Arts décoratifs et appliqués et musique du XVIIIe siècle. Arts décoratifs et appliqués du XVIIIe siècle Monuments de la culture russe

L'exposition est située au deuxième étage du bâtiment sud de l'ensemble historique et architectural des XVIIIe-XIXe siècles. "Cour à chevaux". Il présente aux visiteurs du musée un large éventail d'expositions représentant les arts et l'artisanat russes traditionnels. Il s'agit d'œuvres de centres de renommée mondiale pour le traitement du bois et des os, de la peinture sur papier mâché et sur métal, de l'artisanat de jouets en argile de premier plan, ainsi que des foulards imprimés et brodés d'or fabriqués par des artisans russes, de la verrerie, de la porcelaine et de la faïence.

Ces centres sont concentrés dans les régions de Moscou, Vladimir, Vologda, Ivanovo, Nijni Novgorod et dans d'autres régions. La collection a commencé dans les années 1920, lorsque les quelques œuvres d'artistes populaires qui faisaient partie des trésors nationalisés de la Laure Trinité-Serge ont été complétées par des expositions du Musée de la région locale et du Musée Optina Pustyn. En 1941, la vaste collection du Musée des métiers d'art populaire (MNHR) a été transférée au musée Sergiev Posad (à l'époque Zagorsky). Il s'agissait d'environ quarante mille pièces exposées, dont un certain nombre d'œuvres uniques d'artisanat populaire et d'œuvres à caractère expérimental, réalisées par des maîtres de divers centres d'art dans des ateliers créés dans la République populaire de Moscou. À partir des années 1950, le musée a commencé une acquisition ciblée et systématique de la collection d'art décoratif et appliqué traditionnel russe, et ce travail est devenu l'un des domaines prioritaires de son activité.

Une place importante dans les salles d'exposition est consacrée aux œuvres des artisans et artistes populaires de la région de Sergiev Posad. Les jouets ont apporté une renommée particulière à la ville. Ils étaient en bois - sculpté, tourné, menuiserie ; en papier mâché et mastic - avec mouvement et son. Le musée présente des poupées sculptées dans des cales triangulaires et peintes - dames, hussards, infirmières, les célèbres poupées gigognes, populaires dans la seconde moitié du XIXe et au début du XXe siècle. ensemble de jouets architecturaux, dont la « Laure Trinité-Serge ».

La production de jouets dans le village est inextricablement liée à l'artisanat du jouet de Sergiev Posad. Bogorodskoé. La collection du musée des arts plastiques sculptés de Bogorodsk comprend des jouets, des sculptures, des compositions sculpturales et compte environ quatre mille pièces. Les œuvres du XIXe siècle sont d'un grand intérêt : « Le général Skobelev à cheval » - P.F. Bardenkova, "Guide avec un ours" - D.I. Pouchkova ; des compositions divertissantes à plusieurs figures sur les thèmes des contes populaires russes et de la nouvelle réalité soviétique, réalisées dans les années 30 du XXe siècle. (œuvres de A.F. Balaev, N.E. Eroshkin, V.T. Polinov, A.G. Shishkin).

Le musée possède une large collection d'œuvres de la fin du XIXe siècle jusqu'au début. XXe siècle ateliers de jouets éducatifs et d'art et de menuiserie de Sergiev Posad et Abramtsev. Ce sont des boîtes, des cercueils, des meubles, réalisés d'après des échantillons élaborés par les artistes célèbres S.V. Malyutine, E.D. Polenova, Ap. M. Vasnetsov, N.D. Bartram, Vl.I. Sokolov et autres. Les travaux de l'atelier Abramtsevo, dirigé par E.D. Polenova, a eu une influence directe sur la formation et le développement de l'artisanat de sculpture sur bois d'Abramtsevo-Kudrinsk avec son motif végétal caractéristique en relief plat. L'un des fondateurs de la pêcherie était V.P. Vornoskov. Le musée abrite plusieurs œuvres du maître, dont des plats décoratifs du début du XXe siècle et le portail « Garde-frontière » de 1937.

Outre l'artisanat du bois, la poterie était très répandue en Russie : les jouets étaient généralement sculptés à côté de la vaisselle. Cet art a ses racines dans le paganisme, lorsque de petites figures d'argile, participant à des rituels magiques, jouaient le rôle d'objets de culte uniques. Le musée présente les collections de jouets de Kargopol (région d'Arkhangelsk), Filimonovskaya (région de Toula), Abashevskaya (région de Penza), Skopinskaya (région de Riazan). Le jouet de Dymkovo (région de Kirov) de la fin du XIXe et du début du XXe siècle est d'un grand intérêt. Ce sont des œuvres d'auteurs inconnus et des A.A. Mezrina : infirmières, messieurs, couples de danseurs, etc. Une partie précieuse de la collection Dymkovo est constituée d’œuvres des années 1930. Parmi les œuvres de la seconde moitié du XXe siècle. La composition à plusieurs figures « Mariage », réalisée par un groupe d'artisanes de Dymkovo dirigé par E.I., se distingue par son caractère divertissant. Koss-Denshina.

Le bois était l'un des matériaux les plus populaires en Russie et l'artisanat pour sa transformation artistique existait dans différentes régions. Avec Sergiev Posad, le musée présente de manière plus complète l'artisanat de la région de Nijni Novgorod - Khokhloma et Gorodets. Les bols Khokhloma en bois clair, les bratins, les pierres à lécher, peints de motifs floraux lumineux et rappelant de précieux récipients en or, étaient déjà largement connus au 19ème siècle. Leur production était traditionnellement réalisée par les paysans d'un certain nombre de villages situés sur le territoire du district moderne de Koverninsky de la région de Nijni Novgorod. Parmi les objets exposés de la collection du musée figurent des échantillons d'ustensiles paysans du XIXe siècle. et des meubles des années 1930 avec une peinture inhabituelle pour « Khokhloma » sur fond blanc et argent.

L'artisanat de Gorodets a commencé à prendre forme à la fin du XVIIIe siècle, lorsque les paysans d'un certain nombre de petits villages situés à proximité du grand village commerçant de Gorodets ont commencé à fabriquer des fonds de rouet à vendre. Les femmes s'asseyaient dessus pendant qu'elles travaillaient, fixant un peigne haut avec une étoupe de lin ou de laine dans un trou spécial. Néanmoins, ils ont essayé de rendre le fond beau : c'était une source de fierté pour l'hôtesse, il était valorisé et soigné, et après travaux il était placé sur le mur comme décoration de la maison. Dans la décoration du Donets, ils ont utilisé une technique très rare dans l'art populaire russe consistant à incruster des morceaux de chêne sombre des tourbières. Dans les années 1870, ils passèrent de la sculpture avec incrustation à la peinture ; des « roses luxuriantes », des cavaliers, des scènes de thé et de festivités étaient représentés avec des traits rapides et pittoresques. Dans les années 1920, le besoin de beignets a disparu et les artistes de Gorodets ont commencé à utiliser largement leurs talents de peintre pour décorer d'autres objets : boîtes, cercueils, panneaux décoratifs, jouets.

La collection Gorodets du musée permet non seulement de retracer les principales étapes du développement de ce centre de la fin du XVIIIe à la fin du XXe siècle, mais donne également une idée de l'œuvre de presque tous les maîtres. qui a laissé une marque notable dans son histoire. La collection comprend des œuvres reconnues comme exemples « classiques » de l'art de Gorodets : Donets A.V. et L.V. Melnikovs, G.L. Polyakov, V.K. Smirnov, panneau de I.K. Mazin, film d'I.K. Lebedev et D.I. Kryukova et autres.
Les vernis artistiques russes sont mondialement connus. La collection du musée permet de refléter leur histoire et vous fait découvrir tous les grands centres de la peinture sur laque. Le musée expose des plateaux en métal peint de Nizhny Tagil et Zhostovo (région de Moscou), des objets en « laque » en papier mâché des XIXe et XXe siècles. village près de Moscou Fedoskino, ainsi que les centres des régions d'Ivanovo et de Vladimir : Palekh, Kholuy et Mstera, où l'art des miniatures en laque ne s'est développé qu'à l'époque soviétique et s'est basé sur les traditions établies de la peinture d'icônes. Depuis les années 1830, dans l'atelier d'O.F. Vishnyakov, situé dans le village de Zhostovo, a commencé à fabriquer des plateaux en métal avec des produits en papier mâché. Peu à peu, la pêche a acquis une importance indépendante. Lors de la décoration des plateaux, la préférence a commencé à être donnée aux compositions florales peintes de traits riches et pittoresques.

La collection de miniatures en laque de Palekh des années 1920-1930, qui comprend des œuvres d'un très haut niveau artistique, est particulièrement intéressante. Parmi elles se trouvent des œuvres d'artistes faisant partie du « Palekh Artel de la peinture ancienne » formé en 1924 : A.V. Kotukhina, I.V. Markicheva, I.M. Bakanova, I.P. Vakurova, I.I. Zubkova et d'autres, y compris les œuvres virtuoses du fondateur de la peinture sur laque à Palekh, I.I. Golikova.

L'histoire des centres proches de Moscou (le village de Fedoskino et le village de Zhostovo) remonte à la fin du XVIIIe siècle, lorsque le marchand P.I. Korobov a organisé une entreprise de production de vernis à partir de papier mâché dans le village. Danilkov, situé près du village. Fedoskino. Bientôt, la pêche s'étendit à toute la région. La collection du musée présente les œuvres de l'usine Lukutin (successeurs de P.I. Korobov) et de petites entreprises paysannes des villages d'Ostashkovo, Zhostovo, Sorokino et d'autres situés dans le volost de la Trinité du district de Moscou. Les premières œuvres de la collection remontent au milieu du XIXe siècle. Les produits de ces ateliers sont stylistiquement homogènes : boîtes, cercueils, étuis à cigarettes, portefeuilles et tabatières en papier mâché sont décorés de miniatures pittoresques et réalistes interprétées avec un thème national prononcé. Les images traditionnelles de « troïkas », de « tea parties », de scènes de la vie paysanne sont généralement des copies gratuites de peintures de chevalet et d'œuvres graphiques d'artistes russes.
Une place importante dans l'exposition est accordée à une collection de foulards et de châles russes. Il s'agit d'écharpes brodées de fils « dorés » et d'autres produits des artisanes de Tver et de Nijni Novgorod et d'élégants châles imprimés des principales entreprises de Moscou et de la région de Moscou du XIXe au début du XXe siècle. Le plus grand et actuellement le seul fabricant d'écharpes et de châles imprimés en laine en Russie est Pavlovsky Posad, près de Moscou, où leur production était maîtrisée au début des années 1860 dans une usine appartenant aux marchands Ya.I. Labzin et V.I. Griaznov. La production des châles était presque entièrement manuelle. Des motifs ont été appliqués sur le tissu à l'aide de planches de bois sculptées, « fleur » et « manières ». Un motif préféré dans les dessins des châles de Pavlovsk, ainsi que des plateaux de Zhostovo, étaient les images de fleurs. Parmi les expositions du musée figurent des châles Pavlovo Posad de différentes époques. Ce sont des foulards du légendaire dessinateur du XIXe siècle. S.V. Postigov « Horseshoe » et « Divorce » et les œuvres de nos contemporains E.P. Regunova, K.S. Zinovieva, I.P. Dadonova et autres.

L'artisanat artistique constitue une partie importante de la culture nationale de la Russie. Les œuvres présentées dans le musée témoignent du grand talent des maîtres russes, du goût artistique subtil et de l'originalité de leur talent.

L'os est un matériau très attractif pour les artisans russes, varié par ses qualités décoratives et ses capacités techniques. Déjà au XVIIe siècle. Les traditions de l'art de la sculpture sur os ont commencé à se développer dans la zone de peuplement de Kholmogory de la province d'Arkhangelsk. Les artisans de Kholmogory, ainsi que le tarse (os d'animal ordinaire), utilisaient des os de morse et, moins souvent, des os de mammouth, dont les produits étaient particulièrement appréciés. Les produits les plus populaires étaient les peignes, les boîtes, les cercueils et les cercueils, décorés des plus beaux motifs floraux, des images d'animaux et d'oiseaux, réalisés avec des sculptures et des gravures ajourées. Dans la seconde moitié du XIXème et début du XXème siècle. La sculpture sur os était pratiquée dans le monastère de la Trinité-Serge et à Sergiev Posad, comme en témoignent l'icône signature « Trinité » de 1869 présentée dans l'exposition, réalisée par Ivan Ilyin (moine Jonas), et une petite icône en ivoire représentant Serge de Radonezh par des locaux. maître I .AVEC. Khroustachev.

Les traditions de sculpture miniature sur os et sur bois qui se sont développées ici ont influencé l'établissement de la sculpture sur os dans la ville de Khotkovo, située non loin de Sergiev Posad, dans la seconde moitié des années 1940. L'originalité de ce centre s'est manifestée par l'utilisation de diverses techniques de transformation des os, l'association de l'os et du bois et l'utilisation généralisée du tarse. Ces caractéristiques ont été particulièrement clairement incarnées dans les œuvres des années 1950, en particulier dans le coffret de V.E. Loginov « Michurin », dont les inserts osseux sont magistralement réalisés selon la technique originale du relief à multiples facettes. L'exposition du musée offre également l'occasion de se familiariser avec les œuvres de l'artisanat traditionnel de transformation artistique des os, qui se sont développées dans l'est de la Russie : Tioumen (Tobolsk), Yakoutie, Tchoukotka. L'identité de chacun d'eux repose sur les traditions ethniques et artistiques de la population locale.

Au fil des années de son existence, le musée a accumulé une riche collection de verre et de porcelaine russes. Ces types d'art appliqué ont connu un développement rapide en Russie aux XVIIIe et XIXe siècles. Dans les salles du musée, vous pouvez voir des produits d'usines de cette époque, variés par leur objectif, leur forme, leur technique et leur style : les usines impériales de porcelaine et de verre de Saint-Pétersbourg, les usines privées de porcelaine de Gardner, Popov, Kuznetsov, Kornilov, le verre usines - Maltsov, Bakhmetev, etc. Parmi les objets exposés figurent les exemples les plus rares de verre et de céramique russes, comme par exemple des gobelets en verre gravé du XVIIIe siècle. ou produits en majolique fabriqués dans l'une des premières usines de céramique de Russie, ouverte en 1724 à Moscou par le marchand A.K. Grebenshchikov. Le musée abrite une magnifique collection de sculptures en porcelaine, dont diverses sculptures de genre et toute une série - «Peuples de Russie», datant du 19ème siècle. a été repris à plusieurs reprises dans les usines Gardner et Kuznetsov près de Moscou.
La collection de verre et de porcelaine de la période soviétique et post-soviétique est représentée principalement par des œuvres des années 1960-1980, réalisées par les plus grands artisans et artistes des plus grandes usines de Russie. Dans l'histoire de la porcelaine nationale, la position de leader a toujours été occupée par la fabrique de porcelaine de Leningrad, du nom de M.V. Lomonossov (anciennement impériale) et deux usines près de Moscou : l'usine de porcelaine Dmitrovsky (anciennement Gardner) et l'usine de porcelaine Dulevo du nom du journal « Pravda » (anciennement Kuznetsovsky). Ces entreprises représentent deux écoles originales et dynamiques avec leur propre style, une haute culture du travail des matériaux et de riches traditions. La différence entre les deux écoles de porcelaine est qu'elles ont hérité de différentes couches historiques de la culture russe : celle de Moscou était guidée par la tradition populaire, celle de Leningrad - par l'art hautement professionnel des XVIIIe et XIXe siècles, qui a suivi le développement paneuropéen. .

La collection du musée contient des œuvres exquises et solennelles d'artistes de Saint-Pétersbourg (Leningrad), qui se distinguent par leur goût artistique subtil et leur sens classique des proportions : A.V. Vorobievski, A.A. Yatskevich, V.M. Gorodetsky, N.P. Slavina, I.S. Olevskoï ; En accord dans la forme et la peinture avec la compréhension populaire de la beauté, des œuvres lumineuses et vivifiantes d'artistes de la région de Moscou : P.V. Léonova. CV. Yasnetsova, N.N. Ropova et autres.Dans l'exposition, vous pourrez également vous familiariser avec la collection de verre et de cristal de la seconde moitié du XXe siècle. Les formes de vaisselle, les vases et ensembles décoratifs, les compositions volumétriques-spatiales, le verre-plastique ont été fabriqués à l'aide de diverses techniques et technologies par les principaux artistes des plus anciennes verreries de Russie. Il s'agit d'une usine située dans la ville de Gus-Khrustalny, dans la région de Vladimir (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov) ; verrerie "Red May" dans le district de Vyshnevolotsky de la région de Tver (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Usine de cristal de Dyatkovo (M.V. Grabar, V.V. Soyver, V.Ya. Shevchenko).

La fierté de la collection du musée est la collection assez importante de la verrerie d'art de Leningrad, dont les activités sont associées au travail de maîtres des arts appliqués tels que L.O. Jurgen, A.A. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, B.A. Eremin, Yu.M. Biakov. La plupart des œuvres en verre et en porcelaine sont des exemplaires uniques créés pour de grandes expositions internationales ou nationales. Ainsi, en termes de diversité, d’exhaustivité de la représentation des différents centres et du haut niveau artistique des œuvres qui y sont incluses, la collection d’art décoratif et appliqué traditionnel russe du musée peut être classée parmi les meilleures du pays. Les œuvres qui le composent témoignent du grand talent des maîtres russes, du goût artistique subtil et de l'originalité de leur talent.

Reflet du tournant de l’époque de Pierre le Grand dans les arts décoratifs et appliqués. Influences artistiques d'Europe occidentale (Hollande, Angleterre, France, Italie). Les processus de formation du système de classes et de renforcement de la culture laïque et leur influence sur le développement des arts décoratifs et appliqués. La nature multicouche des arts décoratifs et appliqués, le développement inégal de ses sphères individuelles. Préservation et développement des tendances traditionnelles (culture provinciale et populaire, art religieux).

Améliorer la technologie de la production artisanale et manufacturière. L'émergence de l'industrie artistique (production de tapisseries, verrerie d'art, faïence, taille de pierre, production de soie et de tissu). Fabrication d'articles de mode et de luxe. Découverte et valorisation de gisements de cuivre, d'étain, d'argent, de pierres colorées, d'argiles de grande qualité.

Le rôle de l'Académie des sciences dans la « prospérité des arts libres et des manufactures », reflet des nouveaux intérêts des sciences naturelles et techniques dans les arts décoratifs et appliqués. Nouvelles formes d'éducation et de formation des artisans dans les usines d'art. Fermeture des ateliers de l'Armurerie Chambre. Les retraités et son rôle dans le développement de certains types d'arts décoratifs et appliqués. L'émergence d'organisations corporatives d'artisans en Russie. Travail de maîtres étrangers dans divers domaines des arts décoratifs et appliqués.

Style artistique dans les arts décoratifs et appliqués. La mode, son impact sur l'évolution des goûts, l'évolution de l'environnement du sujet. L'émergence de nouveaux types d'objets, le renouvellement des idées esthétiques dans les arts décoratifs et appliqués. Tendances dans la synthèse des arts. Le rôle de l'architecture, de l'art monumental, du graphisme et des publications illustrées dans le développement des arts décoratifs et appliqués. Tendances décoratives de la culture baroque dans la conception de festivals, de complexes de portes triomphales et d'art du jardinage.

L'art de la décoration d'intérieur comme type particulier d'activité artistique dans le travail des architectes du premier quart du XVIIIe siècle. Les premiers travaux d'intérieur et les principales tendances stylistiques (Baroque, Rococo, Classicisme). Nouveaux types de locaux (bureaux, chambres d'apparat, salons, « salles de tournage », « salles de cinéma ») et leur contenu thématique (Palais d'Été, Palais A.D. Menchikov, Grand Palais de Peterhof, Monplaisir). Œuvres de maîtres français. "Chinoiserie" dans les intérieurs de l'époque Pierre le Grand.

Solution d'ensemble de l'environnement sujet. L'émergence d'activités de projets dans le domaine de la culture matérielle et des arts décoratifs et appliqués.

Développement de l'activité mobilier. Nouveaux types et formes de meubles, matériaux et méthodes de décoration. Influence du mobilier anglais et hollandais. Baroque et Rococo dans le mobilier.

La sculpture sur bois, son rôle à l'intérieur. Reliefs sculptés. Iconostase de la cathédrale Pierre et Paul. Sculpture de navires et fabrication de voitures.

Orfèvrerie. Préservation des traditions du XVIIe siècle. Création d'ateliers d'orfèvrerie. Art de la bijouterie. Portrait miniature sur émail. Commandez des badges et des personnes « accordées ». Les premiers maîtres de la peinture miniature furent Grigori Musikiysky et Andrey Ovsov.

Céramiques et faïences de l'époque de Pierre le Grand. Carrelage hollandais à l'intérieur. Expansion de l'importation de faïence d'Angleterre et de Hollande. La première manufacture privée de A. Grebenshchikov à Moscou, l'émergence de la faïence fine domestique.

Augmentation de la consommation de verre et création d'usines de verre à Yamburg et Zhabino, près de Saint-Pétersbourg. Miroirs et luminaires. Formation du style des plats de palais d'apparat avec gravure mate. La première usine privée de verre et de cristal de Maltsov dans le district de Mozhaisk.

Taille de pierre et taille de pierres précieuses. Fondation des premières usines de découpe à Peterhof et Ekaterinbourg. Sculpture sur os. Techniques de sculpture de base, dispositifs stylistiques. Traditions de Kholmogory. L'apparition des tours, les modifications des formes des produits. Petrovskaya Turning et A. Nartov. L'influence de la gravure et des livres illustrés sur la sculpture sur os. Fondation de la Tula Arms Factory, développement de l'art du traitement artistique de l'acier en produits décoratifs.

Typologie du costume. Changer une robe médiévale en un costume de style européen. L'établissement par Peter des règles de port et des types de vêtements nobles. Introduction de vêtements et d'uniformes statutaires pour l'armée et la marine, pour les fonctionnaires. L'émergence de nouvelles manufactures en lien avec les changements de costumes. Remplacement des tissus orientaux par des tissus d'Europe occidentale. Échantillons de costumes pour hommes de la garde-robe de Pierre Ier.

Fondation de la Manufacture de Treillis de Saint-Pétersbourg. Formation de maîtres russes.

Art décoratif et appliqué de l’époque d’Anna Ioannovna. Argent artistique. Fondation d’une verrerie publique à Fontanka à Saint-Pétersbourg. Activités de la manufacture de treillis. Style de treillis et utilisation à l'intérieur. L. Caravaque et ses projets dans le domaine des arts décoratifs.

Renouveau de la culture artistique sous le règne d'Elizabeth Petrovna. Prédominance des influences françaises. Baroque et rococo dans l'art russe. Rococo en décoration d'intérieur, costume, bijoux, art paysager. Synthèse de l'architecture et des arts décoratifs dans les intérieurs baroques et rococo. Travaux de V.V. Rastrelli et A. Rinaldi dans le domaine du design d'intérieur. Matériaux décoratifs et techniques de finition intérieure. Types de meubles baroques et rococo. Tissus à l'intérieur. Éclairage. Ensemble de divers types d'art décoratif et appliqué du milieu et de la seconde moitié du siècle.

Orfèvrerie. Approbation du style baroque. Œuvres monumentales et décoratives. Grands services cérémoniaux. Changer les formes des objets, nouveaux types de plats pour de nouveaux produits. Art de la bijouterie. Activités des artisans de cour. Style rococo en bijoux. Types de bijoux pour femmes. Pierre colorée dans les bijoux.

Le costume, son image, le type de coupe, les matières, les accessoires, le caractère de la décoration. Influence de la mode française. Baroque et rococo en costume féminin et masculin.

Invention de la porcelaine domestique. Fondation d'une manufacture de porcelaine à Saint-Pétersbourg. Les activités de D.I. Vinogradov et la période « Vinogradov » de développement de la porcelaine russe. Les premiers services du palais, vases, petits objets en plastique. Création d'une faïencerie publique à Saint-Pétersbourg.

Verre élisabéthain gravé. Activités de la verrerie d'État de Saint-Pétersbourg et de l'usine fluviale. Nazier. Baroque et Rococo en verre d'art. Verre dans la décoration des intérieurs de palais par V.V. Rastrelli. Usines privées des Nemchinov et des Maltsov. Expériences de M.V. Lomonossov dans le domaine du verre coloré, début de sa production à l'usine d'Oust-Ruditsk.

Sculpture sur os. Style rococo, œuvre du sculpteur Osip Dudin.

Arts décoratifs et appliqués de la seconde moitié du XVIIIe siècle.

Classicisme dans les arts décoratifs et appliqués 1760-1790. Une combinaison de style rococo avec des motifs antiques. Le rôle des architectes dans les arts décoratifs et appliqués à l'ère du classicisme. Formation de maîtres d'arts décoratifs et appliqués à l'Académie des Arts.

Intérieur du début du classicisme. Matériaux et formes, couleur, décoration sculpturale, réduction du coût des finitions décoratives. Travaux intérieurs de Charles Cameron. Diversité des techniques décoratives, nouveaux matériaux, image des lieux et de l'ensemble. Intérieurs par V. Brenna.

Mobilier classicisme, caractère, formes, influences. Prototypes anciens. Nouveaux types de meubles. Participation d'architectes au développement de l'art du meuble en Russie (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Meubles de D. Roentgen en Russie. Atelier de G. Gambs et I. Ott. Style Jacob dans les meubles russes. Changement de matériaux dans le mobilier d'art (acajou, bois doré, peuplier, bouleau de Carélie). Tissu et broderie dans les meubles.

Atelier de Spol à Moscou. Décor sculpté dans les intérieurs de M. Kazakov. Meubles sculptés du palais Ostankino. L'épanouissement des techniques de composition dans le mobilier russe de la seconde moitié du siècle, les modes d'exécution et les matériaux. Production de meubles chez Okhta à Saint-Pétersbourg. Le papier mâché comme matériau pour l'ameublement et l'art décoratif.

Bronze artistique russe et français. Principaux types de produits et techniques de décoration. Bronze et verre dans les luminaires. Bronze dans la décoration de vases et meubles en pierre et porcelaine. Activités de la Maison Fonderie. Bronzeurs étrangers à Saint-Pétersbourg (P. Azhi, I. Tsekh, etc.).

Costume. Modification des types et des silhouettes de vêtements dans les années 1770-1780. Introduction de la tenue vestimentaire noble uniforme. Tenue de cérémonie de cour, utilisation de formes nationales stylisées. "Style grec" des années 1790 en costumes et coiffures. Un changement radical dans le design de la combinaison. Mode pour châles, foulards, capes, mantilles, châles.

Art de la bijouterie. Activités de I. Pozier, Dubulon, J. Adora, I.G. Sharf, I.V. Bukh, frères Duval. Grande couronne impériale. Atelier de diamants de cour. Argent artistique. Influence de l'argenterie française de style Louis XVI. L'art du nielle sur argent. Le rôle croissant des centres de bijouterie du Nord - Vologda, Veliky Ustyug. Usine de produits noirs et émaillés des frères Popov à Veliky Ustyug. Émail avec superpositions d'argent.

Porcelaine, techniques de fabrication et de décoration. Manufacture Impériale de Porcelaine. Classicisme précoce dans les formes et la décoration des produits. Influence de la porcelaine et de la faïence européennes. Activités de J.-D. Rashetta. Contacts de l'IPE avec l'Académie des Arts. Vases décoratifs et services de palais à l'intérieur de l'époque classique. Les grands services cérémoniaux, leur composition, la nature de leur conception. Rechercher des formes d'objets et des méthodes de décoration de produits appropriées. Sculpture en porcelaine (série de personnages « Peuples de Russie », « Commerçants et colporteurs »). Dessin et gravure de genre en sculpture sur porcelaine et peinture sur porcelaine. Produits de biscuiterie. Porcelaine "Pavlovsk" de la fin des années 1790.

Usine F. Gardner à Verbilki. Services de commande.

Verre d'art. Usine de G. Potemkine à Ozerki. Verre coloré et cristal. Du verre dans les intérieurs de Charles Cameron. La Verrerie Impériale dans les années 1790. Connexion entre les produits des manufactures impériales de porcelaine et de verre. Usine de Bakhmetev dans la province de Penza. L'apogée de la peinture sur verre dans les années 1780-90. Motifs gothiques en verre d'art.

Activités de la manufacture de treillis. Le lien entre les tapisseries et l'orientation générale de la peinture russe (thème historique, allégorie, portrait dans une tapisserie). Le passage du rococo au classicisme. Treillis en design d'intérieur.

Sculpture sur pierre. Le rôle de Charles Cameron dans le développement de la culture de la pierre colorée et son utilisation à l'intérieur. Nouvelles techniques d'utilisation de la pierre, « mosaïque russe ». Activités de l'usine lapidaire de Peterhof. Découverte de nouveaux gisements de pierres colorées dans l'Oural et l'Altaï. Usine d’Ekaterinbourg et usine de Kolyvan. Invention des machines pour le traitement de la pierre. Vases d'après des dessins de A. Voronikhin et D. Quarenghi.

L'apogée de l'acier de Toula (meubles et objets de décoration). Usines nobles et marchandes. Fabrique de miniatures en laque P.I. Korobova. L'émergence de l'artisanat dans les manufactures artistiques. Développement des métiers d'art dans la seconde moitié du XVIIIe siècle : peinture de Khokhloma, tissage de dentelles, tissage à motifs, tissage de tapis, métallurgie artistique, etc.

Dans le cadre de la célébration de son 35e anniversaire, le Musée panrusse des arts décoratifs, appliqués et populaires inaugure une exposition permanente actualisée « Les arts décoratifs et appliqués de Russie du XVIIIe au premier tiers du XIXe siècle ».

"Pierre le Grand a défié la Russie, et elle lui a répondu avec Pouchkine", - le slogan de A. N. Herzen définit le plus précisément le sens et les limites de l'époque à laquelle est consacrée l'exposition de ces salles. Les objets présentés ici sont des jalons vivants qui ont marqué la formation et l’épanouissement de la culture russe au sein de la tradition culturelle européenne du Nouvel Âge. Ils capturent les changements dans le mode de vie et les orientations artistiques, la transformation des anciens et l'émergence de nouvelles formes de sujets, de techniques et même de types d'art décoratif et appliqué.

La conception de la nouvelle exposition est basée sur le principe de la démonstration des objets exposés comme des objets artistiques uniques, combinés en blocs thématiques, stylistiques et typologiques. Cette solution permet d'évaluer l'importance de chaque objet du point de vue de l'époque, du style, de l'évolution d'un type particulier d'art décoratif et appliqué, et concentre l'attention sur sa valeur artistique intrinsèque.

Le scénario d'inspection est construit sur la base de la solution spatiale de l'exposition, non seulement de manière significative (en termes de typologie, de thème, de style et de chronologie), mais aussi visuellement - de l'époque de Pierre le Grand à Biedermeier.

Terrina (supière) avec couvercle 1795

Les thèmes centraux de la nouvelle exposition sont : « L'ère du changement : le tournant des XVIIe et XVIIIe siècles », qui comprend les « primitifs du XVIIIe siècle », qui traduisaient les réalités des temps modernes sous la forme de art traditionnel; "Les classiques du XVIIIe siècle russe", représentant l'époque de Pierre à Paul dans de hauts exemples de l'art de cour, ainsi que "L'Empire russe" et "Dans les chambres", démontrant deux facettes de la culture russe du premier tiers du XIXe siècle siècle - le brillant style impérial et la formation d'une culture de la vie privée, en corrélation avec le phénomène du Biedermeier allemand. Parallèlement, l'exposition permet de visualiser les œuvres dans la rangée habituelle - par type d'art, en mettant en valeur les meubles, le métal artistique, le verre, la porcelaine, la céramique, l'art de la taille de la pierre, les os et les perles.

Des objets d'église uniques comme la croix reliquaire et la Panagia, qui datent du XVIIe siècle, méritent une attention particulière. Ils étaient fabriqués selon une technique alors coûteuse : l’émail filigrane. Parmi les premières pièces exposées figurent des coffres avec des cadres métalliques et des garnitures décoratives, des encriers et des ustensiles en laiton de l'Oural datant du XVIIe et du début du XVIIIe siècle. Les tasses en laiton de l'usine Demidov dans l'Oural sont un exemple frappant de vaisselle en métal représentative de cérémonie pour la décoration de la table.

Les éléments de service de table et les éléments de plateau ont ensuite été fabriqués selon différentes techniques. Par exemple, deux gobelets en verre bleu foncé portant les monogrammes « EML » et « WGS », produits par l'Imperial Glass Factory, sont un exemple rare d'objets peints de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Les monogrammes latins sur les tasses appartiennent à l'envoyé suédois en Russie en 1793, Werner Gottlob von Schwenir - « WGS » - et à sa mère Ebbe Maria Lagerbring - « EML ». Les coupes ont été conservées pendant plus de deux siècles au château de Skarhult, Skåne (Suède), constituant un trésor familial.

L'exposition présentera des exemples uniques de mobilier de palais russe des XVIIIe et XIXe siècles, parmi lesquels les tables d'échecs et de cartes réalisées selon la technique de la marqueterie présentent un intérêt particulier. Parmi les meubles exposés typiques de la première moitié du XIXe siècle, il convient de noter deux armoires d'une rare qualité de style jacobéen. Deux chaises conçues par Ossip Ivanovitch Bove appartiennent également à la même époque. Sont également intéressantes la pendule « Minine et Pojarski » réalisée par le bronzier parisien Pierre-Philippe Thomire et, reproduisant en format intérieur, le célèbre monument à Ivan Martos dressé sur la Place Rouge.

Au-dessus de I.O. Fauteuil Premier quart du 19ème siècle

Une place particulière dans l'exposition est occupée par la tapisserie « Le sauvetage des pêcheurs », réalisée en Flandre dans un atelier inconnu dans la seconde moitié du XVIIe – début du XVIIIe siècle. Elle entre au VMDPNI en 1999 avec la collection du Musée d'Art Populaire du nom. S.T. Morozova. Le thème de la tapisserie est emprunté à la Bible : au centre de la composition est représenté l'un des miracles : « Marcher sur les eaux ». Le treillis a été restauré en plusieurs étapes - il a été partiellement restauré par des spécialistes du Musée d'art populaire. S. T. Morozov, et déjà en 2014, une restauration complète a été réalisée par des restaurateurs spécialisés du Musée panrusse des arts décoratifs, appliqués et populaires. Ainsi, le treillis a trouvé une nouvelle vie et sera présenté pour la première fois à l'exposition.

Les sections thématiques correspondantes présentent des luminaires en verre et en cristal, des objets d'intérieur en porcelaine et en bronze de la fin des XVIIIe et XIXe siècles. Chaque exposition est un exemple de référence d'un style particulier, capturant l'esprit de son époque et représentant les possibilités de compétences artistiques et techniques.

Une telle solution spatiale pour l'exposition permettra au musée d'organiser des excursions et des programmes spéciaux de la manière la plus efficace et la plus intéressante. Les expositions les plus intéressantes et les plus significatives seront présentées avec des annotations étendues, ainsi qu'un support avec des codes QR, grâce auxquels les visiteurs pourront obtenir des informations plus détaillées. L'exposition est équipée d'un système d'éclairage moderne. Grâce à sa grande interactivité, la nouvelle exposition promet d'être plus vivante et intéressante, ainsi que de promouvoir un dialogue créatif avec les visiteurs, en particulier avec les enfants et les jeunes.

Une place importante dans la culture du XVIIIe siècle. occupé par les arts décoratifs et appliqués. Le design intérieur de style rococo rendait l'espace lumineux, les murs semblaient minces, cachés derrière des panneaux décoratifs et des miroirs se reflétant, et les paravents jouaient un rôle important. Les meubles deviennent élégants, semblent fragiles et prennent des formes bizarres. La palette de couleurs du papier peint et des meubles est dominée par les couleurs pastel.

La pièce était censée donner l'impression d'un boudoir (une pièce destinée à la communication uniquement avec les personnes proches).

Les intérieurs rococo étaient souvent complétés par de véritables produits chinois : paravents, porcelaines, peintures sur laque ou compositions décoratives stylisées comme la peinture chinoise.

Du milieu du XVIIIe siècle. Avec le développement du néoclassicisme, la décoration intérieure est devenue simple et assez stricte. Si les intérieurs français étaient un exemple de rococo, alors les intérieurs anglais étaient un exemple de néoclassicisme. Les intérieurs de l'architecte anglais sont devenus particulièrement célèbres Robert Adam(1728-1792). Lors de la création de manoirs, l'artiste les décorait de colonnes, de pilastres et de sculptures. Ce style était appelé le « style Adam ». Il se distingue par sa grâce et son caractère décoratif, qui incluent parfois de manière organique de véritables objets antiques.

Dans les vêtements et coiffures du XVIIIe siècle. un changement de styles se révèle également. À l'époque de Louis XV, l'apparence d'une personne devient une œuvre d'art : les toilettes de la noblesse sont élaborées et sophistiquées, les coiffures fantastiques (les perruques deviennent à la mode), les taches noires sur un visage poudré deviennent un langage particulier dans un dialogue amoureux. «Une femme, habillée et peignée comme un jouet, et portant des chaussures étroites à talons hauts, devait marcher très prudemment afin de maintenir l'équilibre et de ne pas s'effondrer - cela a développé l'habitude d'une démarche flottante et de mouvements fluides du menuet. Ils voulaient voir la femme comme une poupée précieuse, un oiseau de paradis ou une fleur exquise. L’environnement aérien fantastique et capricieux des intérieurs rocaille convenait à de telles créatures » (2, 45).

Un costume, surtout celui d'une femme, devient une œuvre d'art. Ce costume était inconfortable et peu pratique, mais extrêmement attrayant.

Le costume des hommes était tout aussi élégant que celui des femmes et des nuances délicates de couleurs pastel ont été choisies.

L’amour pour tout ce qui est élégant a contribué à l’épanouissement des bijoux et de la porcelaine.

L’apogée de l’art de la porcelaine européenne s’est également produite au milieu du XVIIIe siècle. et est associé au style rococo. Les plus célèbres sont la porcelaine française de la ville de Sèvres et la porcelaine allemande de Meissen (Saxe). Dans leurs compositions, les maîtres de Meissen dépeignent des « festivités galantes » - le divertissement sophistiqué des aristocrates.

Le rococo n’était pas un style comme le gothique et le baroque ; il n’est pas devenu un mouvement artistique vaste et holistique. La diffusion des goûts de l’époque Régence a été préparée par le sort même de la noblesse française, qui prospérait au XVIIIe siècle. dans une seule chose : créer une vie prospère et heureuse. C'était une vie oisive, entourée d'un luxe élégant. L'art était une parure de la vie oisive de la noblesse française.

Les arts décoratifs jouent un rôle particulier (même la gastronomie est élevée au rang d'art).

La tâche principale de l'art est de plaire ; l'art lui-même s'identifie au luxe, au jeu et à la moquerie.

Les miroirs deviennent une décoration murale privilégiée, ils se placent les uns en face des autres, donnant une infinité de reflets.

Le besoin de produits de luxe a créé des pans entiers de la production artistique en France grâce au travail des fabricants de meubles, tisserands, modeleurs, bijoutiers et brodeurs.

Les motifs décoratifs préférés du rococo sont les coquillages, les tiges et les fleurs.

Dans le domaine de la décoration, le néoclassicisme s'est tourné vers l'intérieur des salles, meublées à l'antique. Les exploits de l'armée napoléonienne ont apporté de nouveaux motifs décoratifs : épées, bannières. À l’époque napoléonienne, des changements se produisirent dans les vêtements et les coiffures. La mode s'étend à tout ce qui est antique : de la silhouette et de la coupe des robes rappelant les chitons et les tuniques, aux boucles lâches qui tombent librement. Non seulement les crinolines et les cerceaux ont disparu, mais aussi les diamants ; les pierres sculptées serties dans des montures (pierres précieuses) sont devenues à la mode.

Contrairement aux autres types d’arts musicaux du XVIIIe siècle. Le baroque en tant que mouvement stylistique était encore largement représenté. Les plus grands maîtres musicaux de l’époque baroque étaient Bach et Haendel.

Jean-Sébastien Bach(1685-1750) fut le plus grand musicien du XVIIIe siècle et la puissance de sa musique ne cesse de croître. Son œuvre de compositeur était étonnamment polyvalente malgré sa vie apparemment modeste (il était chantre - chef et chef d'orchestre d'une chorale d'église). Depuis son enfance, Bach était profondément religieux et adhérait à la religion protestante. C'est la Réforme en Allemagne qui a fait connaître la ferveur du choral protestant (chant choral). En rendant le rituel de l'église plus simple et plus strict, le protestantisme y a accru l'importance de la musique. L'église est devenue le centre de l'art musical et l'organiste de l'église en était le représentant. L’art de l’orgue était extrêmement répandu en Allemagne et il n’est donc pas surprenant que l’orgue ait accompagné toute la vie de Bach. Son héritage pour orgue comprend plusieurs genres, parmi lesquels se distinguent les préludes de choral et les cycles polyphoniques en deux parties. je fugue. La musique de Bach exprime l'humilité religieuse, le pathétique, le lyrisme et l'impulsion. Outre le naturel et la simplicité, ses œuvres se caractérisent par la sublimité et la signification. Parmi les créations musicales de Bach, il existe un grand nombre de véritables chefs-d'œuvre reconnus dans le monde entier.

Aux côtés de Bach se dresse une autre figure majeure du baroque musical - George Frideric Haendel(1685-1759). Sa vie s'est déroulée dans les grandes villes européennes, il a reçu une excellente éducation musicale. Le premier opéra que Rinaldo a mis en scène à Londres a rendu Haendel célèbre. Haendel a écrit de la musique dans de nombreux genres, mais le summum de son héritage est constitué par les oratorios (grandes œuvres vocales-symphoniques avec une intrigue développée). La source littéraire des oratorios les plus célèbres du compositeur était la première partie de la Bible - l'Ancien Testament. Haendel vivait en Angleterre et les événements de son histoire politique, ainsi que la portée épique des récits bibliques, ne pouvaient que susciter son intérêt.

Le compositeur se caractérisait principalement par des thèmes civils. En choisissant des sujets bibliques, Haendel admire la puissance des passions humaines. C'est la passion, le dynamisme et l'image de la confrontation qui caractérisent le baroque.

Si la première moitié du XVIIIe siècle. En musique, le baroque est défini comme un style musical, puis sa seconde moitié devient l'apogée de l'œuvre des compositeurs de l'école classique viennoise :

Gluck, Haydn, Mozart et Beethoven. Les plus hautes réalisations du classicisme étaient associées à Vienne, la capitale du vaste empire autrichien, une ville entièrement saturée de musique.

L'école classique viennoise a répondu aux sentiments et aux idées des Lumières. L’art musical reflétait la quête spirituelle et les processus artistiques controversés de son époque. Par exemple, Lessing a influencé l'œuvre de Mozart.

Les principes du classicisme ont trouvé leur mise en œuvre dans la musique des Lumières.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) entre dans l'histoire de la musique en tant que réformateur de l'art de l'opéra, qui jette les bases d'un nouveau style lyrique. Les opéras écrits par Gluck étaient inhabituels tant par leur contenu que par la manière d'exprimer les sentiments des personnages. Les activités de Gluck se sont déroulées à Vienne et à Paris et ont également été associées à des polémiques en philosophie et en esthétique, dans lesquelles les éducateurs étaient impliqués. Ils critiquaient l'opéra de cour et estimaient que le théâtre antique combinait idéalement musique, plastique et déclamation.

Gluck a essayé de dramatiser l'opéra, de lui donner de la vérité et du naturel. Tous les meilleurs opéras de Gluck, à commencer par Orphée, ont été écrits sur des sujets anciens ; le compositeur y a trouvé des personnages puissants et de fortes passions. Du vivant de Gluck, ses opéras ont suscité de vives controverses, mais le temps a montré la viabilité des principes, et ce n'est pas un hasard si d'autres compositeurs exceptionnels les ont également mis en œuvre.

Joseph Haydn(1732-1809) resta chef d'orchestre (chef de la chapelle chorale et orchestrale) pendant près de trois décennies et consacra uniquement son temps libre à la composition musicale. Si Gluck a réformé l’opéra, Haydn a créé des symphonies parfaites. Son parcours créatif a traversé différentes époques artistiques, mais l’œuvre du compositeur était spécifiquement liée au siècle des Lumières. Le siècle des Lumières croyait au progrès de la société et de l'homme, et la musique de Haydn exprime l'optimisme et le désir de bonheur. Les créations de Haydn sont assez rationalistes : elles se caractérisent par une réflexion et une harmonie, qui sont également en phase avec les principes rationalistes des Lumières.

Dans ses oratorios, Haydn aborde le thème de la nature, dont le culte était caractéristique d'un éclaireur comme Rousseau. C'est Haydn qui est devenu le compositeur le plus brillant du siècle des Lumières.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) commence à composer dès sa petite enfance, voyage beaucoup et devient très tôt célèbre. Comme Gluck, Mozart est devenu un grand réformateur de l'opéra, non seulement en le symphonisant, mais aussi en l'actualisant. En choisissant une pièce comme « Le Jour fou ou Les Noces de Figaro », Mozart a montré son attachement aux idées pédagogiques. Dans La Flûte enchantée, le compositeur présente une sorte d’utopie, proche de la croyance des Lumières dans le progrès moral de l’humanité. La musique de Mozart allie étonnamment naturel et harmonie, sincérité et perfection, clarté impeccable et excitation frémissante. La plus haute réalisation de la musique de Mozart fut le célèbre "Requiem" - sa dernière composition.

Allemand compositeur Ludwig van Beethoven(1770-1827) passa la majeure partie de sa vie à Vienne. Ses écrits portent également l’empreinte des Lumières. Le compositeur s'est distingué précisément dans les genres de la sonate et de la symphonie, qui ont finalement pris forme à cette époque. Ses œuvres révèlent la réflexion de l'ensemble du plan et des détails individuels, ainsi que la clarté des formes.

Dans ses œuvres les plus célèbres, s'incarne le thème héroïque, le thème de la lutte, qui est lié à la fois à la personnalité du compositeur lui-même et aux particularités de sa biographie : il a survécu aux événements de la Grande Révolution française au XIXe siècle. un jeune d'un an. Bien que les idées des Lumières soient caractéristiques de la musique de Beethoven, celui-ci représente une nouvelle ère, anticipant le romantisme. Le style musical du compositeur se distingue de l'art des autres classiques viennois par son ampleur, son drame et sa force émotionnelle. Il s'agit de la « Sonate Pathétique », de la Troisième Symphonie (« Éroïque »), des Cinquième et Neuvième Symphonies, notamment de « l'Ode à la joie », qui conclut la dernière. L'ensemble de l'héritage de Beethoven a eu un impact considérable sur le développement de la musique, en particulier sur la formation du romantisme.

L'histoire de la Russie de la fin du XVIIe au premier quart du XVIIIe siècle est indissociable du nom de l'une des plus grandes personnalités politiques de Russie - Pierre Ier. Des innovations importantes ont envahi à cette époque non seulement le domaine de la culture et de l'art, mais aussi l'industrie - métallurgie, construction navale, etc. Au début du XVIIIe siècle, apparaissent les premiers mécanismes et machines pour le traitement des métaux. Beaucoup a été fait dans ce domaine par les mécaniciens russes Nartov, Surnin, Sobakin et d'autres.

Dans le même temps, les bases du système public d'enseignement général et spécial sont posées. En 1725, l'Académie des sciences est créée et un département des métiers d'art est ouvert.

A. Nartov. Tour. L'époque de Pierre. XVIIIe siècle

Au XVIIIe siècle, de nouveaux principes d'architecture et d'urbanisme se forment.Cette période est marquée par le renforcement des traits caractéristiques du baroque d'Europe occidentale (Hollande, Angleterre) dans la formation des produits.

À la suite des initiatives de Pierre Ier, les produits de formes traditionnelles russes disparaissent rapidement de la vie royale et aristocratique du palais, bien qu'ils restent toujours dans les maisons des masses de la population rurale et urbaine, ainsi que dans l'usage de l'église. . C'est dans le premier quart du XVIIIe siècle qu'apparaît une différence significative dans le développement stylistique, qui reste longtemps caractéristique de la créativité professionnelle et de l'artisanat artistique populaire. Dans ce dernier pays, les traditions séculaires des arts appliqués russes, ukrainiens, estoniens, etc. se développent directement et organiquement.

Les normes de la vie noble exigent une démonstration de richesse, de sophistication et de splendeur dans la vie d'une personne souveraine. Les formes de vie anciennes, y compris celle de Pierre le Grand (encore pragmatique et stricte), furent finalement supplantées au milieu du XVIIIe siècle. La position dominante dans l'art russe est occupée par le style dit rococo, qui complète logiquement les tendances du baroque tardif. Les intérieurs cérémoniels de cette époque, par exemple certaines salles des palais de Peterhof et de Tsarskoïe Selo, sont presque entièrement décorés de sculptures élaborées.

Les caractéristiques générales de l'ornementation rocaille (courbure des lignes, disposition abondante et asymétrique de fleurs, feuilles, coquillages, yeux stylisés ou proches de la nature, etc.) sont pleinement reproduites dans l'architecture et le mobilier russes de l'époque, les céramiques, les vêtements, les carrosses, armes de cérémonie, etc. etc. Mais le développement de l'art appliqué russe a néanmoins suivi une voie tout à fait indépendante. Malgré la similitude inconditionnelle des formes de nos propres produits avec ceux d'Europe occidentale, il n'est pas difficile de remarquer les différences entre eux. Ainsi, mais par rapport aux produits français, les meubles russes ont des formes beaucoup plus libres et sont plus doux dans leurs contours et leurs dessins. Les maîtres conservaient encore les compétences de la sculpture populaire, plus vaste et plus généralisée qu'en Occident. Non moins caractéristique est la polychromie des produits russes et l'association de la dorure et de la peinture, rarement rencontrée en France, mais acceptée partout en Russie.

Depuis les années 60 du XVIIIe siècle, une transition vers le classicisme s'amorce dans l'architecture russe avec ses formes laconiques et strictes, orientées vers l'Antiquité et marquées par une grande retenue et grâce. Le même processus se produit dans les arts appliqués.

Dans l'agencement, l'équipement et la décoration des hôtels particuliers et des palais (architectes Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov, etc.), une nette symétrie et une clarté proportionnelle apparaissent. Les murs des pièces (entre les fenêtres ou en face d'elles) sont cachés par des miroirs et des panneaux en damas de soie, des tissus décoratifs en coton et des étoffes.

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Canapé - Style rococo. Russie (fragment). Milieu du XVIIIe siècle

Chaise de style classique. Russie. Seconde moitié du XVIIIe siècle.

Les planchers sont en bois d'essences diverses, et parfois recouverts de toile ou de tissu ; les plafonds sont peints (par exemple selon la technique de la grisaille, imitant le modelage du relief). A la place du parquet empilé, on utilise des planches d'épicéa « sous cire ». Les murs et les plafonds sont souvent recouverts de tissu ou recouverts de papier peint. Si des cheminées en marbre aux dimensions impressionnantes sont installées dans les pièces principales, dans les pièces intimes, des poêles plus traditionnels sont construits sur des tables ou des pieds recouverts de carrelage. La différence dans les lampes est tout aussi perceptible : dans les halls, il y a des lustres, des candélabres, des appliques fabriqués à la main et coûteux, dans les chambres il y a des chandeliers et des lampes beaucoup plus modestes. Il y a encore plus de contraste dans les formes des meubles formels et domestiques. Tout cela ne parle pas tant du désir des propriétaires de palais et de demeures d'économiser de l'argent, mais de leur considération de l'environnement en question comme un facteur important dans l'atmosphère psychologiquement appropriée.

La plupart des meubles et un certain nombre d'autres produits à la fin du XVIIIe et dans la première moitié du XIXe siècle n'étaient pas constamment nécessaires ; si cela n'était pas nécessaire, ils étaient soit retirés, soit déplacés vers des parties des locaux inutilisées. Les sièges doivent être couverts. Dans le même ordre d'idées, les meubles transformables avec plan de travail ont connu un grand développement - des tables à thé et à cartes, une table à manger pliante, une table pour les travaux d'aiguille, un système de tables de hauteur inégale qui s'emboîtent les unes sous les autres, etc. le confort de vie, la différenciation subtile de son support fonctionnel et la variété d'apparence des locaux dans différentes situations du quotidien. Dans le même temps, un certain nombre de processus quotidiens qui se déroulaient à l'extérieur du bâtiment pendant la saison chaude - sur la terrasse et dans le parc - ont été particulièrement mis en avant. En conséquence, de nouveaux types de produits se sont répandus - meubles de jardin, auvents, lampes de parc, etc. Au XVIIIe siècle, des ateliers de serfs étaient organisés dans des domaines individuels, produisant des lots assez importants de meubles, porcelaines, tapis et autres produits.

A la fin du XVIIIe siècle, dans l'équipement des grands palais, la séparation de la conception même des produits (meubles, lampes, horloges, tapisseries et autres ustensiles et meubles) en tant que domaine particulier d'activité créatrice de leur production artisanale avait déjà un effet notable. Le rôle des designers est principalement joué par les architectes et les artistes professionnels. La production de produits destinés au marché de masse utilise des machines et des méthodes mécaniques de traitement des matériaux, faisant de l'ingénieur une figure de proue de la production. Cela conduit à la distorsion et à la perte des hautes qualités esthétiques inhérentes aux produits de consommation, à la séparation de l'industrie et de l'art. Cette tendance était naturelle dans les conditions de développement capitaliste de la société et l'une des principales de tout le XIXe siècle.

Au cours du développement intensif des relations capitalistes en Russie au XIXe siècle, la capacité de production industrielle a augmenté. Au milieu du 19ème siècle, il y avait déjà un besoin urgent de personnel artistiquement professionnel composé de développeurs de produits et d'artisans. Pour leur formation, des établissements d'enseignement spécialisés ont été ouverts à Moscou (comte Stroganov) et à Saint-Pétersbourg (baron Stieglitz). Leur nom même – « écoles de dessin technique » – témoigne de l'émergence d'un nouveau type d'artiste. Depuis 1860, une formation artisanale spéciale pour les maîtres interprètes a été développée. De nombreux livres sont publiés sur la technologie de transformation de divers matériaux : bois, bronze, fer, or, etc. Des catalogues professionnels sont publiés, remplaçant le magazine Economic Store précédemment publié. Depuis le milieu du XIXe siècle, des sciences liées aux questions d'hygiène du travail et d'utilisation des articles ménagers se sont formées. Cependant, tout au long du XIXe siècle, tous les produits d'usine de masse sont restés artistiquement complètement subordonnés à l'idée indivisiblement dominante de la beauté en tant que conception décorative et ornementale des produits. La conséquence en fut l'introduction d'éléments stylistiques du classicisme dans la forme de la plupart des produits : finitions de profils complexes, colonnes cannelées, rosaces, guirlandes, ornements basés sur des motifs anciens, etc. Dans de nombreux cas, ces éléments ont été introduits même dans les formes d'équipements industriels - machines-outils.

Dans l'évolution stylistique des arts appliqués et des produits ménagers au XIXe siècle, on distingue chronologiquement conventionnellement trois périodes principales : la poursuite des tendances du classicisme dans la lignée du style dit Empire (le premier quart du siècle) ; classicisme tardif (vers 1830-1860) et éclectisme (après les années 1860).

Le premier quart du XIXe siècle a été marqué par une montée générale de l'esprit idéologique et de l'ampleur de la construction dans l'architecture russe, ce qui a provoqué un renouveau significatif dans les arts appliqués.

Fauteuil de style Empire. Premier quart du XIXe siècle.

La victoire dans la guerre de 1812 accélère et achève dans une certaine mesure le processus de formation de la culture nationale russe, qui acquiert une importance paneuropéenne. Les activités des architectes les plus célèbres - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, étroitement liées au classicisme de l'époque précédente, n'ont eu lieu que dans la première décennie du siècle. Ils sont remplacés par une galaxie de maîtres aussi merveilleux que Rossi, Stasov, Grigoriev, Bove, qui ont apporté de nouvelles idées et un esprit stylistique différent à l'art russe.

La sévérité et la monumentalité sont des traits caractéristiques de l'architecture et des formes de divers objets ménagers de style Empire. Dans ces derniers, les motifs décoratifs changent sensiblement, ou plutôt leur typologie s'élargit grâce à l'utilisation de symboles décoratifs de l'Égypte ancienne et de Rome - griffons, sphinx, faisceaux, attributs militaires (« trophées »), couronnes entrelacées d'une guirlande, etc. avec des exemples du début du classicisme en général, la quantité de décor, son « poids visuel » dans la conception compositionnelle des produits augmente. La monumentalisation, parfois comme un grossissement des formes, se produit en raison de la plus grande généralisation et géométrisation des motifs ornementaux classiques - bordures, couronnes, lyres, armures, etc., qui s'éloignent de plus en plus de leurs véritables prototypes. La peinture d'objets (scènes, paysages, bouquets) disparaît presque totalement. L’ornement a tendance à être inégal, contournant et applicatif. La plupart des produits, en particulier les meubles, deviennent grands, massifs, mais variés en termes de configuration et de silhouette. La lourdeur du style Empire dans le mobilier a presque disparu dès les années 1830.

À partir du milieu du XIXe siècle, de nouvelles recherches commencent dans le domaine de l'architecture, de la créativité appliquée et industrielle.

Un mouvement artistique paneuropéen est né, appelé « Biedermeier », du nom de la bourgeoisie d'un des personnages de l'écrivain allemand L. Eichrodt (l'œuvre fut publiée dans les années 1870) avec son idéal de confort et d'intimité.

Fer fabriqué en usine. Russie. Seconde moitié du XIe siècle.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le travail manuel a encore été remplacé par la production de produits ménagers utilitaires. Au fil des siècles, les méthodes et techniques de leur solution artistique, les principes de construction de formes qui se sont développés au fil des siècles, entrent en conflit avec les nouvelles tendances économiques en matière de production de masse et de rentabilité de la production d'objets destinés au marché. La réponse à cette situation changeante est double. Certains maîtres – la majorité d’entre eux – font des compromis. Considérant comme inviolable la vision traditionnelle de toutes les choses quotidiennes en tant qu'objets d'art décoratif et appliqué, ils commencent à adapter les motifs ornementaux du classicisme aux capacités de la machine et des technologies sérielles. Des types « efficaces » de décoration et de finition des produits apparaissent. Dans les années 1830, en Angleterre, Henry Kuhl proposait un slogan apparemment réformiste consistant à décorer les produits industriels avec des éléments « du monde des beaux-arts ». De nombreux industriels reprennent volontiers ce slogan, essayant de tirer le meilleur parti de l’attachement des masses de consommateurs aux formes d’ameublement extérieurement décorées et enrichies d’ornements.

D'autres théoriciens et praticiens des arts appliqués (D. Ruskin, W. Morris) proposent au contraire d'organiser un boycott de l'industrie. Leur credo est la pureté des traditions de l'artisanat médiéval.

Dans les pays d'Europe occidentale et en Russie, pour la première fois, des artels et des maîtres artisanaux, dans l'œuvre desquels de profondes traditions populaires étaient encore préservées, ont attiré l'attention des théoriciens et des artistes professionnels. En Russie, les foires de Nijni Novgorod des années 1870-1890 démontrent la viabilité de ces traditions dans des conditions nouvelles. De nombreux artistes professionnels - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich et d'autres - se tournent avec enthousiasme vers les origines populaires de l'art décoratif. Dans diverses régions et provinces de Russie, dans des villes comme Pskov, Voronej, Tambov, Moscou, Kamenets-Podolsk, etc., naissent des entreprises artisanales dont la base est le travail manuel. Le travail des ateliers d'Abramtsovo près de Moscou, de Talashkino près de Smolensk, de l'entreprise P. Vaulin près de Saint-Pétersbourg et de l'artel de céramique Murava à Moscou a été particulièrement important pour la renaissance de l'artisanat créatif et mourant.

Samovar. XIXème siècle

Russie. Deuxième partie

Pompe industrielle. XIXème siècle

Cependant, les produits de tous ces ateliers constituaient une part si insignifiante de la consommation totale qu'ils ne pouvaient avoir aucune influence notable sur la production de masse, bien qu'ils prouvent la légitimité de l'existence, à côté de la production mécanique de masse, d'objets d'art décoratif qui préservent traditions populaires. Cela a ensuite été confirmé par l'invasion de la technologie des machines dans des domaines des arts décoratifs et appliqués tels que la bijouterie, le tissage de tapis et la couture, ce qui a entraîné une forte baisse de leur qualité artistique.

Dans la forme de l'essentiel des produits manufacturés de la seconde moitié du XIXe siècle, pratiquement rien de nouveau n'a encore été développé. Cependant, la nouveauté de la situation générale contribue déjà à cette époque à la formation de conditions préalables internes à des quêtes innovantes - la prise de conscience des recherches stylistiques en tant que besoin créatif important, en tant que manifestation de l'individualité artistique du maître. Si jusqu'à présent les tendances de style (gothique, Renaissance, baroque, classicisme, etc.) sont nées et se sont répandues, en règle générale, à la suite de tendances générales, presque « globales », spontanément cristallisées dans le développement esthétique du monde, alors de Au milieu du XIXe siècle, l'originalité stylistique est considérée comme une réalisation créative directe d'un artiste ou d'un architecte individuel. À cet égard, l'intérêt pour le patrimoine artistique de tous les temps et de tous les peuples s'intensifie fortement. Ce riche héritage devient source d’imitations, d’emprunts directs ou est soumis à d’étranges processus créatifs.

Table de style Art Nouveau avec chaise. Fin du 19ème siècle

En conséquence, la majeure partie des produits présente un tableau inhabituellement hétéroclite, dans lequel scintillent des réminiscences évidentes ou subtiles de l'Antiquité, de l'époque romane, du gothique, de la Renaissance italienne ou française, de l'art de Byzance et de la Russie antique, du baroque, etc. se mélangeant souvent de manière éclectique dans la conception d’un produit, d’un intérieur ou d’un bâtiment. C’est pourquoi cette période de l’histoire de l’architecture et des arts appliqués a été qualifiée d’éclectique. Des produits (lampes, seaux métalliques, auges, plats, tabourets, etc.) relativement bon marché, mais fabriqués sans aucun but artistique, souvent sous des formes laides et de mauvaise qualité, commencent encore à être introduits dans la vie quotidienne des gens.

La recherche d'un nouveau style s'effectue en tenant compte du besoin réel des conditions de production mécanique, d'une approche fondamentalement nouvelle du façonnage des produits, d'une part, et de la préservation des traditions décoratives du passé, d'autre part. autre. La bourgeoisie, qui à la fin du XIXe siècle occupait une position forte dans l'économie russe, luttait pour sa propre idéologie artistique dans l'architecture et le design - le culte de la liberté rationnelle et relative par rapport aux archaïsmes de la culture noble, encourageant dans l'art tout ce qui pouvait rivaliser avec les styles du passé. C'est ainsi qu'apparaît le style Art Nouveau à la fin du XIXe siècle : « art nouveau » en Belgique, en Grande-Bretagne et aux États-Unis, « Jugendstil » en Allemagne, « style Sécessions » en Autriche, « style libre » en Italie. Son nom - « moderne » (du français moderne) signifiait « nouveau, moderne » - de lat. modo - "tout à l'heure, récemment." Dans sa forme pure, s'estompant et se mélangeant à d'autres mouvements stylistiques, il dura relativement peu de temps, jusqu'aux environs de 1920, soit environ 20 à 25 ans, comme presque tous les mouvements stylistiques des XVIIe et XXe siècles.

L'Art nouveau est diversifié selon les pays et dans le travail de maîtres individuels, ce qui complique la compréhension des problèmes qu'ils ont résolus. Cependant, l'éradication presque complète de tous les motifs et techniques décoratifs et ornementaux précédemment utilisés et leur renouvellement radical sont devenus caractéristiques. Les corniches traditionnelles, rosaces, chapiteaux, flûtes, ceintures « vagues roulantes », etc. sont remplacées par des plantes locales stylisées (lys, iris, œillets, etc.), des têtes féminines aux longs cheveux bouclés, etc. Souvent, il n'y a aucune décoration du tout. , et l'effet artistique est obtenu grâce à l'expressivité de la silhouette, aux divisions de la forme, aux lignes, généralement finement dessinées, comme si elles coulaient librement, palpitaient. Dans les formes des produits Art Nouveau, on peut presque toujours ressentir une certaine volonté fantaisiste de l'artiste, la tension d'une corde bien tendue et des proportions exagérées. Dans les manifestations extrêmes, tout cela est fortement aggravé, élevé au rang de principe. Il y a parfois un mépris de la logique constructive de la forme, un enthousiasme presque feint pour le côté spectaculaire de la tâche, notamment dans la conception des intérieurs, souvent théâtralisés de manière spectaculaire.

Malgré toutes les faiblesses - prétention, parfois bruyante des formes, une nouvelle approche de la résolution du bâtiment, de l'intérieur, de l'ameublement avec la logique d'une solution fonctionnelle, constructive et technologique est née.

Bougeoir de style Art Nouveau. Début du 20e siècle

Ensemble de plats. Fin du 19ème siècle

Coiffeuse d'époque Art Nouveau. Début du 20e siècle

L'Art nouveau, dans la grande majorité de ses exemples, n'a pas abandonné la décoration des produits, mais a seulement remplacé les anciens motifs et techniques décoratifs par de nouveaux. Déjà au début du XXe siècle, à l'époque des triomphes du style nouveau, la mode des styles anciens revenait, timidement d'abord, puis largement, ce qui avait un lien bien connu avec le début des préparatifs de la célébration. du centenaire de la Guerre Patriotique de 1812. L'exposition « Art moderne », organisée à Saint-Pétersbourg en 1903, montrait clairement la naissance de la « modernité classique ».

Les résultats de la modernité sont complexes. Il s’agit d’une purification des arts appliqués de l’éclectisme, de « l’anti-machinisme » des champions de l’artisanat et des tentatives infructueuses de restauration des styles du passé. Ce sont les premiers symptômes de l’entrée de l’architecture et des arts appliqués dans la voie du fonctionnalisme et du constructivisme, dans la voie du design moderne. Dans le même temps, révélant bientôt une tendance à nationaliser le style, l'Art nouveau suscite une nouvelle vague de quêtes purement décoratives. De nombreux peintres se tournent vers les arts appliqués et la décoration intérieure (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, etc.), gravitant vers la couleur des contes de fées russes, du « pain d'épices », etc. processus historique ultérieur, solutions aux problèmes urgents de la production industrielle de masse, de telles expériences ne pouvaient avoir une signification idéologique et artistique sérieuse, bien qu'elles aient donné une impulsion au développement d'une autre branche des arts appliqués - l'artisanat artistique et en particulier l'art théâtral et décoratif.

La modernité, pour ainsi dire, a ouvert la voie à l'établissement de nouveaux principes esthétiques et créatifs dans l'art de créer des objets du quotidien et a accéléré l'émergence d'un nouveau métier artistique : le design artistique.

La formation du fonctionnalisme et du constructivisme dans des directions particulières dans l'architecture et la conception artistique des pays occidentaux s'est produite à la fin des années 1910 en relation avec la stabilisation de la vie et la réussite économique après la Première Guerre mondiale. Mais les fondements fondamentaux de la nouvelle architecture moderne ont été déterminés dans la période d'avant-guerre par les travaux d'architectes tels que T. Garnier et O. Perret (France), H. Berlaga (Hollande), A. Loos (Autriche), P. Behrens (Allemagne), F. Wright (États-Unis), I. Shekhtel, I. Rerberg (Russie), etc. Chacun d'eux a surmonté l'influence de la modernité et a lutté à sa manière.

En 1918, des départements spéciaux pour l'architecture et l'industrie de l'art ont été créés au sein du Département des Beaux-Arts du Commissariat du Peuple à l'Éducation. Une attention particulière est accordée aux questions de formation des spécialistes. En 1920, V.I. Lénine signe un décret portant création des Ateliers artistiques et techniques supérieurs d'État (VKHUTEMAS). Les diplômés ont créé de nouveaux échantillons de tissus, meubles, vaisselle, etc.

La formation en ateliers (transformés en 1927 en Institut d'art et technique de toute l'Union VKHUTEIN) s'est déroulée dans les facultés : architecture, céramique, textile, etc. A la faculté de transformation du bois et des métaux sous la direction de A. Rodchenko, D. . Lisitsky, V. Tatlin et d'autres maîtres recherchaient de nouvelles formes et conceptions pour divers objets. Toutes les activités de VKHUTEMAS visaient à développer chez les étudiants les compétences d'une approche intégrée de la conception de l'environnement de la vie quotidienne et de la production.

Dans les années 1920, un mouvement « d’art industriel » a émergé, développant les principes du fonctionnalisme et du constructivisme, qui cherchaient à établir dans l’esprit des artistes l’idéal esthétique d’une production matérielle rationnellement organisée. Toutes les formes d’art antérieures étaient déclarées « productionnistes » bourgeoises et inacceptables pour le prolétariat. D'où leur rejet non seulement des beaux-arts « pratiquement inutiles », mais aussi de toute créativité purement décorative, par exemple la bijouterie. Dans les années 20, les conditions techniques et économiques de notre pays n'étaient pas encore mûres pour la mise en œuvre de leurs idées.

VKHUTEMAS et les « ouvriers de la production » des années 1920 étaient étroitement liés idéologiquement et esthétiquement au Bauhaus et représentaient à plusieurs moments importants avec lui essentiellement un mouvement unique dans la conception artistique de cette époque. Dans le cadre de ce nouveau mouvement, l’esthétique du design moderne s’est formée, surmontant les contradictions des arts appliqués de la période précédente. L'activité artistique pratique des fondateurs du design consistait également à développer un arsenal de moyens artistiques et expressifs de l'art de créer des choses. Dans leurs œuvres (meubles, lampes, vaisselle, tissus, etc.), la plus grande attention a été portée aux propriétés des matériaux et de la forme telles que la texture, la couleur, l'expressivité plastique, la structure rythmique, la silhouette, etc., qui ont acquis une importance décisive dans le produits de composition, sans entrer en conflit avec les exigences de logique constructive et de fabricabilité de la forme. Une autre direction qui s'est développée avec succès dans notre pays dans les années 20 est la conception technique. En 1925, à Moscou, selon la conception de l'éminent ingénieur V. Shukhov, fut érigée la célèbre tour radio, dont la silhouette ajourée devint pendant longtemps un symbole de la radio soviétique. Un an plus tôt, J. Gakkel avait créé, sur la base des dernières avancées technologiques, la première locomotive diesel soviétique, dont la forme semble encore aujourd'hui assez moderne. Dans les années 1920, on s’est rendu compte de la nécessité de mener des recherches scientifiques sur les modèles d’activité humaine dans un environnement créé artificiellement. L'Institut central du travail s'organise, dans ses murs des recherches sont menées sur les questions d'organisation scientifique du travail et de culture de production. L'attention des scientifiques et des concepteurs est attirée sur les questions de biomécanique, d'organoleptique, etc. Parmi les travaux notables de ces années figure la conception d'un poste de travail de conducteur de tramway (N. Bernstein).

Ouais, Gakkel. Locomotive. Début des années 1930