Tous les dessins ornementaux en fonction de leurs possibilités picturales sont divisés en trois types:

ornement pictural, qui comprend un dessin spécifique d'une personne, d'animaux, de plantes, de paysages ou de motifs architecturaux, un dessin d'objets inanimés ou un emblème complexe ;

ornement non pictural, formé à partir d'éléments géométriques, de formes abstraites, dépourvues de contenu disciplinaire spécifique ;

ornement combiné, qui est une combinaison de motifs picturaux ou d'éléments individuels, d'une part, et de formes abstraites, d'autre part.

Le motif ornemental non pictural le plus complexe, ou motif, est essentiellement constitué des éléments géométriques les plus simples de forme régulière ou irrégulière. Commençons par un point, qui signifie peu en soi, mais avec sa répétition rythmique habile, un effet décoratif intéressant peut être obtenu. Un exemple est les œuvres de l'Iran sassanide ou les produits chinois de la période Tang. La ligne transmet le plus fidèlement la nature des contours de n'importe quelle forme. C'est le principal élément de mise en forme. Et si le nombre de formes abstraites non picturales est très grand, alors il n'y a que trois lignes qui diffèrent fortement les unes des autres:

lignes droites - verticales, horizontales, inclinées;

courbes - avec un rayon de courbure constant - cercles et leurs arcs;

courbes - à rayon de courbure variable - paraboles, hyperboles et leurs segments.

Ces lignes sont les éléments primaires de toutes les formations ornementales. Les trois types de lignes ont une certaine expressivité visuelle et ne se ressemblent pas.

En elles-mêmes, les lignes droites et courbes ne sont pas porteuses d'expressivité artistique. Mais sous certaines conditions, ils peuvent "découvrir" la charge émotionnelle cachée en eux.

Ainsi, les lignes droites et les courbes avec un rayon de courbure constant sont capables d'exprimer un mouvement doux et calme. Dans la nature de ces lignes résident la constance, la statique, l'équilibre ; en même temps, on pense que les lignes horizontales de l'ornement symbolisent l'harmonie, la rigueur, une certaine stabilité, tandis que les lignes droites inclinées donnent l'impression d'un mouvement constant.

La ligne, ou ruban, était largement utilisée dans l'ornementation pour distinguer les motifs individuels.

Le zigzag, ou une ligne brisée, dans l'Égypte ancienne servait de signe d'eau. Il a été utilisé dans les ornements de nombreux peuples à diverses époques.

Les chevrons sont un ruban brisé avec une alternance rythmique d'un motif. On le retrouve dans l'art décoratif de la Chine à l'époque des Shang et dans l'art roman.

Le motif de la tresse se retrouve dans l'art ornemental de différents pays: extrême-oriental et grec, dans les miniatures de livres médiévaux d'Europe occidentale et sur les croix sculptées irlandaises, dans l'art musulman.

Ce motif à la Renaissance était souvent utilisé sur les reliures de livres, en faïence de Saint-Porcher. Même le grand Léonard de Vinci ne l'a pas laissé sans surveillance et a créé des exemples célèbres de ce motif ornemental.

Exemples d'ornement non pictural : Zigzag ; ligne ondulée; variétés de méandres

Un méandre est une ligne brisée à angle droit. Les tout premiers échantillons de ce motif ornemental remontent à l'ère paléolithique. Plus tard, le méandre a été utilisé dans la céramique grecque, dans l'art des anciens habitants du Mexique, sur les tissus japonais et dans l'art décoratif de nombreux autres peuples du monde.

Le carré et le rectangle sont la forme principale de l'ornement. Ils servent principalement à limiter la surface remplie de motifs ornementaux. Un exemple frappant de l'utilisation de ce motif dans l'art est les vases grecs de Rhodes ; en architecture - plafonds à caissons de la Renaissance. L'ornement à carreaux a été largement utilisé dans les motifs de tissus depuis l'époque de l'Égypte ancienne jusqu'à nos jours.

Un losange, comme un carré, sert à délimiter la surface à décorer. Ce motif était particulièrement utilisé dans la poterie de la période préhistorique.

L'hexagone et l'octogone seuls et en combinaison étaient très courants dans l'art décoratif des pays musulmans.

Les motifs rectilignes, largement utilisés depuis la préhistoire, incluent la croix et la croix gammée, qui servaient principalement de symboles religieux : la croix en Occident, la croix gammée dans les pays d'Asie centrale et du Sud-Est. Les motifs en forme de croix se retrouvent également dans l'art ancien.

Le cercle est considéré comme l'une des formes les plus parfaites et les plus complètes. Il est utilisé à la fois comme véritable élément ornemental, par exemple sur les céramiques chypriotes, et pour limiter la surface, qui comprend d'autres motifs, comme sur les armoiries japonaises. Un rôle important a été joué par les cercles dans les ornements médiévaux (les soi-disant "roses" gothiques).

Le motif en spirale était répandu dès le Néolithique (comme en témoigne une frise avec un relief en forme de spirale trouvée sur l'île de Malte, une borne avec un ornement en spirale en relief trouvée en Irlande). Ce motif a ensuite été largement utilisé dans les civilisations crétoise, minoenne et mycénienne et est devenu un motif de prédilection dans l'art ancien de l'Égypte, de l'Assyrie et de la Grèce. C'est une image symbolique de l'histoire du développement du monde.

Les lignes à rayon de courbure variable sont porteuses de dynamisme, de tension, d'irrégularité et de mouvement actif (croissant et décroissant).

Schémas de construction d'un ornement en maille

Les lignes brisées aux angles vifs sont particulièrement capables d'exprimer le dynamisme - celles que l'on appelle celles qui ressemblent à des éclairs. Le motif « vague qui coule » était utilisé dans l'Antiquité comme symbole de l'impermanence de la vie. Les origines de ce motif sont dans le méandre (ligne brisée), à ​​partir duquel il se transforme progressivement en une courbe.

Aux motifs géométriques mentionnés ci-dessus, il convient d'ajouter des éléments de décoration architecturale, utilisés uniquement pour décorer des bâtiments et parfois des meubles: «cordon torsadé» - une ligne en spirale torsadée autour de son propre axe; filet, rouleau, scotia, ornement double dentelé, etc.

Tout motif ornemental non pictural consiste en une combinaison de certaines lignes ou figures fermées. Dans certains cas, il ne s'agit que de lignes droites ou courbes, dans d'autres, d'une combinaison de différentes lignes ou d'éléments bouclés dans un même motif. L'organisation rythmique des éléments du motif crée des conditions qui stimulent la manifestation des propriétés plastiques de couleur de ces éléments.

Parmi les ornements du groupe pictural, le plus courant est l'ornement floral. Lors de la création de ce type de motifs, tous les peuples se sont inspirés de la flore locale en lui empruntant relativement peu de motifs.

Voici les plus courants des temps anciens

Lotus dans l'Orient ancien avait une signification culte. Le lotus était dédié au dieu Osiris et à la déesse Isis et servait de symbole de fertilité. Sa floraison a coïncidé avec la crue du Nil. Au sens le plus élevé, le lotus était un symbole d'immortalité et était un attribut nécessaire du pharaon. Dans le style égyptien, le lotus était la forme de décoration la plus courante : divers objets d'art appliqué avaient la forme d'un lotus, en architecture, le chapiteau était en forme de rein et de fleur de lotus, et la base du colonne était les feuilles des racines de la même plante, tandis que le tronc (corps) de la colonne ressemblait à un bouquet de tiges de lotus. Le motif du lotus était largement utilisé dans les formes ornementales de l'Orient ancien (Chine, Japon, Inde, etc.).

Les palmiers avec leurs feuilles en forme d'éventail et plumeuses servaient aux anciens Juifs et Égyptiens de symbole de paix et de victoire. La forme ornementale de la plante est appelée palmette. Les palmettes sont rarement situées côte à côte, directement les unes après les autres. Le plus souvent, les palmettes individuelles sont encadrées par des lignes arquées.

La feuille et la volute d'acanthe, après la palmette et le lotus, étaient particulièrement appréciées des artistes attirés par la beauté des feuilles dentelées de cette plante sauvage du sud de l'Europe.

Chez les Grecs de l'Antiquité, le motif d'acanthe est devenu un élément décoratif fondamental dans la formation de l'ordre corinthien ; des formes de feuilles stylisées ornaient son chapiteau. Dans la Rome antique, l'acanthe a reçu une préférence particulière en tant que motif principal des ordres architecturaux appréciés des Romains - corinthien et composite.

Feuille et boucle d'acanthe

L'ornement, créé à base de feuilles d'acanthe, atteint sa plus grande élégance et variété à la Renaissance. Les pousses végétales et les volutes d'acanthe à rosaces deviennent presque partie intégrante de la décoration de tout objet d'art décoratif de cette époque, qu'il s'agisse de meubles recouverts de sculptures en bois ou d'un relief en marbre décorant les murs d'une pièce; on le voit sur des plats en majolique, des peintures murales, des tapisseries et des tissus.

Le laurier dans la Grèce antique était dédié au dieu Apollon et servait de symbole de purification des péchés, car la branche de laurier sacrée était attisée pour être purifiée. Des couronnes de laurier ont été décernées aux gagnants des concours de musique et de gymnastique à Delphes, le principal centre du culte d'Apollon. Le laurier servait de symbole de gloire.

Le houblon est une plante cultivée dont l'aspect pittoresque a contribué à la généralisation de l'utilisation des formes végétales en ornementation. L'image du houblon associée à des épis de maïs était utilisée comme décoration sur les ustensiles ménagers.

Vigne - les grappes et les branches jouissaient d'une vénération particulière dans l'Antiquité et au Moyen Âge. Dans la mythologie grecque antique, c'est un attribut du dieu Bacchus, chez les chrétiens - en conjonction avec les épis de maïs (pain et vin, signifiant le sacrement de la communion) - un symbole de la souffrance du Christ.

Le lierre est un arbuste grimpant à feuilles persistantes, parfois un arbre ; comme une vigne était dédiée à Bacchus. Ses feuilles ont des formes variées, le plus souvent cordiformes ou à lobes pointus. Ils étaient souvent utilisés dans l'art ancien pour décorer des vases et des récipients à vin.

Le chêne est le roi des forêts, symbole de force et de puissance. Les feuilles de chêne étaient largement utilisées dans l'ornementation romaine. Leurs images se retrouvent souvent sur des frises et des chapiteaux, des ustensiles d'église et d'autres types d'art appliqué gothique, ainsi que dans les œuvres de maîtres de la Renaissance italienne. Actuellement, l'image des feuilles de chêne avec le laurier se retrouve sur les médailles et les pièces de monnaie.

Les fleurs sont largement utilisées dans les motifs ornementaux de tous les temps et de tous les styles. Ils servent de décoration pour les tissus, le papier peint, la vaisselle et d'autres types d'art décoratif.

Rosette - dans le vrai sens du terme est une rose stylisée. En ornementation, une rosette est un motif ornemental sous la forme d'une fleur épanouie, principalement de forme ronde. Les rosettes sont principalement des ornements végétaux; parfois géométriques et, exceptionnellement, figurées, c'est-à-dire lorsqu'elles sont une combinaison de formes empruntées au monde animal. Les rosettes sont largement utilisées dans la peinture et la sculpture; en architecture pour la décoration des voûtes et des plafonds, ainsi qu'en artisanat d'art comme décoration sur les meubles, portails et portes.

La rosette est basée sur des polygones qui la divisent en un nombre différent de parties. Il existe le plus souvent des douilles comportant 3, 4, 6, 8, 10, 12 et 16 parties, alors que la division de la douille en 7, 9, 11 parties est relativement rare, ainsi que la division sur 16.

L'ornement animal est l'ornement le plus répandu dans le groupe pictural, après celui végétal. Mais la faune est beaucoup moins utilisée dans l'art ornemental que la flore. Cela s'explique à la fois par les propriétés du matériau lui-même, plus difficile à traiter artistiquement, et par les interdictions de certaines religions sur les images figuratives.

Plus souvent que d'autres, il y avait des images de lion, tigre, taureau, éléphant, cheval, vautour, aigle, dauphin, etc., qui avaient pour la plupart une signification symbolique.

Masques - La Renaissance et les styles ultérieurs utilisaient divers masques, modifiant quelque peu leur forme ancienne et l'enrichissant de nouveaux détails.

Les emblèmes sont une image d'un ou plusieurs objets qui ont une signification symbolique : emblèmes de l'art et de ses types individuels ; architecture, sculpture, peinture, musique ; emblèmes de la science et de ses branches individuelles : mathématiques, astrologie, chimie ; emblèmes du chant, de la danse, de l'art dramatique.

En plus de ce qui précède, il existe de nombreuses autres formes utilisées dans l'ornement - ce sont des coquillages, des grotesques, des trophées, des vases, etc.

Instruction

Les ornements sont divisés par type et style en graphiques, picturaux, sculpturaux, floraux, géométriques. Les motifs d'ornement peuvent provenir de divers domaines : de la géométrie, de la flore et de la faune. Il peut s'agir des contours de corps humains et de tout objet. Le motif de l'ornement peut consister en un ou plusieurs éléments, conçus dans leur ensemble. Les maîtres eux-mêmes créent des motifs ornementaux pour leurs œuvres. Les combinaisons d'ornements entre eux, ainsi qu'avec la forme de l'objet et sa matière, forment le décor caractéristique d'un certain style.

L'ornement est classé selon son origine, sa destination et son contenu. Grâce à l'ornement, le style d'une œuvre d'art particulière est déterminé.

L'ornement technique est né de l'activité humaine. Ses motifs se retrouvent à la surface d'objets en argile, réalisés sur un tour de potier, dans le motif de cellules tissulaires sur un métier à tisser primitif, en spirales d'une corde tissée.

Le type d'ornement symbolique était courant dans l'Égypte ancienne et dans d'autres pays d'Orient. Ses images sont des symboles ou des systèmes de symboles.

La combinaison de l'ornement technique et symbolique s'appelait géométrique. Les options d'image qu'il contient sont plus complexes, mais dépourvues de sens de l'intrigue. Le rejet de l'intrigue a rendu possible l'alternance de motifs naturels individuels, et le développement de formes géométriques s'y distingue par une variété et une élégance particulières. Il existe de nombreux ornements géométriques dans l'art gothique.

L'ornement le plus courant peut être considéré comme floral. Ses motifs caractéristiques varient selon les pays, mais les mêmes parties de plantes sont toujours utilisées : feuilles, fleurs, fruits, tous ensemble ou séparément. La forme originale de la plante est souvent stylisée au-delà de la reconnaissance. Les formes végétales les plus courantes sont les mêmes presque partout dans le monde : lotus, lierre, laurier, vigne, papyrus, palmiers, chêne.

Un ornement calligraphique ou épigraphique est constitué de lettres ou de fragments de texte stylisés. La calligraphie était la plus développée en Chine, au Japon, en Iran et dans d'autres pays arabes.

Au cœur de l'ornement fantastique se trouvent des images de plantes et d'animaux inexistants. A reçu une distribution spéciale en Égypte, en Chine, en Inde et en Assyrie. En relation avec les interdictions religieuses au Moyen Âge, il a acquis une popularité particulière.

L'ornement astral tire son nom du mot "aster", "étoile". Représente le ciel, les nuages, le soleil, les étoiles. Répandu en Chine et au Japon.

Les principaux motifs de l'ornement du paysage sont les montagnes, les rochers, les arbres, les cascades. Entrecoupées de formes architecturales et animales ne sont pas rares. Il est également courant en Chine et au Japon.

L'ornement animalier est basé sur l'image des animaux et des oiseaux, conditionnel ou réaliste. Il borde et se mêle au fantastique.

L'ornement d'objet est né dans la Rome antique et a été largement utilisé à toutes les époques ultérieures. Le contenu est constitué d'articles ménagers, d'héraldique militaire, d'attributs de l'art musical et théâtral.

CONCEPTS DE BASE SUR LES ORNEMENTS

TYPES D'ORNEMENTS

RÉGULARITÉS DES CONSTRUCTIONS ORNEMENTALES

Le concept de la composition de l'ornement

proportion

Rythme et plasticité

Symétrie

Compositions statiques et dynamiques

Solutions compositionnelles de tissus patchwork

LOIS ET RÈGLES DE COMPOSITION ORNEMENTALE

ASSEMBLAGE DES BLOCS

1. TYPES D'ORNEMENTS

L'ornement est l'un des moyens de concevoir des œuvres d'art et d'artisanat. L'art de l'ornementation est très ancien. Il trouve son origine à l'époque paléolithique. Les images ornementales ont une capacité exceptionnelle à procurer un plaisir esthétique, ont un fort impact sur une personne, éveillant parfois en elle des sentiments inconscients associés à la mémoire génétique, provoquant des chaînes d'associations. La principale régularité de l'ornement est la répétition périodique du motif, et c'est ce qui fait une impression esthétique. L'ornement se caractérise également par la traduction de formes et d'objets réels en images ornementales conditionnelles, un degré élevé de généralisation décorative et l'absence de perspective aérienne (une image plate).

Ornement (du latin ornamentium - décoration) - un motif composé d'éléments ordonnés rythmiquement et conçu pour décorer divers objets (ustensiles, armes, meubles, vêtements, etc.), structures architecturales, objets d'art et d'artisanat. Les ornements sont répartis selon les types suivants : techniques, symboliques, géométriques, floraux, calligraphiques, fantastiques, astrals, paysagers, animaliers, sujets (ou matériels)2.

Tous les ornements peuvent être conditionnellement divisés en picturaux et non picturaux (géométriques, symboliques).

Les ornements géométriques comprennent les ornements dont les motifs consistent en diverses formes géométriques, lignes et leurs combinaisons.

Dans le patchwork, l'ornement géométrique joue un rôle prépondérant. La technologie de connexion de pièces de formes simples est plus simple que la connexion de pièces de formes géométriques ou à motifs complexes. Les contours simples et concis sont visuellement mieux perçus que les formes complexes et multi-détaillées. C'est pourquoi c'est l'ornement géométrique qui est le plus

utiliser en patchwork.

Dans la nature, les formes géométriques n'existent pas. L'exactitude géométrique est une réalisation de l'esprit humain, une forme d'abstraction. Toutes les formes géométriquement correctes semblent mécaniques, mortes. Le principe fondamental de presque toutes les formes géométriques est une forme réelle, généralisée et simplifiée à l'extrême.

L'un des principaux moyens de créer un ornement géométrique

Il s'agit d'une simplification et d'une schématisation (stylisation) progressives de motifs qui avaient à l'origine un caractère pictural.

Éléments d'ornement géométrique : lignes - lignes droites, lignes brisées, courbes ; formes géométriques - triangles, carrés, rectangles, cercles, ellipses, ainsi que des formes complexes obtenues à partir de combinaisons de simples

Les figures. Bien s'appelle un ornement dont les motifs

reproduire des objets et des formes spécifiques du monde réel

Plantes (ornement végétatif), animaux (motifs zoomorphes), humains (motifs anthropomorphes), etc. Les véritables motifs de la nature dans l'ornement sont traités de manière significative et non reproduits, comme dans la peinture ou le graphisme. Dans l'ornement, les formes naturelles nécessitent une certaine mesure de simplification, de stylisation, de typification et, finalement, de géométrisation. Cela est probablement dû à la répétition répétée du motif de l'ornement.

L'ornement pictural est aussi utilisé en patchwork, mais surtout en

options applicatives.

La nature et le monde qui nous entoure sont à la base de l'art ornemental. Dans le processus de création

concevoir un ornement, il faut écarter les détails insignifiants et les détails des objets et ne laisser que les traits généraux, les plus caractéristiques et distinctifs. Par exemple, une fleur de camomille ou de tournesol peut sembler simplifiée dans un ornement.

La forme naturelle est réincarnée par le pouvoir de l'imagination à l'aide de formes conditionnelles, de lignes, de taches en quelque chose de complètement nouveau. La forme existante est simplifiée en une forme géométrique extrêmement généralisée et familière. Cela permet de répéter à plusieurs reprises la forme de l'ornement. Ce qui a été perdu par la forme naturelle lors de la simplification et de la généralisation lui revient lors de l'utilisation de moyens ornementaux artistiques: le rythme des virages, les différentes échelles, la planéité de l'image, les solutions coloristes des formes dans l'ornement.

Comment s'opère la transformation des formes naturelles en motifs ornementaux ? Tout d'abord, un croquis est réalisé à partir de la nature, qui transmet le plus fidèlement possible la similitude et les détails (l'étape « photographier »). Le sens de la réincarnation est le passage d'une esquisse à une forme conditionnelle. C'est la deuxième étape - transformation, stylisation du motif. Ainsi, la stylisation dans l'ornement est l'art de la réincarnation. D'un croquis, vous pouvez extraire divers ornements

solutions. La méthode de formation d'un ornement et le choix des ornements

formes, en règle générale, est compatible avec les possibilités des moyens visuels.

Dans la créativité artistique utilisant un patch textile comme matériau visuel au stade de la conception, la recherche d'une solution ornementale, il convient de prendre en compte et d'utiliser les possibilités technologiques de divers travaux avec

rabat. Dans la plus grande mesure, cela s'applique au patchwork, et en particulier aux mosaïques patchwork. >>> haut de page

2. RÉGULARITÉS DES CONSTRUCTIONS ORNEMENTALES

2.1. LE CONCEPT DE COMPOSITION D'ORNEMENT

Composition (du lat. composito) - composition, arrangement, construction ; la structure d'une œuvre d'art, déterminée par son contenu, son caractère et sa destination. Créer une composition à partir de chutes de tissu est le choix d'un thème ornemental et coloriste, d'un motif, d'une intrigue, déterminant les dimensions globales et internes de l'œuvre, ainsi que la position relative de ses parties.

composition ornementale - c'est la compilation, la construction, la structure du motif.

Les éléments de la composition ornementale et en même temps ses moyens d'expression comprennent: point, tache, ligne, couleur, texture. Ces éléments (moyens) de la composition de l'œuvre sont transformés en motifs ornementaux. Parlant des motifs des compositions ornementales, il faut tout d'abord parler des proportions. Les proportions déterminent d'autres modèles de construction de compositions ornementales (c'est-à-dire le rythme, la plasticité, la symétrie et l'asymétrie, la statique et la dynamique). >>> haut de page

2.2. PROPORTIONS

Les proportions et les relations proportionnelles dans tout art jouent un rôle décisif. Sans proportions correctement choisies, il ne peut y avoir d'œuvre d'art.

Les proportions sont la proportionnalité des éléments par rapport à l'ensemble et les uns aux autres, conférant au produit ou à l'ornement une expressivité esthétique et une complétude harmonieuse.

Les questions de proportionnalité des valeurs linéaires, des zones, des mouvements rythmiques, des relations tonales peuvent être résolues de deux manières: 1) en divisant en parties égales (dans ce cas, cela crée une impression de paix, d'équilibre, de stabilité

statique); 2) division en parties inégales (impression

mouvement, diversité - dynamique) selon la règle de la "nombre d'or".

"Nombre d'or"("proportion dorée") - il s'agit d'une telle proportionnalité des parties entre elles et par rapport au tout, dans laquelle le tout se rapporte à la plus grande partie de la même manière que la plus grande partie à la plus petite. Mathématiquement, cela s'exprime

comme ceci : En contournant une série de transformations, on obtient : Dans la partie artistique

En pratique, un rectangle avec un rapport d'aspect de 21:34 est considéré comme le plus esthétique, le plus beau en forme. La « section dorée » est considérée comme l'expression idéale de la proportionnalité.

Suivant la règle du "nombre d'or", la toile des rabats doit être divisée en un champ central et une bordure. La division est faite sur le plus petit côté, puisque les rapports entre les plus petites valeurs

Harmonieux sera perçu: un carré comme un cas particulier d'un rectangle ou d'un rectangle dont les côtés sont liés selon la règle de la "section d'or" ou proches de celle-ci. La règle de la « nombre d'or » peut être exprimée en plusieurs nombres : 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, etc. Chaque nombre suivant dans cette série est égal à la somme des deux nombres précédents.

Cette série s'appelle la série de Fibonacci (d'après le mathématicien italien qui a vécu au tournant des XIIe-XIIIe siècles).

En utilisant cette ligne, vous pouvez obtenir les dimensions des peintures, perçues harmonieusement. Pour ce faire, vous devez multiplier l'unité de taille de toile par deux nombres adjacents (ou traversant un) dans la série a. Par exemple:

1) unité de taille 10 cm : les rectangles 30X50, 30x80, 20X50, 210X340 cm seront harmonieux ;

2) calcul des dimensions d'une couverture assemblée à partir de blocs : si un seul bloc a des dimensions de 30X30 cm, alors la largeur

§1. Apparition de l'ornement. Concepts de base.

L'ornement est un type très ancien de DPI. La langue de chaque ornement est associée à l'histoire et à la culture du peuple. Les créateurs d'ornements se sont toujours tournés vers la nature, en utilisant ce qu'ils ont vu. L'ornement est une musique. Les rangées de ses lignes sont comme la mélodie d'une chanson éternelle devant l'univers.

L'ornement fait partie de notre vie spirituelle, exprimant le besoin de beauté d'une personne. Ayant exprimé dans ses rythmes une attitude émotionnelle face à la vie, l'art ornemental peut devenir une sorte d'empreinte de la constitution psychologique des personnes d'une certaine époque, nation, couche sociale. Chaque nationalité a retenu dans l'ornement le plus caractéristique, le plus proche du caractère national, des goûts esthétiques, des concepts de beauté. Les artisans folkloriques ont créé des motifs qui se distinguaient par une grande variété de motifs individuels, où de véritables observations de la nature qui les entouraient se mêlaient à des idées fabuleuses.

Concepts de base:

· Ornement (motif)- répétition cohérente de motifs picturaux individuels ou de leur groupe.

· rapport- répétition d'une partie de l'ornement (un groupe d'éléments) sans aucune modification des dimensions linéaires et des formes.

L'ornement peut être rapport Et sans rapport.

L'ornement, étant l'un des types d'art décoratif les plus anciens, a conservé non seulement les traditions, mais également le symbolisme profond des motifs ornementaux, la conception de la composition et la palette de couleurs. En étudiant l'ornement de l'un des peuples, vous pouvez en apprendre plus sur son histoire, ses traditions et sa vision du monde.

Les principaux moyens d'expressivité de l'ornement:

• Rythme Alternance rythmique d'éléments similaires ou contrastés.
• Une combinaison créative et réfléchie de composants individuels est appelée composition et se compose de l'alternance de figures individuelles et de leurs rangées, disposées horizontalement, verticalement et en diagonale.
• Il joue un rôle très important dans tous les types de créativité - coloration combinaison harmonieuse des couleurs et de leurs nuances.

Classement des ornements.

type d'ornement - classification des ornements selon les caractéristiques de conception (rayure, rosette, maille);

Type d'ornement - rayure. Ornement, situé verticalement, horizontalement ou autour de la circonférence sous la forme d'une bande, d'un ruban. L'ornement de la bande est également appelé: ruban, guirlande, frise.

Type d'ornement - rosette. Rosette (du mot "rose" - un ornement à symétrie centrale ou à symétrie miroir.

Type d'ornement - maille. Le rapport de l'ornement en maille peut être soit une rayure, soit une rosette, se répétant plusieurs fois, ils remplissent complètement le plan d'eux-mêmes, comme s'ils étaient resserrés avec un filet.

Type d'ornement : classement des ornements selon les caractéristiques des motifs picturaux (géométriques. floraux...).

Ornement géométrique. Au cœur de l'ornement géométrique se trouvent des motifs picturaux tels que des formes et des corps géométriques (lignes, zig-zags, points, carrés, cercles, étoiles...).

Ornement floral. Les ornements floraux sont basés sur des motifs picturaux de thèmes floraux (fleurs, feuilles, pousses, bourgeons, arbres, etc.).

ornement zoomorphe."Zoo" est un animal, "morph" est une forme. L'ornement zoomorphe est basé sur des motifs picturaux du règne de la faune (animaux, oiseaux, insectes, créatures animales fantastiques, etc.).

Ornement anthropomorphe (humanoïde)."Anthropos" - une personne, "morph" - une forme. L'ornement anthropomorphe est basé sur des images de figures humaines, de dieux anthropoïdes, d'anges et de masques.

Ornement de police (calligraphique). L'ornement de la police est basé sur des motifs picturaux associés à des lettres, des polices, de la calligraphie - écriture russe et arabe, lettres initiales, initiales, hiéroglyphes, etc.

Ornement héraldique (symbolique).

L'ornementation héraldique est basée sur des motifs associés à l'image d'armoiries, d'emblèmes, de signes, de symboles.

Signe(dans l'art, le design) - la partie picturale du logo, en règle générale, comprenant également le nom (écrit - alphabétique ou hiéroglyphique - partie, souvent aussi artistiquement conçu) du produit, service, organisation, événement ou personne marqué.

http://ru.wikipedia.org/wiki/Sign

Symbole dans l'art, il y a une caractéristique d'une image artistique en termes de sa signification, son expression d'une certaine idée artistique. Contrairement à l'allégorie, le sens d'un symbole est indissociable de sa structure figurative et se distingue par l'ambiguïté inépuisable de son contenu.

http://ru.wikipedia.org/wiki/Symbole

Armoiries (herbe polonaise de l'allemand Erbe - héritage) - un emblème, un signe distinctif, hérité, qui représente des objets symbolisant le propriétaire des armoiries (personne, domaine, clan, ville, pays, etc.). L'héraldique est l'étude des armoiries.

http://ru.wikipedia.org/wiki/Armoiries

Ornement tressé ou "tresse".

Au cœur d'un ornement tressé (tressage) il y a toujours des motifs picturaux de tissage, quels que soient les éléments impliqués dans l'ornement (végétatif, zoomorphe, etc.).

Travail pratique n°1 :

ORNEMENT TISSÉ (avec des éléments zoomorphes et anthropomorphes) - "style tératologique".

Informations historiques (lire):

L'ornement en osier dans les livres russes est apparu avec l'avènement des livres bulgares. Il comprend des harnais ou des ceintures étroitement entrelacés. Tissage complexe d'aspect semblable à une corde, noué à de nombreux endroits avec des nœuds. Fondamentalement, les coiffes ont été dessinées de cette manière: les cercles sont répétés et reliés par une ligature et des nœuds à motifs, les initiales sont multicolores.

Ornement en osier "type balkanique". Il s'agit d'un entrelacs de cercles, de huit, de rectangles et de carrés. Symétrie stricte. "L'ornement balkanique" est venu à Rus' au 15ème siècle, lorsque les Turcs se battaient pour la péninsule balkanique. De nombreux artistes et scribes sont partis pour la Rus'. À la fin du siècle, dans les ateliers de la cour de Moscou, une version du luxueux ornement «Balkan» aux couleurs multicolores a été développée. Et beaucoup d'or. Dans l'ornement du livre des XIII-XIV siècles. apparu style "monstrueux". Le mot grec teratos signifie monstre. Un tissage serré de rubans se terminant par des têtes de serpent. Les pattes, les langues, les têtes, les queues, les ailes des animaux sont enchevêtrées avec le tissage de rubans. Un ornement similaire est connu chez les Slaves des Balkans, en Scandinavie, en Irlande, et sur de nombreuses œuvres de style roman de différentes régions d'Europe. Cette unité stylistique repose sur une origine commune de l'ornement animalier des nomades d'Europe de l'Est de l'époque de la migration des peuples. Cet art est né dans le contexte de grands mouvements, lorsque les contacts entre les barbares européens et les nomades des steppes eurasiennes ont joué un rôle important.

L'image d'une bête prédatrice est la plus populaire dans l'art appliqué russe ancien. Dans certains cas, on peut parler d'un certain désir de transmettre l'image d'un lion, qui est souvent mentionnée dans les anciennes sources écrites russes - une bête courageuse et forte, le roi des bêtes. Les images d'animaux réels et fantastiques jouent un rôle important dans l'art russe ancien. Ils ont décoré les temples des villes de Vladimir et Souzdal, des bijoux : bracelets et créoles. Utilisé dans le commerce du livre, à commencer par l'évangile d'Ostromir.

Consignes méthodiques :

• Faites une copie de l'ornement tératologique en choisissant un motif de votre choix (Internet, livres, albums, cartes).
• Format de feuille A4, dimensions hors tout de l'ornement pas plus de 150x220mm.
• Technique - graphiques achromatiques.

Ornement de la décoration latine - un motif construit sur l'alternance rythmique et la disposition organisationnelle des éléments. Selon la nature des motifs, on distingue les types d'ornements suivants : géométriques, floraux, zoomorphes, anthropomorphes.

Un ornement GÉOMÉTRIQUE peut être constitué de points, de lignes (droites, brisées, en zigzag, mailles entrecroisées), de cercles, de losanges, de polyèdres, d'étoiles, de croix, de spirales, etc. Des ornements complexes de type méandre trouvés dans l'art de la Grèce antique peuvent également être attribués à l'ornement géométrique.

L'ornement PLANT représente des feuilles stylisées, des fleurs, des fruits, des branches, etc. (lotus, palmier, papyrus). Le plus commun, commun à tous les peuples anciens, l'ornement de l'Arbre de Vie, qui peut être représenté comme un buisson fleuri, et plus généralisé de manière décorative, est également un ornement floral.

L'ornement ZOOMORPHIC représente des figures stylisées ou des parties de figures, des animaux réels et fantastiques. Parfois, un ornement similaire est appelé style animal. Les images décoratives d'oiseaux et de poissons appartiennent également à ce type d'ornement.

L'ornement ANTHROPOMORPHE utilise des figures stylisées masculines et féminines ou des parties du corps humain et du visage comme motifs.

Parfois, un ornement combine plusieurs types à la fois, par exemple : géométrique + floral, etc.

Tous les motifs ne peuvent pas être considérés comme un ornement. Un motif qui remplit librement un plan n'en est pas un. Par la nature des compositions, on distingue les types d'ornement suivants: ruban (frise, bordure, bordure), ornement en cercle (rosace), ornement en carré ou rectangle, maille.

Les propriétés de l'ornement dépendent également de la destination, de la forme, de la structure et de la matière de l'objet qu'il décore (vêtements, meubles, armes, livres, affiches, etc.). Un ornement peut devenir une chose s'il est tissé sous forme de dentelle (serviette, col, nappe, etc.). Les caractéristiques stylistiques générales de l'art ornemental sont déterminées par les caractéristiques et les traditions de la culture visuelle de chaque nation, ont une certaine stabilité sur une longue période historique et ont un caractère prononcé. Dès lors, on peut dire que l'ornement est le style de l'époque, signe que l'œuvre appartient à une époque donnée et à un pays donné (gothique, baroque, art nouveau, etc.)

Dans l'art populaire, les motifs ornementaux captent le folklore et l'attitude poétique face au monde (signes du Soleil, de la Terre, de l'Eau, du Feu, etc.). Au fil du temps, les motifs anciens ont perdu leur sens magique et seul le rôle expressif décoratif du motif est resté.

Billet 7

Lumière dans l'image. Réflexion de la lumière de l'image.

Clair-obscur. Modélisation du volume dans l'image.

La forme volumétrique des objets est véhiculée dans le dessin non seulement par ceux construits en tenant compte des contractions en perspective de la surface, mais aussi à l'aide de Sveta . La lumière et l'ombre (clair-obscur) sont un moyen très important de représenter les objets, leurs volumes et leur position dans l'espace. Le clair-obscur, tout comme la perspective, est utilisé depuis très longtemps par les artistes. Avec l'aide de ce moyen, ils ont appris à rendre dans la peinture la forme, le volume, la texture des objets de manière si convaincante qu'ils semblaient prendre vie dans les œuvres. La lumière aide à transmettre l'environnement.

Les artistes utilisent encore les règles de transmission du clair-obscur, découvertes au Moyen Âge, mais travaillent à leur amélioration et à leur développement.

L'image peut contenir différents éclairages : éclairage naturel (naturel) du soleil et de la lune ; éclairage artificiel (fabriqué par l'homme) à partir de bougies, de lampes. Projecteurs, etc.

L'art d'utiliser la lumière dans la peinture appartenait, comme personne d'autre, au grand Rembrandt. Ses toiles sont toujours éclairées par une lumière intérieure. La lumière jaillit de l'obscurité des visages des personnes représentées.

La nature de l'éclairement dépend de la hauteur du soleil au-dessus de l'horizon. S'il est haut au-dessus de la tête, les objets projettent de courtes ombres. La forme et la texture sont faiblement révélées. Lorsque le soleil diminue, les ombres des objets augmentent, la texture apparaît mieux.

L'éclairage a différents types:

· L'illumination FRONT est lorsque la source lumineuse éclaire l'objet directement devant elle. Un tel éclairage ne fait guère ressortir les détails.

L'éclairage LATÉRAL (gauche ou droite) met bien en valeur la forme et le volume. La facture des objets.

Rétroéclairage - si la source lumineuse est derrière l'objet. Les objets ont l'air silhouettés et perdent leur volume.

Un tableau peut avoir une ou plusieurs sources lumineuses. Dans ce cas, l'artiste recourt à l'image des objets à la perspective lumineuse.

L'éclairage des objets dépend de l'angle d'incidence auquel les rayons lumineux tombent sur l'objet. S'ils éclairent la surface à angle droit, l'endroit le plus brillant de l'objet se forme, on l'appelle classiquement - lumière . Là où les rayons ne font que glisser, il se forme pénombre . Dans les endroits où la lumière ne pénètre pas - ombre . Sur les surfaces brillantes, la source lumineuse est réfléchie et l'endroit le plus lumineux se forme - souligner .

La lumière, l'ombre et la pénombre jouent un rôle essentiel dans la forme d'un objet afin de transmettre au mieux les caractéristiques de la forme et de la texture de l'objet.

Billet 8

Le genre de la nature morte en peinture. Le système des allégories en peinture.

Nature morte - "nature morte" (italien). Si nous nous souvenons de ce qui a donné naissance à la nature morte, nous pouvons affirmer que l'impulsion de son apparition était la coutume ordinaire des chevaliers médiévaux de choisir des devises courtes pour le tournoi, qui étaient appliquées aux armes, aux vêtements et aux articles ménagers. En plus des devises, des informations étaient également cryptées dans les dessins, elles exprimaient les principes personnels du chevalier. Des dessins simples apparaissent qui accompagnent la devise. Ainsi, l'emblème apparaît. Démêler les emblèmes devient un passe-temps traditionnel de la société laïque de « l'âge galant ». Des recueils d'emblèmes servaient également de dictionnaires, dans lesquels les auteurs de peintures allégoriques et de natures mortes puisaient des allégories.

La nature morte apparaît initialement dans le cadre de l'image, son arrière-plan, le détail, la décoration intérieure. Elle reçut son indépendance définitive au XVIIe siècle dans la peinture des Hollandais, des Flamands et des Néerlandais. Les natures mortes occupaient une place particulière dans la peinture des Pays-Bas. Là, au XVIIe siècle, des centres entiers de natures mortes ont été créés. Par exemple:

les peintures "petit-déjeuner" étaient populaires dans la ville bourgeoise de Haarlem ;

Utrecht aristocratique, célèbre pour sa floriculture, donc des «bouquets de fleurs» y étaient distribués;

La ville portuaire était caractérisée par « des compositions de poissons ;

· Les "natures mortes savantes" sont courantes sur le campus de Leiden.

Le sens de la nature morte a toujours été crypté à l'aide d'objets tirés de la vie humaine habituelle. Ils constituaient un nouveau monde profondément symbolique de la nature morte. La nature morte est devenue une sorte de "jeu avec le public", qui est invité à démêler le sens symbolique de la composition. La nature morte est apparue précisément au XVIIe siècle, car le temps lui-même y était propice. Les temps de "l'âge galant" étaient détendus, ludiques, énigmatiques et mystérieux. Le mystère était dans tout, même dans la vie de tous les jours. La communication habituelle des messieurs et des dames suggérait des indices sur toutes sortes de secrets, d'allégories et de symboles. Partout, les gens ont cherché à chiffrer en symboles. La nature morte est donc un enfant de « l'âge galant ».

La plupart des pièces de la nature morte apparaissent des symboles :

roses, fleurs des champs. Insectes - parler de la brièveté de l'existence humaine;

papillons et libellules - salut de l'âme4

sablier, pipe à fumer, bulles de savon, châteaux de cartes - la fugacité de la vie;

vieux livres - le temps passé;

instruments de musique - "leur son est si beau et éphémère" ;

· fleurs. Les épis, les fruits, les citrons sont les symboles des saisons ;

Les compositions de natures mortes de fleurs étaient plus complexes, elles étaient divisées en types suivants:

composition radiale - où la fleur principale est celle qui était à l'intersection des tiges;

composition de tapis - où la hiérarchie des couleurs est construite de haut en bas;

composition triangulaire - le centre est la fleur axiale et le reste est regroupé des deux côtés de celle-ci;

Ainsi, sur la base des compositions données, les zones sémantiques de la nature morte aux fleurs sont également formées:

bas - signes de charge (feuilles, fleurs, pétales, coquilles vides, chenilles, mouches cassées ou flétries);

milieu - symboles de modestie et de pureté (lis de la vallée, violettes, myosotis, cyclamens);

haut - la couronne de vertu (grande fleur unique);

Au milieu du XVIIe siècle, les natures mortes avec des reptiles, des amphibiens et d'autres animaux se sont répandues. Traditionnellement, les éléments suivants étaient symboliques :

serpents, souris, grenouilles, hérissons - animaux diaboliques;

chenille, chrysalide, papillon - une personne vit sur terre, meurt, poursuit sa vie;

protéine - travail;

perroquet - éloquence;

singe - vices humains;

chat et souris - forces obscures, le diable et l'âme humaine;

chien - protection de l'esprit contre les forces obscures.

Ainsi, en tirant une conclusion de ce qui précède, on peut voir qu'une nature morte est une composition qui rappelle constamment au profane la fugacité de la vie, la fragilité de l'existence et le sens de l'être.

Billet 9

Fresque. Ses traits.

Une fresque est une sorte de peinture monumentale dont la base est principalement le mur. La fresque aime les grands plans, les lignes larges et le langage extrêmement laconique. La fresque a besoin de peinture à la détrempe - c'est une peinture à base d'eau, mais son liant est la chaux. Le peintre écrit directement sur le mur sur le plâtre qui n'a pas encore séché. D'où le nom: la "fresque" italienne - "frais". La principale difficulté est la nécessité de travailler rapidement. L'artiste doit terminer ce qu'il a commencé avant que le plâtre ne soit sec, c'est-à-dire le jour même. Et si une erreur se produit, le peintre est obligé d'abattre toute la couche de plâtre dans la zone correspondante, de la recouvrir et de la repeindre. Il est clair qu'une telle technique nécessite une vision claire de l'ensemble de la composition et une main confiante.

Dans la fresque, le sol et le liant sont les mêmes - la chaux. Cette unité empêche la peinture de s'écailler. Mais d'un autre côté, la chaux est sujette à une forte réaction chimique, gâchant certaines peintures. De plus, le peintre doit prévoir un éclaircissement important des couleurs lorsque la chaux sèche.

La fresque est déjà connue dans l'Antiquité. Certes, les anciens maîtres polissaient la surface de la fresque finie avec de la cire chaude, ce qui lui donnait une ressemblance avec l'encaustique. Au Moyen Âge, la technologie ancienne est oubliée, mais une nouvelle est en cours de développement. Jusqu'au XIVe siècle, la technique de la fresque «al secco» (it. «sur sec», c'est-à-dire sur plâtre sec) était très populaire. Progressivement, c'est cette technique qui conduit à l'essor de la fresque au XVe siècle, lorsqu'une technique mixte est créée à l'école de Giotto, appelée « buon fresco » (en italien « bonne fresque »). Les contemporains ont décrit cette œuvre de Giotto de cette manière. Tout d'abord, la première couche de plâtre a été appliquée, composée de deux parties de sable et d'une partie de chaux mélangée à de l'eau. Sur cette première couche assez épaisse, après séchage, une grille carrée a été dessinée, sur laquelle un motif a été appliqué au fusain. D'en haut, tout cela était recouvert d'une deuxième couche de plâtre - mince et lisse, à travers laquelle le motif de charbon de bois brillait. Selon lui, la version finale de la fresque a été réalisée. Et bientôt, en 1400, la méthode de transfert d'un dessin à partir d'un grand carton fait en taille réelle fut enfin introduite, en perçant le contour et en le saupoudrant de charbon concassé. Désormais, la fresque pouvait être soigneusement préparée à l'avance.

Depuis le XVe siècle, la fresque est supplantée par la peinture de chevalet, moins onéreuse et simple à réaliser. La fresque reste seulement un objet de décoration pour les intérieurs des églises et des cathédrales. Surtout en Russie.

Billet 10

Céramique. Étapes de fabrication d'un produit céramique.

La céramique est un produit en argile, fixé par cuisson. La céramique est une forme d'art très ancienne. Des images de personnes et d'animaux en argile sont apparues à l'ère paléolithique. Plus tard, ils ont appris à les tirer, ainsi qu'à fabriquer des récipients, des reliefs et des détails architecturaux.

Les principaux types de céramiques sont déterminés par la technologie de sa fabrication, la composition de la masse: porcelaine, faïence, majolique, terre cuite etc.

Dans un sens plus étroit, presque tous les produits fabriqués à partir d'argiles grossières simples sont appelés céramiques, contrairement à la porcelaine et à la faïence, obtenues à partir d'argiles fines. Cette poterie est généralement divisée en deux types : majolique, qui présente sur la face avant une glaçure colorée d'émaux vitreux, transparents ou opaques, et de terre cuite, comme ils appellent "terre brûlée" d'une belle couleur rouge-brun qui n'a pas de glaçure. La terre cuite comprend également des céramiques peintes avec des compositions colorantes, à base d'argiles colorées.

Les produits en argile sont en plastique et la cuisson leur confère dureté, résistance à l'eau et résistance au feu. Cela vous permet de réaliser une variété de plats, sculptures, panneaux, vases, jouets, décorations, etc.

La céramique se retrouve également dans l'architecture, où les produits céramiques jouent un rôle important : briques, tuiles, tuiles (tuiles). À partir de morceaux de carreaux de céramique, vous pouvez collecter des images de mosaïque pour le revêtement extérieur d'un bâtiment, la décoration de fontaines, de piscines, de sculptures paysagères, de décoration intérieure, etc.

La céramique est particulièrement populaire dans l'art populaire (Gzhel, Skopin, etc.)

Aujourd'hui, la céramique architecturale et domestique continue de se développer, et de nombreux artistes créent des œuvres d'auteur uniques, les expérimentations avec le matériau se poursuivent à la recherche de nouveaux moyens d'expression.