Mouvements, mouvements et écoles littéraires et artistiques

Littérature de la Renaissance

Le compte à rebours des temps nouveaux commence avec la Renaissance (renaissanse French revival) - c'est le nom commun du mouvement sociopolitique et culturel né au 14ème siècle. en Italie, puis s'est répandue dans d'autres pays européens et a atteint son apogée aux XVe et XVIe siècles. L’art de la Renaissance s’opposait à la vision dogmatique du monde de l’Église, déclarant l’homme la valeur la plus élevée, la couronne de la création. L'homme est libre et appelé à réaliser dans la vie terrestre les talents et les capacités que Dieu et la nature lui ont donnés. La nature, l’amour, la beauté et l’art ont été proclamés comme les valeurs les plus importantes. À cette époque, l'intérêt pour le patrimoine antique renaît et de véritables chefs-d'œuvre de la peinture, de la sculpture, de l'architecture et de la littérature sont créés. Les œuvres de Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange, Titien, Velazquez constituent le fonds d'or de l'art européen. La littérature de la Renaissance exprimait le plus pleinement les idéaux humanistes de l'époque. Ses meilleures réalisations sont présentées dans les paroles de Pétrarque (Italie), le livre de nouvelles « Le Décaméron » de Boccace (Italie), le roman « L'Hidalgo rusé Don Quichotte de La Manche » de Cervantes (Espagne), le roman « Gargantua et Pantagruel » de François Rabelais (France), la dramaturgie de Shakespeare (Angleterre) et Lope de Vega (Espagne).
Le développement ultérieur de la littérature du XVIIe au début du XIXe siècle est associé aux mouvements littéraires et artistiques du classicisme, du sentimentalisme et du romantisme.

Littérature du classicisme

Classicisme(classicus nam. exemplaire) - un mouvement artistique dans l'art européen des XVIIe-XVIIIe siècles. Le berceau du classicisme est la France à l'époque de la monarchie absolue, dont l'idéologie artistique était exprimée par ce mouvement.
Les principales caractéristiques de l'art du classicisme :
- l'imitation de modèles anciens comme idéal du véritable art ;
- proclamation du culte de la raison et rejet du jeu effréné des passions :
dans le conflit du devoir et des sentiments, le devoir l'emporte toujours ;
- le strict respect des canons littéraires (règles) : division des genres en haut (tragédie, ode) et bas (comédie, fable), respect de la règle des trois unités (temps, lieu et action), clarté rationnelle et harmonie de style, proportionnalité de la composition ;
- le caractère didactique et édifiant des œuvres qui prêchent les idées de citoyenneté, de patriotisme et de service à la monarchie.
Les principaux représentants du classicisme en France étaient les tragédiens Corneille et Racine, le fabuliste La Fontaine, le comédien Molière et le philosophe et écrivain Voltaire. En Angleterre, un éminent représentant du classicisme est Jonathan Swift, auteur du roman satirique Les Voyages de Gulliver.
En Russie, le classicisme est né au XVIIIe siècle, à une époque de transformations culturelles importantes. Les réformes de Pierre Ier ont radicalement influencé la littérature. Il acquiert un caractère laïc, devient celui d'auteur, c'est-à-dire une créativité véritablement individuelle. De nombreux genres sont empruntés à l’Europe (poème, tragédie, comédie, fable, puis roman). C'est l'époque de la formation du système de versification, de théâtre et de journalisme russe. De telles réalisations sérieuses sont devenues possibles grâce à l'énergie et aux talents des éclaireurs russes, représentants du classicisme russe : M. Lomonossov, G. Derzhavin, D. Fonvizin, A. Sumarokov, I. Krylov et d'autres.

Sentimentalisme

Sentimentalisme(Sentiment français - sentiment) - un mouvement littéraire européen de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle, qui proclamait le sentiment, et non la raison (comme les classiques), comme la propriété la plus importante de la nature humaine. D’où l’intérêt accru pour la vie mentale intérieure d’une simple personne « naturelle ». Cet élan de sensibilité était une réaction et une protestation contre le rationalisme et la sévérité du classicisme, qui proscrivaient l’émotivité. Cependant, le recours à la raison comme solution à tous les problèmes sociaux et moraux ne s'est pas concrétisé, ce qui a prédéterminé la crise du classicisme. Le sentimentalisme poétise l'amour, l'amitié, les relations familiales ; c'est un art véritablement démocratique, puisque l'importance d'une personne n'est plus déterminée par son statut social, mais par sa capacité à faire preuve d'empathie, à apprécier la beauté de la nature et à être aussi proche que possible. aux principes naturels de la vie. Les œuvres des sentimentalistes recréaient souvent le monde d’une idylle – une vie harmonieuse et heureuse de cœurs aimants au sein de la nature. Les héros de romans sentimentaux versent souvent des larmes et parlent beaucoup et en détail de leurs expériences. Pour un lecteur moderne, tout cela peut sembler naïf et invraisemblable, mais le mérite inconditionnel de l’art du sentimentalisme est la découverte artistique des lois importantes de la vie intérieure d’une personne, la protection de son droit à une vie privée et intime. Les sentimentalistes ont soutenu que l'homme a été créé non seulement pour servir l'État et la société, mais qu'il a un droit indéniable au bonheur personnel.
Le berceau du sentimentalisme est l'Angleterre, les romans des écrivains Laurence Sterne « A Sentimental Journey » et Samuel Richardson « Clarissa Garlow », « The History of Sir Charles Grandison » marqueront l'émergence d'un nouveau mouvement littéraire en Europe et deviendront un sujet d'admiration pour les lecteurs, en particulier pour les lectrices, et pour les écrivains - un modèle. Non moins célèbres sont les œuvres de l'écrivain français Jean-Jacques Rousseau : le roman « La Nouvelle Héloïse », l'autobiographie artistique « Confession ». En Russie, les écrivains sentimentaux les plus célèbres étaient N. Karamzine, l'auteur de « Pauvre Lisa », et A. Radishchev, qui a écrit « Le voyage de Saint-Pétersbourg à Moscou ».

le romantisme

le romantisme(romantisme en français dans ce cas - tout ce qui est inhabituel, mystérieux, fantastique) est l'un des mouvements artistiques les plus influents de l'art mondial, qui s'est formé à la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle. Le romantisme naît de la croissance du principe individuel dans le monde sentimental de la culture, lorsqu'une personne prend de plus en plus conscience de son caractère unique et de sa souveraineté sur le monde qui l'entoure. Les romantiques proclamaient la valeur intrinsèque absolue de l'individu ; ils découvraient par l'art le monde complexe et contradictoire de l'âme humaine. Le romantisme se caractérise par un intérêt pour les sentiments forts et vifs, les passions grandioses, pour tout ce qui est inhabituel : le passé historique, l'exotisme, la couleur nationale de la culture des peuples non gâtés par la civilisation. Les genres préférés sont les nouvelles et les poèmes, caractérisés par des situations d'intrigue fantastiques et exagérées, une composition complexe et des fins inattendues. Toute l'attention est concentrée sur les expériences du protagoniste ; le décor inhabituel est important comme arrière-plan qui permet à son âme agitée de se révéler. Le développement des genres du roman historique, du récit fantastique et de la ballade est aussi le mérite des romantiques.
Le héros romantique aspire à un idéal absolu qu'il recherche dans la nature, le passé héroïque et l'amour. La vie quotidienne, le monde réel, lui paraît ennuyeuse, prosaïque, imparfaite, c'est-à-dire complètement incompatible avec ses idées romantiques. Cela crée un conflit entre les rêves et la réalité, les idéaux élevés et la vulgarité de la vie environnante. Le héros des œuvres romantiques est seul, incompris des autres, et part donc soit en voyage au sens littéral du terme, soit vit dans le monde de l'imagination, de la fantaisie et de ses propres idées idéales. Toute invasion de son espace personnel provoque un profond découragement ou un sentiment de protestation.
Le romantisme trouve son origine en Allemagne, dans les œuvres des premiers Goethe (le roman en lettres « Les douleurs du jeune Werther »), Schiller (les drames « Les voleurs », « La ruse et l'amour »), Hoffmann (le récit « Le petit Zaches », le conte de fées « Casse-Noisette et le roi des souris ») , les frères Grimm (contes de fées « Blanche-Neige et les Sept Nains », « Les Musiciens de Brême »). Les plus grands représentants du romantisme anglais - Byron (le poème "Le pèlerinage de Childe Harold") et Shelley (le drame "Prometheus Unbound") - sont des poètes passionnés par les idées de lutte politique, de protection des opprimés et des défavorisés et de défense de la liberté individuelle. Byron resta fidèle à ses idéaux poétiques jusqu'à la fin de sa vie ; sa mort le trouva en pleine guerre d'indépendance grecque. Suivre l’idéal byronien d’une personnalité déçue avec une vision du monde tragique s’appelait le « byronisme » et devint une sorte de mode parmi la jeune génération de l’époque, suivie, par exemple, par Eugène Onéguine, le héros du roman de A. Pouchkine.
La montée du romantisme en Russie s'est produit dans le premier tiers du XIXe siècle et est associé aux noms de V. Joukovski, A. Pouchkine, M. Lermontov, K. Ryleev, V. Kuchelbecker, A. Odoevsky, E. Baratynsky, N. Gogol, F. Tioutchev. Le romantisme russe a atteint son apogée dans les œuvres d'A.S. Pouchkine lorsqu'il était en exil dans le sud. La liberté, y compris face aux régimes politiques despotiques, est l'un des thèmes principaux du romantique Pouchkine, auquel sont consacrés ses poèmes « méridionaux » : « Prisonnier du Caucase », « Fontaine de Bakhchisaraï », « Tsiganes ».
Une autre réalisation brillante du romantisme russe est les premiers travaux de M. Lermontov. Le héros lyrique de sa poésie est un rebelle, un rebelle qui entre dans la bataille contre le destin. Un exemple frappant est le poème « Mtsyri ».
Le cycle de nouvelles «Soirées dans une ferme près de Dikanka», qui a fait de N. Gogol un écrivain célèbre, se distingue par son intérêt pour le folklore et les sujets mystérieux et mystiques. Dans les années 1840, le romantisme passe progressivement au second plan et laisse la place au réalisme.
Mais les traditions du romantisme se rappellent à l'avenir, y compris dans la littérature du XXe siècle, dans le mouvement littéraire du néo-romantisme (nouveau romantisme). Sa carte de visite sera l’histoire d’A. Green « Scarlet Sails ».

Le réalisme

Le réalisme(du latin real, real) - l'une des tendances les plus significatives de la littérature des XIXe et XXe siècles, basée sur la méthode réaliste de représentation de la réalité. La tâche de cette méthode est de représenter la vie telle qu'elle est, sous des formes et des images qui correspondent à la réalité. Le réalisme s'efforce de connaître et de divulguer toute la diversité des processus et phénomènes sociaux, culturels, historiques, moraux et psychologiques avec leurs caractéristiques et leurs contradictions. L'auteur est reconnu comme ayant le droit de couvrir n'importe quel aspect de la vie sans limiter les thèmes, les intrigues ou les moyens artistiques.
Le réalisme du XIXe siècle emprunte et développe de manière créative les réalisations des mouvements littéraires antérieurs : le classicisme s'intéresse aux questions sociopolitiques et civiles ; dans le sentimentalisme - poétisation de la famille, de l'amitié, de la nature, des principes naturels de la vie ; Le romantisme a un psychologisme approfondi, une compréhension de la vie intérieure d'une personne. Le réalisme a montré l'interaction étroite de l'homme avec l'environnement, l'impact des conditions sociales sur le destin des personnes, il s'intéresse à la vie quotidienne dans toutes ses manifestations. Le héros d'une œuvre réaliste est une personne ordinaire, représentative de son époque et de son environnement. L’un des principes les plus importants du réalisme est la représentation d’un héros typique dans des circonstances typiques.
Le réalisme russe se caractérise par de profonds problèmes sociaux et philosophiques, un psychologisme intense et un intérêt constant pour les lois de la vie intérieure d’une personne, du monde de la famille, du foyer et de l’enfance. Genres préférés : roman, histoire. L'apogée du réalisme a eu lieu dans la seconde moitié du XIXe siècle, comme en témoignent les œuvres des classiques russes et européens.

Modernisme

Modernisme(moderne français le plus récent) est un mouvement littéraire apparu en Europe et en Russie au début du XXe siècle à la suite d'une révision des fondements philosophiques et des principes créatifs de la littérature réaliste du XIXe siècle. L'émergence du modernisme est une réaction à la crise du tournant des XIXe-XXe siècles, lorsque le principe de revalorisation des valeurs est proclamé.
Les modernistes abandonnent les méthodes réalistes d'explication de la réalité environnante et de l'homme qui s'y trouve, se tournant vers la sphère de l'idéal, mystique comme cause profonde de tout. Les modernistes ne s'intéressent pas aux questions socio-politiques ; pour eux, l'essentiel est l'âme, les émotions et les intuitions de l'individu. La vocation d’un créateur humain est de servir la beauté qui, selon eux, n’existe sous sa forme pure que dans l’art.
Le modernisme était intérieurement hétérogène et comprenait divers mouvements, écoles et groupes poétiques. En Europe, c'est le symbolisme, l'impressionnisme, la littérature du « courant de conscience », l'expressionnisme.
En Russie, au début du XXe siècle, le modernisme s'est clairement manifesté dans divers domaines de l'art, ce qui est associé à son épanouissement sans précédent, qui deviendra plus tard connu sous le nom de « l'âge d'argent » de la culture russe. En littérature, les mouvements poétiques du symbolisme et de l'acméisme sont associés au modernisme.

Symbolisme

Symbolisme prend son origine en France, dans la poésie de Verlaine, Rimbaud, Mallarmé, puis pénètre dans d'autres pays, dont la Russie.
Symbolistes russes : I. Annensky, D. Merezhkovsky, 3. Gippius, K. Balmont, F. Sologub, V. Bryusov - poètes de l'ancienne génération ; A. Blok, A. Bely, S. Solovyov sont les soi-disant « jeunes symbolistes ». Bien entendu, la figure la plus significative du symbolisme russe était Alexandre Blok, qui, selon beaucoup, fut le premier poète de cette époque.
Le symbolisme est basé sur l'idée de « deux mondes », formulée par l'ancien philosophe grec Platon. Conformément à cela, le monde réel et visible n'est considéré que comme un reflet déformé et secondaire du monde des entités spirituelles.
Un symbole (symbole grec, secret, signe conventionnel) est une image artistique particulière qui incarne une idée abstraite, elle est inépuisable dans son contenu et permet d'appréhender intuitivement le monde idéal caché à la perception sensorielle.
Les symboles sont utilisés dans la culture depuis l'Antiquité : étoile, rivière, ciel, feu, bougie, etc. - ces images et d'autres similaires ont toujours évoqué chez les gens des idées sur le noble et le beau. Cependant, dans l'œuvre des symbolistes, le symbole acquiert un statut particulier, c'est pourquoi leurs poèmes se distinguent par une imagerie complexe, cryptée et parfois excessive. En conséquence, cela conduit à une crise du symbolisme qui, en 1910, a cessé d'exister en tant que mouvement littéraire.
Les Acmeists se proclament héritiers des Symbolistes.

Acméisme

Acméisme(acte du grec, le plus haut degré de quelque chose, flèche) est né du cercle de « l'Atelier des poètes », qui comprenait N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, G. Ivanov, G. Adamovich et autres Sans rejeter les principes spirituels fondamentaux du monde et de la nature humaine, les Acmeists cherchaient en même temps à redécouvrir la beauté et la signification de la vraie vie terrestre. Les idées principales de l'acméisme dans le domaine de la créativité : la logique du concept artistique, l'harmonie de la composition, la clarté et l'harmonie du style artistique. Une place importante dans le système de valeurs de l'Acméisme était occupée par la culture - la mémoire de l'humanité. Dans leur travail, les meilleurs représentants de l'acméisme : A. Akhmatova, O. Mandelstam, N. Gumilev - ont atteint des sommets artistiques importants et ont reçu une large reconnaissance du public. L'existence et le développement ultérieurs de l'acméisme ont été interrompus de force par les événements de la révolution et de la guerre civile.

Avant-garde

Avant-garde(avant-garde française avant-garde) est un nom généralisé pour les mouvements artistiques expérimentaux, écoles du XXe siècle, unis par l'objectif de créer un art complètement nouveau qui n'a aucun lien avec l'ancien. Les plus célèbres d'entre eux sont le futurisme, l'art abstrait, le surréalisme, le dadaïsme, le pop art, l'art social, etc.
La principale caractéristique de l’avant-gardeisme est le refus de la tradition culturelle et historique, de la continuité et de la recherche expérimentale de ses propres voies artistiques. Si les modernistes mettaient l’accent sur la continuité avec la tradition culturelle, alors les avant-gardistes étaient nihilistes à son égard. Le slogan bien connu des artistes russes d’avant-garde est : « Jetons Pouchkine du navire de la modernité ! » Dans la poésie russe, divers groupes de futuristes appartenaient à l'avant-garde.

Futurisme

Futurisme(futurum lat. futur) est né en Italie comme un mouvement de nouvel art urbain et technocratique. En Russie, ce mouvement s'est déclaré en 1910 et était composé de plusieurs groupes (ego-futurisme, cubo-futurisme, « Centrifuge »). V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, I. Severyanin, A. Kruchenykh, les frères Burliuk et d'autres se considéraient comme des futuristes. Les futuristes prétendaient créer un art fondamentalement nouveau du futur (ils s'appelaient eux-mêmes « Budetlyans ») et ont donc hardiment expérimenté avec formes de vers et inventé de nouveaux mots (« innovations de mots »), leur langage « abstrus », n'avaient pas peur d'être grossiers et anti-esthétiques. C'étaient de véritables anarchistes et rebelles, choquant (irritant) constamment le goût du public, élevé dans les valeurs artistiques traditionnelles. À la base, le programme futuriste était destructeur. Les poètes vraiment originaux et intéressants étaient V. Mayakovsky et V. Khlebnikov, qui ont enrichi la poésie russe de leurs découvertes artistiques, mais ce n'était pas grâce au futurisme, mais malgré lui.

Conclusion sur la question :

Principales tendances littéraires

Pour résumer un bref aperçu des principales étapes du développement de la littérature européenne et russe, sa principale caractéristique et son principal vecteur étaient le désir de diversité et d'enrichissement des possibilités d'expression créative humaine. Au cours de tous les siècles, la créativité verbale a aidé les gens à comprendre le monde qui les entoure et à exprimer leurs idées à ce sujet. L’éventail des moyens utilisés pour cela est étonnant : de la tablette d’argile au livre manuscrit, de l’invention de l’imprimerie de masse aux technologies audio, vidéo et informatiques modernes.
Aujourd'hui, grâce à Internet, la littérature évolue et acquiert une toute nouvelle qualité. Toute personne disposant d’un ordinateur et d’un accès à Internet peut devenir écrivain. Un nouveau type apparaît sous nos yeux : la littérature en ligne, qui a ses propres lecteurs, ses propres célébrités.
Ceci est utilisé par des millions de personnes sur toute la planète, publiant leurs textes dans le monde entier et recevant une réponse instantanée des lecteurs. Les serveurs nationaux les plus populaires et les plus demandés, Proza.ru et Stikhi.ru, sont des projets à but non lucratif à vocation sociale dont la mission est de « fournir aux auteurs la possibilité de publier leurs œuvres sur Internet et de trouver des lecteurs ». Au 25 juin 2009, 72 963 auteurs ont publié 93 6776 ouvrages sur le portail Proza.ru ; Sur le portail Stikhi.ru, 218 618 auteurs ont publié 7 036 319 ouvrages. L'audience quotidienne de ces sites est d'environ 30 000 visites. Bien sûr, à la base, il ne s'agit pas de littérature, mais plutôt de graphomanie - une attirance douloureuse et une dépendance à l'écriture intense et infructueuse, à l'écriture verbeuse et vide, inutile, mais si parmi des centaines de milliers de textes similaires, il en existe plusieurs vraiment intéressants et puissants c'est pareil pour les prospecteurs qui trouveraient un lingot d'or dans un tas de scories.

Valeeva Fidaniya Rashitovna

Région de Tcheliabinsk,

G. Miass, MAOU "MSOSH N°16"

Sujet de la leçon : Travail d'essai « Processus historique et littéraire.

Orientations littéraires».

Classe:

Article:

Littérature

Type de ressource:

Test

Brève description de la ressource :

Cet ouvrage teste les connaissances sur le classicisme, le sentimentalisme et le romantisme. Elle est réalisée après l'étude de la littérature du XVIIIe et du début du XIXe siècle.

Le but du test est d'évaluer la préparation des élèves de 9e en littérature.

Les devoirs ont été compilés conformément aux exigences de contenu minimum du projet de norme éducative. Les tâches 1 à 9 correspondent au niveau de base, 10 au niveau avancé.

Tâche 1. Faites correspondre les caractéristiques de la direction et le nom.

A. Un mouvement apparu dans l'art et la littérature d'Europe occidentale et de Russie aux XVIIe et XVIIIe siècles comme expression de l'idéologie de la monarchie absolue. Il reflétait des idées sur l'harmonie, l'ordre strict du monde et la foi dans l'esprit humain.

B. Mouvement artistique dans la culture européenne et américaine de la fin du XVIIIe siècle - première moitié du XIXe siècle. Il se caractérise par une affirmation de la valeur intrinsèque de la vie spirituelle et créative de l'individu, la représentation de passions et de caractères forts (souvent rebelles), une nature spiritualisée et curative. Contient un contraste entre la réalité et les rêves.

B. Un mouvement littéraire né dans l'art et la littérature de l'Europe occidentale et de la Russie à la fin du XVIIe et au début du XIXe siècle. S'oppose à l'abstraction et à la rationalité des œuvres du classicisme. Cela reflète le désir de dépeindre la psychologie humaine.

1. Romantisme

3. Classicisme

Tâche 2. Faites correspondre les nombres.

Classicisme -1

Sentimentalisme -2

Romantisme -3

1. les représentants des classes inférieures sont dotés d'un monde spirituel riche ;
2. idéalisation de la réalité, culte de la liberté ;
3. hérite des traditions de l'art ancien;
4. l'idée de deux mondes : un monde réel imparfait et un monde historique idéal parfait ;
5. représentation insolite et exotique d'événements, de paysages, de personnes ;
6. les actions et les actions des héros sont déterminées du point de vue de la raison ;
7. les actes et les actions des héros sont déterminés du point de vue des sentiments, la sensibilité des héros est exagérée ;
8. idéalisation du monde naturel (paysage romantique) ;
9. rechercher l'idéal, la perfection;
10. représentation de la psychologie humaine;
11. au centre de l'image se trouvent les sentiments, la nature ;
12. l'importance du contenu des questions civiles.
13. l'intrigue et la composition obéissent à des règles acceptées (la règle des trois unités : lieu de temps, action) ;
14. un héros exceptionnel dans des circonstances exceptionnelles
15. idéalisation du mode de vie du village
16. Tâche 3.Faites correspondre l'entrée du dictionnaire avec le genre :

1. Un poème à caractère de tristesse réfléchie, il s'agit le plus souvent d'une réflexion philosophique.
2. Un poème avec un développement dramatique de l'intrigue, dont la base est un incident extraordinaire et fantastique.
3. Un poème solennel dédié à un événement ou à un héros.

A. Oda

B. Élégie

V. Ballade

Tâche 4.Reliez l’œuvre au mouvement littéraire :

1. « Svetlana » 2. « Felitsa » 3. « Pauvre Liza »

Tâche 5. Représentants et directions.

1.V.A. Joukovski

2.N.M.Karamzina

3.M.V.Lomonossov

A) Sentimentalisme B) Classicisme C) Romantisme

Tâche 6.Faites correspondre les genres et les styles classicisme.

A. élevé B. faible

1.comédie 2.tragédie 3.ode 4.fable

Tâche 7.Rappelez-vous la théorie des « trois calmes ». Triez les mots en groupes.

haut	moyenne	faible

Règle, parler, yeux, discuter, aller, lire, punir, regarder, oser, mug, père, maman, le Tout-Puissant, métal, loi, service, enfant, soleil, univers, un peu, un peu, grêle, ville, ville .

Tâche 8. Corréler correctement les tendances littéraires et leurs traits caractéristiques apparus dans la comédie « Woe from Wit »

Tâche 9. Combinez les titres des œuvres et les noms des auteurs.

Joukovski

Griboïedov

Karamzine

Derjavine

Lomonossov

"Malheur à l'esprit"

"Aux dirigeants et juges"

"Réflexion du soir..."

"Liberté"

Exercice10. Corréler les concepts littéraires avec leurs définitions:

1.Monologue	A) une note en marge ou entre les lignes, une explication de l'auteur de la pièce pour le metteur en scène ou les acteurs
2. Remarque	B) déclaration du personnage
3. Comédie	B) une œuvre dramatique écrite spécifiquement pour une production théâtrale
	D) discours d'une personne
5. Réplique	D) une œuvre dramatique de nature joyeuse et joyeuse, ridiculisant les qualités négatives du caractère humain, les lacunes de la vie sociale, de la vie quotidienne
	E) construction d'une œuvre d'art, disposition et relation des pièces et des images.
7.Composition	G) conversation entre deux ou plusieurs personnes
8. Surnom	H) la séquence et la connexion des événements dans une œuvre d'art
	I) un personnage, un acteur dans une œuvre d'art
10. Héros (littéraire)
Épisode 11	K) ridiculiser, exposer les aspects négatifs de la vie en les décrivant sous une forme absurde et caricaturale.
12. Satire	M) l'un des types d'œuvres épiques, plus volumineux et plus couvrant les événements de la vie qu'une histoire, mais plus petit qu'un roman.
13. Conte	N) représenter quelque chose d'une manière amusante ; Contrairement à la satire, elle ne dénonce pas, mais s'en moque joyeusement et avec bonhomie.
	O) un extrait d'une œuvre d'art qui parle d'un événement ou d'un incident réalisé

Réponses:

1 . A-3 B-1 C-2

3. 1-B2-V3-A

4. A-3 B-2 B-1

5 . 1-B 2-B 3-B

6. A-2.3 B-1.4

8. 1-B 2-A 3-B

9. Joukovski "Mer"

Griboïedov "Malheur à l'esprit"

Karamzine «Automne»

Radichtchev "Liberté"

Derjavine « Aux dirigeants et aux juges »

Lomonosov "Réflexion du soir..."

10 1-G 2-A 3-D 4-F 5-B 6-B 7-W 8-E 9-W 10-I 11-O 12-L 13-M 14-N

Les principales tendances stylistiques de la littérature des temps modernes et contemporains

Cette section du manuel ne prétend pas être complète ou approfondie. De nombreuses orientations d'un point de vue historique et littéraire ne sont pas encore connues des étudiants, d'autres sont peu connues. Dans cette situation, toute conversation détaillée sur les tendances littéraires est généralement impossible. Par conséquent, il semble rationnel de ne donner que les informations les plus générales, caractérisant principalement les dominantes stylistiques d'une direction particulière.

Baroque

Le style baroque s'est répandu dans la culture européenne (dans une moindre mesure russe) aux XVIe et XVIIe siècles. Il repose sur deux processus principaux: D'un côté, crise des idéaux revivalistes, crise d'idée titanisme(quand une personne était considérée comme une figure énorme, un demi-dieu), de l'autre - un opposer l'homme en tant que créateur au monde naturel impersonnel. Le baroque est un mouvement très complexe et contradictoire. Même le terme lui-même n’a pas d’interprétation univoque. La racine italienne contient le sens d’excès, de dépravation, d’erreur. Il n'est pas très clair s'il s'agissait là d'une caractéristique négative du baroque « de l'extérieur » de ce style (en se référant principalement aux évaluations écrivains baroques de l’ère du classicisme) ou s’agit-il d’un reflet de l’auto-ironie des auteurs baroques eux-mêmes.

Le style baroque se caractérise par une combinaison d'incongrus : d'une part, un intérêt pour les formes exquises, les paradoxes, les métaphores et allégories sophistiquées, les oxymores et les jeux verbaux, et de l'autre, une tragédie profonde et un sentiment de malheur.

Par exemple, dans la tragédie baroque de Gryphius, l’Éternité elle-même pouvait apparaître sur scène et commenter avec une amère ironie la souffrance des héros.

D’autre part, l’épanouissement du genre des natures mortes est associé à l’époque baroque, où le luxe, la beauté des formes et la richesse des couleurs sont esthétisés. Cependant, la nature morte baroque est également contradictoire : des bouquets brillants par leurs couleurs et leur technique, des vases avec des fruits, et à côté se trouve la nature morte baroque classique « Vanité des vanités » avec le sablier obligatoire (une allégorie du temps qui passe de la vie). ) et un crâne – une allégorie de la mort inévitable.

La poésie baroque se caractérise par la sophistication des formes, une fusion de séries visuelles et graphiques, lorsque les vers étaient non seulement écrits, mais aussi « dessinés ». Il suffit de rappeler le poème « Hourglass » de I. Gelwig, dont nous avons parlé dans le chapitre « Poésie ». Et il existait des formes beaucoup plus complexes.

A l'époque baroque, les genres exquis se généralisent : rondos, madrigaux, sonnets, odes de forme stricte, etc.

Les œuvres des représentants les plus éminents du baroque (le dramaturge espagnol P. Calderon, le poète et dramaturge allemand A. Gryphius, le poète mystique allemand A. Silesius, etc.) ont été incluses dans le fonds d'or de la littérature mondiale. Les vers paradoxaux de Silesius sont souvent perçus comme des aphorismes célèbres : « Je suis grand comme Dieu. Dieu est aussi insignifiant que moi.

De nombreuses découvertes des poètes baroques, complètement oubliées aux XVIIIe et XIXe siècles, ont été adoptées dans les expériences verbales des écrivains du XXe siècle.

Classicisme

Le classicisme est un mouvement littéraire et artistique qui a historiquement remplacé le baroque. L'ère du classicisme a duré plus de cent cinquante ans - du milieu du XVIIe au début du XIXe siècle.

Le classicisme repose sur l'idée de rationalité, d'ordre du monde . L'homme est avant tout compris comme un être rationnel, et la société humaine est comprise comme un mécanisme rationnellement organisé.

De la même manière, une œuvre d’art doit être construite sur la base de canons stricts, répétant structurellement la rationalité et l’ordre de l’univers.

Le classicisme reconnaissait l'Antiquité comme la plus haute manifestation de la spiritualité et de la culture, c'est pourquoi l'art ancien était considéré comme un modèle et une autorité incontestable.

Caractéristique du classicisme conscience pyramidale, c'est-à-dire que dans chaque phénomène, les artistes du classicisme cherchaient à voir un centre rationnel, reconnu comme le sommet de la pyramide et personnifiait l'ensemble du bâtiment. Par exemple, dans leur compréhension de l'État, les classiques partaient de l'idée d'une monarchie raisonnable - utile et nécessaire pour tous les citoyens.

L'homme à l'ère du classicisme est interprété principalement en tant que fonction, comme maillon de la pyramide rationnelle de l'univers. Le monde intérieur d'une personne dans le classicisme est moins actualisé, les actions extérieures sont plus importantes. Par exemple, un monarque idéal est celui qui renforce l'État, veille à son bien-être et à son illumination. Tout le reste passe au second plan. C'est pourquoi les classiques russes ont idéalisé la figure de Pierre Ier, sans attacher d'importance au fait qu'il était une personne très complexe et pas du tout attrayante.

Dans la littérature du classicisme, une personne était considérée comme porteuse d'une idée importante qui déterminait son essence. C'est pourquoi dans les comédies du classicisme, des « noms de famille parlants » étaient souvent utilisés, déterminant immédiatement la logique du personnage. Souvenons-nous par exemple de Mme Prostakova, Skotinin ou Pravdin dans la comédie de Fonvizin. Ces traditions sont clairement visibles dans « Malheur de l’esprit » de Griboïedov (Molchalin, Skalozub, Tugoukhovsky, etc.).

De l'époque baroque, le classicisme a hérité d'un intérêt pour l'emblématique, lorsqu'une chose devenait le signe d'une idée et que l'idée s'incarnait dans une chose. Par exemple, le portrait d’un écrivain impliquait de représenter des « choses » qui confirment ses mérites littéraires : les livres qu’il a écrits, et parfois les personnages qu’il a créés. Ainsi, le monument à I. A. Krylov, créé par P. Klodt, représente le célèbre fabuliste entouré des héros de ses fables. L’ensemble du piédestal est décoré de scènes tirées des œuvres de Krylov, confirmant ainsi clairement que comment la renommée de l'auteur est fondée. Bien que le monument ait été créé après l'ère du classicisme, ce sont les traditions classiques qui sont clairement visibles ici.

La rationalité, la clarté et le caractère emblématique de la culture du classicisme ont également donné lieu à une solution unique aux conflits. Dans l'éternel conflit entre la raison et le sentiment, le sentiment et le devoir, si cher aux auteurs du classicisme, le sentiment a finalement été vaincu.

Ensembles de classicisme (essentiellement grâce à l'autorité de son principal théoricien N. Boileau) strict hiérarchie des genres , qui sont divisés en hauts (Oh ouais, la tragédie, épique) et faible ( comédie, satire, fable). Chaque genre a certaines caractéristiques et est écrit uniquement dans son propre style. Le mélange des styles et des genres est strictement interdit.

Tout le monde connaît le fameux truc de l'école règle de trois formulé pour le drame classique : l'unité lieux(toute l'action au même endroit), temps(action du lever du soleil à la tombée de la nuit), Actions(la pièce a un conflit central dans lequel tous les personnages sont entraînés).

En termes de genre, le classicisme préférait la tragédie et l'ode. Certes, après les brillantes comédies de Molière, les genres comiques sont également devenus très populaires.

Le classicisme a donné au monde toute une galaxie de poètes et de dramaturges talentueux. Corneille, Racine, Molière, La Fontaine, Voltaire, Swift, ce ne sont là que quelques-uns des noms de cette brillante galaxie.

En Russie, le classicisme s'est développé un peu plus tard, déjà au XVIIIe siècle. La littérature russe doit aussi beaucoup au classicisme. Il suffit de rappeler les noms de D. I. Fonvizin, A. P. Sumarokov, M. V. Lomonosov, G. R. Derzhavin.

Sentimentalisme

Le sentimentalisme est apparu dans la culture européenne au milieu du XVIIIe siècle, ses premiers signes ont commencé à apparaître chez les écrivains anglais et un peu plus tard chez les écrivains français à la fin des années 1720, dans les années 1740 la direction avait déjà pris forme. Bien que le terme « sentimentalisme » lui-même soit apparu bien plus tard et ait été associé à la popularité du roman « Un voyage sentimental » de Lorenz Stern (1768), dont le héros parcourt la France et l'Italie, se retrouve dans de nombreuses situations tantôt drôles, tantôt touchantes et comprend qu’il existe des « joies nobles » et de nobles angoisses au-delà de la personnalité.

Le sentimentalisme a existé assez longtemps parallèlement au classicisme, même s'il reposait essentiellement sur des fondements complètement différents. Pour les écrivains sentimentaux, la valeur principale est le monde des sentiments et des expériences. Au début, ce monde est perçu de manière assez étroite, les écrivains sympathisent avec la souffrance amoureuse des héroïnes (tels sont, par exemple, les romans de S. Richardson, si l'on s'en souvient, l'auteur préféré de Pouchkine, Tatiana Larina).

Un mérite important du sentimentalisme était son intérêt pour la vie intérieure d'une personne ordinaire. Le classicisme intéressait peu l'homme « moyen », mais le sentimentalisme, au contraire, soulignait la profondeur des sentiments d'une héroïne très ordinaire, d'un point de vue social.

Ainsi, Pamela, la servante de S. Richardson, fait preuve non seulement d'une pureté de sentiment, mais aussi de vertus morales : l'honneur et la fierté, qui mènent finalement à une fin heureuse ; et la célèbre Clarissa, l'héroïne du roman au titre long et plutôt drôle d'un point de vue moderne, bien qu'elle appartienne à une famille aisée, n'est toujours pas une noble. En même temps, son génie maléfique et séducteur insidieux, Robert Loveless, est un mondain, un aristocrate. En Russie à la fin du XVIIIe siècle - au début du XIXe siècle, le patronyme Loveless (faisant allusion à « love less » - privé d'amour) était prononcé à la manière française de « Lovelace », depuis lors le mot « Lovelace » est devenu un nom commun, désignant le rouge une cassette et un homme à femmes.

Si les romans de Richardson étaient dépourvus de profondeur philosophique, didactiques et légèrement naïf, puis un peu plus tard dans le sentimentalisme commence à prendre forme l'opposition « homme naturel - civilisation », où, contrairement au baroque, la civilisation était considérée comme mauvaise. Cette révolution a finalement été formalisée dans les travaux du célèbre écrivain et philosophe français J. J. Rousseau.

Son roman « Julia ou la Nouvelle Héloïse », qui a conquis l’Europe au XVIIIe siècle, est beaucoup plus complexe et moins simple. La lutte des sentiments, des conventions sociales, du péché et des vertus s'entremêlent ici en une seule boule. Le titre lui-même (« Nouvelle Héloïse ») contient une référence à la passion folle semi-légendaire du penseur médiéval Pierre Abélard et de son élève Héloïse (XIe-XIIe siècles), bien que l'intrigue du roman de Rousseau soit originale et ne reproduit pas la légende. d'Abélard.

Plus importante encore est la philosophie de « l'homme naturel » formulée par Rousseau et qui conserve encore aujourd'hui un sens vivant. Rousseau considérait la civilisation comme l'ennemi de l'homme, tuant tout ce qu'il y avait de meilleur en lui. D'ici intérêt pour la nature, les sentiments naturels et le comportement naturel. Ces idées de Rousseau ont reçu un développement particulier dans la culture du romantisme et - plus tard - dans de nombreuses œuvres d'art du XXe siècle (par exemple, dans « Oles » de A. I. Kuprin).

En Russie, le sentimentalisme est apparu plus tard et n'a pas apporté de découvertes mondiales sérieuses. La plupart des sujets d’Europe occidentale étaient « russifiés ». Dans le même temps, il a eu une grande influence sur le développement ultérieur de la littérature russe elle-même.

L'œuvre la plus célèbre du sentimentalisme russe était « Pauvre Liza » de N. M. Karamzin (1792), qui connut un énorme succès et provoqua d'innombrables imitations.

« Pauvre Liza », en fait, reproduit sur le sol russe l'intrigue et les découvertes esthétiques du sentimentalisme anglais de l'époque de S. Richardson, cependant, pour la littérature russe, l'idée que « même les paysannes peuvent ressentir » est devenue une découverte qui a largement déterminé son la poursuite du développement.

le romantisme

Le romantisme en tant que mouvement littéraire dominant dans la littérature européenne et russe n'a pas existé très longtemps - environ trente ans, mais son influence sur la culture mondiale a été colossale.

Historiquement, le romantisme est associé aux espoirs non réalisés de la Grande Révolution française (1789-1793), mais ce lien n'est pas linéaire ; le romantisme a été préparé par tout le développement esthétique en Europe, qui a été progressivement façonné par une nouvelle conception de l'homme. .

Les premières associations de romantiques apparaissent en Allemagne à la fin du XVIIIe siècle ; quelques années plus tard, le romantisme se développe en Angleterre et en France, puis aux USA et en Russie.

Étant un « style du monde », le romantisme est un phénomène très complexe et contradictoire, fédérant de nombreuses écoles et quêtes artistiques multidirectionnelles. Il est donc très difficile de réduire l’esthétique du romantisme à des fondements uniques et clairs.

En même temps, l’esthétique du romantisme représente sans aucun doute une unité par rapport au classicisme ou au réalisme critique qui ont émergé plus tard. Cette unité est due à plusieurs facteurs principaux.

Premièrement, Le romantisme reconnaissait la valeur de la personnalité humaine en tant que telle, son autosuffisance. Le monde des sentiments et des pensées d'un individu était reconnu comme la valeur la plus élevée. Cela a immédiatement modifié le système de coordonnées : dans l’opposition « individu – société », l’accent s’est déplacé vers l’individu. D'où le culte de la liberté, caractéristique des romantiques.

Deuxièmement, Le romantisme a en outre souligné la confrontation entre la civilisation et la nature, en privilégiant les éléments naturels. Ce n'est pas un hasard si précisément à l'époqueLe romantisme a donné naissance au tourisme, au culte des pique-niques dans la nature, etc. Au niveau des thèmes littéraires, on s'intéresse aux paysages exotiques, aux scènes de la vie rurale et aux cultures « sauvages ». La civilisation apparaît souvent comme une « prison » pour un individu libre. Cette intrigue peut être retracée, par exemple, dans « Mtsyri » de M. Yu. Lermontov.

Troisièmement, la caractéristique la plus importante de l’esthétique du romantisme était deux mondes: reconnaissance que le monde social auquel nous sommes habitués n'est pas le seul et authentique ; le véritable monde humain doit être cherché ailleurs qu'ici. C'est de là que vient l'idée beau "là"– fondamental pour l’esthétique du romantisme. Ce « là » peut se manifester de manières très différentes : dans la grâce divine, comme chez W. Blake ; dans l'idéalisation du passé (d'où l'intérêt pour les légendes, l'apparition de nombreux contes de fées littéraires, le culte du folklore) ; en s'intéressant aux personnalités insolites, aux passions élevées (d'où le culte du noble voleur, l'intérêt pour les histoires d'« amour fatal », etc.).

La dualité ne doit pas être interprétée naïvement . Les romantiques n’étaient pas du tout des gens « hors de ce monde », comme l’imaginent malheureusement parfois les jeunes philologues. Ils ont pris une part active participation à la vie sociale et le plus grand poète I. Goethe, étroitement associé au romantisme, était non seulement un grand naturaliste, mais aussi un premier ministre. Il ne s’agit pas d’un style de comportement, mais d’une attitude philosophique, d’une tentative de regarder au-delà des limites de la réalité.

Quatrièmement, un rôle important dans l'esthétique du romantisme a été joué démonisme, basé sur le doute sur l'absence de péché de Dieu, sur l'esthétisation émeute. Le démonisme n’était pas une base nécessaire à la vision romantique du monde, mais il constituait l’arrière-plan caractéristique du romantisme. La justification philosophique et esthétique du démonisme était la tragédie mystique (l'auteur l'appelait « mystère ») de J. Byron « Caïn » (1821), où l'histoire biblique de Caïn est réinterprétée et où les vérités divines sont contestées. L'intérêt pour le « principe démoniaque » chez l'homme est caractéristique de divers artistes de l'époque romantique : J. Byron, P. B. Shelley, E. Poe, M. Yu. Lermontov et d'autres.

Le romantisme a apporté avec lui une nouvelle palette de genres. Les tragédies et odes classiques ont été remplacées par des élégies, des drames romantiques et des poèmes. Une véritable percée s'est produite dans les genres en prose : de nombreuses nouvelles paraissent, le roman paraît complètement nouveau. Le schéma de l'intrigue devient plus compliqué : les mouvements paradoxaux de l'intrigue, les secrets fatals et les fins inattendues sont populaires. Victor Hugo est devenu un maître exceptionnel du roman romantique. Son roman Notre-Dame de Paris (1831) est un chef-d'œuvre mondialement connu de la prose romantique. Les romans ultérieurs de Hugo (L'Homme qui rit, Les Misérables, etc.) se caractérisent par une synthèse de tendances romantiques et réalistes, même si l'écrivain est resté toute sa vie fidèle aux fondements romantiques.

Ayant ouvert le monde d’un individu spécifique, le romantisme n’a cependant pas cherché à détailler la psychologie individuelle. L’intérêt pour les « superpassions » a conduit à la typification des expériences. Si c’est l’amour, alors c’est pour des siècles, si c’est de la haine, alors c’est jusqu’au bout. Le plus souvent, le héros romantique était porteur d'une passion, d'une idée. Cela rapprochait le héros romantique du héros du classicisme, même si tous les accents étaient placés différemment. Le véritable psychologisme, la « dialectique de l'âme », est devenu la découverte d'un autre système esthétique : le réalisme.

Le réalisme

Le réalisme est un concept très complexe et volumineux. En tant que direction historique et littéraire dominante, il s'est formé dans les années 30 du XIXe siècle, mais en tant que moyen de maîtriser la réalité, le réalisme était initialement inhérent à la créativité artistique. De nombreux traits du réalisme apparaissaient déjà dans le folklore : ils étaient caractéristiques de l'art antique, de l'art de la Renaissance, du classicisme, du sentimentalisme, etc. a été noté à plusieurs reprises par les spécialistes, et la tentation est apparue à plusieurs reprises de considérer l'histoire du développement de l'art comme une oscillation entre les manières mystique (romantique) et réaliste de comprendre la réalité. Dans sa forme la plus complète, cela se reflète dans la théorie du célèbre philologue D.I. Chizhevsky (ukrainien d'origine, il a vécu la majeure partie de sa vie en Allemagne et aux États-Unis), qui représentait le développement de la littérature mondiale comme un « pendule ».mouvement" entre les pôles réaliste et mystique. En théorie esthétique, cela s'appelle "Pendule Chizhevsky". Chaque manière de refléter la réalité est caractérisée par Chizhevsky pour plusieurs raisons :

réaliste	romantique (mystique)
Représentation d'un héros typique dans des circonstances typiques	Représenter un héros exceptionnel dans des circonstances exceptionnelles
Recréation de la réalité, son image plausible	Recréation active du réel sous le signe de l'idéal de l'auteur
Image d'une personne entretenant diverses relations sociales, quotidiennes et psychologiques avec le monde extérieur	L'estime de soi de l'individu, en mettant l'accent sur son indépendance par rapport à la société, aux conditions et à l'environnement
Créer le personnage du héros comme multiforme, ambigu et intérieurement contradictoire	Décrire le héros avec un ou deux traits caractéristiques et saillants, de manière fragmentaire
Rechercher des moyens de résoudre le conflit du héros avec le monde dans une réalité historique réelle et concrète	Rechercher des moyens de résoudre le conflit du héros avec le monde dans d’autres sphères transcendantales et cosmiques
Chronotope historique concret (certain espace, temps précis)	Chronotope conditionnel extrêmement généralisé (espace indéfini, temps indéfini)
Motivation du comportement du héros par les caractéristiques de la réalité	Représentation du comportement du héros comme non motivé par la réalité (autodétermination de la personnalité)
La résolution des conflits et un résultat positif sont considérés comme réalisables	L'insolubilité du conflit, l'impossibilité ou le caractère conditionnel d'une issue heureuse

Le projet de Chizhevsky, créé il y a plusieurs décennies, est encore très populaire aujourd'hui, tout en redressant considérablement le processus littéraire. Ainsi, le classicisme et le réalisme s’avèrent typologiquement similaires, et le romantisme reproduit en réalité la culture baroque. En fait, ce sont des modèles complètement différents, et le réalisme du XIXe siècle ne ressemble guère au réalisme de la Renaissance, encore moins au classicisme. Dans le même temps, il est utile de retenir le schéma de Chizhevsky, car certains accents sont placés avec précision.

Si nous parlons du réalisme classique du XIXe siècle, plusieurs points principaux doivent être soulignés.

Dans le réalisme, il y a un rapprochement entre le peintre et le représenté. Le sujet de l’image, en règle générale, était la réalité « ici et maintenant ». Ce n’est pas un hasard si l’histoire du réalisme russe est liée à la formation de ce qu’on appelle « l’école naturelle », qui considérait que sa tâche était de donner une image aussi objective que possible de la réalité moderne. Certes, cette extrême spécificité cessa bientôt de satisfaire les écrivains, et les auteurs les plus marquants (I. S. Tourgueniev, N. A. Nekrasov, A. N. Ostrovsky, etc.) allèrent bien au-delà de l’esthétique de « l’école naturelle ».

En même temps, il ne faut pas penser que le réalisme a abandonné la formulation et la solution des « questions éternelles de l’existence ». Au contraire, ce sont justement ces questions que les grands écrivains réalistes ont posées avant tout. Cependant, les problèmes les plus importants de l’existence humaine ont été projetés sur la réalité concrète, sur la vie des gens ordinaires. Ainsi, F. M. Dostoïevski résout l'éternel problème de la relation entre l'homme et Dieu non pas dans les images symboliques de Caïn et de Lucifer, comme par exemple Byron, mais en utilisant l'exemple du sort de l'étudiant mendiant Raskolnikov, qui a tué le vieux prêteur sur gages. et ainsi « franchi la ligne ».

Le réalisme n'abandonne pas les images symboliques et allégoriques, mais leur sens change ; elles mettent en lumière non pas des problèmes éternels, mais des problèmes socialement spécifiques. Par exemple, les contes de Saltykov-Shchedrin sont allégoriques de bout en bout, mais ils reconnaissent la réalité sociale du XIXe siècle.

Le réalisme, comme aucune direction existante auparavant, intéressé par le monde intérieur d'un individu, s'efforce d'en voir les paradoxes, le mouvement et l'évolution. À cet égard, dans la prose du réalisme, le rôle des monologues internes augmente, le héros se dispute constamment avec lui-même, doute de lui-même et s'évalue. Le psychologisme dans les œuvres des maîtres réalistes(F. M. Dostoïevski, L. N. Tolstoï, etc.) atteint la plus haute expressivité.

Le réalisme évolue avec le temps, reflétant les nouvelles réalités et tendances historiques. Ainsi, à l’époque soviétique, il apparaît réalisme socialiste, a déclaré la méthode « officielle » de la littérature soviétique. Il s’agit d’une forme de réalisme hautement idéologique, qui visait à montrer l’effondrement inévitable du système bourgeois. En réalité, cependant, presque tout l’art soviétique était appelé « réalisme socialiste », et les critères se sont révélés complètement flous. Aujourd'hui, ce terme n'a qu'un sens historique ; il n'est pas pertinent par rapport à la littérature moderne.

Si au milieu du XIXe siècle le réalisme régnait presque sans contestation, à la fin du XIXe siècle, la situation a changé. Au cours du siècle dernier, le réalisme a connu une concurrence féroce de la part d'autres systèmes esthétiques, ce qui, naturellement, change d'une manière ou d'une autre la nature du réalisme lui-même. Disons que le roman de M. A. Boulgakov « Le Maître et Marguerite » est une œuvre réaliste, mais en même temps il a une signification symbolique notable, qui change sensiblement les principes du « réalisme classique ».

Mouvements modernistes de la fin du XIXe au XXe siècle

Le XXe siècle, comme aucun autre, a été marqué par la concurrence de nombreux courants artistiques. Ces orientations sont complètement différentes, elles se font concurrence, se remplacent et prennent en compte les réalisations de chacun. La seule chose qui les unit est l'opposition à l'art réaliste classique, les tentatives de trouver leurs propres façons de refléter la réalité. Ces orientations sont unies par le terme conventionnel « modernisme ». Le terme « modernisme » lui-même (de « moderne » - moderne) est apparu dans l'esthétique romantique d'A. Schlegel, mais il n'a ensuite pas pris racine. Mais il est entré en vigueur cent ans plus tard, à la fin du XIXe siècle, et a commencé à désigner des systèmes esthétiques étranges et inhabituels. Aujourd’hui, le « modernisme » est un terme au sens extrêmement large, qui s’oppose en fait à deux : d’un côté, il est « tout ce qui n’est pas du réalisme », de l’autre (ces dernières années) c’est ce qu’est le « postmodernisme ». pas. Ainsi, le concept de modernisme se révèle négativement - par la méthode du « par contradiction ». Naturellement, avec cette approche, nous ne parlons pas de clarté structurelle.

Il existe un grand nombre de tendances modernistes ; nous nous concentrerons uniquement sur les plus significatives :

Impressionnisme (du français « impression » - impression) - un mouvement dans l'art du dernier tiers du XIXe - début du XXe siècle, né en France puis répandu dans le monde entier. Les représentants de l'impressionnisme cherchaient à capturerle monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre vos impressions éphémères. Les impressionnistes eux-mêmes se qualifiaient de « nouveaux réalistes », le terme apparut plus tard, après 1874, lorsque l'œuvre désormais célèbre de C. Monet « Lever de soleil » fut présentée à l'exposition. Impression". Au début, le terme « impressionnisme » avait une connotation négative, exprimant la perplexité et même le mépris des critiques, mais les artistes eux-mêmes, « malgré les critiques », l'ont accepté et, au fil du temps, les connotations négatives ont disparu.

En peinture, l’impressionnisme a eu une influence considérable sur tout le développement ultérieur de l’art.

En littérature, le rôle de l'impressionnisme était plus modeste, il ne s'est pas développé comme un mouvement indépendant. Cependant, l’esthétique de l’impressionnisme a influencé le travail de nombreux auteurs, notamment russes. La confiance dans les "choses éphémères" est marquée par de nombreux poèmes de K. Balmont, I. Annensky et d'autres. De plus, l'impressionnisme se reflète dans la palette de couleurs de nombreux écrivains, par exemple, ses traits sont perceptibles dans la palette de B. Zaitsev .

Cependant, en tant que mouvement intégral, l'impressionnisme n'est pas apparu dans la littérature, devenant un fond caractéristique du symbolisme et du néoréalisme.

Symbolisme – une des directions les plus puissantes du modernisme, assez diffuse dans ses attitudes et ses quêtes. Le symbolisme a commencé à prendre forme en France dans les années 70 du XIXe siècle et s'est rapidement répandu dans toute l'Europe.

Dans les années 90, le symbolisme était devenu une tendance paneuropéenne, à l’exception de l’Italie où, pour des raisons qui ne sont pas tout à fait claires, il ne s’est pas enraciné.

En Russie, le symbolisme a commencé à se manifester à la fin des années 80 et est devenu un mouvement conscient au milieu des années 90.

Selon l'époque de formation et les caractéristiques de la vision du monde, il est d'usage de distinguer deux étapes principales dans le symbolisme russe. Les poètes qui ont fait leurs débuts dans les années 1890 sont appelés « symbolistes seniors » (V. Bryusov, K. Balmont, D. Merezhkovsky, Z. Gippius, F. Sologub, etc.).

Dans les années 1900, un certain nombre de nouveaux noms sont apparus qui ont considérablement modifié le visage du symbolisme : A. Blok, A. Bely, Vyach. Ivanov et d’autres. La désignation acceptée de la « deuxième vague » du symbolisme est « le symbolisme jeune ». Il est important de prendre en compte que les symbolistes « seniors » et « plus jeunes » n'étaient pas tant séparés par l'âge (par exemple, Vyacheslav Ivanov gravite vers les « aînés » en âge), mais par la différence de visions du monde et l'orientation de la créativité.

Le travail des symbolistes plus anciens s’inscrit plus étroitement dans le canon du néo-romantisme. Les motifs caractéristiques sont la solitude, le choix du poète, l'imperfection du monde. Dans les poèmes de K. Balmont, l'influence de la technique impressionniste est perceptible : le premier Bryusov avait beaucoup d'expériences techniques et d'exotisme verbal.

Les Jeunes Symbolistes ont créé un concept plus holistique et original, basé sur la fusion de la vie et de l'art, sur l'idée d'améliorer le monde selon les lois esthétiques. Le mystère de l'existence ne peut être exprimé avec des mots ordinaires, il n'est que deviné dans le système de symboles intuitivement trouvé par le poète. Le concept de mystère, de non-manifestation des significations, est devenu le pilier de l’esthétique symboliste. Poésie, selon Vyach. Ivanov, il existe un « dossier secret de l’ineffable ». L’illusion sociale et esthétique du jeune symbolisme était que grâce à la « parole prophétique », on pouvait changer le monde. Par conséquent, ils se considéraient non seulement comme des poètes, mais aussi démiurges, c'est-à-dire les créateurs du monde. L’utopie non réalisée a conduit au début des années 1910 à une crise totale du symbolisme, à son effondrement en tant que système intégral, même si les « échos » de l’esthétique symboliste se sont longtemps fait entendre.

Indépendamment de la mise en œuvre de l'utopie sociale, le symbolisme a extrêmement enrichi la poésie russe et mondiale. Les noms de A. Blok, I. Annensky, Vyach. Ivanov, A. Bely et d'autres poètes symbolistes éminents font la fierté de la littérature russe.

Acméisme(du grec « acme » - « le plus haut degré, le pic, la floraison, la période de floraison ») est un mouvement littéraire né au début du dixième siècle en Russie. Historiquement, l’acméisme était une réaction à la crise du symbolisme. A la parole « secrète » des symbolistes, les Acmeistes proclamaient la valeur de la matière, l'objectivité plastique des images, la précision et la sophistication de la parole.

La formation de l'Acméisme est étroitement liée aux activités de l'organisation « Atelier des poètes », dont les figures centrales étaient N. Gumilyov et S. Gorodetsky. O. Mandelstam, les premiers A. Akhmatova, V. Narbut et d'autres ont également adhéré à l'acméisme, mais plus tard, Akhmatova a remis en question l'unité esthétique de l'acméisme et même la légitimité du terme lui-même. Mais on ne peut guère être d’accord avec elle sur ce point : l’unité esthétique des poètes acméistes, du moins dans les premières années, ne fait aucun doute. Et il ne s'agit pas seulement des articles programmatiques de N. Gumilyov et O. Mandelstam, où se formule le credo esthétique du nouveau mouvement, mais surtout de la pratique elle-même. L'acméisme combine étrangement un besoin romantique d'exotisme, d'errance et une sophistication des mots, ce qui le rapproche de la culture baroque.

Images préférées de l'Acmeism - beauté exotique (ainsi, à n'importe quelle période de la créativité de Gumilyov, des poèmes apparaissent sur des animaux exotiques : girafe, jaguar, rhinocéros, kangourou, etc.), images de culture(chez Gumilyov, Akhmatova, Mandelstam), le thème de l'amour est traité de manière très plastique. Souvent, un détail d'un objet devient un signe psychologique(par exemple, un gant de Gumilyov ou d'Akhmatova).

D'abord Le monde apparaît aux Acmeists comme exquis, mais « semblable à un jouet », catégoriquement irréel. Par exemple, le célèbre premier poème d’O. Mandelstam dit ceci :

Ils brûlent avec des feuilles d'or

Il y a des arbres de Noël dans les forêts ;

Loups jouets dans les buissons

Ils regardent avec des yeux effrayants.

Oh, ma tristesse prophétique,

Oh ma liberté tranquille

Et le ciel sans vie

Cristal qui rit toujours !

Plus tard, les chemins des Acméistes ont divergé : il ne restait plus grand-chose de l'ancienne unité, bien que la majorité des poètes soient restés fidèles aux idéaux de la haute culture et au culte de la maîtrise poétique jusqu'au bout. De nombreux artistes littéraires majeurs sont issus de l’acméisme. La littérature russe a le droit d'être fière des noms de Gumilev, Mandelstam et Akhmatova.

Futurisme(du latin « futurus » " - avenir). Si le symbolisme, comme mentionné ci-dessus, n'a pas pris racine en Italie, alors le futurisme, au contraire, est d'origine italienne. Le « père » du futurisme est considéré comme le poète et théoricien de l’art italien F. Marinetti, qui a proposé une théorie choquante et dure du nouvel art. En fait, Marinetti parlait de mécanisation de l’art, de le priver de spiritualité. L'art devrait s'apparenter à un « jeu sur un piano mécanique », tous les délices verbaux sont inutiles, la spiritualité est un mythe dépassé.

Les idées de Marinetti ont mis en lumière la crise de l'art classique et ont été reprises par des groupes esthétiques « rebelles » dans différents pays.

En Russie, les premiers futuristes furent les artistes des frères Burliuk. David Burliuk a fondé sur son domaine la colonie futuriste « Gilea ». Il a réussi à rallier autour de lui divers poètes et artistes qui ne ressemblaient à personne : Maïakovski, Khlebnikov, Kruchenykh, Elena Guro et d'autres.

Les premiers manifestes des futuristes russes étaient franchement choquants (même le nom du manifeste « Une gifle au goût du public » parle de lui-même), mais même avec cela, les futuristes russes n'ont pas initialement accepté le mécanisme de Marinetti, se fixant d'autres tâches. L'arrivée de Marinetti en Russie a provoqué la déception parmi les poètes russes et a encore accentué les différences.

Les futuristes visaient à créer une nouvelle poétique, un nouveau système de valeurs esthétiques. Le jeu magistral avec les mots, l'esthétisation des objets du quotidien, le discours de la rue, tout cela a excité, choqué et provoqué une résonance. Le caractère accrocheur et visible de l’image a irrité les uns, ravi les autres :

Tous les mots,

même une blague

qu'il crache avec sa bouche brûlante,

jeté dehors comme une prostituée nue

d'un bordel en feu.

(V. Maïakovski, « Nuage en pantalon »)

Aujourd'hui, nous pouvons admettre qu'une grande partie de la créativité des futuristes n'a pas résisté à l'épreuve du temps et n'a qu'un intérêt historique, mais en général, l'influence des expériences des futuristes sur le développement ultérieur de l'art (et pas seulement verbal, mais aussi pictural et musical) s'est révélé colossal.

Le futurisme avait en lui plusieurs courants, tantôt convergents, tantôt contradictoires : le cubo-futurisme, l'ego-futurisme (Igor Severyanin), le groupe « Centrifuge » (N. Aseev, B. Pasternak).

Bien que très différents les uns des autres, ces groupes ont convergé vers une nouvelle compréhension de l’essence de la poésie et un désir d’expérimentations verbales. Le futurisme russe a donné au monde plusieurs poètes d'une envergure énorme : Vladimir Maïakovski, Boris Pasternak, Velimir Khlebnikov.

Existentialisme (du latin « exsistentia » – existence). L'existentialisme ne peut pas être qualifié de mouvement littéraire au sens plein du terme ; il s'agit plutôt d'un mouvement philosophique, d'une conception de l'homme, manifestée dans de nombreuses œuvres littéraires. Les origines de ce mouvement se trouvent au XIXe siècle dans la philosophie mystique de S. Kierkegaard, mais l'existentialisme a connu son véritable développement au XXe siècle. Parmi les philosophes existentialistes les plus marquants, on peut citer G. Marcel, K. Jaspers, M. Heidegger, J.-P. Sartre et autres. L'existentialisme est un système très diffus, comportant de nombreuses variations et variétés. Cependant, les caractéristiques générales qui permettent de parler d’une certaine unité sont les suivantes :

1. Reconnaissance du sens personnel de l'existence . En d’autres termes, le monde et l’homme dans leur essence première sont des principes personnels. L’erreur de la vision traditionnelle, selon les existentialistes, est que la vie humaine est considérée comme « de l’extérieur », objectivement, et que le caractère unique de la vie humaine réside précisément dans le fait qu’elle Il y a et qu'elle mon. C'est pourquoi G. Marcel a proposé de considérer la relation entre l'homme et le monde non pas selon le schéma « Il est le Monde », mais selon le schéma « Je – Tu ». Mon attitude envers autrui n’est qu’un cas particulier de ce schéma global.

M. Heidegger a dit la même chose d'une manière quelque peu différente. Selon lui, la question fondamentale concernant l’homme doit être modifiée. Nous essayons de répondre : " Quoi il y a une personne", mais il faut demander " OMS il y a un homme." Cela change radicalement tout le système de coordonnées, puisque dans le monde habituel, nous ne verrons pas les fondements du « moi » unique de chaque personne.

2. Reconnaissance de la « situation limite » , lorsque ce « soi » devient directement accessible. Dans la vie ordinaire, ce « je » n'est pas directement accessible, mais face à la mort, sur fond de non-existence, il se manifeste. Le concept de situation frontalière a eu une énorme influence sur la littérature du XXe siècle - tant chez les écrivains directement associés à la théorie de l'existentialisme (A. Camus, J.-P. Sartre), que chez les auteurs généralement éloignés de cette théorie, par exemple Par exemple, sur l'idée d'une situation frontalière, presque toutes les intrigues des récits de guerre de Vasil Bykov sont construites.

3. Reconnaissance d'une personne comme projet . En d’autres termes, le « je » originel qui nous est donné nous oblige à chaque fois à faire le seul choix possible. Et si le choix d’une personne s’avère indigne, elle commence à s’effondrer, quelles que soient les raisons extérieures qu’elle peut justifier.

L’existentialisme, nous le répétons, ne s’est pas développé comme un mouvement littéraire, mais il a eu une énorme influence sur la culture mondiale moderne. En ce sens, elle peut être considérée comme une orientation esthétique et philosophique du XXe siècle.

Surréalisme(Français « surréalisme », lit. - « super-réalisme ») - une tendance puissante dans la peinture et la littérature du 20e siècle, cependant, elle a laissé la plus grande marque dans la peinture, principalement grâce à l'autorité du célèbre artiste Salvador Dalí. La fameuse phrase de Dali concernant ses désaccords avec d’autres dirigeants du mouvement « un surréaliste, c’est moi », malgré tout son caractère choquant, met clairement l’accent. Sans la figure de Salvador Dali, le surréalisme n’aurait probablement pas eu un tel impact sur la culture du XXe siècle.

En même temps, le fondateur de ce mouvement n'est pas Dali ni même un artiste, mais précisément l'écrivain André Breton. Le surréalisme a pris forme dans les années 1920 comme un mouvement radical de gauche, mais sensiblement différent du futurisme. Le surréalisme reflétait les paradoxes sociaux, philosophiques, psychologiques et esthétiques de la conscience européenne. L’Europe est fatiguée des tensions sociales, des formes d’art traditionnelles, de l’hypocrisie éthique. Cette vague « contestataire » a donné naissance au surréalisme.

Les auteurs des premières déclarations et œuvres du surréalisme (Paul Eluard, Louis Aragon, André Breton, etc.) se fixent pour objectif de « libérer » la créativité de toutes les conventions. Une grande importance était accordée aux impulsions inconscientes et aux images aléatoires, qui étaient ensuite soumises à un traitement artistique minutieux.

Le freudisme, qui actualisait les instincts érotiques humains, a eu une sérieuse influence sur l’esthétique du surréalisme.

À la fin des années 20 et 30, le surréalisme a joué un rôle très notable dans la culture européenne, mais la composante littéraire de ce mouvement s'est progressivement affaiblie. De grands écrivains et poètes, notamment Éluard et Aragon, s'éloignent du surréalisme. Les tentatives d'André Breton après la guerre pour relancer le mouvement échouèrent, tandis qu'en peinture, le surréalisme constituait une tradition beaucoup plus puissante.

Postmodernisme - un mouvement littéraire puissant de notre époque, très diversifié, contradictoire et fondamentalement ouvert à toutes innovations. La philosophie du postmodernisme s'est formée principalement dans l'école de pensée esthétique française (J. Derrida, R. Barthes, J. Kristeva, etc.), mais elle s'est aujourd'hui répandue bien au-delà des frontières de la France.

Dans le même temps, de nombreuses origines philosophiques et premiers travaux font référence à la tradition américaine, et le terme « postmodernisme » lui-même en relation avec la littérature a été utilisé pour la première fois par le critique littéraire américain d’origine arabe, Ihab Hasan (1971).

La caractéristique la plus importante du postmodernisme est le rejet fondamental de toute centralité et de toute hiérarchie de valeurs. Tous les textes sont fondamentalement égaux et capables d'entrer en contact les uns avec les autres. Il n’y a pas d’art haut et bas, moderne et dépassé. D’un point de vue culturel, ils existent tous dans un certain « maintenant », et la chaîne de valeur étant fondamentalement détruite, aucun texte n’a d’avantage sur un autre.

Dans les œuvres des postmodernistes, presque tous les textes de toutes les époques entrent en jeu. La frontière entre sa propre parole et celle d’autrui est également détruite, de sorte que les textes d’auteurs célèbres peuvent être intercalés dans une nouvelle œuvre. Ce principe est appelé " principe de centonité» (le centon est un genre de jeu lorsqu'un poème est composé de vers différents d'autres auteurs).

Le postmodernisme est radicalement différent de tous les autres systèmes esthétiques. Dans divers schémas (par exemple, dans les schémas bien connus d'Ihab Hasan, V. Brainin-Passek, etc.), des dizaines de traits distinctifs du postmodernisme sont notés. C'est une attitude envers le jeu, le conformisme, la reconnaissance de l'égalité des cultures, une attitude envers le caractère secondaire (c'est-à-dire que le postmodernisme ne vise pas à dire quelque chose de nouveau sur le monde), une orientation vers le succès commercial, la reconnaissance de l'infinité de l'esthétique (c'est-à-dire tout peut être de l'art) etc.

Les écrivains et les critiques littéraires ont une attitude ambiguë à l'égard du postmodernisme : de l'acceptation totale au déni catégorique.

Au cours de la dernière décennie, on parle de plus en plus de la crise du postmodernisme et on nous rappelle la responsabilité et la spiritualité de la culture.

Par exemple, P. Bourdieu considère le postmodernisme comme une variante du « chic radical », à la fois spectaculaire et confortable, et appelle à ne pas détruire la science (et dans le contexte c'est clair - l'art) « dans le feu d'artifice du nihilisme ».

De nombreux théoriciens américains ont également lancé de vives attaques contre le nihilisme postmoderne. En particulier, le livre « Contre la déconstruction » de J. M. Ellis, qui contient une analyse critique des attitudes postmodernistes, a fait sensation. Mais aujourd’hui, ce schéma est sensiblement plus compliqué. Il est d'usage de parler de pré-symbolisme, de symbolisme primitif, de symbolisme mystique, de post-symbolisme, etc. Cependant, cela n'annule pas la division naturellement formée entre les plus âgés et les plus jeunes.

Histoire de la littérature française du XIXe siècle. représente un complexe dynamique de phénomènes extrêmement divers et esthétiquement riches, inextricablement liés par des liens de continuité et se développant dans le courant général du mouvement historique en interaction complexe avec d'autres arts, la pensée philosophique et esthétique et les idées sociales et utopiques de l'époque. Le début et la fin d'un siècle ne sont pas seulement ses limites chronologiques, mais des concepts riches en contenu sur le plan historique et littéraire. Les premières décennies du siècle ont vu l'émergence du romantisme, qui prédéterminera largement de nombreux processus dans la suite de l'histoire littéraire, jusqu'au symbolisme et à certains autres phénomènes esthétiques, d'où émergera le concept ambigu de « décadence » ; Avec le romantisme, ils créent un cadre littéraire et esthétique unique au XIXe siècle.

Comme aucun autre pays, la France se posait un problème aigu de compréhension des événements mouvementés de la révolution de 1789 et des changements fondamentaux qui ont suivi dans la vie de la société. Les contemporains de l'époque étaient des participants volontaires ou involontaires à des cataclysmes socio-historiques, au cours desquels des traditions, des croyances et des idéaux séculaires se sont effondrés, ce qui a extrêmement intensifié toutes sortes de tentatives pour interpréter, expliquer, justifier ou rejeter la nouvelle réalité. De telles tendances ont marqué toutes les sphères de la vie spirituelle de la nation - historiographie, sociologie, pensée philosophique, esthétique, art. La littérature devait également s'adapter aux nouvelles tendances et ne pas rester inchangée, figée dans des formes anciennes. « Qui peut vivre, qui peut écrire à notre époque et ne pas penser à la Révolution française ! » - a écrit J. de Staël dans son traité « De l'influence des passions sur le bonheur des individus et des nations » (1796).

Premier tiers du XIXème siècle. en France, c'est une époque de lutte politique intense, dans laquelle la littérature est également impliquée. Les écrivains participent souvent à des polémiques politiques, agissent en tant que publicistes et occupent parfois des postes gouvernementaux. Changement de régimes : Directoire (1795-1799), Consulat (1799-1804), Empire (1804-1814), Restauration (1815-1830), Monarchie de Juillet (1830-1848) - confronte à chaque fois les peuples au problème du choix, en se concentrant sur les questions politiques, vous encourage à déterminer votre attitude face aux événements ou même à y participer. Ces circonstances historiques font que le romantisme français est très politisé. Et pourtant, l'orientation politique et les sympathies politiques ne peuvent servir de critère principal pour classer les phénomènes divers et souvent contradictoires du mouvement littéraire. L’un des moments les plus importants de la lutte littéraire pour le romantisme en France fut la réforme du théâtre. L’article de B. Constant « Réflexions sur le théâtre allemand » (1809) a joué un rôle majeur dans la justification théorique du drame en tant que nouveau genre littéraire ; « Cours d'art dramatique » de A. Schlegel, traduit en français en 1813 ; article de F. Guizot « La Vie de Shakespeare » (1821) ; des articles de Stendhal sous le titre général « Racine et Shakespeare » (1823-1825) et la préface de V. Hugo au drame « Cromwell » (1827). En train de créer leurs drames, A. Dumas (père), P. Mérimée, V. Hugo, A. de Vigny, A. de Musset non seulement mettent en œuvre les concepts des théoriciens, mais, pour l'essentiel, poursuivent des recherches innovantes dans le domaine du drame.

Dans le processus de formation du romantisme français, les traditions de la pensée et de l'art des Lumières du XVIIIe siècle ont acquis une double résonance : il ne s'agit pas seulement d'une déception face à de nombreuses illusions des Lumières et d'une réévaluation de nombreux concepts du siècle des Lumières (par exemple, la théorie de « l'homme naturel », l'idée d'un « monarque éclairé » et d'autres), mais et un élan de renouveau vivifiant. Ce n'est pas un hasard si le concept de « pré-romantisme » apparaît dans la critique littéraire, impliquant un complexe de phénomènes qui se sont développés dans la littérature française au cours des dernières décennies du XVIIIe siècle. et deviennent les précurseurs directs du romantisme (rousseauisme, sentimentalisme, poésie lyrique d'E. Parny, C. Milvois, A. Chénier et autres). La vive polémique du romantisme français avec les idées classiques non seulement ne rompt pas ses liens successifs avec le XVIIIe siècle, mais révèle au contraire les racines des Lumières du romantisme.

Reconnaissant la sphère spirituelle comme sujet principal de l'art, les romantiques accordèrent une grande attention au monde intérieur de l'homme, révélé par l'analyse psychologique. En même temps, ils mettent l’accent sur les relations conflictuelles et dramatiques entre l’individu et la société, qui suscitent un profond mécontentement et la croyance en l’inéluctabilité de la discorde tragique entre l’homme et le monde (« la maladie du siècle »). Dans un effort pour mieux comprendre la psychologie humaine, ils se tournent vers la nature comme un monde semblable à l'âme humaine, comme l'incarnation de l'harmonie et de la liberté dont l'homme aspire et dont il est privé dans la société. Le champ de l'analyse psychologique inclut également le principe de « couleur locale » - d'où l'intérêt des romantiques pour les nuances de la psychologie historique et du caractère national.

Le principe fondamental de la conception romantique de l’homme est l’historicisme. Pour le romantisme, ce qui dominait au XVIIIe siècle était inacceptable. une idée abstraite de l'homme en général comme incarnation de passions « éternelles », auxquelles s'oppose la raison absolue et infaillible. Les romantiques proposent une interprétation plus spécifique et multiforme de l'homme et de sa psychologie, arguant que la conscience d'un individu, ses opinions, ses actions et, en fin de compte, son destin sont déterminés par au moins trois points importants : le temps historique, les spécificités de la psychologie nationale et le l'unicité individuelle de l'individu.

Le concept romantique de société repose également sur les principes de l’historicisme. Le concept de « philosophie de l’histoire », introduit par Voltaire, a pris un nouveau contenu à l’époque romantique.

Dans les années 20 XIXème siècle Les historiens français F. Villemain, P. de Barant, O. Minier, F. Guizot, O. Thierry, A. Thiers et d'autres ont développé un système d'historiographie romantique, basé sur l'idée d'une histoire objective, immuable et indépendante. de la loi de la volonté individuelle, à laquelle le développement de la société est subordonné. Ce développement représente un mouvement progressif des formes inférieures de la société vers les formes supérieures, et chacune de ses étapes est un maillon nécessaire d'un processus unique. Les concepts de « progrès » et d’« évolution », qui existaient déjà au XVIIIe siècle, prennent un nouveau sens. Au siècle des Lumières, ils signifiaient une amélioration progressive, un développement ascendant, une victoire sur la barbarie, les superstitions et les illusions. Pour les romantiques, le progrès apparaît comme un mouvement plus complexe, multidimensionnel et contradictoire, pas du tout simple, mais plutôt en forme de spirale, et marqué dans chaque pays par ses propres spécificités nationales.

Les traditions classicistes étaient très fortes et stables dans l'art français. De plus, il existait une opinion selon laquelle le romantisme était un phénomène étranger à l'esprit national français, contrairement à la « bonne vieille tradition » véritablement nationale du classicisme. Cependant, aussi obstinée que soit la résistance au romantisme, elle ne pouvait bien entendu empêcher le développement de ce nouveau courant littéraire. En France, il y avait toutes les conditions objectives pour son émergence, et une opposition farouche de la part des adeptes du classicisme ne pouvait que retarder le processus historiquement déterminé pour une très courte période.

Les étapes de formation et d'épanouissement du romantisme français s'inscrivent assez clairement dans la temporalité des régimes politiques : sa formation s'est produite principalement pendant la période de l'Empire (1804-1814). Le romantisme primitif est représenté par les œuvres de J. de Staël, F. R. Chateaubriand, B. Constant, E. P. de Senancourt ; dans les années 1810 Les premières chansons de J.P. Béranger ont également été interprétées ; L'apogée remonte à la Restauration (1815-1830) : dans les années 1820. Des stars telles que A. de Lamartine, P. Mérimée, A. de Vigny, V. Hugo, A. Dumas apparaissent à l’horizon littéraire et la popularité de Bérenger s’accroît. Les écrivains romantiques sont regroupés en cercles dont les plus célèbres sont Arsenal, dont le chef était III. Nodier, qui fut conservateur de la bibliothèque de l'Arsenal à Paris, et le Céiacle, dirigé par V. Hugo (cénacle - communauté). Dans le mouvement romantique des années 1820. Stendhal s'implique activement ; L'œuvre de Balzac débute au contact étroit des traditions romantiques.

Fin des années 1820 devient le point culminant du mouvement romantique en France. C'est la période de prise de conscience maximale par les romantiques de leur unité face aux adeptes des canons déjà dépassés de l'art classique rationaliste. Mais dès que la victoire du romantisme dans la polémique avec le classicisme devient évidente, l'unité des romantiques, qui n'a jamais été complète, s'affaiblit sensiblement, et des symptômes de crise apparaissent dans leur mouvement, qui s'aggravent ensuite à l'occasion de la révolution de 1830. Déjà au début des années 1830 . Le romantisme en France cesse d'être un courant phare de la littérature, mais aussi à l'étranger dans les années 1830. La tradition romantique reste assez stable et fructueuse.

Dans les années 1830. Les écrivains romantiques de la troisième génération sont venus à la littérature : A. de Musset, George Sand, E. Sue, J. de Nerval, T. Gautier, O. Barbier et d'autres. Après 1830, le romantisme évolue dans une direction légèrement différente qu'auparavant : les genres historiques passent au second plan, les problèmes des œuvres littéraires gravitent vers deux directions : d'une part, « l'art pur », le rejet de toute idéologie et moralisation (Musset, Nerval, Gautier), en revanche, la volonté de dépasser l'individualisme et les frontières étroites de l'art de chambre conduit à l'art du son social (George Sand, Hugo, E. Sue - dans le roman social ; O. Barbier, V. Hugo - en poésie).

L'histoire du romantisme français dans son ensemble est assez longue ; elle se poursuit presque jusqu'à la fin du XIXe siècle parallèlement au développement de nouveaux mouvements littéraires, qui s'inspirent beaucoup du romantisme. Ce n'est qu'avec la mort de V. Hugo (1885) que l'histoire du romantisme en France peut être considérée comme complète.

Sur la base de la littérature française, le lien organique de systèmes artistiques tels que le romantisme et le réalisme se manifeste particulièrement clairement. Leur relation était si étroite que la plupart des écrivains que nous classons aujourd'hui comme réalistes ne s'appelaient pas ainsi. Balzac et Stendhal se considéraient comme des adeptes de la « littérature du XIXe siècle », et ce concept a été introduit par les romantiques par opposition au classicisme et signifiait précisément le romantisme. L'« apprentissage » de l'écriture de Flaubert s'est déroulé conformément à la « fureur » romantique des années 1830, et ce n'est que dans l'œuvre de maturité de l'écrivain que cette dépendance a été surmontée.

En France, l'esthétique réaliste a reçu une formulation théorique plus prononcée que dans d'autres pays, et le mot « réalisme » lui-même a d'abord été utilisé comme un terme exprimant un ensemble de principes artistiques, dont les partisans ont créé une sorte d'école.

Dans les années 1830-1840, notamment dans l'œuvre de Balzac, apparaissent les traits caractéristiques du réalisme comme art qui donne une image multidimensionnelle de la réalité ; le réalisme est loin de se limiter aux descriptions morales et à la vie quotidienne ; ses tâches comprennent également une étude analytique des lois objectives de la vie - historiques, sociales, éthiques, psychologiques, ainsi qu'une évaluation critique de l'homme et de la société modernes, d'une part d'une part, et l'identification d'un principe positif dans la réalité vivante, d'autre part.

L'un des postulats clés du réalisme - l'établissement des principes de typification réaliste et leur compréhension théorique - est aussi associé principalement à la littérature française, avec l'œuvre de Balzac. Innovant pour la première moitié du 19ème siècle. et le principe de cyclisation introduit par Balzac devint également significatif pour le sort du réalisme en général. «La Comédie humaine» représente la première tentative de créer une série de romans et d'histoires interconnectées par une chaîne complexe de causes et de conséquences et par les destinées des personnages, apparaissant à chaque fois à une nouvelle étape de leur destin et de leur évolution morale et psychologique. La cyclisation correspondait au désir du réalisme d'une étude artistique globale, analytique et systématique de la réalité.

Déjà dans l'esthétique de Balzac se révèle une orientation vers la science, et surtout vers la biologie. Cette tendance se développe davantage dans l’œuvre de Flaubert, qui cherche à appliquer les principes de la recherche scientifique au roman moderne. Ainsi, l’attitude « scientifique » caractéristique de l’esthétique positiviste se manifeste dans la pratique artistique des réalistes bien avant de devenir la référence du naturalisme. Mais chez Balzac comme chez Flaubert, le désir de « scientificité » est affranchi de la tendance inhérente aux naturalistes à absolutiser les lois naturelles et leur rôle dans la vie de la société.

Le côté fort et brillant du réalisme en France est le psychologisme, dans lequel la tradition romantique apparaît plus profonde et plus multiforme. L'éventail des motivations causales de la psychologie, du caractère et des actions d'une personne, qui constituent en fin de compte son destin, est considérablement élargi dans la littérature réaliste ; l'accent est mis également sur le déterminisme historique et social et sur le principe personnel et individuel. Grâce à cela, la plus grande fiabilité de l'analyse psychologique est obtenue.

Le genre phare du réalisme en France, comme dans d'autres pays, est le roman dans ses variétés : descriptif moral, socio-psychologique, psychologique, philosophique, fantastique, d'aventure, historique. Toutes les caractéristiques ci-dessus du réalisme français sont apparues déjà dans les années 1830-1840, par exemple dans les travaux de Balzac et de Stendhal. Cependant, la nouveauté fondamentale du réalisme en tant que méthode artistique reste mal comprise par les écrivains et les critiques de l’époque. Discours théoriques de Stendhal dans les années 1810-1820. (dont « Racine et Shakespeare », « Walter Scott et « La Princesse de Clèves ») s'inscrivent tout à fait dans la lutte pour le romantisme. Bien que Balzac ressente la nouveauté fondamentale de la méthode de la « Comédie humaine », il n’en donne aucune définition précise. Dans « Etude sur Bayle » (1840), il tente de classer les phénomènes de la littérature contemporaine, mais en même temps il se classe (à « éclectique ») et Stendhal (à « littérature d'idées ») dans des mouvements différents, et plus clairement déclare sa méthode deux ans plus tard, dans la préface de La Comédie humaine. Même un critique aussi influent du XIXe siècle que Sainte-Beuve, dans l'article « Dix ans après dans la littérature » (1840), renonce au terme « réalisme », et dans « La Comédie humaine », il ne voit qu'une manifestation d'un excès de réalisme. et une véracité répréhensible, comparant son auteur à « un médecin qui divulgue sans pudeur les maladies honteuses de ses patients ». Le critique interprète les œuvres de Stendhal de manière tout aussi superficielle. Et ce n'est qu'avec la parution de « Madame Bovary » (1857) de Flaubert que Sainte-Beuve déclare : « ... il me semble percevoir les signes d'une nouvelle littérature, traits apparemment distinctifs pour les représentants des nouvelles générations » (« Madame Bovary" Gustave Flaubert", 1857).

Tout cela indique que la formation d'un concept théorique d'une nouvelle méthode artistique au premier stade de son évolution est nettement en retard par rapport à la pratique. D'une manière générale, la première étape du réalisme français représente une transformation de la tradition romantique, sa transformation en une certaine qualité nouvelle, dont la justification théorique viendra un peu plus tard.

Le terme « réalisme » lui-même apparaît dans les pages des magazines français dès les années 1820, mais dans un sens assez étroit : il implique une copie de la réalité avec une tendance à refléter le laid, le vil, le vulgaire - tout ce qui est étranger à l'idéal, à l'imagination. , beauté, sublime. Cette compréhension du réalisme contient également un sens évaluatif - condamnatoire ou, au moins, ironique. Et seulement dans les années 1840. le concept de « réalisme » est libéré de son sens évaluatif négatif : appliqué à la peinture, ce mot désigne une orientation vers la représentation de la vie moderne, basée sur l’observation directe, et non seulement sur l’imagination de l’artiste, c’est-à-dire recréer la réalité sans aucune idéalisation de l’ordinaire et du quotidien.

Au milieu des années 1850. Il y a une sorte de tournant dans l’évolution du concept de « réalisme ». Ceci est lié à la peinture, et principalement à l'œuvre de G. Courbet, dont les peintures existent depuis la fin des années 1840. (« Après-midi à Ornans », 1849 ; « Funérailles à Ornans », 1851, etc.) attirent l'attention de tous. En 1855, une exposition personnelle de l'artiste s'ouvre à Paris, qu'il appelle « Pavillon du réalisme ». Le programme du réalisme, que Courbet a esquissé dans une courte déclaration accompagnant l'exposition, a été formulé avec la participation des écrivains J. Chanfleury et L. E. Duranty. Partageant les mêmes idées que Courbet, Chanfleury et Duranty osent se qualifier de réalistes en littérature. Ils sont rejoints par un petit groupe d’écrivains dont les noms ne sont pas gravés dans l’histoire de la littérature, mais au milieu des années 1850. ils formaient quelque chose comme une école.

Le chef était Chanfleury (pseudonyme, vrai nom Jules François Husson, 1821 - 1889). En 1853-1857. Chanfleury publie une série d'articles dans la revue « Artiste » (dont un article sur le « Pavillon du Réalisme » de Courbet, sous forme de lettre ouverte à George Sand) et dans le recueil « Réalisme » (1857).

Chanfleury peut être considéré comme le premier qui, dans ses articles, donne une justification théorique ciblée à une nouvelle direction de la littérature, qu'il appelle le réalisme. Appréciant beaucoup l'art romantique, notamment Hugo, Gautier, Delacroix, il tente de formuler les principes du réalisme comme une méthode artistique plus conforme à l'esprit du milieu du siècle. Il considère Balzac comme le créateur de cette méthode et son professeur, qui lui inspire le « respect ».

Les critères de vérité dans le concept de Chanfleury sont l’objectivité et la « sincérité » ou la « naïveté ». Malgré toute l'inexactitude terminologique de la caractérisation « sincère », qui était attachée au réalisme de Chanfleury dans la critique littéraire, Chanfleury lui-même et ses partisans par « sincérité » et « naïveté » signifiaient la nouveauté de la méthode réaliste, son émergence du ornière étroite des stéréotypes établis, refus d'imiter des échantillons.

Les tâches de l'art réaliste sont mieux remplies par les genres en prose, et surtout par le roman, comme recréé par Balzac au XIXe siècle, dit Chanfleury. En même temps, percevant avec sympathie beaucoup de choses dans l'œuvre de Balzac, y compris la description balzacienne de la vie quotidienne, Chanfleury parle de la nécessité de l'étayer par des principes qui remontent essentiellement à l'esthétique positiviste : il s'agit d'une méfiance à l'égard de la fiction, de l'exigence d'une approche directe et directe. observation systématique des faits, étude de la vie quotidienne réelle, basée sur des preuves documentaires. Chanfleury exige l'enregistrement le plus objectif et même le plus impartial de ce qui est observé, comme une transcription ou une photographie, recréant l'image de la vie telle qu'elle apparaît aux « sincères » ou aux « purs », c'est-à-dire aux le point de vue impartial et artistique, libre du pouvoir des vieilles traditions.

Les principes esthétiques de Chanfleury correspondent à ses romans « Les Aventures de Mademoiselle Mariette » (1853), « Les Douleurs du Maître Delteil » (1853), « Le Bourgeois de Molenchard » (1855), « L'Héritage de Lecamus » (1867), ainsi que les romans de Duranty « Les malheurs d'Henriette Gérard » (1867) et « Le cas du beau Guillaume » (1862).

Duranty, avec le critique A. Assez, commence à publier la revue « Réalisme » (1856-1857, six numéros parurent), dans laquelle sont publiées un certain nombre de déclarations de programme. Beaucoup des idées de Chanfleury et de Courbet sont ici exprimées sous une forme plus aiguë. En outre, le principe de l'importance sociale de l'art est souligné. Ici, la « généalogie » du réalisme est également clarifiée : les prédécesseurs de cette méthode artistique sont déclarés au XVIIIe siècle. Diderot et Retief de La Breton, et au XIXème siècle. - Stendhal et Balzac. Certes, le mot « réalisme » confond encore ses adeptes : par exemple, Chanfleury se compare à « un chat qui fuit les morveux qui ont attaché une casserole à sa queue - le réalisme ».

Ainsi, les réalistes des années 1850. suivent de nombreux principes déjà évidents dans la littérature des années 1830 et 1840. Ils sont associés à la méthode Balzac, tout d'abord, par l'accent mis sur la présentation de la vie moderne sous tous ses aspects (la vie quotidienne, l'environnement social et les problèmes qui y sont associés, le monde des sentiments humains), ainsi que par l'idée de servir l'art aux intérêts de la société. Et bien que le principe de reconstruction « daguerréotype » de la réalité ait supplanté l'idée de sélection des phénomènes les plus caractéristiques et la notion de typification, fondamentale dans l'esthétique de Balzac, le point commun d'un certain nombre d'autres postulats essentiels de Balzac et le réalisme « sincère » est si évident que le terme « réalisme » commence à être utilisé à propos de Balzac, mais après la mort de l’écrivain. Ainsi, en 1853, dans la revue anglaise Westminster Review, Balzac est identifié à tous ceux qui « copient d'abord la réalité qui les entoure » et est appelé « le chef de cette école réaliste ».

Bien sûr, entre le réalisme des années 1830 et 1840. et le réalisme « sincère » des années 1850. il n’y a pas d’identité complète. Mais malgré toutes leurs différences, y compris les échelles de créativité difficilement comparables de Balzac et Stendhal, d'une part, et de Chanfleury et Duranty, d'autre part, ces deux méthodes sont liées non seulement par des similitudes, mais aussi par un fil conducteur. continuité, ainsi que par la logique de formation et de développement dans le temps. Le réalisme « sincère » révèle également nombre de signes de l’art « objectif » de Flaubert, dont les principales œuvres seront écrites dans les années 1850-1860.

Un trait distinctif de la deuxième étape du réalisme en France est l'attention accrue portée aux questions de style. Balzac n'était pas un maître du style et ne s'est pas fixé cet objectif. Dans l’esthétique de Chanfleury, la recherche de la forme parfaite et le raffinement du style étaient considérés comme incompatibles avec la « sincérité » du réalisme. "Je n'ai pas de style" - ces mots de la lettre de Stendhal de 1825 sont cités par Chanfleury avec sympathie, même s'ils ne signifient bien sûr pas que Stendhal n'avait pas son propre style. C’est juste qu’avant Flaubert, l’attention des réalistes se portait avant tout sur le contenu de l’œuvre. Dans l'œuvre de Flaubert, le contenu et le style agissent comme une unité indissoluble, réalisée par l'auteur. « Là où il n’y a pas de forme, il n’y a pas d’idée. Chercher l’un, c’est en chercher un autre », dit l’écrivain, entré en littérature comme un styliste hors pair. L'œuvre de Flaubert devient l'incarnation la plus vivante, la plus complète et la plus parfaite du réalisme des années 1850 et 1860 en termes de maîtrise artistique. Associé à la tradition balzacienne, il est à la fois marqué par l'empreinte de son époque et l'originalité créatrice unique de l'auteur. Le réalisme « sincère » de Chanfleury et Duranty joue le rôle de lien transitionnel entre ces deux étapes.

Au milieu du siècle, une sorte de réévaluation de certains principes de créativité a eu lieu, conduisant à l'émergence de nouvelles orientations et tendances littéraires. La tendance au positivisme, déjà manifestée dans les genres narratifs réalistes, se fait sentir dans la poésie - dans la lignée de l'école dite « parnassienne », qui a pris forme dans les années 1860. Cependant, un peu plus tôt, en 1852, furent publiés à la fois deux recueils de poésie, dans lesquels la poésie « objective » et le culte de la forme visible s'opposent au lyrisme romantique spontané : ce sont « Émaux et camées » de Théophile Gautier et « Anciens ». Poèmes » de Charles Lecomte de Lisle .

Dans les années 1860. les jeunes poètes, qui considèrent Leconte de Lisle comme leur professeur, décident de publier périodiquement des recueils de poésie. En 1866 paraît la collection « Parnassus moderne ». Déjà dans le nom, l’orientation du groupe vers l’Antiquité était évidente. La collection contenait des œuvres de près de 40 auteurs et comptait environ 300 pages. Ce fut un succès et suscita une vive polémique.

Théophile Gautier fut également un professeur reconnu des jeunes Parnassiens. Il a soutenu que le seul objectif de l’art ne peut être que la beauté et qu’il peut être atteint en travaillant soigneusement la forme. La belle forme est l’expression exacte de la pensée, car la forme et le contenu ne font qu’un. Seule la perfection de l'expression permettra au poète de vaincre la mort, le temps, l'oubli. Dans le roman « Mademoiselle de Maupin » (1836), l'artiste affirme sans cesse l'indépendance de l'art, qui doit être étrangère aux questions politiques, morales ou sociales. Le plus célèbre des recueils de poésie de Gautier est Émaux et camées (1852). Le titre parle de l'intérêt du poète pour les arts plastiques. Il considère que son plus grand plaisir est le processus de transformation d'un dictionnaire en palette, l'opportunité de transmettre un tableau, une fresque, une statue en utilisant les moyens de l'art verbal (les poèmes « Marbre de Parian », « Obélisque de Louxor », « Néréides »). Le pittoresque se conjugue avec la musicalité du vers.

Pérou Gautier possède plusieurs recueils de poésie, le recueil de prose « Jeune France », plusieurs romans et un recueil d'articles théoriques « Art nouveau ».

Charles Leconte de Lisle peut à juste titre être considéré comme le chef de « l'école parnassienne ». Comme de nombreux écrivains du milieu du XIXe siècle, il se caractérisait par un intérêt pour les religions et civilisations anciennes, soutenu par la diffusion de vues positivistes sur l'histoire, les découvertes archéologiques et les nouvelles théories scientifiques. Pour expliquer le présent, nous devons étudier le passé. Il y a un regain d'intérêt pour les légendes et les mythes de différents peuples. Leconte de Lisle, comme Gautier, aimait particulièrement l'Antiquité avec sa vision lumineuse et panthéiste du monde et l'harmonie entre l'homme et la nature. Son recueil « Poèmes anciens » est dédié à la culture et à la philosophie de la Grèce antique. La préface du recueil devient le fondement esthétique de la jeune école poétique des « Parnassiens ». Lecomte de Lisle soutient que les grands poètes devraient écrire pour l’élite, car la poésie est un luxe intellectuel accessible à quelques-uns. Avec l’aide de la passion, de la réflexion, de la science et de l’imagination, l’artiste recrée la Beauté. Le lecteur doit apprendre à comprendre le grand art. Atteindre la beauté n’est possible qu’en travaillant dur sur la forme. Sur ce point, il est entièrement d'accord avec Gautier.

Le recueil « Poèmes barbares » (1862) poursuit les thèmes du premier recueil. Le poète se fixe une tâche tout à fait scientifique : dresser un aperçu des principales religions du monde. L'histoire apparaît devant le lecteur comme un système coloré et mouvant, reflétant l'idée positiviste d'un mouvement et d'un développement continus et interdépendants. Voici le Dieu biblique sévère, et l'Egypte avec les momies des pharaons, et le catholicisme avec l'Inquisition et l'institution de la papauté, et les sauvages des îles du Pacifique, et la nature vierge, le plus souvent exotique...

Les œuvres des deux collections se distinguent par une technique poétique impeccable et raffinée. L’impeccabilité des formes est l’un des principes les plus importants de l’esthétique de Leconte de Lisle.

Parmi les figures les plus marquantes de l'ancienne génération des poètes « parnassiens », on trouve Théodore de Banville avec ses recueils « Stalactites » (1846) et « Odes acrobatiques » (1867). En 1871, le « groupe parnassien » publie un deuxième recueil, et en 1876 un troisième. Mais la poésie de cette époque cherchait déjà d'autres voies, nouvelles, comme en témoigne l'œuvre de José-Marie de Heredia (« Trophées », 1893).

"Parnassus" s'inscrit dans l'histoire de la poésie française entre romantisme et symbolisme. Les plus grands écrivains sont passés par cette école : Baudelaire, Verlaine, France. L’esthétique du Parnasse, associée à la théorie de « l’art pour l’art » et au développement de la pensée positiviste, a introduit des touches caractéristiques dans le panorama de la poésie de la seconde moitié du XIXe siècle.

L’esthétique positiviste est devenue la base du travail des écrivains naturalistes. Phénomène littéraire, le naturalisme est né en France. Dans sa base théorique et sa pratique artistique, le naturalisme ne s'oppose pas au réalisme, mais cherche à le développer et à l'approfondir, en se tournant vers la méthode scientifique de créativité. Le naturalisme français a influencé le processus littéraire dans d'autres pays. Par exemple, il faut noter son importance pour la formation du vérisme en Italie.

Le naturalisme s'appuie sur la philosophie contemporaine et a des principes esthétiques clairement formulés. Le développement des bases théoriques de la nouvelle école littéraire est associé aux noms de I. Taine et E. Zola. Un cercle de ses étudiants et de personnes partageant les mêmes idées s'est réuni autour de Zola, le cercle dit de Medan, qui comprenait A. Sear, P. Alexis, L. Ennick, K. J. Huysmans et G. de Maupassant, qui, cependant, ne considéraient pas lui-même naturaliste. À partir du milieu des années 1880, et surtout dans les années 1890. le naturalisme commence à se désintégrer.

La base philosophique du naturalisme était le positivisme, né en France dans les années 1830. Son représentant le plus éminent était O. Comte, l'auteur de l'ouvrage en six volumes « Cours de philosophie positive ». Comte a soutenu que la philosophie en tant que science spéculative, non étayée par une expérience matérielle, a beaucoup moins d'importance dans la compréhension du monde que les sciences spéciales. Mais ni la philosophie ni les sciences concrètes ne devraient s’efforcer de comprendre la cause profonde des phénomènes. La science n'explique pas les essences, mais décrit les phénomènes.

A cette époque, dans tous les domaines de la connaissance : thermodynamique, électrophysique et électrochimie, biologie, anatomie et physiologie, de nouvelles découvertes ont lieu qui changent les idées précédentes sur les choses. Comte a ressenti le lien profond qui existe entre les différentes branches de la science et a établi une hiérarchie des sciences selon le degré d'augmentation de leur complexité et, d'autre part, de diminution de leur abstraction. La base est constituée de mathématiques et de mécanique, suivies de la physiologie, de la psychologie et de la sociologie. Selon lui, la source du développement social réside dans l’amélioration de l’esprit humain et l’accumulation des connaissances. Par exemple, lorsque la science de la société apparaîtra, la possibilité de son organisation rationnelle apparaîtra.

Le philosophe, historien de l'art et critique littéraire français I. Taine a appliqué la méthodologie philosophique de Comte à l'étude de la littérature et de l'art. Parmi ses nombreux ouvrages, il faut souligner l'histoire en cinq volumes de la littérature anglaise, dont la préface est devenue un document programmatique pour le mouvement naturaliste. Ten est l'un des fondateurs de l'école historico-culturelle de critique littéraire. Selon sa théorie de la connaissance, un écrivain est comme un naturaliste : l'un étudie une coquille fossile pour reconstruire mentalement l'être vivant qui y vivait autrefois, l'autre analyse un document littéraire pour imaginer une personne d'une autre époque. , pour comprendre comment il vivait, pensait et ressentait.

Taine identifie trois facteurs qui façonnent l'apparence d'une personne, d'un peuple et d'une civilisation : la race, l'environnement et l'époque. La race est une tendance innée et héréditaire qui apparaît chez une personne. C'est un facteur stable. L'environnement est le monde matériel qui entoure une personne, le climat, les événements politiques, les conditions sociales et les relations. Ces circonstances relativement aléatoires se superposent à la base primaire. Et enfin, un moment est une certaine étape de l'histoire de la vie humaine et de la société, qui est le résultat de l'interaction de forces externes et internes. Une époque est différente d’une autre, mais elle est une conséquence naturelle de la précédente.

Le système de Taine a eu une énorme influence sur les naturalistes. Pour eux, un écrivain est un scientifique expérimental. Tout objet, avant de faire l'objet d'une image, doit être étudié, y compris à l'aide des recherches scientifiques existantes et de divers documents. La créativité est l’une des façons les plus importantes d’apprendre. D’où l’exigence d’objectivité. L'écrivain est obligé d'aborder tous les phénomènes de la réalité, sans craindre d'offenser la sensibilité ou le bon goût de quiconque. La littérature doit devenir plus démocratique, montrant tous les aspects de la vie moderne.

Forts d'un socle philosophique et esthétique commun, chacun des naturalistes avait ses propres priorités et son propre style artistique. Comme tout phénomène littéraire, le naturalisme est le résultat de l’interaction d’aspirations unidirectionnelles mais indépendantes.

Les frères Goncourt, Edmond et Jules, n'ont pas accepté la théorie des trois facteurs de Taine, arguant qu'il y a autre chose chez une personne qui ne dépend pas de facteurs matériels. Leur théorie esthétique est la négation des théories : il suffit d’observer et de décrire les faits. Mais comme les principaux événements se produisent au plus profond de l’âme d’une personne, ce n’est pas tant la situation extérieure qui est importante que l’analyse psychologique.

Le roman le plus célèbre des Goncourt est Germinie Lacerte (1865). Dans la préface, les auteurs évoquent la nécessité de repousser les frontières de l'art. Le roman se voulait une histoire morale pour les temps modernes. L'intrigue est prise sur le vif, ce qui correspond à la position esthétique des Goncourt. "Germinie Lacerte" est une "analyse clinique de l'amour", qui raconte le sort d'une servante qui meurt à la fois à cause de l'égoïsme de son entourage et à cause de son propre tempérament ardent, car elle ne comprend ni le motivations ou les conséquences de vos désirs et de vos actions. Ce roman révèle les traits du talent des Goncourt qui permettent de parler d'écriture impressionniste. Leur paysage est plein de nuances et de reflets de lumière ; il est étroitement lié à l'état et aux pensées des héros. Le terme « paysage psychologique » est applicable ici.

Cependant, au fil du temps, l’esthétique des Goncourt évolue. Dans la préface du roman « Les frères Zemganno » (1879), écrit par Edmond Goncourt seul après la mort de son frère, l'écrivain affirme que les thèmes populaires sont déjà épuisés et que l'heure est au « réalisme gracieux ». Il s’agit d’une étape différente de la créativité, associée à celles qui se sont répandues dans les années 1870 et 1880. des idées.

Les étudiants de Zola ont fait sentir leur présence lors de la parution d'un recueil d'histoires de guerre, Les Soirées de Medan. Les jeunes naturalistes ont écrit de nombreux romans, mais aucun d'entre eux n'a atteint le niveau de créativité de leur professeur.

Le plus talentueux d’entre eux est K. J. Huysmans. Il commence par une prose naturaliste caractéristique, décrivant avec une cruelle exactitude les milieux bourgeois et bohèmes (« Martha », 1876 ; « Les Sœurs Vatar », 1879). Ayant été fortement influencé par la philosophie de Schopenhauer, l'écrivain exprime des idées pessimistes sur la structure de la société et les capacités humaines (le roman « À la dérive », 1882). En 1883, il écrit le roman « Au contraire », que Wilde appelle « le livre sacré de la décadence ». Il n'y a pas d'intrigue là-dedans, l'action s'est figée entre quatre murs, où le héros des Esseintes s'est retiré. L’auteur enregistre les nuances des sentiments du héros provoqués par les pierres précieuses, les plantes rares, la musique, la littérature, la peinture, arguant que « la nature a perdu son utilité ». L'écrivain aborde le thème de la correspondance secrète de différentes sensations sensorielles, ce qui correspond à l'esthétique du symbolisme émergent. Huysmans lui-même, dans la préface, écrite bien plus tard que le roman, l'appelle la quintessence de l'esthétisme. Devenu catholique profondément religieux, Huysmans introduit ce thème dans ses romans ultérieurs (Cathédrale, 1898).

L'évolution de Huysmans est, d'une manière générale, caractéristique des jeunes naturalistes. Au début, ils ne dépassèrent pas le cadre d'une esthétique rigidement formulée, qui leur parut plus tard étroite et dogmatique, puis ils accusèrent le naturalisme d'être étroit et primitif.

Le naturalisme est une page originale de l’histoire de la littérature française et mondiale. Il était associé à la tradition littéraire du XIXe siècle. Et même si à la fin du siècle il s'est épuisé, il a eu une influence significative sur le développement ultérieur du réalisme.

À l'esthétique positiviste du naturalisme de la fin du siècle s'opposaient le néo-romantisme et d'autres mouvements poétiques (par exemple, « l'école romane ») ; La plus cohérente, esthétiquement exprimée et théoriquement raisonnée était « l’opposition » anti-naturaliste des poètes symbolistes, qui développèrent les idées de Baudelaire sur les « correspondances », le « surnaturalisme » (surnaturalisme) et « l’esprit de modernité » (modernite). Le concept de décadence a aussi le « pedigree » de Baudelaire : par décadence, le poète entendait l’échec spirituel de sa société contemporaine de « progrès », qui plonge ceux qui ont compris cette triste vérité dans une mélancolie métaphysique. C’est pourquoi, suivant la conception de Baudelaire, les symbolistes se disent d’abord décadents, c’est-à-dire poètes de l’époque de la décadence. Avec l'avènement du terme « symbolisme », l'idée d'opposition au positivisme philosophique et esthétique, le refus d'adorer le « progrès », compris uniquement comme des succès dans le domaine de l'activité matérielle, de l'industrie, de la technologie, de la science, et bien plus encore. ainsi, dans les vicissitudes des conflits socio-politiques, est souligné. Le symbolisme sonne comme un défi à l’infériorité spirituelle du « progrès » moderne et à l’esthétique positiviste qui lui est orientée.

Le symbolisme comme mouvement littéraire de la fin du XIXe siècle. - un phénomène d'échelle paneuropéenne dans ses postulats idéologiques, ses principes esthétiques et dans la portée des cultures nationales de l'Europe. Le symbolisme reflète les spécificités de la vie spirituelle de la fin du siècle, il résume le siècle et il prépare également d'autres voies de l'art (comme, par exemple, les phénomènes du modernisme, comme l'expressionnisme, le surréalisme). Parallèlement, en tant que tendance clairement exprimée en littérature (principalement en poésie), le symbolisme n'existait pratiquement qu'en France, où il est né et a reçu une justification théorique dans les travaux de A. Rimbaud, P. Verlaine, J. Moreas, S. Mallarmé, A. de Rainier, R. Gil, G. Kahn et autres. Le mouvement des adeptes des symbolistes français était assez fort dans la littérature belge, et il ne s'y développait pas seulement en poésie (E. Verhaerne, J. Rodenbach, A. Mockel, C. van Lerberg, A. Giraud, I. Gilquin), mais aussi dans le théâtre (M. Maeterlinck). Dans d'autres pays d'Europe occidentale, en raison des voies uniques de développement national dans chacun d'eux, le symbolisme se manifeste à un degré ou à un autre dans le travail d'écrivains individuels, sans créer aucun mouvement, école, etc. Ainsi, par exemple, dans la littérature anglaise, certains éléments de symbolisme peuvent être notés dans les travaux de O. Wilde, W. B. Yeats ; dans la littérature allemande - dans plusieurs pièces de G. Hauptmann, dans la poésie de S. George ; en norvégien - dans la dramaturgie de G. Ibsen ; en autrichien - dans la poésie de G. von Hofmannsthal et les premiers travaux de R. M. Rilke.

Bien que le terme « symbolisme » lui-même, utilisé pour désigner un nouveau mouvement littéraire, n'apparaisse qu'au milieu des années 1880, la formation du symbolisme se produit dans les années 1870, alors que Rimbaud avait déjà prononcé sa parole, et « Romances sans paroles » de P. Verlaine est publié et la créativité de S. Mallarmé se développe.

Par ses origines, le symbolisme est étroitement lié à de nombreux phénomènes de l'art et de la pensée philosophique du XIXe siècle : au romantisme, à la philosophie et à l'esthétique classiques allemandes, à la nouvelle tendance de la philosophie allemande venue d'A. Schopenhauer ; Certains principes du symbolisme sont prévus dans les œuvres de poètes tels que A. de Vigny, J. de Nerval et surtout E. Poe. Le précurseur immédiat du symbolisme dans la littérature française fut III. Baudelaire. Un rôle énorme dans le développement du symbolisme appartient à R. Wagner. Les partisans de l'art « métaphysique » sont attirés par beaucoup de choses dans son œuvre : le principe de synthèse des arts, étayé dans la théorie du « drame musical » de Wagner et mis en œuvre dans les opéras, notamment dans la tétralogie « L'Anneau du Nibelung » (1854- 1874), dans « Tristan et Isolde » (1859) et Parsifale (1882) ; l'accent mis sur l'interprétation la plus généralisée et la plus intemporelle des intrigues légendaires, ainsi que sur le type même du « héros de l'esprit » de Wagner - tout cela aide à comprendre et à formuler les principes de l'esthétique symboliste.

La théorie des symboles est déjà anticipée dans les œuvres philosophiques de Goethe, puis développée de manière suffisamment détaillée et cohérente dans l'esthétique de F. W. Schelling, K. V. Solger, G. W. F. Hegel. Cependant, les liens étroits du symbolisme avec le processus antérieur du mouvement littéraire n'excluent pas la nouveauté qualitative que le symbolisme porte en lui en tant que méthode artistique et, surtout, en tant que vision du monde.

« Notre éducation philosophique s'est faite sur la base des idées de Schopenhauer », écrit R. de Gourmont, l'un des fondateurs de la revue symboliste Mercure de France. En effet, les principes fondamentaux de la vision du monde du symbolisme remontent aux idées du philosophe allemand Arthur Schopenhauer (1788-1860). Son œuvre principale, « Le monde comme volonté et représentation » (1819), a attiré l'attention des penseurs et des artistes plusieurs décennies après sa publication, dans les années 1860-1870. Le postulat fondamental du concept de vision du monde de Schopenhauer est l'unité de l'objectif (« volonté du monde ») et du subjectif (idée individuelle), incarnés dans les phénomènes du monde matériel. Le philosophe n'attribue pas un rôle moins important à la conscience du sujet percevant dans l'image du monde qu'au fait de l'existence objective des phénomènes, et cela ne pourrait pas être plus attrayant pour les symbolistes.

L'esthétique de Schopenhauer est de nature irrationnelle et mystique. En même temps, il ne fait pas de contraste entre l'activité créatrice et l'activité intellectuelle ; pensée imaginative - et spéculation ; l'art - et la philosophie. « La philosophie est une œuvre d'art faite de concepts » ; dans l'art, la chose la plus importante est le contenu métaphysique : le sens de l'art n'est pas de refléter la réalité externe et physique, mais d'exprimer l'essence interne, cachée et secrète du monde.

Schopenhauer est devenu le fondateur du système de vision du monde, apparu dans la seconde moitié du XIXe siècle. appelé idéalisme moderne. Cette ligne se poursuit dans les enseignements philosophiques de E. Hartmann, F. Nietzsche, A. Bergson. Avec toute l'originalité des idées de chacun d'eux, les traits communs de toutes les variantes du nouvel idéalisme étaient l'intérêt pour les problèmes de la conscience individuelle et le dépassement du cadre de la pensée rationaliste et de la logique, envahissant le domaine du subconscient. , inconscient et intuitif.

Le magazine Mercure ds France définit le symbolisme comme « l'expression poétique de l'idéalisme moderne ». Le postulat fondamental de la vision symboliste du monde est l'idée du monde comme une unité multidimensionnelle de la forme et de l'essence subjective et transpersonnelle, physique et spirituelle, privée et générale. Il est caractéristique que la priorité soit toujours donnée au spirituel et à l'essentiel. De là découle l'idée de l'art en tant qu'activité esthétique qui a un but métaphysique : s'élever au-dessus du monde physique et au-dessus de tout ce qui est matériel dans la sphère de la spiritualité, surmonter l'enveloppe extérieure de la forme et pénétrer dans l'essence des choses, dans le mystère de l'être, pour rejoindre les lois de l'univers. Le rejet aigu du pragmatisme, qui domine à tous les niveaux de la vie réelle - privé, social, politique, dicte l'exigence que l'art soit fondamentalement apolitique, ainsi que le déni de toute tendance moralisatrice. La créativité artistique est conçue comme un type d’activité ésotérique, accessible uniquement à quelques privilégiés et adressée à quelques-uns. L'artiste est assimilé à un médium, c'est-à-dire un médiateur qui peut et doit exprimer le monde « à travers lui-même », l'essentiel et le spirituel à travers des formes physiques et sensorielles.

D'autres principes strictement esthétiques du symbolisme comprennent : le concept du symbole comme moyen d'expression le plus adéquat de l'art métaphysique ; la théorie des « correspondances », ou « analogie universelle des sensations » ; l'exigence de l'interaction de différents types d'arts, qui ouvre la possibilité d'une approche la plus proche du but métaphysique de l'art ; caractère suggestif des images ; préférence donnée à l'expressivité sonore comme forme de suggestion la plus élevée. Le symbolisme présuppose une liberté absolue de créativité et l’intolérance à tous les canons et stéréotypes, l’originalité de la manière créative de l’artiste, et il place l’originalité avant tout.

Dans le domaine de la forme poétique, les poètes symbolistes se caractérisent par le désir de s'affranchir des normes de la prosodie traditionnelle, ils introduisent et justifient théoriquement le vers libre, le vers libre, et développent également la tradition des miniatures poétiques en prose.

Au milieu des années 1880. un cercle de symbolistes se forme à Paris dont le chef est Mallarmé ; des recueils de poésie se succèdent : « Cantilenas » de J. Moreas, « Tranquillité » et « Paysages » de A. de Regnier, « Rassemblement d'avril » de F. Vielle-Griffin, « Gammas » de S. Merrill, « Poèmes » de S. Mallarmé. En 1886, les « Illuminations » d’A. Rimbaud, écrites plus d’une décennie plus tôt, voient également le jour pour la première fois. Parurent également les premiers ouvrages théoriques des symbolistes : « Manifeste littéraire. Symbolisme" de J. Moreas, "Traité de la Parole" de R. Gil et plusieurs autres. A ce stade du développement du mouvement symboliste, ses adeptes se reconnaissent comme une sorte d'unité, comme un phénomène fondamentalement nouveau dans la littérature, et tentent de comprendre et de formuler leurs principes esthétiques.

L’apogée du symbolisme se situe à la fin des années 1880 et dans les années 1890. Les revues Symbolisme, La Plume, Mercure de France (cette dernière devenant le principal organe imprimé du mouvement), etc. sont publiées, et de nouveaux manifestes et recueils de poésie symboliste paraissent. A ce stade, la nature multiforme de l'art symboliste, son manque d'uniformité esthétique et l'individualité unique de chacun de ses adeptes sont révélés. Dans la seconde moitié des années 1890. de nombreux écrivains et poètes le rejoignent, par exemple R. de Gourmont, P. Louis, A. Samen, P. Faure, F. Jamme, L. Taillad, Saint-Paul Roux et d'autres, que l'on dit « plus jeunes » ou plus tardifs, symbolistes. Beaucoup d'entre eux, ayant commencé leur travail dans le sens du symbolisme, trouvent par la suite leur propre voie créative indépendante.

Le symbolisme devient l'une des principales composantes du phénomène historique et esthétique de la « fin du siècle » (fin de siècle) - un complexe de phénomènes de vie spirituelle, de culture et d'art qui termine le siècle.

« En gros, les descriptions de la nature dans les romans anciens, que nous, évoluant dans un certain système littéraire, serions enclins à réduire au rôle de service, au rôle d'adhésion ou d'inhibition (et donc presque de sauter), émouvant dans un autre système littéraire, nous aurions tendance à être considéré comme l'élément principal, dominant, car il est possible que l'intrigue n'ait été qu'une motivation, une raison pour le déploiement de « descriptions statiques ».

La question la plus difficile et la moins étudiée se résout de la même manière : celle des genres littéraires. Le roman, qui semble être un tout, un genre se développant en lui-même au fil des siècles, s'avère n'être pas un seul, mais variables, avec le changement du matériel d'un système littéraire à l'autre, avec la méthode d'introduction du matériel vocal extra-littéraire dans la littérature changeant, et les caractéristiques mêmes du genre évoluent. Les genres du « conte » et du « conte » dans le système des années 20-40 étaient définis, comme le montrent clairement les noms mêmes, par d'autres caractéristiques que les nôtres. Nous avons tendance à nommer les genres en fonction de caractéristiques efficaces secondaires, en gros, en fonction de leur taille. Les noms « histoire », « conte », « roman » nous suffisent pour déterminer le nombre de feuilles imprimées. Cela prouve non pas tant une « automatisation » des genres pour notre système littéraire, mais plutôt le fait que les genres sont définis dans notre pays selon d’autres critères. La taille d’une chose, l’espace de parole, n’est pas un signe indifférent. Dans une œuvre isolée du système, on n'est pas du tout capable de déterminer le genre, car ce qu'on appelait ode dans les années 20 du 19e siècle ou, enfin, Fet, a été appelé ode non pas pour les raisons que pendant Lomonossov.

Sur cette base, nous concluons : l'étude de genres isolés en dehors des signes du système de genres auquel ils correspondent est impossible. Roman historique Tolstoï n’est pas corrélé au roman historique de Zagoskin, mais à sa prose contemporaine.

À proprement parler, sans la corrélation des phénomènes littéraires, il n’y a pas de prise en compte de ceux-ci. Telle est, par exemple, la question de la prose et de la poésie. Nous considérons tacitement la prose métrique - la prose et le vers libre non métrique - le vers, sans nous rendre compte que dans un autre système littéraire, nous serions dans une position difficile. Le fait est que la prose et la poésie sont liées l'une à l'autre ; il y a une fonction mutuelle de la prose et du vers. (Comparer établi B. Eikhenbaum la relation entre le développement de la prose et du vers, leur corrélation.) La fonction du vers dans un certain système littéraire était assurée par l'élément formel du mètre.

Mais la prose se différencie, évolue, et le vers évolue aussi en même temps.

La différenciation d’un type apparenté implique, ou, mieux dit, est associée à la différenciation d’un autre type apparenté. La prose métrique apparaît (par exemple, Andreï Bely). Cela est dû au transfert de la fonction du vers en vers du mètre vers d'autres caractéristiques, en partie secondaires, efficaces : le rythme comme signe d'unités de vers, une syntaxe particulière, un vocabulaire particulier, etc. Fonction de la prose reste au verset, mais les éléments formels qui le remplissent sont différents.

Une évolution ultérieure des formes peut soit, au fil des siècles, consolider la fonction du vers en prose, la transférer à toute une série d'autres caractéristiques, soit la perturber, la rendant insignifiante ; et de même que dans la littérature moderne la corrélation des genres (basée sur des caractéristiques secondaires et effectives) a peu d'importance, de même il peut arriver un moment où il n'aura pas d'importance dans une œuvre qu'elle soit écrite en vers ou en prose.

La relation évolutive entre fonction et élément formel est une question totalement inexplorée. J'ai donné un exemple de la manière dont l'évolution des formes provoque un changement de fonction. Les exemples de la façon dont une forme avec une fonction indéfinie en évoque une nouvelle et la détermine sont nombreux.

Il existe des exemples d'un autre genre : une fonction recherche sa forme.

Laissez-moi vous donner un exemple qui combine les deux aspects. Dans les années 20, dans la direction littéraire des archaïstes, la fonction d'épopée en vers haute et populaire a émergé. La corrélation de la littérature avec l'ordre social les conduit à une forme de grands vers. Mais il n’y a pas d’éléments formels, « l’ordre » social s’avère ne pas être égal à « l’ordre » littéraire et reste en suspens. La recherche d'éléments formels commence. Katenin en 1822 met en avant l'octave comme élément formel de l'épopée en vers. La passion du débat autour de l'octave apparemment innocente correspond à l'orphelinat tragique les fonctions sans formes. L'épopée des archaïstes échoue. Après 8 ans, le formulaire est utilisé par Shevyrev et Pouchkine dans une autre fonction - la rupture de toute l'épopée tétramétrique iambique et une nouvelle épopée prosaïque abaissée (et non «haute» («La Maison à Kolomna»).

Le lien entre fonction et forme n’est pas accidentel. Ce n'est pas un hasard si la combinaison d'un vocabulaire d'un certain type avec des mètres d'un certain type est la même à Katenin et 20 à 30 ans plus tard à Nekrasova, probablement, n'avait aucune idée de Katenin.

La variabilité des fonctions de l'un ou l'autre élément formel, l'émergence de l'une ou l'autre nouvelle fonction dans un élément formel, son affectation à une fonction sont des enjeux importants de l'évolution littéraire, décider et explorer ce qui n'est pas encore le lieu ici.

Je dirai seulement qu'ici toute la question de la littérature en tant que série, système, dépend de recherches ultérieures.

L'idée selon laquelle la corrélation des phénomènes littéraires s'effectue selon ce type : une œuvre se déplace dans un système littéraire synchronistique et y « acquiert » une fonction n'est pas tout à fait correcte. Le concept même d’un système synchronistique en constante évolution est contradictoire. Le système des séries littéraires est avant tout un système les fonctions séries littéraires, en corrélation continue avec d’autres séries. Les rangs changent dans leur composition, mais la différenciation des activités humaines demeure. L'évolution de la littérature, comme d'autres séries culturelles, ne coïncide ni en rythme ni en caractère (en raison de la spécificité du matériau avec lequel elle opère) avec les séries avec lesquelles elle est corrélée. L'évolution de la fonction constructive se produit rapidement. Évolution fonction littéraire- d'époque en époque, l'évolution des fonctions de l'ensemble de la série littéraire par rapport aux séries voisines - au fil des siècles. Du fait que le système n'est pas une interaction égale de tous les éléments, mais présuppose la prééminence d'un groupe d'éléments (« dominant ») et la déformation des autres, l'œuvre entre dans la littérature et acquiert sa fonction littéraire précisément par cette dominante. . Ainsi, nous corrélons les poèmes avec la série de vers (et non avec la prose) non pas par toutes leurs caractéristiques, mais seulement par certains. Il en va de même pour la corrélation entre les genres. On compare maintenant un roman avec un « roman » en fonction de la taille, de la nature du développement de l'intrigue, mais on le classait autrefois selon la présence d'une histoire d'amour.

Voici un autre fait curieux, d’un point de vue évolutif. Une œuvre est corrélée selon l'une ou l'autre série littéraire, en fonction de la « déviation », de la « différenciation » précisément par rapport à la série littéraire le long de laquelle elle se diffuse. Ainsi, par exemple, la question du genre du poème de Pouchkine, inhabituellement aiguë pour la critique des années 20, s'est posée parce que le genre de Pouchkine était combiné, mélangé, nouveau, sans « nom » tout fait.

Plus les divergences avec l'une ou l'autre série littéraire sont aiguës, plus le système avec lequel il y a divergence ou différenciation est accentué. Ainsi, le vers libre mettait l’accent sur le début du vers sur des caractéristiques extra-métriques, et le roman de Stern mettait l’accent sur l’intrigue commençant sur des caractéristiques extra-fabulaires ( Chklovski)».

Tynyanov Yu.N., Evolution littéraire : œuvres sélectionnées, M., « Agraf », 2002, p. 195-199.