L'art décoratif et appliqué russe du XVIIIe siècle en bref. Arts décoratifs et appliqués du milieu du XVIIIe siècle

Reflet du tournant de l’époque de Pierre le Grand dans les arts décoratifs et appliqués. Influences artistiques d'Europe occidentale (Hollande, Angleterre, France, Italie). Les processus de formation du système de classes et de renforcement de la culture laïque et leur influence sur le développement des arts décoratifs et appliqués. La nature multicouche des arts décoratifs et appliqués, le développement inégal de ses sphères individuelles. Préservation et développement des tendances traditionnelles (culture provinciale et populaire, art religieux).

Améliorer la technologie de la production artisanale et manufacturière. L'émergence de l'industrie artistique (production de tapisseries, verrerie d'art, faïence, taille de pierre, production de soie et de tissu). Fabrication d'articles de mode et de luxe. Découverte et valorisation de gisements de cuivre, d'étain, d'argent, de pierres colorées, d'argiles de grande qualité.

Le rôle de l'Académie des sciences dans la « prospérité des arts libres et des manufactures », reflet des nouveaux intérêts des sciences naturelles et techniques dans les arts décoratifs et appliqués. Nouvelles formes d'éducation et de formation des artisans dans les usines d'art. Fermeture des ateliers de l'Armurerie Chambre. Les retraités et son rôle dans le développement de certains types d'arts décoratifs et appliqués. L'émergence d'organisations corporatives d'artisans en Russie. Travail de maîtres étrangers dans divers domaines des arts décoratifs et appliqués.

Style artistique dans les arts décoratifs et appliqués. La mode, son impact sur l'évolution des goûts, l'évolution de l'environnement du sujet. L'émergence de nouveaux types d'objets, le renouvellement des idées esthétiques dans les arts décoratifs et appliqués. Tendances dans la synthèse des arts. Le rôle de l'architecture, de l'art monumental, du graphisme et des publications illustrées dans le développement des arts décoratifs et appliqués. Tendances décoratives de la culture baroque dans la conception de festivals, de complexes de portes triomphales et d'art du jardinage.

L'art de la décoration d'intérieur comme type particulier d'activité artistique dans le travail des architectes du premier quart du XVIIIe siècle. Les premiers travaux d'intérieur et les principales tendances stylistiques (Baroque, Rococo, Classicisme). Nouveaux types de locaux (bureaux, chambres d'apparat, salons, « salles de tournage », « salles de cinéma ») et leur contenu thématique (Palais d'Été, Palais A.D. Menchikov, Grand Palais de Peterhof, Monplaisir). Œuvres de maîtres français. "Chinoiserie" dans les intérieurs de l'époque Pierre le Grand.

Solution d'ensemble de l'environnement sujet. L'émergence d'activités de projets dans le domaine de la culture matérielle et des arts décoratifs et appliqués.

Développement de l'activité mobilier. Nouveaux types et formes de meubles, matériaux et méthodes de décoration. Influence du mobilier anglais et hollandais. Baroque et Rococo dans le mobilier.

La sculpture sur bois, son rôle à l'intérieur. Reliefs sculptés. Iconostase de la cathédrale Pierre et Paul. Sculpture de navires et fabrication de voitures.

Orfèvrerie. Préservation des traditions du XVIIe siècle. Création d'ateliers d'orfèvrerie. Art de la bijouterie. Portrait miniature sur émail. Commandez des badges et des personnes « accordées ». Les premiers maîtres de la peinture miniature furent Grigori Musikiysky et Andrey Ovsov.

Céramiques et faïences de l'époque de Pierre le Grand. Carrelage hollandais à l'intérieur. Expansion de l'importation de faïence d'Angleterre et de Hollande. La première manufacture privée de A. Grebenshchikov à Moscou, l'émergence de la faïence fine domestique.

Augmentation de la consommation de verre et création d'usines de verre à Yamburg et Zhabino, près de Saint-Pétersbourg. Miroirs et luminaires. Formation du style des plats de palais d'apparat avec gravure mate. La première usine privée de verre et de cristal de Maltsov dans le district de Mozhaisk.

Taille de pierre et taille de pierres précieuses. Création des premières usines de découpe à Peterhof et Ekaterinbourg. Sculpture sur os. Techniques de sculpture de base, dispositifs stylistiques. Traditions de Kholmogory. L'apparition des tours, les modifications des formes des produits. Petrovskaya Turning et A. Nartov. L'influence de la gravure et des livres illustrés sur la sculpture sur os. Fondation de la Tula Arms Factory, développement de l'art du traitement artistique de l'acier en produits décoratifs.

Typologie du costume. Changer une robe médiévale en un costume de style européen. L'établissement par Peter des règles de port et des types de vêtements nobles. Introduction de vêtements et d'uniformes statutaires pour l'armée et la marine, pour les fonctionnaires. L'émergence de nouvelles manufactures en lien avec les changements de costumes. Remplacement des tissus orientaux par des tissus d'Europe occidentale. Échantillons de costumes pour hommes de la garde-robe de Pierre Ier.

Fondation de la Manufacture de Treillis de Saint-Pétersbourg. Formation de maîtres russes.

Art décoratif et appliqué de l’époque d’Anna Ioannovna. Argent artistique. Fondation d’une verrerie publique à Fontanka à Saint-Pétersbourg. Activités de la manufacture de treillis. Style de treillis et utilisation à l'intérieur. L. Caravaque et ses projets dans le domaine des arts décoratifs.

Renouveau de la culture artistique sous le règne d'Elizabeth Petrovna. Prédominance des influences françaises. Baroque et rococo dans l'art russe. Rococo en décoration d'intérieur, costume, bijoux, art paysager. Synthèse de l'architecture et des arts décoratifs dans les intérieurs baroques et rococo. Travaux de V.V. Rastrelli et A. Rinaldi dans le domaine du design d'intérieur. Matériaux décoratifs et techniques de finition intérieure. Types de meubles baroques et rococo. Tissus à l'intérieur. Éclairage. Ensemble de divers types d'art décoratif et appliqué du milieu et de la seconde moitié du siècle.

Orfèvrerie. Approbation du style baroque. Œuvres monumentales et décoratives. Grands services cérémoniaux. Changer les formes des objets, nouveaux types de plats pour de nouveaux produits. Art de la bijouterie. Activités des artisans de cour. Style rococo en bijoux. Types de bijoux pour femmes. Pierre colorée dans les bijoux.

Le costume, son image, le type de coupe, les matières, les accessoires, le caractère de la décoration. Influence de la mode française. Baroque et rococo en costume féminin et masculin.

Invention de la porcelaine domestique. Fondation d'une manufacture de porcelaine à Saint-Pétersbourg. Les activités de D.I. Vinogradov et la période « Vinogradov » de développement de la porcelaine russe. Les premiers services du palais, vases, petits objets en plastique. Création d'une faïencerie publique à Saint-Pétersbourg.

Verre élisabéthain gravé. Activités de la verrerie d'État de Saint-Pétersbourg et de l'usine fluviale. Nazier. Baroque et Rococo en verre d'art. Verre dans la décoration des intérieurs de palais par V.V. Rastrelli. Usines privées des Nemchinov et des Maltsov. Expériences de M.V. Lomonossov dans le domaine du verre coloré, début de sa production à l'usine d'Oust-Ruditsk.

Sculpture sur os. Style rococo, œuvre du sculpteur Osip Dudin.

Arts décoratifs et appliqués de la seconde moitié du XVIIIe siècle.

Classicisme dans les arts décoratifs et appliqués 1760-1790. Une combinaison de style rococo avec des motifs antiques. Le rôle des architectes dans les arts décoratifs et appliqués à l'ère du classicisme. Formation de maîtres d'arts décoratifs et appliqués à l'Académie des Arts.

Intérieur du début du classicisme. Matériaux et formes, couleur, décoration sculpturale, réduction du coût des finitions décoratives. Travaux intérieurs de Charles Cameron. Diversité des techniques décoratives, nouveaux matériaux, image des lieux et de l'ensemble. Intérieurs par V. Brenna.

Mobilier classicisme, caractère, formes, influences. Prototypes anciens. Nouveaux types de meubles. Participation d'architectes au développement de l'art du meuble en Russie (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Meubles de D. Roentgen en Russie. Atelier de G. Gambs et I. Ott. Style Jacob dans les meubles russes. Changement de matériaux dans le mobilier d'art (acajou, bois doré, peuplier, bouleau de Carélie). Tissu et broderie dans les meubles.

Atelier de Spol à Moscou. Décor sculpté dans les intérieurs de M. Kazakov. Meubles sculptés du palais Ostankino. L'épanouissement des techniques de composition dans le mobilier russe de la seconde moitié du siècle, les modes d'exécution et les matériaux. Production de meubles chez Okhta à Saint-Pétersbourg. Le papier mâché comme matériau pour l'ameublement et l'art décoratif.

Bronze artistique russe et français. Principaux types de produits et techniques de décoration. Bronze et verre dans les luminaires. Bronze dans la décoration de vases et meubles en pierre et porcelaine. Activités de la Maison Fonderie. Bronzeurs étrangers à Saint-Pétersbourg (P. Azhi, I. Tsekh, etc.).

Costume. Modification des types et des silhouettes de vêtements dans les années 1770-1780. Introduction de la tenue vestimentaire noble uniforme. Tenue de cérémonie de cour, utilisation de formes nationales stylisées. "Style grec" des années 1790 en costumes et coiffures. Un changement radical dans le design de la combinaison. Mode pour châles, foulards, capes, mantilles, châles.

Art de la bijouterie. Activités de I. Pozier, Dubulon, J. Adora, I.G. Sharf, I.V. Bukh, frères Duval. Grande couronne impériale. Atelier de diamants de cour. Argent artistique. Influence de l'argenterie française de style Louis XVI. L'art du nielle sur argent. Le rôle croissant des centres de bijouterie du Nord - Vologda, Veliky Ustyug. Usine de produits noirs et émaillés des frères Popov à Veliky Ustyug. Émail avec superpositions d'argent.

Porcelaine, techniques de fabrication et de décoration. Manufacture Impériale de Porcelaine. Classicisme précoce dans les formes et la décoration des produits. Influence de la porcelaine et de la faïence européennes. Activités de J.-D. Rashetta. Contacts de l'IPE avec l'Académie des Arts. Vases décoratifs et services de palais à l'intérieur de l'époque classique. Les grands services cérémoniaux, leur composition, la nature de leur conception. Rechercher des formes d'objets et des méthodes de décoration de produits appropriées. Sculpture en porcelaine (série de personnages « Peuples de Russie », « Commerçants et colporteurs »). Dessin et gravure de genre en sculpture sur porcelaine et peinture sur porcelaine. Produits de biscuiterie. Porcelaine "Pavlovsk" de la fin des années 1790.

Usine F. Gardner à Verbilki. Services de commande.

Verre d'art. Usine de G. Potemkine à Ozerki. Verre coloré et cristal. Du verre dans les intérieurs de Charles Cameron. La Verrerie Impériale dans les années 1790. Connexion entre les produits des manufactures impériales de porcelaine et de verre. Usine de Bakhmetev dans la province de Penza. L'apogée de la peinture sur verre dans les années 1780-90. Motifs gothiques en verre d'art.

Activités de la manufacture de treillis. Le lien entre les tapisseries et l'orientation générale de la peinture russe (thème historique, allégorie, portrait dans une tapisserie). Le passage du rococo au classicisme. Treillis en design d'intérieur.

Sculpture sur pierre. Le rôle de Charles Cameron dans le développement de la culture de la pierre colorée et son utilisation à l'intérieur. Nouvelles techniques d'utilisation de la pierre, « mosaïque russe ». Activités de l'usine lapidaire de Peterhof. Découverte de nouveaux gisements de pierres colorées dans l'Oural et l'Altaï. Usine d’Ekaterinbourg et usine de Kolyvan. Invention des machines pour le traitement de la pierre. Vases d'après des dessins de A. Voronikhin et D. Quarenghi.

L'apogée de l'acier de Toula (meubles et objets de décoration). Usines nobles et marchandes. Fabrique de miniatures en laque P.I. Korobova. L'émergence de l'artisanat dans les manufactures artistiques. Développement des métiers d'art dans la seconde moitié du XVIIIe siècle : peinture de Khokhloma, tissage de dentelles, tissage à motifs, tissage de tapis, métallurgie artistique, etc.

Dans le cadre de la célébration de son 35e anniversaire, le Musée panrusse des arts décoratifs, appliqués et populaires inaugure une exposition permanente actualisée « Les arts décoratifs et appliqués de Russie du XVIIIe au premier tiers du XIXe siècle ».

"Pierre le Grand a défié la Russie, et elle lui a répondu avec Pouchkine", - le slogan de A. N. Herzen définit le plus précisément le sens et les limites de l'époque à laquelle est consacrée l'exposition de ces salles. Les objets présentés ici sont des jalons vivants qui ont marqué la formation et l’épanouissement de la culture russe au sein de la tradition culturelle européenne du Nouvel Âge. Ils capturent les changements dans le mode de vie et les orientations artistiques, la transformation des anciens et l'émergence de nouvelles formes de sujets, de techniques et même de types d'art décoratif et appliqué.

La conception de la nouvelle exposition est basée sur le principe de la démonstration des objets exposés comme des objets artistiques uniques, combinés en blocs thématiques, stylistiques et typologiques. Cette solution permet d'évaluer l'importance de chaque objet du point de vue de l'époque, du style, de l'évolution d'un type particulier d'art décoratif et appliqué, et concentre l'attention sur sa valeur artistique intrinsèque.

Le scénario d'inspection est construit sur la base de la solution spatiale de l'exposition, non seulement de manière significative (en termes de typologie, de thème, de style et de chronologie), mais aussi visuellement - de l'époque de Pierre le Grand à Biedermeier.

Terrina (supière) avec couvercle 1795

Les thèmes centraux de la nouvelle exposition sont : « L'ère du changement : le tournant des XVIIe et XVIIIe siècles », qui comprend les « primitifs du XVIIIe siècle », qui traduisaient les réalités des temps modernes sous la forme de art traditionnel; "Les classiques du XVIIIe siècle russe", représentant l'époque de Pierre à Paul dans de hauts exemples de l'art de cour, ainsi que "L'Empire russe" et "Dans les chambres", démontrant deux facettes de la culture russe du premier tiers du XIXe siècle siècle - le brillant style impérial et la formation d'une culture de la vie privée, en corrélation avec le phénomène du Biedermeier allemand. Parallèlement, l'exposition permet de visualiser les œuvres dans la rangée habituelle - par type d'art, en mettant en valeur les meubles, le métal artistique, le verre, la porcelaine, la céramique, l'art de la taille de la pierre, les os et les perles.

Des objets d'église uniques comme la croix reliquaire et la Panagia, qui datent du XVIIe siècle, méritent une attention particulière. Ils étaient fabriqués selon une technique alors coûteuse : l’émail filigrane. Parmi les premières pièces exposées figurent des coffres avec des cadres métalliques et des garnitures décoratives, des encriers et des ustensiles en laiton de l'Oural datant du XVIIe et du début du XVIIIe siècle. Les tasses en laiton de l'usine Demidov dans l'Oural sont un exemple frappant de vaisselle en métal représentative de cérémonie pour la décoration de la table.

Les éléments de service de table et les éléments de plateau ont ensuite été fabriqués selon différentes techniques. Par exemple, deux gobelets en verre bleu foncé portant les monogrammes « EML » et « WGS », produits par l'Imperial Glass Factory, sont un exemple rare d'objets peints de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Les monogrammes latins sur les tasses appartiennent à l'envoyé suédois en Russie en 1793, Werner Gottlob von Schwenir - « WGS » - et à sa mère Ebbe Maria Lagerbring - « EML ». Les coupes ont été conservées pendant plus de deux siècles au château de Skarhult, Skåne (Suède), constituant un trésor familial.

L'exposition présentera des exemples uniques de mobilier de palais russe des XVIIIe et XIXe siècles, parmi lesquels les tables d'échecs et de cartes réalisées selon la technique de la marqueterie présentent un intérêt particulier. Parmi les meubles exposés typiques de la première moitié du XIXe siècle, il convient de noter deux armoires d'une rare qualité de style jacobéen. Deux chaises conçues par Ossip Ivanovitch Bove appartiennent également à la même époque. Sont également intéressantes la pendule « Minine et Pojarski » réalisée par le bronzier parisien Pierre-Philippe Thomire et, reproduisant en format intérieur, le célèbre monument à Ivan Martos dressé sur la Place Rouge.

Au-dessus de I.O. Fauteuil Premier quart du 19ème siècle

Une place particulière dans l'exposition est occupée par la tapisserie « Le sauvetage des pêcheurs », réalisée en Flandre dans un atelier inconnu dans la seconde moitié du XVIIe – début du XVIIIe siècle. Elle entre au VMDPNI en 1999 avec la collection du Musée d'Art Populaire du nom. S.T. Morozova. Le thème de la tapisserie est emprunté à la Bible : au centre de la composition est représenté l'un des miracles : « Marcher sur les eaux ». Le treillis a été restauré en plusieurs étapes - il a été partiellement restauré par des spécialistes du Musée d'art populaire. S. T. Morozov, et déjà en 2014, une restauration complète a été réalisée par des restaurateurs spécialisés du Musée panrusse des arts décoratifs, appliqués et populaires. Ainsi, le treillis a trouvé une nouvelle vie et sera présenté pour la première fois à l'exposition.

Les sections thématiques correspondantes présentent des luminaires en verre et en cristal, des objets d'intérieur en porcelaine et en bronze de la fin des XVIIIe et XIXe siècles. Chaque exposition est un exemple de référence d'un style particulier, capturant l'esprit de son époque et représentant les possibilités de compétences artistiques et techniques.

Une telle solution spatiale pour l'exposition permettra au musée d'organiser des excursions et des programmes spéciaux de la manière la plus efficace et la plus intéressante. Les expositions les plus intéressantes et les plus significatives seront présentées avec des annotations étendues, ainsi qu'un support avec des codes QR, grâce auxquels les visiteurs pourront obtenir des informations plus détaillées. L'exposition est équipée d'un système d'éclairage moderne. Grâce à sa grande interactivité, la nouvelle exposition promet d'être plus vivante et intéressante, ainsi que de promouvoir un dialogue créatif avec les visiteurs, en particulier avec les enfants et les jeunes.

Développement des arts décoratifs et appliqués contribué à l'amélioration de la technologie de la production artisanale et manufacturière, à l'émergence de l'industrie artistique (production de tapisseries, de verrerie d'art, de faïence, de taille de pierre, de production de soie et de tissu), à la fabrication d'articles de mode, de produits de luxe, à la découverte et développement de gisements de cuivre, d'étain, d'argent, de pierres colorées, d'argiles de haute qualité.

Le rôle de l'Académie des sciences dans la « prospérité des arts libres et des manufactures », reflet des nouveaux intérêts scientifiques et techniques dans les arts décoratifs et appliqués, est significatif. Dans la première moitié du XVIIIe siècle, de nouvelles formes d'éducation et de formation des artisans apparaissent dans les manufactures artistiques ; des organisations de guildes d'artisans apparaissent en Russie, ce qui n'empêche pas le recours généralisé à des artisans étrangers dans divers domaines des arts décoratifs et appliqués.

Dans les arts décoratifs et appliqués (objets d'intérieur, mobilier, décoration), la mode dicte activement le style. En conséquence, de nouveaux types d’objets apparaissent et les idées esthétiques dans les arts décoratifs et appliqués sont actualisées. Dans les arts décoratifs et appliqués du milieu du XVIIIe siècle, il y avait une tendance à synthétiser les arts, où l'architecture, la sculpture, la peinture et les métiers appliqués étaient fusionnés dans un ensemble décoratif.

En conséquence, l’art de la décoration intérieure devient un type particulier d’activité artistique dans le travail des architectes du XVIIIe siècle. Ce type d'activité artistique détermine l'émergence de nouveaux types de locaux (bureaux, salons, chambres, salons, « salles de cinéma ») et leur contenu thématique (Palais d'Été, Palais A.D. Menchikov, Grand Palais de Peterhof, Monplaisir).

Tout cela contribue au développement de la fabrication de meubles : de nouveaux types et formes de meubles, matériaux et méthodes de décoration apparaissent. L'influence du mobilier anglais et hollandais est ici très forte. Sous l'influence de l'Europe, même le style baroque et rococo du mobilier se développait en Russie.

Les meubles du classicisme ont un caractère et une forme caractéristiques. Dans une large mesure, des motifs antiques se retrouvent dans les formes et la décoration des meubles. Au milieu du XVIIIe siècle, les architectes participent au développement de nouveaux types de meubles, le mobilier d'art et le mobilier design apparaissent en Russie (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle apparaissent les premiers ateliers de meubles (l'atelier de G. Gambs et I. Ott). Cette période de l'art du meuble est caractérisée par le style Jacob. Dès la seconde moitié du XVIIIe siècle, les matériaux de l'art du meuble changent : l'acajou, le bois doré, le peuplier, le bouleau de Carélie apparaissent ici ; Le tissu et la broderie sont de plus en plus utilisés dans la fabrication de meubles.

La céramique et la faïence occupent une place particulière dans les arts décoratifs et appliqués. Cela se produit initialement en raison de l'expansion des importations de faïence en provenance d'Angleterre et de Hollande. Cependant, bientôt à Moscou apparut la première manufacture privée de A. Grebenshchikov, produisant de la faïence fine russe. Plus tard, le style des plats de palais de cérémonie avec gravure mate s'est formé et la mode du cristal comme objet d'intérieur s'est répandue. Cela implique l’ouverture de la première usine privée de verre et de cristal de Maltsov dans la région de Mozhaisk.

Au XVIIIe siècle, en raison de la popularité croissante des arts décoratifs et appliqués et de la décoration des pièces, la consommation de verre a considérablement augmenté, ce qui a été utilisé pour créer une variété de miroirs et de luminaires.

Sculpture et peinture de la seconde moitié du XVIIIe siècle.

A joué un rôle majeur dans le développement de la peinture au XVIIIe siècle création Vladimir Loukich Borovikovsky. Bien que l'artiste ne soit pas officiellement inscrit sur la liste des étudiants de l'Académie, il a sans aucun doute utilisé les conseils de ses professeurs et, surtout, de Levitsky. Le talent naturel et la ténacité de fer du jeune artiste font rapidement de Borovikovsky l’un des premiers maîtres de la fin du XVIIIe siècle. Il a créé une série d'excellents portraits de ses contemporains, dont G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova et bien d'autres. Un intérêt constant pour les expériences émotionnelles d’une personne, un lyrisme et une contemplation accentués, attisés par une brume de sentimentalité, si caractéristique de l’époque, sont caractéristiques de la plupart des œuvres de Borovikovsky. L'artiste n'a jamais suivi la voie d'une caractérisation externe et superficielle de l'image, s'efforçant constamment de transmettre les mouvements spirituels les plus subtils des personnes représentées.

Les portraits de chambre prédominent dans son œuvre. Borovikovsky s'efforce d'affirmer l'estime de soi et la pureté morale d'une personne (portrait de « Lizynka et Dashinka », portrait d'E.N. Arsenyeva, etc.). Au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, Borovikovsky était attiré par les personnalités fortes et énergiques ; il se concentrait sur la citoyenneté, la noblesse et la dignité de ceux qui le représentaient. L'apparence de ses modèles devient plus sobre, le fond paysager est remplacé par des images de l'intérieur (portraits de A.A. Dolgorukov, M.I. Dolgoruka, etc.).

Borovikovsky est également un maître reconnu des portraits miniatures. La collection du Musée russe contient des œuvres appartenant à son pinceau - des portraits de A.A. Menelas, V.V. Kapnist, N.I. Lvova et d'autres. L'artiste a souvent utilisé l'étain comme base pour ses miniatures.

La peinture de portraits russe du XVIIIe siècle atteint son véritable apogée en termes de créativité D.G.Levitsky . Déjà dans l'une de ses premières œuvres - un portrait de l'architecte A. Kokorinov - Levitsky a montré des capacités de peintre exceptionnelles. Le portrait du grand philosophe matérialiste français D. Diderot, peint par Levitsky à Saint-Pétersbourg en 1773, et la série de portraits d'étudiantes de l'Institut Smolny créés par l'artiste se distinguent par une grande valeur artistique. Les images de ces filles sont empreintes de sincérité et de chaleur, et le caractère unique de chacune d'elles est magistralement transmis.

Les portraits des années suivantes - Lvova, le père de l'artiste, les Bakounine, Anna Davia et bien d'autres chefs-d'œuvre de Levitsky - témoignent clairement de son brillant talent.

Levitsky a créé une vaste galerie de portraits de ses contemporains, capturant largement et complètement, comme personne d'autre, des images vivantes de personnes de cette époque. L'art de Levitsky complète l'histoire du développement du portrait russe au XVIIIe siècle. Il convient cependant de noter qu'il existe certaines limites de son œuvre historiquement déterminées : comme d'autres artistes remarquables de son temps, Levitsky n'a pas pu refléter les contradictions sociales de la réalité. Les personnes représentées par l'artiste, conformément aux idées esthétiques dominantes, posent toujours quelque peu, elles semblent essayer de se montrer au spectateur sous la lumière « la plus agréable ». Cependant, dans nombre de ses œuvres, l’artiste atteint une simplicité et une vitalité étonnantes.

L'héritage de Levitsky est énorme et suscite toujours chez le spectateur un sentiment de plaisir esthétique immédiat. La perfection professionnelle de ses œuvres et leur orientation réaliste placent l'artiste à l'une des places les plus honorables de toute l'histoire de l'art russe.

Parmi les œuvres les plus célèbres de D. G. Levitsky figurent les suivantes : « Portrait de E. A. Vorontsova », « Portrait de l'architecte A. F. Kokorinov », « Portrait de N. A. Lvov », « Portrait de M. A. Dyakova », « Portrait d'Ursula Mniszech », « Portrait de la fille d'Agacha en costume russe", etc.

Dans le domaine du portrait, les artistes russes de la seconde moitié du XVIIIe siècle ont également prononcé leur nouveau mot. La netteté des caractéristiques psychologiques qui ont marqué de nombreux portraits de cette époque est frappante - le pinceau des meilleurs maîtres russes gravite de plus en plus vers une représentation véridique de l'image d'une personne. Il est significatif qu'à cette époque des portraits aient été créés non seulement de la noblesse et des « puissances de ce monde », mais aussi d'un certain nombre de personnalités publiques progressistes. Ces portraits manquent complètement d'éléments de faste et de brillance extérieure ; Les artistes s'efforcent de transmettre le contenu intérieur d'une personne, de révéler la force de son esprit, la noblesse de ses pensées et de ses aspirations.

Le développement du portrait russe a trouvé son expression dans œuvres de F. Rokotov.

Fiodor Stepanovitch Rokotov- l'un des meilleurs portraitistes russes. Ayant reçu une éducation artistique sous la direction de L.-J. Le Lorrain et le comte Pietro Rotari travaillaient à la manière de ce dernier, mais s'intéressaient plus que lui à la nature et étaient diligents dans l'exécution. En 1762, il fut admis comme adjoint à la nouvelle ville de Saint-Pétersbourg. Académie des Arts pour le tableau « Vénus » qui lui a été présenté et pour le portrait de l'empereur Pierre III.

Une subtile habileté picturale distingue les portraits de cet artiste. Rokotov apporte la spiritualité intime de l'image, notamment dans les portraits féminins, à une grande expressivité et force. La perfection hautement technique des œuvres de l'artiste - en termes de nature du dessin et de compétence picturale, seul Levitsky peut lui être comparé. Les portraits créés par Rokotov se distinguent par la sophistication du design et l'élégance des couleurs.

Les œuvres les plus célèbres de Rokotov comprennent : « Portrait d'une inconnue en robe rose », « Portrait d'A.I. Vorontsov », « Portrait de G.G. Orlov en armure », « Portrait de couronnement de Catherine II », « Portrait d'A.P. Struyskaya » , "Portrait du poète V.I. Maykov", "Portrait de Surovtseva", etc.

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. a commencé à se développer dans la peinture russe genre de tous les jours. Cependant, la peinture de genre était considérée par les dirigeants de l’Académie des Arts et les couches privilégiées de la société comme quelque chose de vil, indigne du pinceau de l’artiste. Malgré cela, après la guerre paysanne sous la direction d'E. Pougatchev, tant en littérature, théâtre et musique, qu'en peinture des années 1770-1780. l'intérêt a commencé à apparaître pour la paysannerie, son mode de vie et son mode de vie. Il s'agissait souvent d'images sentimentales de bergers et de bergères idylliques, qui n'avaient rien de commun avec la vraie vie paysanne. Il y avait cependant des exceptions.

L'un des premiers dans la peinture russe à développer le thème paysan fut le serf du prince G. A. Potemkine. Mikhaïl Chibanov . Il a peint les tableaux « Déjeuner paysan », « Célébration de l'accord de mariage », etc. Dans les peintures de Shibanov, il n'y a pas de dénonciation du servage, cependant, dans ces peintures, il n'y a pas d'idéalisation de la vie paysanne. L'artiste se distingue par sa connaissance et sa compréhension de la vie et du caractère du paysan russe.

Le thème paysan s'est reflété dans le travail de l'artiste I. M. Tankov (1739 - 1799), auteur du tableau « Vacances au village » et I. A. Ermenev (1746 - après 1792), qui a peint les aquarelles « Déjeuner paysan », « Chanteurs mendiants » et etc.). Pour la première fois dans l'histoire de l'art russe, l'artiste a véhiculé les aspects sombres de la vie des gens, la misère de la pauvreté.

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. la véritable floraison de la sculpture russe commence. Il s'est développé lentement, mais la pensée pédagogique russe et le classicisme russe ont été les plus grandes incitations au développement de l'art des grandes idées civiques et des problèmes à grande échelle, qui ont déterminé l'intérêt pour la sculpture au cours de cette période. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos - chacun était un individu brillant à part entière et a laissé sa marque sur l'art. Mais ils étaient tous unis par des principes créatifs communs, qu'ils avaient appris du professeur Nicolas Gillet, qui dirigea la classe de sculpture à l'Académie de 1758 à 1777, des idées générales de civisme et de patriotisme et des idéaux élevés de l'Antiquité.

La recherche du beau en général n'exclut pas toute la profondeur de la compréhension du caractère humain, le désir de transmettre sa polyvalence. Cette volonté est palpable dans la sculpture décorative monumentale et la sculpture de chevalet de la seconde moitié du siècle, mais surtout dans le genre du portrait.

Ses plus hautes réalisations sont principalement associées à la créativité Fedot Ivanovitch Choubine (1740-1805), compatriote de Lomonossov, arrivé à Saint-Pétersbourg déjà en tant qu'artiste maîtrisant les subtilités de la sculpture sur os. La première œuvre de Shubin dans son pays natal est un buste d'A.M. Golitsyn témoigne déjà de la pleine maturité du maître. Toute la polyvalence des caractéristiques du modèle se révèle lorsqu’on l’examine dans son ensemble, même s’il existe sans aucun doute un point de vue principal pour la sculpture.

Shubin a travaillé non seulement comme portraitiste, mais aussi comme décorateur. Il a exécuté 58 portraits historiques ovales en marbre pour le palais de Chesme (situé dans la salle des armureries), des sculptures pour le palais de marbre et pour Peterhof, une statue de Catherine II - la législatrice (1789-1790). Il ne fait aucun doute que Shubin est le phénomène le plus important de la culture artistique russe du XVIIIe siècle. Le sculpteur français Etienne-Maurice Falconet a travaillé en Russie avec des maîtres nationaux qui, dans le monument à Pierre Ier sur la place du Sénat à Saint-Pétersbourg, ont exprimé leur compréhension de la personnalité de Pierre et de son rôle historique dans le destin de la Russie.

Fedor Fedorovitch Shchedrin(1751-1825). Il a suivi les mêmes étapes de formation à l'Académie et de retraite en Italie et en France que Shubin. « Marsyas », interprété par lui en 1776, est plein de mouvements violents et d'une attitude tragique. Comme tous les sculpteurs de l'ère du classicisme, Shchedrin est fasciné par les images anciennes (« Endymion endormi » ; « Vénus »), montrant un aperçu particulièrement poétique de leur monde.

Coffre de mariage. Italie. 17ème siècle

Groupe sculptural "Hiver". De la série "Quatre Saisons". Allemagne. Meissen

Articles de service. France. Rompre. 1780-1784. Porcelaine tendre, peinture. Congélateur

Salle de l'art français des XVIIIe-XIXe siècles

Armoire. Augsbourg. 17ème siècle Bois, sculpture, métal blanc, dorure, 196x135x61

Bureau-cylindre. Russie. Fin du XVIIIe siècle.

Vase. Russie. Premier quart du XIXe siècle. Verre, peinture dorée. Hauteur 35,5

Congélateur. Russie. Manufacture Impériale de Porcelaine. Premier quart du XIXe siècle. Porcelaine, peinture. Hauteur 40

Les collections d'art décoratif et appliqué sont également associées au nom d'A.P. Bogolyubov, qui a fait don de 40 pièces de porcelaine ancienne, pour la plupart saxonnes, lors de l'ouverture du musée. Divers ustensiles et meubles comptaient alors 92 pièces. En 1897, après la mort de Bogolyubov, un autre groupe de choses fut reçu dans son testament, notamment des meubles, du verre, du bronze et de l'argenterie.

Les collections de Bogolyubov, en particulier la porcelaine, ont été considérablement reconstituées au cours des premières années post-révolutionnaires grâce au Fonds des musées d'État, qui a reçu toutes les œuvres d'art nationalisées. En 1970, le musée a reçu des échantillons de porcelaine russe et d'Europe occidentale (plus de 300 pièces), légués par O. A. Gordeeva, un célèbre ophtalmologiste de Saratov.

L’histoire de cet art subtil et exquis remonte à des siècles. La porcelaine est née au tournant des VIIe-VIIIe siècles en Chine. En Europe, ils l'ont appris au XIIIe siècle. Le célèbre voyageur vénitien Marco Polo a rapporté plusieurs vases en porcelaine d'Orient. L’Europe était en proie à une « fièvre de la porcelaine » : tout le monde voulait avoir des produits fabriqués à partir de ce matériau blanc brillant, peints de couleurs vives et inaltérables. Il existe des informations selon lesquelles lorsque des objets en porcelaine étaient brisés, ils continuaient quand même à être stockés ; souvent les fragments étaient sertis dans des métaux précieux et portés comme bijoux. La porcelaine était appréciée non seulement pour sa beauté, mais aussi pour ses propriétés jusqu'alors inédites. La surface vitrée de la porcelaine n'était pas exposée aux influences chimiques et était impénétrable. Des légendes sont nées sur la porcelaine. Le secret de sa fabrication n’a pu être percé qu’au début du XVIIIe siècle. Mais en cours de route, de nombreux nouveaux matériaux ont été découverts, d'apparence similaire aux produits des artisans chinois. C'est ainsi qu'apparaissent le verre de lait à Venise, la céramique hispano-mauresque et la faïence en Angleterre et en Hollande.

Le premier en Europe à se procurer de la porcelaine fut I.F. Betger, qui découvrit des gisements d'argile blanche (kaolin) près de Meissen en Saxe. Le secret de la production de porcelaine, avec laquelle l'Europe se débattait depuis des siècles, a été découvert. Bientôt, la porcelaine de la manufacture de Meissen se fit connaître dans toute l'Europe. Et maintenant, les produits de cette plante sont populaires parmi les amateurs d'art.

Dans la collection de notre musée, la porcelaine de Meissen est très bien et complètement présentée. Cela comprend les objets légués par Bogolyubov et les objets en porcelaine de la collection de O. A. Gordeeva, ainsi que d'autres objets exposés.

La porcelaine de Meissen du XVIIIe siècle est la plus intéressante. Cette époque est considérée comme la période classique du développement de la porcelaine européenne. A cette époque, le maître s'efforce de mettre en valeur la blancheur et la finesse de la porcelaine, en servant la matière en tenant compte de ses propriétés naturelles.

Meissen - la première production européenne de porcelaine - est surtout célèbre pour ses petites pièces en plastique. Dans les images de dames, de messieurs, de compositions allégoriques et de pastorales, l'une des qualités du style rococo s'est manifestée avec une force particulière : l'illusion d'un flux de lignes continu et fluide. Les noms de Johann Joachim Kaendler et Peter Reinicke sont associés au développement de l'art plastique de Meissen. Leurs œuvres combinaient des éléments de sculpture et d’art décoratif et appliqué lui-même. La fantaisie des contours et la beauté des couleurs caractérisent les sculptures réalisées à partir de leurs modèles.

Deux figures allégoriques de la série « Quatre Saisons » - « Hiver » et « Printemps », réalisées d'après les modèles de Johann Joachim Kaendler, révèlent les traits caractéristiques du style rococo en porcelaine. Les saisons sont représentées par les images d’anciens dieux assis sur des nuages. L'hiver est personnifié par Saturne et Hébé, le printemps par Mars et Flore. Les groupes sculpturaux sont décorés de fleurs moulées finement ouvragées et peintes de couleurs vives, pour lesquelles la manufacture de Meissen était célèbre au XVIIIe siècle.

La petite collection de produits de l'usine de Berlin se distingue par une haute qualité artistique. Il s’agit principalement d’objets destinés à la mise en table et à la décoration intérieure. La « coupe carrosse » est peinte d’après les motifs d’A. Watteau dans le pourpre le plus délicat qui fit la gloire de cette production. Les corps des théières, des cafetières et des vases décoratifs sont décorés de motifs pastoraux et floraux, très appréciés au XVIIIe siècle.

Le groupe d'articles de l'usine de Vienne est représenté entre le XVIIIe et le début du XIXe siècle, lorsque la porcelaine européenne a développé les caractéristiques d'un nouveau style - le style Empire. Soucieux d'accroître le caractère décoratif, les maîtres viennois ont donné leur propre version de la peinture. Des copies de peintures de maîtres de la Renaissance étaient le plus souvent placées dans le miroir des assiettes dans un riche cadre ornemental en or.

Chaque pays a suivi son propre chemin vers la porcelaine, développant à la fois une technologie particulière et un caractère particulier d'ornementation, parfois au sein du même style. Dans toute l'Europe, les plats français aux fonds colorés étaient célèbres : turquoise, rose, bleu, peints dans des médaillons encadrés d'ornements dorés. Cette porcelaine était fabriquée à la manufacture de Sèvres, principale production de porcelaine en France.

C'est exactement ainsi que sont peints la sorbetière bleue, le plateau et l'ustensile à épices qui faisaient partie du service ayant appartenu au prince Yusupov. Ce service a nécessité de nombreuses années de réalisation et a été décoré par de grands peintres sur porcelaine. La sorbetière a été peinte par Vincent Jr., auteur du tableau du célèbre service à camée, commandé par Catherine II de Sèvres et aujourd'hui conservé à l'Ermitage. Le service de Yusupov était en « porcelaine tendre ». Et les propriétés spécifiques de ce matériau n'auraient pas pu être plus cohérentes avec le style rococo avec ses contours doux et ses lignes ondulées habituelles. Les particularités de la masse de Sèvres ont également déterminé la nature du tableau : aucun autre matériau céramique ne produit des tons aussi profonds et sonores avec de nombreuses nuances.

En Russie, la porcelaine a été produite pour la première fois au milieu du XVIIIe siècle par D.I. Vinogradov à la Fabrique impériale de porcelaine (IFZ) de Saint-Pétersbourg. Dans la collection du musée, la porcelaine russe est représentée par des produits provenant de nombreuses entreprises privées. Le musée peut être fier des magnifiques exemples des usines IPP, Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov, qui ont leur propre charme unique.

Les réalisations des maîtres russes dans le style du classicisme du début du XIXe siècle, ou style Empire, sont bien connues. La porcelaine russe de ce style, ainsi que d’autres branches des arts appliqués, en fournit d’excellents exemples.

Le style Empire s'inspire de l'Antiquité. Les motifs décoratifs sont dominés par des couronnes de lauriers, des lions, des griffons, des attributs militaires, etc. Les formes révèlent la solidité des masses et leur caractère statique. Selon les lois de ce style, un vase de décoration de table en forme de deux figures classiques supportant un bol de forme ovale a été réalisé par les artisans de l'IFZ. La couleur blanche des personnages en biscuit (porcelaine non émaillée) contraste avec le ton bleu et la dorure du socle. L’amour du style Empire pour la luminosité et le contraste des couleurs est évident. Un autre vase est également un groupe sculptural : Vénus pose un carquois de flèches sur Cupidon. De tels vases étaient fabriqués pour de grands ensembles de cérémonie ou d'anniversaire et placés au centre de la table de cérémonie.

Les caractéristiques du même style sont évidentes dans la sorbetière à trois pattes de lion, de couleur foncée, ressemblant à du vieux bronze. Sa couleur se mariait à merveille avec l'éclat de la dorure.

Les produits des usines privées sont plus originaux. On peut parler de porcelaine sacerdotale, Gardner ou Safronov. Ces usines sont représentées par des objets qui ne sont pas uniques, contrairement à l'IFZ, mais par des ustensiles dits ordinaires associés à la vie d'une classe particulière. Il est facile de deviner l'appartenance sociale des théières dites « de taverne » aux couleurs vives, ornées de simples peintures florales, créées à l'usine Popov dans les années 1830-1850.

La source à partir de laquelle les artisans ont puisé les formes des plats et les motifs de la peinture est l’art populaire russe traditionnel. Cette voie sera la plus fructueuse à l'heure de l'interstyle imminent, elle protégera largement les usines privées russes en cette période difficile de la perte de la « céramique », inévitable à l'ère de l'éclectisme. peint sur fond blanc avec de petites feuilles d'or et des roses, en clair Dans les coupes vertes réalisées par les artisans de l'usine du curé, l'essentiel n'a pas été perdu : l'équilibre entre la forme et la fonction fonctionnelle de l'objet.

La collection de porcelaine soviétique est relativement petite. Elle est représentée par la porcelaine de propagande, qui dans les années 20 était l'un des moyens de propagande révolutionnaire.

Plat et tasses peints d'après les dessins de S. Chekhonin et N. Altman, sculptures de N. Danko, assiettes de A. Shchekatikhina-Pototskaya avec des slogans révolutionnaires et des emblèmes du jeune État soviétique - cette première porcelaine du Pays des Soviets parlait la langue de son époque. Il a été exposé dans des vitrines spéciales à Moscou sur Kuznetsky Most et à Petrograd sur Nevsky. "Cette porcelaine était une nouvelle d'un avenir merveilleux, pour lequel le pays soviétique a mené de terribles batailles contre la faim, la dévastation et l'intervention", a écrit E. Ya. Danko, artiste et historiographe à la manufacture Lomonossov (anciennement fabrique impériale de porcelaine). , dans ses mémoires.

La verrerie conservée au musée A.N. Radishchev est arrivée de la même manière que la porcelaine : en 1897, selon la volonté d'A.P. Bogolyubov, par l'intermédiaire du Fonds national des musées, provenant de collections privées.

Une petite mais intéressante collection de verre russe de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle a été léguée au musée par E.P. Razumova en 1973.

Des verreries russes, publiques et privées, apparaissent au début du XVIIIe siècle à Moscou et à Saint-Pétersbourg, près de Smolensk et de Kalouga. La demande d'objets en verre est croissante. Le nombre d'usines augmente également. La célèbre usine Maltsev est apparue sur la rivière Gus près de Vladimir et l'usine Bakhmetyev près de Penza dans le village de Nikolskoye.

Les premières œuvres de l’industrie verrière du XVIIIe siècle de notre collection sont des produits provenant de manufactures privées. Il s'agit tout d'abord d'un damas de verre vert avec un simple ornement floral et l'inscription : « Ce vase a été fabriqué dans l'usine de Gavril en 726... » Il s’agit d’un des premiers exemples de vaisselle ordinaire russe, fabriquée en grande quantité ; elle n’a été ni épargnée ni entretenue. Au lieu de celui perdu et cassé, ils en ont acheté un nouveau. Par conséquent, peu de plats de ce type ont survécu. Shtof est également intéressant car c'est un élément de signature. Il indique la date et le lieu de fabrication. On sait qu'en 1724, l'usine Gavrilov et Loginov a été fondée dans la région de Moscou. Il n’y a pas d’autres informations sur cette production. Notre damassé donne une idée de la nature des produits d'une entreprise peu connue.

Le verre en Russie n'était pratiquement pas marqué. Ce n'est qu'à partir des années 20 du 19ème siècle (à l'époque de Nicolas Ier) que la verrerie impériale a commencé à apposer des cachets sur ses produits. Bien entendu, la présence d'une marque n'est pas le seul moyen de déterminer le lieu et l'heure de fabrication d'un article particulier. Les monuments remarquables de la verrerie sont les gobelets du XVIIIe siècle, hauts, de forme conique, souvent munis de couvercles, décorés d'armoiries sculptées des personnages régnants ou de monogrammes. Les Benzels étaient encadrés de pousses et de boucles de plantes, appelées « rocaille ». Sur le dessus des coupes, près du bord, il y a un motif de « fosses » gravées et polies avec des bras. Les poteaux des pieds étaient réalisés sous la forme d'un balustre avec des « pommes », qui étaient parfois enfilées sur le poteau jusqu'à cinq pièces. La gravure de ces objets était superficielle et large. Ces qualités distinguent les coupes russes des coupes de Bohême et d'Allemagne conservées au musée.

Apparemment, de nombreux verres colorés, carafes et bouteilles étaient produits dans des usines privées. Le verre coloré était très populaire en Russie. Contrairement à l'Europe occidentale, la vaisselle était ici fabriquée à partir de verre coloré uni, apparu en grande quantité au milieu du XVIIIe siècle. Cela est dû aux expériences réussies de M. Lomonosov.

À la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle, apparaissent de hautes carafes à facettes avec des bouchons de formes variées, des verres relevés sur des pieds fins, d'élégants verres aux bords étincelants - des plats élégants qui servaient à décorer les tables et les provisions de fête. Les plats à facettes sont fabriqués à partir de verre incolore additionné de plomb, ce qui leur confère un éclat particulier. Il est appelé cristal et est taillé avec ce qu'on appelle un « bord en diamant ». Cette technique est encore utilisée en verrerie.

La seconde moitié du XIXe siècle est une période d'intérêt accru pour les arts décoratifs et appliqués, notamment pour leur histoire. La collection d’antiquités se généralise. Ce n’est pas un hasard si, à la même époque, l’intérêt pour les meubles anciens s’est accru. Les collectionneurs collectionnent des meubles sculptés et dorés du XVIIIe siècle, des commodes, des armoires marquetées, des coffres de mariage italiens et allemands et des armoires massives en chêne et noyer d'Allemagne du XVIIe siècle. Il y avait des objets similaires dans la collection de Bogolyubov.

L’engouement pour les meubles anciens donne naissance aux contrefaçons qui inondent les antiquaires. Les uns après les autres, des ateliers se créent à Paris, Venise, Saint-Pétersbourg, produisant des meubles anciens, parfois impossibles à distinguer de l'original - le bois est si doucement poli, les proportions de ses parties structurelles sont si fidèlement respectées.

Les premiers meubles de la collection du musée remontent aux XVIe et XVIIe siècles. Il s'agit de meubles d'Allemagne, de France, d'Italie, de Hollande, collectés par A.P. Bogolyubov. Bien entendu, notre collection de meubles de cette époque ne donne pas lieu de parler de l'intérieur existant, mais elle nous permet de présenter les caractéristiques nationales des œuvres d'art mobilier de différents pays dans un cadre chronologique assez large.

Les meubles ne sont pas durables, le matériau utilisé pour leur production est le bois, qui est facilement exposé à diverses influences. Beaucoup d’entre eux sont morts à la fois à cause de catastrophes naturelles ou de guerres, ainsi que pour des raisons liées à l’influence de la mode. Le meuble est un bien de consommation. Cela signifie qu'avec le temps, il s'use et doit être remplacé par un neuf. Peu de meubles provenant des maisons des gens ordinaires ont survécu. Néanmoins, les principales étapes de l'histoire de l'art du meuble dans certains pays européens peuvent être retracées dans les objets de notre collection.

Dans l'Italie du XVIe siècle, une chaise en bois massif avec un dossier sculpté, un coffre de mariage, un travail vénitien et un autel ont été réalisés. Pour fabriquer ce meuble, on a utilisé du noyer brun, un matériau caractéristique de l'Italie, qui permet à l'artisan d'obtenir un grand effet artistique. Les motifs sculptés sont tirés du patrimoine de l'art ancien. Dans le coffre de mariage, évidemment d'œuvre florentine, on est surpris par la rare unité de forme et d'ornement qui distinguait les fabricants de meubles italiens du XVIe au début du XVIIe siècle.

Les meubles de cette époque dans leur logique constructive s’apparentent aux structures architecturales. L'autel est conçu sous la forme d'un portail avec des colonnes entrelacées de vignes, avec un podium dans une niche pour la figure de la Mère de Dieu - ces éléments architecturaux sont extrêmement caractéristiques du mobilier des XVIe-XVIIe siècles. Cela se ressent particulièrement dans les meubles d'armoires fabriqués dans le sud de l'Allemagne. Le placard se transforme en quelque chose comme un bâtiment à deux étages, dont chaque étage est séparé par une corniche. Les gradins sont décorés de colonnes ou de pilastres. Les portes d'armoires ressemblent à des portails ou à des fenêtres surmontées de plateaux ou de frontons. Tous ces détails architecturaux sont renforcés avec de la colle et constituent en fait une décoration qui cache la structure du meuble, composé de deux coffres. Cette impression est renforcée par les poignées de coffre rabattables sur ses façades latérales. C'est exactement ainsi qu'est conçu le meuble, décoré de loupe (une excroissance sur le bois, un défaut du bois qui donne une texture riche et belle). Les armoires étaient nécessairement équipées d'étagères et les vêtements y étaient rangés pliés. Ils pourraient également servir à ranger divers ustensiles.

La forme d'une chaise pliante, appelée chaise curule, peut également être considérée comme traditionnelle pour l'Allemagne des XVIe et XVIIe siècles. Pour les anciens, c'était un symbole de pouvoir. Ce n'est qu'en s'asseyant sur une telle chaise que la justice et les représailles pourraient être exercées. Une telle chaise était généralement portée par les consuls, les hauts chefs militaires et les dictateurs. Les pieds-supports légèrement incurvés, constitués de plusieurs planches étroites, sont croisés et reliés par des barres transversales pour plus de solidité, et une planche amovible insérée dans la partie supérieure de la chaise comme entretoise constitue le dossier.

Depuis le XVIe siècle, une forme unique de chaise est apparue en Allemagne, qui s'est répandue dans l'art du meuble de ce pays au XVIIe siècle - la chaise dite paysanne. Notre musée possède également toute une série de produits similaires avec différentes versions du même ornement. Le prototype d'une telle chaise était au début simplement une souche d'arbre, débarrassée de ses branches et renforcée pour assurer sa stabilité sur trois pieds. Et pour les habitations urbaines confortables, des chaises à quatre pieds ont été fabriquées - des exemples de haut savoir-faire. Seule la planche qui sert de dos est décorée. Il peut être fabriqué non seulement en noyer, mais aussi en chêne et en pin. Cela dépend de l'endroit où l'article a été fabriqué. En sculpture, on utilise généralement des motifs ornementaux grotesques qui, avec l'imagination du maître, se transforment souvent en un motif de conte de fées.

Le XVIIème siècle apporte beaucoup de nouveautés dans l’art du meuble. Cela est principalement dû aux transformations sociales en Europe, qui ont conduit à un changement de position du tiers-état. Arrivée au pouvoir, elle cultive la modestie, la simplicité et le caractère sacré du foyer familial. Les meubles néerlandais sont très demandés et exportés dans tous les pays. A l'autre pôle se trouve la France, dans l'art de laquelle triomphe un style magnifique et solennel.

Dans notre collection de meubles, il n'y a qu'une seule pièce typique d'un décor d'apparat de palais du XVIIe siècle. C'est ce qu'on appelle l'armoire - une armoire avec de nombreux tiroirs, compartiments et une planche coulissante. Il a été réalisé par des artisans de la ville d'Augsbourg, décoré sur la façade de superpositions métalliques avec des images d'animaux et des colonnes dorées torsadées. La planche est faite de bois précieux.

De tels bureaux sont apparus au XVIe siècle. Leur patrie est l'Espagne. Les premières armoires étaient des coffrets sur socle. Au XVIIe siècle, il s'agissait déjà de grands cabinets, qui devenaient partie intégrante de la décoration de la pièce, appelé cabinet. Les médailles, les lettres et les bijoux étaient rangés dans des armoires.

La majeure partie de la collection de meubles russes, qui comprend des œuvres des XVIIIe et XIXe siècles, a été réalisée soit dans de petits ateliers privés, soit par des fabricants de meubles de domaines nobles. Les artisans ont introduit dans leurs œuvres divers goûts artistiques, toutes les connaissances et compétences qu'ils avaient accumulées, les techniques de transformation du bois, de finition et de décoration. Ils se reflétaient principalement dans les formes des meubles de maison de l’époque, fortement influencées par l’art populaire. Cela se manifeste non seulement dans les formes et le décor, mais également dans le choix et le traitement du bois. Déjà à la fin du XVIIIe siècle, le bouleau et le peuplier de Carélie devenaient les matériaux de prédilection. Ils ne sont utilisés qu'en Russie.

Chaque pays dans l'art du meuble était soit l'ancêtre d'un certain style, comme l'Italie à la Renaissance, soit le berceau d'un célèbre maître du meuble, comme T. Chippendale en Angleterre ou J. Jacob en France.

Le mobilier russe est représenté principalement par les meubles de l'intérieur noble du premier tiers du XIXe siècle. Ce fut l’une des époques les plus brillantes de l’histoire des arts décoratifs et appliqués en Russie, et en particulier du mobilier. L'art des premières décennies du XIXe siècle est dominé par le style Empire, originaire de France et devenu propriété de toute l'Europe. La Russie donne sa propre version spéciale et originale de ce style, où elle est devenue un représentant d'idées élevées et progressistes. Le caractère décoratif caractéristique du style Empire, le désir de monumentalité et de généralisation des formes ont déterminé le choix du matériau du mobilier et la nature de son interaction avec la forme et le décor. Les principaux matériaux utilisés par les fabricants de meubles russes seront l'acajou et le bouleau de Carélie, qu'ils appréciaient pour leur belle texture de bois.

Les meubles conservés dans notre musée ont été principalement fabriqués par des artisans serfs et représentent cette version du style Empire largement utilisée dans la vie de la noblesse russe. C'est plus simple que les meubles de palais. Ces meubles sont arrivés au musée après la Grande Révolution socialiste d'Octobre en provenance des domaines et des maisons de ville environnants et ont une valeur non seulement artistique, mais aussi historique.

Les sièges sont particulièrement variés. Deux fauteuils jumelés aux dossiers sculptés ajourés et décorés de lyres dorées sont un exemple de mobilier de maison russe du premier quart du XIXe siècle. Il existe des formes presque dépourvues de décoration, plaquées de bouleau de Carélie doré aux yeux noirs.

A cette époque, une autre pièce apparut à l'intérieur du domaine noble, la soi-disant salle du canapé, et son accessoire indispensable était le canapé. Il s'agit généralement de canapés moelleux et rectangulaires, le dessus des dossiers et des coudes est plaqué de bouleau de Carélie ou d'acajou, qui se sont répandus au cours de ces années. À l'intérieur, le canapé a été combiné avec des fauteuils et une table pré-canapé. De telles variations se retrouvent également dans notre exposition et témoignent de l'intérieur déjà établi à l'époque Empire. Ce meuble diffère du meuble de façade : il y a moins de dorure, au lieu du bronze, on utilise du bois doré sur gesso, et l'une des méthodes traditionnelles de transformation du bois, tant appréciées des artisans russes, est préservée : la sculpture.

Les activités de collection du musée se poursuivent. Ces dernières années, les collections d'art décoratif et appliqué se sont enrichies d'expositions intéressantes, dont les meilleures ont trouvé leur place dans l'exposition.

L'histoire de la Russie de la fin du XVIIe au premier quart du XVIIIe siècle est indissociable du nom de l'une des plus grandes personnalités politiques de Russie - Pierre Ier. Des innovations importantes ont envahi à cette époque non seulement le domaine de la culture et de l'art, mais aussi l'industrie - métallurgie, construction navale, etc. Au début du XVIIIe siècle, apparaissent les premiers mécanismes et machines pour le traitement des métaux. Beaucoup a été fait dans ce domaine par les mécaniciens russes Nartov, Surnin, Sobakin et d'autres.

Dans le même temps, les bases du système public d'enseignement général et spécial sont posées. En 1725, l'Académie des sciences est créée et un département des métiers d'art est ouvert.

A. Nartov. Tour. L'époque de Pierre. XVIIIe siècle

Au XVIIIe siècle, de nouveaux principes d'architecture et d'urbanisme se forment.Cette période est marquée par le renforcement des traits caractéristiques du baroque d'Europe occidentale (Hollande, Angleterre) dans la formation des produits.

À la suite des initiatives de Pierre Ier, les produits de formes russes traditionnelles disparaissent rapidement de la vie royale et aristocratique du palais, bien qu'ils restent toujours dans les maisons des masses de la population rurale et urbaine, ainsi que dans l'usage de l'église. . C'est dans le premier quart du XVIIIe siècle qu'apparaît une différence significative dans le développement stylistique, qui reste longtemps caractéristique de la créativité professionnelle et de l'artisanat artistique populaire. Dans ce dernier pays, les traditions séculaires des arts appliqués russes, ukrainiens, estoniens, etc. se développent directement et organiquement.

Les normes de la vie noble exigent une démonstration de richesse, de sophistication et de splendeur dans la vie d'une personne souveraine. Les formes de vie anciennes, y compris celle de Pierre le Grand (encore pragmatique et stricte), furent finalement supplantées au milieu du XVIIIe siècle. La position dominante dans l'art russe est occupée par le style dit rococo, qui complète logiquement les tendances du baroque tardif. Les intérieurs cérémoniels de cette époque, par exemple certaines salles des palais de Peterhof et de Tsarskoïe Selo, sont presque entièrement décorés de sculptures élaborées.

Les caractéristiques générales de l'ornementation rocaille (courbure des lignes, disposition abondante et asymétrique de fleurs, feuilles, coquillages, yeux stylisés ou proches de la nature, etc.) sont pleinement reproduites dans l'architecture et le mobilier russes de l'époque, les céramiques, les vêtements, les carrosses, armes de cérémonie, etc. etc. Mais le développement de l'art appliqué russe a néanmoins suivi une voie tout à fait indépendante. Malgré la similitude inconditionnelle des formes de nos propres produits avec ceux d'Europe occidentale, il n'est pas difficile de remarquer les différences entre eux. Ainsi, mais par rapport aux produits français, les meubles russes ont des formes beaucoup plus libres et sont plus doux dans leurs contours et leurs dessins. Les maîtres conservaient encore les compétences de la sculpture populaire, plus vaste et plus généralisée qu'en Occident. Non moins caractéristique est la polychromie des produits russes et l'association de la dorure et de la peinture, rarement rencontrée en France, mais acceptée partout en Russie.

Depuis les années 60 du XVIIIe siècle, une transition vers le classicisme s'amorce dans l'architecture russe avec ses formes laconiques et strictes, tournées vers l'Antiquité et marquées par une grande retenue et grâce. Le même processus se produit dans les arts appliqués.

Dans l'agencement, l'équipement et la décoration des hôtels particuliers et des palais (architectes Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov, etc.), une nette symétrie et une clarté proportionnelle apparaissent. Les murs des pièces (entre les fenêtres ou en face d'elles) sont cachés par des miroirs et des panneaux en damas de soie, des tissus décoratifs en coton et des étoffes.

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Canapé - Style rococo. Russie (fragment). Milieu du XVIIIe siècle

Chaise de style classique. Russie. Seconde moitié du XVIIIe siècle.

Les planchers sont en bois d'essences diverses, et parfois recouverts de toile ou de tissu ; les plafonds sont peints (par exemple selon la technique de la grisaille, imitant le modelage du relief). A la place du parquet empilé, on utilise des planches d'épicéa « sous cire ». Les murs et les plafonds sont souvent recouverts de tissu ou recouverts de papier peint. Si des cheminées en marbre aux dimensions impressionnantes sont installées dans les pièces principales, dans les pièces intimes, des poêles plus traditionnels sont construits sur des tables ou des pieds recouverts de carrelage. La différence dans les lampes est tout aussi perceptible : dans les halls, il y a des lustres, des candélabres, des appliques fabriqués à la main et coûteux, dans les chambres il y a des chandeliers et des lampes beaucoup plus modestes. Il y a encore plus de contraste dans les formes des meubles formels et domestiques. Tout cela ne parle pas tant du désir des propriétaires de palais et de demeures d'économiser de l'argent, mais de leur considération de l'environnement en question comme un facteur important dans l'atmosphère psychologiquement appropriée.

La plupart des meubles et un certain nombre d'autres produits à la fin du XVIIIe et dans la première moitié du XIXe siècle n'étaient pas constamment nécessaires ; si cela n'était pas nécessaire, ils étaient soit retirés, soit déplacés vers des parties des locaux inutilisées. Les sièges doivent être couverts. Dans le même ordre d'idées, les meubles transformables avec plan de travail ont connu un grand développement - des tables à thé et à cartes, une table à manger pliante, une table pour les travaux d'aiguille, un système de tables de hauteur inégale qui s'emboîtent les unes sous les autres, etc. le confort de vie, la différenciation subtile de son support fonctionnel et la variété d'apparence des locaux dans différentes situations du quotidien. Dans le même temps, un certain nombre de processus quotidiens qui se déroulaient à l'extérieur du bâtiment pendant la saison chaude - sur la terrasse et dans le parc - ont été particulièrement mis en avant. En conséquence, de nouveaux types de produits se sont répandus - meubles de jardin, auvents, lampes de parc, etc. Au XVIIIe siècle, des ateliers de serfs étaient organisés dans des domaines individuels, produisant des lots assez importants de meubles, porcelaines, tapis et autres produits.

A la fin du XVIIIe siècle, dans l'équipement des grands palais, la séparation de la conception même des produits (meubles, lampes, horloges, tapisseries et autres ustensiles et meubles) en tant que domaine particulier d'activité créatrice de leur production artisanale avait déjà un effet notable. Le rôle des designers est principalement joué par les architectes et les artistes professionnels. La production de produits destinés au marché de masse utilise des machines et des méthodes mécaniques de traitement des matériaux, faisant de l'ingénieur une figure de proue de la production. Cela conduit à la distorsion et à la perte des hautes qualités esthétiques inhérentes aux produits de consommation, à la séparation de l'industrie et de l'art. Cette tendance était naturelle dans les conditions de développement capitaliste de la société et l'une des principales de tout le XIXe siècle.

Au cours du développement intensif des relations capitalistes en Russie au XIXe siècle, la capacité de production industrielle a augmenté. Au milieu du 19ème siècle, il y avait déjà un besoin urgent de personnel artistiquement professionnel composé de développeurs de produits et d'artisans. Pour leur formation, des établissements d'enseignement spécialisés ont été ouverts à Moscou (comte Stroganov) et à Saint-Pétersbourg (baron Stieglitz). Leur nom même – « écoles de dessin technique » – témoigne de l'émergence d'un nouveau type d'artiste. Depuis 1860, une formation artisanale spéciale pour les maîtres interprètes a été développée. De nombreux livres sont publiés sur la technologie de transformation de divers matériaux : bois, bronze, fer, or, etc. Des catalogues professionnels sont publiés, remplaçant le magazine Economic Store précédemment publié. Depuis le milieu du XIXe siècle, des sciences liées aux questions d'hygiène du travail et d'utilisation des articles ménagers se sont formées. Cependant, tout au long du XIXe siècle, tous les produits d'usine de masse sont restés artistiquement complètement subordonnés à l'idée indivisiblement dominante de la beauté en tant que conception décorative et ornementale des produits. La conséquence en fut l'introduction d'éléments stylistiques du classicisme dans la forme de la plupart des produits : finitions de profils complexes, colonnes cannelées, rosaces, guirlandes, ornements basés sur des motifs anciens, etc. Dans de nombreux cas, ces éléments ont été introduits même dans les formes d'équipements industriels - machines-outils.

Dans l'évolution stylistique des arts appliqués et des produits ménagers au XIXe siècle, on distingue chronologiquement conventionnellement trois périodes principales : la poursuite des tendances du classicisme dans la lignée du style dit Empire (le premier quart du siècle) ; classicisme tardif (vers 1830-1860) et éclectisme (après les années 1860).

Le premier quart du XIXe siècle a été marqué par une montée générale de l'esprit idéologique et de l'ampleur de la construction dans l'architecture russe, ce qui a provoqué un renouveau significatif dans les arts appliqués.

Fauteuil de style Empire. Premier quart du XIXe siècle.

La victoire dans la guerre de 1812 accélère et achève dans une certaine mesure le processus de formation de la culture nationale russe, qui acquiert une importance paneuropéenne. Les activités des architectes les plus célèbres - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, étroitement liées au classicisme de l'époque précédente, n'ont eu lieu que dans la première décennie du siècle. Ils sont remplacés par une galaxie de maîtres aussi merveilleux que Rossi, Stasov, Grigoriev, Bove, qui ont apporté de nouvelles idées et un esprit stylistique différent à l'art russe.

La sévérité et la monumentalité sont des traits caractéristiques de l'architecture et des formes de divers objets ménagers de style Empire. Dans ces derniers, les motifs décoratifs changent sensiblement, ou plutôt leur typologie s'élargit grâce à l'utilisation de symboles décoratifs de l'Égypte ancienne et de Rome - griffons, sphinx, faisceaux, attributs militaires (« trophées »), couronnes entrelacées d'une guirlande, etc. avec des exemples du début du classicisme en général, la quantité de décor, son « poids visuel » dans la conception compositionnelle des produits augmente. La monumentalisation, parfois comme un grossissement des formes, se produit en raison de la plus grande généralisation et géométrisation des motifs ornementaux classiques - bordures, couronnes, lyres, armures, etc., qui s'éloignent de plus en plus de leurs véritables prototypes. La peinture d'objets (scènes, paysages, bouquets) disparaît presque totalement. L’ornement a tendance à être inégal, contournant et applicatif. La plupart des produits, en particulier les meubles, deviennent grands, massifs, mais variés en termes de configuration et de silhouette. La lourdeur du style Empire dans le mobilier a presque disparu dès les années 1830.

À partir du milieu du XIXe siècle, de nouvelles recherches commencent dans le domaine de l'architecture, de la créativité appliquée et industrielle.

Un mouvement artistique paneuropéen est né, appelé « Biedermeier », du nom de la bourgeoisie d'un des personnages de l'écrivain allemand L. Eichrodt (l'œuvre fut publiée dans les années 1870) avec son idéal de confort et d'intimité.

Fer fabriqué en usine. Russie. Seconde moitié du XIe siècle.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le travail manuel a encore été remplacé par la production de produits ménagers utilitaires. Au fil des siècles, les méthodes et techniques de leur solution artistique, les principes de construction de formes qui se sont développés au fil des siècles, entrent en conflit avec les nouvelles tendances économiques en matière de production de masse et de rentabilité de la production d'objets destinés au marché. La réponse à cette situation changeante est double. Certains maîtres – la majorité d’entre eux – font des compromis. Considérant comme inviolable la vision traditionnelle de toutes les choses quotidiennes en tant qu'objets d'art décoratif et appliqué, ils commencent à adapter les motifs ornementaux du classicisme aux capacités de la machine et des technologies sérielles. Des types « efficaces » de décoration et de finition des produits apparaissent. Dans les années 1830, en Angleterre, Henry Kuhl proposait un slogan apparemment réformiste consistant à décorer les produits industriels avec des éléments « du monde des beaux-arts ». De nombreux industriels reprennent volontiers ce slogan, essayant de tirer le meilleur parti de l’attachement des masses de consommateurs aux formes d’ameublement extérieurement décorées et enrichies d’ornements.

D'autres théoriciens et praticiens des arts appliqués (D. Ruskin, W. Morris) proposent au contraire d'organiser un boycott de l'industrie. Leur credo est la pureté des traditions de l'artisanat médiéval.

Dans les pays d'Europe occidentale et en Russie, pour la première fois, des artels et des maîtres artisanaux, dans l'œuvre desquels de profondes traditions populaires étaient encore préservées, ont attiré l'attention des théoriciens et des artistes professionnels. En Russie, les foires de Nijni Novgorod des années 1870-1890 démontrent la viabilité de ces traditions dans des conditions nouvelles. De nombreux artistes professionnels - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich et d'autres - se tournent avec enthousiasme vers les origines populaires de l'art décoratif. Dans diverses régions et provinces de Russie, dans des villes comme Pskov, Voronej, Tambov, Moscou, Kamenets-Podolsk, etc., émergent des entreprises artisanales dont la base est le travail manuel. Le travail des ateliers d'Abramtsovo près de Moscou, de Talashkino près de Smolensk, de l'entreprise P. Vaulin près de Saint-Pétersbourg et de l'artel de céramique Murava à Moscou a été particulièrement important pour la renaissance de l'artisanat créatif et mourant.

Samovar. XIXème siècle

Russie. Deuxième partie

Pompe industrielle. XIXème siècle

Cependant, les produits de tous ces ateliers constituaient une part si insignifiante de la consommation totale qu'ils ne pouvaient avoir aucune influence notable sur la production de masse, bien qu'ils prouvent la légitimité de l'existence, à côté de la production mécanique de masse, d'objets d'art décoratif qui préservent traditions populaires. Cela a ensuite été confirmé par l'invasion de la technologie des machines dans des domaines des arts décoratifs et appliqués tels que la bijouterie, le tissage de tapis et la couture, ce qui a entraîné une forte baisse de leur qualité artistique.

Dans la forme de l'essentiel des produits manufacturés de la seconde moitié du XIXe siècle, pratiquement rien de nouveau n'a encore été développé. Cependant, la nouveauté de la situation générale contribue déjà à cette époque à la formation de conditions préalables internes à des quêtes innovantes - la prise de conscience des recherches stylistiques en tant que besoin créatif important, en tant que manifestation de l'individualité artistique du maître. Si jusqu'à présent les tendances de style (gothique, Renaissance, baroque, classicisme, etc.) sont nées et se sont répandues, en règle générale, à la suite de tendances générales, presque « globales », spontanément cristallisées dans le développement esthétique du monde, alors de Au milieu du XIXe siècle, l'originalité stylistique est considérée comme une réalisation créative directe d'un artiste ou d'un architecte individuel. À cet égard, l'intérêt pour le patrimoine artistique de tous les temps et de tous les peuples s'intensifie fortement. Ce riche héritage devient source d’imitations, d’emprunts directs ou est soumis à d’étranges processus créatifs.

Table de style Art Nouveau avec chaise. Fin du 19ème siècle

En conséquence, la majeure partie des produits présente un tableau inhabituellement hétéroclite, dans lequel scintillent des réminiscences évidentes ou subtiles de l'Antiquité, de l'époque romane, du gothique, de la Renaissance italienne ou française, de l'art de Byzance et de la Russie antique, du baroque, etc. se mélangeant souvent de manière éclectique dans la conception d’un produit, d’un intérieur ou d’un bâtiment. C’est pourquoi cette période de l’histoire de l’architecture et des arts appliqués a été qualifiée d’éclectique. Des produits (lampes, seaux métalliques, auges, plats, tabourets, etc.) relativement bon marché, mais fabriqués sans aucun but artistique, souvent sous des formes laides et de mauvaise qualité, commencent encore à être introduits dans la vie quotidienne des gens.

La recherche d'un nouveau style s'effectue en tenant compte du besoin réel des conditions de production mécanique, d'une approche fondamentalement nouvelle du façonnage des produits, d'une part, et de la préservation des traditions décoratives du passé, d'autre part. autre. La bourgeoisie, qui à la fin du XIXe siècle occupait une position forte dans l'économie russe, luttait pour sa propre idéologie artistique dans l'architecture et le design - le culte de la liberté rationnelle et relative des archaïsmes de la culture noble, encourageant dans l'art tout ce qui pouvait rivaliser avec les styles du passé. C'est ainsi qu'apparaît le style Art Nouveau à la fin du XIXe siècle : « art nouveau » en Belgique, en Grande-Bretagne et aux États-Unis, « Jugendstil » en Allemagne, « style Sécessions » en Autriche, « style libre » en Italie. Son nom - « moderne » (du français moderne) signifiait « nouveau, moderne » - de lat. modo - "tout à l'heure, récemment." Dans sa forme pure, s'estompant et se mélangeant à d'autres mouvements stylistiques, il dura relativement peu de temps, jusqu'aux environs de 1920, soit environ 20 à 25 ans, comme presque tous les mouvements stylistiques des XVIIe et XXe siècles.

L'Art nouveau est diversifié selon les pays et dans le travail de maîtres individuels, ce qui complique la compréhension des problèmes qu'ils ont résolus. Cependant, l'éradication presque complète de tous les motifs et techniques décoratifs et ornementaux précédemment utilisés et leur renouvellement radical sont devenus caractéristiques. Les corniches traditionnelles, rosaces, chapiteaux, flûtes, ceintures « vagues roulantes », etc. sont remplacées par des plantes locales stylisées (lys, iris, œillets, etc.), des têtes féminines aux longs cheveux bouclés, etc. Souvent, il n'y a aucune décoration du tout. , et l'effet artistique est obtenu grâce à l'expressivité de la silhouette, aux divisions de la forme, aux lignes, généralement finement dessinées, comme si elles coulaient librement, palpitaient. Dans les formes des produits Art Nouveau, on peut presque toujours ressentir une certaine volonté fantaisiste de l'artiste, la tension d'une corde bien tendue et des proportions exagérées. Dans les manifestations extrêmes, tout cela est fortement aggravé, élevé au rang de principe. Il y a parfois un mépris de la logique constructive de la forme, un enthousiasme presque feint pour le côté spectaculaire de la tâche, notamment dans la conception des intérieurs, souvent théâtralisés de manière spectaculaire.

Malgré toutes les faiblesses - prétention, parfois bruyante des formes, une nouvelle approche de la résolution du bâtiment, de l'intérieur, de l'ameublement avec la logique d'une solution fonctionnelle, constructive et technologique est née.

Bougeoir de style Art Nouveau. Début du 20e siècle

Ensemble de plats. Fin du 19ème siècle

Coiffeuse d'époque Art Nouveau. Début du 20e siècle

L'Art Nouveau dans la grande majorité de ses exemples n'a pas abandonné la décoration des produits, mais a seulement remplacé les anciens motifs et techniques décoratifs par de nouveaux. Déjà au début du XXe siècle, à l'époque des triomphes du style nouveau, la mode des styles anciens revenait, timidement d'abord, puis largement, ce qui avait un lien bien connu avec le début des préparatifs de la célébration. du centenaire de la Guerre Patriotique de 1812. L'exposition « Art moderne », organisée à Saint-Pétersbourg en 1903, montrait clairement la naissance de la « modernité classique ».

Les résultats de la modernité sont complexes. Il s’agit d’une purification des arts appliqués de l’éclectisme, de « l’anti-machinisme » des champions de l’artisanat et des tentatives infructueuses de restauration des styles du passé. Ce sont les premiers symptômes de l’entrée de l’architecture et des arts appliqués dans la voie du fonctionnalisme et du constructivisme, dans la voie du design moderne. Dans le même temps, révélant bientôt une tendance à nationaliser le style, l'Art nouveau suscite une nouvelle vague de quêtes purement décoratives. De nombreux peintres se tournent vers les arts appliqués et la décoration intérieure (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, etc.), gravitant vers la couleur des contes de fées russes, du « pain d'épices », etc. processus historique ultérieur, solutions aux problèmes urgents de la production industrielle de masse, de telles expériences ne pouvaient avoir une signification idéologique et artistique sérieuse, bien qu'elles aient donné une impulsion au développement d'une autre branche des arts appliqués - l'artisanat artistique et en particulier l'art théâtral et décoratif.

La modernité, pour ainsi dire, a ouvert la voie à l'établissement de nouveaux principes esthétiques et créatifs dans l'art de créer des objets du quotidien et a accéléré l'émergence d'un nouveau métier artistique : le design artistique.

La formation du fonctionnalisme et du constructivisme dans des directions particulières dans l'architecture et la conception artistique des pays occidentaux s'est produite à la fin des années 1910 en relation avec la stabilisation de la vie et la réussite économique après la Première Guerre mondiale. Mais les fondements fondamentaux de la nouvelle architecture moderne ont été déterminés dans la période d'avant-guerre par les travaux d'architectes tels que T. Garnier et O. Perret (France), H. Berlaga (Hollande), A. Loos (Autriche), P. Behrens (Allemagne), F. Wright (États-Unis), I. Shekhtel, I. Rerberg (Russie), etc. Chacun d'eux a surmonté l'influence de la modernité et a lutté à sa manière.

En 1918, des départements spéciaux pour l'architecture et l'industrie de l'art ont été créés au sein du Département des Beaux-Arts du Commissariat du Peuple à l'Éducation. Une attention particulière est accordée aux questions de formation des spécialistes. En 1920, V.I. Lénine signe un décret portant création des Ateliers artistiques et techniques supérieurs d'État (VKHUTEMAS). Les diplômés ont créé de nouveaux échantillons de tissus, meubles, vaisselle, etc.

La formation en ateliers (transformés en 1927 en Institut d'art et technique de toute l'Union VKHUTEIN) s'est déroulée dans les facultés : architecture, céramique, textile, etc. A la faculté de transformation du bois et des métaux sous la direction de A. Rodchenko, D. . Lisitsky, V. Tatlin et d'autres maîtres recherchaient de nouvelles formes et conceptions pour divers objets. Toutes les activités de VKHUTEMAS visaient à développer chez les étudiants les compétences d'une approche intégrée de la conception de l'environnement de la vie quotidienne et de la production.

Dans les années 1920, un mouvement « d’art industriel » a émergé, développant les principes du fonctionnalisme et du constructivisme, qui cherchaient à établir dans l’esprit des artistes l’idéal esthétique d’une production matérielle rationnellement organisée. Toutes les formes d’art antérieures étaient déclarées « productionnistes » bourgeoises et inacceptables pour le prolétariat. D'où leur rejet non seulement des beaux-arts « pratiquement inutiles », mais aussi de toute créativité purement décorative, par exemple la bijouterie. Dans les années 20, les conditions techniques et économiques de notre pays n'étaient pas encore mûres pour la mise en œuvre de leurs idées.

VKHUTEMAS et les « ouvriers de la production » des années 1920 étaient étroitement liés idéologiquement et esthétiquement au Bauhaus et, à plusieurs moments importants, représentaient avec lui essentiellement un mouvement unique dans la conception artistique de cette époque. Dans le cadre de ce nouveau mouvement, l’esthétique du design moderne s’est formée, surmontant les contradictions des arts appliqués de la période précédente. L'activité artistique pratique des fondateurs du design consistait également à développer un arsenal de moyens artistiques et expressifs de l'art de créer des choses. Dans leurs œuvres (meubles, lampes, vaisselle, tissus, etc.), la plus grande attention a été portée aux propriétés des matériaux et de la forme telles que la texture, la couleur, l'expressivité plastique, la structure rythmique, la silhouette, etc., qui ont acquis une importance décisive dans le produits de composition, sans entrer en conflit avec les exigences de logique constructive et de fabricabilité de la forme. Une autre direction qui s'est développée avec succès dans notre pays dans les années 20 est la conception technique. En 1925, à Moscou, selon la conception de l'éminent ingénieur V. Shukhov, fut érigée la célèbre tour radio, dont la silhouette ajourée devint pendant longtemps un symbole de la radio soviétique. Un an plus tôt, J. Gakkel avait créé, sur la base des dernières avancées technologiques, la première locomotive diesel soviétique, dont la forme semble encore aujourd'hui assez moderne. Dans les années 1920, on s’est rendu compte de la nécessité de mener des recherches scientifiques sur les modèles d’activité humaine dans un environnement créé artificiellement. L'Institut central du travail s'organise, dans ses murs des recherches sont menées sur les questions d'organisation scientifique du travail et de culture de production. L'attention des scientifiques et des concepteurs est attirée sur les questions de biomécanique, d'organoleptique, etc. Parmi les travaux notables de ces années figure la conception d'un poste de travail de conducteur de tramway (N. Bernstein).

Ouais, Gakkel. Locomotive. Début des années 1930