La vision de l'artiste. Ces artistes peignent des mondes magiques dans lesquels on a envie de se perdre

Vision de l'artiste

Bonne journée, cher ami!

J’ai souvent entendu la question : les artistes naissent-ils ou sont-ils créés ? Bien sûr, ils deviennent artistes, mais le talent d'un artiste vit en chacun de nous, etIl est non seulement possible de développer des compétences en dessin et une vision artistique, mais tout simplement nécessaire !!!

Rappelez-vous la déclaration de F.M. Dostoïevski : « La beauté sauvera le monde ! » J'ajouterais ici : à condition que le Monde puisse voir cette beauté. D’accord, voir et regarder sont deux choses différentes !

Une personne qui possède la Vision de l’Artiste perçoit le Monde de manière beaucoup plus subtile et riche. Beaucoup de gens croient que les artistes embellissent la vie. Ils peignent une personne meilleure qu'elle ne l'est réellement. Ou peut-être est-ce une question de vision ?

Qui est le mieux à même de voir la personne représentée : un artiste qui étudie attentivement la nature ou un observateur extérieur qui jette un bref coup d'œil ? Qui peut voir la beauté intérieure d’une personne ?

Un artiste n'est pas un juge strict qui essaie de rendre son verdict, un artiste recherche le meilleur d'une personne, comment un tournesol le révèle et donne vie à une nouvelle image.

Maître Vision Artistique cela signifie maîtriser l'artVoir le beau, voir profondément et pleinement!!! Cela signifie remplir votre vie d'impressions vives, la rendre plus riche, plus riche et plus intéressante. Cela signifie développer vos capacités créatives !!!

Avez-vous déjà, cher ami, observé un artiste à l'œuvre ? Vous voyez un paysage ordinaire, mais sur la toile de l’artiste il y a quelque chose d’extraordinaire, de beau, qui touche votre âme. Et vous voulez aussi essayer de faire quelque chose de similaire, mais réaliser que vous ne savez pas dessiner refroidit votre ardeur.

Mais dans votre enfance, vous dessiniez, mais pour une raison ou une autre, vous n'avez pas développé davantage cette capacité. C'est dommage! Et ce regret reste en toi.

Sur les pages du blog « Draw Together », les cours de dessin deviendront des outils de Maîtrise de la Vision Artistique

Portrait;

Paysage;

peinture murale

Pourquoi ai-je choisi ces sujets particuliers pour le développement de la Vision Artistique ?

· L'Homme et la Nature sont les thèmes principauxMa créativité .

· Pour moi c'est une source d'inspiration inépuisable !

· « Parce que dessiner un portrait nécessite une perception très subtile pour créer une ressemblance , dessiner des visages pour les débutants en art - un moyen très efficaceapprendre à voir et à dessiner» Betty Edwards (« Découvrez l'artiste en vous »).

Alors, cher ami, Apprenons à dessiner pour:

Profitez pleinement de la vie, apprenez à voir, comprendre et transmettre la beauté ;

Maîtriser les techniques de dessin d'un portrait (d'après nature et d'après photo), de paysage, de peinture murale ;

Découvrir de nouveaux talents (psychologue, life designer, etc.) ;

Apprenez à voir le Grand dans le petit ;

Développez les capacités que vous possédez déjà ;

Développer la pensée abstraite;

Remplissez votre vie d'impressions lumineuses ;

Prenez conscience de vous-même ;

Voyez la beauté à l'intérieur et autour de vous

Créer de vos propres mainsportraits, paysages, peintures murales Vous obtiendrez de nombreux effets :

Se concentrer entièrement sur le sujet de son dessin se déconnecter des problèmes de la vie quotidienne;

Comprendre la nature humainedevenir un psychologue subtil;

Représentant la nature, tu es rempli de son énergie et de son plaisir;

Toute l'énergie que vous avez investie pendant le travail vous reviendra, ainsi qu'à vos proches, au centuple lorsque vous l'accrocherez au mur de votre maison ;

Offrez votre art à vos proches et amis !!!

Vous créez de vos propres mains Votre Espace d'Amour

Découvrez votre propre richesse !!!

Tu as un talent pour le dessin !

Sur les pages du blog, étape par étape, vous maîtriserez l'art de dessiner un portrait, aussi bien d'après photographie que d'après nature. Dans les vidéos, vous pouvez regarder comment un portrait est créé tout en dessinant le vôtre.

Je serai heureux de voir vos commentaires!

Sincèrement

Les gars, nous mettons notre âme dans le site. Merci pour ça
que vous découvrez cette beauté. Merci pour l'inspiration et la chair de poule.
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L'imagination de l'artiste est illimitée. Et quand un maître talentueux sait transmettre sa vision du monde sur toile, de véritables chefs-d'œuvre naissent. Il y a un attrait extraordinaire dans de telles peintures. Comme une porte entrouverte vers un monde de conte de fées invisible.

AdMe.ru vous invite à découvrir les œuvres étonnantes d'artistes et d'illustrateurs qui apportent une véritable magie dans nos vies.

Fantaisie et réalité par Jacek Yerka

Jacek Yerka est un artiste surréaliste talentueux originaire de Pologne. Ses peintures sont à la fois réalistes et fantastiques. Il semble que vous fassiez un pas et que vous vous retrouviez dans ce monde doux et mystérieux. Les œuvres de Jacek Yerka sont exposées dans des galeries du monde entier et font partie de collections privées. Ils réalisent également de merveilleux puzzles avec les peintures de l’artiste.

Le monde des rêves d'enfance de James Coleman

James Coleman a consacré sa vie à travailler dans les célèbres studios Walt Disney. C'est lui qui a créé les arrière-plans de nombreux dessins animés célèbres et appréciés. Parmi eux figurent « La Petite Sirène », « La Belle et la Bête », des dessins animés sur Mickey Mouse et bien d'autres. L’atmosphère des contes de fées et de la magie est probablement présente dans toutes les peintures de Coleman.

Contes de fées de Melanie C (Darkmello)

L'illustratrice Melanie Sie est mieux connue sur Internet sous le nom de Darkmello. Ses œuvres sont appréciées des fans pour leur excellente performance et leur atmosphère aimable et lumineuse. Chaque illustration de Darkmello est comme un conte de fées à part entière que chacun peut lire à sa manière.

Collection de mémoires de Charles L. Peterson

Ils ne sont pas immédiatement perceptibles, mais ils sont là, il suffit de regarder attentivement. Des gens qui vivent et profitent du moment présent. « Memories Collection » est une série d'aquarelles de l'artiste Charles L. Peterson. Les peintures de Peterson semblent imprégnées de chaleur et de lumière. Ce sont d'agréables souvenirs d'une enfance insouciante, de joie et de bonheur serein.

Portes vers une autre réalité par Gediminas Prankevicius

Gediminas Pranckevičius est un jeune illustrateur lituanien. Il crée de superbes illustrations tridimensionnelles d’univers parallèles. Des espaces cosy remplis de lumière et habités par des créatures insolites semblent vous inviter à s'évader un moment de la réalité. Et il faut être très prudent, car il est si facile de se perdre dans ces mondes bizarres.

Espace pensif de Niken Anindita

Qu'est-ce qu'une œuvre de création - un tableau peint par un artiste ou un morceau de musique qui suscite en nous un sentiment d'admiration et d'inspiration ? Est-ce dû au simple désir de nous montrer quelque chose de nouveau, de différent, ou s’agit-il du désir d’une personne d’exprimer ce que l’artiste lui-même a vu et que d’autres n’ont pas pu voir ? Comme le disait Pablo Picasso : « Certains voient ce qui est et se demandent pourquoi. Je vois ce qui pourrait être et je demande « pourquoi pas ? » L’idée principale derrière cette affirmation est que certaines personnes voient plus d’opportunités que d’autres dans les choses qui les entourent. Et c’est précisément le lien central du concept de créativité.

Lorsqu’ils testent la créativité, les psychologues utilisent souvent des tests de pensée divergente. Par exemple, on dit à une personne de trouver autant d’utilisations que possible pour les choses les plus simples, comme une brique ordinaire. Si une personne est capable de proposer de nombreuses options et combinaisons d'utilisation d'une brique ordinaire (jusqu'à créer un couvercle de cercueil pour une poupée Barbie), alors le test montrera qu'une telle personne aura une pensée divergente beaucoup plus développée que quelqu'un qui croit que les briques ne peuvent être utilisées que pour résoudre des problèmes ordinaires comme construire des murs et des bâtiments.

Selon les mêmes recherches, l'ouverture à l'expérience, ou simplement l'ouverture à de nouvelles expériences, est l'aspect de notre personnalité qui stimule notre créativité. Parmi les cinq traits de personnalité fondamentaux (extraversion-introversion, agrément, conscience, névrosisme et ouverture à l’expérience), l’ouverture est le meilleur indicateur de notre performance dans des tâches de réflexion divergente.

Comme le soulignent les psychologues américains Scott Barry Kaufman et Carolyn Gregoire dans leur livre Wired to Create, le désir de créativité chez l’humain « vient d’un désir d’exploration cognitive de son propre monde et du monde qui nous entoure ». La curiosité d’une étude approfondie de certaines choses peut conduire à une augmentation du niveau d’ouverture d’une personne à voir le monde qui l’entoure comme différent de celui des gens ordinaires. Ou, comme le disent d’autres chercheurs sur cette question, « la capacité de voir un complexe de possibilités qui passent inaperçues dans ce qu’on appelle « l’environnement familier » établi pour les autres ».

Vision créative

L'étude, publiée dans le Journal of Research in Personality, suggère que les personnes ouvertes d'esprit n'essaient pas seulement de voir les choses sous un angle différent et d'exprimer leur point de vue, mais qu'elles voient réellement le monde qui les entoure différemment des gens ordinaires. personnes.

Les experts ont voulu savoir s'il existait un lien entre l'ouverture et un phénomène tel que la concurrence binaculaire. Ce phénomène se produit lorsque deux images différentes sont présentées simultanément à chaque œil, par exemple un carton rouge et un carton vert. Lors de la visualisation des deux images par un observateur, un effet visuel sera créé pour cette dernière, dans lequel la carte présentée pour un œil semblera passer dans l'autre œil et vice versa. Autrement dit, à un moment donné, il semblera que les deux yeux voient un fond vert ou rouge.

Il est intéressant de noter que pour certains participants à une telle expérience, il peut sembler que les deux arrière-plans se confondent ou que l'un se superpose à l'autre, créant une sorte d'image structurée, comme le montre l'image centrale ci-dessus. Et de tels moments de suppression binaculaire, où les deux images deviennent visibles en même temps, peuvent être expliqués comme une tentative de la conscience de trouver une solution « créative » à un problème présenté sous la forme de stimuli visuels complètement différents (cartes avec un fond différent). couleurs dans ce cas).

Lors d’expériences, les chercheurs ont découvert que les personnes ouvertes d’esprit étaient capables de voir des images fusionnées ou croisées pendant une période plus longue que la moyenne. De plus, l’effet dure encore plus longtemps si la personne est de bonne humeur à ce moment-là, ce qui, selon des études antérieures, joue également un rôle important dans la créativité. De ces observations, les chercheurs ont conclu que la créativité des personnes ouvertes d’esprit s’étend jusqu’à la perception visuelle de base. Et ces personnes ouvertes d’esprit sont capables de vivre une expérience visuelle fondamentalement différente de celle de la personne moyenne.

Voyez ce que les autres ne remarquent pas

Un autre phénomène de perception bien connu est appelé cécité inattentionnelle. Les gens peuvent en faire l’expérience lorsqu’ils se concentrent si intensément sur quelque chose qu’ils cessent littéralement de remarquer d’autres choses juste devant leurs yeux.

Un bon exemple de ce problème de perception est une expérience dans laquelle les gens sont invités à regarder une courte vidéo. Il montre plusieurs personnes se lançant un ballon de basket. L'observateur est chargé de compter le nombre de passes entre joueurs vêtus de blanc.

À un moment donné, un homme en costume de gorille apparaît en plein centre du cadre puis s'éloigne. L'avez-vous remarqué ? Sinon, ne vous inquiétez pas, vous n'êtes pas seul dans ce cas. Environ la moitié des 192 participants à l’étude originale n’ont pas non plus remarqué l’homme en costume de gorille. Mais pourquoi certaines personnes souffrent-elles de cécité d’inattention et d’autres non ?

La réponse à cette question ne vient que de recherches récentes, qui montrent que votre susceptibilité à la cécité par inattention dépend de votre personnalité. Et les personnes ouvertes d’esprit sont plus susceptibles de remarquer un gorille dans le cadre. Encore une fois, nous pouvons conclure que davantage d'informations visuelles pénètrent dans le processus de perception consciente du monde qui nous entoure chez les personnes plus ouvertes - elles sont capables de voir ce que les autres ne remarquent pas.

Ouvre ton esprit. Est-ce nécessaire?

Il peut sembler que les personnes ouvertes ont plus d’opportunités que les autres. Mais les personnes qui ont initialement des traits de personnalité non créatifs peuvent-elles étendre ces capacités ? Est-ce vraiment nécessaire ?

Il existe des preuves irréfutables que la personnalité peut être façonnée, façonnée comme de l’argile, et façonnée pour être ce que vous voulez. Une augmentation de l'ouverture perceptuelle est observée, par exemple, après un entraînement cognitif spécialisé utilisant la substance psilocybine (un composé chimique présent dans certains champignons hallucinogènes). Sur une note moins extrême, des niveaux accrus d’ouverture sont souvent observés parmi les étudiants qui étudient à l’étranger, renforçant ainsi l’idée selon laquelle les voyages peuvent élargir l’esprit.

Mais en fait, tout n’est pas aussi rose dans « l’ouverture de conscience » qu’il y paraît à première vue. Les psychologues associent souvent l’ouverture à certains aspects de la maladie mentale, notamment une tendance accrue aux hallucinations. Il y a une frontière très fine entre la capacité de voir plus et la capacité de voir ce qui n’est pas là. En général, avoir des personnalités diverses est une bonne chose. Il est important de se rappeler que le point de vue d’une personne n’est pas nécessairement meilleur que celui d’une autre.

Cet automne, les habitants et les invités de Francfort ont pu visiter la première exposition en Allemagne de peintures du talentueux artiste moscovite Misha Levin, intitulée « Vision », organisée au Musée du cinéma allemand (Deutsches Filmmuseum). Ayant commencé à peindre à l'âge de quatre ans, le jeune talent, que les critiques qualifiaient autrefois de Matisse moderne, est aujourd'hui considéré comme un maître de la peinture ; ses peintures sont exposées à Moscou, Londres, Genève, Cincinnati et dans d'autres villes du monde. Les peintures de Misha Levin sont conservées dans les collections privées d'Elizabeth II, du prince Charles, de Vladimir Spivakov, ainsi que de connaisseurs d'art en Allemagne, au Japon et en Amérique. Lors de la journée d'ouverture, à l'occasion de l'ouverture de son exposition personnelle à Francfort, nous avons pu discuter avec l'artiste russe de son travail, de sa réussite, de ses sources d'inspiration et de ses projets d'avenir.

Misha, est-ce la première fois que vous présentez vos peintures en Allemagne ? Pourquoi avez-vous choisi Francfort ?

Oui, c'est ma première exposition en Allemagne. L'idée de présenter les films à Francfort est venue du codirecteur du Musée du cinéma allemand, le Dr Hensel, que nous avons rencontré par des amis de notre famille. Une fois arrivé à Moscou et vu mes œuvres, il s'est intéressé et m'a proposé de les exposer dans la salle principale du musée, où l'espace permet d'exposer de nombreuses peintures de grand format. Je suis très heureux que le vernissage ait eu lieu - c'est une bonne occasion de présenter le travail réalisé ces dernières années dans un si grand volume.

Quelle impression Francfort vous a-t-elle fait ?

Ma femme et moi avons trouvé Francfort une ville confortable et agréable à vivre. Bien sûr, cela n'étonne pas par la beauté de son architecture, mais il y règne néanmoins une très bonne ambiance ici. Contrairement à de nombreux critiques du mélange de styles architecturaux si différents, j'ai toujours été attiré par le contraste visuel entre les bâtiments assez bas, qui ont apparemment survécu à la guerre, et les gratte-ciel. La ville ne semble pas ennuyeuse.

À quel âge avez-vous réalisé que vous vouliez consacrer toute votre vie aux beaux-arts ?

En fait, mon intérêt pour l’art a commencé très tôt. J'ai grandi dans une famille de musiciens et j'ai commencé à apprendre le violon à l'âge de six ans. Malgré mes capacités musicales, je n’aimais pas ces activités. De plus, à cause du trac et d’une anxiété excessive, je ne pouvais pas me produire aussi bien lors des représentations que lors des répétitions. Quand j'avais onze ans, mon père, après un autre examen pas très réussi, s'est dit prêt à me donner le choix entre les beaux-arts et la musique. J'ai commencé à dessiner littéralement à l'âge de trois ans, alors sans hésitation j'ai choisi la peinture. Et je ne l'ai jamais regretté une seule seconde. Bien que, bien sûr, ce métier soit très difficile et semé d'embûches. Lorsqu’il s’agit d’art, la plupart des gens sont intimidés par la question de savoir comment gagner leur vie. Comme j'enseigne beaucoup maintenant, j'essaie d'une manière ou d'une autre de motiver mes étudiants à s'engager ensuite non pas dans le design, mais dans les beaux-arts. Bien sûr, rien ne garantit que tout le monde deviendra définitivement un artiste à succès, mais j'ai de la chance : je peux combiner ma propre pratique et mon enseignement, ce qui offre la stabilité nécessaire.

Est-il vrai que le musicien exceptionnel Vladimir Spivakov vous a aidé au début de votre carrière ?

Oui, mon père a étudié avec lui à l'École centrale de musique et a ensuite joué dans son orchestre « Les Virtuoses de Moscou » pendant plus de vingt ans. Vladimir Teodorovich dirige une fondation caritative pour les jeunes talents, dont j'étais membre. Ma première exposition personnelle à l'étranger a été organisée lors de son festival de musique, qui a lieu chaque année à Colmar, en France. J'avais alors dix ans.

Une exposition personnelle à dix ans ?

Oui. Vladimir Teodorovitch est un grand amateur d'art et, pourrait-on dire, l'un de mes premiers connaisseurs. J'ai également participé à un grand nombre de projets russes. Il existe à Moscou une fondation caritative «Nouveaux Noms», dont le président est aujourd'hui Denis Matsuev. Grâce à la fondation, mon exposition personnelle a eu lieu en Thaïlande, et dans le cadre de sa campagne, des œuvres ont été offertes au président B.N. Eltsine et à la reine Elizabeth II.

Comment se fait-il que votre tableau se retrouve chez la reine de Grande-Bretagne ?

En 1994, la première visite officielle d'Elizabeth II en Russie a eu lieu après l'effondrement de l'Union soviétique. Lors de la réception officielle à Saint-Pétersbourg, la Fondation New Names a organisé un concert. Moi, un garçon de huit ans, j'ai été emmené chez la Reine et présenté en personne. Ne connaissant pas l'anglais, j'ai mémorisé un discours que j'ai prononcé : « Votre Altesse, je suis très heureux de vous rencontrer. Je veux vous offrir un tableau de vous quittant la cathédrale de Westminster. » Elle n'a pas réalisé au début que c'était ma peinture. (Rires.) Plus tard, alors que j'étudiais à l'Académie de dessin fondée par le prince Charles, j'ai été invité à une réception au palais de Windsor, où est conservée toute la collection de cadeaux de la famille royale. À ma demande, ils ont fouillé les archives et ont trouvé mon tableau. Quatorze ans plus tard, il était toujours là.

Vous avez étudié la peinture en Russie et en Grande-Bretagne. Comment le destin vous a-t-il amené à Foggy Albion ?

Quand j'avais treize ou quatorze ans, la question s'est posée de savoir quel établissement d'enseignement choisir. J'ai d'abord pensé entrer à l'école Surikov ou Stroganov de Moscou, même si j'ai toujours été un adversaire du système éducatif de nos universités d'art, selon lequel un étudiant doit d'abord suivre une formation technique formelle avant de devenir un individu. Je pensais avoir une vision particulière de l'art, alors à l'âge de quinze ans je suis parti étudier à l'étranger. Il a vécu à Oxford pendant deux ans, s'adaptant, étudiant à l'école, étudiant en plus la langue et passant un certain nombre d'examens pour entrer à l'université. Après quatre années d'études à la Slade School of Fine Art de l'Université de Londres, j'ai obtenu un BA.

Certains critiques vous qualifient de Matisse moderne. Selon vous, quelle œuvre de maître vous a le plus influencé ? À qui vous identifiez-vous le plus ? Qui est le plus proche de vous en esprit ?

Enfant, j'essayais d'imiter des artistes célèbres. Par exemple, de six à onze ans, j’étais amoureux de Rembrandt ; je ne m’intéressais qu’à la représentation de sujets bibliques. Plus tard, il s'intéresse aux impressionnistes et post-impressionnistes. Avec l'âge, bien sûr, vous réalisez que vous ne pouvez pas tomber sous une influence aussi forte, car d'une manière ou d'une autre, vous devenez simplement un imitateur. Et pour un artiste, l’objectif le plus important est de préserver son individualité. Bien que vous deviez absolument suivre l'art. Par conséquent, je ne peux plus appeler un peintre en particulier mon mentor ou mon inspiration. En général, je suis très proche de la peinture allemande contemporaine, j'aime le travail d'artistes allemands tels que Neo Rauch, Daniel Richter, Max Beckmann et Otto Dix.

Comment décririez-vous votre style de peinture ?

On pourrait dire que c’est une sorte de néo-expressionnisme. Vous pouvez également retracer l'influence du néoclassicisme et du néopop. Autrement dit, c'est une telle vinaigrette, mais j'aimerais que ce soit mon propre style. (Rires.) Pour moi, de toute façon, le plus important est de chercher constamment, de ne pas s'arrêter à un certain style atteint. L'exposition présente donc des œuvres réalisées selon diverses techniques. Mais ils sont unis par l'essentiel - la personnalité humaine, l'image dans l'intrigue, qui à certains endroits devient plus réaliste et à d'autres, se transforme en art abstrait.

Combien de temps vous faut-il pour terminer un tableau ?

Différemment. Parfois, un tableau est terminé en trois ou quatre jours, mais parfois vous retournez au travail au bout d'un an. Habituellement, un motif, une idée ou une intrigue se reflète dans plusieurs œuvres. Parfois, une série devient un projet distinct, composé de dix à quinze tableaux. Chacun de ces projets est pour moi une nouvelle page de créativité.

En conclusion, j'aimerais connaître vos projets. Envisagez-vous d’autres expositions personnelles en Europe ?

Je planifie. Je travaille sur un grand projet : une exposition au Musée russe, dont l'idée a été lancée en 2009. Je participerai également à un projet à Vienne. La figure culturelle russe Roman Fedchin prévoit d'organiser au printemps prochain une grande exposition «L'Autriche à travers les yeux des maîtres russes de la peinture», qui présentera les œuvres d'une quinzaine d'artistes. Il y a aussi des négociations concernant mon exposition avec le directeur du Musée juif de Vienne. Il existe de nombreux projets, mais organiser des expositions est malheureusement un processus très complexe qui prend des mois et comprend des négociations, le transport des peintures et bien d'autres détails.

La détermination des relations lumière-ombre et couleur dans la nature est réalisée par la méthode de comparaison simultanée. L'efficacité de cette méthode est due à une vision particulière de la nature - l'intégrité de la vision ou, comme disent les artistes, « une vision large », une « perception holistique généralisée », « l'ouverture des yeux ». Comme nous l'avons déjà noté, avec la vision ordinaire, le paysage en question est visible clairement et définitivement dans les zones où notre regard est dirigé.

Cela signifie que le contraste et la définition des couleurs, le relief des objets augmentent lorsqu'on s'approche du centre visuel (la tache jaune sur la rétine, appelée fovéa centrale) et diminuent lorsqu'on s'en éloigne. Par conséquent, si, au cours du processus de peinture, nous transférons constamment le centre visuel d'un objet à un autre, nous ne déterminerons pas correctement les relations.

Le peintre ne doit pas concentrer son regard sur des objets individuels, des détails, mais embrasser la nature entière dans son ensemble, en comparant et en notant les différences entre les objets en termes de luminosité, de couleur, de relief, etc. , l'ensemble du groupe d'objets sera perçu vaguement. Cependant, dans ce « spot » généralisé, il est plus facile de voir et de déterminer la différence de couleur des objets, l'activité d'une couleur et le sourd, la subordination d'une autre, le relief des plans.

« Avec une large étendue de visible, l'artiste ne scrute pas chaque point », écrit B.V. Ioganson, « mais voit de manière généralisée... Couvrant tout de son regard en même temps, l'artiste remarque soudain ce qui est particulièrement brillant, revendique le droit à la première voix, et ce qui est à peine perceptible chante... Grâce au fait que l'artiste procédait du tout, il avait l'occasion de comparer une chose avec une autre, ce que l'artiste qui procède du tout le détail est privé de... Ce n'est que par une comparaison constante avec l'unité d'une vision intégrale que l'on peut apprendre la vérité de la peinture.

La même idée a été exprimée un jour par K. A. Korovine : « … ce n'est pas l'ombre qu'il faut prendre, mais la relation de tous les tons avec l'ombre. C'est-à-dire regarder en même temps, sans perturber la subtile interdépendance des relations picturales... Éduquez l'œil d'abord petit à petit, puis ouvrez-le plus grand, et à la fin tout ce qui est inclus dans la toile doit être vu ensemble, et alors ce qui n'est pas pris avec précision sera faux, comme une note infidèle dans l'orchestre. Un artiste expérimenté voit tout en même temps, tout comme un bon chef d'orchestre entend simultanément un violon, une flûte, un basson et d'autres instruments. Ce. pour ainsi dire, le summum de la maîtrise, il faut l’approcher progressivement.

Une vision holistique et une comparaison constante ne vous permettent pas de vous attarder trop longtemps sur des objets individuels ou des détails sans importance ; il faut pouvoir se distraire d'une couleur préalablement connue, voir cette couleur, ces relations dans lesquelles se trouvent les objets au moment de l'observation.

Diverses techniques permettent de déterminer correctement les relations visibles dans la nature. Ainsi, de nombreux artistes conseillent de plisser les yeux au moment de l'observation, de regarder les objets non pas au point, mais comme s'ils étaient « passés et rapidement », « pas au point, mais à proximité », etc. Dans le même but, les artistes débutants sont il est parfois recommandé d'utiliser du verre noir, un miroir, un cadre de viseur, de comparer les couleurs visibles de la nature avec les couleurs pures de la palette. Par exemple, vous pouvez appliquer des couleurs de peinture pures sur du verre ou sur un chevalet.

En pointant le verre vers les objets représentés et en comparant leur couleur avec les peintures pures sur le verre, vous pouvez déterminer le son des couleurs de la nature. Parfois, pour déterminer la saturation des couleurs, les artistes placent un objet peint d'une nuance de couleur similaire à côté d'un objet dans la nature. Ces techniques vous permettent de déterminer plus précisément la couleur des objets représentés.

Analysons quelques-unes des caractéristiques de notre perception visuelle et les erreurs associées rencontrées dans les travaux pédagogiques. Lorsque le regard du peintre est dirigé vers le plan lointain de la nature, tous les objets de ce plan et leurs détails, caractéristiques tonales et chromatiques sont visibles clairement et définitivement ; d'autres objets sont moins visibles. Si le regard est dirigé vers des objets à l'arrière-plan ou au premier plan de la nature représentée, ils sont alors clairement visibles en couleur et en relief, tandis que les objets en arrière-plan, au contraire, sont vagues et peu clairs.

Comparé et vu séparément, le croquis regorge de taches de couleur et de contrastes ; les détails sur l'ensemble du plan de l'image sont élaborés avec le même soin ; il n'y a pas d'unité des centres optiques et compositionnels. Un croquis correctement écrit représente une image picturale holistique respectant l'unité des centres optiques et compositionnels.

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