N.N. Kitaev Le devin bulgare Vanga comme exemple typique de l'échec des « médiums légistes » L'un des clairvoyants les plus célèbres du 20e siècle. est considérée comme Vangelia Pandev Gushcherova - Vanga. Elle est née le 31 janvier 1911 à Strumica (Macédoine) en

Caractéristique "bosse"

« Bosse » caractéristique Dans de telles poses, une « bosse » se forme progressivement à l'endroit où commence le cou, et afin de maintenir l'équilibre, le reste du corps adopte une posture défavorable (Fig. 3). L'abdomen fait saillie et une déviation de la colonne vertébrale (lordose) se forme. Quand large

L'héritage de la danse de caractère sur la scène du ballet. Tout au long de l’histoire de la danse, les chorégraphes ont fait de nombreuses références au folklore de la danse. La danse folklorique servait à la fois de réservoir de réserve et de trésor infini de diversité de caractères pour le ballet classique. Il a élargi ses moyens, renforcé ses racines, actualisé ses formes et peint son dessin plastique avec des couleurs vives et vibrantes, c'est pourquoi il a reçu le nom de « danse caractéristique ». La danse de caractères peut-elle être considérée comme synonyme de danse folklorique sur la scène du ballet ?

Tout au long de l’histoire de la danse, les chorégraphes ont fait de nombreuses références au folklore de la danse. La danse folklorique servait à la fois de réservoir de réserve et de trésor infini de diversité de caractères pour le ballet classique. Il a élargi ses moyens, renforcé ses racines, actualisé ses formes et peint son dessin plastique avec des couleurs vives et vibrantes, c'est pourquoi il a reçu le nom de « danse caractéristique ». La danse de personnages peut-elle être considérée comme synonyme de danse folklorique sur la scène du ballet ?

Le terme « danse de personnages » en ballet est un concept très conventionnel. À différentes époques, divers phénomènes de genre étaient expliqués par ce nom et ses fonctions étaient définies de différentes manières. Ce concept s'est soit rétréci, soit s'est élargi à tel point que les frontières définissant la « danse caractéristique » des autres catégories de danse ont été perdues.

Dans l’histoire de la danse scénique, les éléments de la danse folklorique constituent l’une des principales sources de formation d’une variété infinie de mouvements de ballet. En littérature presque depuis le XVe siècle. des descriptions de danses quotidiennes apparaissent. Aux XVIe et XVIIe siècles. La pratique de la salle de bal comprend la gigue et la gaillarde, et aux XVIIe et XVIIIe siècles, elles étaient utilisées par le ballet. Sur la scène royale, à la manière et au caractère des courtisanes de la cour, conservant parfois leurs noms, des danses folkloriques individuelles traitées et stylisées sont présentées et « entrent à la mode ». Naturellement, dans les classiques, elles apparaissent plutôt comme des compositions chorégraphiques libres, parfois sous le même nom, mais ne conservant que quelques-unes des principales caractéristiques de la source originale. Il s'agit du tambourin - une ancienne danse villageoise d'origine italo-française, du menuet - une version revue et stylisée de la danse bretonne (branle), de la musette - une danse française ancienne, de la farandole - une danse en ronde, de la gaillarde - une danse masculine à un rythme soutenu.

En lien inconditionnel avec la volta folklorique, la structure de bal et de scène de la valse est née au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. Dans le même temps, les danses country sont devenues utilisées dans les salles de bal - un mot qui est une déformation de la danse country anglaise, c'est-à-dire littéralement – ​​danse folklorique. Le processus de maîtrise des mouvements de danse folklorique par le ballet s'est produit tout au long de l'histoire de la chorégraphie. La plupart des mouvements des danses folkloriques sont entrés dans la danse, mais pour la plupart, ils se sont dépersonnalisés et ont perdu leurs traits distinctifs.

Dès les premiers jours de l'existence du théâtre professionnel d'opéra et de ballet, on rencontre le terme de « danse de caractère ». Toute danse qui nécessite un caractère en relief des personnages est appelée danse en caractère, en image - danse de caractère (entrées). Dans les comédies-ballets de Molière, les entrées caractéristiques trouvent leur forme la plus élevée. Ils deviennent déjà une danse dans une image porteuse d'une charge dramatique (« Le Bourgeois dans la noblesse », « Le Malade imaginaire », etc.). Les tendances de Molière ne trouvent pas d'application dans le travail des chorégraphes de cour. L'Académie, au contraire, éloigne l'opéra-ballet de la chorégraphie efficace et caractéristique. Et quand, cent ans plus tard, les réformateurs du ballet bourgeois semblent reprendre l’expérience de Molière, en mettant les questions de dramaturgie et de l’image du spectacle chorégraphique au centre de leur programme fondamental, cela semble être une toute nouvelle découverte.

La première attaque contre le système académique du ballet de cour fut lancée en 1760 par J.-J. Novembre. « Nous devons voyager », conclut-il. Nous devons étudier les danses folkloriques et les utiliser. Malgré les déclarations audacieuses de Nover, dans ses productions, il a utilisé la danse nationale et ses éléments pour enrichir la danse classique. Nover a fixé la direction dans laquelle le développement de la danse caractéristique s'est poursuivi. Les ballets de cette époque se sont imposés dans un nouveau genre et ont créé un nouveau langage de danse - caractéristique. Le ballet « Millers » du père Blache, accusé de vulgarité et donc non honoré d'être représenté à Paris, connaît un immense succès en province et même en Russie. Des personnages comme un meunier, un ouvrier agricole, une paysanne, une faucheuse peuvent faire le clown, réaliser des acrobaties gymnastiques et acrobatiques, mimer des scènes, danser des danses folkloriques, tout sauf les « classiques ». Même les plus grands chorégraphes le pensaient au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. Le représentant immortel de ces nouvelles œuvres est l'arrière-grand-mère des ballets réalistes modernes - "Vaine Précaution" de Dauberval, mis en scène pour la première fois en 1789. Cependant, dans les années 40. Au XIXe siècle, le contenu des ballets caractéristiques s'est érodé, les tendances moralisatrices sont passées au second plan, laissant la place à des éléments divertissants.

Ce processus complexe et spasmodique de dépérissement des grands ballets caractéristiques, pleins de contenu efficace, et de leur réduction à des numéros de danse nationaux individuels - occupe la première moitié du XIXe siècle. La première héroïne du ballet romantique, Maria Taglioni, dansait Danses tyroliennes, allemandes, écossaises, hindoues, polonaises, tziganes et espagnoles. Mais la fascination des romantiques pour les lignes classiques aériennes ne permet pas de mettre en scène les danses nationales sous une forme non stylisée. La première danseuse caractéristique que l'on puisse reconnaître est Fanny Elsler, une rivale de Maria Taglioni. Après « The Lame Demon » et la cachucha d’Elsler, une nouvelle qualité de danse de caractère est apparue. Le tempérament du danseur, le rythme captivant et gagnant de la danse caractéristique, tout cela est un phénomène sans précédent dans le ballet classique. C’est dans un tel environnement notamment que se déroule le travail du chorégraphe Arthur Saint-Léon. Il va encore plus loin et crée des ballets caractéristiques : « Saltarello », « La Fiancée Valaque », « Markitanka », « Stella », en partie « Graciella » et « Le Petit Cheval à Bosse ». Saint-Léon propose une nouvelle méthode de construction d'une danse caractéristique : il met à la base de chaque numéro qu'il compose un ou deux mouvements nationaux, en les combinant avec des pas classiques, stylisés comme ceux du quotidien, ce qui donne au numéro un caractère national prononcé. . Dans le dernier acte du « Petit cheval bossu », il y a une « Danse de l'Oural », bien que son authenticité ethnographique soit très douteuse car le groupe ethnique « Ouraliens » n'existe pas.

Les chorégraphes Petipa et surtout L. Ivanov maîtrisaient tout juste les principes de Saint-Léon et, s'efforçant d'obtenir un ballet monumental, ils réalisaient la danse caractéristique de masse et à grande échelle. Albert Zorn dans son livre écrit une nouvelle conclusion : « La danse des personnages n'est pas une véritable danse de ballet » car elle est « un produit de l'art populaire » ; il ne peut « s'élever au niveau du ballet » que par l'arrangement, c'est-à-dire adaptation."

Au début du XXe siècle, une nouvelle étape commence. Cette scène s’ouvre avec les œuvres des chorégraphes M. Fokin et A. Gorsky, ainsi que d’une galaxie d’élèves de Fokine, adeptes libres et involontaires (B. Romanov, K. Gailizovsky, etc.). La réforme du ballet de Fokine se résume principalement à la stylisation. Fokine puise de partout des moyens stylisés. Isadora Duncan et son bras de danse en plastique Fokine avec un slogan dans lequel le positionnement naturel du corps, des jambes et des bras contraste avec le canon du port de bras classique, du corps droit et des pas établis. La peinture, la sculpture indienne, les figures austères de l’Égypte ancienne, les miniatures persanes, les aquarelles japonaises et chinoises et l’art de la Grèce archaïque nourrissent l’imagination créatrice de Fokine. « Pour transmettre l’extase bacchanale de la danse grecque, les pointes ne sont pas naturelles. Il n’est pas non plus naturel d’exécuter des danses espagnoles dans une tunique grecque. Le tapotement rythmé du talon, la courbure voluptueuse et retenue de toute la ligne du corps, les mouvements serpentins des mains sont ici naturels.

La recherche de différences stylistiques et de personnages, l’éclat émotionnel de la danse, tels sont les principaux facteurs du travail de composition de M. Fokin. La danse caractéristique du ballet n'était qu'un numéro d'insertion pour Fokine. Toute sa puissance venait du fait qu’il n’était pas connecté à l’action, incapable de porter le poids de l’intrigue et ne faisait pas avancer l’action. Les productions de Saint-Léon étaient au mieux semi-classiques. Fokine crée une suite de danse caractéristique, c'est-à-dire un groupe de danses unies par une idée de composition (« Aragonese Jota » de Glinka), et construit des spectacles entièrement basés sur un genre caractéristique (« Shéhérazade », « Islamey », « Stenka Razin »).

Au XXe siècle, la migration des éléments de la danse nationale a atteint des proportions significatives et a progressivement modifié l'apparence récente et le côté technologique de la danse de l'une ou l'autre nationalité. Cela a rendu confuse la question de la genèse nationale de tout mouvement et rendu difficile la détermination de l'affiliation de techniques de danse spécifiques à une nationalité particulière. De là, nous pouvons conclure que le chorégraphe doit étudier attentivement le matériel de la danse folklorique en lien étroit avec l'histoire d'un peuple donné et le reproduire de manière scénique, et non « en général », mais dans le cadre clair de l'époque, de la période historique de temps et compréhension de l'idée de base de la danse.

26. Caractéristiques du travail du chorégraphe Rostislav Zakharov. Le désir dans le développement de la dramaturgie d'un spectacle de ballet de révéler le contenu idéologique de l'œuvre, de montrer d'une manière vitalement véridique les images des personnages, de leurs personnages et de leurs sentiments. La danse doit exprimer une pensée, chaque geste doit être justifié, tel est le credo du maître. Chorégraphe, professeur, metteur en scène. Docteur en histoire de l'art. Diplômé de l'École Chorégraphique de Leningrad - département de mise en scène. Collège de théâtre de Léningrad. 1926 -1929 – soliste du ballet du Théâtre de Kiev, 1934 – 1936. chorégraphe du Théâtre Kirov. 1936 – 1956 - directeur chorégraphe du Théâtre Bolchoï. Une œuvre remarquable est « La Fontaine de Bakhchisaray », qui a jeté les bases du « style pushkénien » chorégraphique soviétique, qui a établi une nouvelle méthode de travail sur un spectacle de ballet. Il comprend un développement approfondi d'expositions de ballet, qui ont révélé les objectifs idéologiques et artistiques de l'œuvre, un travail « sur table », puis un travail indépendant des acteurs sur les images, ainsi qu'un chorégraphe pour le metteur en scène aidant à créer des danses. efficaces, significatifs, dans lesquels naît une image artistique réaliste. Les dernières productions de Zakharov sont « Illusions perdues », « Le Prisonnier du Caucase », « La Jeune paysanne », « Cendrillon », « Le Cavalier de bronze ». Renforcer les rôles de la dramaturgie et de la mise en scène dans un spectacle de ballet. Il a mis en scène de nombreux opéras, combinant travail de mise en scène, mise en scène et chorégraphie. "Ruslan et Lyudmila" de Glinka, "Carmen" de Bizet, "Ivan Susanin", "Guerre et Paix" - danses chorégraphiées. 1945 – 1947 directeur et directeur artistique de l'École chorégraphique de Moscou. 1946. - Département de Chorégraphie au GITISS. Auteur d'articles et de critiques.

La théorie du geste de danse de Rudolf von Laban. Danseur, chorégraphe, professeur autrichien. Théoricien. Il étudie la peinture et les arts décoratifs. Tournée avec le Théâtre Français en Afrique du Nord, où il se familiarise avec le folklore arabe et noir. En 1910 a organisé une école à Munich. « Victoire de la Victime », « Rythmes chatoyants », « Don Juan », « Terpsichore ». Directeur de l'Association nationale des théâtres de Berlin. Dirige la compagnie de ballet de l'Opéra national de Berlin. Dans sa théorie de la danse (choréotique), il a appliqué une méthode d'analyse mathématique, à l'aide de laquelle il a étayé les schémas universels de mouvement du corps humain. Les mouvements de danse, selon Laban, sont une attitude changeante du danseur envers l'espace tridimensionnel, leur manifestation la plus caractéristique, existant dans la chorégraphie de divers types et cultures nationales, des mouvements de type swing de différentes amplitudes traçant une figure ressemblant à un huit. dans l'espace. Ces mouvements doublement dirigés (vers soi, loin de soi) sont fondamentaux, tous les autres mouvements sont des variations. Selon Laban, chaque type de chorégraphie est déterminé par les particularités de la combinaison de mouvements et la prédominance de l'une des trois caractéristiques les plus importantes : dynamique, spatiale et tempo. Laban a établi que bon nombre des principes directeurs de la théorie de la danse sont identiques à ceux de la théorie musicale. Ses caractéristiques développent une pensée spatiale chez le danseur et le chorégraphe, un sentiment d'interdépendance entre les actions d'un interprète individuel et de l'ensemble du groupe. Le fondateur de la danse expressive silencieuse, qui a influencé tous les types de chorégraphies modernes. Rudolf von Laban. gravitait vers le constructivisme et le design géométrique. Son système d’enseignement constitue la base de nombreuses écoles de danse.

Méthodes théoriques et pratiques de François Delsarte et Jacques Dalcroze. François Delsarte est un chanteur, professeur, compositeur et théoricien français du mouvement scénique et du chant. A étudié l'anatomie et la médecine. Il a travaillé dans une clinique pour malades mentaux, étudié le comportement humain, ses réactions motrices dans des situations ordinaires et exceptionnelles. Il systématise ses observations et les utilise ensuite pour analyser les expressions faciales et les gestes de l’acteur. Il fut le premier à justifier scientifiquement les mouvements du corps humain et à donner des noms à chacun d'eux. J'ai essayé de comprendre comment le mouvement sert de matériau à l'imagerie artistique. Les cinq mouvements étaient divisés en trois catégories : centrifuge, centripète, neutre. Pour leur variété infinie, leurs combinaisons, leurs divisions et leurs contrastes, il a développé une gamme similaire au système des tonalités musicales. Mais il a dérivé les modèles de mouvements corporels de leur propre nature, qui n'a aucun rapport avec la musique. Le concept de beauté est la plasticité naturelle d'une personne, un critère d'expressivité. Je voyais en fonction de la force et de la rapidité des mouvements et de leur contenu émotionnel. Il a utilisé sa méthode de maîtrise du contrôle du système moteur pour former des personnes de diverses professions - sculpteurs, médecins, prêtres, musiciens, artistes. La théorie était d'une grande importance pour la danse moderne. Émile Jacques Dalcroze. Musicien suisse, personnalité publique musicale, compositeur, professeur, fondateur du rythme moderne. Ayant créé son propre système d'éducation rythmique et de gymnastique rythmique, il a transmis avec une précision étonnante la structure faciale des œuvres musicales les plus complexes. Il n'a pas étudié spécifiquement la danse, mais a développé le sens du rythme chez ses élèves. Les résultats ont trouvé des applications dans la gymnastique rythmique moderne et la danse moderne. Enquête sur l'influence du rythme musical sur la formation du psychisme. Développement d'une nouvelle méthode d'enseignement de la musique. Maîtrise complète et rapide du rythme musical. Cela doit être vécu physiquement et traduit en mouvement. Organisation d'une école de musique et de rythme. Le système de formation proposé a contribué au développement du pitch absolu et de l'improvisation plastique. Des écoles et des instituts furent créés en Europe et en Amérique. Visité la Russie.

Développement d'un nouveau genre d'art chorégraphique - ensemble de danse. Depuis le début des années 30, des ensembles de chants et de danses folkloriques ont été créés dans les républiques. Ils étaient principalement formés parmi les participants talentueux à des performances amateurs. À l'automne 1936, le premier festival de danse folklorique a montré toute la richesse et la diversité de l'art de la danse des républiques du pays et a contribué à l'émergence d'ensembles professionnels de danse folklorique. En février 1937, l'Ensemble de danse folklorique de l'URSS fut organisé sous la direction de I. A. Moiseev, et en avril de la même année - l'Ensemble de danse d'État de la RSS d'Ukraine, qui porte désormais le nom de son premier directeur, le merveilleux chorégraphe P. P. Virsky. . En 1938, un groupe de danse est créé au sein du Chœur folklorique d'État russe du nom. M.E. Pyatnitsky, dirigé par le célèbre chorégraphe-folkloriste T.A. Ustinova. Dans les années 1930, des ensembles de chant et de danse de l’Armée rouge ont commencé à se former. Ainsi, en 1935, l'Ensemble central de chant et de danse de l'Armée rouge et d'autres ont été créés. Il est difficile d'établir avec précision quand le folklore de la danse a commencé à acquérir les caractéristiques d'un spectacle scénique. Apparemment, toujours dans l'art des bouffons. 1923 - un danseur célèbre des danses ukrainiennes, russes et caucasiennes (l'un des premiers à recevoir le titre d'artiste émérite de la République) Egorov - Orlik, a organisé l'ensemble de danse ukrainien "Kuren".

31. L’influence de la musique de Tchaïkovski sur le développement de l’art chorégraphique. Ballets symphoniques de Marius Petipa « La Belle au Bois Dormant », « Le Lac des Cygnes ». Le théâtre a préservé les traditions du ballet classique national et les compositeurs ont tenté de combiner plus étroitement musique et chorégraphie, créant ainsi les principes du ballet symphoniste. Les réalisations du ballet romantique se sont développées - l'intégrité du drame, le développement symphonique de la musique, l'intérêt pour les conflits dramatiques, pour le destin des gens, l'attention était concentrée sur le monde intérieur d'une personne, sur ses sentiments et ses expériences. Une combinaison de chorégraphie et de symphonie musicale. PI. Tchaïkovski - le créateur d'une toute nouvelle musique de ballet - le théâtre de ballet est devenu un théâtre musical. Les ballets de Ch. sont des œuvres intégrales et strictement réfléchies. Il est impossible de modifier la séquence des numéros de danse ou de faire des insertions à partir des œuvres d'autres auteurs. Reliés par un seul concept - « ballets-symphonies ». Contenu profond et dansabilité. La première production du ballet « Le Lac des Cygnes » à Moscou fut un échec. Chorégraphe V. Reisinger. Pendant de nombreuses années, le ballet a attendu son génie. Seulement après la mort de Tchaïkovski sur la scène du Théâtre Mariinsky - Acte II du Lac des Cygnes. Chorégraphe Lev Ivanov. Deuxième étage. XIXème siècle -l'époque de Marius Petipa. La tâche principale de Petipa est le développement des formes de danse classique. Met en scène des ballets de P.I. Tchaïkovski. Première de "Le Lac des Cygnes". La réussite a été les 1er et 3ème actes, en particulier le duo du prince Siegfried et Odile, qui est un chef-d'œuvre de la chorégraphie russe. Lev Ivanov terminait la production. Programme musique symphonique exprimait l'idée principale du ballet, expliquait son contenu, écartant la pantomime et donnant à la danse la place principale du spectacle. La dramaturgie musicale impliquait la dramaturgie de la danse. Quelques années auparavant, les ballets « La Belle au bois dormant » et « Casse-Noisette » avaient été créés. «La Belle au Bois Dormant» est une musique véritablement russe, profondément significative, des images des personnages aux multiples facettes et vraies. Musique magnifique, réalisme dans la création des images, progressivité de l'idée principale de l'œuvre, proclamant la victoire de la lumière sur les ténèbres. Première du ballet « S. À." est devenu un triomphe de l'école russe de danse classique, certes très technique, mais toujours significatif. Le scénario du chorégraphe et du metteur en scène du ballet a été développé par Petipa. "Casse-Noisette", "La Belle au bois dormant" - le thème de la lutte entre le bien et le mal. Réalisé par Lev Ivanov d'après le scénario de Petipa. Il a créé des dessins de danse en totale adéquation avec la musique.

L'époque de Jeanne Baptiste Luly. Traditions de la comédie, forme finie d'air, opéra, comédie-ballet. Création d'une académie de musique. XVIIe siècle - comédie-ballet. Le fondateur est le dramaturge, acteur et metteur en scène français Jean Baptiste Molière (Poquelin) - une combinaison originale de musique, de danse et d'action. Il a apporté un contenu profond et a mis à jour les anciennes formes scéniques cérémoniales et pastorales. Danse - Pierre Beauchamp : introduit cinq positions de jambes, développe son propre système de danse sur scène. Musique - Jean Baptiste Lully. Le violoniste, compositeur et danseur a déterminé le style de l'opéra de cour. En Angleterre, le théâtre incluait également des danses quotidiennes dans ses représentations. Shakespeare. Le ballet « Sick Cupidon » de Lyuli et Beauchamp est une expérience de comédie récitative. Airs vocaux pour ballets sur musique de danse française. La forme achevée de l'air déterminait la conception claire du numéro de danse. Technique de danse fluide et flexible. La danse classique était soumise aux principes esthétiques de l'ensemble du spectacle. Professionnels. Danseurs professionnels. Ballet-pastoral Lully "Triomphe de l'Amour". Mademoiselle Lafontaine La danse féminine est techniquement moins complexe que celle des hommes. Dansez pour conquérir l’espace. L'amplitude et la hauteur des mouvements ont augmenté. S'avérer. Louis XIV fonde l'Académie Royale de Danse. Treize maîtres à danser. Le développement de la danse scénique, la pureté de son interprétation, la canonisation des compositions et des mouvements chorégraphiques. Luli et Molière. "Ballet Royal de Flore". "Éclatant." Dramatisation de la danse. "Un mariage à contrecœur." "Un commerçant parmi la noblesse." Les comédies et les ballets de Molière et de Lully préparent le genre de l'opéra-comique. "Psyché". Académie royale de musique. Le brevet a été déposé par le poète Pierre Perrin et le compositeur Robert Cambert. "Pomona" Lully rachète le brevet. L’Académie, transformée plus tard en Théâtre National de l’Opéra, a donné naissance à l’École de Danse Opéra. Lully a jeté les bases de l'Opéra national de France. De l'époque de L. - le pedigree de l'école moderne de danse classique. Il a développé et rationalisé la forme de la suite. Danse de masse. Le ballet disposait d'un système de moyens d'expression sélectionnés et raffinés. L'essor de la pensée théorique.

33. Maurice Béjart. Caractéristiques de la créativité. Artiste, chorégraphe, professeur français. Il étudie la danse classique depuis 1941. Débuts à l'Opéra de Marseille. Il maîtrise de nombreuses écoles chorégraphiques et se produit dans diverses troupes. Il a fait ses débuts en Suède en tant que cornographe - il a mis en scène des fragments du ballet « L'Oiseau de feu » de Stravinsky pour le film. En 1953 fonde avec Laurent la troupe La Balle de l'Etoile à Paris. Il a chorégraphié des ballets et dansé lui-même dans le rôle principal, a souvent introduit le ballet carde exclusivement masculin et a développé le concept de danse masculine universelle. Sa particularité est l'électricité, synthèse de techniques issues de différents systèmes chorégraphiques. "Le Rêve d'une nuit d'hiver" sur une musique de Chopin. "Prométhée". Les meilleures productions de cette période sont « Symphonie pour un homme » et d'autres. Après avoir mis en scène « Vienne sacrée » pour le Ballet royal de Belgique, il fonde sa propre troupe « Ballet du 20e siècle ». Il crée des spectacles synthétiques où la danse, la pantomime, le chant (la parole) occupent une place égale. Comment le décorateur a proposé une nouvelle solution de conception pour le spectacle. Il fut le premier chorégraphe à utiliser des arènes sportives, où l'action pouvait se dérouler n'importe où et en même temps. Cette technique a permis de faire participer tous les spectateurs à la représentation. La production de Saint Sébastien comprenait un orchestre symphonique, un chœur, un solo vocal et de la danse. De nombreux ballets ont été créés : la « Neuvième Symphonie » de Beethoven, « Isadora » sur sa propre musique avec l'enseignement de Plisetskaya. Vasiliev a dansé dans « Petrouchka ». L'une des figures complexes et controversées de la chorégraphie moderne. Dans ses déclarations théoriques, il a insisté sur le retour de la danse à son caractère et à sa signification rituelles originelles. Grand intérêt pour les cultures chorégraphiques d'Orient et d'Afrique. Crée des ballets ésotériques, pleins d'indices cryptés. Ses tentatives pour renouveler le langage de la danse revêtent une grande importance pour les chorégraphes modernes. Il y a un ballet dédié à Freddie Mercury. Ils ne l’ont pas reconnu pendant longtemps.

Ballets divertissants d'Arthur Saint-Léon et ballets ethnographiques de Sergueï Sokolov. Caractéristiques des ballets « Le Petit Cheval à Bosse » et « Fougère ou Midsummer Night ». Les débuts ont eu lieu en France - les ballets "La Belle de Marbre", "La Cantante" et "Le Violon Enchanté". Les spectacles étaient de nature divertissante, avec beaucoup de danse et d'astuces techniques. De nombreux ballets, divertissements, numéros de concerts. Danseur, chorégraphe, scénariste, compositeur, chef d'orchestre, violoniste virtuose. Maître des effets de scène, des cascades, des spectacles de danse colorés - entre. Les thèmes sont dans les intrigues littéraires. Le meilleur ballet est « Coppelia » (sur la musique de L. Delibes). Son introduction dans le ballet russe d'un nouveau principe de mise en scène de danses folkloriques a détruit les traditions de l'art de la danse folklorique russe. « Le petit cheval à bosse », ballet basé sur le conte de P. P. Ershov. Ne touchez pas à la vie russe. Le personnage principal du ballet est le tsar Alexandre II ; le conte lui-même était une allégorie de l'abolition du servage. Manque de développement de la dramaturgie. Divertissement dans «Le petit cheval à bosse» - danses de vingt-deux nationalités qui habitaient la Russie. Le ballet est un panégyrique de l’autocratie. A contribué à l'apparition sur la scène russe de représentations du style pseudo-russe feuille. L’œuvre de S.P. Sokolov est aux antipodes de l’art cosmopolite de Saint-Léon. Sergueï Petrovitch Sokolov – école de Moscou. Il a adopté la position du populisme révolutionnaire et a ensuite tenté de devenir un représentant de cette tendance dans le ballet. « Fougère ou nuit d'été » - en réponse au « Petit cheval à bosse » de Saint-Pétersbourg. La tâche principale est de contraster la danse pseudo-folklorique avec une danse véritablement folklorique. Le contenu du ballet ne contient aucun développement. (« Camp de gitans ». « Le dernier jour de la récolte »). Pas compris par les contemporains. Nouveau dans le domaine de la danse classique : le soutien virtuose est largement utilisé. Sokolov a combiné ses talents de danseur avec son talent dramatique. L'activité pédagogique de Sokolov fut d'une grande importance pour le développement du ballet russe.

V.I. Ponomarev

Artiste émérite de la RSFSR (1934). Il est diplômé de l'école de théâtre de Petrograd en 1910 et a été accepté au Théâtre Mariinsky. Au GATOB - Théâtre du nom. Kirov a interprété les rôles (1917-51) : Solor ; Arlequin (« Harlequinade »), Jeunesse (« Chopiniana »), Franz ; Pierrot ("La Fée des Poupées"), Ivan Tsarévitch ("L'Oiseau de Feu"), Arlequin ("Carnaval"), Petrouchka ("Persil"), Le Proche de Khan, le Génie des Eaux ("Le Petit Cheval à Bosse"), Blue Bird ; Troubadour (« Raymonda »), Soliste (« Jota d'Aragon »), Sauterelle (« Les Caprices d'un papillon »), Prince, pas de trois (« Le Lac des Cygnes »), Satyre (« Le Roi Candaules »), Pêcheur (« La Fille du Pharaon »)), L'Esclave de Cléopâtre (« Les Nuits égyptiennes »), pas de deux (« Giselle »), Gringoire (« Esmeralda »), Colin, Marcelina (« Vaine précaution »), Drosselmeyer (« Casse-Noisette »), Seid Pacha ("Corsaire"), Montagues ("Roméo et Juliette"). En 1935-38, directeur artistique adjoint du ballet du Théâtre. Kirov, en 1941-44 et. O. directeur artistique, en 1944-51 tuteur en chef, à partir de 1931 il enseigne dans une classe de perfectionnement. En 1938-39, mince. mains Ballet de l'Opéra Théâtre Maly. Avec F. Lopukhov et L. Leontyev, il met en scène « Le Coquelicot rouge » (1929), restaure les ballets « La Sylphide », « Sylvia », « Le Ruisseau » de L. Delibes, « Le Talisman », « Arlequinade » pour le Théâtre d'Art de Léningrad ; « Don Quichotte », « La Bayadère » (avec V. Chabukiani), « Vaine Précaution » au Théâtre. Kirov. Ponomarev était un maître et un connaisseur de la danse classique. Il brillait dans les rôles de Sauterelle et de Genou, et était le gracieux Ivan Tsarévitch. Une grande discipline et un amour de l'art l'ont aidé dans les années post-révolutionnaires à faire face à l'interprétation de nombreux premiers rôles dans des ballets ; c'était un bon partenaire, possédant force, agilité et endurance physique. Le principal service de Ponomarev à l'art chorégraphique soviétique est son activité d'enseignant. Brillant pédagogue-méthodologue, créateur d'une école moderne de danse classique masculine, il enseigne au PKhU-LKhU en 1913-50. Parmi ses étudiants figurent P. Gusev, A. Ermolaev, L. Lavrovsky, V. Chabukiani, K. Sergeev, S. Kaplan, N. Zubkovsky, V. Fidler, A. Pouchkine, V. Preobrazhensky, B. Fenster, S. Dubinin, A. Makarov, V. Semenov, V. Ukhov, Yu. Grigorovich. Ces dernières années, il a enseigné à Budapest.

36. Réforme du théâtre des Lumières. L'œuvre de John Rich et John Weaver du XVIIe siècle. Le début de l’ère des Lumières a confié aux artistes la tâche de refléter la réalité environnante dans leurs œuvres et a proclamé le naturel et la véracité de l’art. Les personnages opposaient le ballet courtois vide à leur propre nouveau programme esthétique : sens, efficacité, contenu. John Rich est un acteur de pantomime anglais. Il a audacieusement introduit des scènes de danse dans ses performances, a relié les danses à l'intrigue de la pantomime et a sélectionné la musique de manière à ce qu'elle corresponde aux événements de la pièce. De nombreuses cascades acrobatiques, des « miracles » inventés par lui. Des interprètes, acteurs italiens et français, passant de théâtre en théâtre, diffusent les innovations des spectacles de pantomime de John Rich. Dramatisations fantastiques des « Métamorphoses » d’Ovide, pantomime avec astuces et transformations magiques « Le Magicien ou Arlequin Docteur Faustus ». Entre les actes, il y a des scènes de danse comiques de Pierrot et Columbine. Ils avaient leur propre contenu, une musique brillante et bien choisie, ce qui rapprochait les performances de John Rich du théâtre musical. John Weaver est un chorégraphe et théoricien anglais, le premier à mettre en scène un ballet sans paroles ni chant sur la scène anglaise. Il prônait la vérité de la vie dans l'art, le sens de l'action et le naturel des images. Il a donné des traits humains aux dieux et aux héros mythologiques, les rapprochant des personnages vivants. Un traité dans lequel il expose sa classification des danses, son système de gestes scéniques, sa compréhension de l'harmonie de l'intrigue et de la plasticité. Ballets « Tavern Regulars » - danses de différentes nations et « Love of Mars and Venus ». Grâce à la chorégraphie, vous pouvez transmettre des émotions, des pensées et des actions humaines. Ouvrages théoriques « Expérience en histoire de la danse », « Histoire des mimes et pantomime ». La danse théâtrale était divisée en : sérieuse, grotesque et scénique. Il n'y a pas de frontières entre la pantomime et la danse. Des ballets efficaces. « L'histoire d'amour de Mars et Vénus », « Le mythe d'Orphée et d'Eurydice », scènes et danses nationales : « Le capitaine hollandais », « Le paysan français et sa femme », « Danse irlandaise », « Chansons écossaises ». Le dernier ballet était « Le Jugement de Pâris », mais introduisait du chant et des effets mécaniques. John Riche. Pantomime "Le Sorcier ou l'histoire du docteur Faustus". Rich a divisé ses performances en deux parties, sérieuse et burlesque. Reprenant les thèmes de Weaver, Rich en a écrit des versions comiques, parfois sous le même titre. L'importance du théâtre de Rich - un nouveau type de théâtre démocratique est apparu et s'est établi en Angleterre, les traditions de la comédie italienne sont revenues en France et ont soutenu un art qui luttait contre les canons durs de l'Académie de musique de Paris.

Danse caractéristique DANSE CARACTÉRISTIQUE(Français danse de caractère, danse caractéristique), une des expressions. moyen de danse classique, un type de danse sur scène. Au début. 19ème siècle le terme servait de définition de la danse en caractère, en image. Prime d'occasion. dans des intermèdes, dans lesquels les personnages étaient des artisans, des paysans, des marins, des mendiants, des voleurs et autres. Les danses étaient basées sur des mouvements qui caractérisent un personnage donné, et les gestes du quotidien étaient souvent inclus ; la composition était moins stricte que dans la composition classique. danse. Au début. 19ème siècle K. Blasis a commencé à appeler H. t. n'importe quel peuple. danse mise en scène dans un spectacle de ballet. Cette signification du terme perdure jusqu’au 20ème siècle. En Russie, on s'intéresse à la danse sur scène. le folklore s'est accru au début. 19ème siècle en lien avec les événements de la Patrie. guerre de 1812. Dans les divertissements de I. M. Abletz, I. I. Valberkh, A. P. Glushkovsky, I. K. Lobanov russe. la danse est devenue le leader. Le processus de transformation des gens La danse caractéristique s'est intensifiée à l'apogée du romantique. ballet dans des représentations de F. Taglioni, J. Perrot, C. Didelot, où l'esthétique du romantisme déterminait le national. coloration, et H. t. soit recréait la vie, opposée au monde irréel des sylphes et des naïades, soit était romancé. Dans le ballet de cette période, ch. va exprimer. Le grotesque devient le médium des artistes interprètes. National caractère, national image de H. t. en classique. les ballets sont restés authentiques et fiables. Des échantillons d'art créés par M. I. Petipa et L. I. Ivanov ont conservé l'ambiance et la coloration nécessaires au développement de l'intrigue de la pièce. Chorégraphes et danseurs de l'école classique. La culture de la danse s'est construite sur la base de cette école. En con. 19ème siècle l'exercice de l'art a été créé (approuvé plus tard comme discipline académique), où divers. mouvements populaires les danses étaient exécutées dans le cadre strict de l'école classique. danse. Cela a permis d'utiliser les lois chorégraphiques lors de la mise en scène de la chorégraphie. création symphonique de certains plastiques. thèmes, contrepoint et autres.

Une étape dans le développement de l'art chimique a été l'œuvre de M. M. Fokin, qui a créé une expression basée sur celle-ci. moyens de performances et réussi à y établir les principes du symphonisme (« Danses polovtsiennes » ; « Jota aragonaise » sur la musique de Glinka). Dans "Danses Polovtsiennes", s'appuyant sur la musique d'A.P. Borodine et suivant les lois de la chorégraphie. composition, Fokin a créé en danse l'image d'un peuple disparu depuis longtemps de la surface de la terre, dont la plasticité. le folklore n'a pas survécu. Danse F.V. Lopukhov a également étudié le folklore. Il a introduit de nouveaux mouvements, combinaisons et mouvements nationaux dans le ballet. danse des images, notamment dans les ballets « The Ice Maiden », « Coppélia » ; « Bright Stream » de Chostakovitch : La recherche de Fokin a été poursuivie par K. Ya. Goleizovsky, V. I. Vainonen, V. M. Chabukiani.

Dans l'art du ballet des années 30-60. de nombreuses performances sont apparues au niveau national. des sujets où chaque épisode est résolu par des moyens classiques. la danse, était imprégnée de national couleur et entrecoupée d'œuvres artistiques ("Cœur des montagnes"; "Taras Bulba" de Soloviev-Sedoy, "Spring Tale" d'Asafiev basé sur des matériaux musicaux de P. I. Tchaïkovski, "Shurale", "Stone Flower" et autres.). Classique la danse s'est enrichie grâce à Kh. t., ayant appris certaines de ses expressions. fonds. Dans le même temps, le concept de « H. t. élargi pour inclure la signification originale de la danse dans l’image. Dans le ballet des années 70. L'art peut être un épisode, il peut devenir un moyen de révéler une image, de créer une performance entière, étant souvent le moteur de l'intrigue.

Lit. : Lopukhov A., Shiryaev A., Bocharov A., Fondements de la danse de caractère, intro. Art. Yu. Slonimsky, L.M., 1939 ; Krasovskaya V., théâtre de ballet russe des origines au milieu. XIXème siècle, L.M., 1958 ; le sien, deuxième étage du Théâtre de Ballet Russe. XIXème siècle, L.M., 1963 ; le sien, Théâtre de ballet russe du début du XXe siècle, [partie] 1 Chorégraphes, L., 1971 ; Stukolkina N., Quatre exercices, M., 1972 ; Dobrovolskaya G., Danse. Pantomime. Ballet, L., 1975.

G.N. Dobrovolskaya.

Ballet. Encyclopédie. - M. :. Rédacteur en chef Yu.N. Grigorovitch. 1981 .

Voyez ce qu'est « Danse caractéristique » dans d'autres dictionnaires :

DANSE DE CARACTÈRE- un type de danse sur scène. Il s'agit d'une danse folklorique (ou danse du quotidien), travaillée par un chorégraphe pour une représentation de ballet... Grand dictionnaire encyclopédique

DANSE DE CARACTÈRE- caractéristique de tout peuple, exprimant son caractère. Dictionnaire de mots étrangers inclus dans la langue russe. Chudinov A.N., 1910... Dictionnaire des mots étrangers de la langue russe

danse des personnages- un type de danse sur scène. Il est basé sur la danse folklorique (ou danse quotidienne), qui a été transformée par un chorégraphe pour un spectacle de ballet. * * * DANSE DE PERSONNAGE DANSE DE PERSONNAGE, un type de danse sur scène. Elle est basée sur la danse folklorique (ou danse du quotidien),... ... Dictionnaire encyclopédique

Danse caractéristique- une des variétés de chorégraphie. vocabulaire. Jusqu'au 19ème siècle Kh. T., également appelé bande dessinée, servait à créer des genres nationaux, de genre ou exotiques. personnage. Des traits narratifs coexistaient en lui. danse et mouvements grotesques des danseurs carrés. Au moyen... ... Dictionnaire encyclopédique humanitaire russe

Danse caractéristique- l'un des moyens d'expression du théâtre de ballet, une sorte de danse scénique. A l'origine, le terme "H. T." a servi de définition de la danse en caractère, en image (en intermèdes, danses d'artisans, de paysans, de voleurs). Plus tard... ... Grande Encyclopédie Soviétique

danse- nom, m., utilisé. souvent Morphologie : (non) quoi ? danser, quoi ? danser, (voir) quoi ? danser, quoi ? danser, à propos de quoi ? sur la danse ; PL. Quoi? danser, (non) quoi ? danser, quoi ? danser, (voir) quoi ? danser, quoi ? danser, à propos de quoi ? à propos de la danse 1. La danse est une forme de... ... Dictionnaire explicatif de Dmitriev

danse- ta/ntsa, m.1) Un type d'art, la reproduction d'images artistiques utilisant des mouvements corporels expressifs. Théorie de la danse. Moyens expressifs de danse. Théâtralisation de la danse. J'ai étudié au studio de danse plastique de l'école d'Isadora Duncan (Panova).... ... Dictionnaire populaire de la langue russe

DANSE (polonais taniec, de l'allemand Tanz), un type d'art dans lequel un moyen de créer de l'art. Les images sont les mouvements et les positions du corps humain. T. est né d'une variété de mouvements et de gestes associés aux processus de travail et aux émotions... ... Ballet. Encyclopédie

caractéristique- Je hara/kterny aya, oe; ren, rna, rno. 1) seulement plein. Dans les arts du spectacle : caractéristique d'un certain peuple, d'une époque, d'un environnement social ; exprimant un certain type psychologique. Xème rôle. Figure du Xème genre. Acteur de personnage, artiste ; ... ... Dictionnaire de nombreuses expressions

Danse- (polonais taniec, de l'allemand Tanz) un type d'art dans lequel les moyens de créer une image artistique sont les mouvements, les gestes du danseur et la position de son corps. T. est né d'une variété de mouvements et de gestes associés aux processus de travail et... ... Grande Encyclopédie Soviétique

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Que signifie « danse des personnages » ?

Dictionnaire encyclopédique, 1998

danse des personnages

type de danse sur scène. Il est basé sur la danse folklorique (ou danse quotidienne), qui a été transformée par un chorégraphe pour un spectacle de ballet.

Danse caractéristique

l'un des moyens d'expression du théâtre de ballet, un type de danse scénique. A l'origine, le terme "H. T." a servi de définition de la danse en caractère, en image (en intermèdes, danses d'artisans, de paysans, de voleurs). Plus tard, le chorégraphe K. Blazis a commencé à appeler toutes les danses folkloriques introduites dans un spectacle de ballet « H. t ». Cette signification du terme perdure jusqu’au 20ème siècle. Les chorégraphes et danseurs de l'école de danse classique ont construit des chorégraphies sur la base de cette école, en utilisant des techniques professionnelles. Fin du 19ème siècle. L'exercice chorégraphique a été créé (approuvé plus tard comme discipline académique dans les écoles chorégraphiques).

Dans un spectacle de ballet moderne, le ballet peut être un épisode, devenir un moyen de révéler l'image, créant un spectacle entier.

Lit. : Lopukhov A.V., Shiryaev A.V., Bocharov A.I., Fondements de la danse de caractère, L. ≈ M., 1939 ; Dobrovolskaya G.N., Danse. Pantomime. Ballet, L., 1975.

G.N. Dobrovolskaya.