Dites-nous ce que "art contemporain" est? Seulement en un mot, s'il vous plaît. L'exposition "toujours moderne

Le 22 avril 2016, dans le pavillon légendaire numéro 66 à la VDNX, jusqu'à récemment porté le nom "Culture", ouvert "Galerie Rosizo". Elle a commencé à travailler l'exposition "toujours moderne. Art des XX-XXI siècles. ". Les spectateurs montreront les œuvres d'artistes emblématiques depuis plus de cent ans - depuis les années 1900 à nos jours: Masters reconnus par les classiques du XXe siècle (Ivan Klyn, Alexander Deineka, Arkady Plastov) et Contemporains de culte, dont le travail est exposé Dans les plus grands musées du monde (Alexander Sitnikov, Eric Bulatov, Igor Makarevich). Les images de l'exposition appartiennent à des zones stylistiques différentes et sont écrites dans différentes périodes de l'histoire du pays, mais non seulement ne se contredisent pas, en revanche - entrez dans la "boîte de dialogue": les œuvres de nos jours poursuivent les traditions artistiques des générations précédentes.

L'exposition comprend trois sections: l'art de la première moitié du XXe siècle, 1960-1980. et le travail de nos contemporains. L'objectif de chaque période est le style des recherches et des solutions artistiques, des demandes de temps et des réponses aux artistes.

La première section commence par des œuvres qui ont rendu une révolution dans la présentation des tâches de l'art - des œuvres d'avant-garde russes. L'écart avec l'école classique de la peinture, le désir de l'expérience, la recherche de nouvelles formes est les caractéristiques les plus importantes de ce flux. L'exposition démontre les principales directions de l'avant-garde russe: cubaturisme ("Portrait de l'acteur" Mikhail Le Danteyu) et Cubism ("Vue urbaine" Alexey Grischenko, "Composition. Cubisme" Georgy Noscova), Suprématisme ("Suprémation" Ivan Kolan) et constructivisme (œuvres de Vladimir Tatlin).

L'avant-garde s'est développé en 1910-1920, mais au début des années 1930, après la résolution, «sur la restructuration des organisations littéraires et artistiques», il est devenu complètement clair: les expériences créatives vont à la fin. La principale tendance de cette décennie était le développement de l'art disponible pour comprendre le plus large public lui-même - la méthode artistique "Socialisme" est née. Les peintures de cette période sont consacrées à l'industrialisation, aux victoires militaires et au travail: "Démonstration sur la place d'Uritsky" Vasily Vikulov ", pose de la voie ferrée à Magnitogorsk" Kuzma Nikolaeva, "Kolhozniki accueillis des chars" Catherine Grain et d'autres.

La deuxième partie de l'exposition raconte les œuvres d'artistes des années 1960-1980. Dans l'art soviétique de cette époque, simultanément du réalisme dans l'esprit des années 1930-1950 (sculpture de Nikolay Tomsk, Lion Kerbel), il y avait ses modifications stylistiques - par exemple, "style sévère" ("à Chulana" Helium Korzhev, " Absheron Intérieur de Tair Salakhov). Depuis les années 1970, des techniques sont utilisées, caractéristiques du photoréalisme («Changer» de la famille Leonid, «Expérimentez dans l'espace» mendicité), expressionnisme ("personnages balançant sur une balançoire" Natalia Nesterova), réalisme fantastique et surréalisme ("Golden Age" Alexander Sinikova, "famille. Mes contemporains" Olga Bulgakova). Certains artistes ont ravivé les traditions de l'avant-garde russe. Après des expositions à Manege en 1962 et dans la terre folle de Belyaevo en 1974, qui a reçu une résonance internationale, cette ligne d'art a commencé à appeler "alternative" et "non officielle". Dans l'exposition, il est représenté par des œuvres de Vladimir Andreenkov, Boris Orlova, Evgenia Ruhina, Boris turc.

La troisième section est consacrée à l'art moderne - à partir de la fin du XXe siècle et jusqu'au moment actuel. L'exposition de la troisième section démontrera comment dans notre époque différents styles de peinture sont devenus les outils de la langue artistique. Les artistes citent souvent les œuvres bien connues de leurs prédécesseurs et utilisent des techniques reconnaissables, formant une nouvelle langue visuelle. Avec les classiques de l'art contemporain dans cette section, les œuvres des jeunes artistes seront également présentées, qui sont également inspirées de l'esthétique des nouveaux médias.

L'art du XXIe siècle de l'exposition est représenté par des œuvres d'artistes de culte. Les téléspectateurs verront la "Vue de Moscou de Madrid" Eric Bulatova, "Vie de Heavenly" Igor Makarevich, "Amsterdam" George Guryanova, "Forceia" Irina Nakhova et d'autres.

L'exposition mettra en vedette des peintures des collections du musée de l'État et du centre d'exposition "Rosizo", Musée d'art de Yaroslavsky, Serpukhov Historique et Musée d'art, le Musée central de l'histoire de la Russie moderne de l'État de la Russie, l'union des artistes d'artistes de la Russie ", ainsi que des collections privées et une série de galeries de Moscou.

L'art moderne est habituel d'appeler toutes sortes de flux artistiques qui se sont développés à la fin du XXe siècle. Au cours de la période d'après-guerre, c'était une sorte de personnes exceptionnelles et récemment apprises à rêver et à inventer de nouvelles réalités de la vie.

Fatigué des chaînes des règles durées du passé, les jeunes artistes ont décidé de briser les anciennes normes artistiques. Ils ont cherché à créer de nouveaux à ces pratiques inconnues. En s'opposant au modernisme, ils se sont tournés vers de nouvelles façons de divulguer leurs parcelles. L'artiste et le concept debout pour sa création sont devenus beaucoup plus importants que la fin de l'activité créative. Le désir de s'éloigner du cadre érigé conduit à l'émergence de nouveaux genres.

Parmi les artistes ont commencé à survoler des différends sur la signification de l'art et comment l'exprimer. Qu'est-ce que l'art? Quels moyens puis-je obtenir de l'art véritable? Les conceptualistes et les minimalistes ont trouvé une réponse pour eux-mêmes dans la phrase: "Si l'art peut être tout, c'est peut-être n'importe quoi." Pour eux, le départ des meilleurs moyens habituels a versé dans la conduite de diverses actions, hopétances et performances. Quelle est la caractéristique de l'art moderne au XXIe siècle? Nous en parlerons dans l'article.

Graphiques tridimensionnels dans l'art du XXIe siècle

Il est célèbre pour l'art du 21ème siècle en graphismes 3D. Avec le développement de la technologie informatique, les artistes ont gagné un accès à de nouveaux moyens de créer leur art. L'essence des graphismes tridimensionnels est de créer des images à l'aide d'objets de modélisation dans un espace en trois dimensions. Si vous envisagez la plupart des formes d'art contemporain au XXIe siècle, la création d'images tridimensionnelles sera la plus traditionnelle. Les graphiques 3D ont de nombreux côtés, au sens littéral du mot. Il est utilisé lors de la création de programmes, de jeux, d'images et de vidéos sur l'ordinateur. Mais il peut également être remarqué juste sous les pieds - sur l'asphalte.

Graphique tridimensionnel déplacé dans les rues de plusieurs décennies il y a plusieurs décennies et reste l'une des formes les plus importantes d'art de la rue. De nombreux artistes peignent sur leurs images "peintures" volumétriques capables de frapper par leur réalisme. Edgar Muller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner et de nombreux autres artistes modernes créent aujourd'hui des œuvres d'art pour surprendre n'importe qui.

Street Art 21 siècles

Auparavant, l'exercice du grand nombre de personnes riches. Il était couvert par les murs d'institutions spéciales, qui a été fermé l'accès aux non-initiés. Il est évident que son grand pouvoir ne pouvait même pas languir dans les méchants bâtiments. C'était alors qu'il s'est levé - sur des rues grises sombres. Il a été choisi de changer votre histoire pour toujours. Bien que au début, tout n'était pas si simple.

Sa naissance était heureuse de pas tous. Beaucoup ont considéré sa conséquence d'une expérience infructueuse. Certains ont refusé de faire attention à son existence. Pendant ce temps, l'encrégule a continué de se développer et de se développer.

Les artistes de rue attendaient des difficultés sur leur chemin. Avec toute sa diversité de formes, Street Art Il était parfois difficile de distinguer du vandalisme.

Tout a commencé dans les années 70 du siècle dernier à New York. À l'heure actuelle, l'art de la rue était à la petite enfance. Et a soutenu sa vie Julio 204 et Taki 183. Ils ont laissé des inscriptions dans différents endroits de leur région, après avoir élargi le territoire de la distribution. Les autres gars ont décidé de concourir avec eux. C'est là que la chose la plus intéressante a commencé. Zador et le désir de se montrer ont abouti à la bataille de la créativité. Tout le monde a cherché à découvrir pour lui-même et autre moyen plus original de quitter sa marque.

En 1981, Street Art s'est avéré surmonté de l'océan. Cela a aidé un artiste de rue de France Bleklerat. Il est considéré comme l'un des premiers artistes de Graffiti à Paris. On l'appelle aussi le père des graffitis du pochoir. Son coup de marque est des dessins de rats, qui fait référence au nom de leur créateur. L'auteur a remarqué que après avoir réarrangé des lettres dans le mot rat (rat), l'art (art) est obtenu. Blek a une fois noté: "Le rat est le seul animal gratuit à Paris, qui s'étend partout, tout comme Street Art."

L'artiste de rue le plus célèbre est une Banxi qui appelle Bleklerat Son chef principal. Les œuvres d'actualité de ces Britanniques talentueux sont capables de faire taire chacun. Dans leurs dessins créés à l'aide de pochoirs, il dénonce la société moderne avec ses vices. Banksi propulsionnaire à traditionnel vous permettant de laisser une impression encore plus grande sur le public. Intéressant est le fait que la personnalité de Banksy est la fermeture du secret. Personne n'a encore réussi à révéler le puzzle de la personnalité de l'artiste.

Entre-temps, l'art des rues gagne rapidement de l'élan. Une fois renoncé aux tendances marginales, l'art de la rue montait au stade des enchères. Les œuvres d'artistes sont vendues pour les fabuleuses quantités de ceux qui ont une fois refusé de parler. Qu'est-ce que c'est la force de l'art ou les tendances de l'art ou des tendances?

Formes

À ce jour, il existe plusieurs manifestations assez intéressantes d'art contemporain. Vue d'ensemble des formes les plus inhabituelles d'art contemporain sera représenté par votre attention plus loin.

Redi-femme de ménage

Le terme rédi-femme de chambre vient de l'anglais, ce qui signifie "prêt". En fait, le but de cette zone n'est pas la création de quelque chose de matériel. L'idée principale ici est que, selon l'environnement d'un sujet, la perception de l'homme et de l'article lui-même changent. L'ancêtre du flux est Marseille Dushan. Le travail le plus célèbre est la "fontaine", qui est une urine avec un autographe et une date.

Anamorphose

L'anamorphose s'appelle des techniques de création d'images de manière à ce qu'il soit possible de les voir complètement possible uniquement à un certain angle. L'un des représentants lumineux de ce flux est le français Bernard Pras. Il crée des installations en utilisant ce qui tombe à portée de main. Grâce à ses compétences, il a réussi à créer des œuvres étonnantes, de voir cependant, cependant, n'est possible que sous un certain angle.

Fluides biologiques en art

L'un des courants les plus controversés de l'art moderne du XXIe siècle est un dessin écrit par des fluides humains. Souvent, des adeptes de cette forme d'art contemporain utilisent du sang et de l'urine. La couleur des motifs dans ce cas acquiert souvent un look sombre et effrayant. Hermann, par exemple, utilise le sang d'animaux et d'urine. L'auteur explique l'utilisation de telles matières imprévues difficiles d'enfance, qui est venue pendant la Seconde Guerre mondiale.

Peinture XX-XXI Century

Une brève histoire de la peinture contient des informations que la fin du XXe siècle est devenue un point de départ pour de nombreux artistes culte de la modernité. Dans les années difficiles d'après-guerre, la sphère a survécu à sa renaissance. Les artistes ont cherché à découvrir de nouveaux visages de leurs capacités.

Suprématisme

Le créateur du suprématisme est considéré comme Casimir Malevich. Être le principal théoricien, il a proclamé le suprématisme dans la voie du nettoyage de l'art de tous les suppléments. Refuser les moyens habituels de transférer l'image, les artistes ont cherché à libérer l'art d'une extraordinaire. Le travail le plus important de ce genre est la célèbre «carrée noire» malevich.

Pop Art

Pop Art prend ses origines aux États-Unis. Dans les années d'après-guerre, la société a survécu aux changements globaux. Les gens pourraient maintenant se permettre plus. La consommation est devenue la partie la plus importante de la vie. Les gens ont commencé à ériger au culte et à la consommation de produits - dans des symboles. Jasper Jones, Andy Warholl et d'autres disciples du flux ont cherché à utiliser ces symboles dans leurs peintures.

Futurisme

Le futurisme a été ouvert en 1910. L'idée principale de ce flux était le désir d'un nouveau, la destruction du cadre du passé. Ce désir d'artistes représentés avec des équipements spéciaux. Coups tranchants, afflux, connexions et intersections - signes de futurisme. Les représentants les plus célèbres du futurisme sont Marinetti, Severini, Carr.

Art contemporain en Russie XXI Century

L'art moderne en Russie (21e siècle) s'est heureusement coulé de l'art souterrain, "non officiel" de l'URSS. Les jeunes artistes des années 90 recherchaient de nouvelles façons de mettre en œuvre leurs ambitions artistiques dans un nouveau pays. À cette époque, l'hébergement de Moscou est né. Ses partisans ont contesté le passé et son idéologie. La destruction des frontières (au sens littéral et figuratif du mot) a permis de dépeindre l'attitude de la jeune génération à la situation dans le pays. L'art moderne du 21ème siècle est devenu un choc expressif et effrayant. Donc, à partir de quelle société ferma si longtemps. Actions Anatoly Osmolovsky ("Mayakovsky - Osmolovsky", "contre tout", "Barricade sur Big Nikitskaya"), le mouvement "Ceux-ci" ("This-text"), Oleg Kulik ("Piglet donne des cadeaux", "Dog Muste ou Dernier tabou the Lonely Cerberian gardé "), Avdien Ter-Hovhana (Pop Art) a changé à jamais l'histoire de l'art contemporain.

Nouvelle génération

Glory PTRK est un artiste moderne de Yekaterinbourg. Quelqu'un son travail peut rappeler la créativité de Banksy. Cependant, les œuvres de gloire portent des idées et des sentiments familiers au citoyen russe. L'une des œuvres les plus notables est la campagne "Pays d'opportunités". L'artiste a créé une inscription de béquilles sur la construction d'un hôpital abandonné de Yekaterinbourg. Les béquilles de la gloire ont manqué les habitants de la ville, qui les appréciaient autrefois. À propos de la promotion, l'artiste a rapporté sur la page du réseau social, ajoutant l'appel aux concitoyens.

Musées d'art moderne

Peut-être que l'art moderne du 21ème siècle semblait être un médium marginal, mais aujourd'hui de plus en plus de gens cherchent à rejoindre le nouveau champ d'art. Plus de musées ouvrent leurs portes pour de nouveaux moyens d'expression. New York est un titulaire record dans le domaine de l'art moderne. Voici deux musées qui sont l'un des meilleurs au monde.

Le premier - MOMA, qui est le stockage de Matisseous, Dali, Warhol. Le second - le musée une architecture inhabituelle du bâtiment est adjacente aux créations de Picasso, Mark Stegal, Kandinsky et bien d'autres.

L'Europe est également célèbre pour ses magnifiques musées d'art moderne du 21e siècle. Le musée Kiasma à Helsinki vous permet de toucher les articles d'exposition. Le centre de la capitale de la France est frappant par l'architecture inhabituelle et les œuvres d'artistes de la modernité. Stretchumuseum dans les magasins d'Amsterdam dans ses murs la plus grande collection de peintures de Malevich. Dans la capitale de la Grande-Bretagne a un grand nombre d'objets d'art de la modernité. Le musée de l'art contemporain de Vienne a les œuvres d'Andy Warholl et d'autres créateurs talentueux de la modernité.

Art contemporain du 21e siècle (peinture) - mystérieux, incompréhensible, fascinant, a changé pour toujours le vecteur de développement non seulement une sphère séparée, mais aussi de la vie humaine. Il reflète et crée la modernité en même temps. Changer constamment, l'art de la modernité permet un moment d'arrêter une personne constamment pressée. Arrêtez-vous de rappeler les sentiments qui s'attachent profondément à l'intérieur. Arrêtez-vous de rappeler le tempo et précipitez-vous dans le vortex des événements et des affaires.

abstrait Selon la discipline éducative "culturologie"

sur le sujet: "Peinture russe des XX-XXI siècles".

Plan

1. Introduction.

2. Les principales directions de la peinture du XXe siècle et de leurs représentants lumineux.

3. L'histoire de la création de GMIA A. S. POUTKIN.

4. Peinture Russie XXI Century.

5. Conclusion.

6. Références.

1. Introduction.

La peinture russe XX - XXI siècles est un phénomène extrêmement complexe dans lequel diverses directions, genres, noms, événements, associations entrelacées. Tous ensemble, il constitue une image plutôt piédestale, reflétant tous ces changements et tendances survenus dans la société russe.

La peinture peinture est un panorama entier qui porte non seulement une image esthétique externe, mais également une richesse spirituelle interne. Chacun des représentants significatifs de la peinture nationale mérite son spectateur et son chercheur. Et même les peintures du socialisme, qui compte aujourd'hui sur les changements d'idéologie peuvent sembler être étranger à une personne moderne, ne devraient pas être exclues de l'étude et du programme esthétique pour plusieurs raisons. Ils témoignent et l'incarnation des événements historiques du passé récent. Mais ces toiles sont également précieuses sur leurs qualités artistiques. Cela ne peut pas être refusé et cruser.

Printemps de phénomènes intéressants dans la peinture 70 - 80 ans. Il indique qu'il existe un potentiel considérable dans l'art national, qui, malgré tous les obstacles et interdictions, a réussi à sortir.

La baisse universelle des années 90 n'a également pas devenu un obstacle complet au développement de la peinture. Beaucoup d'apparents et médiocres à temps ont commencé à partir, et les années 2000, grâce au transfert racinaire, a reçu des clients régénérants et des traditions spirituelles. Aujourd'hui, pour le développement de la peinture, il y a toutes les conditions: le manque d'interdictions, de nombreux établissements d'enseignement, une pratique renouvelée des ordres privés, un grand nombre de galeries dans lesquelles vous pouvez exposer. Le mot principal de la nouvelle peinture russe est toujours à l'avance.

2. Les principales directions de la peinture du XXe siècle et de leurs représentants lumineux.
Le coucher de soleil de l'empire russe était accompagné - dans un sens large - l'opposition de la lumière et de l'obscurité a commencé. La culture, étant une sorte d'indicateur sur les changements de la société, a immédiatement répondu à ce qui se passe dans le pays.

Avec les œuvres de l'époque du siècle de l'argent, qui possédait une signification esthétique et artistique sans-sommete, il y avait une quantité considérable de peintures significatives. Très souvent, des expériences dans le domaine de la peinture ont littéralement passé le visage derrière lequel des directives morales ont été perdues et que des travaux ont été créés, en substance leur hostile à l'homme.

Pour éviter toute confusion dans de nombreuses tendances de la mode découlant au début du XXe siècle, elles ont été divisées en deux directions principales - avant-gardiste et modernisme.

Le début du XXe siècle est la célébration de l'âge de l'argent, dont l'offensive a été marquée par la naissance de l'association artistique "Le monde de l'art". Il est entré à lui l'élite de cette époque, les meilleurs critiques, les publicistes, les musiciens et, bien sûr, des artistes de cette période: a.n. Benois (1870 - 1960), M.V. Dobuzhinsky (1857 - 1957), HP Bakst (1866 - 1924), K.A. SOMOM (1869 - 1939), E.E. LANCERE (1875 - 1946) et d'autres - chacun d'entre eux a apporté quelque chose à ce groupe de personnes partageant les mêmes idées. Ils s'appelaient "Miriskusniki", soulignant et appartenant au Commonwealth, dans lesquels ils ont eu lieu, et en leur donnant en même temps que les créateurs de l'extradition des fantasmes sans fin, la stylisation des improvisations.

Les activités de Miriskusenikov visaient à la créativité des milieux. Ils considéraient que leurs traditions ont parlé. La partie principale de l'unification appartenait à S.P. Dyagilev (1872 - 1929), malgré le fait qu'il n'était pas un artiste. Cependant, grâce à la question de savoir s'il était organisé par des expositions régulières des participants dans le monde des arts, et plus tard, le même magazine a commencé à être publié, dont chaque numéro peut être appelé un chef-d'œuvre. Le concept du "monde de l'art" est la combinaison de vieilles traditions de noblesse et de culture d'allocation. La gamme de leurs activités était large, elle comprenait à la fois l'Iconist et la peinture moderne.

Un autre bord de l'art russe du début du XXe siècle était le symbolisme. Les artistes de ce Commonwealth ont été combinés dans un groupe appelé "Blue Rose" - par le nom de leur exposition en 1907. Les symbolistes ont vu leur objectif dans des rappels de personnes à propos d'une autre vie - haut, inaccessible, l'une est dans le monde excitée. La tâche des symbolistes était l'introduction de leur auditoire à cette vie, personnifiant la belle. Les participants du Commonwealth étaient S.YU. Sudaiykin (1882 - 1964), n.p. Feofilaktov (1878 - 1941), M.a. Borisov Musatov (1870 - 1905), M.A. Vrubel (1856 - 1910), m.s. Saryan (1880 - 1972) et d'autres.

Un autre phénomène artistique majeur devrait s'appeler le Commonwealth "Valet Bubnov". Représentants de l'Association - Artistes de Moscou - United ensemble afin de faire la recherche de la vraie art conclue, à leur avis, de la manière de l'envoi de l'envoi. Dans le même temps, ils ont admis et maintenu d'autres zones d'art - Fovisov, cubisme, art populaire primitif, y compris les folks russes. L'organisateur de la "voûte de Bubnovaya" devrait être appelé p.P. Larionova (1881 - 1964) et les participants les plus remarquables - P.P. Konchalovsky (1876 - 1956), A.V. Kurin (1880 - 1960), frères Brotherukov, I.I. Mashkova (1881 - 1964), R.R. Falk (1856 - 1958), A.V. Lentulova (1882 - 1943).

Le défi de toutes les directions a jeté des avant-gardistes qui ont cherché à refuser toutes les règles et normes précédentes. La couleur de la peinture d'avant-garde russe est M. Larionov, N. Goncharova, V. Kandinsky, K. Malevich, P. Filonov. Proclamant un nouvel art gratuit, ils organisent avec enthousiasme des réunions bruyantes au Moscou Polytechnic Museum, où leurs discussions chaudes ont eu lieu sur l'art.

Les représentants d'Avant-Gardium chacun à sa manière crée un kaléidoscope complexe des taches de couleur qui se décomposent sur les coins, des lignes, des points lumineux de figures, laissant ainsi le monde réel et des images reconnaissables. Les gens s'éparant sur la ville dans les peintures de M. Shagal, les sentiments cubistes de R. Falk, construisant leurs portraits et des objets de vie toujours sur le volume, ont réfracté sur le plan des formes; La carte de l'hémisphère nord sous le plafond de Saint-Isaac Cathédrale P. Filonova - Toutes ces expériences ont témoigné sur le refus des images habituelles, le désir de la malpentabilité de [Solovyov; 606 - 607].

Malgré toutes ces manifestations lumineuses de nouveaux styles et tendances, il est impossible de dire que le réalisme s'est arrêté dans son développement. Au début du siècle, c'est toujours poursuivi. Repin (1844 - 1930), V.A. Serov (1865 - 1911). Les maîtres les plus uniques de cette époque, sont entrés pour toujours dans l'histoire de l'art, sont ma. Vrubel (1856 - 1910), dans les peintures dont la beauté du monde, le mystère de la vie d'une personne et la grandeur de son esprit; K.a. Korovin (1861 - 1939), qui a réussi à pouvoir transmettre l'insaisissable, clignotant instantanément et échapper à l'impression du jeu instantanément; V.e. Borisov Musatov (1870 - 1905) - Un représentant du symbolisme et une chanteuse de contemplation, de tristesse douce et de poésie.

La corifération de la peinture russe est B.M. KustoDiev (1878-19927), dans les peintures qui ont toujours capturé la vie de la province russe et des conséquences fatales des événements révolutionnaires. Avec goût et juticité, les scènes écrites de la vie des marchands et des bourgeois produisent une impression incroyable de leur fraîcheur et de leur festivité.

Une contribution significative au développement de la peinture a fait une association appelée "Union des artistes russes", qui incluait A.E. Arkhipov (1862 - 1930), K.A. Korovin (1861 - 1939), L.V. Turzhansky (1875 - 1945), S.A. Vinogradov (1869 - 1938), k.f. Jun (1875 - 1958), S.YU. Zhukovsky (1873 - 1944) et autres. Les participants à la préférence de cette association ont donné le paysage, poursuivant de manière organique la tradition de ce genre, qui s'étend du XIXe siècle.

Logique était l'émergence et l'association, qui est une génération de l'ère. En 1922, l'AHRR a été créée - l'association d'artistes de la Russie révolutionnaire. Selon la Déclaration, la nomination de leur propre rendez-vous dans la documentation pittoresque du processus de formation et de formation de la Russie soviétique dans la veine réaliste. L'association a rejeté l'avant-garde et d'autres enquêtes. L'association comprenait P.A. Radimov (1887 - 1967), E.A. KATSMAN (1890 - 1976), G.K. Savitsky (1887 - 1949), m. Capes (1874 - 1950), I.I. Brodsky (1884 - 1939), F.S. Bogorodsky (1895 - 1959), A.M. Gerasimov (1881 - 1963) et d'autres.

À l'avenir, cette direction deviendra dominante pendant de nombreuses années. L'association existait jusqu'en 1929, mais sa decay ne voulait pas dire la fin de la "documentation" de la vie soviétique, mais au contraire, sa continuation active. Dans les années 30. Le vingtième siècle a enraciné l'identité sociale. Il n'y avait plus de discours sur les tendances informelles de la peinture. De plus, l'art a maintenant passé la sélection et les critères idéologiques et idéologiques. La principale chose de ce cas n'était pas le style, la manière, la langue artistique, mais la fête et l'expression de l'idée socialiste de la construction d'une société.

Pendant cette période, des artistes comme A.A. Deineka (1899 - 1969), B.V. Johanson (1893 - 1973), Yu.i. Pimenov (1903 - 1977). Parmi les instructions, la peinture primaire et monumentale est faite. Cependant, il y a une place et le genre historique (S. Gerasimov) et la nationalité (A. Reservoirs) et le genre à domicile (Yu.i. Pimenov) et Portrait (P.P. Konchalovsky, M.V. Neuv, P. D. D. Corin). Cependant, il y a encore des maîtres uniques dans la peinture russe, qui sont en perche continue (K.S. Petrov-Vodkin, 1878 - 1939).

Dans les années 40, le développement de la peinture, comme d'autres types d'arts, est subordonné au principal événement tragique de cette époque - la grande guerre patriotique. Au cours de cette période, non seulement la peinture sur des sujets héroïques se développe, mais aussi une caricature, une affiche (les représentants les plus brillants - Kukryniks), ainsi que des artistes qui sont entrés dans le studio d'artistes militaires nommés d'après M. B. Grekova (1882 - 1934). La peinture de combat trouve dans leurs œuvres dignes de réalisation (A.A. Deineka, A.A. Plastov, k.f. John, P.D. Korin, A.P. Bubnov).

Dans les années 1930. gg Le développement du réalisme social continue. Les artistes les plus grands de cette période préfèrent des sujets historiques, à la suite de laquelle le genre historique et révolutionnaire vient à l'avance. La guerre a exacerbé les sens des artistes patriotiques que et les intérêts de l'histoire de la patrie et de ses parcelles sont expliqués.

Le thème de Leninskaya est reflété (V.a. Serov "Walkers de Lénine"; Travaux collectifs sous la direction de B. Johanson "Discours de V.I. Lénine sur le Congrès III du Komsomol").

Une synthèse intéressante des genres ménagers et historiques (B.M. Nemensky, Yu.M est noté, A.I. LACEE). En tant que manifestation spéciale de la vie du peuple soviétique qui a survécu à la guerre et à la victoire, le sujet du travail pacifique et de la vie pacifique se pose. Ces toiles sont remplies de lumière, de bonheur, de joie silencieuse. Ce sont les images de A.A. Plastov, appelé. Yablonskaya, S.A. Chuykova.

La mise en place d'une vie pacifique a de nouveau permis de se référer aux joies de la vie, de la beauté de leur nature natale, qui fait suite à sa valeur initiale du genre paysager dans sa lecture lyrique (contraste avec la fonction de fond sur la bataille toiles de la grande guerre patriotique). À cet égard, talentueux se manifestent. Nissky, n.m. Romadin, v.v. Sacs. Dans le genre de portrait menant toujours à P. Corin. La période des années 40. Il est également important que dans le champ pittoresque n'apparaissent pratiquement pas, et toutes les réalisations sont basées sur l'expérience et l'habileté d'artistes déjà établis.

50 - 60. - Ceci est la formation de nouvelles tendances dans la peinture. Les artistes avec des vues progressistes s'efforcent de nouveauté, de chaînes idéologiques, de paradanité, de pomposité. Le but des maîtres de la nouvelle génération devient un transfert de réalité adéquat, mais pas en forme grossière et directe, mais à travers une fleur glacitionnellement romantique. Ils étaient importants pour transmettre leurs idées à travers un mode de réalisation en forme de personne.

Sur la pittoresque arène a organisé conjointement les deux jeunes artistes qui cherchent impressionnistes commencent par leurs œuvres, la spontanéité prononcée et les anciens maîtres, qui se sont manifestés dans les décennies précédentes. Parmi les innovations des années 60. - apparence du soi-disant. "Sigor-style", dont les représentants de leur travail ont reflété une validité grave, mais à travers un prisme romantique. Ce sont la toile A. et P. Smolina ("Polarniki", "Stacket"), p.f. Nikonova ("Stacket"), N. Andronov "Plotogona".

Le genre de portrait ne reste pas sans attention. À cet égard, les noms sont remarquables. Salahova, I.A. Silver, D.D. Zilinsky et, bien sûr, pd Corin.

Le sujet historique dans les années 60 commence à sonner dans un mode de réalisation moderne. Ici, le plus grand artiste s'avère être G.M. Korzhev (1925 - 2012), dont la créativité est inhérente à la vigilance des sentiments et du drame.

Créativité remarquable V.e. Popkov (1932 - 1974), qui a été distinguée non seulement par des attitudes spéciales et civiques de ses peintures, mais également par des recherches créatives constantes ("Deux", "Oh, comment tous ses maris étaient à la guerre," ma journée ").

Thème rustique Blooms dans le travail de V.I. Ivanova (p.1924), reliant harmonieusement de mince lyrisme et clarté composite dans ses œuvres. Le sujet du village trouve sa continuation dans la peinture des années 70., ainsi que la direction monumentale dans la peinture, caractéristique des soixanteième et des années soixante-dix. Sans peinture monumentale, il était impossible d'imaginer divers nouveaux bâtiments, complexes et autres objets urbains.

70 - 80. - l'heure d'atteindre les positions avant-gardistes de l'art d'un certain nombre de nouveaux maîtres, dont le nom de ceci est attribué. Nazarenko (r. 1944), qui est entré dans l'art soviétique après de tels peintres majeurs, comme Victor Popkov, Helium Korzzhev, Viktor Ivanov. Nazarenko a poursuivi le développement de la tendance moderne du réalisme en arts visuels. Dans un large éventail de diverses aspirations créatives des peintres de cette période, il convient à ses traditions aux traditions du passé et en particulier de la peinture de la renaissance et du folklore précoce. Parmi les nouveaux noms 70 - A.N. Volkov, O.V. BULGAKOVA, A.G. SITNIKOV, N.I. Nesterova, V.S. Orlov.

Dans la peinture 70 - 80. Il est observé une distinction, une expression symbolique, un refus de règles strictes et de canons, l'érosion des frontières de genre. Une manifestation intéressante de ces années est le développement de l'art non officiel, sous terre. Les œuvres de représentants de ce genre ont souvent été exposées à l'étranger. Cet art n'a pas été reconnu par les autorités, soumis à la persécution des cercles officiels.

L'art informel a essentiellement posé une langue artistique complexe. Du spectateur nécessitait des efforts intellectuels pour comprendre cet art. Le transporteur vivant d'une telle culture alternative a été le cours appelé Soct Cert, dont les représentants sont traditionnellement considérés comme V.A. KOMAR, A.D. Melamim, V.S. Orlov, l.p. SOKOV, A.S. Kosolapov, D.A. Prich.

Dans la seconde moitié des années 80. L'opposition des cultures officielles et alternatives atteint son apogée. Malgré ces tendances, ils continuent leur développement actif de genres traditionnels: portrait, paysage, nature morte. Les plus grands maîtres du genre portrait sont I.Y. GLAZUNOV (R. 1930), qui s'est toutefois montré dans des genres historiques et autres; UN M. Shilov (r. 1943).

Les mêmes noms continuent de paraître dans la peinture des années 90. Pendant cette période, les points de repère sont présentés pratiquement au niveau officiel. Les problèmes publics, le thème du travail et du village vont dans le passé. Sur leur direction réaliste et leur caractéristique des genres: nature morte, paysage, images domestiques, portraits. Il commence à faire revivre la peinture pour commander, y compris privée. Ce contexte est particulièrement activement manifesté par N.S. Safronov (r. 1956).

Il est possible de noter le retour sur la toile comme les héros de personnalités historiques "interdites" - la famille royale, les saints, divers personnages historiques, des représentants de l'église orthodoxe russe, des généraux de la garde blanche.

Les nouvelles galeries sont ouvertes, y compris privées (par exemple, M. Gelman Gallery). Dans ces institutions, il est possible d'exposer des jeunes artistes et des collections uniques collectées par des siècles.

Ainsi, on peut dire que la peinture russe du vingtième siècle a fait une sorte de cycle: de la diversité des styles, des noms, des genres et des contradictions, il a adopté les fonctionnaires de la période soviétique afin de retourner aux différends, aux contradictions et à chercher à la fin du XXIe siècle.

3. L'histoire de la création de GMIA A. S. POUTKIN.

Gmey a.s. Poussine est la mise en œuvre du rêve tout-russe d'un musée disponible au public. Son histoire a débuté en 1886 à partir de la date de l'annonce de la concurrence du meilleur projet d'un bâtiment destiné au musée des beaux-arts. Le mérite le plus important de l'idée et de la mise en œuvre de ce projet appartient à I.v. Tsvetaeva (1847 - 1913). La première prime de la compétition a été honorée GD. Grimm (1865 - 1942).

La construction du bâtiment du musée a été réalisée sur les dernières réalisations de la technologie dans ce domaine. Il a été décidé de donner au futur musée l'apparition d'un temple antique. En outre, ce musée, sur le concept de I.v. Tsvetaeva, il était censé porter non seulement esthétique, mais aussi une fonction cognitive.

Le musée des beaux-arts a été ouvert en 1912. La date d'ouverture a été conçue spécifiquement, car cette année, il a été noté le siècle de la guerre patriotique de 1812. La naissance du musée "Tsvetaevsky" a apporté l'importance des musées russes dans un niveau social complètement différent. En outre, l'affaire Tsveteeva contenait le début moral et idéologique le plus important, car le musée n'a pas été créé sur des caprices personnels, mais sur la base de la pensée scientifique, avec un calcul des générations futures. À l'ouverture du musée, le couple impérial était présent.

Tsvetaev lui-même a préparé les deux dirigeants du musée représenté par leurs étudiants - N.I. Romanova (1867 - 1948) et V.K. Malberg (1860 - 1921), qui n'a pas changé le concept scientifique de leur professeur et a développé l'institution dans cette veine. Dans les années 20 Ce sont les romans qui ont réorganisé le musée contribuant à sa transformation de la collection universitaire de collections au musée de la classe mondiale.

De l'University Times, lorsque le musée existait toujours sur la base du Cabinet des Beaux-Arts, il y avait une magnifique collection d'articles anciens: pièces de monnaie, sculptures, vases, etc. L'arrivée de Tsvetaeva a contribué au fait que la collection du Cabinet a atteint le niveau du musée des arts gracieux. Jusqu'à un certain moment, le musée était basé sur l'art antique, dont la collection a été activement reconstituée avec Tsvetaeva, qui a ordonné à des lancements d'originaux de différents pays du monde.

Parallèlement à cela, un autre processus important était et la formation d'une collection de produits de peinture, de graphiques, de sculptures, d'art décoratif. À bien des égards, sa réapprovisionnement a eu lieu au détriment des collections privées (V.S. Glenchev, M. Schekina, S. Pensky, A.A. Bobrinsky, D.a. Khomyakova et même la grande princesse Elizabeth Fedorovna).

Grâce à ces donateurs, la collection du musée a été enrichie d'expositions de divers genres appartenant à l'art européen et russe. La reconstitution des collections s'est produite parallèlement à l'expansion et à la reconstruction du bâtiment du musée. Les plus bienfaiteurs du projet étaient les plus gros patrons, entrepreneurs et collectionneurs.

Le musée des beaux-arts entre autres a alloué une innovation fondamentale, à savoir lecturer le cours sur l'histoire des arts associés au contenu des collections de musée. Par la suite, le département de l'histoire des arts de l'Université de Moscou est devenu une branche des arts et le sujet lui-même a acquis une indépendance.

Le musée est devenu très populaire parmi le public de presque les premiers jours de découverte. Il est à noter que je Tsvetaev est resté directeur du musée jusqu'à sa mort en 1911. Pendant son règne, le musée a prospéré.

Avec l'arrivée du gouvernement soviétique, le musée a touché les changements attendus. L'influence de la nouvelle idéologie n'a payé aucune des institutions culturelles. Il y avait une redistribution des valeurs, y compris des autres musées (par exemple, du musée de Rumyantev liquide). Collections privées D.I. Schukina, G.A. Brocar a été activement versé dans les fondements du musée Tsvethevsky. Sur cette base, N.I. Romanov et créé une nouvelle exposition du musée basé sur des principes scientifiques. Le 10 novembre 1924, l'ouverture des premières salles a eu lieu.

Dans ce cas, le processus de transmission dans la galerie des collections expropriées et nationalisées s'est poursuivie jusqu'en 1930. Il y avait des expositions d'autres musées - Tretyakov, historique, ermitage et autres. Ainsi, rassemblé magnifique et pratiquement aucune collection analogues. En 1932, un nouveau changement de renommage du musée se passait, qui est devenu un musée d'État des beaux-arts et, en 1937, il a été ajouté au nom A.S. Pushkin.

Pendant la grande guerre patriotique, les expositions du musée ont été principalement transportées vers Novossibirsk. Malheureusement, le bâtiment lui-même a été partiellement détruit par la bombe et en 1944, les travaux ont commencé à reprendre leur rétablissement. Après la guerre, le personnel du musée a continué à des activités scientifiques lancées par les fondateurs. Ils ont conduit à la vulgarisation de l'art et des excavations archéologiques. Dans les années 50. Les fonds du musée ont été reconstitués en grande partie en raison de découvertes archéologiques.

En 1949, GMNI était fermé et ses expositions ont été envoyées au Fonds du musée Poussin. Il s'agit de huit cents œuvres sculpturales d'Europe occidentale et des États-Unis, ainsi que de trois cents peintures pittoresques d'artistes de différents pays. Cette circonstance est encore plus agrandie le statut du musée. Cependant, le vaste spectateur a pu voir cette collection unique uniquement en 1974. En 1949 à 1953, de 1949 à 1953. La plupart des salles étaient engagées dans des cadeaux I.v. Staline. Après la mort du chef, l'exposition constante, de manière significative, a commencé à devenir ouverte aux visiteurs. De ce point, l'une après une autre exposition d'arts domestiques et étrangers commence.

Des événements extrêmement importants survenus dans le musée Pouchkin dans la seconde moitié du XXe siècle, l'exposition des toiles sauvées de la galerie Dresde et de l'exposition PD sont prises en compte. Corina, ainsi que la création du département des collections personnelles (à l'initiative de I.a. Antonova).

Aujourd'hui au musée A. Poussine Il existe quatre principaux types d'expositions: stores, antiquités, l'ère du Moyen Âge et Renaissance - la première; Originaux de l'art antique - la seconde; Galerie d'images directement, y compris la toile des XVIIII - vingtième siècle, exactement, ainsi que la sculpture - la troisième; Et les collections personnelles sont le quatrième.

Le musée organise des travaux d'éducation et de formation actifs, y compris des enfants et des jeunes; Contient une bibliothèque. Au total, cet établissement culturel et éducatif il y a plus de six cent soixante-quinze mille œuvres d'art. Ce sont des objets de peinture, graphismes, art décoratif, sculptures, numismatics, monuments archéologiques, photographie d'art. Aujourd'hui, GMI les. COMME. Poussine est incluse dans le nombre d'objets culturels très importants et précieux.

4. Peinture Russie XXI Century.

Sur la peinture moderne du XXIe siècle, il est trop tôt pour faire des conclusions et résumer. Une tendance générale peut être notée - la peinture moderne se développe activement par des régions et dans presque tous les domaines, une cohorte de maîtres d'intérêt à l'art.

Les directions pittoresques sont présentées dans toute sa diversité. Outre les directions traditionnelles, très nouvelles, liées au développement de technologies informatiques ou d'autres manifestations de la modernité sont apparues. Il existe de telles manifestations novatrices telles que le réalisme fantastique, l'art minimal, le photoréalisme, diverses branches de l'abstraction, le stageisme, la peinture optique, la peinture métaphysique, l'art naïf.

La difficulté réside dans le fait que les temps de la sélection stricte passaient. Aujourd'hui n'est pas une éducation, aucun talent exceptionnel est une garantie de sauter dans le monde de l'art, et choquant et défi. Souvent pour les images d'artistes modernes, dans le chapitre du coin de ces principes, rien ne vaut la peine (la situation ressemble à la contradiction du siècle de l'argent).

Peinture XXI Century contient beaucoup de noms - représentants des zones cotées, mais leur signification doit encore être évaluée.

5. Conclusion.

Sur la base de ce qui précède, un certain nombre de conclusions peuvent être faites. Le début du XXe siècle couvre toujours l'âge de l'argent - le dernier magnifique florissant de la culture russe devant la domination sombre de l'idéologie révolutionnaire. L'ère Silver donne l'art de peindre de nombreux noms ingénieux, directions, développement actif de genres.

Le début de la période soviétique divise la peinture dans deux camps conflictuels - avant-gardiste et réalisme social. La dernière période provient de cette lutte du gagnant et de nombreuses années le reste. Cependant, il est impossible de nommer ce camp homogène. Les peintures incluses dans l'association d'artistes de la Russie révolutionnaire ont été très talentueuses et laissées derrière un patrimoine décent. On peut en dire autant sur les artistes peintres soviétiques. Dans le même temps, parmi les représentants de l'identité sociale, il y a eu de nombreux exemples opposés.

À l'avenir, chaque étape historique a influencé la peinture et son développement. 30ème. - C'est le moment de chanter le système socialiste; 40ème - reflet de la lutte héroïque du peuple soviétique, le développement de genres historiques et de combat; 50 - 60. Caractérisé par l'activation de la vie artistique, des champions de la vie pacifique et du travail. 70 - 80. - la période d'exacerbation du conflit entre la peinture officielle et non officielle, l'activation des artistes d'avant-gardistes informels qui veulent dire leur mot dans l'art, malgré les interdictions.

90 - 2000. Ils diffèrent à la fois dans une multitude d'événements et de changement et d'état de crise qui est venu en peinture. À ce jour, il existe une surabondance de noms, parmi lesquels il existe des représentants talentueux et des conjoncteurs. Mais l'histoire a montré que le potentiel de l'art domestique est inépuisable et il est capable de se développer dans toutes les conditions. Par conséquent, l'histoire de la peinture russe n'a pas encore été ajoutée à la fin.

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Les beaux-arts domestiques jusqu'à récemment constituaient un alliage biologique des cultures d'art nationales. En parlant d'écoles nationales, il serait possible d'appeler les principales qualités de chacun d'eux. Par exemple, indiquez le psychologue traditionnel de l'école russe; Émotivité et lurtisme - Ukrainien; Caractère dramatique et même noté par des chercheurs, tragédie héroïque - Biélorusse; Haut sens du monumtialisme - Géorgien; Décorations gaies - écoles moldaves ou arméniennes; Proximité spéciale des Easterns - Lituanien, Kirghize, des écoles ouzbekes; Rational-Intellectual Spirit - School estonien, etc. Mais ce serait bien sûr très limité, unilatéral et donc incorrect dans l'ensemble des caractéristiques. Chacune des écoles nationales avec sa spécificité complexe stylistique en forme de formes différentes, des techniciens, la stylistique est restée correcte aux principaux idéaux humains.

Il faut dire qu'avec toutes les difficultés du développement historique de notre société: de la guerre civile - à la grande guerre patriotique, de la faim de la fin des années 1920 - le début des années 1930. à la séance d'après-guerre détruite, de mensonges et de fausses politiques de l'État totalitaire - à la "révolution" du début des années 90, dans le cadre de libertés strictement limitées de "réalisme socialiste", avec tous ces merveilleux maîtres, il a été créé, Nous reconnaissons beaucoup de belles œuvres artistiques (et combien de choses ont encore été créées par ceux qui sont entrés dans l'oubli pendant les années de répression ou brûlés dans le feu du grand patriotique!). Et il faut se rappeler.

L'image de la vie artistique présentée ici reflète l'état de l'art à la période dramatique de l'effondrement de l'URSS. Le créateur du manuel de l'auteur ne peut que exprimer sa position par rapport au développement ultérieur de la situation dans la vie russe de la Russie sur le territoire de ses anciennes républiques. Nous ne pouvons pas nier que l'incroyable montée de tous les arts des républiques nationales de l'URSS, l'émergence de réservoirs culturels entiers - de l'écriture au visuel - il était possible grâce au "bombardement", le rôle culturel de la culture russe, merci à même les efforts sacrificiels des représentants de l'intelligentsia russe. Après l'effondrement de l'Union soviétique, certaines des élites nationales des États nouvellement marginaux sur son ancien territoire dans son ensemble ont montré un égoïsme et une ingratitude, ont souligné le rôle du peuple russe et de sa culture dans la vie de leurs pays et dans Certains livres et manuels sont appelés des envahisseurs russes du tout. Il est nécessaire de reconnaître que le projet communiste sur la création d'une seule nation soviétique n'a pas réussi au succès, que seuls les Russes ont été soulevés dans les idéaux de l'amitié des peuples, du sacrifice de soi et des «dettes internationales» abstraites. Mais nous espérons que les "Mill Millings" souffriront de calomnie et de falsification et au moment du rôle de la culture russe au XXe siècle. Il sera apprécié "des falaises finlandaises à une colchine de flamme". Pour ne pas dire que cela déformerait le développement de la culture artistique à l'avenir.

En raison de la violation et de la rupture des liens culturels actuels entre les républiques, nous ne pouvons pas juger de ces processus artistiques qui se produisent là-bas, afin que nous puissions parler de l'art de la dernière décennie du XXIe siècle XXIe siècle. Et - seule la Russie.

Soi-disant art post-soviétique Le tournant des siècles est empilé dans des images trop faibles de temps afin que vous puissiez sélectionner des noms pour objectif (si possible). Seul l'avenir mettra tout à sa place et permettra à l'historien de l'art de faire les bonnes conclusions et de donner des évaluations fidèles. Mais vous pouvez déjà décrire les principaux problèmes.

Et l'un de ces problèmes concerne les préoccupations peinture religieuse, lequel pour la première fois de l'histoire la plus récente de notre État s'est déclaré dans les années 90. C'est au cours des années de la chute rapide du niveau moral et moral de la société, la génération plus âgée déjà non seulement entièrement établie, mais celles du zénith de la gloire des artistes fait de plus en plus recours aux parcelles chrétiennes de la peinture de la machine (sujets de Calvary à E. Moisenko et A. Myotov, "Mémoire éternelle ..." V. Ivanova, "Blinka" (voir la parcelle de couleur) et "Judas" G. Korzhev, "Le dernier souper" et "Misseling de la croix" Peintre de la jeune génération N. Nesterova; même une "chapelle nord" précédente v. popkov peut être mentionnée dans cette rangée). Mais le mot principal, il s'est avéré qu'il appartenait ici à des ouvriers de la machine, mais monumtalistes.

Peinture d'église orthodoxe russe, qui a survécu au plus grand florissant au Moyen Âge, qui a poursuivi son développement déjà dans le cadre de l'art académique, qui a trouvé des chercheurs sérieux à la tournure du XIX-XXe siècle, a cessé d'exister en 1917. La politique de l'État d'athéisme, causant un coup écrasant à orthodoxie, interrompu et le développement de la peinture d'icônes et de la construction du temple. Néanmoins, les grands historiens de l'art russe (Olsufyev, Grabar, Lazarev, Alpatov, etc.) ont été engagés dans la recherche de vieilles icônes (ainsi trouvées, par exemple, en 1922, des icônes de Roublevsky de l'iconostase de la cathédrale d'Assomption de Vladimir) et de leur restauration.

Le dernier quart des XX et la première décennie du XXIe siècle. - Nouvelle page de développement de la peinture orthodoxe en Russie. En 1989, le fonds indépendant de la renaissance de l'art de l'Église a été créé à Moscou. Dans le cadre de la célébration du millénaire du baptême de la Russie à Moscou, une exposition "Icône moderne" a été organisée à Moscou, en 1997 - dans le cadre du 850e anniversaire de Moscou - l'exposition "L'icône russe à la fin du 20ème Century », qui a présenté diverses directions dans le développement de l'icône, à commencer par Byzance. Une attention particulière a attiré un groupe d'icônes de la «direction du peuple», qui provient d'une photo folklorique, de Lubka. Il y avait des peintures d'icônes importantes avec leur école, qui réussissent à l'étranger (par exemple, mentionné précédemment Archimandrite Père Zinon). À Moscou, d'ici 2000, il y avait déjà plus de 30 ateliers peints d'icônes. À Saint-Pétersbourg, les écoles de base sont des ateliers peints d'icônes à l'Académie spirituelle et du séminaire (chef d'Igumen Alexander) et l'atelier d'icône de peinture et de restauration sous l'Alexander Nevsky Lavra (chef de D. Mironenko), sans compter les nombreux ateliers dans les monastères et les cours. Dans la capitale nord, la première galerie de la peinture d'icône moderne "Icône russe" (2003), collectée d'œuvres d'artistes, Saint-Pétersbourg, Yaroslavl, Novgorod, Pskov, Tver, etc., est apparue en Russie. L'école de Petersburg a généralement démontré une variété de tendances stylistiques. Expositions 1994, 1999, 2000, 2001 Des artistes combinés non seulement de générations différentes et de différentes directions stylistiques, mais également de différents types d'art: avec des peintres d'icônes, les monumtitalistes étaient opposés, des artistes de divers types d'arts appliqués, tels que des émetteurs et, en règle générale, toujours élevée. niveau professionnel.

En 2002, Barona A. L. Stiglitsa, en plus des icônes de Saint-Pétersbourg, de Moscou, du nord-ouest, etc., ont été présentées dans le Musée de l'artiste Spbghp. Fresques, mosaïques, copies des vieux maîtres et de leurs propres œuvres. L'exposition a clairement démontré la compréhension approfondie des icônes d'artistes, l'étude de son canon, la signification pour son espace de temple. Mais la principale chose, a révélé deux directions de premier plan dans l'art religieux: une - de ses origines, de ses origines, de ses origines, de ses anciens Russie, une autre - de l'art du soi-disant période synodale. Cette direction dans la peinture de l'église se distingue par des traditions de l'art de l'Europe occidentale (école de Bologne) et des traditions académiques nationales (un exemple est un exemple de l'icône Borovikovsky dans la cathédrale de Mogilev ou ses icônes de la cathédrale de Kazan de Saint-Pétersbourg ). Un intérêt particulier parmi les artistes de cette zone doit être noté à la créativité de V. Vasnetsov, M. V. Nesterova, à ces centres de peinture d'icônes, comme Palen et Mster, - précisément parce qu'ils, chacun à leur manière, combinent ces traditions (V. Lebedev. "John Theologien", Icône de MSTER, début du XXIe siècle; Voir la prise de couleur). De quel côté est plus correct? Il n'y a pas de réponse sans ambiguïté à cette question. Les peintres d'icônes recherchent leur expression moderne dans les deux cas: et lorsqu'ils se tournent vers les anciennes origines russes, et lorsqu'elles recherchent le sol de l'académisme. V. M. VASNETSOV Après avoir travaillé dans la cathédrale de Kiev Vladimir a écrit qu'il se sent mécontent et "distant" de véritable, de sorte que les peintres d'icônes modernes ont toujours de nombreux problèmes nécessitant des décisions.

Les peintres et restaurateurs modernes des icônes ont commencé à acquérir la gloire à l'étranger (par exemple, E. Bolshakov, Y. Bobrov travailla sur Athos, A. Chashakkin, E. Maximov - aux États-Unis, N. Mukhin - en Serbie). Les artistes travaillant aujourd'hui dans le domaine de la peinture religieuse, qui a déjà été mentionné, une compréhension profonde de l'art religieux et des formes de la machine et monumental. Le grand mérite des maîtres modernes dans la création d'une nouvelle iconographie de Ksenia Petersburg (1988); St. John Kronshtdt, l'image du baptême de la Russie (icônes du père Zinon, 1988 ou Natalia et Nikolai Bogdanov, 2000; voir intérêt coloré), ainsi que le nouvellement représenté dans la cathédrale de 2000, St. Rev. Seraphim Vyritsky, Veniamin Petrogradsky et autres. Beaucoup de travail se déroulent pour créer l'iconographie des "martyrs royaux", il n'a pas fini ce jour. Cependant, dans l'iconographie traditionnelle de longue date, de nombreux peintres montrent un démarrage brillant créatif. Assez pour appeler, par exemple, un tel artiste, comme la ville de mince. En elle "Sainte Trinité" Le sceau de traditions russes anciennes fortes est vues et l'expression pittoresque écriture du maître est semblable à Novgorod et directement par Volotovsky (l'église de l'Assomption sur le champ VoloVoval) est Walloping, mais elle est écrite par un artiste moderne, avec une compréhension moderne des représentants décrites.

La restauration et la construction de nouveaux temples au cours des 15 à 20 dernières années ont acquis une large échelle. En conséquence, la question de leur conception décorative était aiguë. À Saint-Pétersbourg, à partir du milieu des années 90. Plus de 100 temples et chapelles ont été restaurés. Un exemple d'une interaction réussie de l'architecture et de la peinture d'icônes absolument nouvelle, Wallopy and Mosaic est le monastère Novodevichy de Saint-Pétersbourg sur la perspective de Moscou. Et à cet égard, il convient de noter que mosaïque Il est devenu surtout de la demande dans la nouvelle construction du temple.

L'art qui est venu en Russie de Byzantium, qui a connu une nouvelle naissance au XVIIIe siècle. Efforts et talents M. V. Lomonosov et un nouveau décollage au XIXe siècle. Tout d'abord, dans les murs de l'Académie impériale des arts, la mosaïque n'était pas prédite par l'oubli au cours des années de pouvoir soviétique. Nous avons déjà dit, comme dans les années 1930. En rapport avec la construction du métro et d'autres bâtiments publics, ses capacités décoratives, et surtout, sa nature de campagne a été largement utilisée. Au cours des années d'après-guerre, plus tard, les jardins d'enfants et les sanatoriums, les hôpitaux, les entreprises, les murs d'écoles, etc. ont été décorés de mosaïque. À Saint-Pétersbourg, outre l'atelier de la mosaïque de l'Académie des arts, diplômés de l'école d'art supérieure nommée d'après V. I. Mukhina (SPBVKP, qui a renvoyé à juste titre le nom de son fondateur de Baron A. L. Shtiglitsa au cours d'aujourd'hui.

Les chercheurs remarquent correctement que l'expérience de la mosaïque de la période soviétique avec tout son parti pris a beaucoup aidé de jeunes artistes à la nouvelle étape de son développement, qui a débuté dans les années 1990, à la fois dans la méthode d'ensemble, comprenant les possibilités de la matière et dans l'application de nouvelles technologies. Déjà pas à Moscou et le métro Saint-Pétersbourg diplômé de l'Académie des arts, l'étudiant AA Motochova A. Bystrov décore la station de métro «Alexander Nevsky» de la scène de la célèbre bataille - et c'est la dernière œuvre créée à St. . Petersburg avant l'effondrement de l'URSS. Le dernier ordre du XXe siècle. Pour les ateliers de mosaïque de l'Académie des arts, le maître était un panneau de mosaïque pour la gare de sport (1998-1999; voir la parcelle colorée) sur les sujets olympiques, dans lesquels l'artiste a montré des connaissances et a montré une compréhension subtile de la mythologie antique et de l'ancienne de l'art. Plus tard, A. Bystrov (avec E. Bystrov et al.) Décoré les intérieurs du métro "Volkovskaya", "Admiralteyskaya", etc. Une autre équipe de célèbres monumtalistes de Saint-Pétersbourg: S. repin, N. Fomin, I. Uralov, V. Sukhov - Auteurs Stations de métro Mosaïque "Ozerski", "Dostoevskaya", "Cross Island", "Sennaya", etc. Le même groupe d'artistes célèbres a interprété des mosaïques dans l'église de la Nativité de la Vierge dans le village de la Virgin Alexandrovskoe Leningrad Région (architectes A. Schreter, A. Golovin, G. Oural).

Dès le début des années 2000. Il y a des changements notables dans le domestique art monumental En ce sens que l'État cesse d'être le seul client, le client apparaît en privé. Quant aux arts de la machine des dernières décennies, il est assez diversifié pour cette période. De nombreux artistes continuent de travailler, qui se sont déclarés en 1970-1980, comme le même A. Kullinich (voir ses merveilleuses lithographies de couleurs dédiées à l'histoire des monastères de Kirillo-Belozersky et de Sauveur-Stone (région de Vologda), ses illustrations à Gogol, toujours En attendant sa presse et sa belle peinture colorée, fantaisie et humour folklorique entier). Et ceci est juste un exemple d'un artiste qui s'est déclaré déclaré en 1970-1980, d'un travail fructueux aujourd'hui, leur série peut être poursuivie. Et combien de jeunes, qui n'entrentent que la vie créative, audacieusement et librement, de penser intéressant, nous espérons que l'équité mettra en évidence leurs noms.

Nous pouvons maintenant faire une seule conclusion. Pour l'ensemble de l'art domestique moderne (figuratif) de la seconde moitié du XX - début du XXIe siècle. Il est particulièrement caractéristique de la propagation de l'influence du cercle des traditions russes - laissant l'avant-garde à travers l'art du tournant des XX-XIX siècles. À l'art de l'ancien russe et dans des matières étrangères - des expériences du début du siècle dernier par la postpressionisme - impressionnisme - le romantisme au grand art de la renaissance. En d'autres termes, ils poursuivent les traditions fondamentales de l'art du XXe siècle: l'achalandisme russe, l'impressionnisme russe, le "cézannisme russe" ainsi que les fantasmes postmodernes sur les sujets de la Renaissance et déjà purement académique du tour des XIX-XX siècles . De nombreuses expositions de récentes années illustrent parfaitement.

Dans le même temps, il est impossible de ne pas remarquer que, en l'absence d'idéologies de l'État, la tendance du soutien aux plus hauts niveaux de patronage et dans l'organisation des expositions de musées de préférences est principalement à diverses formes de néoangardisme. Avec la disparition des points de repère d'Etat clairs dans le domaine des politiques culturelles, le processus de légalisation de diverses associations informelles s'est produite. "Ander Ground" (terme emprunté à la cinéaste américaine au début des années 1940.) Non seulement entré la fiction domestique, mais c'était presque l'art d'élite qui "avec une baignade", mais qui nécessitera toujours une évaluation sérieuse et objective, comme le activités de nombreuses galeries d'art qui ont ouvert récemment (pour une raison quelconque, pour une raison quelconque s'appelle galerie d'art) et de nombreuses nouvelles éditions d'art. De nos jours, quand "les anciens points de référence et les anciens idols sont remplacés par de nouveaux, lorsqu'un système de nouvelle nouvelle, de nombreuses façons de valeurs imaginaires se pose, à sa manière réfléchissant la pensée post-centième de centième", c'est très Difficile de le faire, mais nécessaire. Sans aucun doute, la compréhension du processus de développement de l'art n'est pas assurée contre les erreurs de calcul, des erreurs, des contradictions et du cas du temps et de la critique objective de comprendre dans toute la variété et la complexité de l'art de la modernité », séparant le grain des putes."

Une des questions complexes semble postangard. Au cours des années de pouvoir soviétique, il y avait tant de "pauvres sur la pensée et primitif de la forme" (V. Vlasov) œuvres de réalisme social, qui, dans ce contexte, l'avant-garde russe des années 1920, en particulier dans les yeux De jeunes artistes et spectateurs, ont commencé à être perçus (à son tour, sont devenus accessibles pour l'ameublement) comme l'art le plus avancé (et pour d'autres et uniquement possibles) au monde. Réhabilitation des noms de tels maîtres vraiment grands comme π. N. Filonov et K. S. Malevich, a incité cela. Les historiens d'art talentueux éliminaient son développement interrompu ("Avangard, arrêté sur la course"). Et tout le monde a oublié que c'était l'avant-garde soviétique des années 1920. C'était la force puissante que la première a commencé à tracer les traditions classiques de l'art domestique et avec quelle pression! "Comment osez-vous être appelé poète // et, soufre, tweet, quelle caille? // aujourd'hui, il est nécessaire // Castet // a allumé le monde dans le crâne!" (V. V. Mayakovsky. "Nuage dans le pantalon"). Et "émietté"! La révolution a fourni les occasions les plus riches d'imposer l'art de nihilistique, sans histoire, patrie, sans racines. Topangarde moderne, avec son agressivité, les mêmes pathos de destruction familières, mais aussi une bénédiction profonde, en plus de la deuxième et des tautologies. Il est tout (cela s'applique cependant et à l'ensemble du postmodernisme mondial) intentionnellement construit sur des citations - dans la littérature de Lite, au cinéma, en arts visuels. Pas étonnant que de grands artistes se plaignent souvent du fait que nous vivons à l'ère de Falseproorokov, Lydzol, Lzhekumirov et aujourd'hui, le "super" est déclaré un, demain - l'autre, la journée après demain - la troisième. Et la meilleure chose à faire est qu'il y a une moquerie et une ironie, et parfois le reflet est familier à l'intelligentsia russe.

Dans le même temps, il est clair pour les chercheurs d'art que tous ces "art conceptuels" et des sociétés op-pop et d'autres "arts", y compris la conception d'art, avec leur départ de la photothèque dans la direction du badge, de la verbalité, Parce que, mais essentiellement, pas moins politisé et agital que le réalisme social.

Au début de la III du millénaire, il est nécessaire de reconnaître que l'art de la masse et de la baleine est devenu vaincu par l'art de la masse et de la baleine comme une expression extrême, avec sa violation d'un sentiment de mesure, des proportions, de l'harmonie: Noms - de très connu non connu - il n'y a pas de numéro. Et ce n'est pas seulement le russe, mais aussi un phénomène mondial: le postmodernisme indique la fin de "l'ère de l'art classique"; Les idéaux du passé, comme c'est vrai, ridicule et nouveau non créé. C'est pourquoi cela devient de plus en plus clair, cela semble que le XXe siècle est l'âge de la catastrophe de la culture, dont les racines sont visibles au cours du siècle dernier, lorsque la conscience religieuse et le mode de vie traditionnel ont commencé à s'effondrer et La bourgeoisité a donné lieu à une protestation uniquement sous la forme d'une recunité et d'une esthétisation sans pique et d'une esthétisation.

Laissez-vous citer les mots du grand musicien du siècle dernier George Sviridova (1915-1998): «Notre art)