Statues de Léonard de Vinci. Peinture et sculpture de la Haute Renaissance de Léonard de Vinci

Léonard de Vinci (Leonardo da Vinci), peintre, sculpteur, architecte, scientifique et ingénieur italien. Fondateur de la culture artistique de la Haute Renaissance, Léonard de Vinci s'est développé comme maître lors de ses études à Florence avec Verrocchio. Les méthodes de travail dans l'atelier de Verrocchio, où la pratique artistique se conjuguait avec des expériences techniques, ainsi que l'amitié avec l'astronome P. Toscanelli, ont contribué à l'émergence des intérêts scientifiques du jeune Léonard de Vinci.

Léonard est né en 1452 et était le fils illégitime d'un certain Sir Piero, notaire d'une petite ville proche de la ville de Vinci, et d'une simple paysanne. Par conséquent, plus tard, lorsque l'artiste est devenu célèbre, il a commencé à s'appeler Léonard de Vinci. Depuis son enfance, il a montré un intérêt égal pour la mécanique, l'astronomie, les mathématiques et d'autres sciences naturelles, ce qui ne l'a pas empêché de dessiner et de sculpter avec enthousiasme diverses figures. On raconte que dès son plus jeune âge, il sculpta plusieurs têtes de femmes rieuses, si expressives qu'on en fait encore des moulages en plâtre pour les imiter. Déjà artiste reconnu, il n'abandonne pas ses études d'ingénieur, perpétuant ses nouvelles idées dans le dessin.

Dans ses premières œuvres (la tête d'un ange dans le « Baptême du Christ » de Verrocchio, après 1470, « L'Annonciation », vers 1474, tous deux conservés aux Offices ; dans la première œuvre indépendante, « La Madone Benois », vers 1478, Musée de l'Ermitage Musée, Saint-Pétersbourg), l'artiste a développé les traditions de l'art du début de la Renaissance, a souligné la tridimensionnalité douce des formes avec un clair-obscur doux, animant parfois les visages avec un sourire subtil, en l'utilisant pour transmettre des états émotionnels subtils. Benoît

Un jour, le professeur de Léonard, Verrocchio, reçut une commande pour le tableau "Le Baptême du Christ" et demanda à Léonard de peindre l'un des deux anges. C'était une pratique courante dans les ateliers d'art de l'époque : le professeur créait une image avec les élèves assistants. Les plus talentueux et les plus assidus se sont vu confier l'exécution d'un fragment entier. Deux anges, peints par Léonard et Verrochio, démontraient clairement la supériorité de l'élève sur le professeur. Comme l'écrit Vasari, Verrochio, étonné, abandonna son pinceau et ne revint jamais à la peinture.

En enregistrant les résultats d'innombrables observations dans des croquis, des croquis et des études grandeur nature, réalisés selon diverses techniques (crayons italiens et argentés, sanguine, stylo, etc.), Léonard de Vinci a atteint, en recourant parfois au grotesque presque caricatural, à l'acuité dans la transmission du visage expressions et physiques Les caractéristiques et les mouvements du corps humain ont été mis en parfaite harmonie avec l'atmosphère spirituelle de la composition. En 1481 ou 1482, Léonard de Vinci entra au service du souverain de Milan, Lodovico Moro, et servit comme ingénieur militaire, ingénieur hydraulique et organisateur des vacances à la cour.

A l'époque milanaise, Léonard de Vinci a créé « La Madone aux Rochers » (Louvre, Paris ; 2e version - environ, National Gallery, Londres), où les personnages sont présentés entourés d'un étrange paysage rocheux, et le plus beau clair-obscur joue le rôle d'un principe spirituel, mettant l'accent sur la chaleur des relations humaines.

Madone aux Rochers, Louvre, Paris.

Dans le réfectoire du monastère de Santa Maria delle Grazie, il a réalisé la peinture murale « La Cène » (en raison des particularités de la technique utilisée par Léonard de Vinci - huile à la détrempe - elle a été conservée sous une forme gravement endommagée ; elle a été restauré au XXe siècle), marquant l'un des sommets de la peinture européenne ; son haut contenu éthique et spirituel s'exprime dans la régularité mathématique de la composition, qui poursuit logiquement l'espace architectural réel, dans un système clair et strictement développé de gestes et d'expressions faciales des personnages, dans l'équilibre harmonieux des formes.

Après la chute de Milan, la vie de Léonard de Vinci se passa en voyages constants (Florence ; Mantoue et Venise ; 1506, Milan ; Rome ; France).

La force des convictions de l’artiste était telle que même les choses les plus fantastiques qu’il imaginait semblaient bien réelles à ses contemporains. Giorgio Vasari rapporte que lorsque Léonard vivait encore à Florence, il a réalisé un dessin à l'aide duquel il a prouvé à plusieurs reprises à de nombreux citoyens entreprenants qui dirigeaient la ville à cette époque qu'il pouvait élever le temple de San Giovanni et y amener des escaliers. sans le détruire. "Et il a convaincu avec des arguments si convaincants que cela semblait possible, même si chacun après son départ, au plus profond de son âme, était conscient de l'impossibilité totale d'une telle entreprise." Temple de San Giovanni

Malheureusement, son penchant pour une grande variété de pensées et d'expériences scientifiques n'a pas donné à Léonard l'occasion de se concentrer sur une seule chose. Il a beaucoup commencé, n’a pas beaucoup fini, de sorte qu’une opinion a commencé à se former sur lui en tant que personne incapable de mener à bien quoi que ce soit. C'est pourquoi, lorsqu'on lui proposa de peindre le réfectoire du nouveau monastère dominicain de Santa Maria della Grazie à Milan, il accepta sans hésiter une minute, espérant par l'exécution de cette fresque prouver le contraire à tous les vains potins de le monastère de Santa Maria della Grazie

Léonard a commencé à travailler sur « La Cène » pour le monastère de Santa Maria della Grazie en 1495. Il devait achever la fresque le plus rapidement possible. Mais, comme toujours, il voulait être indépendant et original dans tout ce qui exigeait un travail minutieux et acharné. Et bien que l'idée de « La Cène » soit née à Léonard bien avant de recevoir cette commande, avant de commencer à peindre sur les murs, il réalisa de nombreux dessins et croquis, les accompagnant de descriptions verbales similaires à celles-ci : « Le premier qui but et pose le verre à sa place, tourne la tête vers l'orateur ; l'autre joint les doigts des deux mains et regarde son camarade en fronçant les sourcils ; l'autre, ouvrant les mains, montre ses paumes, lève ses épaules jusqu'à ses oreilles et fait une grimace d'étonnement avec sa bouche", et ainsi de suite pour chaque personnage. "La Cène".

Dernière Cène, réfectoire du monastère de Santa Maria delle Grazie.

L'abbé du monastère pressait constamment Léonard d'achever les travaux. Un jour, irrité par la lenteur de l’artiste, il se plaignit de lui auprès du duc. L'artiste, qui discutait souvent d'art avec le duc, a réussi à le convaincre que "les talents exaltés travaillent parfois moins, mais réussissent plus lorsqu'ils réfléchissent à leurs projets et créent ces idées parfaites qu'ils expriment ensuite avec leurs mains". Léonard remit cependant son œuvre au cours de l'hiver 1497, sans avoir le temps d'achever la tête de Jésus-Christ. Le succès de la fresque a dépassé toutes les attentes. Toute l'Italie a été émerveillée par l'audace de la composition, la puissance d'expression, le mouvement allié au calme, qui surprennent encore tous ceux qui entrent dans le réfectoire. La variété des formes visibles de la vie mentale est étonnante.La tête de Jésus-Christ

La solution compositionnelle du récit évangélique traditionnel choisie par Léonard pour peindre le réfectoire était déjà inhabituelle. La pièce où se trouve la fresque est de forme allongée et les tables y étaient placées en forme de lettre « P ». Pour créer l'illusion de la réalité de ce qui se passait, la table à laquelle Jésus-Christ était assis avec ses disciples était dessinée de la même manière que celles du réfectoire, les fermant en un seul rectangle. L'originalité du projet résidait également dans le fait que l'abbé du monastère se retrouvait directement en face du Christ, assis devant sa figure lors du repas quotidien. Les murs et le plafond de la pièce réelle se fondent également parfaitement dans les murs et le plafond représentés dans la fresque. Lorsque tous les moines se réunissaient à table, il semblait que le Christ et les apôtres participaient à un repas commun. Le désir de transmettre l'impression de la réalité de ce qui se passe, qui occupait l'artiste dès sa plus tendre enfance, s'est réalisé dans cette œuvre avec une authenticité et une force de persuasion totales.

La fresque de Léonard de Vinci "La Cène"

A la table haute, où a lieu le dernier repas du Maître et de ses disciples, le Christ est assis au centre. De chaque côté de lui se trouvaient les apôtres, réunis en groupes de trois. La composition entière de La Cène représente le moment où Jésus prononce ses célèbres paroles : « L’un de vous me trahira ». Le calme régnant de la Cène, véhiculé par une composition strictement vérifiée, est troublé par le bruit et la vague d'émotions humaines qui naissent : « N'est-ce pas moi, rabbin ? Judas, qui traditionnellement s'assoit toujours de l'autre côté de la table, fait cette fois partie du groupe des apôtres. Il s'indigne aussi, il essaie aussi de s'étonner, mais sa main droite, serrant nerveusement un portefeuille contenant trente pièces d'argent, le trahit et le rend reconnaissable. La composition visuellement équilibrée est perturbée par le bruit qui en résulte. Les réponses semblent être transférées d’un bout à l’autre de la table, mélangeant des groupes distincts d’apôtres en une seule masse agitée. Le Christ ne peut s'empêcher d'entendre et de remarquer ce qui se passe, mais sa figure reste imperturbable. Il répond à l'excitation qui a saisi tous les apôtres par un calme rituel, une immobilité et un silence.

Le sort de la fresque de la Cène s'est avéré tragique. Un soir, en se rendant au réfectoire du monastère pour admirer son œuvre la plus célèbre, Léonard remarqua qu'une erreur avait été commise en travaillant avec des apprêts et des peintures et que son travail, pour lequel tant de temps et d'efforts avaient été consacrés, risquait de ne pas durer longtemps. . Il surveillait en permanence les changements en cours et faisait tout son possible pour prolonger la durée de vie de sa création.

De Milan, Leonardo revint à Florence. Dans la même ville, Léonard a peint un portrait de Mona Lisa (Gioconda). Depuis une petite toile, des mains gracieuses croisées avec de fins doigts aristocratiques, une belle femme regarde le spectateur. Son regard est sérieux et ses lèvres sont légèrement effleurées par un sourire, souvent qualifié de mystérieux. Au lieu d’un arrière-plan, derrière le dos de La Gioconda se cache un paysage idéal typique de la Renaissance. Mona Lisa (La Joconde)

Portrait de l'arbre Mona Lisa (La Gioconda). 77 x 53. Persienne, Paris.

Fragment. Portrait de l'arbre Mona Lisa (La Gioconda). 77 x 53. Persienne, Paris.

Léonard a passé les dernières années de sa vie à errer. Il retourna d'abord à Milan, de là il se rendit à Rome. Là, pour ses expériences scientifiques, il fut accusé d'hérésie. Fuyant les persécutions de l'Église, Léonard accepta l'invitation du roi de France. Il n'a pratiquement pas travaillé en France, mais a toujours été entouré d'une admiration respectueuse. La vie de Léonard se termine en 1519 dans la petite ville d'Amboise au château de Cloux. Vasari a noté que "bien qu'il ait fait beaucoup plus en paroles qu'en actes, toutes ces branches de son activité, dans lesquelles il s'est montré si divinement, ne permettront jamais que son nom ou sa gloire s'effacent".

Parmi les œuvres de Léonard de Vinci figurent des peintures, des fresques, des dessins, des dessins anatomiques, qui ont jeté les bases de l'émergence de l'illustration scientifique, des œuvres d'architecture, des projets de structures techniques, des cahiers et des manuscrits (environ 7 000 feuilles), « Traité sur Peinture" (Leonardo a commencé à écrire un traité encore à Milan à la demande de Sforza, qui voulait savoir quel art est le plus noble - la sculpture ou la peinture ; la version finale a été compilée après la mort de Léonard de Vinci par son élève F. Melzi) dessins anatomiques de l'architecture des structures techniques
Le château de Chambord a été construit pour le roi François Ier et surprend toujours non seulement par sa taille - 440 pièces et 365 cheminées, mais aussi par l'innovation de son architecture. Ce n'est pas un hasard s'il est considéré comme un chef-d'œuvre d'ingénierie et on suppose que le premier projet a été développé par Léonard de Vinci lui-même.

Peintre, sculpteur, architecte, scientifique, ingénieur italien.

Combinant le développement de nouveaux moyens de langage artistique avec des généralisations théoriques, Léonard de Vinci a créé l'image d'une personne qui répond aux idéaux humanistes de la Haute Renaissance. Dans le tableau « La Cène » (1495-1497, dans le réfectoire du monastère de Santa Maria delle Grazie à Milan), le contenu éthique élevé s'exprime dans des schémas de composition stricts, un système clair de gestes et d'expressions faciales du personnages.

L'idéal humaniste de la beauté féminine est incarné dans le portrait de Mona Lisa (La Gioconda, vers 1503). De nombreuses découvertes, projets, recherches expérimentales dans le domaine des mathématiques, des sciences naturelles et de la mécanique. Une importance décisive défendue expérience dans la connaissance de la nature (cahiers et manuscrits, environ 7 mille feuilles).

Léonard est né dans la famille d'un riche notaire. Il était le fils illégitime d'un notaire florentin et d'une paysanne; a été élevé dans la maison de son père et, étant le fils d'un homme instruit, il a reçu une éducation élémentaire approfondie en lecture, écriture et calcul.

Peut-être en 1467 (à l'âge de 15 ans), Léonard fut-il apprenti chez l'un des principaux maîtres de la Renaissance à Florence, Andrea del Verrocchio. En 1472, Léonard rejoint la guilde des artistes, apprenant les bases du dessin et d'autres disciplines nécessaires. En 1476, il travaillait encore dans l'atelier de Verrocchio, apparemment en collaboration avec le maître lui-même.

Les méthodes de travail dans l’atelier florentin de l’époque, où le travail de l’artiste était étroitement lié aux expériences techniques, ainsi que sa connaissance de l’astronome P. Toscanelli ont contribué à l’émergence des intérêts scientifiques du jeune Léonard. Dans les premières œuvres (la tête d'ange dans le "Baptême" de Verrocchio, après 1470, "Annonciation", vers 1474, tous deux aux Offices, "La Madone Benois", vers 1478, l'Ermitage) enrichit les traditions de la peinture du Quattrocento, en soulignant la douceur tridimensionnalité des formes au clair-obscur doux, animant les visages d'un sourire fin et à peine perceptible.

En 1480, Léonard recevait déjà de grosses commandes, mais en 1482 il s'installa à Milan. Dans une lettre adressée au souverain de Milan, Ludovico Sforza, il se présente comme ingénieur et expert militaire, ainsi que comme artiste. Les années passées à Milan ont été remplies d'activités diverses. Léonard a peint plusieurs tableaux et une célèbre fresque Dernière Cène et a commencé à tenir ses notes avec diligence et sérieux. Le Léonard que l'on reconnaît dans ses notes est un architecte-concepteur (le créateur de plans innovants qui n'ont jamais été réalisés), un anatomiste, un ingénieur hydraulique, un inventeur de mécanismes, un créateur de décors pour les représentations judiciaires, un auteur d'énigmes, d'énigmes. et fables pour le divertissement de la cour, musicien et théoricien de la peinture.

Après l'expulsion de Lodovico Sforza de Milan par les Français en 1499, Léonard part pour Venise, visitant en chemin Mantoue, où il participe à la construction de structures défensives, puis retourne à Florence.; on raconte qu'il était tellement absorbé par les mathématiques qu'il ne voulait même pas penser à prendre un pinceau. Pendant douze ans, Léonard se déplaça constamment de ville en ville, travaillant pour le célèbre Cesare Borgia en Romagne, dessinant des fortifications (jamais construites) pour Piombino. A Florence, il entre en rivalité avec Michel-Ange; Cette rivalité culmine dans les énormes compositions de bataille que les deux artistes peignent pour le Palazzo della Signoria (également Palazzo Vecchio). Léonard conçoit alors un deuxième monument équestre qui, comme le premier, ne verra jamais le jour. Toutes ces années, il continue à remplir ses cahiers d'idées diverses sur des sujets aussi variés que la théorie et la pratique de la peinture, l'anatomie, les mathématiques et le vol des oiseaux. Mais en 1513, comme en 1499, ses mécènes furent expulsés de Milan.

Léonard se rend à Rome, où il passe trois ans sous le patronage des Médicis. Déprimé et bouleversé par le manque de matériel pour la recherche anatomique, Léonard bricolait des expériences et des idées qui ne menaient nulle part.

Le français d'abord Louis XII , et puis Francis je , admirait les œuvres de la Renaissance italienne, notamment Dernière Cène Léonard. Il n'est donc pas surprenant qu'en 1516 François je , bien conscient des talents variés de Léonard, l'invite à la cour, alors située au château d'Amboise dans la vallée de la Loire. Bien que Léonard ait travaillé sur des projets hydrauliques et des plans pour le nouveau palais royal, il ressort clairement des écrits du sculpteur Benvenuto Cellini que sa principale occupation était le poste honorifique de sage de la cour et de conseiller. Léonard meurt à Amboise le 2 mai 1519; Ses peintures à cette époque étaient principalement dispersées dans des collections privées, et ses notes restaient dans diverses collections presque dans l'oubli complet pendant plusieurs siècles.

"Dernière Cène"

Dans le réfectoire du monastère de Santa Maria delle Grazie, Léonard réalise le tableau « La Cène » (1495-97 ; en raison de l'expérience risquée qu'a entreprise le maître, en utilisant de l'huile mélangée à de la détrempe pour la fresque, l'œuvre nous est parvenue sous une forme très endommagée). Le contenu religieux et éthique élevé de l'image, qui représente la réaction orageuse et contradictoire des disciples du Christ à ses paroles sur la trahison imminente, s'exprime dans des lois mathématiques claires de la composition, subjuguant puissamment non seulement le peint, mais aussi le véritable architecture. espace. La logique scénique claire des expressions faciales et des gestes, ainsi que la combinaison passionnante et paradoxale, comme toujours chez Léonard, d'une rationalité stricte et d'un mystère inexplicable ont fait de « La Cène » l'une des œuvres les plus significatives de l'histoire de l'art mondial.

Également impliqué dans l'architecture, Léonard développe diverses versions de la « ville idéale » et du temple au dôme central. Le maître passe les années suivantes en voyages constants (Florence - 1500-02, 1503-06, 1507 ; Mantoue et Venise - 1500 ; Milan - 1506, 1507-13 ; Rome - 1513-16). Depuis 1517, il vit en France, où il fut invité par le roi François Ier.

"Bataille d'Angyari". Mona Lisa (Portrait de Mona Lisa)

A Florence, Léonard travaille sur un tableau au Palazzo Vecchio (« La Bataille d'Anghiari », 1503-1506 ; non terminé et non conservé, connu par des copies sur carton, ainsi que par un croquis récemment découvert - collection privée, Japon ), qui est à l’origine du genre battle dans l’art des temps modernes ; la fureur meurtrière de la guerre s'incarne ici dans le combat acharné des cavaliers.

Dans le tableau le plus célèbre de Léonard, le portrait de Mona Lisa (dite « La Joconde », vers 1503, Louvre), l'image d'un riche citadin apparaît comme une mystérieuse personnification de la nature en tant que telle, sans perdre sa ruse purement féminine. ; La signification intérieure de la composition est donnée par le paysage cosmiquement majestueux et en même temps alarmant aliéné, se fondant dans une brume froide.

Peintures tardives

Les œuvres ultérieures de Léonard comprennent : les dessins du monument au maréchal Trivulzio (1508-1512), le tableau « Sainte Anne avec Marie et l'Enfant ». Christ" (vers 1500-1507, Louvre). Ce dernier résume en quelque sorte ses recherches dans le domaine de la perspective lumière-air, de la couleur tonale (avec une prédominance de nuances froides et verdâtres) et de la composition pyramidale harmonieuse ; en même temps, c'est l'harmonie au-dessus de l'abîme, puisqu'un groupe de personnages sacrés, soudés entre eux par la proximité familiale, se présente au bord de l'abîme. Le dernier tableau de Léonard, « Saint Jean-Baptiste » (vers 1515-1517, ibid.) est plein d'ambiguïté érotique : le jeune Précurseur ne ressemble pas ici à un saint ascète, mais à un tentateur plein de charme sensuel. Dans une série de dessins représentant une catastrophe universelle (cycle avec le « Déluge », crayon et plume italiens, vers 1514-1516, Bibliothèque royale, Windsor), se conjuguent des réflexions sur la fragilité et l'insignifiance de l'homme face à la puissance des éléments. les rationalistes, anticipant une cosmologie « vortex » R. Descartes idées sur la nature cyclique des processus naturels.

"Traité de peinture"

La source la plus importante pour étudier les vues de Léonard de Vinci sont ses cahiers et manuscrits (environ 7 000 feuilles), rédigés en italien parlé. Le maître lui-même n'a pas laissé une présentation systématique de ses pensées. « Traité de peinture », préparé après la mort de Léonard par son élève F. Melzi et qui a eu un impact énorme influence sur la théorie de l'art, se compose d'extraits, largement arbitrairement extraits du contexte de ses notes. Pour Léonard lui-même, l’art et la science étaient inextricablement liés. Donnant la palme dans la « dispute des arts » à la peinture comme, selon lui, la forme de créativité la plus intellectuelle, le maître l'a comprise comme un langage universel (semblable aux mathématiques dans le domaine scientifique), qui incarne toute la diversité de l'univers à travers les proportions, la perspective et le clair-obscur. « La peinture, écrit Léonard, est une science et la fille légitime de la nature..., une parente de Dieu. » En étudiant la nature, le parfait artiste naturaliste apprend ainsi « l’esprit divin » caché sous l’apparence extérieure de la nature. En s'engageant dans une compétition créatrice avec ce principe divinement intelligent, l'artiste affirme ainsi sa ressemblance avec le Créateur Suprême. Puisqu’il “ a d’abord dans son âme, puis dans ses mains ” “ tout ce qui existe dans l’univers ”, il est aussi “ une sorte de dieu ”.

Léonard est un scientifique. Projets techniques

En tant que scientifique et ingénieur, Léonard de Vinci a enrichi presque tous les domaines d’observations et de suppositions perspicaces. connaissance de cette époque, considérant ses notes et ses dessins comme des esquisses pour une encyclopédie philosophique naturelle géante. Il était un éminent représentant des nouvelles sciences naturelles fondées sur l’expérimentation. Léonard accorda une attention particulière à la mécanique, la qualifiant de « paradis des sciences mathématiques » et y voyant la clé des secrets de l'univers ; il essayait de déterminer les coefficients de frottement de glissement, étudiait la résistance des matériaux et se passionnait pour l'hydraulique. De nombreuses expériences hydrotechniques se sont traduites par des conceptions innovantes de canaux et de systèmes d'irrigation. La passion de Léonard pour le modelage l'a conduit à d'étonnantes prévisions techniques, bien en avance sur son époque : tels sont les croquis de dessins de fours métallurgiques et de laminoirs, de machines à tisser, d'imprimeries, de machines à travailler le bois et autres, d'un sous-marin et d'un char, ainsi que des dessins pour machines volantes développées après une étude approfondie du vol des oiseaux et du parachute

Optique

Les observations recueillies par Léonard sur l'influence des corps transparents et translucides sur la couleur des objets, reflétées dans sa peinture, ont conduit à l'établissement des principes de la perspective aérienne dans l'art. L’universalité des lois optiques était pour lui associée à l’idée de l’homogénéité de l’Univers. Il était sur le point de créer un système héliocentrique, considérant la Terre comme « un point de l’univers ». Il a étudié la structure de l'œil humain et a fait des suppositions sur la nature de la vision binoculaire.

Anatomie, botanique, paléontologie

Dans des études anatomiques, résumant les résultats des autopsies de cadavres, il a jeté les bases de l'illustration scientifique moderne dans des dessins détaillés. Étudiant les fonctions des organes, il considérait le corps comme un exemple de « mécanique naturelle ». Il fut le premier à décrire un certain nombre d'os et de nerfs, en accordant une attention particulière aux problèmes d'embryologie et d'anatomie comparée, en essayant d'introduire la méthode expérimentale dans la biologie. Ayant établi la botanique comme discipline indépendante, il a donné des descriptions classiques de la disposition des feuilles, de l'héliotropisme et du géotropisme, de la pression des racines et du mouvement des sucs végétaux. Il fut l’un des fondateurs de la paléontologie, estimant que les fossiles trouvés au sommet des montagnes réfutent l’idée d’un « déluge mondial ».
Ayant révélé l’idéal de « l’homme universel » de la Renaissance, Léonard de Vinci a été interprété dans la tradition ultérieure comme la personne qui a le plus clairement défini l’éventail des quêtes créatrices de l’époque. Dans la littérature russe, le portrait de Léonard a été créé par D.S. Merezhkovsky dans le roman « Les Dieux ressuscités » (1899-1900).

La valeur du patrimoine scientifique

les travaux de tout scientifique doivent être considérés par rapport aux réalisations de ses prédécesseurs et contemporains et à la lumière de leur influence sur le développement ultérieur de la science. En raison du secret de Léonard et de la découverte de certains de ses manuscrits seulement 300 ans après leur rédaction, il n’est naturellement pas nécessaire de parler de l’influence de ces notes sur le développement ultérieur des sciences naturelles et de la technologie. Comparaison sérieuse des textes de Léonard de Vinci avec les manuscrits survivants et même avec les publications de ses contemporains et prédécesseurs jusqu'à la seconde moitié du XXe siècle. n’a pratiquement pas été réalisée. Le professeur Truesdell a adopté une approche impartiale et critique de l'héritage scientifique et technique de Léonard et n'a pas eu peur de remettre en question les points de vue traditionnels. Il a souligné l'exagération évidente de nombreux historiens modernes de la profondeur d'un certain nombre de déclarations de Léonard, l'incohérence, la contradiction et le caractère spéculatif de nombre de ses remarques, l'absence presque totale de description de ses propres expériences et l'utilisation généralisée de matériaux empruntés. . Truesdell a souligné la nécessité d'une analyse historico-critique sérieuse des notes de Léonard, en comparant leur contenu avec d'autres documents de son époque, afin d'isoler des jugements vraiment originaux et formulés sans ambiguïté. Il s'agit d'un travail énorme, qui ne fait que commencer et qui nécessite des spécialistes hautement qualifiés possédant à la fois les sciences naturelles et techniques pertinentes et la connaissance des sources imprimées et manuscrites médiévales.

Malheureusement, nous ne savons pas exactement quelles œuvres Léonard a lu. Les mentions d'autres scientifiques par lui sont extrêmement rares et, par principe, il rejetait toute adhésion aveugle aux autorités. Chez Léonard, il y a (généralement en dehors du contexte scientifique) des références à Aristote, Archimède et Théophraste - des auteurs anciens (IV-III siècles avant JC), Vitruve, Héron, Lucrèce et Frontin - l'apogée de l'Empire romain (I siècle avant JC - 1er siècle après JC), Sabita ibn Korru - des scientifiques arabes (IX siècle), Jordan Nemorarius et Roger Bacon (XIIIe siècle), Albert de Saxe, Swineshead et Heytesbury (XIVe siècle), Alberti et Fossambrone (XVe siècle). Presque la seule exception dans les notes de Léonard était sa polémique directe avec Albert de Saxe à propos du mouvement. Cependant, nous ne savons pas ce qu’il a réellement lu. Cela ne peut être déterminé que par une comparaison minutieuse des notes de Léonard avec les textes de ses prédécesseurs et contemporains, souvent conservés uniquement dans des manuscrits.

On sait que Léonard contient des récits gratuits de certains auteurs. Ainsi, de diverses sources, nous savons qu'il connaissait les enseignements de l'École de Paris du XIVe siècle sur la nature du mouvement et la théorie du levier. Cependant, Leonardo n'a rien ajouté de significatif : ses déclarations ici sont floues et incohérentes. Mais peut-être fut-il le premier à s'intéresser au mouvement sur plan incliné.

En général, dans les domaines scientifiques qui nécessitent des généralisations, Léonard ne fait pas preuve de beaucoup de perspicacité, apparemment en raison d'une mauvaise formation générale en sciences naturelles. Là où un œil aiguisé est nécessaire, il est inégalé et brillant. N'étant pas préparé à une étude sérieuse de la dynamique des processus, il est brillant dans l'observation de leur cinématique.

L'attitude de Léonard envers les mathématiques est particulière. Les mots suivants tirés de ses notes sont souvent cités : « Que personne qui ne soit pas mathématicien ne me lise. » On ne sait pas comment comprendre cette déclaration et s’il s’agit d’une paraphrase des paroles d’auteurs grecs. Ailleurs, Léonard écrit : « La mécanique est le paradis des sciences mathématiques ; grâce à elle on obtient le fruit mathématique. » Mais il faut garder à l'esprit que Léonard n'avait presque aucune connaissance en mathématiques : il ajoutait des fractions, mais connaissait à peine les rudiments de l'algèbre, ne pouvait pas résoudre même les équations linéaires les plus simples et n'utilisait que des proportions. Par conséquent, les déclarations ci-dessus sur les mathématiques sont peut-être de nature purement apologétique.

Léonard a formulé toutes les lois uniquement sous la forme de proportions simples. Parfois, ils pourraient coïncider avec la réalité, parfois non. Et il est difficile de juger quand il arrive consciemment à la bonne conclusion et quand c'est par hasard.

Il est curieux, cependant, qu'en examinant certains problèmes géométriques qu'il ne pouvait pas résoudre analytiquement, Léonard ait trouvé des dispositifs mécaniques qui apportaient des solutions. En termes de ce qui peut être envisagé et conçu, il était certainement un génie.

Leonardo parle constamment d'expériences et de la nécessité de les réaliser. Mais nous ne savons pas à quelle fréquence il les a réellement exécutés. La seule remarque de Léonard, incontestablement basée sur l'expérience, est l'affirmation selon laquelle la force de frottement est proportionnelle à la charge, le coefficient de frottement étant d'un quart. Il s’agit de la première estimation assez plausible du coefficient de frottement que nous connaissons. À cet égard, Léonard a certainement anticipé les travaux de Guillaume Amonton à la fin du XVIIe siècle, à qui on attribue habituellement la découverte des lois du frottement.

Un grand nombre de notes de Léonard sont consacrées à la résistance des colonnes, des poutres et des arcs. A l'appui de ses jugements, il évoque parfois une expérience, mais le plus souvent il invite le lecteur à la vérifier par l'expérience. La conclusion de Léonard sur la proportionnalité inverse de la résistance des supports à leur hauteur n'est pas naturelle, bien qu'il se réfère à plusieurs reprises à des expériences de pensée. Sur la base d'une analyse approfondie de toutes les notes sur la résistance des structures, Truesdell est arrivé à la conclusion que Léonard n'avait pas obtenu un seul résultat correct dans ce domaine, à l'exception de la position évidente selon laquelle la résistance est proportionnelle à la section transversale d'une colonne. (poutre), une position a priori intuitivement connu de tout constructeur.

Au contraire, là où la connaissance s'acquiert par l'observation, Léonard est brillamment perspicace. Ainsi, en s'appuyant clairement sur des observations, il établit les endroits où les arcs et les voûtes se brisent lorsqu'ils sont chargés. Il découvre l'excitation résonante des vibrations des cloches, l'apparition de motifs d'ondes sur des plaques vibrantes recouvertes de fines poussières - phénomènes décrits seulement aux XVIIe et XVIIIe siècles.

Le mouvement des eaux représentait pour Léonard un champ d’observation particulièrement vaste. Ici, il remarqua beaucoup de choses pour la première fois. Il a décrit le mouvement des vagues sur l'eau et, en particulier, la propagation des ondes circulaires à la surface et leur passage mutuel sans entrave. Il a noté la formation de crêtes de sable au fond des cours d'eau et de crêtes similaires causées par l'action du vent sur terre. Il a observé et dessiné les trajectoires des particules lorsqu'elles sortaient des trous et traversaient les déversoirs. Ses croquis schématiques d'images d'écoulements secondaires dans un liquide lorsque l'écoulement quitte l'étage inférieur sont remarquables. Il a observé le mouvement de l'eau dans les rivières et, apparemment, a été le premier à noter la loi de continuité - la proportionnalité inverse des vitesses par rapport aux zones transversales.

Apparemment, Léonard a non seulement proposé et décrit un plateau plat à fentes pour étudier le mouvement des liquides, mais il l'a également utilisé pour observer les trajectoires d'écoulement en plaçant des traceurs appropriés dans le liquide, pour lesquels il a utilisé des grains secs.

Ainsi, Léonard a découvert beaucoup de choses nouvelles dans le mouvement des eaux, même si, comme toujours, il n'a pas mené à bien ses vastes projets. Ce n'est pas un hasard si le cardinal Barberini a chargé au milieu du XVIIe siècle de préparer pour lui, sur la base des notes de Léonard de Vinci, le « Traité sur le mouvement et la mesure des eaux », qui a survécu jusqu'à ce jour, publié pour la première fois en 1826.

C'est Léonard de Vinci dans toutes ses contradictions. Il savait poser correctement les questions, indiquant parfois des pistes possibles pour trouver des solutions. Bien sûr, le génie de Léonard s’y reflète. Il n'est pas devenu un pionnier de la science, mais il aurait pu être un guide, sans son secret douloureux et sa vanité, qui ont privé les générations suivantes de connaissance de ses notes.

Léonard de Vinci a vécu à l'époque de la formation d'une nouvelle science, née juste au tournant des XVe et XVIe siècles. Et bien qu'il n'ait défini aucune des tendances des sciences naturelles de cette époque, il reste pour nous l'observateur le plus perspicace de la nature, nous frappant par l'incroyable polyvalence de ses intérêts et de ses suppositions, de son intuition et de sa providence.

Léonard en tant que personne

Léonard était l'une des figures les plus légendaires et les plus prolifiques de toute la Renaissance. Selon certaines estimations, jusqu'à 20 000 publications lui seraient consacrées, dont la grande majorité ont été publiées dans la seconde moitié du XXe siècle. Cette littérature, à dominante idolâtre, a créé dans la société l'image d'un brillant artiste, sculpteur et scientifique. Le fait que Léonard était un peintre exceptionnel a été reconnu de son vivant, mais il a aussi ouvertement affirmé être un ingénieur et un architecte et, en outre, un naturaliste caché, ce qu'il n'a pas du tout déclaré publiquement. Ses intérêts étaient universels. Ils couvraient tous les domaines de la nature vivante - anatomie, physiologie, biomécanique (mouvements des animaux et vol des oiseaux) et botanique, ainsi que la géologie, l'orographie, la météorologie et un large éventail de sciences naturelles - principalement la mécanique (y compris la résistance structurelle et mouvement de l'eau), l'optique et en partie l'astronomie et la chimie. Il a également montré un profond intérêt pour la technologie - le génie mécanique et en particulier l'aviation.

Léonard était un observateur avisé : il avait un œil vif et maniait magistralement un stylo, enregistrant tout ce qu'il voyait. N'ayant pas reçu une bonne éducation et ne maîtrisant pas parfaitement la langue scientifique de l'époque - le latin, il a écrit des milliers de feuilles en italien sur divers sujets, en les complétant par des dessins illustrant ce qu'il a vu et inventé de manière indépendante.

Leonardo a écrit toutes ses pensées dans une écriture secrète - dans une image miroir, les cachant aux autres. Il avait une estime de soi exceptionnelle. Citons par exemple une de ses notes élogieuses à son sujet, liée à l'irréalisable projet d'avion : "Le grand oiseau commencera son premier vol sur le dos de son gigantesque cygne, remplissant l'univers d'étonnement, remplissant toutes les écritures de rumeurs sur lui-même - gloire éternelle au nid où il est né !"

Selon la légende, Léonard ne dormait systématiquement pas suffisamment, se consacrant entièrement au travail. Ses notes n’ont survécu que partiellement, pour la plupart de manière non systématique. Il y posait à la nature des milliers de questions et ne recevait de réponse à presque aucune d'entre elles. Il a indiqué des moyens expérimentaux possibles pour obtenir de nombreuses réponses, mais ne les a pratiquement pas utilisés lui-même. Nous trouvons chez Léonard des références répétées à des projets grandioses d'écriture de traités sur divers sujets, bien qu'il ait compris leur totale irréalité. Hélas, brillant projecteur, il a tout pris en charge, mais n'a guère accompli même une fraction insignifiante de ce qui était prévu. Ayant vécu une vie relativement longue (67 ans), il n’a jamais été aussi proche de la réalisation d’aucune de ses idées. L'incapacité de se fixer de véritables objectifs a été la tragédie de la vie de ce grand génie.

À la Renaissance, il y avait de nombreux sculpteurs, artistes, musiciens et inventeurs brillants. Léonard de Vinci se démarque dans leur contexte. Il a créé des instruments de musique, possédé de nombreuses inventions techniques, peint des peintures, des sculptures et bien plus encore.

Ses caractéristiques extérieures sont également étonnantes : grande taille, apparence angélique et force extraordinaire. Faisons connaissance avec le génie Léonard de Vinci, une courte biographie racontera ses principales réalisations.

Faits biographiques

Il est né près de Florence dans la petite ville de Vinci. Léonard de Vinci était le fils illégitime d'un célèbre et riche notaire. Sa mère est une paysanne ordinaire. Comme le père n'avait pas d'autres enfants, à l'âge de 4 ans, il emmena le petit Leonardo vivre avec lui. Le garçon a démontré son intelligence extraordinaire et son caractère amical dès son plus jeune âge, et il est rapidement devenu l'un des favoris de la famille.

Pour comprendre comment s'est développé le génie de Léonard de Vinci, une brève biographie peut être présentée comme suit :

1. À l'âge de 14 ans, il entre dans l'atelier de Verrocchio, où il étudie le dessin et la sculpture.
2. En 1480, il s'installe à Milan, où il fonde l'Académie des Arts.
3. En 1499, il quitte Milan et commence à se déplacer de ville en ville, où il construit des structures défensives. C'est à cette même période que débute sa célèbre rivalité avec Michel-Ange.
4. Depuis 1513, il travaille à Rome. Sous François Ier, il devient sage de cour.

Léonard est mort en 1519. Comme il le croyait, rien de ce qu’il avait commencé n’était jamais terminé.

Parcours créatif

L'œuvre de Léonard de Vinci, dont une brève biographie a été décrite ci-dessus, peut être divisée en trois étapes.

1. Période au début. De nombreuses œuvres du grand peintre étaient inachevées, comme « L'Adoration des Mages » pour le monastère de San Donato. Durant cette période, les tableaux « Benois Madonna » et « Annonciation » ont été peints. Malgré son jeune âge, le peintre fait déjà preuve d'une grande habileté dans ses peintures.
2. La période de maturité créative de Leonardo s'est déroulée à Milan, où il envisageait de faire carrière comme ingénieur. L'œuvre la plus populaire écrite à cette époque était La Cène, et en même temps il commença à travailler sur La Joconde.
3. À la fin de la période de créativité, le tableau « Jean-Baptiste » et une série de dessins « Le Déluge » ont été créés.

La peinture a toujours été un complément à la science pour Léonard de Vinci, qui cherchait à capturer la réalité.

Invention

Une courte biographie ne peut pas rendre pleinement compte de la contribution de Léonard de Vinci à la science. Cependant, nous pouvons noter les découvertes les plus célèbres et les plus précieuses du scientifique.

1. C'est lui qui a apporté la plus grande contribution à la mécanique, comme en témoignent ses nombreux dessins. Léonard de Vinci a étudié la chute d'un corps, les centres de gravité des pyramides et bien plus encore.
2. Il a inventé une voiture en bois entraînée par deux ressorts. Le mécanisme de la voiture était équipé d'un frein.
3. Il a imaginé une combinaison spatiale, des palmes et un sous-marin, ainsi qu'un moyen de plonger en profondeur sans utiliser de combinaison spatiale avec un mélange gazeux spécial.
4. L'étude du vol des libellules a conduit à la création de plusieurs variantes d'ailes humaines. Les expériences ont échoué. Cependant, le scientifique a ensuite inventé un parachute.
5. Il a participé aux développements de l'industrie militaire. L'une de ses propositions concernait des chars équipés de canons. Il a proposé un prototype de tatou et de char.
6. Léonard de Vinci a réalisé de nombreux développements dans le domaine de la construction. Ponts en arc, machines de drainage et grues sont toutes ses inventions.

Il n’y a pas d’homme comme Léonard de Vinci dans l’histoire. C'est pourquoi beaucoup le considèrent comme un étranger venu d'autres mondes.

Cinq secrets de Léonci

Aujourd’hui, de nombreux scientifiques s’interrogent encore sur l’héritage laissé par le grand homme de l’époque passée. Bien que cela ne vaut pas la peine d'appeler Léonard de Vinci de cette façon, il a prédit beaucoup de choses et a prévu encore plus, créant ses chefs-d'œuvre uniques et étonnants par l'étendue de ses connaissances et de sa pensée. Nous vous proposons cinq secrets du grand Maître qui contribuent à lever le voile du secret sur ses œuvres.

Chiffrement

Le maître a beaucoup chiffré pour ne pas présenter ouvertement ses idées, mais pour attendre un peu que l'humanité « mûrisse et grandisse » pour elles. Également doué des deux mains, de Vinci écrivait de la main gauche, dans les plus petits caractères, et même de droite à gauche, et souvent en miroir. Des énigmes, des métaphores, des énigmes, c'est ce que l'on retrouve à chaque ligne, dans chaque œuvre. Ne signant jamais ses œuvres, le Maître a laissé ses marques, visibles uniquement par un chercheur attentif. Par exemple, après plusieurs siècles, les scientifiques ont découvert qu'en regardant attentivement ses peintures, on pouvait trouver le symbole d'un oiseau qui s'envolait. Ou la célèbre « Madone Benois », trouvée parmi les acteurs ambulants qui portaient la toile comme icône de leur maison.

Sfumato

L'idée de dispersion appartient aussi au grand mystificateur. Regardez de plus près les toiles, tous les objets ne révèlent pas de bords nets, comme dans la vie : le flux fluide d'une image dans une autre, le flou, la dispersion - tout respire, vit, éveille fantasmes et pensées. À propos, le Maître conseillait souvent de pratiquer une telle vision, en scrutant les taches d'eau, les dépôts de boue ou les tas de cendres. Souvent, il fumigait délibérément ses zones de travail avec de la fumée afin de voir dans les clubs ce qui était caché au-delà de l'œil raisonnable.

Regardez le célèbre tableau - le sourire de «Mona Lisa» sous différents angles, parfois tendre, parfois légèrement arrogant et même prédateur. Les connaissances acquises grâce à l'étude de nombreuses sciences ont donné au Maître l'opportunité d'inventer des mécanismes parfaits qui ne sont disponibles que maintenant. Il s'agit par exemple de l'effet de la propagation des ondes, du pouvoir de pénétration de la lumière, du mouvement oscillatoire... et bien d'autres choses doivent encore être analysées, pas même par nous, mais par nos descendants.

Analogies

Les analogies sont l'essentiel dans toutes les œuvres du Maître. L'avantage sur l'exactitude, lorsqu'une troisième découle de deux conclusions de l'esprit, est l'inévitabilité de toute analogie. Et Da Vinci n'a toujours pas d'égal dans sa fantaisie et ses parallèles absolument époustouflants. D’une manière ou d’une autre, toutes ses œuvres contiennent des idées qui ne sont pas cohérentes les unes avec les autres : la célèbre illustration du « nombre d’or » en fait partie. Avec les membres écartés et écartés, une personne s'insère dans un cercle, les bras fermés en carré et les bras légèrement levés en croix. C’est ce genre de « moulin » qui a donné au magicien florentin l’idée de créer des églises, où l’autel était placé exactement au milieu et où les fidèles se tenaient en cercle. À propos, les ingénieurs ont aimé cette même idée : c'est ainsi qu'est né le roulement à billes.

Contraposto

La définition désigne l'opposition des contraires et la création d'un certain type de mouvement. Un exemple est la sculpture d'un énorme cheval à Corte Vecchio. Ici, les pattes de l’animal sont positionnées précisément dans le style contrapposto, formant une compréhension visuelle du mouvement.

Incomplétude

C’est peut-être l’un des « trucs » favoris du Maître. Aucune de ses œuvres n'est finie. Achever, c'est tuer, et de Vinci aimait chacune de ses créations. Lent et méticuleux, le canular de tous les temps pourrait prendre quelques coups de pinceau et se rendre dans les vallées de Lombardie pour y améliorer les paysages, passer à la création du prochain appareil chef-d'œuvre, ou autre chose. De nombreuses œuvres se sont révélées gâtées par le temps, le feu ou l'eau, mais chacune des créations, qui a au moins un sens, était et est « inachevée ». À propos, il est intéressant de noter que même après les dégâts, Léonard de Vinci n'a jamais corrigé ses peintures. Après avoir créé sa propre peinture, l’artiste a même délibérément laissé une « fenêtre d’incomplétude », estimant que la vie elle-même ferait les ajustements nécessaires.

Qu'était l'art avant Léonard de Vinci ? Née parmi les riches, elle reflétait pleinement leurs intérêts, leur vision du monde, leur vision de l'homme et du monde. Les œuvres d'art étaient basées sur des idées et des thèmes religieux : affirmation des visions du monde enseignées par l'Église, représentation de scènes de l'histoire sacrée, inculquant aux gens un sentiment de respect, d'admiration pour le « divin » et de conscience de soi. insignifiance. Le thème dominant détermine également la forme. Naturellement, l'image des « saints » était très éloignée des images de personnes vivantes réelles, c'est pourquoi les schémas, l'artificialité et la statique dominaient dans l'art. Les personnages de ces tableaux étaient une sorte de caricature de personnes vivantes, le paysage est fantastique, les couleurs sont pâles et inexpressives. Certes, même avant Léonard, ses prédécesseurs, dont son professeur Andrea Verrocchio, ne se contentaient plus du modèle et essayaient de créer de nouvelles images. Ils avaient déjà commencé à rechercher de nouvelles méthodes de représentation, à étudier les lois de la perspective et à beaucoup réfléchir aux problèmes liés à l'obtention de l'expressivité de l'image.

Cependant, ces recherches de quelque chose de nouveau n'ont pas donné de grands résultats, principalement parce que ces artistes n'avaient pas une idée suffisamment claire de l'essence et des tâches de l'art et une connaissance des lois de la peinture. C'est pourquoi ils sont retombés dans le schématisme, puis dans le naturalisme, tout aussi dangereux pour l'art véritable, copiant des phénomènes individuels de la réalité. L'importance de la révolution opérée par Léonard de Vinci dans l'art et en particulier dans la peinture est déterminée avant tout par le fait qu'il fut le premier à établir clairement, clairement et définitivement l'essence et les tâches de l'art. L’art doit être profondément réaliste et réaliste. Cela doit provenir d’une étude approfondie et minutieuse de la réalité et de la nature. Il doit être profondément véridique, doit décrire la réalité telle qu’elle est, sans aucune artificialité ni mensonge. En réalité, la nature est belle en elle-même et n’a besoin d’aucun embellissement. L'artiste doit étudier attentivement la nature, mais pas pour l'imiter aveuglément, non pas simplement pour la copier, mais pour créer des œuvres, après avoir compris les lois de la nature, les lois de la réalité ; respecter strictement ces lois. Créer de nouvelles valeurs, des valeurs du monde réel, tel est le but de l'art. Cela explique la volonté de Léonard de relier l'art et la science. Au lieu d’une observation simple et fortuite, il considérait qu’il était nécessaire d’étudier le sujet de manière systématique et persistante. On sait que Leonardo ne s'est jamais séparé de l'album et y a écrit des dessins et des croquis.

On dit qu’il aimait se promener dans les rues, les places, les marchés, notant tout ce qui était intéressant : les poses, les visages, les expressions des gens. La deuxième exigence de Léonard pour la peinture est l'exigence de véracité de l'image, de sa vitalité. L'artiste doit s'efforcer de représenter le plus fidèlement possible la réalité dans toute sa richesse. Au centre du monde se trouve une personne vivante, pensante et sensible. C'est lui qu'il faut représenter dans toute la richesse de ses sentiments, de ses expériences et de ses actions. Pour cela, Léonard étudia l'anatomie et la physiologie humaines ; pour cela, comme on dit, il rassembla dans son atelier les paysans qu'il connaissait et, les soignant, leur raconta des histoires amusantes pour voir comment les gens rient, comment les mêmes l’événement fait que les gens ont des impressions différentes. Si avant Léonard il n'y avait pas de véritable homme en peinture, il est désormais devenu dominant dans l'art de la Renaissance. Des centaines de dessins de Léonard constituent une gigantesque galerie de types de personnes, de leurs visages et de parties de leur corps. L'homme dans toute la diversité de ses sentiments et de ses actions relève de la tâche de la représentation artistique. Et c’est là la puissance et le charme de la peinture de Léonard. Contraint par les conditions de l'époque à peindre des tableaux principalement sur des sujets religieux, parce que ses clients étaient l'église, les seigneurs féodaux et les riches marchands, Léonard subordonne puissamment ces sujets traditionnels à son génie et crée des œuvres d'importance universelle. Les Madones peintes par Léonard sont avant tout l'image de l'un des sentiments profondément humains - le sentiment de maternité, l'amour sans limites d'une mère pour son bébé, l'admiration et l'admiration pour lui. Toutes ses madones sont de jeunes femmes épanouies et pleines de vie, tous les bébés de ses tableaux sont des garçons sains, pleins de joues, enjoués, chez qui il n'y a pas une once de « sainteté ».

Ses apôtres dans La Cène sont des personnes vivantes d'âges, de statuts sociaux et de caractères différents ; en apparence, ce sont des artisans, des paysans et des intellectuels milanais. En quête de vérité, l'artiste doit être capable de généraliser ce qu'il trouve individuel et doit créer le typique. Ainsi, même en peignant des portraits de certaines personnes historiquement connues, comme Mona Lisa Gioconda, épouse d'un aristocrate en faillite, le marchand florentin Francesco del Gioconda, Léonard leur donne, avec les traits individuels du portrait, un trait typique commun à de nombreuses personnes. C'est pourquoi les portraits qu'il a peints ont survécu aux personnes qui y sont représentées pendant de nombreux siècles. Léonard fut le premier à non seulement étudier attentivement les lois de la peinture, mais aussi à les formuler. Il a étudié en profondeur, comme personne avant lui, les lois de la perspective, le placement de la lumière et de l'ombre. Il avait besoin de tout cela pour atteindre la plus haute expressivité de l’image, afin, comme il le dit, de « devenir l’égal de la nature ». Pour la première fois, c'est dans l'œuvre de Léonard que le tableau en tant que tel perd son caractère statique et devient une fenêtre sur le monde. Quand on regarde sa peinture, la sensation de ce qui a été peint, enfermé dans un cadre, se perd et il semble que l'on regarde à travers une fenêtre ouverte, révélant au spectateur quelque chose de nouveau, quelque chose qu'il n'a jamais vu. Exigeant l'expressivité du tableau, Léonard s'oppose résolument au jeu formel des couleurs, à l'enthousiasme pour la forme au détriment du contenu, à ce qui caractérise si clairement l'art décadent.

Pour Léonard, la forme n'est que la coquille de l'idée que l'artiste doit transmettre au spectateur. Léonard accorde une grande attention aux problèmes de composition du tableau, aux problèmes de placement des personnages et aux détails individuels. D'où sa composition préférée consistant à placer des figures dans un triangle - la figure harmonique géométrique la plus simple - une composition qui permet au spectateur d'embrasser l'ensemble du tableau dans son ensemble. Expressivité, véracité, accessibilité - telles sont les lois de l'art réel et véritablement populaire formulées par Léonard de Vinci, lois qu'il a lui-même incarnées dans ses œuvres brillantes. Déjà dans son premier tableau majeur, « La Madone à la fleur », Léonard a montré dans la pratique ce que signifiaient les principes de l'art qu'il professait. Ce qui frappe dans ce tableau, c'est d'abord sa composition, la répartition étonnamment harmonieuse de tous les éléments du tableau qui composent un tout. L'image d'une jeune mère avec un enfant joyeux dans ses bras est profondément réaliste. Le bleu profond du ciel italien directement ressenti à travers la fente de la fenêtre est incroyablement habilement restitué. Déjà dans cette image, Léonard a démontré le principe de son art - le réalisme, la représentation d'une personne dans le plus profond accord avec sa vraie nature, la représentation d'un schéma non abstrait, ce que l'art ascétique médiéval enseignait et faisait, à savoir une vie vivante. , personne qui se sent.

Ces principes sont encore plus clairement exprimés dans le deuxième tableau majeur de Léonard, « L'Adoration des Mages » de 1481, dans lequel ce qui est significatif n'est pas l'intrigue religieuse, mais la représentation magistrale de personnages, chacun ayant son propre visage individuel. , sa propre pose, exprime son propre sentiment et son humeur. La vérité de la vie est la loi de la peinture de Léonard. Son objectif est la divulgation la plus complète possible de la vie intérieure d’une personne. Dans « La Cène », la composition est perfectionnée : malgré le grand nombre de personnages - 13, leur placement est strictement calculé de manière à ce qu'ils représentent tous dans leur ensemble une sorte d'unité, pleine d'un grand contenu interne. Le tableau est très dynamique : une terrible nouvelle communiquée par Jésus a frappé ses disciples, chacun d'eux y réagit à sa manière, d'où la grande variété d'expressions de sentiments intérieurs sur les visages des apôtres. La perfection de la composition est complétée par une utilisation inhabituellement magistrale des couleurs, une harmonie de lumière et d'ombres. L'expressivité du tableau atteint sa perfection grâce à l'extraordinaire variété non seulement des expressions faciales, mais aussi de la position de chacune des vingt-six mains dessinées dans l'image.

Cet enregistrement de Léonard lui-même nous raconte le travail préliminaire minutieux qu'il a effectué avant de peindre le tableau. Tout y est pensé dans les moindres détails : poses, expressions faciales ; même des détails comme un bol ou un couteau renversé ; tout cela dans sa somme forme un tout unique. La richesse des couleurs de ce tableau est combinée à une utilisation subtile du clair-obscur, qui souligne la signification de l'événement représenté dans le tableau. La subtilité de la perspective, la transmission de l'air et de la couleur font de ce tableau un chef-d'œuvre de l'art mondial. Léonard a résolu avec succès de nombreux problèmes auxquels étaient confrontés les artistes de l'époque et a ouvert la voie au développement ultérieur de l'art. Par la puissance de son génie, Léonard a vaincu les traditions médiévales qui pesaient lourdement sur l'art, les a brisées et les a rejetées ; il a pu repousser les limites étroites qui limitaient le pouvoir créatif de l'artiste par la clique des hommes d'église alors au pouvoir, et montrer, au lieu de la scène au pochoir gospel éculée, un immense drame purement humain, montrer des gens vivants avec leurs passions, leurs sentiments. , expériences. Et dans cette image, le grand optimisme vital de l'artiste et penseur Léonard s'est à nouveau manifesté.

Au fil des années de ses pérégrinations, Léonard a peint de nombreux autres tableaux qui ont acquis une renommée et une reconnaissance mondiales bien méritées. Dans "La Gioconda", une image profondément vitale et typique est donnée. C'est cette vitalité profonde, le rendu inhabituellement en relief des traits du visage, des détails individuels et des costumes, combinés à un paysage magistralement peint, qui confère à ce tableau une expressivité particulière. Tout en elle, depuis le demi-sourire mystérieux qui apparaît sur son visage jusqu'à ses mains calmement jointes, parle d'un grand contenu intérieur, de la grande vie spirituelle de cette femme. Le désir de Léonard de transmettre le monde intérieur dans les manifestations extérieures des mouvements mentaux s'exprime ici particulièrement pleinement. Un tableau intéressant de Léonard est « La bataille d'Anghiari », représentant la bataille de cavalerie et d'infanterie. Comme dans ses autres tableaux, Léonard cherchait ici à montrer une variété de visages, de figures et de poses. Des dizaines de personnes représentées par l'artiste créent une impression complète du tableau précisément parce qu'elles sont toutes subordonnées à une seule idée qui le sous-tend. C’était le désir de montrer la montée de toutes les forces de l’homme au combat, la tension de tous ses sentiments, réunis pour remporter la victoire.

En 1492, Ludovico Moro, souverain de Milan, charge Léonard de créer la plus grande statue équestre du monde en hommage à son père Francesco Sforza, qui fut souverain/duc/prince de Milan de 1452 à 1466, et lui verse même une généreuse avance.
Cavallo di Leonardo faisait partie du monument équestre de Francesco Sforza conçu par Léonard de Vinci en 1482-1493. Il était censé être coulé en bronze, mais Léonard n'a réussi à réaliser qu'un modèle en argile, qui a ensuite été perdu.

En 1977, le pilote américain Charles Dent, philanthrope et amateur de sculpture, décide de réaliser le rêve de Léonard après 5 siècles et de recréer la statue d'après ses croquis. On raconte que le pilote était hanté par un sentiment de culpabilité pour le bombardement de Milan. pendant la Seconde Guerre mondiale, lorsque la ville fut transformée en ruines.

Sous la coupe il y a 3 photos et une 2 minutes/mauvaise et pas la mienne/vidéo

Il a fallu 15 ans pour trouver un financement et l'estimation était de 2,5 millions de dollars. En 1994, Charles Dent décède... Son projet a été poursuivi par Frederik Meijer, propriétaire d'une chaîne de supermarchés dans le Michigan, aux États-Unis.
Avec beaucoup de difficulté, le plan fut réalisé, la sculptrice Nina Akamu participa à l'achèvement des travaux. La hauteur du cheval est de 3 m, la longueur de 8 m.
La statue, coulée en bronze en plusieurs parties, 7 au total, a été transportée à Milan, les pièces ont été reliées et le Cheval de Léonard a été installé sur un piédestal de granit et de marbre en 1999 à l'entrée de l'Hippodrome de Milan / Ippodromo del Galoppo - courses , à côté du stade Meazza/San Siro.

Cette histoire est très ancienne, mais étonnante. Léonard de Vinci envisagea en 1841 de réaliser une statue équestre de Lodovico Sforza à Milan. Et il n'en a fait qu'un en plâtre, de 7 mètres de haut. Il fallait couler la statue en bronze. Mais la guerre commença. Le métal, acheté grâce aux dons des citoyens de Milan, était utilisé pour la fabrication de canons. Le cheval en plâtre a été abattu par les Français qui sont entrés dans la ville. Et l'idée brillante du grand Léonard est restée inachevée. De nombreux croquis et calculs ont été conservés. Et c'est seulement de nos jours qu'il y a eu des gens qui, sur la base des croquis de Léonard de Vinci, ont finalement coulé cette belle et puissante sculpture... =

LÉONARD DE VINCI. UNE IDÉE RÉALISÉE En 1997, une sculpture de cheval, attendue depuis longtemps ici, a été livrée sur un vol spécial de New York à Milan. La beauté de la sculpture, l’élaboration minutieuse de tous les détails anatomiques de la figure du cheval et, bien sûr, sa taille (la hauteur sans le socle est d’environ 7,5 mètres) ont immédiatement attiré et continuent d’attirer une attention particulière. Mais la principale chose qui remplit de fierté le cœur des Milanais (et pas seulement des Milanais) lorsqu'ils regardent une création aussi unique d'architectes est que la sculpture inhabituelle est une création restaurée du grand italien et génie de la culture mondiale Léonard de Vinci. De nos jours, le cheval de Léonard est devenu l'un des symboles de Milan, aux côtés de chefs-d'œuvre de l'architecture et des beaux-arts comme la cathédrale du Duomo, le château des Sforza et la Cène dans l'ancien réfectoire du monastère de Santa Maria della Grazie. Cet essai photographique raconte l'histoire intéressante et parfois dramatique de la création de cette sculpture. *** En 1481, Léonard de Vinci offre ses services d'ingénieur militaire, d'architecte, de sculpteur et d'artiste au nouveau duc de Milan, Ludovico Sforza, célèbre philanthrope et mécène des arts. La proposition fut acceptée et c’est à partir de ce moment que commença la longue et fructueuse période milanaise de la vie et de l’œuvre de Léonard. Au cours de ces années, il peint la célèbre «Cène», «La Vierge aux rochers», «La Dame à l'hermine» et décore de fresques les murs de la salle della Asta du château des Sforza. En grande partie grâce à Léonard et à l'architecte Donato Bramante, le château des Sforza est devenu sous le règne de Lodovico l'un des palais ducaux les plus beaux et les plus riches d'Italie. Entre autres travaux visant à améliorer l'architecture et les intérieurs de ce château, il commença à mettre en œuvre une autre de ses idées : la création d'une majestueuse sculpture équestre en bronze avec un cavalier, qui symboliserait le père de Lodovico, le duc Francesco Sforza, servirait de monument à lui et serait installé sur la place devant le château des Sforza, qui à cette époque était déjà la résidence ducale. Léonard a réalisé un grand nombre de croquis et de croquis de la figure du cheval sur lequel Francesco était censé s'asseoir et a finalement fait son choix. Voici l'un des croquis qui ont servi de base à la création de la sculpture. Il a fallu près d'une décennie pour préparer et créer un modèle en plâtre du cheval - les énormes exigences de Léonard en matière de subtilité dans la transmission des détails anatomiques et artistiques de la sculpture nécessitaient une clarification et des changements constants. Et sa taille était impressionnante - sans cavalier, il atteignait une hauteur de plus de sept mètres, et sa coulée ultérieure en bronze nécessitait plusieurs tonnes de cuivre. Le modèle ne fut donc achevé et exposé qu’en 1493. On pense que c'est cet événement qui a rendu Léonard de Vinci célèbre. Ensuite, Léonard était censé commencer à sculpter le cavalier, mais les travaux sur la Cène, qui commencèrent en 1495, et la collecte de dons pour l'achat de cuivre retardèrent la sculpture de cette figure, et des circonstances inattendues ultérieures l'interrompirent complètement. En 1499, les Milanais, mécontents du règne de Lodovico, se révoltèrent et, en l'absence du duc, ils laissèrent entrer dans leur ville les troupes du roi français Louis XII, qui revendiquait Milan. Et même si ces troupes ne sont pas restées ici longtemps, elles ont détruit le modèle en plâtre du cheval créé par Léonard de Vinci, le transformant ainsi en cible pour leurs exercices de tir. Il ne restait plus qu’un tas de débris de plâtre. Et le cuivre, prétendument préparé à cette époque, fut dépensé par Lodovico pour la fabrication de canons, ce qui, soit dit en passant, ne put l'aider - il fut bientôt remis aux Français et mourut en prison en 1508. La période milanaise de la vie et de l'œuvre de Léonard se termine ici et il retourne à Florence. *** L'idée de faire revivre la statue équestre perdue est née près d'un demi-millénaire après la perte de ce chef-d'œuvre, en 1977, par l'ancien pilote militaire américain et sculpteur amateur Charles Dent. Il a lu un essai sur "Le cheval de Léonard" dans le magazine National Geographic et, au moment où ils l'écrivent, a été choqué par la barbarie des troupes françaises qui ont détruit ce chef-d'œuvre sculptural. Parallèlement, il développe certaines associations avec les bombardements auxquels l'Italie fut soumise pendant la Seconde Guerre mondiale (des avions américains y participèrent également), qui conduisirent à la destruction de nombreux monuments historiques. Dent a trouvé des croquis authentiques de dessins de ce cheval réalisés par Léonard dans la bibliothèque de Madrid et a décidé, grâce à des dons, de mettre en œuvre l'idée de son auteur - couler une sculpture en bronze de la même manière que Léonard de Vinci l'a sculptée en plâtre. À propos, le but ultime de Dent était de restituer la sculpture à Milan, en guise de repentir pour la destruction des monuments culturels italiens lors des bombardements. Un objectif noble, n'est-ce pas ? Charles Dent a consacré le reste de sa vie (il est décédé en 1994) à donner vie à son idée, mais il n'a jamais eu le temps de terminer ce travail, bien qu'il ait créé un modèle de cheval en « naturel » (c'est-à-dire le même que celui de Léonard) taille . Cependant, selon les experts, ce modèle nécessitait d'être amélioré et après la mort de Dent, la sculptrice Nina Akamo, une Américaine d'origine japonaise captivée par l'idée de Dent, a été amenée à travailler. Finalement, en 1997, le modèle final était prêt et une figure en bronze représentant un énorme cheval, ressuscité des croquis de Léonard, en fut coulée. Cette sculpture pesait 13 tonnes, sa hauteur était de 7,5 mètres. Comme déjà mentionné dans la préface, elle a été envoyée de New York à Milan sur un vol spécial d'une compagnie aérienne italienne. Malheureusement, le colosse de bronze n'a pas pu être installé là où Léonard et Dent voulaient le voir, sur la place devant le château des Sforza. Le maire et le conseil municipal de Milan lui ont trouvé un autre endroit, dans un nouveau parc près de l'hippodrome de San Siro. Cette photographie, prise à Milan, présente un petit inconvénient : en la regardant, on n'a pas l'impression de toute la monumentalité de cette création des architectes, puisqu'il n'y a aucune figure ou objet dessus dont la taille pourrait être par rapport à la taille de la sculpture. Heureusement, cet inconvénient manque à une autre photographie. Mais avant de vous en faire la démonstration, je tiens à vous dire que des copies de la sculpture installée à Milan sont disponibles aux États-Unis dans les jardins et parc de sculptures Frederik Mejer, près de Grand Rapids, dans le Michigan (il existe une copie en plâtre peinte en bronze), et à Japon (copie en fibre de verre, dorée). Voici une magnifique photo du cheval de Léonard installé dans le parc Meyer près de Grand Rapids, publiée sur le Photosite russe par Oleg Zhdanov (surnom oldet) de Détroit. Cette photo montre clairement le contraste entre la grandeur de la sculpture, réalisée d'après les dessins de Léonard et les souvenirs de ses contemporains, et la figure d'un enfant courant aux pieds d'un cheval. Au fait, faites attention : ce cheval se tient sans socle, directement sur le terrain du parc ! Après avoir regardé cette photographie, vous pouvez imaginer à quel point le monument milanais sous la forme de Francesco Sforza assis sur ce cheval aurait été unique et encore plus majestueux si Léonard avait réussi à réaliser pleinement son idée à son époque. Eh bien, ce que Charles Dent et Nina Acamo ont réussi à faire peut être appelé en toute sécurité l'incarnation de l'idée du grand Léonard. A. Shuryguine, 2010