L'Art Nouveau est un style de peinture et d'architecture et ses caractéristiques distinctives. Histoire de la peinture : Art nouveau, modernisme et postmodernisme Mouvements modernistes en peinture

Dans chacun des types d'art, il est possible, quoique conditionnellement, d'appliquer des caractéristiques communes, certains thèmes et motifs communs. Ainsi, dans la modernité, avec ses propres caractéristiques de chaque école nationale, se manifeste encore une inclination prédominante vers son propre cercle d'intrigues, de motifs ou de thèmes, même si ce cercle s'avérera nécessairement proche d'un autre.

Les artistes modernes ne connaissaient rien de l’essence profonde de l’art oriental. Ils n'avaient pas d'idées précises sur la philosophie orientale, mais d'une manière ou d'une autre, intuitivement intérieurement ressenti l'essence même de l'art oriental. Le mérite des artistes modernes réside dans le fait qu'ils ont vu la beauté orientale et ont pu la transmettre d'une manière unique. sentiment profond dans ses œuvres.

Les principales caractéristiques du style Art Nouveau peuvent être identifiées avec la « philosophie de la vie » : « l'idée de croissance, de manifestation vitalité, impulsion, sentiment immédiat, inconscient, expression directe de l'état d'âme, éveil, formation, développement, jeunesse, printemps. Par exemple, dans la peinture allemande, nous trouvons d'innombrables « Tourbillons », « Danses », « Bacchanales », dans lesquels cette idée de biologisme peut être révélée de manière tout à fait adéquate, et un élément mythologique s'ajoute également à cette idée. Les maîtres de l'Art nouveau se sont particulièrement souvent tournés vers tous ces motifs, parmi lesquels F. von Stuck (1863-1928), L. von Hofmann (1852-1932), G. von Habermann (1849-1929). écoles que nous trouverons. Il existe de nombreux motifs similaires. Souvenons-nous de « Whirlwind » de F.A. Malyavin (1869-1940), motifs de danse de S.V. Malyutine (1859-1937), A.N. Benoit (1870-1960) et autres."

Les principales caractéristiques du modernisme en peinture consistent à montrer passions humaines: par exemple, le motif d'un baiser était populaire. Le célèbre « Kiss » de P. Behrens fut l'une des premières solutions à ce motif. Après avoir placé au centre deux têtes fusionnées, l'artiste les a enveloppées de cheveux, les transformant en un motif, un ornement. Klimt, dans le tableau du même nom, cherchait à équilibrer impulsion et décoration abstraite. Le visage de la femme, tourné directement vers le spectateur, exprime la passion avec franchise et simplicité.

Très souvent, les artistes représentent jeunes héros Ainsi, F. Hodler (1853-1918), dans le tableau « Printemps », a souligné le motif de l'éveil des sentiments et de la formation des forces vitales. « L’un des tableaux de K.S. est devenu une paraphrase du thème de Hodler. Petrova-Vodkina - « Jeunesse ». Nous rencontrons constamment de jeunes héros dans les œuvres d’Hoffmann.

La combinaison de différentes formes « vivantes » se manifeste dans la représentation fréquente de satyres, de centaures et de sphinx. Ce style se caractérise par la représentation d'éléments de la nature vivante : une fleur, une feuille, un oiseau, un papillon, qui font office d'un certain concept, d'un symbole. Les oiseaux préférés étaient le cygne et le faisan : l’un symbole de malheur, l’autre de soleil. Les motifs prédominants de l'Art Nouveau sont aussi les coquelicots, les iris, les lys et autres plantes, les serpents, les lézards, les cygnes, les vagues. Les tiges, les feuilles et les fleurs de plantes exotiques apparemment fanées sont tissées selon des motifs bizarres, dans lesquels apparaissent parfois des figures de femmes ou de créatures fantastiques.

L'expressivité de la peinture Art Nouveau était parfois obtenue par une combinaison de grands plans de couleurs (L. S. Bakst en Russie, E. Munch en Norvège) ou de monochromes finement nuancés (M. A. Vrubel, A. N. Benois). La peinture Art Nouveau se caractérise par une combinaison paradoxale de conventions décoratives, de fonds de tapis ornementaux et de figures et de visages de premier plan sculptés avec une clarté sculpturale et une tangibilité (G. Klimt en Autriche, F. Knopf en Belgique, M.A. Vrubel en Russie). L'effet de profondeur ou de perspective pour les artistes de cette époque était d'une importance secondaire ; l'image entière, à l'exception des figures des héros, paraissait plate, et dans d'autres cas, elle semblait décorée d'« appliqués ».

La peinture Art Nouveau était remplie de poétique du symbolisme, combinant ses images caractéristiques avec un rythme complexe, composition linéaire en combinaison avec une tache de couleur décorative. Les caractéristiques du style Art Nouveau sont considérées comme une douceur particulière des formes, des figures allongées, des contours soulignés et des surfaces claires et unicolores. Durant la période Art Nouveau, l'esthétique de la ligne courbe, apparue dans la peinture des postimpressionnistes français, puis renforcée influences orientales, a acquis un caractère constructif.

Les noms d'œuvres d'art de la période Art Nouveau sont caractérisés par des définitions exotiques : « oeil de paon », « la couleur du brocart rouge », « le satin bleu-vert des plumes de paon », « la nacre d'une tendre nuit ». Dans ces nuances subtiles, les motifs et matériaux classiques ont été préservés et ravivés, ainsi que techniques raresémaillage, irisation et peinture du verre avec émaux, craquelé - techniques de verrerie vénitienne de la Renaissance. Détails de finition des bijoux, utilisation matériaux inhabituels pénétrer avec audace dans la peinture Art Nouveau.

Tel est l'art de Gustav Klimt (1862-1918) - peintre, décorateur de théâtre et graphiste autrichien. Les couleurs bleu vif, vert et rouge de ses peintures, le design aplati, l'ornementation et la texture inhabituelle des petits carrés et rectangles évoquent les mosaïques byzantines et les graphismes japonais. G. Klimt a combiné la peinture à l'huile avec des appliqués et des incrustations, introduisant dans l'image du smalt, de la majolique, du cuivre et du laiton, des pierres semi-précieuses et des coraux. Le « temps d’or » de l’Art nouveau est associé à sa peinture.

Dans l'art russe, le représentant le plus éminent de la période Art nouveau était Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel (1856-1910). L'originalité de son style de peinture réside dans l'écrasement sans fin des formes sur les bords, comme si elles étaient peintes de l'intérieur avec de la lumière et de la couleur, comme des cristaux ou de fantastiques fleurs de pierre.

Le style Art Nouveau est l’une des premières tendances d’une époque aussi mondiale. tendance artistique comme le modernisme dans l'art. Grâce au modernisme, les artistes sont allés au-delà du réalisme traditionnel et ont découvert quelque chose de fondamentalement nouveau. Les artistes de l'époque Art Nouveau avaient pour la plupart des idées différentes, mais un seul objectif : capturer leurs sentiments et leurs expériences d'une manière unique et impressionnante dans leur nouvelle peinture. Les principales caractéristiques de la modernité, en un nombre énorme les manifestations ont étonnamment diversifié la peinture du XXe siècle.

Sous le modernisme (en dans un sens large) comprendre Nom commun tendances qui se sont développées dans l’art et l’architecture de la fin du 19e à la première moitié du 20e siècle. Le terme couvre des mouvements de cette période tels que : le dadaïsme, le surréalisme, le cubisme, le futurisme, l'expressionnisme, le fonctionnalisme, etc. Le mot « moderne » (français) signifie « nouveau », « moderne ». Ce mouvement marque un tournant dans son contenu. Il est basé sur le rejet des traditions, styles, formes et designs du passé. En Europe et art américain le terme ne désigne qu'un seul mouvement de l'art, dit « moderne » (Jugendstil, Art nouveau, etc.). Ainsi, « » et le modernisme sont deux concepts différents.

Histoire d'origine

À la fin du XIXe siècle, les artistes (notamment les impressionnistes) commencent à organiser leurs propres expositions et les marchands d'art commencent à populariser les œuvres des peintres. L’idée selon laquelle l’art devait refléter fidèlement des objets réels appartenait désormais au passé. Gauguin et Munch ont finalement ébranlé les fondements théoriques du réalisme au début du XXe siècle. De nouvelles tendances ont commencé à se développer rapidement, ce qui a donné naissance à d’autres mouvements modernistes. Le cubisme, particulièrement radical et influent, est devenu l’ancêtre de l’art abstrait.

Chacun des mouvements avait sa propre spécificité idéologique, esthétique, artistique et stylistique, mais ils tendance générale est devenu une protestation contre les processus socialement destructeurs qui se produisent dans la société bourgeoise et un rejet des canons du réalisme et du romantisme.

« Jetez Pouchkine et Dostoïevski du navire de la modernité », appelait Maïakovski le futuriste. Des slogans et des appels similaires ont été entendus de la part des modernistes différentes écoles et mouvements artistiques du 20e siècle.

Les révolutions et les guerres, dans lesquelles sont entraînés la plupart des pays du monde, contribuent à la révision des idées antérieures sur la couleur, la forme, la beauté et l'espace. Paris devient un centre de pèlerinage pour les artistes du monde entier. L'étendard du nouveau siècle est le désir d'une déformation aiguë et destructrice, la recherche de nouvelles formes d'expression expérimentales.

Caractéristiques stylistiques

Ressentant la disharmonie du monde, l’instabilité de la position de l’artiste dans le monde capitaliste et le manque de liberté, les modernistes nient la capacité de la culture précédente à résister au nouveau monde, plein de chaos et de destruction. Selon eux, l’art du passé ne peut pas exprimer et capturer de manière adéquate ce qui se passe dans le monde contemporain. est resté loin dans le passé.

Ainsi caractéristique principale le modernisme est anti-traditionalisme, parfois même militant. D'ailleurs, cela se reflète dans tout : dans l'esthétique, dans les principes énoncés dans les programmes et les manifestes (par exemple, l'un des manifestes futuristes s'appelait « Allez au diable ! »).

L’extravagance et l’outrage sont les compagnons constants des modernistes.

Dans leurs œuvres, le monde apparaît souvent cruel, absurde, contradictoire et humain, solitaire, impuissant et condamné. Coloration sombre, humeur pessimiste, pressentiment anxieux, conscience de l'immuabilité du monde inhumain - tel est le fond émotionnel des œuvres modernistes en littérature (F. Kafka, A. Camus), en théâtre (E. Ionesco, J.P. Sartre), en peinture ( Salvador Dali, O . Zadkine), musique (A. Schoenberg, K. Penderecki). Dans leurs œuvres, on ressent clairement la tragédie de l'aliénation personnelle, l'effondrement de l'humanisme et l'impasse historique.

Les modernistes russes étaient perçus avec hostilité par les critiques soviétiques en raison de leur refus de traditions classiques, subjectivisme et absurdité, désir d'effacer les frontières entre l'art et la réalité.

Architecture

Le modernisme architectural est un mouvement fondamental de l'architecture du XXe siècle. Il est également associé à la négation des formes, des méthodes, des conceptions du passé et au renouvellement du style ancien. Couvre la période allant du tout début du siècle aux années 70-80. (en Europe) lorsque les nouvelles tendances ont pris le dessus). Le mouvement moderniste général comprend plusieurs mouvements de style architectural :

• Fonctionnalisme européen (années 20-30) ;
• et le rationalisme des années 20 ;
• « Bauhaus » en Allemagne ;
• style international;
• architecture organique.

Ce sont toutes les branches d'un même arbre - modernisme architectural. Le credo général est la création d'un nouveau système approprié aujourd'hui. Mettre l'accent sur la nouveauté des structures architecturales est un principe primordial. Les projets planifiés doivent contenir des idées innovantes concernant les aspects externes et formulaires internes dessins.

Les grands principes du modernisme architectural :

• utilisation de matériaux de construction modernes ;
• approche fonctionnelle pour résoudre l'espace interne des bâtiments;
• manque de décoration dans le décor ;
• rejet des réminiscences historiques dans l'apparence des structures ;
• « caractère international » des bâtiments.

Le modernisme architectural était basé sur les dernières réalisations et découvertes du progrès scientifique, technique, industriel, sur les idées avant-gardistes de son époque. Les idées sociales des architectes modernistes se distinguaient par une démocratie évidente et même par un « gauchisme » dans de nombreuses déclarations et manifestes.

Les prédécesseurs du modernisme architectural sont considérés comme ce qu'on appelle les « néo-styles » : l'Art nouveau domestique, l'Art nouveau en Allemagne, la Sécession autrichienne, l'Art nouveau en France, etc. Le style ultérieur – le postmodernisme – a appelé les architectes à revenir aux racines traditionnelles et à ne pas mettre en valeur la fonctionnalité des bâtiments.

Cottage à Tbilissi – architecture moderniste

Intérieur

Le modernisme implique l’utilisation des idées les plus avancées dans la conception des intérieurs des bâtiments. L'utilisation du verre, du plastique et du métal est encouragée. La caractéristique principale est la géométrie claire de l’espace.

Comme déjà mentionné, le style moderniste n’est lié à aucune histoire ou nationalité. C’est aussi démocratique et international que possible. Le désir de fonctionnalité et de minimalisme est l’essentiel à l’intérieur. Mais diverses expériences avec la couleur et la forme, ainsi que le jeu avec l'espace, sont encouragés. Cependant, la praticité et la commodité de la pièce sont mises au premier plan.

Les murs de style moderniste se caractérisent par une variété d'éléments structurels : préfabriqués et démontables, en aluminium ou en béton armé, cintrés, poutres ou vis. Il est important que leur utilisation soit basée sur la logique et l’opportunité.

Plafond

Généralement des tons blancs ou clairs, souvent avec un effet brillant. Dans la plupart des cas, des plafonds asymétriques à plusieurs niveaux sont créés pour créer l'effet de jouer avec l'espace.

Sol

Le choix est déterminé par la destination de la pièce. Sinon, il n'y a aucune restriction. L'ornement et la texture sont stricts et clairs. Si un tapis est choisi, il doit être brillant, monochrome et de forme géométrique. Le tapis est de couleur neutre.

Meubles

L'intérieur proposé par les modernistes devrait contenir des meubles produits en série. Des designs originaux avec une combinaison contrastée de couleurs et de textures sont également possibles. Pour la finition des meubles, du plastique, du verre, du chrome et du nickel sont utilisés. L'une des particularités du style est la décoration des meubles en cuir artificiel.

Décor

Dans les éléments décoratifs, il y a une lutte constante avec les styles anciens. Si des rideaux sont utilisés sur les fenêtres, ils doivent être fabriqués dans des tissus inhabituels. Ou complètement neutre, presque invisible, pour attirer l'attention sur l'intérieur dans son ensemble.

Spectre de couleurs

Les tons neutres sont privilégiés, souvent associés à du nacré, de l'argent ou du métallisé. Plus proche du postmodernisme, des couleurs vives et saturées sont ajoutées.

Un détail important de l'intérieur moderniste sont les extraordinaires peintures et photographies accrochées aux murs. Naturellement, un tel intérieur est décoré de peintures d'artistes modernistes.

Jouer avec l'espace est créé en installant des structures transformables : étages à plusieurs niveaux, agencement libre, niches de fenêtres et de murs accentuées. Portes coulissantes ou pliantes et meubles multifonctionnels contribuer au changement rapide de l’espace. Les fenêtres sont une partie importante de l’intérieur : elles doivent être immenses, couvrant parfois tout le mur.

Le modernisme se concentre sur les structures qu’ils tentent de cacher dans un intérieur ordinaire. Ce sont des escaliers, des tuyaux de chauffage, des poutres diverses. Si ces éléments sont décorés, cela se fait en préservant leur naturel.

D'une manière générale, le modernisme s'écarte des conventions et des canons. Par conséquent, en créant un tel intérieur, le propriétaire met ainsi l'accent sur un style de vie similaire à l'intérieur. Le style est idéal pour les jeunes qui promeuvent le « nouveau style », ainsi que pour tous ceux qui souhaitent gagner en dynamisme et en praticité dans l’ensemble de l’intérieur de la maison.

Sculpture

La peinture du modernisme était riche et variée, mais la sculpture remettait souvent en question sa primauté, trouvant souvent ses propres voies et solutions. Par exemple, l’expressionnisme en sculpture était moins dynamique et moins significatif, atteignant son apogée en 1947. Mais le surréalisme a donné naissance dans le premier tiers du XXe siècle à ce qu’on appelle la « sculpture mobile » créée par l’Américain Alexander Calder. Ses sculptures, appelées « mobiles » en abrégé, sont des structures métalliques délicatement suspendues. Ils sont imbriqués les uns dans les autres de telle manière qu'ils se mettent en mouvement au moindre souffle de vent.

Après 1945, l’épopée et l’échelle apparaissent à la fois dans la peinture et dans la sculpture (C. Brancusi), ce qui élargit la gamme de la sculpture et développe le concept lui-même dans une direction différente. Aujourd'hui, deux tendances sont devenues importantes : la simplification des formes et la parenté avec l'architecture.

La sculpture moderniste présente des formes épurées et organiques (courbes rappelant le corps humain).

Un chef-d’œuvre du modernisme soviétique est la sculpture à grande échelle de Vera Mukhina « Ouvrière et fermière collective », exposée en 1937 à Paris.

Parmi les sculpteurs modernistes étrangers, le nom de George Segal se démarque, créant ses célèbres figures en plâtre et en polyester.

Tendances de la mode

Déjà au tout début du XXe siècle, sous l'influence de processus turbulents dans le monde et dans l'art, de nouvelles tendances ont pénétré la mode. La nouvelle mode tomba au pouvoir de la géométrie pure. Le costume des femmes a commencé à être défini par une stricte constructivité. De nouveaux noms apparaissent dans le monde de la mode. En 1920, l'artiste d'avant-garde Sonia Delaunay ouvre son salon de mode à Paris, décorant ses modèles de motifs lumineux de formes géométriques variées. À peine 10 ans plus tard, une nouvelle star a commencé à briller : Coco Chanel, qui a accordé une attention considérable à bijoux. Sous son influence, un nouvel idéal féminin est né : une femme indépendante, partenaire égale d'un homme. Les Parisiens raccourcissaient leurs cheveux, puis leurs jupes, et portaient des robes sans manches. Une nouvelle tendance est apparue dans le monde de la mode : le « garçon », axé sur les silhouettes mi-filles et mi-garçons.

Après les années 1930, la mode féminine s’est quelque peu adoucie et est devenue plus féminine. Bijoux Art se dépêche également de suivre la mode : une variété de broches, pendentifs, boucles d'oreilles et bracelets aux formes géométriques claires apparaissent. Au cours de ces années, parmi les joailliers qui flairent les nouvelles tendances de l'art, se démarque le maître Louis Cartier, à l'origine du style Art Déco.

Les figures

La perte des valeurs traditionnelles, caractéristique de la culture du XXe siècle, peut être retracée le plus facilement dans la peinture. E Ceci est particulièrement visible chez les maîtres dont le chemin de vie a coïncidé avec tournantsère.

La plupart artistes importants les mouvements modernistes étaient : Henri Matisse (« Nature morte de Séville », « Danse », « Musique », « Chambre Rouge ») ; Amédée Modigliani, représentant des portraits de femmes ; Picasso (« Femme à l'éventail », « Les Demoiselles d'Avignon ») ; V. Kandinsky (fondateur de l'art abstrait).

La plus haute expression des extrêmes de l’art moderniste est entrée dans l’histoire avec le tableau « Le Carré Noir » de Kazemir Malevitch.

Le début du XXe siècle dans la littérature russe a été marqué par l'apparition de toute une galaxie de poètes modernistes. Ce sont les symbolistes (V. Bryusov, A. Blok, A. Bely, Z. Gippius, etc.) ; Acmeists (A. Akhmatova, O. Mandelstam) ; futuristes (V. Khlebnikov, V. Mayakovsky).

Tous ont laissé un riche héritage qui reflète la vision du monde et les concepts philosophiques de cette époque. Littérature étrangère a été marquée par l'émergence d'un nouveau style appelé « courant de conscience », dont les représentants sont W. Wulf et M. Proust.

Innovant mouvements modernistes n'est pas passé par là et art musical. Parmi les compositeurs innovants, on peut citer des noms tels que R. Strauss, C. Debussy, Jean Sibelius, I. Stravinsky, S. Prokofiev, D. Chostakovitch.

Si Gaudi vivait...

conclusions

Donc, caractéristique principale L’art moderniste a commencé à rejeter les traditions et à rechercher de nouvelles formes et concepts. L'innovation de style devient une fin en soi. En conséquence, l’ère du modernisme a introduit de nombreuses idées dans l’art. Le modernisme a largement déterminé la voie de l’art moderne. Il convient de rappeler que c'est à cette époque qu'est apparu le métier de « designer », grâce auquel chacun peut créer chez lui un intérieur unique et original. C'est ainsi que sont apparues les pièces monochromes et autres, des couloirs étroits ont été créés avec un design d'un modernisme strict et.

Moderne (français moderne - le plus récent, moderne), style dans l'art européen et américain de la fin du 19e siècle - années 1910. Dans un effort pour surmonter l'éclectisme de la culture artistique du XIXe siècle, les maîtres de l'Art nouveau ont utilisé de nouveaux moyens techniques et constructifs, une planification libre pour créer des bâtiments distinctement individualisés et d'apparence inhabituelle, dont tous les éléments étaient subordonnés à un seul figuratif et symbolique. plan.

Les façades des bâtiments Art nouveau ont dans la plupart des cas des formes dynamiques et fluides, se rapprochant parfois de la sculpture ou rappelant des phénomènes organiques naturels. L'un des principaux moyens d'expression et de formation du style dans l'art moderne était l'ornement de contours curvilignes caractéristiques, imprégnés de rythme expressif et subjuguant. structure de composition travaux. La peinture Art Nouveau se caractérise par une combinaison de fonds ornementaux en « tapis » et une tangibilité naturaliste des figures et des détails, des silhouettes, l'utilisation de grands plans de couleurs ou de monochromes finement nuancés. La sculpture Art Nouveau se distingue par la dynamique et la fluidité des formes, et le graphisme se distingue par le jeu magistral des lignes et des silhouettes fragiles. Partie substantielle découvertes artistiques et les réalisations du modernisme appartiennent à l'art du 20e siècle. A la fin du XIXe siècle, l'architecte Antonio Gaudi en Espagne, l'architecte belge V. Horta, les peintres et graphistes A. de Toulouse-Lautrec, P. Gauguin, les artistes du groupe Nabi en France, E. Munch en Norvège, O. Beardsley en Grande-Bretagne, F. Vallotton en Suisse.

Symbolisme(symbolisme français, du grec symbolon - signe, symbole), direction dans culture artistique Europe et États-Unis de la fin du 19e au début du 20e siècle. Dans le symbolisme, principes esthétiques qui remontait aux idées du romantisme, à la philosophie de A. Schopehauer, E. Hartmann, F. Nietzsche, à l'œuvre du compositeur R. Wagner, un symbole généré par la perspicacité poétique et exprimant l'ésotérisme, caché de conscience ordinaire le sens des phénomènes. N’ayant pas de style propre, le symbolisme est devenu une sorte de mouvement « idéologique » qui a attiré des artistes de styles variés. Reconstruction et interprétation des principaux motifs symboliques, tels que : « l'amour », « la mort », « la souffrance », « l'attente », etc., de diverses positions stylistiques se sont incarnés dans les œuvres d'artistes tels que P. Puvis de Chavannes, G. Moreau, O. Redon dans France, F. Hodler et A. Böcklin en Suisse, J. Ensor et F. Rops en Belgique, E. Munch en Norvège, M. Klinger et F. von Stuck en Allemagne ; proches du symbolisme sont les œuvres de P. Gauguin et des maîtres du groupe « Nabi » en France, les graphismes d'O. Beardsley en Grande-Bretagne et les œuvres de nombreux maîtres du style Art Nouveau.

Mouvements modernistes du XXe siècle. Au cours de la première décennie du XXe siècle, un certain nombre de tendances associées à l'éloignement de la culture bourgeoise du réalisme, à la proclamation de l'indépendance de l'art par rapport à la réalité, qui suscitait de plus en plus la peur et la haine parmi de nombreux artistes, ont gagné en popularité. De nombreuses tendances aux évolutions kaléidoscopiques sont unies par les concepts de « modernisme » et de « mouvements modernistes ». Les performances des artistes modernistes ont pris la forme d’une rébellion esthétique anarchique contre les traditions et les canons de l’art établis. Mais en réalité, leurs recherches fébriles étaient le plus souvent dominées par des « découvertes » étroitement formelles qui stupéfient le spectateur, conduisant à la toute-puissance du principe rationaliste subjectif, aléatoire ou abstrait. Essentiellement, les activités de ces artistes représentaient une rupture avec la voie principale, réaliste et humaniste, du développement de l’art mondial. C'était là l'essentiel du problème, et non le conflit temporaire avec le consommateur bourgeois d'art, que certains représentants de l'intelligentsia progressiste considéraient comme une manifestation du révolutionnisme. Cependant, le travail de grands maîtres comme, par exemple, Matisse, Picasso, Marche et d'autres, dépassait essentiellement le programme de ces directions, parfois, comme dans le cas de Marche, rompait avec le modernisme. Le désir de trouver un lien avec la vie, de résoudre de gros problèmes problèmes sociaux ont donné lieu à de douloureuses contradictions dans leur travail. Des éléments de réalisme, cachés ou explicites, se sont introduits dans leur art à travers diverses méthodes déformantes de transmission de la réalité.

Fauvisme. D'abord mouvement artistique au XXe siècle, qui commença à s'éloigner des principes du réalisme, fut le fauvisme (de mot français« fauves », désignant des animaux de race prédatrice. Ce mot a été traduit de manière inexacte par le terme « sauvage », qui a pris racine dans notre littérature). Le nom « Fauves » a été donné aux artistes qui se sont prononcés en 1905 contre les méthodes et techniques picturales de l'impressionnisme, contre les limites des goûts philistins et la vraisemblance naturaliste de l'art salop. Cependant, ces peintres critiquaient le naturalisme non pas à partir de positions réalistes, mais à partir de positions formalistes. Les Fauves n'avaient pas de point commun programme esthétique, ils étaient unis par le caractère décoratif des quêtes picturales, l’affirmation du droit de l’artiste à une vision subjective du monde (Marquet est une exception) et l’évitement de résoudre les problèmes sociaux. La protestation des artistes s'est exprimée de manière délibérément poignante solutions de composition, dans le primitivisme des formes, leur déformation plastique, dans le déni perspective linéaire et illusoire, dans l'expression des couleurs. Le groupe comprenait des artistes aux personnalités créatives différentes : Matisse, rempli du rêve éternel de l'harmonie du monde, le poète réaliste et cohérent de la nature Marche, qui après l'effondrement du groupe est devenu le rationaliste froid Derain, caractérisé par la perception hautement expressive de Vlaminck. du monde, le grotesque aigu et la tragédie des images de Rouault. Le fauvisme est seulement court instant artistes unis. Chacun des membres du groupe a suivi son propre chemin, changeant les principes et techniques créatifs.

Futurisme. Une forme franchement loin du réalisme était aussi le futurisme, né en 1909 (du mot « futurum » - « futur »), qui a existé jusque dans les années 1930, évoluant en partie vers l'abstractionnisme. Dans le futurisme, la distorsion et la déformation de l'image du monde réel avaient le caractère d'un arbitraire subjectif. Un groupe d'artistes futuristes apparu en 1910 a déclaré que son objectif était la destruction de l'ancienne culture et l'incarnation dans l'art moderne du dynamisme de l'ère industrielle et des grandes villes capitalistes modernes. Les futuristes ont fétichisé la technologie des machines et ont opposé la machine à l’homme. Ils ont cherché à transmettre en peinture la dynamique interne du sujet et la sursaturation de la conscience l'homme moderne une multitude d'impressions qui se chevauchent. Ils ont proclamé que le temps (la quatrième dimension) était le principal facteur d'expression de la modernité, dont ils ont essayé de transmettre le sentiment dans l'image à travers la fragmentation et la distorsion. image visuelle le monde réel dans la dynamique chaotique des rythmes, en enregistrant de manière répétée les étapes répétées du mouvement des corps dans l'espace. Les futuristes préfiguraient l'effondrement de l'art moderne ; ils voyaient le nouveau non pas dans la réorganisation sociale de la vie en société, mais dans le triomphe du technicisme moderne, qui supprime l'homme. Le futurisme a trouvé son expression la plus vivante en Italie dans les œuvres de U. Boccioni, D. Severini, D. Balla, K. Carr - auteurs de compositions agitées et chaotiques.

Les données de référence et biographiques de la "Small Bay Planet Art Gallery" ont été préparées sur la base de matériaux de "Histoire de l'art étranger" (édité par M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), "Art Encyclopedia of Foreign Classical Art", "Great Russian Encyclopédie".

Le terme modernisme (du français - nouveau) désigne le nouveau, art moderne, né à la fin du XIXe siècle et associé à la crise mondiale de la culture européenne

La recherche de quelque chose de nouveau s'est transformée en un désir de restaurer l'intégrité et la nature organique de l'existence humaine dans le cadre d'un système cosmologique unique par des moyens artistiques, c'est-à-dire que dans l'art nous sommes revenus à la méthode de création de mythes, aux formes de primitifs l'art, aux formes de créativité des enfants, c'est-à-dire à ces formes où une personne se sentait harmonieuse dans ce monde où il n'y avait pas de mensonge, où il n'y avait pas de violence contre la personne humaine

La crise de l’art s’est manifestée le plus clairement dans la peinture : la plupart des artistes du XXe siècle se sont éloignés de la représentation du monde tel que nous le voyons. Le monde semblait parfois déformé au-delà de toute reconnaissance, car les artistes étaient davantage guidés par leur propre imagination, l'écart avec le réalisme n'était pas un vain caprice, les artistes voulaient dire : le monde n'est pas du tout tel que nous le voyons : il est intrinsèquement dénué de sens et absurde, c'est comme nous que nous le montrons dans nos peintures (le concept de modernité est plus large que l'avant-garde, qui se réfère uniquement à la culture artistique, et la modernité à tout ce qui est nouveau). Dans l'avant-garde du XXe siècle, il y avait de nombreuses directions, des tendances qui coexistaient, en parallèle, se croisaient souvent, se remplaçaient ou s'annulaient. Trois mouvements ont acquis le statut d'éternel : l'abstractionnisme, le cubisme, le surréalisme (superréalisme). La première impression lorsqu’on rencontre l’avant-garde, c’est que tout va mal. Sa formule principale : si cela n’a jamais été fait auparavant, alors il faut le faire, signe constant : un renversement conscient des idées traditionnelles. L'avant-garde a cherché à donner naissance non pas à l'art, mais à une méthode de cognition et à la remplacer par la philosophie traditionnelle ; les artistes d'avant-garde créent dans leur travail quelque chose de spécial, qui inclut le problème de la pensée abstraite et un idée indirecte de l'être et un monde concentré d'idées. Ainsi, l’art abstrait n’est pas un style, c’est une façon de penser. Périodes : de l'Art Nouveau (XIX) aux Demoiselles d'Avignon (premier tableau cubique de Picasso). Cette période est caractérisée par une restructuration du type d'art traditionnel ; le langage de l'avant-garde n'a pas été développé ; les artistes sont obligés d'expliquer eux-mêmes les postulats fondamentaux de leur position.

38. Principales orientations du modernisme

Le cubisme est un mouvement associé au nom de Pablo Picasso (Espagne). Picasso n'a pas suivi cette tendance immédiatement.

Périodes :

1. « Période bleue » (1901-1904). Tous les portraits sont unis par une gamme froide de bleus, qui permet de développer le thème de la solitude, du chagrin, du destin d'une personne, d'un environnement hostile (« Gymnastes errants », « Mendiants : un vieil homme avec un garçon »).

2. « Période Rose » (1905-1906). Toutes les peintures sont de couleur rose cendré. L'objectif que Picasso voulait atteindre était de montrer que même si le monde est sauvage, des gens honnêtes y vivent ; les héros des tableaux sont des artistes et des acrobates errants : « Fille au bal ». Mais la vérité artistique s'est avérée supérieure au désir de l'artiste ; la liberté s'est transformée en solitude d'exil. Les images sont également pessimistes.

3. 1906-1907 (1,5 mois). L'artiste arrive à la conclusion que la solution aux problèmes humains par la peinture est impossible ; la peinture ne peut créer que des formes plastiques. Grand intérêt pour la culture noire.

4. La première phase du début du cubisme (1907-1908). Les motifs organiques et naturels sont exposés à des informations géométrisées. Ils sont exécutés dans une couleur terre-rougeâtre et des tons bleu-vert mettent en valeur le relief (« Les Demoiselles d'Avignon » (1907), « Trois femmes »).

5. La deuxième phase est le cubisme analytique, lorsque le tableau se transforme en un motif fractionné de petits éléments géométriques, à travers lequel un élément pictural (portrait de Vallard) est visible.

6. Troisième phase : le cubisme synthétique (1912-1913). Il s'agit de compositions picturales formées de fragments plats d'objets (principalement des instruments de musique).

7. 1913-1915. Compositions sur le thème des instruments de musique, qui représentaient des objets tridimensionnels constitués de divers matériaux, suspendus à un plan vertical.

Abstractionnisme.

Fondateur : Vassily Kandinsky. L'essence du flow est qu'à l'aide d'un pinceau et d'un crayon, vous pouvez créer une vibration particulière de l'âme et l'initier à l'esprit de la musique. Moyens artistiques : points lumineux, lignes, figures géométriques, abstractions. L'art abstrait rappelle la musique, et Kandinsky a créé son propre langage abstrait de peinture, où chaque couleur portait une certaine signification symbolique (Schnittke « Jaune" - composition musicale). Un autre représentant est Kazimir Malevitch (« Carré noir sur fond blanc », 1913). Il était exposé comme une sorte de nouveau signe planétaire (utopie romantique).

Surréalisme.

Associé à Salvador Dali. Il est apparu au tournant des années 20 du 20e siècle, stabilisé en 25-26. La base principale est le sentiment de fantaisie, l'inattendu du phénomène du monde ; l'idée d'inconnaissabilité et d'absence du monde ; le monde réel est le monde qui est dans notre subconscient. L'essence méthode artistique- une combinaison d'objets réels avec des objets irréels ou réels, mais poussés jusqu'à l'absurdité, ou réels, mais dans une combinaison irrationnelle (Dali « Placard anthropomorphe »). Le surréalisme s'est manifesté non seulement dans la peinture, mais aussi dans la sculpture et le cinéma.

Postmodernisme.

Le postmodernisme est une révolution esthétique survenue en Europe dans les années 60 et 70. En tant que terme, il a commencé à être utilisé en 79. Ce n'est pas un style, il s'agit de citer des exemples célèbres, mais d'une manière délibérément absurde et dont le principal trait caractéristique est l'éclectisme (une combinaison de divers éléments - Orient, Occident, Afrique, culture européenne). Cette voie mettait de côté le point de départ et le point de développement le plus élevé (la civilisation européenne). Le postmodernisme est le résultat des mouvements étudiants, c’était une réaction à la société de consommation. Ils ont essayé d’introduire une nouvelle super-idée dans une société sans idéologie. Un véritable artiste dans le monde est entouré d'ennemis, le postmodernisme est donc une forme de rébellion esthétique et s'exprime par l'idée d'une nouvelle révolution sexuelle et d'une nouvelle sensualité. Le modernisme et le postmodernisme ne peuvent prétendre à une grande popularité, c'est-à-dire qu'ils sont apparus comme élitistes ; cependant, le modernisme et le postmodernisme sont devenus cette étape du développement de la culture du XXe siècle, qui a non seulement identifié tous ses points douloureux, mais est également devenu le l'art celui qui reliait l'époque du XXe siècle à l'Éternel, oublié dans l'agitation.

Le modernisme est un mouvement artistique caractérisé par une rupture avec l'expérience historique antérieure. créativité artistique jusqu'à son déni total. Le modernisme est apparu à la fin du XIXe siècle et a connu son apogée au début du XXe siècle. Le développement du modernisme s'est accompagné de changements importants dans la littérature, les beaux-arts et l'architecture. La culture et l’art ne se prêtent pas toujours à des changements spontanés, mais le besoin du modernisme comme moyen de changement se faisait déjà sentir au début du XXe siècle. Au fond, le processus de renouveau s'est déroulé dans le calme, mais le modernisme a parfois pris des formes militantes, comme ce fut le cas du jeune artiste Salvador Dali, qui tenta d'élever sans tarder le surréalisme au rang d'art. Cependant, la culture et l’art ont la propriété d’être actuels, donc personne ne peut accélérer ou ralentir le processus.

L'évolution du modernisme

Le paradigme du modernisme est devenu dominant dans la première moitié du XXe siècle, mais ensuite le désir de changements radicaux dans l'art a commencé à décliner, et l'Art nouveau français, le Jugendstil allemand et l'Art nouveau russe, qui ont précédé le modernisme en tant que phénomène révolutionnaire, ont pris une forme plus calme.

Modernisme dans l’art ou art du modernisme ?

Il appartenait aux écrivains, artistes et architectes du monde civilisé tout entier de comprendre la priorité de ces formulations. Certains représentants de l'élite dans le domaine de l'art estimaient que le modernisme était un changement attendu depuis longtemps et qu'il fallait le mettre au premier plan. la poursuite du développement de la civilisation entière, d'autres ont assigné au modernisme le rôle d'actualiser certaines tendances dans le domaine de l'art et rien de plus. Le débat s'est poursuivi ; personne n'a pu prouver qu'ils avaient raison. Néanmoins, le modernisme dans l’art est arrivé, et cela est devenu une incitation à son développement dans toutes les directions. Les changements n'ont pas été immédiatement perceptibles, l'inertie de la société a été affectée, comme c'est généralement le cas, des discussions ont commencé sur les nouvelles tendances, certains étaient pour les changements, d'autres ne les ont pas acceptés. Puis l'art du modernisme, les réalisateurs, écrivains célèbres, les musiciens, tous ceux qui pensaient progressivement, ont commencé à promouvoir tout ce qui était nouveau, et peu à peu le modernisme a été reconnu.

Le modernisme dans les arts visuels

Les principales orientations du modernisme dans la peinture naturelle, le dessin de portraits, la sculpture et autres se sont formées dans la seconde moitié du XIXe siècle. Tout a commencé en 1863, avec l’ouverture à Paris du « Salon des Rejetés », où les artistes d’avant-garde se réunissaient et présentaient leurs œuvres. Le nom du salon parlait de lui-même ; le public n'acceptait pas la peinture abstraite et la rejetait. Néanmoins, le fait même de l’apparition du « Salon des Rejetés » indiquait que l’art du modernisme était déjà en attente de reconnaissance.

Directions du modernisme

Bientôt, les tendances modernistes prirent des formes concrètes, les indications suivantes dans l'art:

• - un style de peinture particulier, lorsque l'artiste consacre un minimum de temps à sa créativité, disperse de la peinture sur la toile, touche le tableau de manière chaotique avec des pinceaux et applique des traits au hasard.
• Le dadaïsme est une œuvre d'art de style collage, disposition sur toile de plusieurs fragments d'un même thème. Les images sont généralement imprégnées de l’idée de déni, d’une approche cynique du sujet. Le style est apparu immédiatement après la fin de la Première Guerre mondiale et est devenu le reflet du sentiment de désespoir qui régnait dans la société.
• Cubisme - figures géométriques disposées de manière chaotique. Le style lui-même est hautement artistique ; Pablo Picasso a créé de véritables chefs-d'œuvre dans le style cubiste. L'artiste a abordé son travail d'une manière quelque peu différente - ses toiles font également partie du trésor de l'art mondial.
• Postimpressionnisme - rejet de la réalité visible et remplacement images réelles stylisation décorative. Un style au potentiel énorme, mais seuls Vincent van Gogh et Paul Gauguin l'ont pleinement réalisé.

Le surréalisme, l'un des principaux bastions du modernisme

Surréalisme - rêve et réalité, authentique art, reflétant les pensées les plus extraordinaires de l'artiste. Les artistes surréalistes les plus remarquables étaient Salvador Dali, Ernst Fuchs et Arno Brecker, qui formaient ensemble le « Triangle d'or du surréalisme ».

Style de peinture avec une nuance extrême

Le fauvisme est un style particulier qui évoque un sentiment de passion et d'énergie, caractérisé par l'exaltation de la couleur et l'expressivité « sauvage » des couleurs. L’intrigue du film est également dans la plupart des cas à la limite de l’extrême. Les dirigeants de cette direction étaient Henri Matisse et André Derain.

Le bio dans l'art

Futurisme - une combinaison organique principes artistiques le cubisme et le fomisme, une débauche de couleurs mélangées aux intersections de lignes droites, de triangles et d'angles. La dynamique de l’image est dévorante, tout dans l’image est en mouvement, l’énergie peut être retracée dans chaque trait.

Style de l'artiste géorgien Niko Pirosmani

Primitivisme - image artistique dans le style d'une simplification consciente et délibérée, aboutissant à un dessin primitif proche de la créativité d'un enfant ou photos murales dans les grottes des tribus primitives. Le style primitif du tableau ne le réduit en rien niveau artistique, s'il a été dessiné par un véritable artiste. Un brillant représentant le primitivisme était Niko Pirosmani.

Modernisme littéraire

Le modernisme littéraire a remplacé les canons classiques établis de la narration. Le style d'écriture des romans, des nouvelles et des nouvelles qui a émergé au début du XXe siècle a progressivement commencé à montrer des signes de stagnation et une certaine monotonie dans les formes de présentation est apparue. Ensuite, les écrivains ont commencé à se tourner vers d'autres interprétations jusqu'alors inutilisées. conception artistique. Le lecteur s'est vu proposer des concepts psychologiques et philosophiques. C’est ainsi qu’est né un style défini comme « Stream of Consciousness », basé sur une profonde pénétration dans la psychologie des personnages. L’exemple le plus frappant du modernisme en littérature est le roman de l’écrivain américain William Faulkner intitulé The Sound and the Fury.

Chacun des héros du roman est analysé du point de vue de ses principes de vie, de ses qualités morales et de ses aspirations. La méthode de Faulkner est justifiée parce que c'est précisément en raison de son caractère consciencieux et analyse approfondie Le personnage du personnage constitue une histoire intéressante. Grâce à son style d'écriture de recherche, William Faulkner fait partie des « cinq d'or » des écrivains américains, aux côtés de deux autres écrivains - et Scott Fitzgerald, qui, dans leur travail, tentent de suivre la règle de l'analyse approfondie.

Représentants du modernisme dans la littérature :

• Walt Whitman, surtout connu pour son recueil de poésie Leaves of Grass.
• Charles Baudelaire - recueil de poésie "Fleurs du Mal".
• Arthur Rambo- œuvres poétiques"Illuminations", "Un été en enfer".
• Fiodor Dostoïevski avec les œuvres « Les Frères Karamazov » et « Crime et Châtiment », c'est le modernisme russe dans la littérature.

Le rôle de vecteurs directeurs influençant les écrivains - les fondateurs du modernisme, a été joué par les philosophes : Henri Bergson, William James, Friedrich Nietzsche et d'autres. Sigmund Freud n'est pas non plus resté à l'écart.

Grâce au modernisme, les formes littéraires ont été radicalement modifiées au cours des trente premières années du XXe siècle.

L'ère du modernisme, des écrivains et des poètes

Parmi les écrivains les plus célèbres de la période moderniste, se distinguent les écrivains et poètes suivants :

• Anna Akhmatova (1889-1966) - poétesse russe avec destin tragique, qui a perdu sa famille au fil des années. Elle est l'auteur de plusieurs recueils de poésie, ainsi que du célèbre poème « Requiem ».
• Franz Kafka (1883-1924) - extrêmement controversé écrivain autrichien, dont les œuvres étaient considérées comme absurdes. Du vivant de l'écrivain, ses romans n'ont pas été publiés. Après la mort de Kafka, toutes ses œuvres ont été publiées, malgré le fait qu'il s'y est lui-même catégoriquement opposé et, de son vivant, a conjuré ses exécuteurs testamentaires de brûler les romans immédiatement après sa mort. L'écrivain ne pouvait pas détruire lui-même les manuscrits, car ils étaient répartis entre différentes mains et aucun de ses admirateurs n'allait les restituer à l'auteur.
• (1898-1962) - lauréat prix Nobel sur la littérature en 1949, qui est devenu célèbre pour avoir créé un comté fictif entier dans l'outback américain appelé Yoknapatawpha, le peuplant de personnages et commençant à décrire leurs vies. Les œuvres de Faulkner sont structurellement incroyablement complexes, mais si le lecteur parvient à saisir le fil du récit, il n'est alors plus possible de l'arracher au roman, à la nouvelle ou à l'histoire du célèbre écrivain américain.
• Ernest Hemingway (1899-1961) est l’un des plus fidèles adeptes du modernisme littéraire. Ses romans et ses histoires étonnent par leur pouvoir d'affirmation de la vie. Toute sa vie, l'écrivain a été un irritant pour les autorités américaines, il a été gêné par des soupçons absurdes, les méthodes utilisées par les officiers de la CIA pour attirer Hemingway à leurs côtés étaient absurdes. Tout s'est terminé par la dépression nerveuse de l'écrivain et son placement temporaire dans clinique psychiatrique. L'écrivain n'avait qu'un seul amour dans sa vie : son fusil de chasse. Le 2 juillet 1961, Hemingway se suicida en se tirant une balle avec cette arme.
• Thomas Mann (1875-1955) - écrivain, essayiste allemand, l'un des auteurs politiques les plus actifs d'Allemagne. Toutes ses œuvres sont imprégnées de politique, mais elles ne perdent pas pour autant leur valeur artistique. L’érotisme n’est pas non plus étranger à l’œuvre de Mann ; un exemple en est le roman « Confession de l’aventurier Felix Krull ». Personnage principal L'œuvre n'est pas sans rappeler le personnage d'Oscar Wilde, Dorian Gray. Les signes du modernisme dans les œuvres de Thomas Mann sont évidents.
• (1871-1922) - auteur de l'ouvrage en sept volumes « À la recherche du temps perdu », qui est à juste titre considéré comme l'un des exemples les plus significatifs de la littérature du XXe siècle. Proust est un adepte convaincu du modernisme comme voie la plus prometteuse du développement littéraire.
• Virginie Woolf (1882-1942) - écrivain anglais, est considéré comme l’adepte le plus fiable du « Courant de Conscience ». Le modernisme a été pour l'écrivain le sens de toute sa vie ; outre de nombreux romans, Virginia Woolf a réalisé plusieurs adaptations cinématographiques de ses œuvres.

Le modernisme littéraire a eu un impact significatif sur le travail des écrivains et des poètes en termes d'amélioration et de développement.

Modernisme architectural

L’expression « modernisme en architecture » nous renvoie au terme « architecture moderne », car il existe ici un lien logique. Mais le concept de modernisme ne signifie pas toujours « moderne » ; le mot « moderne » est ici plus approprié. Modernisme et modernisme sont deux concepts différents.

L'architecture du modernisme implique le début de la créativité des pionniers de l'architecture moderne et de leurs activités sur une certaine période, des années 20 aux années 70 du siècle dernier. L'architecture moderne date de dates ultérieures. Les cinquante années désignées sont la période du modernisme en architecture, le temps de l'émergence de nouvelles tendances.

Orientations du modernisme architectural

Le modernisme architectural est une direction distincte de l'architecture, comme la construction fonctionnelle européenne des années 1920-30 ou l'immuabilité du rationalisme. Architecture russe les années vingt, lorsque des milliers de maisons ont été construites selon un seul modèle. C'est le « Bauhaus allemand », « l'Art Déco » en France, le style international, le brutalisme. Tout ce qui précède sont les branches d’un même arbre : le modernisme architectural.

Les représentants du modernisme en architecture sont : Le Corbusier, Richard Neutra, Walter Gropius, Frank Lloyd Wright et d'autres.

Le modernisme en musique

Le modernisme est en principe un remplacement des styles, et dans le domaine de la musique, les changements dépendent principalement des tendances générales de la culture ethnographique de la société. Les tendances progressistes dans les segments culturels s’accompagnent inévitablement de transformations dans le monde de la musique. La modernité dicte ses conditions aux institutions musicales qui circulent dans la société. Dans le même temps, la culture du modernisme n’implique pas de changements dans les formes musicales classiques.