Выставка леонида сокова на крымском валу. Леонид соков, скульптурные композиции художника-нонконформиста

Облако «Соков». 1999. Холст, масло.

Музей продолжает знакомить зрителей с творчеством крупных художников, наших современников, определяющих своеобразие отечественного культурного ландшафта второй половины ХХ — начала ХХI века. Спецпроект Леонида Петровича Сокова (род. 1941), скульптора, одного из лидеров соц-арта, принципиально отличается от традиционного монографического показа. Произведения мастера рассредоточены по постоянной экспозиции «Искусство ХХ века» — от залов раннего авангарда до социалистического реализма 1940-1950-х годов, привнося в эти пространства иронию постмодернизма.

Таким образом Соков выступает гидом, комментатором и интерпретатором коллекции Третьяковской галереи, указывая на близких ему художников, акцентируя наиболее важные произведения, направления и периоды. Спецпроект является итогом размышлений автора о художественных поисках мастеров русского искусства прошлого столетия и одновременно — саморефлексией, попыткой осознания собственного пластического опыта, его истоков, специфики и закономерностей.

Заговор от сглаза. 2012. Дерево, уголь, вода, масляная краска.

Музей открыт таким экспериментальным показам. В 2015 году в залах послевоенного искусства был представлен спецпроект крупнейших московских концептуалистов И. Макаревича и Е. Елагиной. Подобные проекты делают привычную экспозицию живой и подвижной, актуализируют и анализируют ее, предлагая новые точки зрения, а также поднимают вопросы музеефикации современного искусства.
В годы учебы в Московской средней художественной школе и Московском высшем художественно-промышленном училище (бывшее Строгановское), Соков много рисовал в Московском зоопарке, оттачивая мастерство, способность «ухватить» характерные черты живой натуры и обобщить увиденное, отбросив лишнее для достижения наибольшей выразительности. Как многие советские скульпторы, Соков испытал влияние Александра Матвеева - учителя его учителей. После окончания училища Соков стал членом МОСХ, а потом и членом бюро секции скульптуры. Но ему было слишком тесно в границах, установленных для советского художника. Он быстро эволюционировал - подающий надежды анималист интересовался современной западной пластикой, участвовал в неофициальных выставках. Отличительным свойством его работ стала ироническая игра цитат, символов и аллегорий. В 1979 году скульптор эмигрировал из СССР.\

Ищет с фонарем при свете солнца. 2010. Литье, гарт.

Сейчас в Третьяковской галерее хранится около 30 произведений Сокова. Первой, в 1993 году, музей получил в дар от автора работу «Сталин с медвежьей ногой» (1993), в 1996 году - «Тукан» и «Сервал» (обе - 1971) от Министерства культуры РФ. В начале 2000-х поступили «Портрет бюрократа» (1984) и «Очки (Очки для каждого советского человека)» (2000, авторское повторение работы 1976 года), последними — работы из коллекции советского андеграунда Леонида Талочкина, переданной в музей в 2014 году.
Помимо работ из собрания Галереи в состав спецпроекта также включены важные для раскрытия темы произведения из частных коллекций Дмитрия Волкова, Шалвы Бреуса, Екатерины и Владимира Семенихиных, Владимира Антоничука, Симоны и Вячеслава Сохранских.
По словам Сокова, спецпроект «Незабываемые встречи», не претендует на активное «вторжение» или «интервенцию» его работ в экспозицию Галереи. Скорее, это попытка скульптора «смешаться» с теми, кто на него влиял, кого он любит. Это и лидеры русского авангарда — Михаил Ларионов, Владимир Татлин, Казимир Малевич, и учитель его учителей — Александр Матвеев. Специально для настоящего показа кураторы извлекли из запасников музея редко экспонируемые работы особо значимых для Сокова скульпторов — Василия Ватагина, Александра Матвеева, Дмитрия Цаплина — и дополнили ими постоянную экспозицию.

Рубашка. 1973-1974. Дерево.

Представляя зрителю своих любимых художников, Соков показывает, как в диалоге с ними, в подражание им или в противопоставлении создавались его собственные произведения — от анималистики и женских ню 1960-х годов до иронических объектов и инсталляций 1990-2010-х. В зале с картиной Василия Ефанова «Незабываемая встреча» (1936-1937), полотном Александра Герасимова «И.В. Сталин и К.Е. Ворошилов в Кремле» (1938) и другими большеформатными произведениями социалистического реализма размещена работа Сокова «Встреча двух скульптур. Ленин и Джакометти» (1994) — одно из знаковых работ соц-арта. Здесь же представлена инсталляция: Сталин «выступает» перед модернистской скульптурой — миниатюрными репликами самых известных произведений западных мастеров ХХ века. Диалог диаметрально противоположных смысловых и пластических систем обнажает основной метод Сокова — ироническую и абсурдистскую деконструкцию привычных символов, знаков, клише.
В рамках спецпроекта во внутреннем дворе Третьяковской галереи на Крымском Валу размещен один из самых парадоксальных объектов Сокова — воспроизведенный в натуральную величину грузовик с супрематическим гробом Малевича в кузове и «Черным квадратом» на капоте. Cделанный из дерева грузовик напоминает гигантскую детскую игрушку, созданную в традициях русских резных промыслов. В соединении интереса к авангарду и народной традиции, архаике, примитиву состоит важнейшая особенность творческого метода Сокова.
Стремясь понять характер народного сознания и юмора, Соков обнаружил своих предшественников среди художников русского авангарда, черпавших энергию и пластические идеи в «низовой» ярмарочной культурной традиции. Поэтому не случайно спецпроект начинается с объектов Сокова в залах Михаила Ларионова, одного из главных новаторов отечественной художественной сцены начала прошлого века. Образами крушения утопических идей и планов первого русского авангарда стали соковские иронические объекты-гибриды: танковая башня, приделанная к супрематическому чайнику Малевича, ворона в «Летатлине», табуретка, водруженная над архитектоном.
Важнейший персонаж Сокова — медведь, один из самых узнаваемых символов России, занял место идеальной человеческой фигуры в знаменитом «Витрувианском человеке» Леонардо да Винчи. Этот «Витрувианский медведь» стал эмблемой проекта. Мобили с медведями, выполненные в традициях народной игрушки, специально для проекта выпущены небольшим тиражом и вместе с другими игрушками-мобилями будут доступны в сувенирном магазине.

Адрес: Крымский Вал, 10.
Проезд до ст. метро "Парк культуры" или "Октябрьская".
Режим работы: вторник, среда, воскресенье — с 10.00 до 18.00
(кассы и вход на экспозицию до 17.00)
четверг, пятница, суббота — с 10.00 до 21.00
(кассы и вход на экспозицию до 20.00)
выходной — понедельник
Цена билета: Взрослый - 500 руб. Льготный - 200 руб. Подробнее .
По этому билету вы сможете посетить не только данную выставку, но и постоянную экспозицию и другие временные выставки, проходящие в это время в музее.
Каждую среду вход для индивидуальных посетителей бесплатный на постоянную экспозицию и временные выставки кроме выставки .

Posts from This Journal by “ГТГ” Tag

• 
  Выставка "Скульптор Анна Голубкина" - отчёт.

  В залах Третьяковской галереи в Лаврушинском переулке открылась выставка «Скульптор Анна Голубкина». Показ произведений Голубкиной в…

• 
  Пресс-конференция Третьяковской галереи.

  В понедельник 20 мая состоялась пресс-конференция посвященная реставрации картины Ильи Репина "Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581…

• Выставка "Головой о стену Живопись и графика Б.А. Голополосова 1920–1930-х годов".

  Наряду с ретроспективами крупных отечественных живописцев Третьяковская галерея считает своей важнейшей миссией проведение выставок художников,…

• Выставка "Семен Файбисович. Ретроспектива"

  Третьяковская галерея открывает выставку произведений Семена Файбисовича, одного из ярких представителей искусства эпохи застоя, перестройки и…

• — Вы часто бываете в Москве?

  — Когда дела есть, то раз-два в год. Но персональной выставки у меня в России не было — даже в галереях. А это ретроспектива. Мне 70 лет, в таком возрасте уже есть потребность внутренне отчитаться перед культурой, из которой вышел — перед русско-советской культурой.

  — Большинство ваших сюжетов связано с идеологией и мифологией. Вот ваш любимый персонаж — медведь. Как он вам в современном виде?

  — У вашей партии власти на логотипе тоже медведь — стилизованный, хорошо нарисованный, но все же это тотем. Каждое время требует нового медведя.

  — Не обидно, что он перешел на сторону зла?

  — Ну это уже эстетическая оценка, а для меня важна мифологическая. Это как журнал Time однажды выбрал человеком года бин Ладена — действительно самого популярного в том году человека. Миф может быть любым — плохим, хорошим. А вот зло и добро — это понятия эстетические. При Сталине когда жили, большинство считало, что Сталин — это добро великое. Сама идея мифа вне эстетических категорий.

  — Вы, живя в Америке, не испытываете недостатка в мифах?

  — Дело в том, как на мир смотреть. Вот эпоха Гоголя не то чтобы была мифическая, но он, как русский Гомер, создал типажей вроде Ноздрева или Коробочки. Он мыслил мифологически. Я живу в Америке, но я не ограничен территорией — мне все равно, хоть Огненная Земля. Потому что у меня была уже сложившаяся культура: я уехал, когда мне было 36. И мне постоянно приходилось задумываться над вопросом, что такое русский художник, живущий вне русской культуры? Если разобраться, сколько процентов нашей культуры было сделано здесь, а сколько за границей? «Явление Христа народу» было известно где сделано, «Мертвые души» тоже известно, «Воскресение» Толстой в Германии написал, про все романы Тургенева я уж не говорю. Когда я уезжал, я боялся всякой ностальгии. Был такой писатель Зайцев, он написал статью о том, что при отце Петра Первого отослали 16 недорослей за границу учиться с тем, чтобы все они возвратились потом. Из них ни один не возвратился. И Зайцев этот говорит, что с этого момента и началась русская интеллигенция, — интересный вопрос, если серьезно думать об этом.

  — Вот еще о мифологии — наш новый министр культуры известен тем, что сочинил серию книг, где развенчивает нелестные мифы о русском народе.

  — То есть хочет отменить все отрицательные мифы? Ну что сказать, глупость очередная. Русская культура очень интересна, но здесь много всяких некрасивых проявлений — хамство, например, невероятно распространено. Русские — пассионарная нация, но это не значит, что у них нет недостатков. А вообще, нет точного определения мифа, непонятно, что это такое, как он образуется. Можно идти к нему путем его разрушения, путем иронии. Если проиронизировать миф о Сталине, можно о нем больше понять, а можно, наоборот, защищать миф. Не думаю, что Сталин сознательно создал самый большой миф на 1/6 части света. Мэрилин Монро тоже делала все бессознательно, а получился миф. Это ведь не очень-то красивая женщина, достаточно обычная.

  — И что происходит, когда два мифа этих встречаются, как в вашей работе?

  — Ну, это взгляд русского художника. Интересный эффект, когда два несопоставимых мифа сталкиваются. Представьте, что через 100 лет никто даже не будет знать, что Сталин и Мэрилин в жизни никогда не встречались, только на картине.

  — Вы, когда приехали в Америку, сравнивали себя с классиком поп-арта Ольденбургом?

  — Я когда в СССР еще жил, то очень увлекался, конечно, всеми этими поп-артистами, знал их по журналам. Но я тогда уже был не дурак и не подражал слепо. Я понимал, что, когда живешь в Москве, у тебя должна быть другая культура и другая форма. Поп-арт повлиял на все мое поколение художников — но все его понимали по-своему. Нельзя делать в России работы, подобные Ольденбургу, хотя соблазнительно. Это как недавно еще все критики и искусствоведы увлекались новыми французскими философами — и каждая статья начиналась с цитаты из Деррида или Лакана. Потом это прошло, слава богу. Но зато появились такие художники — смотришь, и непонятно — то ли это русский, то ли австриец. Выглядят совершенно одинаково. Глобализация это приветствует, но я думаю, что это плохо.

  «Непонятно, почему концептуализм у нас тянется много лет, как сопля, — на Западе он никого не интересует»

  — Понятно, что у вас и у Ольденбурга похожие методы, но совершенно разная культура и пластика. А что вы почувствовали, когда переехали жить в мир Ольденбурга?

  — Я понимал, что ту культуру, которая у меня есть, я не могу сменить, как одежду, — плохая она или хорошая, мне она нравилась. Я понимал, что не смогу быть ни Ольденбургом, ни Джаспером Джонсом, ни Уорхолом — но я могу посмотреть своим взглядом на американские вещи, и своим акцентом я могу заинтересовать американцев. Несколько художников-эмигрантов, которые настаивали на своей русско-советской культуре, и сделали соцарт — который, я так думаю, произошел в Америке. Героический соцарт — это не критика социалистических идей, как многие считают, а разрушение соцреализма. И это совпадало с другими постмодернистскими движениями — с арте-повера, с немецким неоэкспрессионизмом и с другими — они тоже ориентировались на свое прошлое. У немцев был экспрессионизм, у итальянцев — футуризм, а у русских был соцреализм. Как угодно, но за сто лет в России было два оригинальных движения — супрематизм и соцарт. Все остальное — привнесенное.

  — То есть вы не согласны с популярной идеей, что соцарт — часть концептуализма?

  — Да, это выдумка искусствоведов, Гройса и других. Это притянуто за уши. Посмотрите трезвым взглядом: концептуалисты — это последователи западных движений. Я для себя знаю, почему в 70-х концептуализм был интересен и расцветал. Но сейчас? Вот приходит человек, смотрит на работу, ничего не понимает, а сказать об этом боится. И на этом строится мнение, что художник хороший, — все просто боятся сказать, что им не нравится.

  — То есть вы думаете, что «Коллективные действия», например, не могут нравиться людям?

  — Ну, не знаю. Просто непонятно, почему концептуализм у нас, у русских, тянется много лет, как сопля, — на Западе он никого не интересует.

  — Я хотела спросить насчет Ленина и Джакометти. Я когда узнала, что эта работа середины 80-х, очень удивилась — мне казалось, она более ранняя. Но фактически для вас Ленин и Джакометти — они раньше гораздо встретились?

  — Знаете, у меня такого плана работ много. Вообще очень интересно: когда на определенном участке времени есть много идей — какие-то осуществляются, какие-то не осуществляется. И вот если это совпадает хорошо — время, реакция зрителя и когда вовремя выставлена на правильной выставке, — получается хорошая скульптура. «Ленину и Джакометти» очень повезло — она во время перестройки была сделана. И это многоплановая для понимания скульптура. Первое — это встреча модернизма и соцреализма, второе — это встреча крепкого буржуа, Ленина, и тощего совсем, голодающего Поволжья какого-то — идущего человека Джакометти.

  — А сколько копий этой работы существует?

  — Много, вы знаете. Первую я сделал в 1987-м, тогда Ленина я сам слепил. Для второй, в 1989-м, я уже нашел такого реди- мейд Ленина в 50 см высотой. Этот Ленин был как слепок эпохи — я его на рынке нашел. Я умею, конечно, лепить, но с такой любовью слепить я бы не смог. Позже уже мне по просьбе коллекционеров пришлось сделать большого Ленина — метр шестьдесят. И вот этим летом я по требованию трудящихся тоже сделал шесть копий, как в Италии принято, по два метра двадцать пять сантиметров высотой.

  — Они все больше становятся?

  — Такие требования публики — ну просит человек два двадцать пять, чтобы хорошо в саду смотрелось.

  — Вас это не раздражает?

  — А что значит раздражает — знаете, сколько «Поцелуев» Родена существует?

  — Ну да, как известно, подлинность модернизма — это миф.

  — Да-да, миф. Копия живописи требует руки — Тициан написал шесть штук Магдален, притом, по-моему, последняя — самая лучшая. А в скульптуре просто есть форма, с которой делают отливки.

  — Может, лучший Ленин и Джакометти еще впереди?

  — Да. Ленина я всегда оставляю таким, какой он есть, а Джакометти все время приходится переливать — он очень тонкий скульптор. Кроме законов этрусской или кельтской скульптуры, которые он изучал в Лувре, есть на его работах еще отпечаток личности — он не любил заканчивать, такой уж был человек. Незаконченность — хороший прием, но повторить его очень сложно, я же не могу до конца войти в роль Джакометти. Поэтому даже в копиях мне приходится его подправлять в литейной — и все равно не как у Джакометти получается.

  По понедельникам большинство московских музеев не работают, но это не значит, что у публики нет возможности приобщиться к прекрасному. Специально для первого рабочего дня недели редакция сетевого издания сайт запустила новую рубрику "10 неизвестных", в которой мы знакомим вас с десятью произведениями мирового искусства, объединенными одной тематикой. Распечатывайте наш гид и смело отправляйтесь с ним в музей, начиная со вторника.

  В Третьяковской галерее на Крымском валу открылась выставка художника Леонида Сокова "Незабываемые встречи". По замыслу куратора и автора 46 работ Сокова оказались разбросаны по постоянной экспозиции советского искусства. Благодаря такому решению поменялся смысл и тех, и других.

  

  Леонид Соков "Витрувианский медведь", 2016

  "Незабываемые встречи" – это выставка-экскурсия, которую Леонид Соков проводит для посетителей Третьяковской галереи. Через свои объекты он выстраивает диалоги с самыми значимыми произведениями советского искусства от авангарда до соц-арта, а также с образами мировой классики.

  Соков начинал работать как художник и скульптор-анималист под руководством преподавателей Московской средней художественной школы Василия Ватагина и Дмитрия Цаплина, а также под влиянием европейской модернистской скульптуры начала XX века. Эти анималистические рисунки и пластика вскоре превратились в символические знаки. Работа "Витрувианский медведь", хотя и выполнена в 2016 году, отсылает именно к той, ранней стилистике работ художника. С одной стороны, это аллюзия к "Витрувианскому человеку" Леонардо да Винчи, возможно, самому известному рисунку итальянского Возрождения, с другой – медведь, как ни крути, один из самых популярных символов России, ее народной стихии. И в творчестве Сокова медведь становится важным персонажем.

  

  Леонид Соков "Двуглавая ворона в Летатлине", 2013

  На выставке можно найти комментарии самого автора, которых зачастую не хватает на выставках современного искусства. О Летатлине Соков говорит, что эта конструкция является показательным примером революции 1917 года. "Идея очень русская: человек рожден для счастья, как птица для полета". Представитель авангарда Владимир Татлин и его проекты стали детищем революции в том смысле, что именно революция, как казалось, сделает человека свободным и проложит ему дорогу не только в космос, но и к всеобщему благоденствию. Татлин работал над проектом летательного аппарата для военного ведомства, который приводился в движение мышечной силой человека. Но летать на нем так и не получилось, как не получилось реализовать идеи нового общества. А двуглавая ворона служит пародией на орла, принижая имперские амбиции символа новой России.

  Леонид Соков "Рубашка", 1973

  

  Леонид Соков "Рубашка", 1973

  Соков обращается не только к визуальным образам, но и к языку. В русском фольклоре есть поговорка "сшить деревянную рубашку", то есть сколотить гроб. В то же время в этой работе есть отсылка к мировому искусству, в частности, к поп-арту, в котором предметы повседневного потребления, выполненные в различных техниках и материалах, увековечивались в арт-объектах.

  

  Леонид Соков "Очки для каждого советского человека", 2000

  Работа "Очки для каждого советского человека" была выполнена в 2000 году, но выпадает из современного контекста. Она имеет прямое отношение к идеям соц-арта 1970-х годов. В русском языке есть выражение "смотреть на мир сквозь розовые очки", то есть обманываться, не замечать недостатков. Советскому человеку эти "очки" навязывались через идеи и пропаганду. Символом эпохи служат вырезанные в деревянных очках Сокова красные звезды.

  

  Леонид Соков "Дыр бул щыл" Крученых", 2005

  "Заумное" стихотворение "Дыр бул щыл" Алексея Крученых, написанное в 1912 году, стало наряду с "Черным квадратом" Казимира Малевича одним из наиболее важных символов русского авангарда. По словам автора, в нем было "больше русского национального, чем во всей поэзии Пушкина". Соков переносит стихотворение в контекст 1960-70 годов, когда художники-концептуалисты вновь вернулись к текстам как средству визуальной выразительности. "Я не могу, как концептуалисты, печатать что-то на машинке, – поясняет автор. – Хотелось зафиксировать свое восхищение гениальной поэмой Крученых в пространстве".

  

  Леонид Соков "ВОТ", 2016, повторение работы 1978 года

  "ВОТ" – по сути также служит отсылкой к русской литературе. Соков взял его у своего современника, поэта Всеволода Некрасова. По словам художника, это слово накрыло ситуацию 1970–80-х годов и стало его сущностной характеристикой, потому что мы говорим "вот", когда больше нечего сказать. И в тот момент действительно сказать больше было нечего: эпоха СССР подходила к концу.

  

  Леонид Соков "Встреча двух скульптур", 1994

  Одна из самых интересных и тонких работ художника представляет собой игру смыслов. Во-первых, скульптура Ленина, которая тиражировалась миллионы раз, стала таким же символом советской эпохи, как "Идущий человек" Энтони Гомрли для культуры западно-европейской. Во-вторых, это не просто "Встреча двух скульптур" из параллельных реальностей, но и встреча двух мировоззрений, не пересекающихся в пространстве.

  

  Леонид Соков "Угол зрения", 1976

  Абстрактная композиция "Угол зрения" вновь отсылает к работам Казимира Малевича или Александра Родченко. Она составлена из супрематических элементов и дополнена надписью, которая могла бы стать названием какого-либо творческого объединения 1920-х. С другой стороны, сам материал (дерево) рождает ассоциацию с примитивным искусством.

  

  Леонид Соков "Сталин и Монро", 2008

  Изображения Сталина и Монро тиражировались в СССР и США примерно с одинаковым усердием. Эти культурные символы эпохи, противоположенные по своей сути, в итоге превратились в тиражируемые бесконечно повторяемые и лишенные смысла знаки. Поэтому для Сокова соединение этих знаков в пространстве одного изображения было вполне логичным ходом. По словам художника, через 300 лет, когда мир забудет реальный исторический контекст, все будут верить его работам и думать, что такая встреча действительно имела место в истории, так как мы верим всему, что изображено на картинах эпохи Возрождения.

  

  Леонид Соков "Куда девалась агрессия русского авангарда?", 2002

  Работы Казимира Малевича до сих пор служат для Сокова неисчерпаемым источником вдохновения. Он переосмысливает их, пытаясь на их примере понять эволюцию русского авангарда. "Как раз в 1930-е годы Сталин стал строить советскую военную машину. На это были брошены лучшие умы и таланты Советского Союза, – говорит Соков. – Посмотрите на хищный ястребиный дизайн советских военных самолетов 1930-х годов с задранными вверх носами и длинными выпущенными шасси, как лапы хищных птиц. Или башни танков, в дизайне которых присутствуют квадрат, треугольник и ромб". Соков говорит о том, что агрессия русского авангарда нашла воплощение в военной технике и создает объект, по форме напоминающий одновременно фарфоровый чайник в духе работ Малевича или Родченко и танк с башней и дулом.

  В Третьяковской галерее проходит выставка «Леонид Соков. Незабываемые встречи» , приуроченная к 75-летию художника, скульптора, яркого представителя направления соц-арт.

  Спецпроект Сокова далек от традиционного монографического формата: работы мастера рассредоточены по восьми залам (ранний авангард и социалистический реализм) постоянной экспозиции «Искусство ХХ века». Леонид Соков прямо на выставке объяснил ARTANDHOUSES, почему «Незабываемые встречи» не «интервенция» в музейное пространство, но попытка диалога с художниками, оказавшими особенное влияние на его собственное творчество.

  В дополнение к постоянной экспозиции из запасников извлекли работы скульпторов Василия Ватагина, Дмитрия Цаплина, рядом с которыми я вижу ваши работы. Значит, вы должны были тоже стать анималистом?

  Жаль, кстати, что в искусствоведении существует мнение, будто Ватагин и Цаплин просто рисовальщики зверушек. Да, все думали, что я буду продолжателем великих анималистов. Животных рисовал еще в МСХШ, художественной школе, когда мне было 14-15 лет. В зоопарк ходил, пытаясь ухватить характерные черты живой натуры. Позже, уже в Строгановке, стал работать с деревом, отливал из гарта. Это такой типографский сплав. Году в 1965-м взялся изучать духовное влияние на русскую скульптуру народов северной Сибири, язычества, шаманов. Ведь шаман, он был и кузнецом, и художником. У всех северных народов существовал культ медведя, медвежий праздник. Прошло столько времени, а медведь и сегодня один из самых узнаваемых символов России.

  Вот откуда «Витрувианский медведь», эмблема вашего проекта?

  Медведь занял место идеальной человеческой фигуры в «Витрувианском человеке» Леонардо да Винчи.

  А что было после окончания института?

  Когда окончил Строгановку, чтобы не пачкаться Лениным, стал анималистом. Пошел работать на скульптурный комбинат и стал лепить козлов. Типовых. Их размножали и ставили на детские площадки в парках. Меня все уважали. Это давало свободу.

  Ну да, они этим зарабатывали.

  

  Как долго вы занимались козлами?

  До отъезда. В 1979 году я уехал в США. Я был членом скульптурной секции МОСХа, но меня сразу оттуда исключили.

  Расскажите, в чем идея выставки?

  Идея - рефлексия по поводу культурных слоев, авангарда, советского искусства. Надо время от времени перетряхивать культуру. Каждое поколение смотрит на свое наследие иначе, и культура таким образом обогащается. Художник всегда ведет внутренний диалог со своей культурой. Мне представился счастливый случай вести этот диалог своими работами, и я хочу, чтобы в него был включен и зритель. Экспозиция в Третьяковской галерее просто контекст, я же где-то ставлю ударение, запятую, где-то восклицательный знак, многоточие.

  

  

  

  

  Начало диалога происходит в зале авангарда, рядом с работами Михаила Ларионова и Наталии Гончаровой. А тут, в разделе советского искусства, возле полотна Василия Ефанова «Незабываемая встреча», «запятая»?

  Я поставил рядом свою работу 1994 года «Встреча двух скульптур. Ленин и Джакометти». «Шагающий человек», на мой взгляд, самая сильная модернистская вещь. Поэтому здесь встречаются два символа, два мифа, соцреализм и модернизм, а не просто Ленин и Джакометти. У русских два оригинальных явления - авангард и соц-арт. Всё остальное привнесенное. Пожалуй, даже нет, только соц-арт. В другом месте это явление само по себе было невозможным.

  Соц-арт часто сравнивают с поп-артом.

  Если русские будут создавать собственные идеи, их не станут ни с кем сравнивать. Надо иметь собственную культуру, тогда будешь сильным и оригинальным. Вот соц-арт считается издевательством, стебом даже. На самом деле так называемый героический соц-арт, то есть относящийся ко времени до 1986 года, был разрушением соцреализма, деконструкцией, что очень хорошо вписывается во все постмодернистские явления.

  

  Вы всегда работаете с мифом, и ваш метод - это ироническая деконструкция привычных символов, знаков, клише.

  Когда я работаю с мифом, стараюсь быть нейтральным, то есть почти на нуле. Самый большой миф XX века - это Сталин. Второй миф - Мэрилин Монро. Я их просто соединил. Еще одна работа в этом зале - где Сталин с трибуны выступает перед модернистской скульптурой. Опять символ соцреализма как нечто единое, перед которым, точно «мелочь пузатая», в миниатюре всё разнообразие модернистских языков - Генри Мур, Константин Бранкузи, Жак Липшиц, Ханс Арп и другие. Диалог диаметрально противоположных смысловых и пластических систем. Во дворе Третьяковки на Крымском валу стоит тоже символ эпохи - грузовик-полуторка, сделанный мной из дерева в натуральную величину, с гробом Малевича.

  

  

  

  

  При этом в экспозиции есть нечто вроде биографического зала. Скульптура солдата - это же автопортрет?

  Солдат на посту. Да, это я в армии. Первая отливка находится в парке скульптур в Прато, под Флоренцией. Остальные работы в этом зале я сделал специально для этой выставки: увеличенный текст заговора, который моя бабка - деревенская колдунья дала мне, когда я уходил в армию, письмо моей матери в Америку.

  

  И опять возникает тема дерева…

  Потому что нельзя Россию объяснить только поп-артом. У нее другая мифология. И главный материал России - это дерево. Если посмотреть на нее с высоты птичьего полета, то всё здесь просто плохо обработанное дерево. Вся Россия - это страна красивых, но недоделанных идей. Вот Летатлин, красиво сделано, но не полетел. Рефлексирующий народ, и культура рефлексирующая. Я всегда считал себя русским художником, хотя для заработка в Америке это было катастрофой. Как художник, я многое воспринимаю чуть быстрее, но не становлюсь в позу пророка или проповедника. Как говорил мой любимый писатель и философ Василий Розанов: «Я пришел в мир не для того, чтобы изменить что-то, но для того, чтобы видеть».

  

  «Как художник я себя ощущаю русским», - сказал как-то в одном из интервью художник Леонид Соков, один из пионеров соц-арта, в 80-е эмигрировавший в США. Все эти годы, несмотря на расстояние, он держит руку на пульсе родины. И вот вновь прибыл в Россию, чтобы лично поучаствовать в необычном проекте - экспериментальном показе в Третьяковской галерее на Крымском валу. Репортаж Анны Галинской.

  Леонид Соков верит в то, что соц-арт жив, и сам себя называет соц-артистом. Он не прошел мимо ни одной знаковой фигуры ХХ века, да и вообще, все, кто хоть как-то оказал влияние на художника, стали объектом его творчества. Или его иронии - как, например, Ван Гог и Сезанн.

  Куда же без Леонардо и его знаменитого рисунка - правда, у Сокова витрувианским стал медведь, для художника он символ мужества. Деревянный табурет - лишь повод для беседы с Малевичем, стул вырастает из супрематического «нечто». На этой выставке важен контекст, а вот под каким углом смотреть - для художника не важно.

  Постоянная экспозиция Третьяковки «Иксусство ХХ века» в этом проекте - как текст, в котором Леонид Соков расставляет знаки препинания, показывает самые важные для него произведения, направления и периоды - почти что вседозволенность. Для Третьяковской галереи это большая редкость.

  «Сейчас, проходя по этим залам в сопровождении удивительного, тонкого, ироничного гида, коим является Леонид Соков, ты начинаешь понимать, что, оказывается, есть ещё другой смысл», - отмечает директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

  «Двуглавая ворона в Летатлине» направляется прямиком на выставку Общества молодых художников 1921 года. А на встречу Ленина с шагающим человеком Джакометти смотреть нужно через «Очки советского человека». Около 100 работ представлены на выставке, и среди них - давно забытые самим художником.

  «Это не моя работа уже, она - коллекционера», - говорит художник об одном из полотен.
  Из тех, что его - «Заговор», в память о бабушке-колдунье, «Письмо мамы», увеличенное в масштабе, сочное облако с фамилией автора, и, конечно, одна из самых известных работ, его авторское повторение - Сталин и Монро.

  «Сталин и Мэрилин - они никогда не встречались. Но я так считаю, что через сто лет никому не будет интересно, встречались они или нет. Это, на самом деле, две самые мифологические фигуры ХХ века. По моим понятиям. Но, я как художник, имею право как угодно тасовать этих людей», - подчеркивает Леонид Соков.

  Леонида Сокова часто называют художником, который насмехается над всеми и всегда. Он же свое творчество называет по-другому - деконструкцией. Отстраненно, со стороны, всегда иронично, он смотрит вокруг и называет все абсурдом. Поэтому и соц-артист.