Liste des meilleurs artistes de la Renaissance. Peinture de la Renaissance italienne

L'Italie est un pays qui a toujours été célèbre pour ses artistes. Les grands maîtres ayant vécu en Italie ont glorifié l’art dans le monde entier. Nous pouvons affirmer avec certitude que sans les artistes, sculpteurs et architectes italiens, le monde d’aujourd’hui serait complètement différent. Bien entendu, il est considéré comme le plus important de l’art italien. L'Italie pendant la Renaissance ou la Renaissance a connu une croissance et une prospérité sans précédent. Les artistes talentueux, sculpteurs, inventeurs, véritables génies apparus à cette époque, sont encore connus de tous les écoliers. Leur art, leur créativité, leurs idées et leurs développements sont aujourd’hui considérés comme des classiques, le noyau sur lequel se construisent l’art et la culture mondiale.

L’un des génies les plus célèbres de la Renaissance italienne est bien sûr le grand Léonard de Vinci(1452-1519). Da Vinci était si doué qu'il a connu un grand succès dans de nombreux domaines, notamment les beaux-arts et les sciences. Un autre artiste célèbre qui est un maître reconnu est Sandro Botticelli(1445-1510). Les peintures de Botticelli sont un véritable cadeau pour l'humanité. Aujourd'hui, nombre d'entre eux se trouvent dans les musées les plus célèbres du monde et sont vraiment inestimables. Pas moins célèbre que Léonard de Vinci et Botticelli ne l'est Rafael Santi(1483-1520), qui vécut 38 ans et réussit pendant cette période à créer toute une couche de peinture époustouflante, qui devint l'un des exemples frappants du début de la Renaissance. Un autre grand génie de la Renaissance italienne est sans aucun doute Michel-Ange Buonarotti(1475-1564). En plus de la peinture, Michel-Ange s'est engagé dans la sculpture, l'architecture et la poésie et a obtenu d'excellents résultats dans ces types d'art. La statue de Michel-Ange appelée "David" est considérée comme un chef-d'œuvre inégalé, un exemple de la plus haute réalisation de l'art de la sculpture.

Outre les artistes mentionnés ci-dessus, les plus grands artistes de la Renaissance italienne étaient des maîtres tels qu'Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titien, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi et d'autres. Tous étaient de brillants exemples de la charmante école de peinture vénitienne. Les artistes suivants appartiennent à l'école florentine de peinture italienne: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andréa del Sarto.

Énumérer tous les artistes qui ont travaillé à la Renaissance, ainsi qu'à la fin de la Renaissance et des siècles plus tard, qui sont devenus célèbres dans le monde entier et ont glorifié l'art de la peinture, ont développé les principes de base et les lois qui sous-tendent tous les types et genres de la beaux-arts, Il faudra peut-être plusieurs volumes pour écrire, mais cette liste suffit pour comprendre que les grands artistes italiens sont l'art même que nous connaissons, que nous aimons et que nous apprécierons pour toujours !

Peintures de grands artistes italiens

Andrea Mantegna - Fresque dans la Camera degli Sposi

Giorgione - Trois philosophes

Léonard de Vinci - La Joconde

Nicolas Poussin - La Magnanimité de Scipion

Paolo Véronèse - Bataille de Lépante

Renaissance (Renaissance). Italie. 15-16ème siècle. Le capitalisme primitif. Le pays est dirigé par de riches banquiers. Ils s'intéressent à l'art et à la science.
Les riches et les puissants rassemblent autour d’eux les talentueux et les sages. Poètes, philosophes, artistes et sculpteurs discutent quotidiennement avec leurs mécènes. Pendant un moment, il sembla que le peuple était gouverné par des sages, comme le voulait Platon.
Ils se souvenaient des anciens Romains et Grecs. Qui a également construit une société de citoyens libres. Où la valeur principale, ce sont les gens (sans compter les esclaves, bien sûr).
La Renaissance ne consiste pas seulement à copier l’art des civilisations anciennes. C'est un mélange. Mythologie et christianisme. Réalisme de la nature et sincérité des images. Beauté physique et beauté spirituelle.
Ce n'était qu'un éclair. La période de la Haute Renaissance dure environ 30 ans ! Des années 1490 à 1527 Depuis le début de l'apogée de la créativité de Léonard. Avant le sac de Rome.

Le mirage d’un monde idéal s’est rapidement estompé. L'Italie s'est avérée trop fragile. Elle fut bientôt asservie par un autre dictateur.
Pourtant, ces 30 années ont déterminé les principales caractéristiques de la peinture européenne pour les 500 années à venir ! Jusqu'à impressionnistes.
Réalisme de l'image. Anthropocentrisme (quand une personne est le personnage principal et le héros). Perspective linéaire. Peinture à l'huile. Portrait. Paysage…
Incroyablement, au cours de ces 30 années, plusieurs maîtres brillants ont travaillé en même temps. Qui, à d’autres moments, naissent une fois tous les 1000 ans.
Léonard, Michel-Ange, Raphaël et Titien sont les titans de la Renaissance. Mais on ne peut manquer de mentionner leurs deux prédécesseurs. Giotto et Masaccio. Sans quoi il n’y aurait pas de Renaissance.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto de Bondogni. Fragment du tableau «Cinq maîtres de la Renaissance florentine». Début du 16ème siècle. Persienne, Paris.

14ème siècle Proto-Renaissance. Son personnage principal est Giotto. C’est un maître qui à lui seul a révolutionné l’art. 200 ans avant la Haute Renaissance. Sans lui, l’ère dont l’humanité est si fière n’aurait guère eu lieu.
Avant Giotto, il y avait des icônes et des fresques. Ils ont été créés selon les canons byzantins. Des visages au lieu de visages. Chiffres plats. Non-respect des proportions. Au lieu d’un paysage, il y a un fond doré. Comme par exemple sur cette icône.

Guido de Sienne. Adoration des Mages. 1275-1280 Altenburg, Musée Lindenau, Allemagne.

Et soudain, des fresques de Giotto apparaissent. Ils ont des chiffres volumineux. Visages de personnes nobles. Triste. Triste. Surpris. Vieux et jeunes. Différent.

Giotto. Lamentation du Christ. Fragment

Giotto. Baiser de Judas. Fragment

Giotto. Sainte Anne

Fresques de Giotto dans l'église des Scrovegni à Padoue (1302-1305). À gauche : Lamentation du Christ. Milieu : Baiser de Judas (fragment). À droite : Annonciation de Sainte-Anne (Mère Marie), fragment.
L'œuvre principale de Giotto est le cycle de ses fresques de la chapelle des Scrovegni à Padoue. Lorsque cette église fut ouverte aux paroissiens, des foules de personnes y affluèrent. Parce qu'ils n'ont jamais rien vu de pareil.
Après tout, Giotto a fait quelque chose de sans précédent. C'était comme s'il traduisait des histoires bibliques dans un langage simple et compréhensible. Et ils sont devenus beaucoup plus accessibles aux gens ordinaires.

Giotto. Adoration des Mages. 1303-1305 Fresque de la chapelle des Scrovegni à Padoue, Italie.

C’est précisément ce qui caractérisera de nombreux maîtres de la Renaissance. Images laconiques. Émotions vives des personnages. Le réalisme.
Entre l'icône et le réalisme de la Renaissance."
Giotto était admiré. Mais ses innovations n’ont pas été développées davantage. La mode du gothique international est arrivée en Italie.
Ce n'est qu'après 100 ans qu'apparaîtra un maître, digne successeur de Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportrait (fragment de la fresque « Saint Pierre en chaire »). 1425-1427 Chapelle Brancacci dans l'église de Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Début du XVe siècle. La soi-disant première Renaissance. Un autre innovateur entre en scène.
Masaccio fut le premier artiste à utiliser la perspective linéaire. Il a été conçu par son ami l'architecte Brunelleschi. Désormais, le monde représenté est devenu semblable au monde réel. L’architecture des jouets appartient au passé.

Masaccio. Saint Pierre guérit avec son ombre. 1425-1427 Chapelle Brancacci dans l'église de Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Il adopte le réalisme de Giotto. Cependant, contrairement à son prédécesseur, il connaissait déjà bien l’anatomie.
Au lieu de personnages en blocs, Giotto a des gens magnifiquement bâtis. Tout comme les anciens Grecs.

Masaccio. Baptême des néophytes. 1426-1427 Chapelle Brancacci, église Santa Maria del Carmine à Florence, Italie.

Masaccio. Expulsion du Paradis. 1426-1427 Fresque de la chapelle Brancacci, église Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Masaccio a vécu une vie courte. Il est mort, comme son père, de façon inattendue. A 27 ans.
Cependant, il avait de nombreux adeptes. Les maîtres des générations suivantes se rendirent à la chapelle Brancacci pour étudier ses fresques.
Ainsi, les innovations de Masaccio furent reprises par tous les grands titans de la Haute Renaissance.

3. Léonard de Vinci (1452-1519)

Léonard de Vinci. Autoportrait. 1512 Bibliothèque royale de Turin, Italie.

Léonard de Vinci est l'un des titans de la Renaissance. Ce qui a eu un impact considérable sur le développement de la peinture.
C'est lui qui a lui-même élevé le statut de l'artiste. Grâce à lui, les représentants de cette profession ne sont plus de simples artisans. Ce sont des créateurs et des aristocrates de l'esprit.
Léonard a fait une percée principalement dans le domaine du portrait.
Il pensait que rien ne devait détourner l'attention de l'image principale. Le regard ne doit pas vagabonder d’un détail à l’autre. C'est ainsi qu'apparaissent ses célèbres portraits. Laconique. Harmonieux.

Léonard de Vinci. Dame à l'hermine. 1489-1490 Musée Czertoryski, Cracovie.

La principale innovation de Léonard est d'avoir trouvé un moyen de donner vie aux images.
Avant lui, les personnages des portraits ressemblaient à des mannequins. Les lignes étaient claires. Tous les détails sont soigneusement dessinés. Le dessin peint ne pouvait pas être vivant.
Mais ensuite Léonard a inventé la méthode sfumato. Il a ombré les lignes. J'ai rendu la transition de la lumière à l'ombre très douce. Ses personnages semblent recouverts d'une brume à peine perceptible. Les personnages ont pris vie.

Léonard de Vinci. Mona Lisa. 1503-1519 Persienne, Paris.

Depuis, le sfumato fera partie du vocabulaire actif de tous les grands artistes de demain.
On pense souvent que Léonard, bien sûr, est un génie. Mais il ne savait pas comment finir quoi que ce soit. Et souvent, je ne finissais pas mes tableaux. Et beaucoup de ses projets sont restés sur papier (en 24 volumes d'ailleurs). Et en général, il se lançait soit dans la médecine, soit dans la musique. Et à une époque, je m'intéressais même à l'art de servir.
Cependant, pensez par vous-même. 19 tableaux. Et c'est le plus grand artiste de tous les temps. Et certains ne sont même pas proches de la grandeur. Parallèlement, ayant peint 6 000 toiles dans sa vie. Il est évident qui a la plus grande efficacité.

4. Michel-Ange (1475-1564)

Danièle de Volterra. Michel-Ange (fragment). 1544 Musée d'art métropolitain de New York.

Michel-Ange se considérait comme un sculpteur. Mais c'était un maître universel. Comme ses autres confrères de la Renaissance. Son héritage pictural n’en est donc pas moins grandiose.
Il est reconnaissable principalement à ses personnages physiquement développés. Parce qu'il incarne un homme parfait. Dans lequel la beauté physique signifie la beauté spirituelle.
C’est pourquoi tous ses héros sont si musclés et résilients. Même les femmes et les personnes âgées.

Michel-Ange. Fragment de la fresque "Le Jugement dernier"

Michel-Ange. Fragments de la fresque du Jugement dernier dans la Chapelle Sixtine, Vatican.
Michel-Ange peignait souvent le personnage nu. Et puis il a ajouté des vêtements par-dessus. Pour que le corps soit le plus sculpté possible.
Il a peint lui-même le plafond de la Chapelle Sixtine. Même s'il s'agit de plusieurs centaines de chiffres ! Il n’autorisait même personne à frotter la peinture. Oui, c'était un solitaire. Posséder un caractère cool et querelleur. Mais surtout, il n'était pas satisfait de... lui-même.

Michel-Ange. Fragment de la fresque « La Création d'Adam ». 1511 Chapelle Sixtine, Vatican.

Michel-Ange a vécu une longue vie. Ayant survécu au déclin de la Renaissance. Pour lui, c'était une tragédie personnelle. Ses œuvres ultérieures sont pleines de tristesse et de chagrin.
En général, le parcours créatif de Michel-Ange est unique. Ses premières œuvres sont une célébration du héros humain. Libre et courageux. Dans les meilleures traditions de la Grèce antique. Comment s'appelle David ?
Dans les dernières années de la vie, ce sont des images tragiques. Pierre volontairement grossièrement taillée. C’est comme si nous regardions des monuments dédiés aux victimes du fascisme du XXe siècle. Regardez sa Pietà.

Michel-Ange. David

Michel-Ange. Pietà Palestrina

Sculptures de Michel-Ange à l'Académie des Beaux-Arts de Florence. À gauche : David. 1504 À droite : La Pietà de Palestrina. 1555
Comment est-ce possible? Un artiste dans une vie a traversé toutes les étapes de l'art, de la Renaissance au XXe siècle. Que devraient faire les générations suivantes ? Eh bien, suivez votre propre chemin. Se rendre compte que la barre est placée très haute.

5. Raphaël (1483-1520)

Raphaël. Autoportrait. 1506 Galerie des Offices, Florence, Italie.

Raphaël n'a jamais été oublié. Son génie a toujours été reconnu. Et pendant la vie. Et après la mort.
Ses personnages sont dotés d'une beauté sensuelle et lyrique. Ce sont ses Madones qui sont à juste titre considérées comme les plus belles images féminines jamais créées. Leur beauté extérieure reflète aussi la beauté spirituelle des héroïnes. Leur douceur. Leur sacrifice.

Raphaël. Madone Sixtine. 1513 Galerie des Maîtres Anciens, Dresde, Allemagne.

Fiodor Dostoïevski a prononcé les célèbres mots « La beauté sauvera le monde » spécifiquement à propos de la Madone Sixtine. C'était son tableau préféré.
Cependant, les images sensuelles ne sont pas le seul point fort de Raphaël. Il a réfléchi très soigneusement aux compositions de ses peintures. C'était un architecte hors pair en peinture. De plus, il a toujours trouvé la solution la plus simple et la plus harmonieuse pour organiser l’espace. Il semble qu’il ne puisse en être autrement.

Raphaël. Ecole d'Athènes. 1509-1511 Fresque des Stances du Palais Apostolique, Vatican.

Raphaël n'a vécu que 37 ans. Il est mort subitement. D'un rhume et d'une erreur médicale. Mais son héritage est difficile à surestimer. De nombreux artistes idolâtraient ce maître. Multipliant ses images sensuelles dans des milliers de ses toiles.

6. Titien (1488-1576).

Titien. Autoportrait (fragment). 1562 Musée du Prado, Madrid.

Titien était un coloriste hors pair. Il a également beaucoup expérimenté en matière de composition. En général, c'était un innovateur audacieux et brillant.
Tout le monde l’aimait pour l’éclat de son talent. Appelé « Le Roi des Peintres et le Peintre des Rois ».
En parlant de Titien, je veux mettre un point d'exclamation après chaque phrase. Après tout, c'est lui qui a apporté du dynamisme à la peinture. Pathétique. Enthousiasme. Couleur vive. Éclat de couleurs.

Titien. Ascension de Marie. 1515-1518 Église de Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venise.

Vers la fin de sa vie, il développa une technique d'écriture inhabituelle. Les coups sont rapides. Épais. Pâteux. J'ai appliqué la peinture soit avec un pinceau, soit avec mes doigts. Cela rend les images encore plus vivantes et respirantes. Et les intrigues sont encore plus dynamiques et dramatiques.

Titien. Tarquin et Lucrèce. 1571 Musée Fitzwilliam, Cambridge, Angleterre.

Cela ne vous rappelle rien ? Bien sûr, c'est la technique de Rubens. Et la technique des artistes du XIXème siècle : Barbizons et Impressionnistes. Titien, comme Michel-Ange, passera par 500 ans de peinture au cours de sa vie. C'est pourquoi c'est un génie.

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Les artistes de la Renaissance sont des artistes d'un grand savoir. Pour laisser un tel héritage, il fallait en savoir beaucoup. Dans le domaine de l'histoire, de l'astrologie, de la physique, etc.
Par conséquent, chaque image d’eux nous fait réfléchir. Pourquoi est-ce représenté ? Quel est le message crypté ici ?
Par conséquent, ils n’ont presque jamais commis d’erreurs. Parce qu’ils ont soigneusement réfléchi à leur futur travail. Utiliser toutes vos connaissances.
Ils étaient plus que des artistes. C'étaient des philosophes. Nous expliquer le monde à travers la peinture.
C’est pourquoi ils nous intéresseront toujours profondément.

Avec une intégralité classique, la Renaissance s'est réalisée en Italie, dans la culture de la Renaissance dont il y a des périodes : Proto-Renaissance ou temps des phénomènes pré-Renaissance, (« l'ère de Dante et Giotto », vers 1260-1320), en partie coïncidant avec la période du Ducento (XIIIe siècle), ainsi que du Trecento (14e siècle), du Quattrocento (15e siècle) et du Cinquecento (16e siècle). Les périodes plus générales sont la première Renaissance (14-15 siècles), où les nouvelles tendances interagissent activement avec le gothique, le surmontant et le transformant de manière créative.

Ainsi que la Haute et la Fin de la Renaissance, dont une phase particulière était le maniérisme. À l'époque du Quattrocento, l'école florentine, les architectes (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino et autres), les sculpteurs (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano) et les peintres (Masaccio) sont devenus le centre d'intérêt. d'innovation dans tous les types d'art, Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli) qui ont créé une conception plastiquement intégrale du monde avec unité interne, qui s'est progressivement répandue dans toute l'Italie (l'œuvre de Piero della Francesca en Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa à Ferrare, Andrea Mantegna à Mantoue, Antonello da Messina et les frères Gentile et Giovanni Bellini à Venise).

Il est naturel que l’époque, qui accordait une importance centrale à la créativité humaine « divine », ait mis en avant des personnalités artistiques qui, avec toute l’abondance de talents de l’époque, sont devenues la personnification d’époques entières de la culture nationale (les « titans » personnels). comme on les appelait romantiquement plus tard). Giotto est devenu la personnification de la Proto-Renaissance ; les aspects opposés du Quattrocento - sévérité constructive et lyrisme émouvant - ont été respectivement exprimés par Masaccio, Angelico et Botticelli. Les « Titans » de la Moyenne (ou « Haute ») Renaissance Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange sont des artistes - symboles du grand tournant du Nouvel Âge en tant que tel. Les étapes les plus importantes de l'architecture de la Renaissance italienne - début, milieu et fin - sont incarnées de manière monumentale dans les œuvres de F. Brunelleschi, D. Bramante et A. Palladio.

À la Renaissance, l’anonymat médiéval a été remplacé par la créativité individuelle et auctoriale. La théorie de la perspective linéaire et aérienne, des proportions, des problèmes d'anatomie et de modélisation de la lumière et des ombres est d'une grande importance pratique. Centre des innovations de la Renaissance, le « miroir artistique de l'époque » était la peinture illusoire et réaliste ; dans l'art religieux, elle remplace l'icône, et dans l'art profane, elle donne naissance à des genres indépendants de paysage, de peinture quotidienne et de portrait (le ce dernier a joué un rôle primordial dans l'affirmation visuelle des idéaux de la virtu humaniste). L'art de la gravure sur bois et sur métal, véritablement répandu au cours de la Réforme, acquiert sa valeur intrinsèque définitive. Dessiner à partir d'un croquis de travail se transforme en un type de créativité distinct ; le style individuel du trait, du trait, ainsi que la texture et l'effet d'incomplétude (non finito) commencent à être valorisés comme des effets artistiques indépendants. La peinture monumentale devient également pittoresque, illusoire et tridimensionnelle, gagnant une plus grande indépendance visuelle par rapport à la masse du mur. Tous les types de beaux-arts violent désormais d'une manière ou d'une autre la synthèse médiévale monolithique (où dominait l'architecture), gagnant une indépendance relative. Des types de statues absolument rondes, de monuments équestres et de bustes de portraits (faisant revivre à bien des égards l'ancienne tradition) se forment, et un tout nouveau type de pierre tombale sculpturale et architecturale solennelle apparaît.

Au cours de la Haute Renaissance, lorsque la lutte pour les idéaux humanistes de la Renaissance acquit un caractère intense et héroïque, l'architecture et les beaux-arts étaient marqués par l'ampleur du son social, la généralité synthétique et la puissance des images pleines d'activité spirituelle et physique. Dans les bâtiments de Donato Bramante, Raphael, Antonio da Sangallo, l'harmonie parfaite, la monumentalité et la proportionnalité claire ont atteint leur apogée ; la plénitude humaniste, l'envolée audacieuse de l'imagination artistique, l'ampleur de la réalité sont caractéristiques du travail des plus grands maîtres des beaux-arts de cette époque - Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange, Giorgione, Titien. À partir du deuxième quart du XVIe siècle, lorsque l'Italie entre dans une période de crise politique et de déception face aux idées de l'humanisme, l'œuvre de nombreux maîtres acquiert un caractère complexe et dramatique. Dans l'architecture de la fin de la Renaissance (Giacomo da Vignola, Michel-Ange, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi), l'intérêt pour le développement spatial de la composition et la subordination du bâtiment à un vaste plan d'urbanisme s'est accru ; dans les bâtiments publics, temples, villas et palais richement et complexement développés, la tectonique claire du début de la Renaissance a été remplacée par un intense conflit de forces tectoniques (bâtiments de Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). La peinture et la sculpture de la fin de la Renaissance ont été enrichies par une compréhension de la nature contradictoire du monde, un intérêt pour la représentation de l'action dramatique de masse, de la dynamique spatiale (Paolo Véronèse, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano) ; Les caractéristiques psychologiques des images dans les œuvres ultérieures de Michel-Ange et du Titien ont atteint une profondeur, une complexité et une tragédie interne sans précédent.

école de Venise

L'école vénitienne, l'une des principales écoles de peinture d'Italie, dont le centre est situé dans la ville de Venise (en partie également dans les petites villes de Terraferma - zones du continent adjacentes à Venise). L'école vénitienne se caractérise par la prédominance du principe pictural, une attention particulière aux problèmes de couleur et le désir d'incarner la plénitude sensuelle et la couleur de la vie. Étroitement liée aux pays d'Europe occidentale et orientale, Venise puisait dans la culture étrangère tout ce qui pouvait servir à la décorer : l'élégance et l'éclat doré des mosaïques byzantines, les abords de pierre des édifices maures, le caractère fantastique des temples gothiques. Dans le même temps, il a développé son propre style artistique original, gravitant vers la couleur cérémonielle. L'école vénitienne se caractérise par un principe laïque et affirmant la vie, une perception poétique du monde, de l'homme et de la nature et un colorisme subtil.

L'école vénitienne a atteint son apogée à l'époque de la Première et de la Haute Renaissance, dans l'œuvre d'Antonello da Messina, qui a ouvert à ses contemporains les possibilités expressives de la peinture à l'huile, créateurs d'images idéalement harmonieuses de Giovanni Bellini et Giorgione, le plus grand coloriste Titien, qui a incarné dans ses toiles la gaieté et la couleur inhérentes à la pléthore de la peinture vénitienne. Dans les œuvres des maîtres de l'école vénitienne de la seconde moitié du XVIe siècle, la virtuosité dans la transmission du monde multicolore, l'amour des spectacles festifs et des foules diverses cohabitent avec un drame évident et caché, un sens alarmant de la dynamique et de l'infinité de l'univers (peintures de Paolo Véronèse et Jacopo Tintoretto). Au XVIIe siècle, l'intérêt traditionnel pour les problèmes de couleur de l'école vénitienne dans les œuvres de Domenico Fetti, Bernardo Strozzi et d'autres artistes coexistait avec les techniques de la peinture baroque, ainsi qu'avec des tendances réalistes dans l'esprit du caravagisme. La peinture vénitienne du XVIIIe siècle se caractérise par l'épanouissement de la peinture monumentale et décorative (Giovanni Battista Tiepolo), du genre quotidien (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), du paysage architectural d'une précision documentaire - vedata (Giovan Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) et lyrique, transmettant subtilement l'atmosphère poétique de la vie quotidienne du paysage urbain de Venise (Francesco Guardi).

école de Florence

École florentine, l'une des principales écoles d'art italiennes de la Renaissance, basée dans la ville de Florence. La formation de l'école florentine, qui prend finalement forme au XVe siècle, est facilitée par l'épanouissement de la pensée humaniste (Francesco Pétrarque, Giovanni Boccace, Lico della Mirandola, etc.), tournée vers l'héritage de l'Antiquité. Le fondateur de l'école florentine pendant la Proto-Renaissance était Giotto, qui a donné à ses compositions un caractère persuasif plastique et une authenticité réaliste.
Au XVe siècle, les fondateurs de l'art de la Renaissance à Florence furent l'architecte Filippo Brunelleschi, le sculpteur Donatello, le peintre Masaccio, suivis par l'architecte Leon Battista Alberti, les sculpteurs Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano. et d'autres maîtres. Dans l'architecture de l'école florentine du XVe siècle, un nouveau type de palais Renaissance a été créé et la recherche du type idéal de construction de temples qui répondrait aux idéaux humanistes de l'époque a commencé.

Les beaux-arts de l'école florentine du XVe siècle se caractérisent par une fascination pour les problèmes de perspective, un désir d'une construction plastiquement claire de la figure humaine (œuvres d'Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno), et pour beaucoup de ses maîtres - spiritualité particulière et contemplation lyrique intime (peinture de Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi,). Au XVIIe siècle, l’école florentine tombe en décadence.

Les données de référence et biographiques de la "Small Bay Planet Art Gallery" ont été préparées sur la base de matériaux de "Histoire de l'art étranger" (édité par M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), "Art Encyclopedia of Foreign Classical Art", "Great Russian Encyclopédie".

Sandro Botticelli(1er mars 1445 - 17 mai 1510) - un homme profondément religieux, a travaillé dans toutes les grandes églises de Florence et dans la chapelle Sixtine du Vatican, mais est resté dans l'histoire de l'art principalement comme auteur de poésies grand format des toiles sur des sujets inspirés de l'Antiquité classique - "Printemps" et "Naissance de Vénus". .

Botticelli resta longtemps dans l'ombre des géants de la Renaissance qui travaillèrent après lui, jusqu'à ce qu'il soit redécouvert au milieu du XIXe siècle par les préraphaélites britanniques, qui vénéraient la linéarité fragile et la fraîcheur printanière de ses toiles de la maturité. point culminant du développement de l’art mondial.

Né dans la famille d'un riche citadin, Mariano di Vanni Filipepi. A reçu une bonne éducation. Il a étudié la peinture avec le moine Filippo Lippi et a adopté de lui cette passion pour représenter des motifs touchants qui distinguent les peintures historiques de Lippi. Puis il travaille pour le célèbre sculpteur Verrocchio. En 1470, il organisa son propre atelier.

Il adopte la subtilité et la précision des lignes de son deuxième frère, bijoutier. Il étudie quelque temps avec Léonard de Vinci dans l'atelier de Verrocchio. L’originalité du talent de Botticelli est son penchant pour le fantastique. Il fut l'un des premiers à introduire les mythes et allégories antiques dans l'art de son temps et il travailla avec un amour particulier sur des sujets mythologiques. Particulièrement impressionnante est sa Vénus, qui flotte nue sur la mer dans une coquille, et les dieux des vents la couvrent d'une pluie de roses et chassent la coquille jusqu'au rivage.

Les fresques qu'il commença en 1474 dans la chapelle Sixtine du Vatican sont considérées comme la meilleure création de Botticelli. Il a réalisé de nombreuses peintures commandées par les Médicis. Il peint notamment la bannière de Julien de Médicis, frère de Laurent le Magnifique. Dans les années 1470-1480, le portrait devient un genre indépendant dans l’œuvre de Botticelli (« L’Homme à la médaille », vers 1474 ; « Jeune homme », années 1480). Botticelli est devenu célèbre pour son goût esthétique subtil et ses œuvres telles que « L'Annonciation » (1489-1490), « Abandonné » (1495-1500), etc. Au cours des dernières années de sa vie, Botticelli a apparemment abandonné la peinture.

Sandro Botticelli est enterré dans le tombeau familial de l'église d'Ognisanti à Florence. Selon son testament, il fut enterré près de la tombe de Simonetta Vespucci, qui inspira les plus belles images du maître.

Léonard de Ser Piero da Vinci(15 avril 1452, village d'Anchiano, près de la ville de Vinci, près de Florence - 2 mai 1519 - grand artiste italien (peintre, sculpteur, architecte) et scientifique (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain, l'un des les plus grands représentants du Haut Art de la Renaissance, un brillant exemple de « l’homme universel ».

Nos contemporains connaissent Léonard avant tout en tant qu'artiste. En outre, il est possible que Léonard de Vinci ait également été sculpteur : des chercheurs de l'Université de Pérouse - Giancarlo Gentilini et Carlo Sisi - affirment que la tête en terre cuite qu'ils ont trouvée en 1990 est la seule œuvre sculpturale de Léonard de Vinci qui soit parvenue à nous. Cependant, Léonard lui-même, à différentes périodes de sa vie, se considérait avant tout comme un ingénieur ou un scientifique. Il ne consacrait pas beaucoup de temps aux beaux-arts et travaillait plutôt lentement. Par conséquent, le patrimoine artistique de Léonard n’est pas important et un certain nombre de ses œuvres ont été perdues ou gravement endommagées. Cependant, sa contribution à la culture artistique mondiale est extrêmement importante, même dans le contexte de la cohorte de génies produite par la Renaissance italienne. Grâce à ses œuvres, l'art de la peinture est passé à une étape qualitativement nouvelle de son développement. Les artistes de la Renaissance qui ont précédé Léonard ont rejeté de manière décisive bon nombre des conventions de l’art médiéval. Il s’agissait d’un mouvement vers le réalisme et beaucoup avait déjà été réalisé dans l’étude de la perspective, de l’anatomie et d’une plus grande liberté dans les solutions de composition. Mais en termes de peinture, de travail de la peinture, les artistes étaient encore assez conventionnels et contraints. La ligne sur l’image délimitait clairement l’objet et l’image ressemblait à un dessin peint. Le plus conventionnel était le paysage, qui jouait un rôle secondaire. .

Léonard a réalisé et incarné une nouvelle technique de peinture. Sa ligne a le droit d’être floue, car c’est comme ça qu’on la voit. Il a réalisé le phénomène de diffusion de la lumière dans l'air et l'apparition du sfumato - une brume entre le spectateur et l'objet représenté, qui adoucit les contrastes de couleurs et les lignes. En conséquence, le réalisme en peinture a atteint un niveau qualitativement nouveau. . peinture de la renaissance Botticelli Renaissance

Rafael Santi(28 mars 1483 - 6 avril 1520) - grand peintre, graphiste et architecte italien, représentant de l'école ombrienne.

Le fils du peintre Giovanni Santi a suivi une formation artistique initiale à Urbino avec son père Giovanni Santi, mais dès son plus jeune âge, il s'est retrouvé dans l'atelier de l'artiste exceptionnel Pietro Perugino. C’est le langage artistique et l’imagerie des peintures du Pérugin, avec leur attrait pour une composition symétrique et équilibrée, la clarté des solutions spatiales et la douceur des couleurs et de l’éclairage, qui ont eu une influence primordiale sur le style du jeune Raphaël.

Il faut également préciser que le style créatif de Raphaël comprenait une synthèse des techniques et des découvertes d’autres maîtres. Au début, Raphaël s'est appuyé sur l'expérience du Pérugin, puis, plus tard, sur les découvertes de Léonard de Vinci, Fra Bartolomeo et Michel-Ange. .

Les premières œuvres (« Madonna Conestabile » 1502-1503) sont empreintes de grâce et de doux lyrisme. Il a glorifié l'existence terrestre de l'homme, l'harmonie des forces spirituelles et physiques dans les peintures des salles du Vatican (1509-1517), atteignant un sens impeccable des proportions, du rythme, des proportions, de l'euphonie des couleurs, de l'unité des figures et majestueux. arrière-plans architecturaux..

A Florence, entré en contact avec les œuvres de Michel-Ange et de Léonard, Raphaël apprit d'eux la représentation anatomiquement correcte du corps humain. A l'âge de 25 ans, l'artiste arrive à Rome, et à partir de ce moment commence la période d'apogée de sa créativité : il réalise des peintures monumentales au Palais du Vatican (1509-1511), dont le chef-d'œuvre incontesté du maître - la fresque «L'École d'Athènes», écrit des compositions d'autel et des peintures de chevalet, se distinguant par l'harmonie du concept et de l'exécution, travaille en tant qu'architecte (Raphaël a même dirigé pendant quelque temps la construction de la cathédrale Saint-Pierre). Dans une recherche inlassable de son idéal, incarné pour l'artiste à l'image de la Madone, il crée sa création la plus parfaite - la « Madone Sixtine » (1513), symbole de maternité et d'abnégation. Les peintures et peintures murales de Raphaël furent reconnues par ses contemporains et Santi devint rapidement une figure centrale de la vie artistique de Rome. De nombreuses personnes nobles d’Italie souhaitaient se lier à l’artiste, notamment le cardinal Bibbiena, ami proche de Raphaël. L'artiste est décédé à l'âge de trente-sept ans d'une insuffisance cardiaque. Les peintures inachevées de la Villa Farnesina, des Loggias du Vatican et d'autres œuvres ont été réalisées par les étudiants de Raphaël conformément à ses croquis et dessins.

L'un des plus grands représentants de l'art de la Haute Renaissance, dont les peintures se caractérisent par un équilibre et une harmonie accentués de l'ensemble, une composition équilibrée, un rythme mesuré et une utilisation délicate des capacités des couleurs. Une maîtrise impeccable de la ligne et la capacité de généraliser et de mettre en évidence l'essentiel ont fait de Raphaël l'un des maîtres du dessin les plus remarquables de tous les temps. L'héritage de Raphaël a été l'un des piliers de la formation de l'académisme européen. Les adeptes du classicisme - les frères Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov et bien d'autres artistes - ont vanté l'héritage de Raphaël comme le phénomène le plus parfait de l'art mondial...

Titien Vecellio(1476/1477 ou 1480-1576) - Peintre italien de la Renaissance. Le nom de Titien se classe parmi les artistes de la Renaissance tels que Michel-Ange, Léonard de Vinci et Raphaël. Titien a peint des peintures sur des sujets bibliques et mythologiques ; il est également devenu célèbre comme portraitiste. Il recevait des ordres des rois et des papes, des cardinaux, des ducs et des princes. Titien n'avait pas trente ans lorsqu'il fut reconnu comme le meilleur peintre de Venise.

Selon son lieu de naissance (Pieve di Cadore dans la province de Belluno), il est parfois appelé da Cadore ; également connu sous le nom de Titien le Divin...

Titien est né dans la famille de Gregorio Vecellio, homme d'État et chef militaire. À l'âge de dix ans, il fut envoyé avec son frère à Venise pour étudier avec le célèbre mosaïste Sebastian Zuccato. Quelques années plus tard, il entre comme apprenti dans l'atelier de Giovanni Bellini. Il a étudié avec Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) et plusieurs autres artistes qui deviendront plus tard célèbres.

En 1518, Titien peint le tableau "L'Ascension de Notre-Dame", en 1515 - Salomé avec la tête de Jean-Baptiste. De 1519 à 1526, il peint plusieurs autels, dont le retable de la famille Pesaro.

Titien a vécu une longue vie. Jusqu'à ses derniers jours, il n'a pas arrêté de travailler. Titien a peint son dernier tableau, Lamentation du Christ, pour sa propre pierre tombale. L'artiste mourut de la peste à Venise le 27 août 1576, infecté par son fils alors qu'il s'occupait de lui.

L'empereur Charles Quint convoqua Titien chez lui et l'entoura d'honneur et de respect et dit plus d'une fois : « Je peux créer un duc, mais où puis-je trouver un deuxième Titien ? Lorsqu'un jour l'artiste laissa tomber son pinceau, Charles Quint le ramassa et dit : « C'est un honneur même pour l'empereur de servir Titien. » Les rois d'Espagne et de France invitèrent Titien à vivre à leur cour, mais l'artiste, après avoir exécuté ses commandes, retournait toujours dans sa Venise natale. Un cratère sur Mercure fut nommé en l'honneur de Titien. .

Pour les Européens, la période du Moyen Âge sombre prend fin, laissant la place à la Renaissance. Elle a permis de faire revivre le patrimoine quasiment disparu de l'Antiquité et de créer de grandes œuvres d'art. Les scientifiques de la Renaissance ont également joué un rôle important dans le développement de l’humanité.

Paradigme

La crise et la destruction de Byzance ont conduit à l'apparition de milliers d'émigrants chrétiens en Europe, qui ont emporté des livres avec eux. Ces manuscrits contenaient des connaissances de la période antique, à moitié oubliées à l’ouest du continent. Ils sont devenus la base de l’humanisme, qui a placé au premier plan l’homme, ses idées et son désir de liberté. Au fil du temps, dans les villes où le rôle des banquiers, des artisans, des commerçants et des artisans s'est accru, des centres laïcs de science et d'éducation ont commencé à émerger, qui non seulement n'étaient pas sous l'autorité de l'Église catholique, mais luttaient souvent contre ses diktats.

Peinture de Giotto (Renaissance)

Les artistes du Moyen Âge créaient des œuvres à contenu majoritairement religieux. En particulier, pendant longtemps, le genre principal de la peinture a été la peinture d'icônes. Le premier qui a décidé de représenter des gens ordinaires sur ses toiles, ainsi que d'abandonner le style canonique de peinture inhérent à l'école byzantine, fut Giotto di Bondone, considéré comme un pionnier de la Proto-Renaissance. Sur les fresques de l'église San Francesco, située dans la ville d'Assise, il utilise le jeu du clair-obscur et s'écarte de la structure de composition généralement acceptée. Cependant, le principal chef-d'œuvre de Giotto était la peinture de la chapelle Arena de Padoue. Il est intéressant de noter qu'immédiatement après cette commande, l'artiste a été appelé pour décorer l'hôtel de ville. Tout en travaillant sur l’une des peintures, afin d’obtenir la plus grande authenticité dans la représentation du « signe céleste », Giotto a consulté l’astronome Pietro d’Abano. Ainsi, grâce à cet artiste, la peinture a cessé de représenter des personnes, des objets et des phénomènes naturels selon certains canons et est devenue plus réaliste.

Léonard de Vinci

De nombreuses figures de la Renaissance avaient un talent polyvalent. Cependant, aucun d'entre eux ne peut se comparer à Léonard de Vinci en termes de polyvalence. Il s'est distingué comme un peintre, architecte, sculpteur, anatomiste, naturaliste et ingénieur exceptionnel.

En 1466, Léonard de Vinci part étudier à Florence, où, outre la peinture, il étudie la chimie et le dessin, et acquiert également des compétences dans le travail du métal, du cuir et du plâtre.

Déjà les premiers tableaux de l’artiste le distinguaient parmi ses collègues. Au cours de sa longue vie de 68 ans, Léonard de Vinci a créé des chefs-d'œuvre tels que « La Joconde », « Jean-Baptiste », « La Dame à l'hermine », « La Cène », etc.

Comme d’autres personnalités marquantes de la Renaissance, l’artiste s’intéressait aux sciences et à l’ingénierie. On sait notamment que la serrure à pistolet à roue qu'il a inventée a été utilisée jusqu'au 19e siècle. De plus, Léonard de Vinci a créé des dessins d'un parachute, d'une machine volante, d'un projecteur, d'un télescope à deux lentilles, etc.

Michel-Ange

Lorsqu'on aborde la question de ce que les personnages de la Renaissance ont apporté au monde, la liste de leurs réalisations contient nécessairement les œuvres de cet architecte, artiste et sculpteur hors du commun.

Parmi les créations les plus célèbres de Michel-Ange Buonarroti figurent les fresques du plafond de la Chapelle Sixtine, la statue de David, la sculpture de Bacchus, la statue en marbre de la Madone de Bruges, le tableau « Le Tourment de Saint Antoine » et bien d'autres. d'autres chefs-d'œuvre de l'art mondial.

Rafael Santi

L'artiste est né en 1483 et n'a vécu que 37 ans. Cependant, le grand héritage de Raphael Santi le place en tête de tout classement symbolique des « figures marquantes de la Renaissance ».

Parmi les chefs-d'œuvre de l'artiste figurent « Le Couronnement de Marie » pour l'autel d'Oddi, « Portrait de Pietro Bembo », « Dame à la Licorne », de nombreuses fresques commandées pour la Stanza della Segnatura, etc.

Le summum de l'œuvre de Raphaël est considéré comme la « Madone Sixtine », créée pour l'autel de l'église du monastère de Saint-Pierre. Sixta à Plaisance. Cette image fait une impression inoubliable sur quiconque la voit, car la Marie qui y est représentée combine d'une manière incompréhensible les essences terrestres et célestes de la Mère de Dieu.

Albrecht Dürer

Les personnages célèbres de la Renaissance n’étaient pas seulement italiens. Parmi eux, le peintre et graveur allemand Albrecht Dürer, né à Nuremberg en 1471. Ses œuvres les plus significatives sont « l'Autel de Landauer », un autoportrait (1500), le tableau « La Fête des couronnes de roses » et trois « Gravures d'atelier ». Ces derniers sont considérés comme des chefs-d’œuvre de l’art graphique de tous les temps et de tous les peuples.

Titien

Les grandes figures de la Renaissance dans le domaine de la peinture nous ont laissé des images de leurs contemporains les plus célèbres. L'un des portraitistes les plus remarquables de cette période de l'art européen était Titien, issu de la célèbre famille Vecellio. Il a immortalisé sur toile Federico Gonzaga, Charles Quint, Clarissa Strozzi, Pietro Aretino, l'architecte Giulio Romano et bien d'autres. De plus, ses pinceaux comprennent des toiles sur des sujets de la mythologie antique. La grande estime de l'artiste par ses contemporains est attestée par le fait qu'un jour l'empereur Charles Quint s'est empressé de ramasser un pinceau tombé des mains de Titien. Le monarque a expliqué son action en disant que servir un tel maître est un honneur pour quiconque .

Sandro Botticelli

L'artiste est né en 1445. Au départ, il allait devenir bijoutier, mais il s'est ensuite retrouvé dans l'atelier d'Andrea Verrocchio, qui a étudié avec Léonard de Vinci. Parallèlement à des œuvres à thème religieux, l'artiste a créé plusieurs peintures à contenu profane. Les chefs-d'œuvre de Botticelli comprennent les tableaux "La Naissance de Vénus", "Le Printemps", "Pallas et le Centaure" et bien d'autres.

Dante Alighieri

Les grandes figures de la Renaissance ont laissé leur marque indélébile dans la littérature mondiale. L'un des poètes les plus marquants de cette période est Dante Alighieri, né en 1265 à Florence. À l'âge de 37 ans, il a été expulsé de sa ville natale en raison de ses opinions politiques et a erré jusqu'aux dernières années de sa vie.

Même enfant, Dante est tombé amoureux de sa camarade Béatrice Portinari. Ayant mûri, la jeune fille épousa un autre homme et mourut à l'âge de 24 ans. Béatrice est devenue la muse du poète et c’est à elle qu’il a dédié ses œuvres, dont le récit « Nouvelle vie ». En 1306, Dante commença à créer sa « Divine Comédie », sur laquelle il travailla pendant près de 15 ans. Il y expose les vices de la société italienne, les crimes des papes et des cardinaux, et place sa Béatrice au « paradis ».

William Shakespeare

Bien que les idées de la Renaissance soient arrivées assez tard dans les îles britanniques, des œuvres d'art exceptionnelles y ont également été créées.

En particulier, l'un des dramaturges les plus célèbres de l'histoire de l'humanité, William Shakespeare, a travaillé en Angleterre. Ses pièces sont jouées sur les scènes des quatre coins de la planète depuis plus de 500 ans. Sa plume comprend les tragédies « Othello », « Roméo et Juliette », « Hamlet », « Macbeth », ainsi que les comédies « Douzième Nuit », « Beaucoup de bruit pour rien » et bien d'autres. De plus, Shakespeare est célèbre pour ses sonnets dédiés à la mystérieuse Dame Noire.

Léon Battista Alberti

La Renaissance a également contribué à changer l’apparence des villes européennes. De grands chefs-d’œuvre architecturaux ont été créés au cours de cette période, notamment la cathédrale romaine Saint-Pierre. Saint-Pierre, l'escalier Laurentien, la cathédrale de Florence, etc. Avec Michel-Ange, le célèbre scientifique Leon Battista Alberti est l'un des architectes célèbres de la Renaissance. Il a apporté d'énormes contributions à l'architecture, à la théorie de l'art et à la littérature. Ses domaines d'intérêt comprenaient également les problèmes de pédagogie et d'éthique, de mathématiques et de cartographie. Il a créé l'un des premiers ouvrages scientifiques sur l'architecture, intitulé « Dix livres sur l'architecture ». Ce travail a eu une énorme influence sur les générations suivantes de ses collègues.

Vous connaissez désormais les figures culturelles les plus célèbres de la Renaissance, grâce auxquelles la civilisation humaine est entrée dans une nouvelle étape de son développement.