Dans l’art allemand, la fin du XIXe siècle est marquée par l’émergence et le développement de divers mouvements. Le style Art Nouveau, particulièrement répandu ici, trouve son expression non seulement dans l'architecture et les arts appliqués, mais aussi dans la peinture et le graphisme, se confondant souvent avec la tendance décadente et réactionnaire du symbolisme. Des artistes allemands tels que Franz Stuck (1863-1928), Max Klinger (1857-1920) et le Suisse Arnold Böcklin (1827-1901) qui ont vécu en Allemagne se sont développés sur la voie du symbolisme. L'isolement conscient de la vie sociale moderne, l'évasion dans le monde des idées abstraites et mystiques et le recours à des sujets fantastiques ou littéraires farfelus sont caractéristiques, bien qu'à des degrés divers, du travail de ces artistes. L'expressivité nerveuse des images et la forme d'expression complexe sont souvent combinées dans leurs œuvres avec une sécheresse et une minutie naturaliste d'exécution. Le caractère décoratif ornemental et la complexité délibérée des compositions et des dessins indiquent la proximité de ces artistes avec le style Art Nouveau. Conventionnel, marqué par les traits d'un effondrement douloureux, l'art des symbolistes fut à la fin du XIXe siècle l'expression la plus frappante de la crise de la culture bourgeoise en Allemagne.
Impressionnisme. Max Lieberman. À la fin des années 1880 et au début des années 1890, l'impressionnisme connaît un développement significatif dans l'art allemand. L'artiste le plus important qui rejoignit ce mouvement fut Max Liebermann (1847-1935). Au début de sa carrière créative, il développe les traditions de l'art réaliste de Menzel dans les portraits et les peintures de genre. Dans ce dernier, il dépeint principalement la vie populaire, souvent des scènes de travail. Ils se distinguaient par le réalisme de leur interprétation et le caractère démocratique des images (« Atelier du cordonnier », 1881, Berlin, Galerie nationale ; « Préparer des aliments en conserve », 1880, Leipzig, Musée). Plus tard, à partir du début des années 1890, Lieberman devint avant tout un écrivain de la vie quotidienne dans la société laïque, particulièrement disposé à décrire diverses scènes extérieures. Dans son interprétation, il suit les décisions et techniques des impressionnistes français.
Parmi les impressionnistes allemands les plus célèbres figure également le peintre et graphiste Lovis Corinth (1858-1925).

La douleur passe, la beauté reste (c) Pierre-Auguste Renoir

Carl Gustav Carus(03/01/1789-1869) - l'un des plus grands représentants du paysage romantique allemand.
Originaire de Leipzig, Carl Gustav a reçu une excellente éducation, d'abord à l'école puis à l'Université de Leipzig. La peinture l'accompagne dès son plus jeune âge, mais Carus choisit néanmoins la gynécologie et l'obstétrique comme métier. À Dresde, il devient professeur au département d'obstétrique et la clinique universitaire porte désormais son nom.
Carus lui-même avait une approche « philosophique » de l’art bien plus que n’importe lequel des peintres paysagistes de cette époque. Carus n'était pas un artiste de formation et est venu à la peinture à partir de ses propres vues scientifiques et philosophiques déjà établies. Célèbre naturaliste, penseur et médecin de Dresde, il possédait, comme beaucoup de personnalités marquantes de l'époque, un universalisme spirituel qui lui permettait de se tourner vers différents types d'activités - science, art, littérature - et d'avoir son mot à dire dans chacune d'elles.
Un bon exemple d'un tel universalisme à cette époque était Goethe, qui combinait en lui un poète, un artiste et un scientifique. Mais Goethe lui-même a écrit à Carus dans une de ses lettres : « En réalité, dans vos activités, vous combinez tant de traits de personnalité, de capacités, de compétences dont le lien profond et vivant est surprenant. » Leur amitié et leur communication scientifique, qui ont commencé alors que Carus était encore un jeune professeur d'obstétricien à Dresde, se sont poursuivies jusqu'à la mort de Goethe. Comme on le sait, la fusion et l'interpénétration enrichissante de l'art et de la science n'étaient pas moins caractéristiques de l'ère du romantisme que l'appel de l'art aux contes de fées, aux mythes et aux fantaisies. La philosophie naturelle romantique a bouleversé l'idée de l'univers, a donné à tout une justification nouvelle et spiritualisante - et aux yeux des romantiques, les sciences spécifiques de la nature étaient remplies d'un sens nouveau, mystérieux et même poétique. Le poète Novalis s'intéressait à la structure des roches, l'artiste Runge s'occupait de la théorie physique de la couleur, Carus, dans le cadre de ses tâches de peinture, commençait l'étude scientifique des phénomènes atmosphériques, des lois de formation et de la structure des nuages. .
La vision romantique du monde a mis la nature et l’homme face à face, voyant dans les deux la manifestation d’un principe spirituel unique et infini. Selon les romantiques, l'esprit, vivant inconsciemment une vie créatrice dans la nature, donnant naissance à toute la diversité de ses formes, se manifeste chez l'homme sous la forme d'une conscience, d'une variété de sentiments, de pensées et d'activités. L'homme sent un être qui lui est apparenté dans la nature, le connaît et l'exprime - tant dans la science que dans l'art ; l'essence spirituelle de l'homme s'efforce de fusionner avec l'essence spirituelle du monde. Ce n’est donc pas pour rien que le naturaliste et l’artiste de cette époque sont devenus si proches l’un de l’autre et que le paysage est devenu la direction la plus fructueuse de l’art romantique en Allemagne.
Carus, dans l'esprit de la philosophie romantique, a défini ainsi le rapport de l'art à la science : la science connaît les parties, l'esprit du tout est soumis à l'art, car dans l'art l'homme lui-même est en partie assimilé à la nature créatrice inconsciemment. La vérité est dans leur combinaison. Les données scientifiques trouvent leur sens ultime dans une expression artistique holistique, et l’art, s’il veut atteindre son objectif, doit être fondé sur une connaissance scientifique approfondie. Cette combinaison a déterminé la personnalité romantique de Carus.
Comme déjà mentionné, Carus n’a pas étudié la peinture, il était autodidacte. Ses premiers travaux étaient directement liés à ses études scientifiques : il s'agissait d'ateliers d'anatomie et de botanique. Et ce n’est que progressivement que l’intérêt pour le paysage apparaît. Mais Carus a vraiment trouvé sa voie dans l'art lorsqu'il a quitté Leipzig, où il a obtenu son diplôme universitaire, pour Dresde et qu'il a rencontré Caspar David Friedrich (en 1817). Frédéric fut le premier à découvrir le langage spécifique du paysage romantique. Probablement, ses peintures ne peuvent pas être qualifiées de paysages au sens traditionnel du terme dans lequel ce genre s'est formé et a existé avant lui dans l'art européen. Il ne s’agit pas ici de l’image d’un lieu – réel ou idéal – mais, dans le langage du romantisme, d’une contemplation philosophique et spirituelle des formes de la nature visible. Carus a trouvé une désignation pour ce nouveau type d'art - il a proposé de l'appeler non pas un paysage, mais une « représentation de la vie sur terre ». Il a si profondément accepté les principes de l'art de Friedrich qu'il existe encore des doutes sur certaines peintures - si elles appartiennent au « professeur » ou à « l'étudiant ».
Fasciné par Friedrich, sur ses traces, Carus part en 1819 en voyage sur l'île de Rügen, où, comme Friedrich, il peint des marines. La mer et le ciel de ces toiles servent l'artiste, comme pour donner une idée de l'infinité même de la nature. Dans le tableau "Surf sur Rügen", seule une étroite bande de rivage rocheux et de grandes vagues montantes de manière monotone jusqu'à l'horizon sont représentées. Le paysage frappe par sa majestueuse désolation ; l'artiste a voulu transmettre la nature aussi grande, puissante et sourde qu'elle est en elle-même, et non telle qu'une personne irréfléchie la perçoit habituellement et l'adapte à ses besoins. Dans le tableau « Nuit au clair de lune à Rügen », l'artiste enlève le dernier support - le rivage ; nous voyons la mer d'une manière qu'aucun humain ne peut la voir - au milieu d'un désert d'eau, d'en haut, comme des mouettes volant de près ; et nous ne pouvons détourner nos yeux des ondulations ondulées qui s’étalent au-dessous de nous, éclairées par la lune. L’artiste scrute les éléments naturels sans fin avec attention et attente, comme s’il regardait le visage d’une personne.
Le fait que la nature, dotée d'esprit, comme l'homme, puisse avoir sa propre « expression » en harmonie avec les sentiments humains, telle est la conviction exprimée par Carus dans son ouvrage théorique et philosophique « Neuf lettres sur la peinture de paysage ». De telles expressions - tristesse, paix, renouveau, etc. - donnent à l'image de la nature l'heure de la journée, la saison. La sensibilité d'un artiste romantique, convaincu de la parenté intérieure de la nature et de l'homme, voit dans une certaine combinaison de motifs naturels non pas un accident, mais les symboles d'un état spirituel. Imprégnés de cet état d'esprit, nous comprendrons, par exemple, la pensée de l'artiste dans le tableau « Cimetière du monastère d'Oybin » (1828) : les ruines d'une église, des tombes sous la neige - c'est la décadence, l'engourdissement, la non-existence ; les puissants épicéas verts qui dominent le centre de la composition sont un signe avant-coureur du renouveau à venir.

Dans l’œuvre de Carus, on trouve un certain nombre de peintures directement consacrées au thème de la parenté spirituelle et au dialogue secret et silencieux entre l’homme et la nature. Dans ces peintures, une personne n’est pas naturellement positionnée dans le giron de la nature, comme un staffage dans un paysage classique. Il est toujours extérieur à elle, la regardant depuis une fenêtre, depuis une ouverture, depuis une terrasse, mais il s'unit au paysage d'une manière différente - par l'empathie, un état spirituel commun. Telle est la « Dame à la terrasse » (1824), regardant au loin l’aube bleuâtre. Il s'agit de l'un des tableaux les plus célèbres de Carus, « Transport d'une barge sur l'Elbe » (1827). Depuis l'espace sombre d'une péniche couverte, à travers les yeux d'une jeune fille élégante assise ici, nous regardons le fleuve et le paysage qui brille au loin sur la rive opposée, se dissolvant dans le soleil avec la silhouette de Dresde, et nous sont imprégnés de son état d'attente joyeuse, d'un élan de l'obscurité à la lumière, du quotidien au miracle. Et enfin, l'une des peintures les plus originales de Carus est « La terrasse de Bruhl à Dresde » (1830). Crépuscule. Brouillard humide. Du brouillard lui-même, comme une vision miraculeuse, émerge la silhouette pointue de la Hofkirche de Dresde. Au premier plan, près du parapet de la terrasse, se trouvent des figures de vagabonds ou de vagabonds : un vieillard voûté assis, comme hébété, un enfant pressé contre ses genoux, un chien couché à leurs pieds. Un homme rêve et la ville est plongée dans le brouillard, comme dans un rêve. A cette heure, ils semblent se fondre dans une conversation silencieuse et inconnue, pleine de sens secret.
Un thème particulier tissé dans les peintures de Carus est le motif de l’art et de la créativité. Le tableau « Balcon à Naples » (1829-1830) n’est pas sans rappeler « La traversée de l’Elbe » : depuis la pièce, par la porte ouverte du balcon, on aperçoit la ville baignée de soleil de l’autre côté de la baie. Il semble qu'il ne manque qu'une seule chose : une personne qui regarde à cette distance ; et c'est vrai qu'il n'y a pas d'homme ici, mais il y a sa chanson - un violon placé près de la porte. Il n’y a également aucun personnage dans un autre tableau de Carus, « L’atelier de l’artiste au clair de lune » (1826). Les carrés clairs de la fenêtre sur le rideau transparent sont barrés par la silhouette sombre d'un chevalet et d'un mât. Et il n’y a plus de contrastes, tout est plongé dans une obscurité et une paix enveloppantes. On peut ressentir cet état spirituel flou, vague mais intense dans lequel les images naissent alors que l’esprit et la volonté de l’artiste dorment. Peu de gens ont pu transmettre avec autant de force l'atmosphère très mystérieuse de la créativité que ce scientifique naturaliste, professeur et philosophe, touché et transformé en artiste par l'impulsion spirituelle du romantisme.

Franz von Stuck (allemand Franz von Stuck ; 23 février 1863, Tettenweis - 30 août 1928, Munich) - peintre et sculpteur allemand.
Fils d'un meunier du village, Franz von Stuck étudie à l'École royale des arts et métiers de Munich puis à l'Académie des arts de Munich. Von Stuck s'intéresse aux nouvelles techniques et genres artistiques et fonde avec Wilhelm Trübner la Sécession munichoise en 1892.
Depuis 1895, Stuck est professeur à l'Académie des Arts. Parmi ses étudiants figuraient Vassily Kandinsky, Paul Klee, Joseph Hengge, Georg Kahrs, Paul Stollreiter et Heinrich Striffler. En 1906, Franz von Stuck reçut le titre de noblesse. Avec Franz von Lenbach et Friedrich August von Kaulbach, von Stuck est un éminent représentant de l'école des beaux-arts de Munich.
Inspiré par le travail d'Arnold Böcklin, Stuck peint des peintures incroyablement irréelles basées sur des sujets du monde fantastique et allégorique, des images symboliques, comme ses « Péché » (1893) et « Guerre » (1894). Beaucoup de ses œuvres grand format se distinguent par une atmosphère érotique ambiguë. Les peintures de Von Stuck, représentant souvent des corps féminins et masculins nus, ont reçu une perception artistique inhabituellement forte parmi le public de l'époque victorienne avec des traits légèrement « hystériques ».

L'artiste le plus célèbre d'Allemagne à la fin du 19e et au début du 20e siècle était le paysagiste Hans Thoma. Il a peint de manière naturaliste et simple, principalement la Forêt-Noire - une forêt du sud de l'Allemagne, à laquelle sont associés un certain nombre de mythes et de légendes du folklore allemand. Les contemporains l'appelaient le plus grand artiste allemand et Adolf Hitler considérait même Tom comme le plus grand artiste de tous les temps. Des dizaines de rues et de places de villes allemandes portent son nom et il reçut cet honneur de son vivant.
Après 1945, la renommée de Hans Thom a commencé à s'estomper rapidement et aujourd'hui, ses peintures évoquent un sourire sceptique plutôt que de la joie, si quelqu'un s'en souvient encore.

Wilhelm Heinrich Otto Dix(Allemand : Wilhelm Heinrich Otto Dix, 2 décembre 1891, Gera, Thuringe, Empire allemand - 25 juillet 1969, Singen, Baden, Allemagne) - Artiste expressionniste et graphiste allemand, auteur de peintures émotionnellement intenses qui peuvent choquer.
Artiste d'avant-garde, il est associé dans les années 1920 au dadaïsme et à l'expressionnisme. Avec Georg Gross, Dix était un représentant de ce qu'on appelle la « nouvelle matérialité ». Les toiles de Dix se distinguent par des motifs sociaux et pacifistes et des quêtes spirituelles douloureuses.
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La mort et la guerre vont de pair. Ce sont deux meilleurs amis. L’un prépare le terrain à la tresse bien aiguisée de l’autre. Si nous sommes d’accord avec la thèse selon laquelle l’histoire de l’humanité est l’histoire des guerres, alors cette dernière est l’un des moyens importants et influents de l’interaction humaine. Le phénomène de la guerre se reflète dans les constructions idéologiques, la doctrine politique, les traités et débats philosophiques, et bien sûr dans le miroir des beaux-arts.
Pendant longtemps, il était d’usage de décrire la mort à la guerre comme héroïque, pure et symbolique. Mais voilà, balayant tout sur son passage, le bruit des mitrailleuses, le rugissement tonitruant de milliers de canons, les nuages ​​de chlore et les monstres chenilles, la Première Guerre mondiale fait irruption dans l'histoire de l'humanité. Cela a complètement changé le monde entier, changé l’attitude des gens à l’égard de la guerre elle-même et de la perception de la mort. Naturellement, le rôle principal dans la création et la diffusion de nouvelles significations sur ce sujet a été joué (sans compter la Première Guerre mondiale elle-même, dans laquelle des millions de personnes à travers le monde ont été impliquées) par les médias et l'art. Bien sûr, on pense immédiatement aux romans de Remarque et d'Hemingway, qui ont largement déterminé l'attitude envers la guerre dans la conscience de masse du « monde civilisé » moderne. Nous parlerons d'un autre représentant de la génération qui a été témoin de la guerre mondiale, mais qui n'a rien à voir avec la créativité littéraire.
Guerre et mort à travers le regard de l'artiste expressionniste allemand Otto Dix... Sa peinture suscite encore de nombreuses polémiques et fait l'objet des interprétations les plus originales. L'artiste planifie la série de gravures militaires, publiée en 1924 (plusieurs autres ouvrages sur le thème de la guerre ont été écrits dans les années 1930, par exemple le triptyque « Guerre » 1929-1932), alors qu'il est encore au front, réalisant des croquis dans l'interminable tranchées du front occidental (sur lesquelles il n’y a « rien de nouveau », si l’on traduit littéralement le titre du célèbre roman de Remarque). Comme beaucoup de jeunes hommes de sa génération qui, selon l’expression si pertinente d’Ernst Jünger, ont succombé à « l’ivresse de la guerre », Otto s’est porté volontaire pour le front. Il attribue plus tard sa décision à une curiosité naturelle : « Évidemment, je suis tout simplement trop curieux. Je devais tout voir : la faim, les poux, la saleté et autres abominations. J’ai dû vivre moi-même ces terribles profondeurs de la vie, c’est pourquoi je suis parti volontairement à la guerre. Dix en a assez vu tout cela, entraîné dans le tourbillon de la « grande guerre », il combat pendant quatre longues années, est blessé et reçoit la Croix de Fer. Et cette image est complétée par un autre fait intéressant : il a traversé toute la guerre avec un volume de Nietzsche et de la Bible. Au front, il se laisse guider non seulement par les règlements militaires, mais aussi par les instructions de Nietzsche pour les artistes : « Représenter des choses terribles et controversées est un instinct de la volonté et de la grandeur de l’artiste ; il ne doit pas en avoir peur. »
Horreur glaçante, inévitable et sentiment de présence constante de la mort, voilà ce qui caractérise le travail de la série militaire de Dix. En même temps, la mort dans ses œuvres est toujours dégoûtante et effrayante dans sa banalité.
La guerre et son compagnon - la mort dans l'univers d'Otto Dix apparaissent devant nous comme un incroyable cataclysme, un élément qui n'épargne personne, bouleverse la conscience et nous plonge dans un état de drogue et l'irréalité de ce qui se passe. La mort cesse d'être un événement extraordinaire, perd son aura héroïque, est subvertie au niveau de la vie quotidienne et apparaît devant nous sous le jour le plus disgracieux.
Sous le Troisième Reich, l'œuvre de Dix était considérée comme « dégénérée » et « dégénérée ». Il sera également expulsé de l'Académie de Dresde. L'artiste était destiné à repartir en guerre. À l'âge de 53 ans, Otto Dix est enrôlé dans la Volkssturm (milice populaire) en 1945. Mais il n'a pas eu à participer aux batailles longtemps, seulement quelques jours. Il sera ensuite capturé par les troupes françaises et ne sera libéré qu'en 1946. D. Zhitinev : « Otto Dix : Mort et guerre »

Richard Müller (1874-1954) - professeur à l'Académie des Beaux-Arts de Dresde de 1900 à 1935.
Avec l'arrivée au pouvoir des nazis, il a été démis de ses fonctions parce que... était mariée à la chanteuse américaine Lilian Sanderson, qui n'a pas renoncé à sa citoyenneté américaine.

Sacha Schneider , Karl Alexander Schneider (allemand : Sascha Schneider, Karl Alexander Schneider, 21 septembre 1870, Saint-Pétersbourg - 18 août 1927, Swinemünde, aujourd'hui Swinoujscie) - Artiste allemand d'Art nouveau, célèbre pour ses illustrations des romans de Karl May. Les premières années du futur artiste se sont déroulées à Saint-Pétersbourg. Après la mort du père, la mère a déménagé avec les enfants à Dresde. En 1881, les Schneider s'installent à Zurich. Karl Alexander a étudié au gymnase puis à l'Académie des Beaux-Arts de Dresde. En 1903, il rencontre Karl May et commence à illustrer ses livres. Depuis 1904 - professeur dans une école d'art à Weimar. En raison des menaces de son concubin de révéler ses penchants homosexuels, qui étaient alors persécutés par la loi allemande, il a déménagé en Italie, où de tels penchants n'étaient pas considérés comme des délits. A voyagé, y compris dans le Caucase. Souffrait de diabète. Ayant eu soif sur un bateau approchant de Swinemünde, il but par erreur un détachant toxique. Il a été enterré à Loschwitz - aujourd'hui Dresde.

Oskar Zwintscher

Oscar Zwincher(Allemand Oskar Zwintscher ; 2 mai 1870, Leipzig - 12 février 1916, Dresde) - Artiste symboliste allemand.
Fils du professeur de musique Bruno Zwincher, frère du pianiste Rudolf Zwincher. Il reçoit sa formation artistique à l'Académie des Arts de Leipzig (1887-1890) et - sous la direction de Léon Polet et Ferdinand Pauwels - à l'Académie des Arts de Dresde (1890-1892). Après avoir terminé ses études, il a vécu trois ans comme artiste indépendant à Meissen et a reçu une bourse de la Fondation Munkelch pour les artistes saxons. En 1898, il expose pour la première fois ses œuvres au public et remporte le prix Ludwig Stollwerk, magnat du chocolat. En 1898, la série de ses œuvres « Saisons » est publiée, suivie de la série « Mauvais temps » en 1900. En 1904, il était déjà lui-même membre du comité de remise des prix du « fabricant de chocolat, de cacao et de champagne, la société Stolwerk ». Depuis 1903, l'artiste est professeur à l'Académie des Arts de Dresde.
Les toiles de Zwincher imitent le style pictural des vieux maîtres allemands - Lucas Cranach l'Ancien, Hans Holbein le Jeune et d'autres. Les symbolistes allemands ont eu une grande influence sur son travail créatif : Arnold Böcklin, Ludwig Richter, Moritz von Schwind. Il a peint ses œuvres avec soin jusque dans les moindres détails ; était un opposant de principe à l'impressionnisme. Il était un ami proche de l'artiste et sculpteur Sascha Schneider, qui a créé la sculpture d'un éphèbe avec une torche, installée sur la tombe d'O. Zwincher au cimetière de Loschwitz à Dresde.

Le graphisme, dans lequel il était un maître virtuose et auquel il attache, dans son livre « Peinture et dessin », publié en 1891, une importance particulière et indépendante dans la représentation du monde extérieur revêt une grande importance dans l’œuvre de Klinger. Dans le même temps, Klinger croyait que le graphisme tend à transmettre les aspects démoniaquement sombres de la vie, exprimés de manière adéquate de manière linéaire et contrastée, ce qui permet de considérer Klinger comme l'un des précurseurs des surréalistes. Klinger lui-même a comparé la représentation de « cycles » d’action avec des images de réalités imaginaires fantastiques et symbolistes à un morceau de musique (« opus »). La peinture elle-même reste pour l’artiste un moyen d’expression réaliste et positif. Klinger a été particulièrement influencé par Puvis de Chavannes, qui a créé une série d'œuvres allégoriques et monumentales de peinture murale à Paris. Klinger considérait son objectif dans l'art comme l'unification de la peinture, des arts plastiques et de l'architecture. Les peintures religieuses de Klinger montrent l'influence du maître sur la Renaissance italienne.
« Je vis en moi-même et je marche entre les réflexes de mes yeux : lumière du gaz – miroir – gens. » Klinger, qui écrivit cette phrase dans son journal en 1883, absorbait avec ses yeux tout ce qui l'entourait. La peinture était, dans son esprit, un moyen de retenir le « monde extérieur ». La fantaisie ne pouvait s'exprimer que par des dessins et des gravures. En ce sens, Klinger a travaillé dans les deux techniques, auxquelles il a ensuite ajouté le talent d'un sculpteur. Le monde extérieur et le monde intérieur l’excitaient également et il les considérait toujours comme opposés.

Mort et beauté
La Schonheit. Près du bord de mer, dans une prairie fleurie, de grands arbres s'entrelacent en dentelles. Comme les rêves d’une terre désertique, ils s’élèvent vers le ciel et écoutent le doux bruit des vagues. Là, par une journée ensoleillée et joyeuse, un homme est venu et a vu que le monde était beau. Il s'agenouilla et commença à prier en se couvrant le visage de ses mains. Et des larmes coulaient de ses yeux, des larmes incontrôlables de joie et de tourment devant le mystère de la beauté. Quiconque adorait la nature, s'abandonnait avec tous les élans de son cœur et réfléchissait aux grands charmes de son incompréhensibilité, comprendrait pourquoi Max Klinger terminait la dernière série de ses eaux-fortes par cet accord réconciliateur : « De la mort ».
La mort…
Aucun artiste contemporain n’est parvenu à penser à la mort plus souvent et avec autant de concentration que Klinger. Personne n'a approfondi le silence du destin d'un autre monde qui garde l'horreur des gens.
La mort. Elle ne connaît aucune pitié. Elle est au bout de tous les chemins. Sa proximité inexorable égalise tous les lots. Heureux et souffrant, sage et fou. Devant elle se trouvent également insignifiants : un guerrier tenté par le fantôme de la gloire, et un souverain en or et pourpre, mourant comme un esclave au pied d'un trône magnifique, et un marin jeté par une tempête sur les rochers, et une jeune fille à travailler dans son champ natal, et un enfant dans un berceau près de sa mère. , endormie insouciante sur un banc près de l'étang du soir...
La mort rôde partout. Elle a mille formes et symboles. Cela survient sur une personne quand elle s'y attend le moins et quand elle est fatiguée d'attendre - une mort impitoyable et silencieuse, parfois moqueuse et maléfique, comme un squelette en robe monastique, comme une volée de corbeaux faisant irruption dans une chambre d'hôpital, parfois tristement tranquille, comme un ange blanc...
Et l'artiste insiste sur les images prophétiques avec obstination, méthodique, avec le raffinement impitoyable de celui qui n'épargne pas les autres parce qu'il ne s'épargne pas lui-même. Ces gravures sur la mort alternent devant nous, complètes, inévitables, comme des visions de la « Mélancolie » de Dürer lisant le mot Vanitas dans le ciel, et d’elles naît une poésie d’insinuante tristesse et de silence, qui rappelle les vers de Verlaine :
Je suis un berceau
Qu"une balance principale
Au fond défini"un caveau.
Silence, silence...
Mais cela signifie-t-il que la mort est la réfutation de la vie ? Cela signifie-t-il que les gens devraient céder au désespoir en attendant la dernière heure ?
Non. Nous devons surmonter la triste connaissance de la fin terrible et inévitable. L’artiste nous dit : « Les formes de la mort sont terribles, mais pas la mort elle-même. » Non, car il existe quelque chose de plus fort que la vérité de la mort : la vérité de la beauté.
La beauté vainc la mort. Dans les rayons de la beauté, l'esprit de l'homme rejoint l'éternité. Dans la beauté se trouve sa prémonition sur le lien incompréhensible de l'existence terrestre - faible, temporaire, accidentelle avec cet être sans commencement et durable qu'il appelle : l'Univers.
C’est ainsi que le sens de cette prière nous est révélé. La même prière résonne tout au long de l’œuvre de Klinger. C'est pourquoi la plupart de ses œuvres dégagent une paix si stricte, une réconciliation si solennelle, malgré la prédominance de mélodies sombres.
(Avec)


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Retour dans le néant, planche quinze d'une vie
Pipi de la mort (Der pinkelden Tod)
Sans titre

Karl Wilhelm Diefenbach(Allemand : Karl Wilhelm Diefenbach ; 21 février 1851, Hadamar - 15 décembre 1913, Capri) - Artiste allemand, représentant du symbolisme et du style Art Nouveau. Il était également connu comme personnalité publique, fondateur de la colonie communale Himmelhof à Ober St. Veit.
La vie et l'art
Karl Diefenbach est né dans la famille d'un artiste et professeur d'art au gymnase, Leonard Diefenbach. Il a étudié la peinture à l'Académie des Beaux-Arts de Munich et a d'abord été sous l'influence créative d'Arnold Böcklin et de Franz von Stuck. Les peintures créées par Karl Diefenbach sont devenues célèbres même dans sa jeunesse.
Ayant souffert d'une forme grave de typhus, l'artiste est devenu handicapé - sa main droite est restée paralysée. Puisque Karl Diefenbach croyait que seul un retour à un mode de vie proche de la nature et des produits naturels pouvait le guérir, il tomba sous l'influence des célèbres vulgarisateurs allemands de cette théorie, Arnold Rikli et Eduard Balzer. En 1881, Diefenbach rompit également avec l'Église officielle. Vêtu d'une soutane et de sandales, il prêchait ses enseignements à Munich.
Les idées principales de Karl Diefenbach étaient les suivantes : vivre selon les lois de la nature, rejet de la monogamie, du végétarisme, rejet de toute religion, plus de mouvement au grand air et respect du corps nu. Tout cela a provoqué le ridicule de ses contemporains, qui appelaient Diefenbach « l’apôtre du chou-rave ». Après avoir été placé sous surveillance policière, l'artiste quitte Munich et s'installe dans une carrière abandonnée. Le jeune artiste Hugo Höppener (« Fidus ») devient son assistant. Leur œuvre commune est la grande frise Through Thorns to the Stars (Per aspera ad astra). En 1892, Diefenbach expose ses œuvres à Vienne. Cette exposition fut un succès retentissant et rendit son nom célèbre, mais à cause d'une fraude de la part de la direction de la Société artistique autrichienne, Diefenbach perdit toutes ses peintures. Après ce désastre, l'artiste part pour l'Egypte, où il étudie les temples égyptiens antiques. Puis, afin de restituer ses tableaux, il retourne à Vienne en 1897, envisage d'y publier la revue Humanitas et organise une nouvelle grande exposition. L'artiste trouve des soutiens parmi l'élite intellectuelle de la capitale autrichienne, dont la pacifiste Bertha von Suttner et le publiciste Michael Conrad. Diefenbach s'est installé dans la colonie de Himmelhof près de Vienne et une vingtaine de ses étudiants s'y sont installés avec lui. Parmi eux figuraient les artistes Konstantinos Parthenis et Gustav Gräser, ainsi que le militant des droits des animaux Magnus Schwantje.
Dans son « enseignement », Karl Diefenbach était clairement incohérent. Dans la colonie de Himmelhof, il se faisait de nombreuses concessions, vivait en même temps avec deux « épouses » et exigeait en même temps de ses élèves modestie et soumission totale. Il surveillait personnellement la correspondance de chacun d'eux. Après un an d'existence, la commune fait faillite et Diefenbach se rend sur l'île de Capri, où il devient célèbre en tant qu'artiste majeur, tandis que dans son pays natal, son œuvre est vouée à l'oubli. Décédé à Capri à cause d'un volvulus intestinal.

Karl Friedrich Lessing(Allemand : Karl Friedrich Lessing ; 15 février 1808, Breslau - 5 juin 1880, Karlsruhe) - Artiste allemand du mouvement romantique.

Fredinand Keller(1842-1922) - "La Tombe de Böcklin"

Wilhelm Scheuchzer "Der Alte Südfriedhof" 1830

Rudolf Wiegmann. Das Grab des Lederfabrikanten Söhlmann auf dem St.-Nicolai-Kirchhof à Hanovre. Dans l'Aquarell de 1835

Franz Reinhold

Marie Egner "Alter Friedhof c1883-1884"

Peter Heinrich Happel

Chapelle im Mondschein de Fritz von Wille, 1912

Carl Strathmann (1866-1939)

Max Wislicenus (1861-1957)

Ferdinand Stäger (1880-1976)

Rudolf Schiestl(8 août 1878, Würzburg - 30 novembre 1931, Nuremberg) - Peintre, graveur, souffleur de verre allemand et l'un des pionniers de l'expressionnisme. Les gravures de la série "La Mort de Bâle" (vers 1910) sont basées sur une chanson populaire médiévale de 1539, 8 gravures pour 7 vers. La chanson raconte comment un certain jeune homme de Bâle a épousé une vieille femme qui lui a « rendu visite » le troisième jour, puis il s'est rendu au cimetière et a demandé à la Mort de prendre la femme grincheuse. A son retour, sa femme était déjà décédée. Le jeune homme attela les chevaux et emmena la vieille morte au cimetière, où était déjà prête la tombe, dans laquelle elle était censée s'enfermer pour toujours. Après cela, il rentra chez lui et prit une jeune femme qui le battit le troisième jour. Eh bien, il a prié la Mort : « Ce serait mieux si c'était l'ancien !

Dans l'histoire de la peinture non seulement allemande mais aussi européenne de la seconde moitié du XIXe siècle, l'œuvre d'Adolf Menzel occupe l'une des places principales. La soif d'observation infatigable inhérente à cet artiste, son talent pictural et son imagination l'ont aidé, artiste autodidacte, à devenir un maître majeur, à obtenir de hautes distinctions officielles et à prendre la place du peintre de la cour prussienne. Il devint chevalier de l'Ordre de l'Aigle Noir, la plus haute distinction prussienne, recevant grâce à elle le titre de noblesse. Mais complètement absorbé par la créativité, l’artiste reste toujours à l’écart de la cour. Tout au long de sa vie, il a travaillé non seulement dans la peinture, mais aussi dans le graphisme, ayant beaucoup contribué au développement de l'art du livre.

Portrait de Frédérica Arnold, 1845

Adolf Menzel a commencé comme lithographe dans l'atelier de son père. En 1833, il suit pendant quelque temps des cours à l'Académie des Arts de Berlin. Il a toujours beaucoup dessiné, dès sa jeunesse il a développé une discipline particulière du dessin et a acquis une haute culture professionnelle en tant que dessinateur, ce qui l'a aidé dans ses études indépendantes de peinture. Le matériau des croquis était constitué d'impressions provenant de nombreux voyages le long du Rhin, du Danube, de la côte de la mer Baltique, de voyages en Hollande, en Autriche, à Paris (1855, 1867, 1868, 1870-1891) et en Italie (il n'a visité que Vérone en 1880, 1881, 1882). Les illustrations de F. Kugler pour l’Histoire de Frédéric le Grand, exécutées en 1839-1842, puis pour les Œuvres de Frédéric II (1843-1849), jouent un rôle majeur dans le développement de ses intérêts créatifs. L'histoire du règne du monarque prussien éclairé fascine le jeune artiste et lui permet de s'immerger dans le monde de l'art de l'époque rococo. L'illustration devient un événement majeur du graphisme européen ; ils ont révélé le véritable historicisme de la pensée de Menzel, capable de transmettre historiquement, concrètement et avec une profondeur psychologique, l’atmosphère d’une époque significative pour l’histoire de son pays.

Portrait de Clara Schmidt von Knobelsdorff. 1848

Les premières peintures de Menzel remontent aux années 1840. Dans de petites toiles, il a capturé l'apparence et la vie de ses proches (« La nièce de l'artiste », 1847, Munich, Collection de peintures de l'État de Bavière ; « Sœur endormie Emilia », vers 1848, Hambourg, Kunsthalle). Ces peintures rappellent davantage des esquisses rapides : l'asymétrie audacieuse de la composition et le petit format les rapprochent des esquisses. Les échos du premier réalisme allemand - Biedermeier - sont également inhérents au premier tableau, « Chambre avec balcon » (1845, Berlin, Galerie nationale), qui reproduit poétiquement un motif de genre commun.

Parc du Palais Prince Albert. D'ACCORD. 1846

Les premiers paysages, dans leur manière d'exécution avec des traits rapides et expressifs, ressemblent également à des croquis. L'artiste s'efforce de transmettre les moments changeants de la vie de la nature, une idée du rythme temporaire de sa vie ("Parc du Palais Prince Albert", vers 1846 ; "Chemin de fer Berlin - Potsdam", 1847, tous deux - Berlin, National Galerie ; "Kreuzberg près de Berlin", 1847, Berlin, Musée Merkischen).

Adieu aux victimes des événements de mars. 1848

En 1848, la toile « Adieu aux victimes des événements de mars » est réalisée (Hambourg, Kunsthalle). L'image d'une manifestation de deuil lors des funérailles des victimes des batailles de barricades pendant la révolution de 1848 à Berlin est devenue le sujet de l'une des premières peintures historiques sur un thème moderne de l'art européen.

Concert de Frédéric II à Sanssouci. 1852

Des thèmes de l'histoire du passé national ont été développés dans un cycle pictural de onze tableaux sur des sujets liés à la vie de Frédéric II (« Table ronde du roi Frédéric le Grand », mort pendant la Seconde Guerre mondiale ; « Concert de Frédéric II à Sans Souci", 1852, Berlin, Galerie Nationale). Dans les scènes de l'intérieur, dans le paysage, dans les épisodes de batailles militaires, Menzel s'efforce de reproduire fidèlement les détails historiques et interprète de manière vivante l'image du roi de Prusse et d'autres personnages.

Théâtre "Gimnaz" à Paris. 1856

Après son premier voyage à Paris en 1855, la toile « Théâtre du Gymnase à Paris » est peinte (1856, Berlin, Galerie Nationale). Le thème du théâtre, qui a attiré plus d'une fois l'artiste (après un voyage au Tyrol, il peint le tableau Théâtre de Gastein, 1859, Hambourg, Kunsthalle), a permis de transmettre l'apparence caractéristique des personnages, les expériences des acteurs et la vive réaction émotionnelle du public à ce qui se passait sur scène. Le thème de la ville s'est avéré tout aussi attrayant pour l'artiste, qui appréciait le monde changeant des sentiments de la nature et de l'homme. Dans la période 1860-1890, les tableaux « L'après-midi au jardin des Tuileries pendant l'Exposition universelle de Paris » (1867, Dresde, Galerie des Nouveaux Maîtres), « La vie quotidienne parisienne » (1869, Düsseldorf, Collections d'art de Rhénanie du Nord-Westphalie), « Piazza d'Erba à Vérone" (1884, Dresde, Galerie des Nouveaux Maîtres), "Marché de la Confiserie à Kissingen" (1893, Berlin, collection privée). Son attention est attirée par l'apparition des places de la ville, pleines de couleurs vives et de diversité humaine, sur lesquelles se trouvent des marchés ; une foule élégante remplissant les parcs et les boulevards de Paris ; intérieurs de restaurants et de cafés de rue ; tous les jours, mais dotés d'une saveur particulière, des vues sur des coins de la ville. Menzel atteint dans ces œuvres une grande subtilité picturale en transmettant les changements de couleur de la lumière et les nuances des sensations nées de ces types.

Après-midi au jardin des Tuileries pendant l'Exposition universelle de Paris. 1867

Plus cérémoniales, bien que marquées par les mêmes aspirations picturales, sont les images des bals de cour et des dîners de l'aristocratie prussienne. Les robes luxueuses des dames et les fracs des messieurs ressemblent à des taches de couleurs vives dans les intérieurs solennels blancs et rouges, bordés d'or, inondés de lumière. Cela signifie beaucoup pour lui, en tant qu'artiste qui appréciait l'époque du XVIIIe siècle, que des événements festifs aient lieu à l'intérieur des bâtiments construits sous Frédéric II - à l'Opéra d'Unter den Linden ou au Palais de Sanssouci sous Stam, qu'il adorait peindre.

Usine de laminage du fer. 1875

Non seulement l’histoire, mais aussi les faits de la nouvelle réalité étaient d’une grande valeur pour Menzel. Le tableau « Maçons sur un nouveau bâtiment » (1875, Essen, collection de peintures de la société Krupp) a été réalisé avec un vif intérêt pour eux, donnant une idée du rythme vivant de l'activité de construction dans l'un des quartiers de Berlin. La représentation du processus de travail des prolétaires de l'usine métallurgique de Haute-Silésie, à Königshutte, est devenue le sujet du tableau « Usine de laminage du fer » (1875, Berlin, Galerie nationale). Ce tableau constitue un événement marquant dans la peinture réaliste européenne du XIXe siècle. Tout en travaillant dessus, Menzel a étudié en profondeur la technologie du processus métallurgique et a réalisé de nombreux croquis graphiques et picturaux d'après nature. Le désir d'authenticité historique se conjugue dans ces deux toiles avec la poétisation des phénomènes modernes, la capacité de faire ressentir leur rythme émotionnel interne.

Procession à Gastein, 1880

L’une des dernières œuvres majeures de l’artiste est le tableau « Procession à Gastein » (1880, collection privée). Avec une magnifique habileté, la diversité des types sociaux est véhiculée et un panorama de la vie d'une petite ville de province allemande se développe. Parmi les peintures similaires à plusieurs figures (« chœur ») de la peinture réaliste européenne de la seconde moitié du XIXe siècle, cette œuvre occupe l'une des premières places ; il a clairement révélé de nombreuses caractéristiques du talent exceptionnel d'Adolf Menzel. En tant qu'artiste qui a rejeté le faux pathétique héroïque de la peinture historique académique, il a créé un nouveau type de peinture. L'histoire du passé national et du présent, qui fascinaient également l'artiste, devint le thème de ses œuvres, changeant radicalement la compréhension du genre historique, y introduisant le souffle des temps nouveaux.

Elena Fedotova

Apparaissant en paysage et en portrait.
Dans le genre portrait le meilleur héritage Philippa Otto Runge(1777-1810), qui a travaillé à Hambourg, a accordé une grande attention aux problèmes de couleur, auteur du traité « La roue chromatique ». Dans ses œuvres, il construit des allégories complexes et farfelues, mais il crée des images véritablement vivantes en se tournant directement vers la nature. Dans son autoportrait il allie la vigilance d'un analyste et la rigueur d'un dessin précis. Dans le tableau "Portrait des parents", le paysage est exécuté avec une subtilité et un soin étonnants, sur lequel sont présentés les vieux parents de l'artiste, les visages ridés de personnes âgées anxieuses, en contraste frappant avec les enfants aux joues roses, regardant le monde. avec les yeux grands ouverts.

L'objet principal est la nature, dans les peintures Caspar David Friedrich(1774-1840). Il admire la grandeur de la nature, mais pense et s'inquiète aussi des friches rocheuses aux contours lisses et des jeux d'ombre et de lumière, ou de la lutte du peuple allemand contre la conquête napoléonienne. L'homme des paysages de Friedrich est un petit personnage solitaire, perdu dans les vastes étendues du monde, ou un observateur passif contemplant les distances brumeuses.
Adolf Menzel(1815-1905) donne l'impulsion à l'épanouissement du réalisme dans la peinture allemande. Artiste aux idées larges, Menzel s'efforce d'embrasser la vie dans toute sa diversité ; il a introduit la méthode réaliste dans le genre historique. En 1840, il réalise quatre cents dessins à la plume pour illustrer les Histoires de Frédéric le Grand. Ce qui est particulièrement attrayant dans les illustrations, c'est l'authenticité de la représentation du décor historique, des costumes et la capacité de capturer ce qui est caractéristique. Menzel aborde également ce thème dans la peinture, par exemple, la plus vivante de la série de peintures consacrées à Frédéric II, représentant la société raffinée qui entourait Frédéric dans sa résidence. Le décor du palais est magistralement représenté, avec les personnes rassemblées librement regroupées autour de la table.

Lors d'un voyage en France, Menzel se familiarise avec l'art français, ce qui renforce encore l'orientation réaliste de son œuvre. Il crée l'un des premiers Peinture d'Europe occidentale des images de la vie de la classe ouvrière, du travail industriel, où d'immenses ateliers, des machines-outils et des fourneaux d'ouvriers éclairés par des flammes, leurs conditions de travail dur et épuisant, sont décrits avec précision. Dans l'atelier, perchés derrière une tôle, ils terminent en toute hâte leur maigre petit-déjeuner.
De nombreux dessins préparatoires aux peintures, réalisés d'après nature, des dessins minutieux de détails de costumes, de meubles et des croquis vivants de personnages, de paysages, d'intérieurs, exécutés au fusain et au crayon, à la plume et au pinceau, caractérisent Menzel comme l'un des plus grands, depuis l'époque de Dürer, dessinateurs en Allemagne.

La tradition du réalisme dans la peinture allemande se poursuit Wilhelm Leibl(1844-1900). Intérêt pour la vie des travailleurs, le problème de la lumière, de l'air et de l'espace, représentant fidèlement les paysans des villages bavarois, attirant avec une peinture aux tons argentés.

"Joueurs de cartes"

Auteur

Paul Cézanne

Un pays France
Années de vie 1839–1906
Style post-impressionnisme

L'artiste est né dans le sud de la France dans la petite ville d'Aix-en-Provence, mais a commencé à peindre à Paris. Un véritable succès lui vient après une exposition personnelle organisée par le collectionneur Ambroise Vollard. En 1886, 20 ans avant son départ, il s'installe à la périphérie de sa ville natale. Les jeunes artistes appelaient ses voyages « un pèlerinage à Aix ».

130x97cm
1895
prix
250 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères privées

L'œuvre de Cézanne est facile à comprendre. La seule règle de l’artiste était le transfert direct d’un objet ou d’une intrigue sur la toile, afin que ses peintures ne déconcertent pas le spectateur. Cézanne a combiné dans son art deux principales traditions françaises : le classicisme et le romantisme. À l’aide de textures colorées, il confère à la forme des objets une plasticité étonnante.

La série de cinq tableaux « Joueurs de cartes » a été peinte entre 1890 et 1895. Leur intrigue est la même : plusieurs personnes jouent au poker avec enthousiasme. Les œuvres ne diffèrent que par le nombre de joueurs et la taille de la toile.

Quatre tableaux sont conservés dans des musées en Europe et en Amérique (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation et Courtauld Institute of Art), et le cinquième, jusqu'à récemment, était une décoration de la collection privée de l'armateur milliardaire grec. Georg Embirikos. Peu avant son décès, à l'hiver 2011, il décide de la mettre en vente. Les acheteurs potentiels de l’œuvre « gratuite » de Cézanne étaient le marchand d’art William Acquavella et le galeriste de renommée mondiale Larry Gagosian, qui ont offert environ 220 millions de dollars pour l’acquérir. En conséquence, le tableau a été attribué à la famille royale de l'État arabe du Qatar pour 250 millions d'euros. La plus grande transaction d'art de l'histoire de la peinture a été conclue en février 2012. La journaliste Alexandra Pierce l'a rapporté dans Vanity Fair. Elle a découvert le coût du tableau et le nom du nouveau propriétaire, puis l'information a été diffusée dans les médias du monde entier.

En 2010, le Musée arabe d'art moderne et le Musée national du Qatar ont ouvert leurs portes au Qatar. Aujourd’hui, leurs collections s’agrandissent. Peut-être que la cinquième version des Joueurs de Cartes a été acquise par le cheikh à cet effet.

Le pluspeinture chèredans le monde

Propriétaire
Cheikh Hamad
ben Khalifa al-Thani

La dynastie al-Thani dirige le Qatar depuis plus de 130 ans. Il y a environ un demi-siècle, d'énormes réserves de pétrole et de gaz ont été découvertes ici, ce qui a instantanément fait du Qatar l'une des régions les plus riches du monde. Grâce à l'exportation d'hydrocarbures, ce petit pays possède le plus grand PIB par habitant. Cheikh Hamad bin Khalifa al-Thani a pris le pouvoir en 1995, alors que son père était en Suisse, avec le soutien de membres de sa famille. Selon les experts, le mérite du dirigeant actuel réside dans une stratégie claire pour le développement du pays et dans la création d'une image réussie de l'État. Le Qatar a désormais une constitution et un Premier ministre, et les femmes ont le droit de voter aux élections parlementaires. D’ailleurs, c’est l’émir du Qatar qui a fondé la chaîne d’information Al-Jazeera. Les autorités de l'État arabe accordent une grande attention à la culture.

2

"Numéro 5"

Auteur

Jackson Pollock

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1912–1956
Style expressionisme abstrait

Jack the Sprinkler - c'était le surnom donné à Pollock par le public américain pour sa technique de peinture particulière. L'artiste a abandonné le pinceau et le chevalet et a versé de la peinture sur la surface de la toile ou des panneaux de fibres lors d'un mouvement continu autour et à l'intérieur d'eux. Dès son plus jeune âge, il s’intéresse à la philosophie de Jiddu Krishnamurti, dont le message principal est que la vérité se révèle lors d’une « effusion » libre.

122x244cm
1948
prix
140 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères Sotheby's

La valeur du travail de Pollock ne réside pas dans le résultat, mais dans le processus. Ce n’est pas un hasard si l’auteur a appelé son art « action painting ». Avec sa main légère, il est devenu le principal atout de l'Amérique. Jackson Pollock a mélangé de la peinture avec du sable et du verre brisé, et a peint avec un morceau de carton, un couteau à palette, un couteau et une pelle à poussière. L'artiste était si populaire que dans les années 1950, on trouvait même des imitateurs en URSS. Le tableau « Numéro 5 » est reconnu comme l’un des plus étranges et des plus chers au monde. L'un des fondateurs de DreamWorks, David Geffen, l'a acheté pour une collection privée et l'a vendu en 2006 aux enchères de Sotheby's pour 140 millions de dollars au collectionneur mexicain David Martinez. Cependant, le cabinet d'avocats a rapidement publié un communiqué de presse au nom de son client indiquant que David Martinez n'était pas le propriétaire du tableau. Une seule chose est sûre : le financier mexicain a en effet récemment collectionné des œuvres d’art moderne. Il est peu probable qu’il ait manqué un « gros poisson » comme le « numéro 5 » de Pollock.

3

"Femme III"

Auteur

Willem de Kooning

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1904–1997
Style expressionisme abstrait

Originaire des Pays-Bas, il immigre aux États-Unis en 1926. En 1948 a lieu l’exposition personnelle de l’artiste. Les critiques d'art ont apprécié les compositions complexes et nerveuses en noir et blanc, reconnaissant leur auteur comme un grand artiste moderniste. Il a souffert d'alcoolisme pendant la majeure partie de sa vie, mais la joie de créer un nouvel art se ressent dans chaque œuvre. De Kooning se distingue par l'impulsivité de sa peinture et ses traits larges, c'est pourquoi parfois l'image ne rentre pas dans les limites de la toile.

121x171cm
1953
prix
137 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères privées

Dans les années 1950, des femmes aux yeux vides, aux seins massifs et aux traits laids du visage sont apparues dans les peintures de de Kooning. "Femme III" est la dernière œuvre de cette série à être mise aux enchères.

Depuis les années 1970, le tableau était conservé au Musée d'art moderne de Téhéran, mais après l'introduction de règles morales strictes dans le pays, ils ont tenté de s'en débarrasser. En 1994, l’œuvre a été exportée d’Iran et, 12 ans plus tard, son propriétaire David Geffen (le même producteur qui a vendu « Numéro 5 » de Jackson Pollock) a vendu le tableau au millionnaire Steven Cohen pour 137,5 millions de dollars. Il est intéressant de noter qu’un an plus tard, Geffen a commencé à vendre sa collection de peintures. Cela a donné lieu à de nombreuses rumeurs : par exemple, selon lesquelles le producteur aurait décidé de racheter le journal Los Angeles Times.

Lors de l'un des forums artistiques, une opinion a été exprimée sur la similitude de « Femme III » avec le tableau « Dame à l'hermine » de Léonard de Vinci. Derrière le sourire aux dents longues et la silhouette informe de l'héroïne, le connaisseur de la peinture a vu la grâce d'une personne de sang royal. En témoigne également la couronne mal dessinée qui couronne la tête de la femme.

4

"Portrait d'AdèleBloch-Bauer I"

Auteur

Gustav Klimt

Un pays L'Autriche
Années de vie 1862–1918
Style moderne

Gustav Klimt est né dans la famille d'un graveur et était le deuxième de sept enfants. Les trois fils d'Ernest Klimt sont devenus artistes, mais seul Gustav est devenu célèbre dans le monde entier. Il a passé la majeure partie de son enfance dans la pauvreté. Après la mort de son père, il devient responsable de toute la famille. C'est à cette époque que Klimt développe son style. Tout spectateur se fige devant ses tableaux : un érotisme franc est clairement visible sous les fins traits d'or.

138x136cm
1907
prix
135 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères Sotheby's

Le sort du tableau, appelé la « Joconde autrichienne », pourrait facilement devenir la base d'un best-seller. Le travail de l’artiste a provoqué un conflit entre tout un État et une dame âgée.

Ainsi, «Portrait d'Adèle Bloch-Bauer I» représente une aristocrate, épouse de Ferdinand Bloch. Son dernier souhait était de faire don du tableau à la Galerie nationale autrichienne. Cependant, Bloch a annulé la donation dans son testament et les nazis ont exproprié le tableau. Plus tard, la galerie a acheté avec difficulté la Golden Adele, mais une héritière est alors apparue - Maria Altman, la nièce de Ferdinand Bloch.

En 2005, le procès très médiatisé « Maria Altmann contre la République d'Autriche » a commencé, à la suite duquel le film est « parti » avec elle pour Los Angeles. L'Autriche a pris des mesures sans précédent : des négociations ont eu lieu sur des prêts, la population a donné de l'argent pour acheter le portrait. Le bien n’a jamais vaincu le mal : Altman a augmenté le prix à 300 millions de dollars. Au moment du procès, elle avait 79 ans et elle est entrée dans l’histoire comme celle qui a modifié le testament de Bloch-Bauer en faveur de ses intérêts personnels. Le tableau a été acheté par Ronald Lauder, propriétaire de la New Gallery à New York, où il se trouve encore aujourd'hui. Pas pour l’Autriche, car Altman a réduit le prix à 135 millions de dollars.

5

"Crier"

Auteur

Edvard Munch

Un pays Norvège
Années de vie 1863–1944
Style expressionnisme

Le premier tableau de Munch, devenu célèbre dans le monde entier, « La Fille malade » (il existe cinq exemplaires) est dédié à la sœur de l’artiste, décédée de la tuberculose à l’âge de 15 ans. Munch a toujours été intéressé par le thème de la mort et de la solitude. En Allemagne, sa peinture lourde et maniaque provoque même un scandale. Cependant, malgré les sujets dépressifs, ses peintures possèdent un magnétisme particulier. Prenez « Scream » par exemple.

73,5x91cm
1895
prix
119,992 millions de dollars
vendu dans 2012
aux enchères Sotheby's

Le titre complet du tableau est Der Schrei der Natur (traduit de l'allemand par « le cri de la nature »). Le visage d'un humain ou d'un extraterrestre exprime le désespoir et la panique – les mêmes émotions que le spectateur éprouve en regardant l'image. L'une des œuvres phares de l'expressionnisme met en garde contre des thèmes devenus aigus dans l'art du XXe siècle. Selon une version, l'artiste l'aurait créé sous l'influence d'un trouble mental dont il aurait souffert toute sa vie.

Le tableau a été volé à deux reprises dans différents musées, mais a été restitué. Légèrement endommagé après le vol, Le Cri a été restauré et était de nouveau prêt à être exposé au Musée Munch en 2008. Pour les représentants de la culture pop, l'œuvre est devenue une source d'inspiration : Andy Warhol en a créé une série de copies imprimées, et le masque du film « Scream » a été réalisé à l'image et à la ressemblance du héros de l'image.

Pour un sujet, Munch a écrit quatre versions de l'œuvre : celle qui se trouve dans une collection privée est réalisée au pastel. Le milliardaire norvégien Petter Olsen l'a mis aux enchères le 2 mai 2012. L'acheteur était Leon Black, qui n'a pas épargné un montant record pour "Scream". Fondateur d'Apollo Advisors, L.P. et Lion Advisors, L.P. connu pour son amour de l'art. Black est un mécène du Dartmouth College, du Museum of Modern Art, du Lincoln Art Center et du Metropolitan Museum of Art. Il possède la plus grande collection de peintures d'artistes contemporains et de maîtres classiques des siècles passés.

6

"Nu sur fond de buste et de feuilles vertes"

Auteur

Pablo Picasso

Un pays Espagne, France
Années de vie 1881–1973
Style cubisme

Il est espagnol d'origine, mais par son esprit et son lieu de résidence, c'est un vrai Français. Picasso a ouvert son propre atelier d'art à Barcelone alors qu'il n'avait que 16 ans. Il part ensuite pour Paris et y passe la majeure partie de sa vie. C'est pourquoi son nom de famille a un double accent. Le style inventé par Picasso repose sur le refus de l'idée selon laquelle un objet représenté sur toile ne peut être vu que sous un seul angle.

130x162cm
1932
prix
106,482 millions de dollars
vendu en 2010
aux enchères Christie's

Au cours de son travail à Rome, l'artiste rencontre la danseuse Olga Khokhlova, qui deviendra bientôt sa femme. Il met fin au vagabondage et emménage avec elle dans un appartement luxueux. À ce moment-là, la reconnaissance avait trouvé le héros, mais le mariage était détruit. L'un des tableaux les plus chers au monde a été créé presque par hasard - par grand amour qui, comme toujours chez Picasso, a été de courte durée. En 1927, il s'intéresse à la jeune Marie-Thérèse Walter (elle a 17 ans, lui 45). Secrètement loin de sa femme, il part avec sa maîtresse dans une ville proche de Paris, où il peint un portrait représentant Marie-Thérèse à l'image de Daphné. La toile a été achetée par le marchand new-yorkais Paul Rosenberg et, en 1951, il l'a vendue à Sidney F. Brody. Les Brody n'ont montré le tableau au monde qu'une seule fois et uniquement parce que l'artiste avait 80 ans. Après le décès de son mari, Mme Brody a mis l'œuvre aux enchères chez Christie's en mars 2010. En six décennies, le prix a augmenté plus de 5 000 fois ! Un collectionneur inconnu l'a acheté pour 106,5 millions de dollars. En 2011, une « exposition d'un tableau » a eu lieu en Grande-Bretagne, où il a été publié pour la deuxième fois, mais le nom du propriétaire est encore inconnu.

7

"Huit Elvis"

Auteur

Andy Warhole

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1928-1987
Style
pop Art

"Le sexe et les fêtes sont les seuls endroits où il faut apparaître en personne", a déclaré l'artiste culte du pop art, réalisateur, l'un des fondateurs du magazine Interview, le designer Andy Warhol. Il a travaillé avec Vogue et Harper's Bazaar, conçu des pochettes de disques et des chaussures pour la société I.Miller. Dans les années 1960, apparaissent des peintures représentant des symboles de l'Amérique : les soupes Campbell's et Coca-Cola, Presley et Monroe - qui font de lui une légende.

358x208cm
1963
prix
100 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères privées

Les années 60 de Warhol étaient le nom donné à l’ère du pop art en Amérique. En 1962, il travaille à Manhattan au studio Factory, où se réunissent tous les bohèmes de New York. Ses représentants éminents : Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote et d'autres personnalités célèbres du monde. Parallèlement, Warhol teste la technique de la sérigraphie - répétition répétée d'une image. Il a également utilisé cette méthode lors de la création des « Huit Elvis » : le spectateur semble voir des images d'un film dans lequel la star prend vie. Ici, il y a tout ce que l'artiste aimait tant : une image publique gagnant-gagnant, une couleur argentée et une prémonition de la mort comme message principal.

Il existe aujourd'hui deux marchands d'art qui font la promotion du travail de Warhol sur le marché mondial : Larry Gagosian et Alberto Mugrabi. Le premier a dépensé 200 millions de dollars en 2008 pour acquérir plus de 15 œuvres de Warhol. Le second achète et vend ses tableaux comme des cartes de Noël, mais à un prix plus élevé. Mais ce ne sont pas eux, mais le modeste consultant en art français Philippe Segalot qui a aidé le connaisseur d’art romain Annibale Berlinghieri à vendre « Huit Elvis » à un acheteur inconnu pour un montant record pour Warhol – 100 millions de dollars.

8

"Orange,Rouge jaune"

Auteur

Marc Rothko

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1903–1970
Style expressionisme abstrait

L'un des créateurs de la peinture sur champs colorés est né à Dvinsk, en Russie (aujourd'hui Daugavpils, en Lettonie), dans une grande famille de pharmacien juif. En 1911, ils émigrent aux États-Unis. Rothko a étudié au département d'art de l'Université de Yale et a obtenu une bourse, mais des sentiments antisémites l'ont contraint à abandonner ses études. Malgré tout, les critiques d’art ont idolâtré l’artiste et les musées l’ont poursuivi toute sa vie.

206x236cm
1961
prix
86,882 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Christie's

Les premières expériences artistiques de Rothko étaient d'orientation surréaliste, mais au fil du temps, il a simplifié l'intrigue en colorant des taches, les privant de toute objectivité. Au début, ils avaient des nuances vives, puis dans les années 1960, ils sont devenus bruns et violets, devenant noirs au moment de la mort de l’artiste. Mark Rothko a mis en garde contre la recherche d'un sens à ses peintures. L'auteur a voulu dire exactement ce qu'il a dit : seulement la couleur qui se dissout dans l'air, et rien de plus. Il recommande de regarder les œuvres à une distance de 45 cm, afin que le spectateur soit « attiré » par la couleur, comme dans un entonnoir. Attention : regarder selon toutes les règles peut conduire à un effet de méditation, c'est-à-dire que la conscience de l'infini, l'immersion complète en soi, la relaxation et la purification surviennent progressivement. La couleur dans ses peintures vit, respire et a un fort impact émotionnel (dit-on, parfois curative). L'artiste a déclaré : « Le spectateur devrait pleurer en les regardant », et de tels cas se sont effectivement produits. Selon la théorie de Rothko, les gens vivent actuellement la même expérience spirituelle que lui lorsqu'il travaillait sur le tableau. Si vous étiez capable de le comprendre à un niveau aussi subtil, vous ne seriez pas surpris que ces œuvres d’art abstrait soient souvent comparées par les critiques à des icônes.

L’œuvre « Orange, Rouge, Jaune » exprime l’essence de la peinture de Mark Rothko. Son prix initial aux enchères Christie’s à New York est compris entre 35 et 45 millions de dollars. Un acheteur inconnu a proposé un prix deux fois supérieur à l'estimation. Le nom de l’heureux propriétaire du tableau, comme cela arrive souvent, n’est pas divulgué.

9

"Triptyque"

Auteur

Francis Bacon

Un pays
Grande Bretagne
Années de vie 1909–1992
Style expressionnisme

Les aventures de Francis Bacon, homonyme complet et également lointain descendant du grand philosophe, ont commencé lorsque son père l’a renié, incapable d’accepter les penchants homosexuels de son fils. Bacon se rend d'abord à Berlin, puis à Paris, puis ses traces se confondent dans toute l'Europe. De son vivant, ses œuvres ont été exposées dans les principaux centres culturels du monde, notamment le musée Guggenheim et la galerie Tretiakov.

147,5x198 cm (chacun)
1976
prix
86,2 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Sotheby's

Des musées prestigieux cherchaient à posséder les peintures de Bacon, mais le public anglais primitif n'était pas pressé de débourser pour un tel art. La légendaire Première ministre britannique Margaret Thatcher a dit de lui : « L’homme qui peint ces tableaux terrifiants ».

L'artiste lui-même considère l'après-guerre comme la période de départ de son œuvre. De retour du service, il se remet à la peinture et crée de grands chefs-d'œuvre. Avant la participation de « Triptyque, 1976 », l’œuvre la plus chère de Bacon était « Étude pour un portrait du pape Innocent X » (52,7 millions de dollars). Dans « Triptyque, 1976 », l'artiste a représenté l'intrigue mythique de la persécution d'Oreste par les Furies. Bien sûr, Oreste est Bacon lui-même, et les Furies sont son tourment. Pendant plus de 30 ans, le tableau a fait partie d'une collection privée et n'a pas participé à des expositions. Ce fait lui confère une valeur particulière et, par conséquent, augmente le coût. Mais qu’est-ce que quelques millions pour un amateur d’art, et qui plus est généreux ? Roman Abramovich a commencé à créer sa collection dans les années 1990, dans laquelle il a été fortement influencé par son amie Dasha Zhukova, devenue galeriste à la mode dans la Russie moderne. Selon des données non officielles, l'homme d'affaires possède personnellement des œuvres d'Alberto Giacometti et de Pablo Picasso, achetées pour des montants supérieurs à 100 millions de dollars. En 2008, il devient propriétaire du Triptyque. À propos, en 2011, une autre œuvre précieuse de Bacon a été acquise: «Trois esquisses pour un portrait de Lucian Freud». Des sources cachées affirment que Roman Arkadyevich est redevenu l'acheteur.

10

"Étang aux nénuphars"

Auteur

Claude Monet

Un pays France
Années de vie 1840–1926
Style impressionnisme

L'artiste est reconnu comme le fondateur de l'impressionnisme, qui a « breveté » cette méthode dans ses peintures. La première œuvre significative fut le tableau « Déjeuner sur l'herbe » (la version originale de l'œuvre d'Edouard Manet). Dans sa jeunesse, il dessine des caricatures et se met à la vraie peinture lors de ses voyages le long de la côte et en plein air. A Paris, il menait une vie de bohème et ne l'a pas quitté même après avoir servi dans l'armée.

210x100cm
1919
prix
80,5 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Christie's

En plus d'être un grand artiste, Monet était également un jardinier passionné et adorait la faune et les fleurs. Dans ses paysages, l'état de nature est momentané, les objets semblent flous par le mouvement de l'air. L'impression est renforcée par de grands traits qui, à une certaine distance, deviennent invisibles et se fondent dans une image texturée en trois dimensions. Dans les peintures de Monet tardif, le thème de l'eau et de la vie y occupe une place particulière. Dans la ville de Giverny, l'artiste possédait son propre étang, où il cultivait des nénuphars à partir de graines spécialement apportées du Japon. Lorsque leurs fleurs éclosent, il se met à dessiner. La série « Nymphéas » se compose de 60 œuvres que l'artiste a peintes pendant près de 30 ans, jusqu'à sa mort. Sa vision s'est détériorée avec l'âge, mais il ne s'est pas arrêté. En fonction du vent, de la période de l'année et de la météo, l'apparence de l'étang changeait constamment et Monet voulait capturer ces changements. Grâce à un travail minutieux, il est parvenu à comprendre l’essence de la nature. Certaines peintures de la série sont conservées dans les plus grandes galeries mondiales : le Musée national de l'art occidental (Tokyo), l'Orangerie (Paris). Une version du prochain « Étang aux Nymphéas » est passée entre les mains d’un acheteur inconnu pour un montant record.

11

Fausse étoile t

Auteur

Jasper Johns

Un pays Etats-Unis
Année de naissance 1930
Style pop Art

En 1949, Jones entre dans une école de design à New York. Avec Jackson Pollock, Willem de Kooning et d'autres, il est reconnu comme l'un des principaux artistes du XXe siècle. En 2012, il a reçu la Médaille présidentielle de la liberté, la plus haute distinction civile des États-Unis.

137,2x170,8 cm
1959
prix
80 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères privées

Comme Marcel Duchamp, Jones a travaillé avec des objets réels, les représentant sur toile et en sculpture en totale conformité avec l'original. Pour ses œuvres, il a utilisé des objets simples et compréhensibles : une bouteille de bière, un drapeau ou des cartes. Il n’y a pas de composition claire dans le film False Start. L’artiste semble jouer avec le spectateur, en étiquetant souvent « à tort » les couleurs du tableau, inversant ainsi le concept même de couleur : « Je voulais trouver un moyen de représenter la couleur afin qu’elle puisse être déterminée par une autre méthode. » Son tableau le plus explosif et le plus « incertain », selon les critiques, a été acquis par un acheteur inconnu.

12

"Assisenusur le divan"

Auteur

Amédée Modigliani

Un pays Italie, France
Années de vie 1884–1920
Style expressionnisme

Modigliani était souvent malade depuis son enfance ; lors d'un délire fébrile, il reconnut son destin d'artiste. Il étudie le dessin à Livourne, Florence, Venise et en 1906 il se rend à Paris, où son art s'épanouit.

65x100cm
1917
prix
68,962 millions de dollars
vendu en 2010
aux enchères Sotheby's

En 1917, Modigliani rencontre Jeanne Hébuterne, 19 ans, qui devient son modèle puis son épouse. En 2004, un de ses portraits s'est vendu pour 31,3 millions de dollars, dernier record avant la vente de « Nu assis sur un canapé » en 2010. Le tableau a été acheté par un acheteur inconnu au prix maximum pour Modigliani pour le moment. Les ventes actives d’œuvres n’ont commencé qu’après la mort de l’artiste. Il meurt dans la pauvreté, atteint de tuberculose, et le lendemain Jeanne Hébuterne, enceinte de neuf mois, se suicide également.

13

"Aigle sur un pin"

Auteur

Qi Baïshi

Un pays Chine
Années de vie 1864–1957
Style Guohua

L'intérêt pour la calligraphie a conduit Qi Baishi à la peinture. A l’âge de 28 ans, il devient l’élève de l’artiste Hu Qingyuan. Le ministère chinois de la Culture lui décerne le titre de « Grand artiste du peuple chinois » et en 1956 il reçoit le Prix international de la paix.

10x26 cm
1946
prix
65,4 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Gardien de la Chine

Qi Baishi s'intéressait aux manifestations du monde environnant auxquelles beaucoup n'attachent pas d'importance, et c'est sa grandeur. Un homme sans éducation est devenu un professeur et un créateur marquant de l'histoire. Pablo Picasso disait de lui : « J'ai peur d'aller dans votre pays, car il y a Qi Baishi en Chine. » La composition «Aigle sur un pin» est reconnue comme la plus grande œuvre de l’artiste. Outre la toile, il comprend deux rouleaux hiéroglyphiques. Pour la Chine, le montant pour lequel l'œuvre a été achetée représente un record : 425,5 millions de yuans. Le rouleau de l’ancien calligraphe Huang Tingjian a été vendu à lui seul pour 436,8 millions.

14

"1949-A-N° 1"

Auteur

Clyfford encore

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1904–1980
Style expressionisme abstrait

À l’âge de 20 ans, j’ai visité le Metropolitan Museum of Art de New York et j’ai été déçu. Plus tard, il s'est inscrit à un cours à la Student Arts League, mais est parti 45 minutes après le début du cours - cela s'est avéré "pas pour lui". La première exposition personnelle a provoqué une résonance, l'artiste s'est retrouvé, et avec elle la reconnaissance

79x93cm
1949
prix
61,7 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Sotheby's

Still a légué toutes ses œuvres, plus de 800 toiles et 1 600 œuvres sur papier, à une ville américaine où sera ouvert un musée qui porte son nom. Denver est devenue une telle ville, mais la construction à elle seule coûtait cher aux autorités, et pour la terminer, quatre œuvres ont été mises aux enchères. Il est peu probable que les œuvres de Still soient à nouveau mises aux enchères, ce qui a fait augmenter leur prix par avance. Le tableau « 1949-A-No.1 » a été vendu pour un montant record pour l'artiste, même si les experts prévoyaient une vente maximale de 25 à 35 millions de dollars.

15

"Composition suprématiste"

Auteur

Kazimir Malevitch

Un pays Russie
Années de vie 1878–1935
Style Suprématisme

Malevitch étudie la peinture à l’École des Beaux-Arts de Kiev, puis à l’Académie des Arts de Moscou. En 1913, il commence à peindre des peintures géométriques abstraites dans un style qu’il appelle suprématisme (du latin « domination »).

71x 88,5 cm
1916
prix
60 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Sotheby's

Le tableau a été conservé au musée de la ville d'Amsterdam pendant environ 50 ans, mais après 17 ans de dispute avec les proches de Malevitch, le musée l'a cédé. L’artiste a peint cette œuvre la même année que le « Manifeste du suprématisme », c’est pourquoi Sotheby’s a annoncé avant même la vente aux enchères qu’elle n’entrerait pas dans une collection privée pour moins de 60 millions de dollars. Et c’est ce qui s’est passé. Il vaut mieux le regarder d'en haut : les personnages sur la toile ressemblent à une vue aérienne de la terre. D'ailleurs, quelques années plus tôt, les mêmes proches ont exproprié une autre « Composition suprématiste » du musée du MoMA afin de la vendre aux enchères Phillips pour 17 millions de dollars.

16

"Baigneurs"

Auteur

Paul Gauguin

Un pays France
Années de vie 1848–1903
Style post-impressionnisme

Jusqu'à l'âge de sept ans, l'artiste vit au Pérou, puis rentre en France avec sa famille, mais ses souvenirs d'enfance le poussent sans cesse à voyager. En France, il commence à peindre et se lie d'amitié avec Van Gogh. Il passe même plusieurs mois avec lui à Arles, jusqu'à ce que Van Gogh lui coupe l'oreille lors d'une dispute.

93,4x60,4cm
1902
prix
55 millions de dollars
vendu en 2005
aux enchères Sotheby's

En 1891, Gauguin organise une vente de ses tableaux afin d'utiliser les bénéfices pour voyager au cœur de l'île de Tahiti. Il y crée des œuvres dans lesquelles se fait sentir un lien subtil entre la nature et l'homme. Gauguin vivait dans une cabane au toit de chaume et un paradis tropical s'épanouissait sur ses toiles. Son épouse était Tehura, une Tahitienne de 13 ans, ce qui n'a pas empêché l'artiste de s'engager dans des relations de promiscuité. Ayant contracté la syphilis, il part pour la France. Cependant, il y avait du monde pour Gauguin là-bas et il retourna à Tahiti. Cette période est appelée la «deuxième Tahitienne» - c'est alors que fut peint le tableau «Baigneurs», l'un des plus luxueux de son œuvre.

17

"Jonquilles et nappe dans les tons bleus et roses"

Auteur

Henri Matisse

Un pays France
Années de vie 1869–1954
Style Fauvisme

En 1889, Henri Matisse est victime d'une crise d'appendicite. Alors qu'il se remettait d'une opération, sa mère lui a acheté de la peinture. Au début, Matisse copiait des cartes postales en couleur par ennui, puis il copiait des œuvres de grands peintres qu'il voyait au Louvre, et au début du XXe siècle il inventa un style : le fauvisme.

65,2x81cm
1911
prix
46,4 millions de dollars
vendu en 2009
aux enchères Christie's

Le tableau « Jonquilles et nappe en bleu et rose » a longtemps appartenu à Yves Saint Laurent. Après la mort du couturier, toute sa collection d’art passe entre les mains de son ami et amant Pierre Berger, qui décide de la mettre aux enchères chez Christie’s. La perle de la collection vendue était le tableau « Jonquilles et nappe dans les tons bleus et roses », peint sur une nappe ordinaire au lieu d'une toile. Comme exemple du fauvisme, il est rempli de l’énergie de la couleur, les couleurs semblent exploser et crier. Issue de la célèbre série de peintures peintes sur nappes, cette œuvre est aujourd'hui la seule à se trouver dans une collection privée.

18

"Fille endormie"

Auteur

RoyLee

htenstein

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1923–1997
Style pop Art

L'artiste est né à New York et après avoir obtenu son diplôme, il s'est rendu dans l'Ohio, où il a suivi des cours d'art. En 1949, Lichtenstein obtient une maîtrise en beaux-arts. Son intérêt pour la bande dessinée et sa capacité à utiliser l’ironie ont fait de lui un artiste culte du siècle dernier.

91x91cm
1964
prix
44,882 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Sotheby's

Un jour, du chewing-gum tomba entre les mains de Lichtenstein. Il redessine le tableau de l'insert sur la toile et devient célèbre. Cette histoire tirée de sa biographie contient tout le message du pop art : la consommation est le nouveau dieu, et il n'y a pas moins de beauté dans un emballage de chewing-gum que dans la Joconde. Ses peintures rappellent les bandes dessinées et les dessins animés : Lichtenstein a simplement agrandi l'image finie, dessiné des trames, utilisé la sérigraphie et la sérigraphie. Le tableau « Fille endormie » a appartenu pendant près de 50 ans aux collectionneurs Beatrice et Philip Gersh, dont les héritiers l'ont vendu aux enchères.

19

"La victoire. Boogie Woogie"

Auteur

Piet Mondrian

Un pays Pays-Bas
Années de vie 1872–1944
Style néoplasticisme

L'artiste change son vrai nom, Cornelis, en Mondrian lorsqu'il s'installe à Paris en 1912. Avec l'artiste Theo van Doesburg, il fonde le mouvement néoplasticisme. Le langage de programmation Piet porte le nom de Mondrian.

27x127cm
1944
prix
40 millions de dollars
vendu en 1998
aux enchères Sotheby's

Le plus « musical » des artistes du XXe siècle vivait de natures mortes à l’aquarelle, même s’il est devenu célèbre en tant qu’artiste néoplasique. Il a déménagé aux États-Unis dans les années 1940 et y a passé le reste de sa vie. Le Jazz et New York sont ce qui l'a le plus inspiré ! Peinture « Victoire. Boogie-Woogie" en est le meilleur exemple. Les carrés soignés emblématiques ont été réalisés à l’aide de ruban adhésif, le matériau préféré de Mondrian. En Amérique, on l’appelait « l’immigrant le plus célèbre ». Dans les années 60, Yves Saint Laurent sort des robes « Mondrian » de renommée mondiale aux grands imprimés à carreaux.

20

"Composition n°5"

Auteur

BasilicKandinsky

Un pays Russie
Années de vie 1866–1944
Style avant-garde

L'artiste est né à Moscou et son père était originaire de Sibérie. Après la révolution, il essaya de coopérer avec le gouvernement soviétique, mais se rendit vite compte que les lois du prolétariat n'étaient pas créées pour lui et, non sans difficultés, il émigre en Allemagne.

275x190cm
1911
prix
40 millions de dollars
vendu en 2007
aux enchères Sotheby's

Kandinsky fut l'un des premiers à abandonner complètement la peinture d'objets, pour laquelle il reçut le titre de génie. Pendant le nazisme en Allemagne, ses peintures étaient classées comme « art dégénéré » et n’étaient exposées nulle part. En 1939, Kandinsky prend la nationalité française et, à Paris, il participe librement au processus artistique. Ses peintures « sonnent » comme des fugues, c'est pourquoi beaucoup sont appelées « compositions » (la première a été écrite en 1910, la dernière en 1939). « Composition n°5 » est l'une des œuvres phares de ce genre : « Le mot « composition » m'a sonné comme une prière », a déclaré l'artiste. Contrairement à beaucoup de ses disciples, il a planifié ce qu'il représenterait sur une immense toile, comme s'il écrivait des notes.

21

"étude d'une femme en bleu"

Auteur

Fernand Léger

Un pays France
Années de vie 1881–1955
Style cubisme-post-impressionnisme

Léger a reçu une formation d'architecte puis a fréquenté l'Ecole des Beaux-Arts de Paris. L'artiste se considérait comme un disciple de Cézanne, était un apologiste du cubisme et, au XXe siècle, il connut également du succès en tant que sculpteur.

96,5x129,5cm
1912-1913
prix
39,2 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Sotheby's

David Norman, président du département international d'impressionnisme et de modernisme chez Sotheby's, considère que l'énorme montant payé pour « La Dame en bleu » est tout à fait justifié. Le tableau appartient à la célèbre collection Léger (l'artiste a peint trois tableaux sur un même sujet, le dernier d'entre eux est aujourd'hui entre des mains privées. - NDLR), et la surface de la toile a été conservée dans sa forme originale. L'auteur lui-même a offert cette œuvre à la galerie Der Sturm, puis elle s'est retrouvée dans la collection d'Hermann Lang, collectionneur allemand de modernisme, et appartient désormais à un acheteur inconnu.

22

« Scène de rue. Berlin"

Auteur

Ernst LudwigKirchner

Un pays Allemagne
Années de vie 1880–1938
Style expressionnisme

Pour l’expressionnisme allemand, Kirchner est devenu une figure emblématique. Cependant, les autorités locales l'ont accusé d'adhérer à un « art dégénéré », ce qui a tragiquement affecté le sort de ses peintures et la vie de l'artiste, qui s'est suicidé en 1938.

95x121cm
1913
prix
38,096 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères Christie's

Après avoir déménagé à Berlin, Kirchner a réalisé 11 croquis de scènes de rue. Il s'est inspiré de l'agitation et de la nervosité de la grande ville. Dans le tableau vendu en 2006 à New York, l'état d'anxiété de l'artiste est particulièrement ressenti : les gens dans la rue de Berlin ressemblent à des oiseaux - gracieux et dangereux. Il s'agit de la dernière œuvre de la célèbre série vendue aux enchères ; le reste est conservé dans des musées. En 1937, les nazis traitèrent durement Kirchner : 639 de ses œuvres furent retirées des galeries allemandes, détruites ou vendues à l'étranger. L'artiste n'a pas pu survivre à cela.

23

"Vacancier"Danseur"

Auteur

Edgar Degas

Un pays France
Années de vie 1834–1917
Style impressionnisme

L'histoire de Degas en tant qu'artiste commence avec son travail de copiste au Louvre. Il rêvait de devenir « célèbre et inconnu », et il a finalement réussi. A la fin de sa vie, sourd et aveugle, Degas, 80 ans, continue de fréquenter les expositions et les ventes aux enchères.

64x59cm
1879
prix
37,043 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Sotheby's

"Les ballerines ont toujours été pour moi simplement un prétexte pour représenter des tissus et capturer le mouvement", a déclaré Degas. Des scènes de la vie des danseurs semblent avoir été espionnées : les filles ne posent pas pour l’artiste, mais s’intègrent simplement dans l’atmosphère captée par le regard de Degas. « Resting Dancer » a été vendu pour 28 millions de dollars en 1999, et moins de 10 ans plus tard, il a été acheté pour 37 millions de dollars. Il s'agit aujourd'hui de l'œuvre la plus chère de l'artiste jamais mise aux enchères. Degas accordait une grande attention aux cadres, les dessinait lui-même et interdisait leur modification. Je me demande quel cadre est installé sur le tableau vendu ?

24

"Peinture"

Auteur

Joan Miró

Un pays Espagne
Années de vie 1893–1983
Style art abstrait

Pendant la guerre civile espagnole, l’artiste était du côté républicain. En 1937, il fuit le régime fasciste pour Paris, où il vit dans la pauvreté avec sa famille. Durant cette période, Miro peint le tableau « Aidez l'Espagne ! », attirant l'attention du monde entier sur la domination du fascisme.

89x115cm
1927
prix
36,824 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Sotheby's

Le deuxième titre du tableau est « Blue Star ». L'artiste l'a peint la même année lorsqu'il a annoncé : « Je veux tuer la peinture » et s'est moqué impitoyablement des toiles, grattant la peinture avec des clous, collant des plumes sur la toile, recouvrant les œuvres de déchets. Son objectif était de démystifier les mythes sur le mystère de la peinture, mais après y avoir fait face, Miro a créé son propre mythe : l'abstraction surréaliste. Sa « Peinture » appartient au cycle des « peintures de rêve ». Lors de la vente aux enchères, quatre acheteurs se sont battus pour l’acquérir, mais un appel téléphonique incognito a résolu le différend et « Peinture » ​​est devenue le tableau le plus cher de l’artiste.

25

"Rose bleue"

Auteur

Yves Klein

Un pays France
Années de vie 1928–1962
Style peinture monochrome

L'artiste est né dans une famille de peintres, mais a étudié les langues orientales, la navigation, le métier de doreur sur cadre, le bouddhisme zen et bien plus encore. Sa personnalité et ses pitreries effrontées étaient bien plus intéressantes que les peintures monochromes.

153x199x16cm
1960
prix
36,779 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Christie's

La première exposition d’œuvres monochromes jaunes, oranges et roses n’a pas suscité l’intérêt du public. Klein fut offensé et présenta la prochaine fois 11 toiles identiques, peintes avec de l'outremer mélangé à une résine synthétique spéciale. Il a même breveté cette méthode. Cette couleur est entrée dans l’histoire sous le nom de « bleu Klein international ». L’artiste vendait également des objets vides, créait des tableaux en exposant du papier à la pluie, en incendiant du carton, en imprimant le corps d’une personne sur toile. En un mot, j'ai expérimenté du mieux que j'ai pu. Pour créer « Blue Rose » j’ai utilisé des pigments secs, des résines, des galets et une éponge naturelle.

26

"À la recherche de Moïse"

Auteur

Sir Lawrence Alma-Tadema

Un pays Grande Bretagne
Années de vie 1836–1912
Style néoclassicisme

Sir Lawrence lui-même a ajouté le préfixe « alma » à son nom de famille afin de pouvoir figurer en premier dans les catalogues d'art. Dans l'Angleterre victorienne, ses peintures étaient si demandées que l'artiste reçut le titre de chevalier.

213,4x136,7cm
1902
prix
35,922 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Sotheby's

Le thème principal de l'œuvre d'Alma-Tadema était l'Antiquité. Dans ses peintures, il a essayé de représenter l'époque de l'Empire romain dans les moindres détails, pour cela il a même effectué des fouilles archéologiques sur la péninsule des Apennins et dans sa maison londonienne, il a reproduit l'intérieur historique de ces années. Les sujets mythologiques deviennent pour lui une autre source d’inspiration. L'artiste fut extrêmement demandé de son vivant, mais après sa mort, il fut rapidement oublié. Aujourd'hui, l'intérêt renaît, comme en témoigne le coût du tableau « À la recherche de Moïse », qui est sept fois supérieur à l'estimation d'avant-vente.

27

"Portrait d'un fonctionnaire nu endormi"

Auteur

Lucien Freud

Un pays Allemagne,
Grande Bretagne
Années de vie 1922–2011
Style peinture figurative

L'artiste est le petit-fils de Sigmund Freud, le père de la psychanalyse. Après l’instauration du fascisme en Allemagne, sa famille émigre en Grande-Bretagne. Les œuvres de Freud se trouvent au Wallace Collection Museum de Londres, où aucun artiste contemporain n'a exposé auparavant.

219,1x151,4 cm
1995
prix
33,6 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Christie's

Alors que les artistes à la mode du XXe siècle créaient des « taches de couleur sur le mur » positives et les vendaient pour des millions, Freud peignait des tableaux extrêmement naturalistes et les vendait encore plus cher. "Je capture les cris de l'âme et la souffrance de la chair qui se fane", a-t-il déclaré. Les critiques estiment que tout cela est « l’héritage » de Sigmund Freud. Les peintures ont été si activement exposées et vendues avec succès que les experts ont commencé à douter : ont-elles des propriétés hypnotiques ? Le Portrait d'un fonctionnaire nu endormi, vendu aux enchères, selon le Sun, a été acheté par un connaisseur de beauté et milliardaire Roman Abramovich.

28

"Violon et Guitare"

Auteur

Xun Gris

Un pays Espagne
Années de vie 1887–1927
Style cubisme

Né à Madrid, où il est diplômé de l'École des Arts et Métiers. En 1906, il s'installe à Paris et entre dans le cercle des artistes les plus influents de l'époque : Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, et travaille également avec Sergei Diaghilev et sa troupe.

5x100cm
1913
prix
28,642 millions de dollars
vendu en 2010
aux enchères Christie's

Gris, selon ses propres mots, était engagé dans « une architecture plane et colorée ». Ses peintures sont pensées avec précision : il n'a pas laissé un seul trait aléatoire, ce qui rend la créativité proche de la géométrie. L'artiste a créé sa propre version du cubisme, même s'il respectait grandement Pablo Picasso, le père fondateur du mouvement. Le successeur lui a même dédié sa première œuvre de style cubiste, « Hommage à Picasso ». Le tableau « Violon et Guitare » est reconnu comme remarquable dans l’œuvre de l’artiste. De son vivant, Gris était célèbre et apprécié des critiques et des critiques d'art. Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées du monde et conservées dans des collections privées.

29

"PortraitChamps d'Eluard"

Auteur

Salvador Dalí

Un pays Espagne
Années de vie 1904–1989
Style surréalisme

"Le surréalisme, c'est moi", a déclaré Dali lorsqu'il a été exclu du groupe surréaliste. Au fil du temps, il devient l’artiste surréaliste le plus célèbre. Le travail de Dali est partout, pas seulement dans les galeries. Par exemple, c’est lui qui a imaginé l’emballage des Chupa Chups.

25x33cm
1929
prix
20,6 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Sotheby's

En 1929, le poète Paul Eluard et son épouse russe Gala vinrent rendre visite au grand provocateur et bagarreur Dali. Cette rencontre marque le début d’une histoire d’amour qui durera plus d’un demi-siècle. Le tableau « Portrait de Paul Eluard » a été peint lors de cette visite historique. "J'ai senti qu'on m'avait confié la responsabilité de capturer le visage du poète, à l'Olympe duquel j'avais volé l'une des muses", a déclaré l'artiste. Avant de rencontrer Gala, il était vierge et dégoûté à l'idée d'avoir des relations sexuelles avec une femme. Le triangle amoureux a existé jusqu'à la mort d'Eluard, après quoi il est devenu le duo Dali-Gala.

30

"Anniversaire"

Auteur

Marc Chagall

Un pays Russie, France
Années de vie 1887–1985
Style avant-garde

Moishe Segal est né à Vitebsk, mais en 1910 il émigre à Paris, change de nom et se rapproche des principaux artistes d'avant-garde de l'époque. Dans les années 1930, lors de la prise du pouvoir par les nazis, il part aux États-Unis avec l'aide du consul américain. Il ne revient en France qu'en 1948.

80x103 cm
1923
prix
14,85 millions de dollars
vendu en 1990
aux enchères Sotheby's

Le tableau «Anniversaire» est reconnu comme l’une des meilleures œuvres de l’artiste. Il contient toutes les caractéristiques de son œuvre : les lois physiques du monde sont effacées, le sentiment d'un conte de fées est préservé dans le décor de la vie bourgeoise, et l'amour est au centre de l'intrigue. Chagall n’a pas dessiné les gens d’après la vie, mais seulement de mémoire ou d’imagination. Le tableau «Anniversaire» représente l'artiste lui-même et son épouse Bela. Le tableau a été vendu en 1990 et n’a plus été mis aux enchères depuis. Fait intéressant, le MoMA du New York Museum of Modern Art abrite exactement le même, uniquement sous le nom de « Birthday ». À propos, il a été écrit plus tôt, en 1915.

préparé le projet
Tatiana Palasova
la note a été compilée
selon la liste www.art-spb.ru
tmn magazine n°13 (mai-juin 2013)