Une partie intégrante de l'éducation esthétique est l'éducation musicale en tant que facteur déterminant dans la formation de la culture musicale d'une personne.
L'éducation musicale, en tant que l'une des directions du développement esthétique de l'individu, est en même temps un aspect nécessaire d'autres éléments de l'éducation, la formation de la vision du monde de l'individu. La spécificité d'une telle éducation réside dans le fait que son but ultime est une personnalité harmonieusement développée. Il vise à activer les capacités créatives d'une personne, à améliorer sa culture générale. Par conséquent, l'éducation esthétique revêt aujourd'hui une importance particulière. Au niveau théorique général, l'éducation esthétique est considérée comme une activité utile, grâce à laquelle les intérêts et les besoins esthétiques, principalement artistiques, de l'individu sont formés et satisfaits.
L'éducation esthétique vise à développer la capacité de percevoir, de ressentir et de comprendre le beau, de remarquer le bien et le mal, d'agir de manière créative de manière indépendante, rejoignant ainsi divers types d'activité artistique.
L'un des moyens les plus brillants de l'éducation esthétique est la musique. Pour qu'il remplisse cette fonction importante, il est nécessaire de développer la musicalité générale chez une personne. Quels sont les signes généraux de la musicalité générale ?
Le premier signe de musicalité - capacité à ressentir le caractère, l'ambiance d'un morceau de musique, faire preuve d'empathie avec ce qui a été entendu, montrer une attitude émotionnelle, comprendre l'image musicale.
La musique excite l'auditeur, évoque des réponses, introduit des phénomènes de vie, donne lieu à des associations.
Le deuxième signe de musicalité - capacité d'écoute, comparer, évaluer les phénomènes musicaux les plus marquants et compréhensibles. Cela demande une culture musicale et auditive élémentaire, une attention auditive arbitraire dirigée vers certains moyens d'expression. Par exemple, les enfants comparent les propriétés les plus simples des sons musicaux (aigus et graves, le son du timbre d'un piano et d'un violon, etc.), distinguent la structure la plus simple d'une œuvre musicale (chant d'une chanson et d'un refrain, trois parties dans une pièce de théâtre , etc.), notez l'expressivité des images artistiques contrastées (caractère affectueux, persistant du chant en accompagnement et énergique, mobile - du refrain). Peu à peu, un stock d'œuvres préférées s'accumule, qui forment la base du goût musical.
Le troisième signe de musicalité - manifestation d'une attitude créative envers la musique. A son écoute, chacun à sa manière représente une image artistique, la véhicule en chantant, en jouant, en dansant. Par exemple, tout le monde recherche des mouvements expressifs caractéristiques des lièvres en mouvement, des gars qui marchent joyeusement, etc. Des mouvements de danse familiers sont utilisés dans de nouvelles combinaisons et variations.
Avec le développement de la musicalité générale, il apparaît attitude émotionnelleà la musique, l'ouïe s'améliore, l'imagination créatrice naît.
Dans le monde moderne art musical considérés comme faisant partie d'une culture mondiale commune. Il agit à la fois comme un élément intégral du processus général de connaissance du monde, dans le cadre du développement général de la culture humaine, et en même temps comme une forme spécifique d'activité esthétique. La spécificité de l'art en général, entre autres caractéristiques, en a une si importante: par sa nature, c'est "un sous-système multifonctionnel de la culture artistique qui satisfait synthétiquement la diversité des besoins humains et incarne la diversité des manifestations de l'activité humaine". En effet, la musique est de nature polyfonctionnelle et par rapport à une personne est un instrument de connaissance et de connaissance de soi, un moyen de communication et d'orientation des valeurs, ainsi qu'une source de plaisir et un outil de changement spirituel et pratique dans la réalité. Métaphoriquement, on peut dire que "la musique est une miniature de l'harmonie de l'univers entier, parce que l'harmonie de l'univers est la vie elle-même, et une personne, étant une miniature de l'univers, démontre des accords harmonieux ou inharmonieux dans son pouls, dans battements de cœur, dans sa vibration, son rythme et sa tonalité. ". Dans la science des herbes - la pharmacognosie - il y a un terme synergie, c'est-à-dire l'effet total lorsqu'un médicament à base de plantes particulier n'est pas reproductible avec la synthèse chimique artificielle de ses éléments constitutifs. Évidemment, l'impact de la musique sur une personne a cet effet global, et les fonctions énumérées ci-dessus ne sont "décomposées" que pour leur compréhension théorique. Il est caractéristique que même les représentants des sciences exactes aient récemment prononcé des louanges en l'honneur de l'éducation musicale et formulé avec tempérament les principes pédagogiques généraux fondamentaux qui sont si importants pour l'éducation esthétique. Par exemple, l'éducateur anglais Roy Slack attire l'attention sur la pensée des philosophes du monde antique selon laquelle "la musique est vraiment éducative, car elle développe le cerveau et, en outre, développe et ennoblit les sens". Il est facile de voir que ces idées intégratives sur le sens et les caractéristiques de l'impact de la musique sont basées sur l'idée de Pythagore sur le cosmos musical, où tout sonne et tout est beau.
Maintenant, dans les conditions de l'entrée imprévisible et rapide de la Russie dans la civilisation de l'information et l'économie de marché, avec toute l'incohérence de ces tâches avec les conditions régionales réelles, la tâche pédagogique prioritaire de la société est la mise en œuvre dans le système éducatif et sa structure de tâches universelles pour la formation et la préservation des composantes de la culture spirituelle. Mais il y a une grande distance entre la déclaration du problème et la mise en œuvre pratique.
L'éducation musicale des enfants est précisément ce genre de phénomène qui se caractérise par son rôle particulier dans le développement de la personnalité de l'enfant. Bien sûr, aujourd'hui, nous ne pouvons pas parler de l'éducation musicale de masse des enfants, comme on le supposait auparavant dans le cadre d'une école polyvalente, dans l'esprit des idées de la pédagogie musicale soviétique et de son principal idéologue D. Kabalevsky, tout comme la version hongroise de l'éducation musicale universelle est inacceptable dans les conditions modernes. , rendue vivante grâce à la réorganisation sociale de la société et de musiciens hongrois tels que B. Bartok et Z. Kodály. Cela n'était réalisable que si une telle tâche devenait une tâche d'État, ce qui aujourd'hui ne peut devenir une réalité pour de nombreuses raisons objectives.
Il est également impossible de ne pas tenir compte du fait que la surcharge d'enfants dans les écoles secondaires est devenue un problème urgent de la pédagogie russe. A cet égard, une justification argumentée est absolument nécessaire. spécial missions des écoles de musique et d'art, qui doivent pouvoir répondre aux nouvelles exigences de l'État, de la société et des parents. Aujourd'hui, personne ne doute de l'affirmation selon laquelle l'éducation et l'éducation sont la principale chose que la société donne à une personne. Le processus de développement de la société nécessite la préservation et le transfert des connaissances accumulées, ainsi que l'expérience de leur obtention. L'un des concepts traditionnels à cet égard est contenu de l'enseignement comme un ensemble de ces qualités et relations du processus éducatif qui sont nécessaires pour transmettre l'expérience pratique et spirituelle accumulée. Derrière le contenu de l'éducation se trouve toujours un modèle de personne - un porteur idéal de l'éducation souhaitée. Pendant ce temps, dans le processus de développement de l'éducation dans notre pays, à un certain stade, le besoin s'est fait sentir de créer des modèles spécifiques pour poser des problèmes et les résoudre. Tout cela s'appelle le paradigme scientifique de l'éducation. Le paradigme scientifique, à son tour, a limité le nombre de disciplines et de domaines qui, selon ses critères, répondent aux concepts d'une discipline éducative et d'une direction scientifique. Il faut reconnaître que des concepts et des définitions réussis de phénomènes et de processus formulés dans le cadre du paradigme scientifique de l'éducation ont conduit à l'accumulation de connaissances hautement spécialisées, et que l'éventail limité de disciplines créé a progressivement privé les établissements d'enseignement du facteur de relais de la culture en tant que une expérience émotionnelle et spirituelle de la société. Rappelons-nous comment à la fin des années vingt (pour toute une série de raisons interdépendantes) la culture et l'éducation dans tous ses types ont été séparées, ce qui était également inscrit dans les structures étatiques pertinentes qui existent encore. L'isolement de connaissances hautement spécialisées conduit au fait que dès l'enfance, une personne est privée de la possibilité de choisir sa propre attitude initiale. A cet égard, on peut citer la conclusion d'E. Feinberg : « Seul l'art, complémentaire des sciences naturelles et humanitaires, projetant le monde entier d'une personne, peut communiquer l'intégrité de la perception du monde à une personne moderne. aucun substitut à l'art. Les fonctions de la partie humanitaire de l'éducation, y compris l'art, doivent se développer si l'humanité veut maintenir la santé...".
Le système actuel d'éducation artistique s'est développé dans notre pays depuis longtemps et s'appuie sur les traditions de la culture musicale reconnues dans le monde. À cet égard, il convient de souligner la contribution de la communauté pédagogique de Yaroslavl, qui a formé un groupe important de personnalités professionnelles de la culture et de l'éducation nationales. L'enseignement de la musique à Rostov-sur-le-Don différait peu des traditions russes généralement acceptées et trouve son origine au tournant du siècle avec les activités de la Société des amoureux des arts musicaux et dramatiques de Rostov (1875-1912), avec l'ouverture d'une école privée de musique école par N. N. Almazov ( 1899), ainsi que l'ouverture en 1904 de la branche de Rostov de la Société musicale impériale russe. Les écoles de musique en Russie jusqu'en 1917 n'étaient que privées, elles ne fonctionnaient, en règle générale, que dans les grandes villes, mais elles sont également apparues, principalement à la fin du XIXe siècle.
À l'époque soviétique, des écoles de musique de sept ans sont apparues dans presque tous les centres régionaux de notre région. Un système en plusieurs étapes s'est développé qui prévoit une formation continue : d'une école de musique et d'art et d'une école d'art à une formation professionnelle secondaire, assurée notamment dans notre région par des écoles de musique et d'art, et une école de la culture. Le nombre total d'établissements d'enseignement au cours de la période 1990-2003 est resté inchangé et s'élevait à 43 écoles, dans lesquelles environ 10 000 enfants étudiaient. La caractéristique par types d'écoles dans la région de Rostov en 2003 est la suivante :
écoles de musique pour enfants (DMSH) - 27
écoles d'art pour enfants (DKhSH) - 9
écoles d'art pour enfants (DSHI) - 6
Autres - 1 (école chorale d'enfants "Canzona").
Le système d'éducation musicale ainsi formé est un phénomène spécifique et caractéristique de notre société, il a une structure organisationnelle complexe, des relations internes et externes particulières. L'École de musique pour enfants (DMSH), née du système éducatif soviétique, possède de nombreuses caractéristiques de son fonctionnement inhérentes à ce système particulier et les déterminants correspondants, non seulement spécifiquement professionnels, mais aussi éducatifs. Il s'agit d'un établissement d'enseignement polyvalent et multifonctionnel. Si nous excluons l'aspect idéologique, les tâches des écoles de musique, déterminées depuis 1980 par le "Règlement sur l'école de musique pour enfants et l'école des arts du système du ministère de la culture de l'URSS", restent pertinentes aujourd'hui :
1. Donner aux étudiants une formation musicale générale, initier les enfants à l'art, éduquer leur goût esthétique sur les meilleurs exemples d'art soviétique, classique, russe et étranger.
2. Préparer les enfants les plus doués à être admis dans les établissements d'enseignement spécialisé appropriés.
La priorité pour les écoles de musique a été proclamée la formation du personnel des établissements d'enseignement secondaire spécialisé. Les programmes de formation de 7 à 8 ans élaborés par le ministère prévoyaient l'acquisition par les étudiants des compétences initiales en matière de jeu d'instruments, qui posaient les bases d'une formation professionnelle. Les programmes d'études, les conditions d'entrée et les examens finaux étaient également subordonnés à cette tâche.
Parallèlement, les programmes en 5 ans des départements d'esthétique des écoles d'art sont axés sur l'enseignement musical général. Les programmes de l'école de musique et des départements de musique des écoles d'art étaient considérés comme le maillon initial de l'enseignement musical professionnel.
Le prestige et la popularité de recevoir une telle éducation dans les années 70-80 ont permis dès la première étape, lors de l'entrée à l'école, de sélectionner les enfants sur une base compétitive. À toutes les étapes de la formation, la priorité a été donnée aux étudiants prometteurs sur le plan professionnel. L'un des arguments à l'appui est les exigences de qualification imposées à l'époque au personnel enseignant de l'école de musique et de l'école d'art. Les critères d'attribution des grades de qualification suivants étaient, tout d'abord, la présence de diplômés inscrits dans des établissements d'enseignement secondaire spécialisés de la culture, ainsi que la participation et les victoires d'étudiants à des concours de compétences professionnelles.
Aujourd'hui, nous célébrons crise de l'école de musique en tant qu'institution sociale, dont certaines des raisons résident dans le domaine de la finance et de l'économie, mais la raison principale est liée aux caractéristiques conceptuelles de ce type unique d'éducation. Une image complète nécessite une analyse holistique, en constante évolution et approfondissement de toutes les activités. Traditionnellement, «l'efficacité» de tout système éducatif signifie une certaine correspondance entre les objectifs et les résultats de l'organisation de l'éducation, et la «qualité» de l'éducation implique la correspondance de son contenu et de ses formes à un certain niveau idéal. Lors de la détermination de la qualité de la "production" pédagogique, il s'est avéré plus facile d'utiliser des signes indirects et externes de la dynamique du processus. Le volume et la qualité des connaissances acquises dans la leçon ont été établis comme de tels indicateurs pratiques. Cependant, ces deux concepts sont difficiles à définir et à tester par rapport à l'éducation musicale, d'une part, car la communauté, les objectifs et les valeurs sont hétérogènes, et d'autre part, le niveau idéal de quelque chose est conditionnel.
Dans une école de musique traditionnelle, absolument rien ne dépend de l'élève, sauf une chose - il peut être "récompensé" s'il joue selon les règles généralement acceptées et, malgré l'humanisation proclamée, reste un suiveur, pas un leader. Insensiblement, il y a eu une substitution d'objectifs, et l'enfant a perdu l'approche individuelle nécessaire à l'éducation musicale. Dans une période de temps et d'activité limitée et étroite de l'enfant, le transfert de connaissances sur le sujet a acquis une valeur autonome et est devenu une fin en soi.
Un même processus pédagogique a été divisé en sous-systèmes peu dépendants les uns des autres. Si la substitution de la fin aux moyens avait lieu dans la pratique des seuls enseignants ordinaires individuels, ce serait la moitié du problème. Pas toute la nature, l'intuition reçoit la sagesse, la force et la responsabilité de traiter la personnalité de l'enfant d'une manière holistique et équilibrée. Mais lors de la généralisation de la pratique pédagogique, l'erreur a été posée dans la base du système d'éducation musicale en développement empirique.
À mon sens, la voie la plus constructive aujourd'hui se situe au tournant des temps et permet de synthétiser les acquis pédagogiques inestimables des années passées, qui n'ont pas perdu leur signification pratique à ce jour, les découvertes pédagogiques de musiciens, d'enseignants en exercice qui chercher à moderniser le modèle obsolète de l'éducation.
Ce n'est un secret pour personne que l'une des causes de la crise actuelle écoles de musique dans la région de Rostov c'est l'inertie du personnel enseignant et un écart important entre la qualité du « produit » et les exigences croissantes de la personnalité des élèves, des parents, du marché du travail régional et de la société. Malgré le fait qu'aujourd'hui l'admission en première promotion soit préservée (2 200 personnes sont admises annuellement dans les établissements d'enseignement artistique de la région), moins de 40 % atteignent la promotion. Ce fait indique la nécessité d'une analyse scientifique plus approfondie de la situation au niveau régional. La tâche clé à résoudre par les gestionnaires et le personnel enseignant est la capacité de répondre de manière adéquate et opportune aux changements de l'environnement extérieur et de fournir une éducation de qualité face à un manque de financement budgétaire et à une réduction du nombre d'étudiants. La diminution du nombre d'étudiants dans les établissements d'enseignement, liée à la situation démographique, se poursuit, ce qui entraîne une augmentation du coût de la scolarisation d'un enfant dans ces établissements. Selon le ministère de l'Éducation, la réduction du nombre d'élèves du primaire dans la ville de Rostov-on-Don atteint 20% et dans la région - jusqu'à 30%. Dans ces conditions, les besoins individuels et privés de l'enfant et de sa famille sont la principale source d'ordre des activités éducatives de l'école de musique.
La tâche principale et le but de l'éducation esthétique (selon L. Vygotsky) est de familiariser l'enfant avec l'expérience esthétique de l'humanité: se rapprocher de l'art monumental et, à travers lui, inclure la psyché de l'enfant dans le travail mondial général que l'humanité a été faire pendant des milliers d'années, sublimant sa psyché dans l'art. La formation professionnelle dans la technique de tout type d'art devrait donc être combinée avec des lignes d'éducation telles que la propre créativité de l'enfant et la culture de ses perceptions artistiques. Mais la différence entre l'apprentissage et le développement subjectif de la personnalité n'est pas des processus mutuellement exclusifs et contradictoires. Leur relation est similaire à la relation entre la tactique et la stratégie. Identifier les conditions nécessaires pour soutenir un enfant dans le processus d'autodétermination, de réalisation de soi (offrir à l'enfant des opportunités d'autopromotion vers ses propres intérêts et des opportunités de libre choix) et la création délibérée d'un environnement éducatif spécial dans la pratique est une stratégie. Maîtriser n'importe quelle compétence est une tactique.
Pour évaluer l'efficacité, il faut mettre en évidence l'essence psychologique et pédagogique de ces deux processus et leur correspondance optimale :
Soutien psychologique et pédagogique pour le libre choix des intérêts de l'enfant, de sa vie et de son autodétermination professionnelle ;
La subordination de l'influence pédagogique (tactiques pédagogiques) aux relations de partenariat matière-matière entre l'enseignant et l'enfant.
Pédagogie musicale - le domaine lui-même est assez large, y compris l'enseignement de l'instrument, l'histoire et la théorie de la musique, et tout ce qui est inclus dans les programmes d'éducation et d'éducation musicales. Il est important que les spécificités de l'activité pédagogique dans les établissements d'éducation musicale pour enfants soient associées non seulement à la formation pragmatique de l'artisanat (apprentissage), à la maîtrise de l'information et des compétences, mais au développement du potentiel de l'enfant, au processus de formation et l'amélioration de l'enfant en tant que sujet de son propre développement. Ces processus ne peuvent être réduits à la seule expression du résultat sous une forme statistique (concerts, concours, diplômes, etc.) Le grand principe sur lequel peut être construit le programme de préservation et de développement de l'Ecole de Musique pour Enfants est la création de conditions propices à la croissance créative des élèves.
Le problème de l'individualisation des méthodes d'enseignement impose aujourd'hui à un professeur d'école de musique d'avoir des connaissances plus fondamentales dans le domaine de la psychologie, de l'anatomie et de la physiologie, et de l'esthétique. Les cours avec un élève sont à chaque fois une nouvelle tâche créative. Sa solution réussie est impensable sans une pensée pédagogique développée basée sur les acquis de la science moderne. La recherche de moyens d'améliorer l'efficacité du processus éducatif doit également être menée dans le sens de surmonter les lacunes de l'enseignement dans les écoles de musique telles que le manque d'éducation artistique ciblée, le développement insuffisant de l'oreille interprète, du rythme, de la mémoire musicale, de l'initiative et de la imagination créatrice chez la plupart des élèves.
La pédagogie musicale professionnelle doit créer les conditions d'une activité fructueuse de l'étudiant, et c'est le contenu et la dignité du vrai professionnalisme. Le temps est venu où la question de la qualité du travail du professeur, de l'efficacité de ses activités musicales et pédagogiques devient primordiale. À cet égard, l'amélioration de la formation des enseignants des écoles de musique revêt une importance particulière, ce qui dépend de la réorientation du processus éducatif dans une école de musique vers la dotation des futurs enseignants en connaissances et compétences pédagogiques. Dans les cursus et programmes existants, il est nécessaire d'accorder beaucoup plus d'attention à l'étude de la psychologie, de la pédagogie, de la méthodologie, ainsi qu'à la pratique pédagogique. A l'heure actuelle, comme on le sait, les écoles de musique et les conservatoires préparent leurs élèves principalement aux activités scéniques. La formation pédagogique des jeunes musiciens ne s'est pas encore développée en un système clair et bien pensé. Ainsi, les repères de la recherche pédagogique se situent aujourd'hui dans le domaine du développement des technologies pédagogiques mobiles. En ce sens, l'importance de la relation entre les principes créatifs et la didactique, développée dans le système d'enseignement général, augmente.
Le processus d'intégration au système éducatif, à notre avis, doit être compris avant tout comme une manière constructive de résoudre ces problèmes de culture. Au niveau de notre région, nous voyons une perspective fructueuse d'interaction entre le centre éducatif et méthodologique et d'information des travailleurs de la culture et de l'art de la région de Rostov (en tant que principale structure méthodologique) avec l'Université pédagogique et l'Institut pour le développement de Éducation.
APPROCHES ARTISTIQUES ET DIDACTIQUES MODERNES DANS L'ÉDUCATION MUSICALE
N.N. Grishanovich,
Institut des connaissances modernes. A. M. Shirokova (Minsk, République de Biélorussie)
Annotation. L'article définit et justifie les approches artistiques et didactiques de l'organisation du processus musical et éducatif qui sont pertinentes pour le paradigme moderne de la pédagogie de l'art : valeur-sémantique, intonation-activité, dialogique, systémique, polyartistique. Il est démontré que l'approche remplit les fonctions d'une boîte à outils pour la mise en œuvre des principes de l'éducation musicale dans le processus éducatif et nécessite l'utilisation d'une certaine technologie. En tant que principe central et souligné, il intègre d'autres principes et méthodes d'enseignement de la musique.
Mots clés : approche artistique et didactique, valeur, sens, intonation, activité, dialogue, système, polyintonation, motivation, développement, méthode.
sommaire. Dans l'article, cinq approches artistiques et didactiques de l'organisation du processus d'éducation musicale sont définies et justifiées. Ils sont actuels pour le paradigme moderne de la pédagogie de l'art : sensibles aux valeurs, intonation-actives, dialogiques, systématiques et poly-artistiques. Il est démontré que l'approche remplit les fonctions d'instrumentalité lors de la mise en œuvre des principes de l'éducation musicale et nécessite l'application de nouvelles technologies. En tant que principe central et accentué, l'approche agrège un certain nombre d'autres principes et méthodes d'enseignement de la musique.
Mots-clés : démarche artistique-didactique, valeur, sens, intonation, activité, dialogue, système, poly-intonation, motivation, développement, méthode.
L'approche didactique est le principe central de structuration du contenu de l'enseignement et du choix des méthodes pour atteindre son objectif, qui regroupe autour de lui un certain nombre d'autres principes et s'appuie sur eux. Puisque l'éducation musicale est basée sur les principes spécifiques de la didactique artistique, les approches doivent être artistiques et didactiques. En dessous de-
le cours remplit les fonctions d'une boîte à outils (technologie) dans la mise en œuvre des principes de l'éducation musicale dans le processus éducatif.
La recherche pédagogique souligne que le paradigme culturel de l'éducation appelle des approches centrées sur l'étudiant et basées sur des activités. La culture est basée sur la créativité et l'interaction vivante, se développant selon les normes
la communication et la coopération. Par conséquent, dans une école culturellement appropriée, les enfants sont initiés à la culture non pas tant sur la base de l'assimilation d'informations culturelles, mais dans le cadre d'une activité créative spécialement organisée qui leur est propre. Le principe de s'appuyer sur les lois du processus musical-cognitif et leur mise en œuvre pratique nécessite le choix d'approches artistiques et didactiques adéquates pour l'organisation de l'éducation musicale en développement des étudiants.
Au centre de l'approche sémantique des valeurs se trouve le développement du côté motivationnel de l'activité musicale-cognitive des étudiants et la capacité de compréhension spirituelle de la musique (V. V. Medushevsky). Le travail principal de l'âme de l'enfant est l'appropriation des valeurs humaines universelles. Une personne acquiert son essence spirituelle, devient une partie de l'humanité, comprend la culture et la crée. Par conséquent, la personne spirituelle en tant qu'épicentre de la culture, sa plus haute valeur spirituelle (P. A. Florensky) est à la fois le résultat et le principal critère d'évaluation de la qualité de l'éducation (E. V. Bondarevskaya). De ces positions, l'épicentre de l'éducation musicale est l'élève : le développement de sa musicalité, la formation de l'individualité et de la spiritualité, la satisfaction des besoins musicaux, des intérêts et des possibilités créatives. L'éducation musicale d'une personnalité se manifeste non seulement dans son développement particulier, sa capacité à interagir avec la culture musicale de la société - c'est le processus de formation de sa vision du monde.
Le contenu artistique de la musique sérieuse incarne la vie sublime et belle de l'homme.
esprit coquin. Par conséquent, la compréhension de la vérité spirituelle, de la valeur et de la beauté de la musique est le noyau sémantique de l'éducation musicale. Le but de la connaissance musicale n'est pas l'acquisition de connaissances musicologiques, mais la profondeur de la pénétration dans la haute essence d'une personne, l'harmonie du monde, la compréhension de soi et de ses relations avec le monde. L'analyse intono-sémantique des œuvres musicales en tant que principale méthode d'éducation musicale nécessite l'ascension du professeur et des élèves vers la perception de la beauté et de la vérité, vers les hauteurs spirituelles de l'âme humaine. Dans l'activité musicale et cognitive des élèves, la musique agit non seulement comme objet d'évaluation esthétique, mais aussi comme moyen d'évaluation spirituelle et morale de la vie, de la culture et de l'homme.
En organisant un événement artistique
rencontrant les élèves avec un morceau de musique, l'enseignant doit constamment diriger leur attention vers la prise de conscience des aspects axiologiques du morceau et de la situation artistique et communicative. L'approche sémantique des valeurs ne nous permet pas de sous-estimer les significations morales et esthétiques de la grande musique. Les significations spirituelles supérieures n'annulent pas les associations de vie "inférieures", mais établissent une perspective sémantique pour la compréhension de la perception.
La fonction principale de l'éducation musicale est le développement de l'audition intonative des étudiants, leur capacité de pensée intonation-musicale. La mise en place d'accents spirituels dans le contenu et les méthodes d'enseignement de la musique nécessite "l'illumination, l'élévation de l'oreille musicale" des élèves, sa formation "comme organe de recherche et de perception de la beauté sublime",
et pas seulement le développement de ses capacités distinctives (V. V. Medushevsky).
Le contenu du sujet est structuré de manière à ce que la culture musicale nationale soit maîtrisée par les étudiants dans des liens dialogiques avec la musique moderne classique et hautement artistique de divers genres et tendances. Cependant, l'éducation musicale ne doit pas imposer de valeurs, sa tâche est de créer les conditions de leur reconnaissance, de leur compréhension et de leur choix, de stimuler ce choix.
Le développement de la motivation des élèves pour l'activité musicale implique une stimulation pédagogique de leurs intérêts musicaux et cognitifs, dans laquelle se manifeste la signification personnelle d'actions musicales spécifiques et de l'éducation musicale dans son ensemble. La double activité de l'expérience personnelle des étudiants est stimulée : les associations de vie et artistiques aident à la perception du contenu et des moyens d'expression de l'image musicale ; l'interprétation d'œuvres musicales et la recherche d'un sens artistique personnel enrichissent la vision du monde des élèves par l'empathie et l'acceptation de points de vue différents sur les mêmes phénomènes de la vie, incarnés dans les œuvres d'auteurs différents, d'époques et de types d'art différents.
La priorité est donnée aux technologies et aux méthodes qui ont une nature axée sur les valeurs : éducation au développement, apprentissage par problèmes, jeu artistique et didactique, construction du processus éducatif sur une base dialogique, personnelle-sémantique, etc.
Inscrivant les élèves dans des dialogues avec la culture musicale de la société, l'enseignant n'a pas le droit de leur imposer ses appréciations morales et esthétiques, sa vision du monde. Elle peut créer le contexte socio-artistique nécessaire à une œuvre musicale et stimuler l'analyse comparative du point de vue de l'harmonie et de la disharmonie, du sublime et du vil. Il peut encourager l'identification de "thèmes éternels" dans l'art et la compréhension de leur pertinence spirituelle durable. Mais en même temps, l'interprétation sémantique des images artistiques est la créativité des étudiants eux-mêmes, qui repose sur leur flair intonatif, leur vocabulaire intonatif, les compétences d'analyse intono-sémantique et de généralisation artistique, et les sentiments moraux et esthétiques émergents.
Pénétrant constamment dans les secrets artistiques des images musicales, l'enseignant construit un chemin pour que les élèves les «découvrent» comme solution à des problèmes créatifs passionnants et modélisent le processus créatif d'un compositeur, interprète et auditeur.
On pense que l'approche par l'activité est la plus traditionnelle dans l'éducation musicale. Jusqu'à présent, des programmes et des supports pédagogiques sont créés, qui prônent la construction du contenu de l'enseignement musical par type d'activité. Avec cette approche, les élèves apprennent le chant choral, l'écoute de la musique, la pratique d'instruments élémentaires, le passage à la musique, l'improvisation et la littératie musicale par sections. Chaque section a ses propres buts, objectifs, contenu,
méthodes. Dans les leçons de la matière fondamentale « musique », ces sections sont combinées, constituant la structure caractéristique d'une leçon traditionnelle.
Une caractéristique distinctive de cette approche est la priorité de l'apprentissage et l'assimilation prédominante des connaissances, des compétences et des capacités sous une forme finie, selon le modèle. Cependant, la pédagogie moderne de l'éducation musicale soutient que la maîtrise des actions selon le modèle et l'assimilation des connaissances sous une forme finie ne peuvent être l'essence de l'approche par l'activité dans l'enseignement. Ce sont les caractéristiques traditionnelles de l'approche explicative-illustrative, dans laquelle l'activité est donnée aux étudiants de l'extérieur. L'enseignant diffuse le contenu fini, conçu pour que les élèves mémorisent, contrôle et évalue son assimilation.
L'approche par l'activité est typique de l'apprentissage développemental. Une activité éducative élargie est menée là où l'enseignant crée systématiquement des conditions qui obligent les élèves à «découvrir» des connaissances sur le sujet en l'expérimentant (V. V. Davydov). L'activité musicale et cognitive est réalisée lorsque les élèves reproduisent le processus même de la naissance des images musicales, sélectionnent indépendamment les moyens d'expression, révèlent le sens des intonations, l'intention créative de l'auteur et de l'interprète. La base d'une telle activité est le développement de l'intonation de la pensée musicale des écoliers dans le processus de modélisation des propriétés communicatives d'une culture musicale intégrale, le dialogue personnel-créatif du compositeur, de l'interprète et de l'auditeur.
Au centre de l'approche intonative se trouve la maîtrise du discours musical en direct et entonné par les élèves dans le processus d'écoute, d'interprétation et de création de leur propre musique "élémentaire", le développement de l'ouïe intonative, la perception-compréhension et la pensée musicale. La modélisation des activités du compositeur, des interprètes, des auditeurs sous-tend la méthodologie de maîtrise de la parole musicale. A travers l'action active, vocale, plastique, parole, intonation instrumentale, les élèves prennent le chemin de l'image musicale, découvrent sa signification intonative. Le contenu de la leçon et le sujet dans son ensemble sont définis comme une communication artistique avec un art vivant créé par l'intonation, et non comme l'assimilation de connaissances théoriques sur la musique. Les idées musicologiques sont formées sur la base de l'expérience intonative et pratique et sont un moyen de développement musical et créatif des étudiants (D. B. Kabalevsky, E. B. Abdullin, L. V. Goryunova, E. D. Kritskaya, E. V. Nikolaeva, V. O. Usacheva et autres).
L'intonation est une propriété essentielle, le cœur de tous les sujets éducatifs du programme en musique et, par conséquent, la forme existentielle des compétences musicales clés des écoliers. L'approche intonation-activité aide les élèves à surmonter l'écart entre la forme sonore de la musique et son contenu spirituel. Comme "il y a toujours une personne derrière l'intonation" (V. V. Medushevsky), la découverte d'une personne et de ses problèmes en musique permet à l'éducation musicale d'atteindre un haut niveau humanitaire, moral et esthétique de la science humaine.
L'approche dialogique nécessite une dialogisation du contenu et des méthodes d'éducation musicale basée sur les similitudes et les contrastes. La maîtrise d'œuvres musicales est toujours une co-création dialogique : une œuvre créée par un compositeur ne prend vie et ne reçoit sa plénitude sémantique que grâce aux compétences intono-analytiques, interprétatives, interprétatives et à l'expérience personnelle des interlocuteurs-élèves et de l'enseignant. (auditeurs et interprètes).
La culture musicale est comprise comme un ensemble d'œuvres (textes) adressées à des interlocuteurs « proches et distants » (compositeurs, interprètes, auditeurs, artistes, poètes, etc.). Les textes dialogiquement liés de la culture musicale et artistique en général devraient devenir pour les étudiants un sujet souhaitable de compréhension personnelle, de créativité individuelle dans le polylogue éducatif.
La spécificité du texte musical se manifeste dans son caractère incomplet, ouvert et inépuisable de contenu figuratif destiné à l'auditeur. Puisque l'idée du compositeur n'est pas seulement cachée derrière le texte musical dans sa forme finale, mais est ravivée, concrétisée dans le processus de son interprétation par la contre-conscience de l'interprète ou de l'auditeur, l'interprétation sémantique devient l'un des problèmes centraux du dialogue en musique. éducation. De nombreux scientifiques (M. M. Bakhtin, M. S. Kagan, D. A. Leontiev) pensent que le phénomène de l'art n'apparaît que dans le processus de compréhension de l'interaction entre l'auteur d'une œuvre d'art et son interprète-co-créateur.
Selon les psychologues, le dialogisme est "enchâssé" dans les structures de base de la conscience et constitue l'une de ses principales propriétés. La conscience humaine se caractérise par des dialogues internes - avec un interlocuteur imaginaire, avec soi-même, avec une certaine position sémantique au cours du raisonnement. L'approche dialogique de la conception du processus musical-cognitif est basée sur la position de la musicologie moderne, qui affirme que l'oreille musicale se développe en interaction avec l'ouïe de la parole et toutes les capacités de perception (plastiques, visuelles, tactiles, etc.), extrayant le sens de la vie et le contexte artistique syncrétique (V V. Medushevsky, A. V. Toropova).
Le développement personnel d'œuvres musicales est impossible sans co-création dialogique, co-auteur sémantique. Les processus de compréhension et de prise de conscience suggèrent qu'au point frontière de la rencontre de plusieurs points de vue sur une même valeur, se forme un espace de dialogue tendu dans lequel surgissent des phénomènes de résonance associés au processus de maturation du sens individuel. Cet espace de dialogue est créé à l'aide du contexte artistique et de vie de l'œuvre étudiée, qui comprend des œuvres d'autres types d'art, des matériaux biographiques, une expérience personnelle, etc.
L'image créée par le compositeur est le noyau autour duquel se construit la vie d'une œuvre musicale. L'auteur, en tant qu'initiateur de la communication, forme le texte musical selon son intention dans un dialogue avec le public. En essayant-
Afin d'entrer dans le monde du compositeur à différents âges de l'éducation musicale, un dialogue de personnalités de contenu différent a lieu, impliquant un appel à diverses œuvres et aspects de la biographie du compositeur.
Avec la nature dialogique de l'éducation musicale, les étudiants de la leçon sont placés dans des rôles actifs de compositeurs, d'interprètes et d'auditeurs, d'artistes, de poètes et d'artistes, de caméramans, d'ingénieurs du son et de scénaristes. La compréhension du langage d'intonation de la musique se produit dans le processus de polyintonation.
ing, interprétation collective, jeu artistique, modelage ou création d'images musicales.
La tâche la plus importante de l'enseignant est de créer une atmosphère intéressante de communication artistique et pédagogique qui attire les étudiants et de nouer des relations amicales. Les méthodes d'organisation du processus éducatif en groupe, en binôme et en collectif, les formes ludiques d'activité créative sont largement utilisées pour organiser l'interaction entre les élèves.
Le système de communication interpersonnelle dans le processus éducatif musical
Dans le processus de communication artistique et pédagogique, l'étudiant passe par au moins trois étapes : la première est un dialogue interne avec la musique et un professeur, des réflexions ; la seconde est l'immersion des impressions et des pensées mûrissantes dans la communication interpersonnelle avec les élèves et l'enseignant ; le troisième est un monologue détaillé, alors qu'il a déjà développé un jugement de valeur pour lui-même. Par conséquent, un monologue personnel (oral ou écrit) est un résultat naturel et fructueux d'un dialogue. L'avantage de l'approche dialogique dans l'enseignement de la musique réside dans l'attrait non seulement de l'enseignant, mais aussi du contenu spiritualisé de la
meta à chaque élève en tant qu'individualité unique.
Une approche systématique est une condition indispensable à l'organisation de l'éducation au développement. Il guide les méthodologistes et les enseignants vers la divulgation et la mise en œuvre de l'intégrité de l'éducation musicale de l'élève et des diverses connexions intonatives et créatives de tous ses éléments qui assurent cette intégrité, pour trouver un élément formant système dans la structure hiérarchique du contenu et des méthodes. du processus pédagogique musical.
Les connexions internes des composants créent de nouvelles propriétés intégratives qui correspondent aux
type de système et qu'aucun des composants n'avait auparavant. Ainsi, l'organisation thématique du contenu du sujet (D. B. Kabalevsky) constitue son cadre sémantique fondamental, unissant tous les types d'activité musicale des étudiants dans l'intonation-perception sémantique-cognition de la musique. Maîtriser le langage musical à travers la créativité des enfants élémentaires (K. Orff) synthétise le rythme, la parole, le son, le mouvement dans l'activité artistique et de recherche des enfants. Lorsque la pensée musicale est définie comme un facteur formant un système dans le développement musical des élèves, toutes les capacités musicales élémentaires (types d'oreille musicale) se développent de manière interconnectée, en tant que propriétés de la pensée musicale (N. N. Grishanovich).
L'éducation musicale d'une personnalité est un système dynamique complexe avec des connexions ordonnées au sein de sa structure. Chaque élément de ce système peut être considéré comme un sous-système de contenu, d'activité, de développement des capacités, de méthodes, etc. Un cours de musique, toute situation artistique et communicative sont aussi des sous-systèmes de l'éducation musicale.
L'intégrité du système est fondamentalement irréductible à la somme des propriétés de ses éléments constitutifs. Chaque élément du système dépend de la place qu'il occupe dans sa structure, ses fonctions et ses relations avec les autres éléments de l'ensemble. Par exemple, le système de D. B. Kabalevsky n'exclut pas le chant choral, l'alphabétisation musicale et d'autres connaissances et compétences, mais leurs fonctions et leur place dans le processus éducatif changent radicalement : au lieu d'objectifs d'apprentissage privés, ils deviennent des moyens de développer la culture musicale de l'individu.
L'approche systématique nécessite la recherche de mécanismes spécifiques de l'intégrité du processus éducatif musical et l'identification d'une image assez complète de ses connexions internes, ainsi que l'attribution d'un élément de base, sur la base duquel il est possible de construire une « unité opérationnelle d'analyse » du succès ou de l'échec du fonctionnement de l'ensemble du système.
Approche polyartistique
implique l'intégration, la synthèse de l'influence artistique. Et l'intégration est la révélation de la relation intonative des images artistiques. En maîtrisant simultanément l'expressivité à l'aide de différentes langues intonatives, les élèves perçoivent mieux les nuances de l'expressivité et peuvent exprimer plus pleinement leurs sentiments, leur compréhension.
L'intonation est une catégorie artistique générale. C'est l'énergie spirituelle incarnée dans la matière et l'image de l'art. La nature générale intonative-figurative de tous les types d'art est à la base de leur interaction, de leur intégration et de leur synthèse (B. V. Asafiev, V. V. Medushevsky). Les élèves peuvent découvrir les significations spirituelles d'une image artistique en comparant des œuvres de divers types d'art qui les incarnent à leur manière.
L'expérience de l'intonation expressive et de la communication intonative (parole, musicale, plastique, couleur) est accumulée par les étudiants dans le processus de maîtrise parallèle des disciplines du cycle artistique, ainsi qu'avec l'aide de la technique de poly-intonation, l'émergence de types synthétiques d'activités artistiques dans le processus éducatif : « dessiner avec une voix », « dessin plastique », exprimer des poèmes et des peintures,
création d'une partition d'intonation d'un texte littéraire, déclamation rythmique, composition littéraire et musicale, onomatopée (création d'images sonores), discours et jeux plastiques.
Il faut tenir compte du fait que l'une des propriétés les plus importantes de la pensée artistique, y compris musicale, est l'associativité. Dans l'enseignement de tout art, tous ses autres types créent l'atmosphère associative-figurative nécessaire qui contribue à l'expansion de la vie et de l'expérience culturelle des étudiants, nourrit leur imagination, crée les conditions d'un développement optimal de la pensée artistique. À l'aide d'œuvres de différents types d'art, une atmosphère émotionnelle et esthétique de perception artistique est créée dans la leçon, qui fournit un «ajustement» émotionnel, la création d'un cadre perceptuel et esthétique adéquat pour une rencontre avec une image artistique.
Impliquées dans la similitude et le contraste dans le contenu des cours de musique, les œuvres de formes d'art connexes créent un contexte artistique pour les œuvres étudiées, contribuent à la dialogisation du contenu du sujet et à la création de situations problématiques et créatives. L'utilisation des technologies en développement est basée sur la poly-intonation, c'est-à-dire la modélisation de l'image artistique et du processus créatif à l'aide d'éléments expressifs de divers langages artistiques.
L'approche polyartistique dans l'éducation artistique a été théoriquement étayée par B.P. Yusov, qui croyait que cette approche
due à la vie et à la culture modernes, radicalement transformées dans tous les paramètres des systèmes sensoriels. La culture moderne a acquis un caractère polyartistique, multilingue, polyphonique. La nature unifiée de tous les types d'art suppose leur intégration et la réalisation des possibilités polyartistiques de chaque enfant.
Cette approche se caractérise par l'idée de dominance à différents âges de différents types de perception artistique de la vie et, par conséquent, de différents types d'art. Les types d'art agissent comme des modules (alternance de blocs successifs) d'un espace artistique unique du domaine éducatif "Art", dominant tour à tour au fur et à mesure que l'on passe des classes moyennes aux classes moyennes et supérieures. Selon le type d'activité artistique qui domine à une tranche d'âge donnée et les intérêts des élèves, les types d'art qui prévalent dans le complexe polyartistique se remplacent selon un schéma modulaire glissant. Dans un écosystème artistique et pédagogique holistique, les conditions sont créées pour une compréhension plus complète des différents langages artistiques et types d'activité artistique dans leur relation, la capacité de transférer des idées artistiques d'un type d'art à un autre est fournie, ce qui conduit à l'universalisation du talent artistique de l'individu.
Une approche multi-artistique de l'éducation artistique peut être mise en œuvre dans deux types de programmes : 1) des programmes qui intègrent l'étude de tous les types d'art ; 2) programmes de formation
types d'art distincts, intégrés à d'autres types d'activités artistiques. L'accent mis sur le contenu des cours passe de la tradition de l'histoire de l'art consistant à maîtriser le système théorique de connaissances au développement de divers types d'activités artistiques et créatives propres aux enfants. L'éducation est basée sur l'interaction des élèves avec «l'art vivant»: son en direct, couleurs en direct, mouvements propres, discours expressif, créativité en direct des enfants. Des formes intégrées et interactives de travail avec les étudiants sont cultivées, développant la pensée artistique, l'imagination créative, les compétences de recherche et de communication.
Réalisant ensemble les principes spécifiques de l'éducation musicale, les approches artistiques et didactiques considérées peuvent être appliquées de manière interconnectée, améliorant l'efficacité de l'autre dans le processus éducatif et déterminant sa conformité avec le paradigme culturel et axé sur la personnalité de la pédagogie de l'art moderne.
LISTE DES SOURCES ET LITTÉRATURE
1. Yusov B.P. La relation des facteurs culturels dans la formation de la pensée artistique moderne de l'enseignant du domaine éducatif "Art": Izbr. tr. sur l'histoire, la théorie et la psychologie de l'éducation artistique et de l'éducation polyartistique des enfants. - M. : Société Spoutnik+, 2004.
2. La pédagogie de l'art comme nouvelle direction du savoir humanitaire. Première partie. / Éd. coll.: L. G. Savenkova, N. N. Fomina, E. P. Kabkova et autres - M.: IHO RAO, 2007.
3. Approche interdisciplinaire intégrée de l'enseignement et de l'éducation aux arts : Sat. scientifique articles / Ed.-sost. E. P. Olesina. Sous total éd. L. G. Savenkova. - M. : OHI RAO, 2006.
4. Abdullin E. B., Nikolaeva E. V. Théorie de l'éducation musicale: manuel pour les étudiants. - M. : Académie, 2004.
5. Abdullin E. B., Nikolaeva E. V. Méthodes d'éducation musicale. Manuel scolaire pour les lycées. - M. : Musique, 2006.
6. Goryunova L. V. En route vers la pédagogie de l'art // Musique à l'école. - 1988. - N° 2.
7. Grishanovich N. N. Fondements théoriques de la pédagogie musicale. - M. : GROUPE IRIS, 2010.
8. Zimina O. V. Dialogue dans l'activité professionnelle d'un professeur de musique : Manuel P4 / Ed. éd. E. B. Abdullin. - Iaroslavl : Remder, 2006.
9. Krasilnikova M. S. L'intonation comme base de la pédagogie musicale // L'art à l'école. - 1991. - N° 2.
10. Medushevsky VV Forme d'intonation de la musique. - M. : Compositeur, 1993.
11. Théorie et méthodes d'éducation musicale pour les enfants : Nauch.-méthode. allocation / L. V. Shkolyar, M. S. Krasilnikova, E. D. Kritskaya et autres - M.: Flinta; Sciences, 1998.
Le manuel décrit les principes fondamentaux de la théorie de l'éducation musicale, réalisée dans des établissements de type enseignement général. La théorie de l'éducation musicale est considérée comme une matière académique qui révèle l'essence de ce domaine de la science pédagogique. Une attention particulière est accordée à l'art de la musique dans le processus éducatif, à la personnalité de l'enfant dans le système d'éducation musicale, aux principales composantes de l'éducation musicale, à la personnalité et aux activités du professeur-musicien. Toutes les sections du manuel sont présentées en conjonction avec des tâches de formation et une liste de littérature recommandée pour les étudiants afin de développer leur réflexion professionnelle, la formation d'une position personnelle et une attitude créative face aux problèmes étudiés. Le manuel s'adresse aux étudiants, étudiants diplômés, professeurs de musique, professeurs de musique du système d'enseignement complémentaire, enseignants des établissements d'enseignement professionnel supérieur et secondaire d'orientation musicale et pédagogique, à tous ceux qui s'intéressent aux problèmes de l'éducation musicale. 2e édition, revue et augmentée.
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L'extrait suivant du livre La théorie de l'éducation musicale (E. B. Abdullin, 2013) fourni par notre partenaire de livre - la société LitRes.
Chapitre 4. Objectif, tâches et principes de l'éducation musicale
Tout comme la littérature et les beaux-arts, la musique envahit de manière décisive tous les domaines de l'éducation et de l'éducation de nos écoliers, étant un moyen puissant et irremplaçable de façonner leur monde spirituel.
D. B. KabalevskiL'éducation musicale, y compris l'enseignement de la musique, peut être représentée comme un structures, composé des éléments suivants Composants: but, objectifs, principes, contenu, méthodes et formes.
4.1. Le but et les objectifs de l'éducation musicale
Le but de l'éducation musicale
Dans la pédagogie moderne, l'objectif de l'éducation musicale est considéré comme formation, développement de la culture musicale des élèves dans le cadre de leur culture spirituelle générale.
concept culture musicale des élèves extrêmement volumineux et peut avoir différentes interprétations. Voici ce que D. B. Kabalevsky met en premier lieu dans le contenu de ce concept : « … la capacité de percevoir la musique comme un art vivant, figuratif, né de la vie et inextricablement lié à la vie, est un « sentiment spécial » de la musique qui la rend émotionnellement perçue, en distinguant le bien du mal, c'est la capacité de déterminer la nature de la musique à l'oreille et de ressentir le lien intérieur entre la nature de la musique et la nature de son interprétation, c'est la capacité de déterminer par écoutez l'auteur d'une musique inconnue, si elle est caractéristique de cet auteur, ses œuvres avec lesquelles les élèves sont déjà familiers ... " . Ainsi, D. B. Kabalevsky souligne l'importance de l'alphabétisation musicale au sens large du terme comme base sans laquelle la culture musicale ne peut se former. Selon lui, le développement d'un début performant et créatif chez les enfants est également important.
Une telle approche des objectifs de l'enseignement musical général est reconnue par presque tous les professeurs de musique nationaux. Cependant, chacun des auteurs des concepts de formation musicale générale révèle ce concept à sa manière, en en soulignant certains aspects.
Ainsi, D. B. Kabalevsky construit lui-même un système intégral de formation et de développement de la culture musicale des étudiants sur la base d'une divulgation toujours plus complète par eux de propriétés essentielles de l'art musical telles que l'intonation, le genre, le style, l'image musicale et la dramaturgie musicale. dans leur rapport avec la vie, les autres types d'arts, l'histoire. Dans le même temps, il est proposé de commencer le processus d'apprentissage de la musique basée sur trois genres: chant, danse et marche, car l'expérience antérieure de communication avec ces genres permet aux enfants d'arriver à des généralisations qui contribuent à la formation de compétences pour consciemment entendre, interpréter, composer de la musique et y penser.
L'interprétation de l'objectif de l'éducation musicale - la formation de la culture musicale de la personnalité de l'élève - est réalisée par D. B. Kabalevsky dans son concept à travers le prisme des objectifs suivants :
Une orientation éducative prononcée, qui contribue au développement, tout d'abord, d'une attitude intéressée, émotionnelle et précieuse, artistique et esthétique envers la musique, la pensée musicale, le goût musical et esthétique, les capacités musicales et créatives, les compétences et les capacités;
Dépendance à l'égard du patrimoine musical mondial - le «fonds d'or» d'œuvres musicales de diverses formes, genres, styles;
Foi dans le pouvoir transformateur de la musique, dans la possibilité, avec l'aide d'une orientation pédagogique habile et sage, des effets bénéfiques de l'art, tout d'abord, sur la sphère émotionnelle et valorisante de la personnalité de l'élève ;
Développement de la pensée musicale des enfants, de leur potentiel créatif dans le processus d'écoute, d'interprétation et de composition de la musique.
V. V. Medushevsky dans son concept "L'éducation spirituelle et morale au moyen de l'art musical" affirme la nécessité de relancer l'éducation musicale des enfants sur une base religieuse et même « l'explication de la musique profane » se propose d'être réalisée « en catégories spirituelles ».
Dans le concept de L. V. Shamina, la musique est également reconnue comme "un moyen efficace d'éduquer l'esprit". Mais contrairement à V. V. Medushevsky, l'auteur met en avant paradigme ethnographique de l'éducation musicale scolaire, proposant de suivre le chemin de la compréhension de la culture ethnographique de son peuple à la "musique du monde".
Selon le concept de L. A. Vengrus, le chant est un moyen d'initier les écoliers à la culture musicale. L'auteur appelle à la mise en œuvre de la réforme de l'éducation musicale en introduisant l'éducation musicale universelle, ce qui implique la mise en œuvre de "l'éducation et l'éducation musicales basé sur la méthode du chant choral intensif initial".
La culture musicale de l'enfant se manifeste dans son éducation et sa formation musicales.
Éducation musicale implique, tout d'abord, une réponse émotionnelle et esthétique aux œuvres hautement artistiques de l'art populaire, classique et moderne, la nécessité de communiquer avec lui, la formation d'un cercle d'intérêts et de goûts musicaux.
Formation en pédagogie musicale se manifeste principalement dans la connaissance de la musique et sur la musique, dans les compétences musicales, dans l'étendue et la profondeur de l'expérience acquise par l'étudiant de l'attitude émotionnelle et de valeur envers la musique, ainsi que dans l'expérience de l'activité musicale et créative.
L'éducation musicale et la formation à la pratique de l'éducation musicale existent inséparablement, et la base de leur unité est la spécificité de l'art musical, sa nature intonation-figurative. La musicalité inhérente à l'enfant et son développement dans le processus d'éducation et d'éducation ciblées sont à la base de la formation réussie de sa culture musicale.
L. V. Shkolyar, caractérisant la culture musicale des écoliers, souligne que «la formation d'un enfant, un écolier en tant que créateur, en tant qu'artiste (et c'est le développement de la culture spirituelle) est impossible sans le développement de capacités fondamentales - l'art de l'ouïe, l'art de voir, l'art de sentir, l'art de penser…". L'auteur identifie trois composantes de la culture musicale : l'expérience musicale des écoliers, leur culture musicale et le développement musical et créatif.
Le professeur-musicien lituanien A. A. Piliciauskas, explorant le problème de la culture musicale des écoliers, propose de le considérer comme un besoin d'activité musicale sur la base de connaissances, de compétences et de capacités appropriées. Dans le même temps, le scientifique souligne qu'un élève, apprenant un programme particulier, se détourne souvent des valeurs qui y sont proposées et trouve les siennes, qui ne sont pratiquement pas mentionnées en classe. Il y a un contraste entre la musique académique, sur laquelle l'enseignant se concentre, et la "musique alternative" (le terme d'A. A. Piliciauskas, signifiant en pédagogie l'écart entre les préférences musicales de l'enseignant et des élèves), qui, en règle générale, ne son en classe. L'élimination de cette contradiction est une condition nécessaire à la formation de la culture musicale des élèves.
Le système d'enseignement musical existant dans notre pays fournit les conditions nécessaires suivantes pour le développement de la culture musicale des étudiants :
cours de musique obligatoires dans les établissements de type enseignement général ;
Créer un déploiement les systèmes d'enseignement musical complémentaire, mise en œuvre dans un travail musical périscolaire et extrascolaire, auquel chacun peut participer ;
formation de professeurs de musique dans le système d'enseignement supérieur et secondaire spécialisé ;
Offrir aux professeurs de musique la possibilité d'améliorer leur niveau professionnel dans le système d'enseignement postuniversitaire;
Création base pédagogique et méthodologique.
L'objectif de l'éducation musicale, ancré dans un concept particulier, détermine l'orientation de toutes les composantes de l'éducation musicale : tâches, principes, contenu, méthodes et formes.
Les principales tâches de l'éducation musicale
Les tâches principales de l'éducation musicale agissent comme l'interprétation pédagogique la plus proche de son objectif et visent dans leur totalité l'éducation musicale, la formation et le développement de l'enfant.
Ces tâches peuvent inclure :
Développement chez les enfants d'une culture des sentiments, de l'empathie artistique, du sens de la musique, de son amour ; réponse émotionnelle et esthétique créative aux œuvres d'art :
Connaissance des étudiants avec la musique folklorique, classique, moderne, principalement avec des chefs-d'œuvre de l'art musical dans toute la richesse de ses formes et de ses genres : accompagnement pédagogique dans le processus d'acquisition de connaissances sur la musique par les étudiants dans leur lien spirituel avec la vie ;
Développement des capacités musicales et créatives, des compétences et des capacités des étudiants dans les activités d'écoute, d'interprétation et de "composition" ;
Éducation chez les étudiants du sens musical et esthétique, de la perception, de la conscience, du goût;
Développement du besoin de communiquer avec une musique hautement artistique;
Impact de l'art-thérapie sur les étudiants par le biais de la musique :
Préparation ciblée des étudiants à la mise en œuvre de l'auto-éducation musicale;
Aider l'enfant à se réaliser en tant que personne en train de communiquer avec la musique.
Selon laquelle de ces tâches et d'autres sont prioritaires dans un concept particulier d'éducation musicale, un programme spécifique, l'objectif de l'éducation musicale acquiert une certaine direction. Cela caractérise principalement l'état de l'éducation musicale domestique moderne, qui se caractérise par diverses manières d'atteindre son objectif initial.
4.2. Principes de l'éducation musicale
La composante la plus importante de l'éducation musicale sont les principes qui sont considérés comme des points de départ qui révèlent l'essence du but et des objectifs de l'éducation musicale, la nature de son contenu et de son processus.
Les principes de l'éducation musicale énoncent le poste de professeur-musicien dans les domaines suivants.
1. Les orientations humanistes, esthétiques et morales de l'éducation musicale s'incarnent dans les principes suivants :
Révéler les divers liens de l'art musical avec la vie spirituelle;
Divulgation de la valeur esthétique de la musique;
Reconnaissance des possibilités uniques de la musique dans le développement esthétique, moral et artistique de l'enfant ;
L'étude de l'art musical dans un contexte historique général et en relation avec d'autres formes d'art;
Orientation vers des échantillons hautement artistiques (chefs-d'œuvre) de l'art musical ;
Reconnaissance de l'estime de soi de la personnalité de l'enfant dans sa communication avec l'art.
2. L'orientation musicologique de l'éducation musicale se manifeste dans les principes suivants :
L'étude par les étudiants de l'art musical basé sur l'unité de la musique populaire, académique (classique et moderne), spirituelle (religieuse);
Recours à l'intonation, au genre, aux approches de style dans l'étude de la musique :
Divulguer aux élèves le processus d'écoute, d'interprétation et de composition de la musique en tant que manières de « vivre » personnellement dans l'art de la musique.
3. L'orientation musicale et psychologique de l'éducation musicale s'incarne dans les principes suivants :
L'accent du processus d'éducation musicale sur le développement de la personnalité de l'élève, ses capacités musicales;
Mettre l'accent sur les étudiants maîtrisant divers types d'activités musicales;
S'appuyer sur l'unité du développement des principes intuitifs et conscients dans l'éducation musicale ;
Reconnaissance de la créativité musicale dans ses diverses manifestations comme l'un des stimuli les plus importants pour le développement de l'enfant :
Mise en œuvre des possibilités d'art-thérapie de la musique dans l'éducation musicale.
4. L'orientation pédagogique de l'éducation musicale se manifeste dans les principes suivants :
Unité d'éducation musicale, de formation et de développement des étudiants ;
Enthousiasme, constance, caractère systématique et scientifique dans l'organisation des cours de musique;
Interconnexion dialectique de l'objectif et des moyens musico-pédagogiques ;
Assimilation de la nature des leçons musicales au processus musical-créatif.
La totalité et la complémentarité des principes ci-dessus de l'éducation musicale fournissent approche holistiqueà son contenu et à son organisation.
Au cours des dernières décennies, le problème de l'identification et du développement des principes de l'éducation musicale revêt une importance particulière. Ce problème est abordé par de nombreux enseignants-musiciens nationaux et étrangers. Parallèlement, chaque auteur ou groupe d'auteurs travaillant à la définition des contenus de l'enseignement musical général propose son propre ensemble de principes.
Dans le concept musical et pédagogique de D. B. Kabalevsky, les principes suivants acquièrent une importance fondamentale:
orientation à la formation de l'intérêt des enfants pour les cours de musique, selon laquelle ils sont basés sur le développement de la perception émotionnelle de la musique chez les élèves, leur attitude personnelle face aux phénomènes de l'art musical, l'implication des élèves dans le processus de création musicale artistique et figurative et la stimulation de leur moi musical et créatif -expression;
l'accent des cours de musique sur le développement spirituel de la personnalité des élèves, dans lequel le contenu de l'éducation musicale vise principalement leur développement moral, esthétique, la formation de la culture musicale des écoliers en tant que partie importante et intégrante de toute leur culture spirituelle : lien entre la musique et la vie dans le processus d'éducation musicale, effectué principalement dans la divulgation du contenu des sujets éducatifs, dans la sélection du matériel musical et des méthodes de sa présentation;
introduction des étudiants au monde du grand art musical - classique, folk, moderne, couvrant la variété de ses formes, genres et styles : structure thématique du programme, en supposant une divulgation délibérée et cohérente des caractéristiques de genre, d'intonation et de style de la musique, son lien avec d'autres types d'art et de vie : identification des similitudes et des différencesà tous les niveaux de l'organisation du matériel musical et dans tous les types d'activité musicale ;
interprétation de la littératie musicale au sens le plus large du terme, inclure dans le contenu de ce concept non seulement la notation musicale élémentaire, mais, par essence, toute la culture musicale ;
compréhension de la perception de la musique comme base de tous les types d'activités musicales et de l'éducation musicale en général ;
l'accent des cours de musique sur le développement de la créativité chez l'enfant, qui doivent être réalisées dans les activités de composition, d'interprétation et d'écoute.
Dans les travaux de L. V. Goryunova, deux principes sont proposés:
principe d'intégrité, qui se manifeste à différents niveaux : dans le rapport de la partie au tout en musique et dans le processus pédagogique ; dans le rapport du conscient et du subconscient, de l'émotionnel et du rationnel ; en train de former la culture spirituelle d'un enfant, etc.;
principe d'imagerie, basé sur l'assimilation concrète-sensuelle, figurative de la réalité inhérente à l'enfant, l'amenant à travers la vision figurative du monde jusqu'aux généralisations.
enseigner la musique à l'école comme un art figuratif vivant ;
élévation de l'enfant à l'essence philosophique et esthétique de l'art(problématisation du contenu de l'enseignement musical) ;
pénétration dans la nature de l'art et ses lois ;
modélisation du processus artistique et créatif; activité développement de l'art.
la passion;
la trinité de l'activité du compositeur - interprète - auditeur ; identité et contraste;
intonation;
recours à la culture musicale nationale.
Le programme sur la musique de T. I. Baklanova, développé dans le cadre de l'ensemble Planet of Knowledge, met en avant les principes d'unité suivants :
Priorités de valeur ;
approches didactiques;
Structures des manuels et cahiers d'exercices pour toutes les classes;
À travers les lignes, les tâches typiques ;
système de navigation.
A cela s'ajoute le principe du choix des tâches, du type d'activité et du partenaire, ainsi que le principe d'une approche différenciée de la formation.
En conclusion, voici les mots de deux musiciens-enseignants américains bien connus - les chercheurs C. Leonhard et R. House, adressés aux professeurs de musique sur la nécessité de considérer les principes de l'éducation musicale dans leur évolution et leur corrélation avec leur propre expérience pratique : « Pour éviter les erreurs, les fondements des principes doivent faire l'objet d'une double vérification, basée sur le fait qu'il n'est pas nécessaire de prendre sur la foi des données qui contredisent sa propre expérience, même si elles proviennent d'une source faisant autorité.
Questions et tâches
1. Décrire la culture musicale de l'élève comme objectif de l'éducation musicale.
2. Dans quelle hiérarchie établiriez-vous les tâches de l'éducation musicale, en précisant son objectif ?
3. Sur la base du matériel étudié, nommez l'un des principes les plus importants, à votre avis, de l'éducation musicale, en vous concentrant sur leur orientation philosophique, musicologique, psychologique et, en fait, musicale et pédagogique.
4. Comment comprenez-vous la déclaration suivante du musicien-chercheur allemand T. Adorno :
L'objectif de l'éducation devrait être de familiariser les élèves avec le langage de la musique, avec ses exemples les plus significatifs. « Ce n'est qu'à travers une connaissance approfondie des œuvres, et non une production de musique vide et satisfaite, que la pédagogie musicale peut remplir sa fonction.
(Adorno T. Dissonanzen. 4-te Auful. - Göttingen, 1969. - S. 102.)
5. Commentez les approches de la caractérisation des principes de l'éducation musicale, formulées par les professeurs de musique américains C. Leonhard et R. House :
Les principes occupent une place stratégique dans l'éducation musicale : ce sont des règles d'action fondées sur des connaissances pertinentes… Les principes de l'éducation musicale doivent être constamment améliorés… s'ils proviennent d'une source faisant autorité… Tous les principes ne sont pas du même type. Certains couvrent un large domaine, d'autres ne servent que d'addition ... Le nombre et la variété des principes sont infinis, par conséquent, une systématisation est nécessaire ... Lorsque les principes de base du travail d'un professeur de musique sont consciemment établis par une étude spéciale et la réflexion dure, lorsqu'elle exprime ses convictions réelles, couvre tous les aspects de son travail - cela signifie qu'il aura son propre programme de fonctionnement.
(Leonhard Ch., House R. Foundations and Principles of Music Educations. -N.Y., 1959. -P. 63–64.)
6. Décrire le principe «d'élever l'enfant à l'essence philosophique et esthétique de l'art (problématisation du contenu de l'enseignement musical), mis en œuvre dans le programme élaboré sous la direction de l'école L.V.».
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Svetlana Stepanenko
Une approche intégrée de l'éducation musicale
Une approche intégrée de l'éducation musicale.
Actuellement, le développement de la théorie de l'esthétique éducation menée en trois directions: la créativité artistique dans le processus de leur éducation ; activité artistique indépendante des enfants; , l'établissement de connexions diverses entre ses différentes faces. direction principale - une approche intégrée de l'éducation esthétique. L'une des principales caractéristiques approche intégrée est la programmation de l'esthétique éducation. Pour la première fois, on a tenté de créer un programme exemplaire dans lequel les tâches d'esthétique éducation développé pour chaque groupe d'âge de la maternelle. Parmi eux éducation attitude esthétique envers la nature, les objets environnants, l'art utilisé en classe, au travail et dans la vie quotidienne.
panneaux une approche intégrée de l'éducation musicale et esthétique.
* éducation musicale devrait enrichir le caractère moral de l'enfant, activer l'activité mentale, l'activité physique; * éducation attitude esthétique vis-à-vis de la réalité environnante, musical l'art doit aider à établir un lien entre l'enfant et la vie ; * contenu et méthodes d'enseignement musical activités doivent assurer l'unité de ses éducatif, fonctions éducatives et de développement ; * Combinaison de divers types d'activités (traditionnel, thématique, intégré) devrait encourager le développement de l'initiative, de l'activité, des actions créatives; * complexe méthodes d'enseignement, en tenant compte des différences individuelles approcher devrait contribuer à la formation de l'esthétique éducation, propension à l'apprentissage indépendant et créatif, pour le développement musical capacités et les premières manifestations du goût esthétique; * une combinaison harmonieuse de toutes les formes d'organisation activités musicales des enfants(cours, jeux, vacances, animations, activités indépendantes) devrait contribuer au développement artistique général complet des enfants d'âge préscolaire.
Cours de musique complets.
Musical les classes sont la principale forme d'organisation de l'éducation systématique des enfants d'âge préscolaire conformément aux exigences "Programmes éducation à la maternelle» Sur le musical leçons, la relation dans la solution musical-mais-esthétique et pédagogique- tâches éducatives. Pendant actif musical activités, les enfants acquièrent les connaissances nécessaires, acquièrent des compétences et des capacités qui offrent des possibilités d'interprétation émotionnelle expressive des chansons, musicalement- mouvements rythmiques, les mélodies les plus simples lors de la lecture sur les enfants instruments de musique. Il existe déjà une structure traditionnelle de classes bien éprouvée. Il a été maîtrisé avec succès par les enseignants et s'est justifié à bien des égards. Cependant, la recherche expérimentale et la meilleure expérience pédagogique ont montré qu'il existe d'autres structures de cours qui activent le processus d'apprentissage. Ceux-ci sont thématiques et leçons complexes. Complexe les classes sont nommées ainsi parce qu'en une seule leçon tous les types de Activités: artistique et parole, musical. Visuel, théâtral. Complet la leçon est unie par une tâche - connaissance de la même image artistique, de certains genres d'œuvres (lyrique, épique, héroïque) ou avec l'un ou l'autre moyen d'expression artistique (la forme, composition, rythme...) Cible complet classes - pour donner aux enfants une idée des spécificités de différents types d'art ( musique, peinture, poésie, théâtre, chorégraphie, sur les possibilités de transmettre des pensées, des humeurs dans tout type d'activité artistique dans leur langue d'origine. Par conséquent, sur intégré Dans les cours, il est important non pas formellement, mais de manière réfléchie d'unir tous les types d'activités artistiques, de les alterner, de trouver des caractéristiques de similitude et de différences dans les œuvres, des moyens d'expression de chaque type d'art, véhiculant une image à sa manière. Par la comparaison, la juxtaposition d'images artistiques, les enfants ressentiront profondément l'individualité de l'œuvre, se rapprocheront de la compréhension des spécificités de chaque type d'art. Complet la leçon a les mêmes variétés de sujets que la thématique. Le thème peut être tiré de la vie ou emprunté à un conte de fées, lié à une certaine intrigue, et enfin, le thème peut être l'art lui-même.
Cette variété de sujets enrichit le contenu cours complexes, offre à l'enseignant un large choix. Un thème tiré de la vie ou lié à un conte de fées, par exemple, "Saisons", "Personnages de contes de fées", aide à retracer comment la même image est véhiculée par différents moyens artistiques, à trouver des similitudes et des différences dans les ambiances et leurs nuances, à comparer comment l'image du début du printemps est montrée, ne faisant que réveiller la nature et orageuse, fleurie, et en même temps temps noter les traits expressifs les plus frappants du langage artistique (sons, couleurs, mots). Il est important que le changement d'activité artistique ne soit pas formel (les enfants écoutent musique sur le printemps, puiser la source, diriger les eaux choro de la source, lire de la poésie, mais seraient unis par la tâche de transmettre quelque chose de semblable à musique ambiance dans le dessin, le mouvement, la poésie. Si les œuvres ne sont pas cohérentes dans le contenu figuratif, mais ne sont unies que par un thème commun, par exemple, après avoir écouté un fragment d'une pièce de P. I. Tchaïkovski "Sur un trio" de la boucle "Saisons"(doux, rêveur, vers du poème de N. A. Nekrasov son "Jack Frost" --"Ce n'est pas le vent qui fait rage sur la forêt..."(sévère, un peu solennel, hors de caractère musique, mais proche d'elle sur le sujet, il faut attirer l'attention des enfants sur le contraste des humeurs, sinon l'objectif de la leçon ne sera pas atteint. Dans une leçon sur le sujet "Personnages de contes de fées", il est intéressant non seulement de retracer comment la même image est véhiculée différemment ou de manière similaire dans différents types d'art, mais aussi de comparer à quel point oeuvres musicalesécrites sur un sujet, comme des pièces de théâtre « Baba Yaga » P. I. Tchaïkovski de "Album pour enfants", « Baba Yaga » M. P. Moussorgski du cycle "Car-tinki de l'exposition" et miniature symphonique « Baba Yaga » A. K. Lyadov ou joue « Procession des Nains » E. Grieg et "Nain" M. P. Moussorgski du cycle "Car-tinki de l'exposition" etc. Plus difficile à réaliser leçon complexe, dont le thème est l'art lui-même, les caractéristiques de l'expression fonds: "Le langage de l'art", "Les humeurs et leurs nuances dans les oeuvres d'art" etc.
Dans la leçon sur le premier sujet, vous pouvez comparer les couleurs en peinture avec les timbres musical instruments ou d'autres moyens d'expression (registre, dynamique et leurs combinaisons). Invitez les enfants à écouter musical fonctionne en haute (lumière) registre et low-com (sombre, rempli de son clair et fort et doux, calme, en comparant ces moyens musical l'expressivité avec l'intensité de la couleur en peinture. Vous pouvez également parler d'une combinaison de divers moyens d'expression, par exemple, le jeu des enfants fonctionne avec la même dynamique (silencieux, mais dans des registres différents (aigu et grave, afin qu'ils entendent la différence de caractère musique. Un son calme dans le registre supérieur crée un caractère doux et léger ("Valse de S. M. Maykapar, et dans le registre inférieur - un mystérieux, sinistre ( « Baba Yaga » P. I. Tchaïkovski). Ces œuvres sont également comparées à des peintures.
Sur le intégré leçon sur le deuxième sujet, vous devez trouver des ambiances communes véhiculées dans différents types d'art. Des tâches créatives sont utilisées ici, par exemple, pour transmettre le caractère d'un lapin joyeux ou lâche en mouvements, composer une chanson, un conte de fées à son sujet, le dessiner. Se familiarisant avec les possibilités expressives de ces types d'art, les enfants acquièrent progressivement de l'expérience la perception oeuvres artistiques. Le sujet d'un tel complet les cours peuvent être d'une ambiance avec ses nuances, par exemple: « Ambiance cérémonielle »(de la joie à la peine, "Humeur joyeuse" (de léger, délicat à enthousiaste ou solennel). Ces nuances d'ambiances sont tracées sur des exemples de différents types d'art et véhiculées de manière créative affectations: composer une chanson (amical, douce ou gaie, joyeuse, exprimer ce personnage en mouvements, dessiner des images dans lesquelles ces humeurs seraient visibles. L'enseignant peut également attirer l'attention des enfants sur les images les plus réussies et discuter avec eux de la manière dont ils sont gérés pour transmettre telle ou telle humeur. Parfois, ils jouent à un jeu, devinant quelle humeur l'enfant a voulu exprimer dans le mouvement qu'il a composé (danse, chant, marche).
Complet la leçon peut également être combinée avec une intrigue, par exemple un conte de fées. Ensuite, comme dans une leçon thématique de ce type, les manifestations créatives des enfants sont réalisées plus pleinement. se prépare cours de musique complets chef avec soignants d'utiliser toutes les connaissances et compétences que les enfants ont acquises dans d'autres classes. Les cours ont lieu environ une fois par mois.
Développement musical complet.
Les cours prévus au programme se déroulent de manière ludique, bâtie sur un changement fréquent d'activités, cela assure Une approche complexe, la dynamique de promotion et l'intérêt constant des enfants. Organisme musical les cours se déroulent dans une variété de formes: sous forme d'intrigue-thématique leçons de musique, intégré et classes intégrées. Au cours des cours dans les groupes de la petite enfance complexe musical développement, les tâches les plus importantes dans le développement des enfants sont résolues nka: Développement mental, développement physique, développement esthétique. L'objectif du programme est le développement mental global des enfants d'âge préscolaire précoce et plus jeune au moyen de éducation musicale. Tâches programmes: favoriser le développement précoce de l'enfant par une approche globale activité musicale; aidez les enfants d'âge préscolaire primaire dans un jeu passionnant à entrer dans le monde musique; ressentez-le et expérimentez-le sensuellement; créer des conditions préalables à la formation de la pensée créative; contribuer à l'assimilation pratique connaissances musicales; préparation à la formation continue; développement des compétences en communication et complicité: contact, bienveillance, respect mutuel ; la formation chez les enfants de qualités qui contribuent à l'affirmation de soi personnalités: indépendance et liberté de pensée, individualité la perception. Le programme répond aux exigences modernes du programme éducatif. Il est de nature développementale, axé sur les aspects généraux et musical développement de l'enfant en train de le maîtriser activité musicale. Il prend en compte les notions de santé et de développement composant: le principe de l'unité du travail de développement et d'amélioration de la santé avec les enfants. Le contenu du programme est axé sur la création d'un confort psychologique et d'un bien-être émotionnel pour chaque enfant. Le programme est équipé de matériel pratique et de manuels pour les cours individuels et collectifs.
au programme initial le développement intégré comprend: 1) Jeux de plein air et logarithmique. Développement de la motricité globale; développement de la coordination des mouvements et de la concentration de l'attention; développement de la cohérence des actions dans l'équipe, établissement de relations positives, développement d'activités productives communes; développement des compétences d'interaction sociale et d'adaptation sociale musicalement- jeux et exercices psychologiques ; développement de l'imagination et de la créativité dans le jeu. ; formation des habiletés motrices; correction de la parole de mouvement (prononciation, chant, formation de la motricité de la parole). Matériel- "Leçons drôles", "Leçons amusantes", Aérobic pour les enfants, "Poisson rouge", "Porte dorée", "Jeux de santé" etc. 2) Développement de la motricité fine. Développement de la motricité des doigts, motricité fine; développement de la parole (prononcer et chanter des chansons - jeux visant à développer la motricité fine); développement de l'imaginaire "s'habituer à"à l'image et au caractère des personnages de gestes ou jeux de doigts) ; formation au comptage. Matériel- "D'accord, dix souris, deux petits cochons". 3) Développement de l'ouïe, de la voix. L'intonation la plus simple (voix d'animaux, sons de la nature, syllabes amusantes). Développement de la hauteur, de la dynamique, de l'audition du timbre. Chant et mouvement, performances. Improvisation vocale élémentaire. Matériel- "Chansons"- "Des cris", "ABC-Poteshka", "Maison du chat". 4) Développement physique, développement d'une culture du mouvement, travail récréatif. Renforcement du corps de l'enfant, formation d'un corset musculaire, développement des systèmes respiratoire et cardiovasculaire. Développement de la coordination des mouvements, concentration de l'attention, dextérité, confiance en soi. Développement des capacités de créativité motrice. Construit sur l'utilisation Matériel: "Jeux de gymnastique", "Gymnastique pour les mamans et les bébés", "Jeux de santé" etc. 5) Connaissance de diplôme de musique, audience musique, apprendre à jouer des instruments de bruit et de hauteur. Apprendre à jouer des instruments. Connaissance de instruments de musique. Faire de la musique, jouer dans un mini-orchestre (enfants et parents). écoute oeuvres musicales, expérience émotionnelle musique dans des improvisations plastiques. 6) Connaissance des lettres, préparation à la lecture, développement discours: En train de sculpter et de plier des lettres à partir de pâte à modeler, la motricité fine, la concentration de l'attention, la coordination des mouvements se développent, la connaissance des lettres dans les activités pratiques et la préparation des enfants à la lecture. Au chapitre "Nous chantons-lisons" une combinaison de lecture par syllabes et de chant (lisant d'une voix chantante) permet non seulement d'enseigner la lecture par syllabes, mais aussi de travailler la voix et la respiration. 7) Tâches créatives, développement de l'imagination. Sondage et dramatisation de contes de fées, versets. illustration (dessins, modélisation, applications) jeux à thème et contes de fées. Études plastiques et improvisations de mouvement dans le processus d'écoute active musique. Création de musique instrumentale. Improvisations sur le bruit et les enfants instruments de musique. 8) Cercles de musique.
Buts et objectifs des leçons musique.
Développement musical et la créativité générale à travers divers activités musicales, à savoir, développement: * mémoire musicale; audition mélodique et rythmique; * moyens adéquats d'expression de soi; * la capacité, d'une part, de répéter avec précision le matériel proposé par l'enseignant, d'autre part, de proposer ses propres solutions à la situation; * correction de la parole en mouvement avec musique. Développement des capacités mentales et intellectuelles; * imagination; réactions; capacité d'écoute et de concentration; compétences d'écoute pour distinguer, comparer et comparer. Développement physique capacités: * dextérité; Capacités motrices globales. Développement social compétences: * capacité à interagir avec les autres ; capacité à se contrôler. Développement de l'intérêt pour musical activités et la joie de communiquer avec la musique.
Formes de travail en classe.
* en chantant; * lecture expressive de comptines et de comptines; * jeu pour enfants instruments de musique; * mouvement sous musique, Danse; * audience musique; * dramatisation de contes de fées; * jeux de plein air pour le développement de la réaction et de la motricité, développant le contrôle des mouvements.
Notre temps est un temps de changement. Aujourd'hui, la Russie a besoin de personnes capables de prendre des décisions non standard, capables de penser de manière créative, capables de création positive. Malheureusement, le jardin d'enfants moderne conserve encore le traditionnel approche de l'apprentissage. Le plus souvent, l'apprentissage se résume à la mémorisation et reproduire des actions, façons typiques de résoudre des tâches. La répétition monotone et structurée des mêmes actions tue l'intérêt pour l'apprentissage. Les enfants sont privés de la joie de la découverte et peuvent progressivement perdre la capacité d'être créatifs. Bien sûr, de nombreux parents s'efforcent de développer la créativité de leurs enfants. enfants: donnez-les à des cercles, des studios, des écoles spéciales, où des enseignants expérimentés travaillent avec eux. La formation des capacités créatives de l'enfant est due non seulement aux conditions de sa vie et éducation familiale, mais aussi des classes spéciales organisées dans les établissements préscolaires. Musique, chant, dessin, modelage, jeu, activité artistique - tout cela est des conditions favorables au développement des capacités créatives. Je voudrais attirer l'attention sur cours complexes dans lequel le développement des capacités créatives est réalisé au moyen de différents types d'art. Sur le intégré Dans la leçon, les enfants chantent, dessinent, lisent de la poésie et dansent à tour de rôle. Parallèlement, la réalisation d'ouvrages décoratifs ou d'intrigues compositions au son d'un grand lyrique musique crée une ambiance émotionnelle et les enfants accomplissent la tâche avec succès. Sur le intégré En classe, les enfants se comportent à l'aise, décomplexés. Par exemple, lors de l'exécution d'un dessin collectif, ils se consultent pour savoir qui et comment dessinera. S'ils veulent mettre en scène une chanson, ils s'accordent d'abord eux-mêmes sur leurs actions, distribuent eux-mêmes les rôles. Lors d'activités décoratives et appliquées (tissage de tapis, peinture sur cours de faïence) vous pouvez utiliser des mélodies folkloriques russes dans un gramme d'enregistrement, ce qui crée une bonne humeur chez les enfants, vous donne envie de chanter des mélodies familières.
Classification cours complexes.
1 Par contenu complexe les cours peuvent être variés et se déroulent dans différents choix: *blocs de classes séparés pour initier les enfants au monde de l'art (musical et visuel) ; * blocs de classes, unis par les plus intéressants pour les enfants les sujets: "Zoo", "Contes préférés"; * des blocs de cours pour initier les enfants au travail des écrivains, les musiciens, les artistes et leurs œuvres ; * des blocs de cours basés sur le travail pour familiariser les enfants avec le monde extérieur, avec la nature ; * un bloc de cours de familiarisation avec l'art populaire ; * un bloc de cours sur le moral et l'émotionnel éducation. 2.Structure intégré les cours dépendent de l'âge de l'enfant, de l'accumulation de vivre: de l'observation en direct à la visualisation d'images, à perception de l'image dans la poésie, musique. * 3-4 ans - observation en direct d'un objet ou d'un phénomène, plus une illustration vivante de celui-ci. * 4-5 ans - une illustration ou une image vivante, une petite œuvre littéraire. * 5-6 ans - une œuvre littéraire plus plusieurs reproductions qui permettent de mettre en valeur les moyens expressifs ; musical travail ou chanson (en arrière-plan ou en tant que partie indépendante de la leçon). * 6-7 ans - oeuvre plus 2-3 reproductions (représentant soit un paysage similaire, soit des paysages différents) soit une description d'un objet ou d'un phénomène dans des poèmes (comparaison, juxtaposition); composition musicale(en comparaison, quoi s'adapteà une reproduction ou à un poème). 3. Complexe les classes sont divisées en deux types selon la valeur de l'espèce art: type dominant, lorsqu'un type d'art domine et que les autres semblent passer en arrière-plan, par exemple, un poème sur la nature et musique aider à comprendre l'image, son humeur)
type équivalent, lorsque chaque partie de la leçon se complète.
4. Complexe les cours peuvent varier musical, oeuvres d'art.
Option 1. Inclusion alternée d'œuvres de différents types d'art. Cible: renforcer l'impact de l'art sur les émotions des enfants. Structure: écoute morceau de musique; communication entre les enseignants et les enfants sur le caractère morceau de musique; regarder un tableau; communication entre enseignants et enfants sur la nature de la peinture; écouter une œuvre littéraire; communication entre enseignants et enfants sur la nature d'une œuvre littéraire; comparaison de similarité musical, œuvres picturales et littéraires selon l'humeur émotionnelle qui s'y exprime, la nature de l'échantillon artistique.
Option 2. Inclusion par paires d'œuvres de différents types d'art. Structure: écoute multiple oeuvres musicales; échange de vues entre l'enseignant et les enfants, comparaison de la similarité et de la différence de caractère oeuvres musicales; visionner plusieurs peintures; comparaison des similitudes et des différences de peintures; écouter plusieurs œuvres littéraires; comparaison des similitudes et des différences d'œuvres dans le caractère, l'humeur; comparaison d'humeur émotionnelle similaire musical, oeuvres pittoresques et littéraires.
Option 3. Inclusion simultanée dans la perception différents types d'art. Cible: montrer l'harmonie musique, peinture et littérature. Structure: des sons musical travail et dans son contexte éducateur lit une œuvre littéraire; éducateur montre un tableau et en propose plusieurs aux enfants musicalœuvres ou littéraires et n'en sélectionner qu'une seule, en accord avec cette œuvre picturale ; ça sonne pareil musical l'œuvre et les enfants lui choisissent parmi plusieurs peintures ou œuvres littéraires celle qui convient à l'humeur.
Option 4. Inclusion d'œuvres contrastées de différents types d'art. Cible: forment des relations évaluatives. Structure: écouter des œuvres littéraires aux sonorités contrastées ; échange de vues de l'enseignant et des enfants sur leur différence; visualisation de couleurs contrastées, peintures d'ambiance; échange d'opinions de l'enseignant et des enfants sur leur différence; écouter des œuvres littéraires d'humeur contrastée; échange de vues de l'enseignant et des enfants sur leur différence; la perception semblables les uns aux autres musical, oeuvres littéraires et picturales; échange de vues de l'enseignant et des enfants sur leurs similitudes.
Afin de tenir complet l'occupation doit être des œuvres d'art correctement sélectionnées (Littérature, musique, La peinture): * accessibilité des oeuvres d'art à la compréhension des enfants (basé sur l'expérience de l'enfance); * œuvres de fiction réalistes, peinture; * attractivité pour les enfants, si possible, vous devez sélectionner des œuvres qui ont une intrigue intéressante qui évoque une réponse dans l'âme de l'enfant.
Conclusion.
N'importe quel musical La leçon doit laisser une marque dans l'âme de l'enfant. Enfants percevoir la musique par le jeu, mouvement, dessin. Muses intégrées-la leçon de calle aide à développer la mémoire, l'imagination, la parole, la motricité générale. Créatif une approche donner des cours contribue à la création d'une expérience positive dans la formation vision du monde de l'enfant. Audience oeuvres musicales, chanter, rythmer, jouer musical sont les moyens les plus efficaces d'initier un enfant à musique.
Dans le processus intégré enfants faisant des choses par eux-mêmes, et parfois avec l'aide de éducateur(surtout dans les groupes plus jeunes et moyens) apprendre à utiliser les moyens artistiques et expressifs de tous les types d'art pour transmettre l'idée.
L'expérience artistique précoce acquise les aide à créer une image expressive. (musical, poétique, pictural).
Les actions conjointes de l'enseignant avec les enfants, la communication avec les pairs créent les conditions nécessaires à la formation et au développement des capacités créatives.
Besoin faire monter et développer l'enfant afin qu'à l'avenir il puisse créer quelque chose de nouveau, devenir une personne créative. Il est souvent trop tard pour développer la créativité chez un enfant, car beaucoup se pose beaucoup plus tôt. "Nous venons tous de l'enfance..." Ces belles paroles d'Antoine Saint-Exupéry pourraient être une sorte d'épigraphe au travail des psychologues pour enfants qui cherchent à comprendre comment une personne ressent, pense, se souvient et crée au tout début de sa vie. C'est dans l'enfance préscolaire qui est pondue qui détermine en grande partie notre "adulte" sort.
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1L'article révèle l'essence du concept et les principes de base d'une approche bifonctionnelle du développement musical d'un enfant en cours de piano dans des établissements d'enseignement complémentaire. L'approche bifonctionnelle dans l'éducation musicale est interprétée comme une stratégie pédagogique basée sur le double fondement de l'éducation musicale des enfants et des jeunes : la formation d'une couche culturelle de mélomanes éclairés et de musiciens professionnels hautement qualifiés dans la société.L'auteur caractérise deux programmes éducatifs récemment formulé dans de nouveaux documents législatifs - développement pré-professionnel et général - et fait leur analyse comparative.Le programme éducatif pré-professionnel vise à former de futurs spécialistes - musiciens de profils variés. Le programme éducatif de développement général est conçu pour promouvoir la formation d'un public d'auditeurs et de téléspectateurs formé à la musique dans la société. L'article souligne la nécessité de mettre en œuvre les deux programmes sur la base d'un seul complexe méthodologique académique de base. L'idée de fondamentalisation est particulièrement importante pour la mise en œuvre d'un programme éducatif de développement général, car à l'heure actuelle, sa mise en œuvre va dans le sens de l'assouplissement, de la complaisance, l'enseignement de la musique à la plupart des enfants devient une musique amateur.
création musicale amateur.
double fondation
développement musical
complexe méthodologique unifié
programme de développement général
programme pré-professionnel
développement musical
approche bifonctionnelle
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L'heure actuelle est celle de la réforme du système national d'enseignement musical. « La réforme du système éducatif en cours dans la Fédération de Russie est basée sur les principes développés à la fin des années 1980. et développé au début des années 90, les principes de démocratisation », notamment : « la variabilité du système éducatif ; .. l'humanisation de l'enseignement et la création des conditions les plus favorables au dévoilement et au développement des capacités de chaque élève ; .. éducation au développement ». . Or, dans le cadre de la modernisation de l'enseignement musical, une telle approche est pleinement cohérente avec la mise en place de programmes d'enseignement général supplémentaires dans le domaine de l'art, qui figurent dans les derniers documents juridiques (loi fédérale "Sur l'éducation" du 16 juin , 2011 n° 145-FZ, loi fédérale du 29 décembre 2012 n° 273-FZ). Ces programmes sont divisés en pré-professionnels, conçus pour aider à identifier les enfants et les jeunes doués sur le plan artistique, former du personnel créatif et pédagogique dans le domaine de la culture et de l'art, et développement général, assurant la formation d'un public formé d'auditeurs et de téléspectateurs dans la société.
À cet égard, la pertinence du problème de l'approche bifonctionnelle du développement musical d'un enfant de la classe de piano considérée dans cet article dans le système d'enseignement complémentaire est évidente.
Pour analyser ce problème, il faut tout d'abord clarifier l'essence du concept d'"approche bifonctionnelle".
Approche - "... c'est une certaine position par rapport à tout problème ou phénomène, ... une base théorique ou logique pour considérer ou concevoir un objet; un ensemble de méthodes et de techniques pour réaliser des activités sur la base d'une idée ou d'un principe.
L'approche de l'apprentissage en pédagogie est interprétée comme la mise en pratique de l'idée dominante dominante de l'apprentissage sous la forme d'une certaine stratégie et à l'aide de certaines méthodes d'enseignement.
La définition de «fonctionnel» dans l'expression «approche bifonctionnelle» est un adjectif de «fonction» (lat. functio performance), qui signifie «cercle d'activité, objectif». R.K. Merton caractérise les fonctions (c'est-à-dire les fonctions explicites) comme des conséquences planifiées et réalisées par les participants au système, c'est-à-dire les intentions subjectives conscientes et les conséquences objectives coïncident.
Le concept d'« approche fonctionnelle » s'est formé en sociologie à partir des idées d'O. Comte, G. Spencer et E. Durkheim. Ses représentants considèrent la société comme un système, qui est un complexe intégral d'éléments interdépendants qui entretiennent des relations fonctionnelles et des liens les uns avec les autres. Les fonctionnalistes se concentrent sur les sous-systèmes individuels de la société, en particulier sur ses institutions les plus importantes - la famille, la religion, l'économie, l'État, la culture, l'éducation. Ils identifient les caractéristiques structurelles des institutions de la même manière que les biologistes décrivent les propriétés de base d'un organisme, puis définissent les fonctions des institutions. L'une des caractéristiques du système est la recherche d'un équilibre entre ses composantes : le changement d'une institution a des conséquences à la fois pour les autres institutions et pour la société dans son ensemble.
Les écoles de musique pour enfants sont une institution socioculturelle répandue qui remplit de nombreuses fonctions publiques, dont deux sont la préservation et le renforcement du plus haut niveau de l'école nationale de piano et la formation d'une couche culturelle d'amateurs de musique compétents dans la société et sont le base d'une approche bifonctionnelle du développement musical des enfants. L'approche bifonctionnelle dans ce cas est interprétée comme une stratégie pédagogique basée sur le double fondement de l'éducation musicale des enfants et des jeunes : la formation d'une couche culturelle de mélomanes éclairés et de musiciens professionnels hautement qualifiés dans la société.
L'émergence des programmes éducatifs pré-professionnels et de développement général décrits ci-dessus est, en fait, la première étape fixée par la loi vers la création de conditions optimales pour l'éducation musicale des enfants dans les écoles d'art pour enfants. Il s'agit du premier exemple d'un programme éducatif à deux volets, la première expérience de la variabilité du programme, visant une trajectoire individuelle de développement de la personnalité. Dans les deux cas, les tâches et les objectifs du processus éducatif sont correctement formulés, l'accent est correctement mis sur les spécificités de chacune de ses fonctions : les programmes éducatifs généraux de développement sont axés sur l'éducation d'un auditeur actif et éduqué, participant à des performances amateurs, pré -programmes professionnels - sur la création de conditions optimales pour la formation de la motivation des enfants à poursuivre la formation professionnelle dans les établissements professionnels secondaires.
Pour mener à bien les tâches ci-dessus, il est nécessaire de répondre à un certain nombre de questions: quelles connaissances, compétences et capacités devraient être formées chez les futurs musiciens amateurs et professionnels diplômés d'une école de musique et comment cela devrait se refléter dans le contenu de la formation préprofessionnelle et les programmes éducatifs de développement général et les méthodes d'enseignement dans une école de musique ; quelles qualités musicales personnelles et spéciales chacun d'entre eux devrait posséder. Une telle analyse est nécessaire parce que les écoles d'art pour enfants restent à ce jour, par essence, une institution étroitement ciblée pour enseigner comment jouer des instruments de musique.
Les musiciens amateurs peuvent être divisés en deux catégories. Le premier comprend les auditeurs, c'est-à-dire les consommateurs de musique sonore. La deuxième catégorie (quantitativement plus petite) comprend les amateurs qui, parallèlement à cela, se réalisent en jouant: ils participent à diverses formes de création musicale collective, accompagnent d'autres amateurs (chanteurs, instrumentistes, chœur), et agissent même souvent en tant qu'interprètes - solistes. Les musiciens amateurs de la première catégorie prédominante se caractérisent par un besoin constant d'activité de consommation de musique par l'auditeur - sa perception et son expérience, obtenant le plaisir esthétique approprié en tant que source d'énergie spirituelle. Pour combler ce besoin, un musicien amateur doit au moins : avoir la capacité et l'habileté de percevoir adéquatement la musique; éprouver émotionnellement et être capable de réaliser et d'évaluer esthétiquement le niveau artistique d'œuvres musicales grâce à une oreille, une réflexion et une imagination développées; connaître un grand nombre d'œuvres musicales d'époques, de styles et de genres variés; être capable d'analyser les caractéristiques de la forme et du contenu de l'œuvre entendue ; -déterminer de manière qualifiée les spécificités de leur exécution par divers artistes ou groupes d'interprètes ; montrer un vif intérêt pour les événements du monde de la musique: nouvelles compositions et leur interprétation par divers interprètes, concours, tournées, débuts intéressants.
Ce type de mélomane, comme le montrent les qualités énumérées, ne peut en aucun cas être considéré comme passif - il est actif dans la réalisation de son besoin de communiquer avec la musique, de l'évaluer, de la mémoriser, de l'expérimenter et de la réaction émotionnelle correspondante. Il est clair que l'enseignement étroitement ciblé de la pratique de l'instrument ne peut pleinement assurer la formation de la culture musicale nécessaire à un auditeur compétent.
Évidemment, toutes ces qualités que doit posséder un auditeur averti de la musique doivent également être inhérentes à un mélomane. Dans le même temps, pour une interprétation amateur compétente d'œuvres musicales, il est nécessaire: de connaître le langage d'intonation de la musique et de pouvoir exprimer à travers lui les différents contenus artistiques des œuvres interprétées; avoir une pensée musicale développée; avoir une mémoire musicale développée; avoir un équipement technique instrumental important, une production sonore de haute qualité, nécessaire à l'exécution compétente des parties d'orchestre et d'ensemble, des accompagnements qui ne contiennent pas de difficultés virtuoses spécifiques du répertoire solo; maîtriser les compétences élémentaires de la création musicale d'ensemble et d'orchestre; maîtriser les compétences de lecture à partir d'une feuille.
De ce qui précède, il ressort que l'activité scénique des musiciens amateurs leur impose des exigences assez fortes, proches des professionnelles par leur niveau. À l'appui de cette thèse, analysons quel ensemble de qualités personnelles, de connaissances et de compétences particulières un diplômé d'une école de musique devrait posséder pour réussir sa formation professionnelle.
Le premier est une oreille professionnelle complètement développée en tant que combinaison complexe de ses composants intonatifs et analytiques. Le second est un sentiment rythmique accru, se développant dès le début des cours jusqu'au niveau de la base de la future culture rythmique dans l'ensemble de tous ses aspects - de la pulsation métrique, de la précision rythmique, du sens du temps et du tempo à la logique correcte accentuation, nuance agogique et proportionnalité des parties de la forme musicale. Le troisième est la capacité de percevoir adéquatement le contenu figuratif et artistique de l'œuvre jouée, de l'interpréter de manière créative. Quatrièmement, un musicien-spécialiste potentiel en tant qu'interprète doit posséder un certain ensemble de qualités personnelles: talent artistique, capacité de travail, capacité accrue de concentration, capacité à surmonter des conditions stressantes. Cinquième - mémoire musicale professionnelle bien développée, dans toute sa variété de types: figuratif, moteur, tactile, verbal-logique, émotionnel. Sixième - une vaste accumulation de répertoire, couvrant des œuvres de différentes époques historiques, styles, genres. Septième - une capacité développée à lire à partir d'une feuille. Huitième - la formation de l'appareil de jeu, qui assure le développement intensif de tous les éléments de la technique instrumentale virtuose à un âge assez précoce. Neuvième - la présence de certaines compétences dans la création musicale conjointe (jouer dans un ensemble, accompagnement, comprendre les signes du chef d'orchestre). Dixième - une position active par rapport aux événements les plus importants du monde de la musique et des autres arts.
Ainsi, de tout ce qui a été dit, on peut tirer la principale conclusion : la formation préprofessionnelle d'un futur musicien interprète, par son contenu et sa structure, ne doit pas fondamentalement différer de la formation d'un musicien amateur - dans les deux cas , il doit être formé comme un système intégral. , qui comprend tous les composants significatifs nécessaires du complexe méthodologique académique. Les différences existantes ne doivent pas se manifester dans l'exclusion de composants de ce système, mais dans un niveau différent de leur maîtrise, dans les caractéristiques de leur fondamentalisation, en particulier, dans une échelle différente de maîtrise du répertoire, des connaissances spéciales et des compétences. . Ces différences doivent reposer sur une profonde compréhension par les enseignants de la nature de la motivation de chaque enfant et de ses parents à recevoir une éducation musicale, sur le respect du choix des élèves dans une direction ou une autre dans l'apprentissage.
Réviseurs :Maykovskaya L.S., docteur en sciences pédagogiques, professeur, directeur Département d'éducation musicale, Institut national de la culture de Moscou, Moscou;
Chervatyuk P.A., docteur en sciences pédagogiques, professeur, Université pédagogique d'État de Moscou, Moscou.
Lien bibliographique
Voskoboynikova E.G. APPROCHE BIFONCTIONNELLE DU DÉVELOPPEMENT MUSICAL D'UN ENFANT DANS LA CLASSE DE PIANO // Problèmes modernes de la science et de l'éducation. - 2015. - N° 6.;URL : http://science-education.ru/ru/article/view?id=23891 (date d'accès : 01.02.2020). Nous portons à votre connaissance les revues publiées par la maison d'édition "Academy of Natural History"
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