Des images sur la liberté. « la liberté sur les barricades » et le thème révolutionnaire dans l'art mondial

L'un des maîtres les plus célèbres du romantisme a eu une forte influence sur la peinture française du XIXe siècle. Cependant, sur Delacroix fortement influencé par des maîtres anciens tels que Paolo Véronèse et Rubens, ainsi que par des artistes ultérieurs tels que Goya. L'expressivité romantique de l'artiste consistait en une combinaison d'éléments de peinture classiques, de couleurs baroques et de réalisme grunge. Le grand voyageur assimile les couleurs et les motifs de l’Afrique du Nord et de l’Espagne. L'artiste a adopté un style de peinture plus libre et plus coloré en communiquant avec les maîtres anglais John Constable et William Turner.

Synopsis

"La liberté guide le peuple" est une œuvre à la fois politique et allégorique. Le tableau, réalisé entre octobre et décembre 1830, est un exemple du romantisme français, mais développe également les idées du réalisme. Cette œuvre commémore la Révolution de Juillet 1830, qui renversa le roi de France Charles X et conduisit à l'accession au trône de son cousin Louis Philippe Ier. Exposée pour la première fois au Salon de Paris de 1831, où elle fit grand bruit en raison de sa signification politique. , la composition représentait la figure allégorique de la Liberté (connue sous le nom de Marianne, symbole national de la République française) conduisant son peuple à la victoire sur les corps de ses camarades tombés au combat. De la main droite elle brandit le drapeau tricolore, de la gauche elle tient un mousquet avec une baïonnette. En raison de son contenu politique, le film a longtemps été caché au public.

La liberté guide le peuple

Le tableau représente des rebelles de différentes classes sociales sur fond de cathédrale Notre-Dame, comme en témoignent leurs vêtements et leurs armes. Par exemple, l’homme brandissant un sabre est un représentant de la classe ouvrière, le personnage portant un chapeau est un représentant de la bourgeoisie et l’homme agenouillé est un villageois et probablement un constructeur. Les deux cadavres en uniforme au premier plan sont très probablement des soldats du régiment du roi. Le petit garçon est souvent associé à Gavroche, personnage du livre de Victor Hugo, même si le tableau a été peint vingt ans avant sa publication.

La composition est dominée par Freedom, ce qui a fait scandale parmi les premiers téléspectateurs. Delacroix la représente non pas comme une belle femme idéalisée, mais comme une militante sale, à moitié nue et musclée, enjambant les cadavres sans même y prêter attention. Les visiteurs de l'exposition à Paris ont qualifié la femme de commerçante ou même de prostituée. L'héroïne, malgré toutes les critiques, symbolise le jeune révolutionnaire et, bien sûr, la victoire.

Certains historiens de l'art affirment que Delacroix, lors de la création de sa Liberté, s'est inspiré de la statue de la Vénus de Milo (son auteur est considéré comme Alexandros d'Antioche), ce qui souligne le classicisme de la composition. Ceci est également démontré par le drapé classique de la robe jaune. La couleur du drapeau se détache intentionnellement sur la palette de couleurs grises de la toile.

Dans son journal, le jeune Eugène Delacroix écrit le 9 mai 1824 : « J'éprouvais le désir d'écrire sur des sujets modernes. » Ce n’était pas une phrase fortuite ; un mois plus tôt, il avait écrit une phrase similaire : « Je veux écrire sur les sujets de la révolution ». L'artiste avait déjà parlé à plusieurs reprises de son désir d'écrire sur des sujets contemporains, mais il a très rarement réalisé ces désirs. Cela s'est produit parce que Delacroix pensait que «... tout devait être sacrifié au nom de l'harmonie et de la transmission réelle de l'intrigue. Il faut se passer de modèles dans nos tableaux. Un modèle vivant ne correspond jamais exactement à l’image que l’on veut véhiculer : soit le modèle est vulgaire, soit inférieur, ou bien sa beauté est si différente et plus parfaite qu’il faut tout changer.

L'artiste préfère les sujets de romans à la beauté de son modèle vivant. « Que faut-il faire pour retrouver l’intrigue ? - se demande-t-il un jour. « Ouvrez un livre qui peut inspirer et faites confiance à votre humeur ! » Et il suit religieusement son propre conseil : chaque année, le livre devient pour lui de plus en plus une source de thèmes et d'intrigues.

Ainsi, le mur s'agrandit et se renforce peu à peu, séparant Delacroix et son art de la réalité. La révolution de 1830 le trouva si renfermé dans sa solitude. Tout ce qui, il y a quelques jours à peine, constituait le sens de la vie de la génération romantique a été immédiatement rejeté loin en arrière et a commencé à « paraître petit » et inutile face à l'énormité des événements qui s'étaient produits. L'étonnement et l'enthousiasme éprouvés ces jours-ci envahissent la vie solitaire de Delacroix. Pour lui, la réalité perd sa coquille repoussante de vulgarité et de vie quotidienne, révélant la vraie grandeur, qu’il n’y avait jamais vue et qu’il recherchait auparavant dans les poèmes de Byron, les chroniques historiques, la mythologie antique et en Orient.

Les journées de juillet ont résonné dans l'âme d'Eugène Delacroix avec l'idée d'un nouveau tableau. Les batailles de barricades des 27, 28 et 29 juillet dans l'histoire de France ont décidé de l'issue de la révolution politique. Ces jours-ci, le roi Charles X, dernier représentant de la dynastie des Bourbons détesté par le peuple, a été renversé. Pour la première fois, pour Delacroix, il ne s'agissait pas d'une intrigue historique, littéraire ou orientale, mais de la vraie vie. Cependant, avant que ce plan ne se réalise, il a dû traverser un chemin de changement long et difficile.

R. Escolier, biographe de l'artiste, écrit : « Au tout début, d'après la première impression de ce qu'il a vu, Delacroix n'entendait pas représenter la Liberté parmi ses adeptes... Il voulait simplement reproduire un des épisodes de juillet, tel comme la mort d'Arcole." Oui , alors de nombreux exploits ont été accomplis et des sacrifices ont été consentis. La mort héroïque de d'Arcole est associée à la prise de l'Hôtel de Ville de Paris par les rebelles. Le jour où les troupes royales tenaient sous le feu le pont suspendu de Greve, un jeune homme apparut et se précipita à la mairie. Il s'écria : « Si je meurs, rappelez-vous que je m'appelle d'Arcol. » Il fut effectivement tué, mais parvint à captiver le peuple avec lui et la mairie fut prise. Eugène Delacroix fit un croquis à la plume, qui, peut-être, , est devenu le premier croquis d'une peinture future. Le fait qu'il ne s'agissait pas d'un dessin ordinaire est démontré par le choix précis du moment, l'intégralité de la composition, les accents réfléchis sur les figures individuelles, le fond architectural organiquement fusionné avec l'action, et d'autres Ce dessin pourrait bien servir d'esquisse au futur tableau, mais le critique d'art E. Kozhina estimait qu'il ne restait qu'une esquisse, n'ayant rien de commun avec la toile que Delacroix peignit par la suite. figure de d'Arcol seul, se précipitant et captivant par son élan héroïque les rebelles. Eugène Delacroix transmet ce rôle central à Liberty elle-même.

L’artiste n’était pas un révolutionnaire et il l’avouait lui-même : « Je suis un rebelle, mais pas un révolutionnaire. » La politique ne l'intéressant que peu, il voulait décrire non pas un épisode éphémère isolé (même la mort héroïque de d'Arcol), ni même un fait historique isolé, mais la nature de l'événement tout entier. Ainsi, le lieu de l'action, Paris, ne peut être jugé que par un morceau, écrit dans le fond du tableau à droite (dans les profondeurs, l'étendard dressé sur la tour de la cathédrale Notre-Dame est à peine visible) et sur les maisons de la ville. l'immensité et l'ampleur de ce qui se passe, voilà ce que Delacroix communique à son immense toile et ce que l'image n'aurait pas donné à un épisode privé, même majestueux.

La composition de l'image est très dynamique. Au centre de l'image se trouve un groupe de personnes armées en tenue simple, elles se déplacent vers le premier plan de l'image et vers la droite. En raison de la fumée de poudre, la zone n’est pas visible et la taille de ce groupe lui-même n’est pas claire. La pression de la foule qui remplit les profondeurs du tableau forme une pression interne toujours croissante qui doit inévitablement éclater. Et ainsi, devant la foule, une belle femme avec une bannière républicaine tricolore dans la main droite et un fusil avec une baïonnette dans la gauche marchait à grands pas depuis un nuage de fumée jusqu'au sommet de la barricade prise. Sur sa tête se trouve un bonnet phrygien rouge des Jacobins, ses vêtements flottent, exposant ses seins, le profil de son visage ressemble aux traits classiques de la Vénus de Milo. C'est une Liberté pleine de force et d'inspiration, qui, d'un mouvement décisif et audacieux, montre la voie aux combattants. Conduisant les gens à travers les barricades, la Liberté n’ordonne ni ne commande – elle encourage et dirige les rebelles.

En travaillant sur le tableau, deux principes opposés se sont heurtés dans la vision du monde de Delacroix : l'inspiration inspirée par la réalité et, d'un autre côté, une méfiance envers cette réalité qui était longtemps ancrée dans son esprit. Méfiance dans le fait que la vie peut être belle en elle-même, que les images humaines et les moyens purement picturaux peuvent véhiculer l'idée d'un tableau dans son intégralité. Cette méfiance dicta à Delacroix la figure symbolique de la Liberté et quelques autres éclaircissements allégoriques.

L'artiste transfère tout l'événement dans le monde de l'allégorie, reflète l'idée de la même manière que Rubens, qu'il idolâtre, (Delacroix disait au jeune Edouard Manet : « Il faut voir Rubens, il faut être imprégné de Rubens, il faut copiez Rubens, car Rubens est un dieu ») dans ses compositions qui personnifient des concepts abstraits. Mais Delacroix ne suit toujours pas son idole en tout : la liberté pour lui n'est pas symbolisée par une divinité antique, mais par la femme la plus simple, qui devient pourtant royalement majestueuse. La Liberté allégorique est pleine de vérité vitale ; dans une course rapide elle précède la colonne des révolutionnaires, les entraînant avec elle et exprimant le sens le plus élevé de la lutte : la puissance de l'idée et la possibilité de la victoire. Si l’on ne savait pas que la Nike de Samothrace a été extraite du sol après la mort de Delacroix, on pourrait supposer que l’artiste s’est inspiré de ce chef-d’œuvre.

De nombreux critiques d'art ont noté et reproché à Delacroix le fait que toute la grandeur de sa peinture ne peut occulter l'impression, qui s'avère d'abord à peine perceptible. Il s'agit d'un choc dans l'esprit de l'artiste d'aspirations opposées, qui a laissé des traces jusque dans la toile achevée, de l'hésitation de Delacroix entre un désir sincère de montrer la réalité (telle qu'il la voyait) et un désir involontaire de l'élever jusqu'aux cothurnes, entre l'attirance pour une peinture émotionnelle, immédiate et déjà installée, habituée à la tradition artistique. Beaucoup n'étaient pas contents que le réalisme le plus impitoyable, qui horrifiait le public bien intentionné des salons d'art, soit combiné dans cette image avec une beauté idéale et impeccable. Notant comme vertu le sentiment d’authenticité de la vie, qui n’était jamais apparu auparavant dans l’œuvre de Delacroix (et ne s’est plus jamais répété), on reprochait à l’artiste la généralité et le symbolisme de l’image de la Liberté. Mais aussi pour la généralisation d'autres images, reprochant à l'artiste le fait que la nudité naturaliste du cadavre au premier plan jouxte la nudité de la Liberté. Cette dualité n'a pas échappé aux contemporains de Delacroix, puis aux connaisseurs et critiques : même 25 ans plus tard, alors que le public s'était déjà habitué au naturalisme de Gustave Courbet et de Jean François Millet, Maxime Ducamp rageait encore devant « La liberté sur les barricades, » oubliant toute retenue. expressions : « Oh, si la Liberté est comme ça, si cette fille aux pieds nus et torse nu, qui court en criant et en agitant un pistolet, alors nous n'avons pas besoin d'elle. Nous n’avons rien à voir avec cette honteuse renarde !

Mais, reproche-t-on à Delacroix, que pourrait-on contraster avec sa peinture ? La révolution de 1830 se reflète également dans le travail d’autres artistes. Après ces événements, le trône royal fut occupé par Louis Philippe, qui tenta de présenter son accession au pouvoir comme presque le seul contenu de la révolution. De nombreux artistes qui ont adopté exactement cette approche du sujet se sont précipités sur la voie de la moindre résistance. Pour ces maîtres, la révolution, comme vague populaire spontanée, comme élan populaire grandiose, ne semble pas exister du tout. Ils semblent pressés d'oublier tout ce qu'ils ont vu dans les rues de Paris en juillet 1830, et les « trois jours glorieux » apparaissent dans leur description comme des actions tout à fait bien intentionnées de la part de parisiens qui ne se préoccupaient que de la façon dont trouver rapidement un nouveau roi pour remplacer celui exilé. Ces œuvres incluent le tableau de Fontaine « La Garde proclamant Louis Philippe roi » ou le tableau d’O. Vernet « Le duc d’Orléans quittant le Palais Royal ».

Mais, soulignant le caractère allégorique de l'image principale, certains chercheurs oublient de noter que le caractère allégorique de la Liberté ne crée aucune dissonance avec les autres personnages de l'image et ne semble pas aussi étranger et exceptionnel dans l'image qu'il pourrait paraître à première vue. Après tout, le reste des personnages sont également allégoriques dans leur essence et dans leur rôle. En leur personne, Delacroix semble mettre en avant les forces qui ont fait la révolution : les ouvriers, l'intelligentsia et la plèbe de Paris. Un ouvrier en blouse et un étudiant (ou artiste) armé d’un pistolet sont des représentants de couches bien spécifiques de la société. Ce sont sans aucun doute des images vivantes et fiables, mais Delacroix apporte cette généralisation aux symboles. Et cette allégorie, déjà clairement ressentie en eux, atteint son plus haut développement dans la figure de la Liberté. C'est une déesse formidable et belle, et en même temps une Parisienne audacieuse. Et à proximité, sautant par-dessus les pierres, criant de joie et agitant des pistolets (comme s'il dirigeait les événements) se trouve un garçon agile et échevelé - un petit génie des barricades parisiennes, que Victor Hugo appellera Gavroche 25 ans plus tard.

Le tableau « La liberté sur les barricades » met fin à la période romantique de l’œuvre de Delacroix. L'artiste lui-même a beaucoup aimé ce tableau et a fait beaucoup d'efforts pour qu'il finisse au Louvre. Cependant, après la prise du pouvoir par la « monarchie bourgeoise », l'exposition de ce tableau fut interdite. Ce n'est qu'en 1848 que Delacroix put exposer à nouveau son tableau, et même pour une assez longue période, mais après la défaite de la révolution, il resta longtemps entreposé. Le véritable sens de cette œuvre de Delacroix est déterminé par son deuxième nom, non officiel. Beaucoup ont depuis longtemps l’habitude de voir dans ce tableau la « Marseillaise de la peinture française ».

Le 28 juillet 1830, le peuple parisien se révolte contre la monarchie détestée des Bourbons. Le roi Charles X est renversé et le drapeau tricolore de la République française flotte sur le palais des Tuileries.
Cet événement a inspiré le jeune artiste Eugène Delacroix à créer une grande composition immortalisant la victoire du peuple. Une foule dense se déplace des profondeurs directement vers le spectateur. Devant, courant vers la barricade, se trouve la figure allégorique de la Liberté, brandissant haut l'étendard bleu-blanc-rouge de la république et appelant les rebelles à le suivre. Au premier plan, en bas de l’image, se trouvent les cadavres des morts. Sous Liberty se trouve un adolescent armé de deux pistolets, qui rappelle tellement l'image héroïque du garçon Gavroche, créée plus tard par Victor Hugo dans le roman Les Misérables. Un peu en retrait se trouvent un ouvrier avec un sabre et soit un artiste, soit un écrivain avec un fusil à la main. Derrière ces figures du premier plan se dessine une mer humaine hérissée d'armes. La distance est remplie d'épais nuages ​​de fumée ; seulement à droite se trouve un morceau du paysage parisien avec les tours de la cathédrale Notre-Dame visibles.
L’image est imprégnée de tensions violentes et de dynamiques passionnées. La liberté marche à grands pas, ses vêtements flottent, son drapeau flotte dans les airs. Dans un dernier effort, le blessé lui tend la main ; les gestes radicaux des rebelles armés ; Gavroche agitait ses pistolets. Mais pas seulement dans les poses, les gestes, les mouvements des personnes représentées, pas seulement dans les vagues de fumée de poudre à canon qui enveloppaient la ville, le drame de ce qui se passe se fait sentir. Le rythme de la composition est impétueux et expressif : la figure de la Liberté éclate en diagonale des profondeurs jusqu'au premier plan. Elle semble être la plus grande, car elle est placée au sommet de la barricade. La petite silhouette d'un garçon à côté d'elle contraste avec elle ; le blessé et l'homme au haut-de-forme font écho au mouvement tourbillonnant de la Liberté par leur mouvement. Ses vêtements jaunes sonores semblent la sortir de son environnement. Les contrastes marqués des parties éclairées et ombragées font que le regard du spectateur se précipite, saute d'un point à un autre. Des éclairs intenses de couleurs pures, dominés par le « tricolore » de l'étendard républicain, s'illuminent de manière encore plus perçante sur fond de tons ternes « asphalte ». La passion et la colère du soulèvement sont ici véhiculées non pas tant par les visages et les gestes des personnages individuels que par l'ambiance très visuelle de l'image. Le tableau lui-même est ici dramatique ; l'intensité de la lutte s'exprime dans un tourbillon frénétique d'ombre et de lumière, dans la dynamique spontanée des formes, dans un motif vibrant sans cesse et, surtout, dans une coloration intense. Tout cela se fond dans un sentiment de puissance débridée, avançant avec une détermination irrésistible et prête à balayer tous les obstacles.
L’inspiration de l’impulsion révolutionnaire trouve une digne incarnation dans la peinture de Delacroix. Chef de file de l’école romantique de la peinture française, il est précisément l’artiste appelé à capter les éléments de la colère populaire. Contrairement au classicisme détesté des épigones de David, qui recherchaient dans l'art une harmonie calme, une clarté raisonnable et une grandeur « divine » aliénée de toutes les passions terrestres, Delacroix se consacrait entièrement au monde des passions humaines vivantes et des collisions dramatiques ; l'héroïsme est apparu devant son imagination créatrice non pas sous l'apparence d'une valeur sublime, mais dans toute la spontanéité de sentiments forts, dans l'extase de la bataille, dans le point culminant d'une tension extrême des émotions et de toutes les forces spirituelles et physiques.
Il est vrai que les rebelles représentés dans son portrait étaient dirigés par la figure conventionnelle de la Liberté. Pieds nus, seins nus, dans une robe rappelant un chiton antique, elle s'apparente un peu aux figures allégoriques des compositions académiques. Mais ses mouvements sont dénués de retenue, ses traits du visage ne sont en aucun cas antiques, toute son apparence est pleine d'une impulsion émotionnelle immédiate. Et le spectateur est prêt à croire que cette Liberté n'est pas une allégorie conventionnelle, mais une femme vivante, en chair et en os, de la banlieue parisienne.
Nous ne ressentons donc aucune dissonance entre l’image de la Liberté et le reste du tableau, où le drame se conjugue avec une caractérisation spécifique, voire avec une vraisemblance impitoyable. Le peuple révolutionnaire est représenté dans l'image sans aucun fioriture : l'image respire une grande vérité de la vie. Toute sa vie, Delacroix a été attiré par des images et des situations insolites et significatives. Le romantisme cherchait dans l'intensité des passions humaines, dans les personnages forts et vibrants, dans les événements dramatiques de l'histoire ou dans l'exotisme des pays lointains, l'antithèse de la réalité bourgeoise moderne. Les romantiques détestaient la prose sèche de la civilisation de leur époque, la domination cynique des puristes, le philistinisme suffisant de la riche bourgeoisie. Ils considéraient l’art comme un moyen de contraster la trivialité vulgaire de la vie avec le monde des rêves poétiques. Ce n’est qu’occasionnellement que la réalité fournit à l’artiste une source directe de haute poésie. Ce fut notamment le cas de « La liberté sur les barricades » de Delacroix. C'est l'importance du tableau, dans lequel l'artiste a réussi à incarner dans un langage vif et excitant le véritable héroïsme de la cause révolutionnaire, sa haute poésie. Plus tard, De Lacroix n'a rien créé de tel, même si toute sa vie il est resté fidèle à l'art, imprégné de passion, de vivacité des sentiments, réfracté dans la puissance élémentaire de sa peinture. Dans « Liberté sur les barricades », le coloris de l’artiste est encore dur, les contrastes d’ombre et de lumière sont secs par endroits. Dans ses œuvres ultérieures, la poésie des passions s'incarne en lui dans une maîtrise si libre de l'élément couleur, qui rappelle Rubens, l'un de ses artistes préférés.
Delacroix détestait les conventions guincées de l’épigonisme classique. « La plus grande honte, écrit-il dans son « Journal », remarquable document sur la pensée créatrice de l’artiste, « ce sont précisément nos conventions et nos mesquines modifications de la grande et parfaite nature. Le laid, ce sont nos têtes peintes, nos plis peints, la nature et l'art, nettoyés au goût de quelques néants... »
Mais, protestant contre la fausse compréhension de la beauté, Delacroix n'a jamais oublié que le destin de l'art véritable n'est pas la plausibilité extérieure du naturalisme, mais la haute vérité de la vraie poésie : « Quand moi, entouré d'arbres et de lieux charmants, j'écris avec mon nez enfoui dans un paysage, il s'avère lourd, trop fini, peut-être plus fidèle dans les détails, mais pas cohérent avec l'intrigue... Lors de mon voyage en Afrique, j'ai commencé à faire quelque chose de plus ou moins acceptable seulement quand j'avais déjà eu j'ai oublié assez de petits détails et je n'ai retenu dans mes peintures que le côté significatif et poétique des choses ; Jusqu’à ce moment-là, j’étais hanté par l’amour de l’exactitude, que la grande majorité accepte comme la vérité… »

, Lance

K : Peintures de 1830

"La liberté guide le peuple"(fr. La Liberté guidant le peuple) ou "La liberté sur les barricades"- tableau de l'artiste français Eugène Delacroix.

Delacroix a créé ce tableau en se basant sur la Révolution de Juillet 1830, qui a mis fin au régime de Restauration de la monarchie des Bourbons. Après de nombreuses esquisses préparatoires, il ne lui fallut que trois mois pour peindre le tableau. Dans une lettre à son frère du 12 octobre 1830, Delacroix écrit : « Si je ne me suis pas battu pour ma Patrie, du moins j'écrirai pour elle. »

« La Liberté guidant le peuple » fut exposée pour la première fois au Salon de Paris en mai 1831, où le tableau fut accueilli avec enthousiasme et immédiatement acheté par l'État. Heinrich Heine a parlé de ses impressions sur le salon et sur la peinture de Delacroix en particulier. En raison du complot révolutionnaire, le tableau n'a pas été exposé au public pendant le quart de siècle suivant.

Au centre de l’image se trouve une femme symbolisant la liberté. Sur sa tête se trouve un bonnet phrygien, dans sa main droite le drapeau de la France républicaine, dans sa gauche un fusil. Le torse nu symbolise le dévouement des Français de l'époque, torse nu contre l'ennemi. Les personnages autour de Liberté - un ouvrier, un bourgeois, un adolescent - symbolisent l'unité du peuple français lors de la Révolution de Juillet. Certains historiens et critiques d'art suggèrent que l'artiste s'est représenté comme un homme coiffé d'un haut-de-forme à gauche du personnage principal.

En 1999, Liberty effectue un vol de 20 heures depuis Paris vers une exposition à Tokyo via Bahreïn et Calcutta. Le transport s'est effectué à bord de l'Airbus Beluga (les dimensions de la toile - 2,99 m de hauteur sur 3,62 m de longueur - étaient trop grandes pour un Boeing 747) en position verticale dans une chambre de pression isotherme, protégée des vibrations.

Le 7 février 2013, une visiteuse du musée du Louvre-Lens, où est exposée « Liberté », a écrit sur la partie inférieure de la toile avec un marqueur, après quoi elle a été arrêtée. Le lendemain, les restaurateurs ont réparé les dégâts en y consacrant moins de deux heures.

Filmographie

• « Sur les trottoirs. Moment arrêté", film Aline Jaubert de la série « Palettes » (France, 1989).

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Remarques

Liens

• dans la base de données du Louvre

Extrait décrivant La liberté guidant le peuple

Et mon âme a absorbé ce rire, comme un condamné à mort absorbe les chauds rayons d'adieu du soleil déjà couchant...
- Eh bien, maman, nous sommes toujours en vie !.. Nous pouvons encore nous battre !.. Tu m'as dit toi-même que tu te battrais aussi longtemps que tu vivrais... Alors réfléchissons si nous pouvons faire quelque chose. Pouvons-nous débarrasser le monde de ce mal.
Elle m'a encore soutenu avec son courage !.. Encore une fois elle a trouvé les mots justes...
Cette fille douce et courageuse, presque une enfant, ne pouvait même pas imaginer à quel genre de torture Caraffa pourrait la soumettre ! Dans quelle douleur brutale son âme pourrait se noyer... Mais je savais... Je savais tout ce qui l'attendait si je ne le rencontrais pas à mi-chemin. Si je n’accepte pas de donner au Pape la seule chose qu’il voulait.
- Ma chérie, mon cœur... Je ne pourrai pas regarder ton tourment... Je ne te donnerai pas, ma fille ! Le Nord et d'autres comme lui ne se soucient pas de savoir qui reste dans cette VIE... Alors pourquoi devrions-nous être différents ?.. Pourquoi vous et moi devrions-nous nous soucier du sort de quelqu'un d'autre, de quelqu'un d'autre ?!.
J'ai moi-même été effrayé par mes paroles... même si dans mon cœur j'ai parfaitement compris qu'elles étaient simplement causées par le désespoir de notre situation. Et bien sûr, je n'allais pas trahir ce pour quoi je vivais... Pour lequel mon père et mon pauvre Girolamo sont morts. Simplement, juste un instant, je voulais croire que nous pouvions simplement reprendre et quitter ce monde terrible et « noir » de Karaffa, en oubliant tout... en oubliant les autres personnes qui ne nous sont pas familières. Oublier le mal...
C'était une faiblesse momentanée d'une personne fatiguée, mais j'ai compris que je n'avais même pas le droit de permettre cela. Et puis, pour couronner le tout, apparemment incapable de résister plus longtemps à la violence, des larmes de colère brûlantes coulaient sur mon visage... Mais j'ai tellement essayé de ne pas laisser cela arriver !.. J'ai essayé de ne pas montrer à ma douce fille quelle profondeur de désespoir mon âme épuisée et déchirée par la douleur...
Anna me regardait tristement avec ses immenses yeux gris, dans lesquels vivait une profonde tristesse, pas du tout enfantine... Elle me caressa doucement les mains, comme pour me calmer. Et mon cœur a crié, ne voulant pas m'humilier... Ne voulant pas la perdre. Elle était le seul sens qui restait à ma vie ratée. Et je ne pouvais pas permettre aux non-humains appelés le Pape de me l’enlever !
"Maman, ne t'inquiète pas pour moi", murmura Anna, comme si elle lisait mes pensées. - Je n'ai pas peur de la douleur. Mais même si c'était très douloureux, grand-père a promis de venir me chercher. Je lui ai parlé hier. Il m'attendra si toi et moi échouons... Et papa aussi. Ils seront tous les deux là à m'attendre. Mais ça va être très douloureux de te quitter... Je t'aime tellement, maman !..
Anna s'est cachée dans mes bras, comme si elle cherchait une protection... Mais je n'ai pas pu la protéger... Je n'ai pas pu la sauver. Je n'ai pas trouvé la "clé" de Karaffa...
- Pardonne-moi, mon soleil, je t'ai laissé tomber. Je nous ai laissé tomber tous les deux... Je n'ai pas trouvé de moyen de le détruire. Pardonne-moi, Annouchka...
Une heure est passée inaperçue. Nous avons parlé de choses différentes, sans revenir sur le meurtre du Pape, car nous savions tous les deux parfaitement qu'aujourd'hui nous avions perdu... Et peu importe ce que nous voulions... Caraffa vivait, et c'était le pire et chose la plus importante. Nous n’avons pas réussi à en libérer notre monde. Je n'ai pas réussi à sauver de bonnes personnes. Malgré toutes les tentatives, il n'a vécu aucun désir. Malgré tout...

100 chefs-d'œuvre de la peinture. Les tableaux les plus célèbres du monde

... ou "La liberté sur les barricades" - un tableau de l'artiste français Eugène Delacroix. Il semble avoir été créé d’un seul coup. Delacroix a créé ce tableau en se basant sur la Révolution de Juillet 1830, qui a mis fin au régime de Restauration de la monarchie des Bourbons.
C'est l'assaut final. La foule converge vers le spectateur dans un nuage de poussière en agitant ses armes. Elle franchit la barricade et pénètre dans le camp ennemi. A la tête se trouvent quatre personnages au centre - une femme. Déesse mythique, elle les conduit vers la Liberté. Les soldats gisent à leurs pieds. L'action s'élève en pyramide, selon deux plans : figures horizontales à la base et figures verticales, en gros plan. L'image devient un monument. Le toucher ample et le rythme rapide sont équilibrés. Le tableau combine accessoires et symboles – histoire et fiction, réalité et allégorie. Les Allégories de la Liberté sont une fille vivante et énergique du peuple, qui incarne la rébellion et la victoire. Vêtue d'un bonnet phrygien flottant sur le cou, elle évoque la révolution de 1789. Le drapeau, symbole de lutte, se déploie sur le dos du bleu-blanc-rouge. Du sombre au brillant comme une flamme. Sa robe jaune, dont la double ceinture flotte au vent, glisse sous ses seins et n'est pas sans rappeler les draperies anciennes. La nudité relève du réalisme érotique et est associée aux victoires ailées. Le profil est grec, le nez est droit, la bouche est généreuse, le menton est doux. Femme d'exception parmi les hommes, décisive et noble, tournant la tête vers eux, elle les mène à la victoire finale. La figure de profil est éclairée par la droite. Appuyée sur sa jambe gauche nue qui dépasse de sa robe, le feu de l'action la transforme. L'allégorie est le véritable héros de la lutte. Le fusil qu'elle tient dans sa main gauche lui donne un aspect réaliste. A droite, devant la figure de la Liberté, se trouve un garçon. Le symbole de la jeunesse s'élève comme un symbole d'injustice. On se souvient aussi du personnage de Gavroche dans le roman Les Misérables de Victor Hugo. La Liberté guidant le peuple fut exposée pour la première fois au Salon de Paris en mai 1831, où le tableau fut accueilli avec enthousiasme et immédiatement acheté par l'État. En raison du complot révolutionnaire, le tableau n'a pas été exposé au public pendant le quart de siècle suivant. Au centre de l’image se trouve une femme symbolisant la liberté. Sur sa tête se trouve un bonnet phrygien, dans sa main droite le drapeau de la France républicaine, dans sa gauche un fusil. Le torse nu symbolise le dévouement des Français de l'époque, torse nu contre l'ennemi. Les personnages autour de Liberté - un ouvrier, un bourgeois, un adolescent - symbolisent l'unité du peuple français lors de la Révolution de Juillet. Certains historiens et critiques d'art suggèrent que l'artiste s'est représenté comme un homme coiffé d'un haut-de-forme à gauche du personnage principal.