să nu confundăm teatrul cu biserica, căci este mai greu să transformi o cabină într-o biserică decât... Enciclopedie consolidată a aforismelor TEATRU, teatru, soț. (teatron grecesc). 1. numai unități Artă care constă în a înfățișa, a reprezenta ceva în persoane, realizat sub forma unui spectacol public. Muzica și teatrul sunt cele mai puternice hobby-uri ale lui. epoca sovietică

Teatru mare lucru... Dicționarul explicativ al lui Ushakov

- Teatru. Reprezentare a tragediei grecești antice. TEATRUL (din grecescul theatron, un loc pentru spectacol, spectacol), un tip de artă, al cărui mijloc specific de exprimare este acțiunea scenică care ia naștere în procesul de interpretare a unui actor în fața unui public...

Dicţionar Enciclopedic Ilustrat Teatrul 19 ... Wikipedia

TEATRU, huh, soț. 1. Arta de a prezenta lucrări dramatice pe scenă; tocmai o astfel de performanță. Muzică etc. Implicați-vă în teatru. 2. O întreprindere de divertisment, o sală în care pe scenă sunt prezentate astfel de lucrări. Dramatic, operatic...

Dicționarul explicativ al lui Ozhegov Album Teatru Studio de Irina Allegrova Data lansării 25 noiembrie 1999 ... Wikipedia

Scenă, scenă, scenă, cabină. Vezi locul... Dicționar de sinonime rusești și expresii similare. sub. ed. N. Abramova, M.: Dicționare rusești, 1999. teatru de arena, templul lui melpomene, scenă (teatru), artă teatrală, dramaturgie, ... ... Dicţionar de sinonime

Începuturile artei teatrale au existat în societatea primitivă, înainte de apariția civilizațiilor timpurii. Arta teatrală ca atare a apărut în Orient, în Grecia antică și Roma, iar apoi a continuat să se dezvolte în Europa de Vest medievală și renascentista și în Rusia.

Revenind la trecutul istoric al teatrului, aș dori să remarc că diverse spectacole și spectacole au existat de atunci timpuri străvechi. Acest lucru se datorează diferitelor circumstanțe. În primul rând, aceasta este nevoia de odihnă, în al doilea rând, cunoașterea și descoperirea de sine, a lumii, a sufletului uman și în al treilea rând, manipularea conștiinței publice. Reflecție artistică realitatea a fost realizată prin acţiune dramatică. Interacțiunea personajelor, dezvăluirea conflictelor psihologice sau sociale, încercarea de a atrage spectatorul să participe la implementarea planului - aceasta este ceea ce stă la baza acțiunii teatrale.

Contextul istoric al formării spectacolelor de teatru apare în perioada primitivă. De regulă, aceste ritualuri erau însoțite de vrăji, cântând, dans și cântând la instrumente muzicale antice. Ritualurile au inclus și diverse spectacole legate direct de viața triburilor. Un rol important l-au jucat atributele și ținuta unui vrăjitor sau șaman, care a creat și efecte sonore, sporind impactul asupra spectatorilor și participanților la acțiune. Sărbătorile cu elemente teatrale au fost organizate în onoarea zeilor, care erau identificați cu forțele naturii, fenomene naturaleși elementele. Așa au apărut primele spectacole cu caracter teatral.

Întreaga performanță a avut ca scop implicarea număr mare oameni, toți au devenit participanți la ceea ce se întâmpla. Amploarea în masă a ceea ce se întâmpla depindea de scopul acțiunii, adică. acestea erau rituri și ritualuri adresate zeilor – se presupunea că zeii văd totul și sunt incluși în ceea ce se întâmplă. Spectacolele primitive, de regulă, erau efectuate de preoți, despre care se credea că sunt înzestrați cu puteri magice și puteau cere favoruri de la zei: vânătoare reușită, ploaie în timpul secetei etc. Unii preoți „au intrat în contact” cu zeitățile direct în timpul îndeplinirii unui rit sau ritual. Acest lucru a creat un sentiment de a fi ales, care s-a reflectat nu numai în lucrările teatrului, ci și în picturile rupestre care surprindeau tot ce se întâmpla. A apărut o înțelegere a unui fel de „profesionalizare” a anumitor elemente ale spectacolului teatral. Se părea că este posibil să se dovedească recunoașterea cuiva în fața zeilor prin îmbunătățirea dialogului sau monologului. Astfel, primii „profesioniști” ai formelor teatrale arhaice au fost preoții și șamanii. Mai târziu, au fost înlocuiți de bocitori, cântăreți și dansatori. Ei au glorificat vechii zei egipteni, greci, romani, slavi: Osiris, Dionysus, Astarte, Baal, Saturn, Yarila, Kolyada și alții.

Preoții și șamanii, realizând impactul ritului și ritualurilor asupra societății, și-au șlefuit abilitățile, au câștigat putere și autoritate, iar acțiunile rituale cu teatralizare au început să fie folosite de preoți ca cele mai importante mijloace să gestioneze opinia publică și să mențină ordinea. Treptat, încep să prindă contur funcțiile teatrului: sociale, religioase, ideologice. Acest lucru a fost realizat datorită numărului mare de participanți la ritual și a gradului ridicat de implicare emoțională a fiecărui membru al echipei în acesta. Este nevoie de alte tipuri de artă ( pictură pe stâncă, mică sculptură - figurine ale Mamei Pământ, animale totem etc., costume sau veșminte ale celor care participau la ritual), care au îmbogățit spectacolele teatrale și au contribuit la crearea efectului unei experiențe de masă. Prin urmare, s-a crezut de mult timp că teatrul este un mijloc puternic de manipulare a conștiinței publice, cu ajutorul căruia sunt insuflate idei politice, juridice, sociale și de altă natură.

Nu se poate să nu menționăm funcția de divertisment a teatrului, care de cele mai multe ori are prioritate. În același timp, divertismentul, de regulă, are un subtext ascuns și uneori distrage atenția de la problemele presante din societate. Este suficient să ne amintim sloganul gloatei romane în epoca puterii imperiale: „Pâine și circ” (lat. Rapet et circenses). Teatrul a fost folosit pe scară largă de structurile de putere pentru a-și atinge obiectivele. În plus, teatrul nu numai că a distrat, dar a generat și venituri. La Roma se vindeau bilete din os. Construcția Teatrului lui Marcellus a fost finalizată (13 î.Hr.), ceea ce era foarte convenabil pentru spectatori. Publicul a reacționat violent la ceea ce se întâmpla pe scenă, exprimându-și aprobarea sau indignarea cu exclamații și strigăte. Pentru o acțiune proastă ar fi putut fi răniți.

Este important de menționat că ritualurile și ritualurile au avut o strânsă legătură cu componenta artistică a oricărei spectacole. Ei au acționat ca bază a unui cult, a unei sărbători și, ca urmare a tuturor acestor lucruri, a unui spectacol de teatru. Și deși relația dintre ritual sau rit și toate tipurile de artă poate fi urmărită, teatrul, ca una dintre cele mai vechi forme de artă, a fost cel care a reușit să păstreze acea formă de construcție rituală a acțiunii care îi este caracteristică numai.

Interacțiunea strânsă dintre teatru și ritual poate fi observată în toate sistemele teatrale ale antichității, dar prezența magiei era obligatorie în acele vremuri. Ritualul putea fi desfășurat fără ajutorul spectacolelor de teatru, pur și simplu efectul percepției era sporit atunci când acestea coexistau armonios. Spectacol teatral, în funcție de scop, avea semnificație națională, deoarece nerespectarea schemelor rituale obligatorii amenința cu dezastru pentru oameni. Pe baza acestui fapt, mai târziu au început să împartă spectacolele în ritual și divertisment.

Apariția primelor tragedii se bazează și pe acțiuni rituale. Conștiința umană era strâns legată de natură și de capacitățile ei. Numeroase culte au oferit hrană de gândire în aceste idei. Ei au demonstrat soarta crudă a unui erou care nu a respectat legile naturii sau a fost împotriva lor. Greutate elemente naturale au fost locuite de spirite și zeități care au fost prezente în diferite grade în spectacolele de teatru. Implicarea privitorului în ceea ce se întâmplă a devenit, parcă, precursorul dezvoltării prezentării tragediilor în Grecia. Nicio producție nu era completă fără un ritual sau un ritual magic.

Acțiunea scenică apărută în diferite epoci avea temei comune. Formele magice și rituale câștigau amploare chiar și atunci când au apărut primele state ale Orientului. Primele încercări de a crea spectacole profesionale au fost realizate pe motive religioase și au crescut pentru a include drame liturgice, tragedii, comedii, farse și mistere. În antichitate, teatrele s-au dezvoltat cu propriile tradiții, idei inovatoare și tehnologie de scenă. Forme interesante de ochelari s-au format în statele din Orientul Antic, în India, China și Japonia. În Europa de Vest în Evul Mediu creativitatea teatrală răspândit de actori ambulanți, în Franța aceștia erau trubaduri și trouvères, în Germania - minnesingeri, în Anglia - menestreli, în Rusia - bufoni, dar trebuie spus că din secolul al XI-lea. spectacolele lor au fost supuse interdicțiilor de către Biserica Ortodoxă.

Teatrul din Evul Mediu a acoperit cel mai adesea probleme religioase. Comedia populară italiană a măștilor este considerată pe bună dreptate un exemplu izbitor de teatru profesional. del arte (secolele XVI-XVII). Apărută în Italia în perioada Renașterii, „comedia științifică” a dat naștere unei abordări științifice și literare a operei scenice. În perioada Renașterii, teatrul a devenit staționar, iar în marile centre culturale au fost construite spații speciale pentru spectacole dramatice. De atunci, teatrul s-a dezvoltat rapid în toate țările lumii. Devine loc și mijloc de divertisment, atrage masele în cercul său, apar dramaturgi și regizori, actori și mari opere.

Timp nou a cerut noi abordări ale prezentării acțiunii dramatice: poetica clasicismului și barocului sunt strâns asociate cu teatrul, un aspect important este apelul constant la lucrările teoretice ale lui Aristotel și Horațiu. Aspectul ideologic se reflectă direct în spectacolele de atunci. În timpul Iluminismului, publicul de teatru a devenit democratic și a apărut o nouă galaxie de dramaturgi și teoreticieni ai teatrului - Voltaire și Diderot în Franța și Lessing în Germania. Apare o nouă doctrină ideologică a teatrului. Până la apariția cinematografiei, teatrul își va menține o poziție stabilă.

O atenție deosebită acordată teatrului va continua până în al Doilea Război Mondial. Dar odată cu apariția cinematografiei, teatrul a fost nevoit să-și facă loc. Teatrul devine adesea de interes pentru profesioniști și fani ai teatrului și, într-o măsură mai mică, pentru spectatorul mediu. În prezent, interesul pentru teatru a fost reînviat, iar motivul noii înfloriri a artei teatrale poate fi considerat abordarea inovatoare a regizorilor și graficienilor față de repertoriul clasic, precum și apariția unor producții ultra-moderne care atrag atenția. a tinerilor. Numeroase festivaluri de teatru atrag un număr mare nu numai de specialiști și teoreticieni în teatru, ci și de spectatori obișnuiți.

Istoria teatrului este strâns legată de istoria statelor, prin urmare principalele surse de informare despre teatru sunt lucrările istorice, teoretice și memoriile, care reflectă reperele în dezvoltarea artei teatrale. În orice moment, teatrul a fost o parte integrantă a activității culturale, sociale și viata politica. Fiecare etapă din istoria teatrului este asociată cu nume autori celebri care a creat capodopere care ne fac mândri repertoriu teatral până astăzi. Dar arta teatrului este de moment, iar urmașii pot doar izvoare literare aflați despre succesul răsunător al anumitor producții, despre spectacolele unor actori marcanți din trecut.

Vom urmări dezvoltarea teatrului într-o anumită perioadă de timp și locul său în cultura mondială.